Художники примитивисты 20 века. Примитивизм - наивное искусство
Стиль примитивизм в живописи нашел широкое применение. Прежде всего представителями этого направления стали художники-самоучки, которые не имели достаточных профессиональных навыков, но стремились показать себя и свое видение мира. Как и любое другое нововведение, примитивизм вызвал большой Художники, добивавшиеся славы долгие годы после обучения, были недовольны новым направлением живописи, которое не отнимало у творцов половину жизни на шлифование художественных навыков. Однако большинству искусствоведов простые шедевры понравились, и примитивизм все-таки занял свое место в огромном многообразии стилей.
Особенности примитивизма
Примитивизм в живописи характеризуется упрощением образов: художники искажают окружающий мир, отчего картины больше похожи на обычные детские рисунки. Однако изменения сделаны намеренно: сквозь иллюзию простоты и беспечности просматривается глубокий смысл произведения. Как и во всех остальных художественных стилях, в примитивизме важны детали - они несут основную смысловую нагрузку.
Ар-брют
Ар-брют - важная отрасль примитивизма. Синонимом определения является термин "искусство аутсайдеров." Произведения данной отрасли представляют собой мир душевнобольных или фриков, которые когда-то отошли от общества и погрузились в особенную реальность. Важной чертой ар-брюта считается полное отсутствие четких границ между фантазиями художника и реальной жизнью. Обилие мелких деталей наталкивает на мысль о бездумности жизни и напрасной спешке современного мира - это один из самых распространенных авторских посылов ар-брюта.
Мнение о том, что за наивностью образов не скрывается никакая идея, ошибочно. Примитивизм в насыщают не антуражем, но внутренним состоянием души. Его можно заметить только после внимательного рассмотрения и разбора изображенных деталей - беглый просмотр здесь неуместен.
Как научиться правильно определять примитивизм в живописи
Примитивизм не существует без наивности и спонтанного вдохновения автора. Человек, который впервые встречается с подобными сюжетами, испытывает чувство, схожее с ностальгией. Детское видение мира заключается в ломаности пропорций, ярких и насыщенных цветах, глубоком моральном подтексте. Человек в примитивизме больше похож на куклу, чем на реального персонажа - это добавляет ему загадочности.
Умение обращать внимание на детали и правильно их интерпретировать - настоящий талант. При определении художественного стиля он не будет лишним. Научиться понимать художника можно самостоятельно. Для этого стоит запомнить несколько важных критериев, замечая которые отличить произведения примитивизма от сюрреализма будет легко.
Во-первых, чистые цвета. Изобилие тонов и полутонов, светотень, глубина пространства - это не примитивизм. В наив-арте используются чистые краски пастельных или, напротив, чересчур ярких оттенков. Во-вторых, ломаные пропорции. Если картина напоминает стилизованные иллюстрации к фантастической книге, значит, это примитивизм. В-третьих, смешение реальности с фантазийными представлениями - примитивизм в живописи соединяет спокойный пейзаж и слишком броские цвета, человека и невероятных существ.
Яркие представители стиля примитивизм
Не только абстракционистами и сюрреалистами полна современная живопись. Примитивизм открыл дорогу многим талантливым творцам, работы которых ранее не признавались. Среди них Бабушка Мозес, Анри Руссо, Нико Пиросмани, Мария Примаченко, Алена Азерная и многие другие. Картины самых известных художников-примитивистов хранятся в Музее наивного искусства в Ницце.
Мир детства
Примитивизм в живописи занимает особое место. В первую очередь это объясняется уникальной способностью художников погружать человека в мир беззаботности, наивности и душевной чистоты. Несмотря на отсутствие у многих примитивистов художественного образования, картины наполнены тем, чего так не хватает большинству других направлений: настроением. Любители искусства понимают и ценят это, именно поэтому работы в жанре примитивизма пользуются такой популярностью.
Тивадар Костка родился 5 июля 1853 года, в горном селении Кишсебен, принадлежавшем Австрии (ныне Сабинов, Словакия)— венгерский художник-самоучка.
Его отец Ласли Костка был врачом и аптекарем. Будущий художник с детства знал, что станет аптекарем. Но прежде чем стать им сменил много профессий—работал торговым служащим, какое-то время посещал лекции на факультете права, и только потом изучил фармакологию.
Однажды, ему было уже 28 лет, находясь в аптеке, он схватился за карандаш и нарисовал на рецептурном бланке увиденную им из окна простую сцену — проезжающую телегу, запряженную буйволами.С этих пор, или еще раньше, он твердо намерился стать художником, для этого он постарался сколотить небольшой капиталец, который дал ему материальную независимость.
О себе он писал следующее: «Я, Тивадар Костка, во имя обновления мира отказался от своей юности. Когда я принял посвящение от невидимого духа, у меня было обеспеченное положение, я жил в достатке и удобстве. Но я покинул родину, потому что хотел видеть ее на закате своей жизни богатой и славной. Чтобы достичь этого, я долго путешествовал по Европе, Азии и Африке. Я хотел найти предсказанную мне истину и претворить ее в живопись».
Похоже, что идея стать художником настойчиво не давала покоя Тивадару Костке.
В один прекрасный день он отправляется в Рим, затем в Париж, где встречается с известным венгсрским художником Михаем Мункачи.
А потом возвращается на родину, и в течение четырнадцати лет работает в аптеке, стремясь добиться материальной независимости. Наконец, небольшой капитал накоплен, и он в один прекрасный день сдает аптеку в ареду и уезжает учиться сначала в Мюнхен, а затем в Париж.
Далее следует так хорошо знакомый нам принцип построения судьбы непризнанного гения.
Он понял, что те навыки, которые он приобретет в процессе учебы, не соответствуют его восприятию. А потому бросает учебу и в 1895 году отправляется в путешествие по Италии, чтобы рисовать пейзажи. Путешествовал также по Греции, Северной Африке и Ближнему Востоку.
В 1900 сменил свою фамилию Костка на псевдоним Чонтвари.
Ценность его произведений многими критиками подвергалась сомнениям. В Европе их выставляли, (правда, без особого успеха), но в своей родной Венгрии Чонтвари раз и навсегда нарекли сумасшедшим. Только под конец жизни приехал он в Будапешт и привез туда свои полотна. Попытался завещать их местному музею, но никому они оказались не нужны. В 1919 году Тивадар Костка Чонтвари по-настоящему сошел с ума и умер нищим, одиноким, осмеянным и никому не нужным.
Похоронив несчастного, родственники начали делить добро. А добра всего было - одни лишь картины. И вот, посоветовавшись с «экспертами», полотна решили сдать в утиль, как обычный холст, а деньги поделить между собой, чтобы все было по-честному.
В это время случайно или совсем даже не случайно (странное совпадение, однако!) мимо проходил молодой архитектор Гедеон Герлоци. Он-то и спас творения художника, заплатив за них несколько больше, чем предлагал старьевщик. Сейчас картины Тивадара Чонтвари хранятся в музее города Печа (Венгрия).
И вот, совсем недавно, одному из сотрудников музея, в процессе рассматривания картины Костки «Старый рыбак», написанной в 1902 году, пришло в голову приложить к ней зеркало. И тут он увидел, что картина-то на полотне не одна, а как минимум - две! Попробуйте сами разделить полотно зеркалом, и вы увидите или бога, сидящего в лодке, на фоне мирного, можно сказать, райского пейзажа, или самого дьявола, позади которого бушуют черные волны. А может, и в других картинах Чонтвари, есть скрытый смысл? Ведь не так-то прост был, оказывается, бывший аптекарь из деревушки Игло.
Марк Шагал «Любовники» Примитивизм Ты волосы свои несешь навстречу мне, и я, почуя твой взгляд и трепет, тела дрожь, тебя опять спросить хочу я: где давние мои цветы под хулой свадебной, далекой? Я помню: ночь, и рядом ты, и в первый раз к тебе прилег я, и погасили мы Луну, и свечек пламя заструилось, и…
Фрида Кало «Натюрморт с испуганной невестой», 1943 Примитивизм Смысл работ Фриды Кало всегда скрыт глубоко внутри. Окинув быстрым взглядом картину, зритель никогда не поймет смысл, потому что каждый предмет становится символом. Невеста — маленькая кукла, выглядывающая из разрезанного арбуза. Две части арбуза, представленные на картине, это не две половины. Они символизируют любовь и страсть, которые…
Марк Захарович Шагал «Синий дом», 1917 Музей изобразительных искусств, Льеж Примитивизм Витебск был любимым городом Шагала, знаковым местом, о котором художник всегда помнил и берёг эти воспоминания. Не случайно, когда живописцу выпала возможность посетить Советский Союз по приглашению Фурцевой, Шагал намеренно отказался от поездки в Витебск – хотел сохранить в душе старый город, город своей…
Фрида Кало «Сломанная колонна», 1944 Музей Долорес Ольмедо, Мехико Примитивизм, автопортрет На этой картине Фрида выразила всю физическую и душевную боль, которую постоянно испытывала в течение жизни. В детстве она переболела полиомиелитом, а в ранней юности попала в автомобильную аварию и какое-то время была прикована к постели. У нее был сломан в нескольких местах позвоночник,…
Марк Шагал «Я и деревня», 1911 Музей современного искусства, Нью-Йорк, США Примитивизм Благодаря финансовой поддержке столичных меценатов в 1910 Шагал оказался в Париже. Молодой художник, покочевав сначала с квартиры на квартиру, вскоре поселился в павильоне под названием «La Ruche», что в переводе означает «Улей». В этом деревянном здании располагалось более ста грязных, убогих, но дешевых…
Анри Руссо «Карнавальный вечер», 1886 Художественный музей, Филадельфия Примитивизм Это одна из ранних картин Руссо, хотя он написал её в 42-летнем возрасте. Анри Руссо до сорока лет работал таможенником и начал писать, лишь когда вышел в отставку. За год до «Карнавального вечера» он выставил в свободном Художественном салоне на Елисейских полях свои копии картин старых…
Фрида Кало «Девочка с маской смерти», 1938 Наивное искусство (Примитивизм) Нагойский городской музей, Япония Фрида Кало (исп. Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón, 6 июля 1907, Койоакан - 13 июля 1954, Койоакан) - мексиканская художница, жена Диего Риверы.В работах Фриды Кало очень сильно влияние народного мексиканского искусства, культуры доколумбовых цивилизаций Америки. Её творчество насыщено символами и…
Марк Шагал «Счастье», 1980 Бумага, литография, 116 x 75,5 см Национальный музей Марка Шагала, Ницца, Франция Примитивизм В нашей жизни есть одна-единственная краска, как и на палитре художника, придающая смысл жизни и искусству. Это краска любви. — Марк Шагал.
Подробности Категория: Разнообразие стилей и направлений в искусстве и их особенности Опубликовано 24.07.2015 19:12 Просмотров: 4998Это течение возникло в изобразительном искусстве конца XIX- начала XX в. Оно отличается намеренным опрощением изобразительных средств и обращением художников к формам примитивного искусства: первобытного, средневекового, народного, детского творчества.
Обычно понятия «примитивизм» и «наивное искусство» отождествляют. Но мы с этим категорически не согласны, потому что наивное искусство – это искусство непрофессионалов, а примитивизм – в определённой степени стилизация. Мы видим «примитивные» картины у многих художников, имевших академическое художественное образование или прошедших школу живописи у различных мастеров. Они имели опыт работы и в других стилях. Это, например, Поль Гоген, Михаил Ларионов, Пабло Пикассо, Наталья Гончарова, Пауль Клее, Климент Редько, Юрий Васнецов и многие другие. Возможно, работы таких больших мастеров не совсем правильно называть «стилизацией», это их собственный стиль, который в основе имеет пластику примитивного искусства. Но и наивным их творчество также назвать нельзя, потому что примитивные способы творческого самовыражения они выбрали сознательно, а не в силу недостатка художественного образования. Например, профессиональный художник Сергей Заграевский с самого начала своей творческой деятельности сохраняет один и тот же характерный для него стиль. Мы назовём этот стиль примитивизмом. А кто-то, возможно, поспорит с нами и отнесёт его картины к наивному искусству.
Сергей Заграевский «Яблоневый сад» (1992)
Конечно, невозможно многообразие творческих способов самовыражения, почерков и приёмов уложить в определённый стиль. Никогда художественная мысль не ограничивается рамками стиля, раз и навсегда выбранным направлением.
В связи с этим хочется вспомнить творчество М. Шагала.
М. Шагал «Белое распятие» (1938). Холст, масло, 254,3 х 139, 7 см. Институт искусств (Чикаго)
Картина создана художником под влиянием впечатлений от преследования евреев в Центральной и Восточной Европе. Она аллегорична. Образ распятого Иисуса для Шагала является новым символом – переживающего смертные муки еврейства.
В этой картине смешаны символизм , историзм и простодушная серьёзность примитивизма.
Марк Шагал (1887-1985) 
Родился в г. Витебске. Получил традиционное домашнее еврейское образование. Занимался в Рисовальной школе Общества поощрения художеств, у Л.С. Бакста в частной художественной школе Е. Н. Званцевой, затем продолжил художественное образование в Париже, где познакомился с художниками и поэтами-авангардистами .
Где бы он ни жил: в Петербурге, Париже, США – всюду он оставался сыном еврейского народа, но всегда хранил в сердце родной город, рисуя его тихие улочки и низенькие дома. Витебск называют второй по значимости «моделью» художника. А первой была Белла, жена и муза – с 1909 г. и до конца жизни.
М. Шагал «Над городом» (1918)
У Шагала отчётливо видна осознанная примитивизация пластического языка, только в такой форме он мог (и желал) выражать себя. Он так говорил о своих попытках стать художником: «Наверно, я вообще не поддаюсь обучению. Или меня не умели учить... Я способен только следовать инстинкту. Понимаете? А школьные правила мне не лезут в голову».
Шагал учился не только у авангардистов – он работал и у мастера вывесок. В витебском Народном художественном училище Шагал вместе с мастерами вывесок и их учениками готовил оформление города к 1-й годовщине революции. Художник изучал и детское творчество. В своей книге «Моя жизнь» он пишет: «Я не уставал восхищаться их рисунками, их вдохновенным лепетом...». В его работах, особенно в графике, проявились черты детского рисунка.
М. Шагал любил бытовые сюжеты и наполнял их фантастикой, предчувствием чуда, мифологичными символами и животными.
У истоков европейского примитивизма – творчество П. Гогена, А. Матисса, А. Модильяни.
Анри Матисс (1869-1954)
А. Матисс – французский художник и скульптор, лидер течения фовистов . Он искал свой путь: сначала писал картины в духе импрессионизма, затем работал в технике пуантилизма (в статье «Постимпрессинизм»), а позже создал новый стиль, вошедший в историю искусства под названием «фовизм». Для его картин периода начала XX в. характерны плоские формы, чёткие линии и менее строгий пуантилизм.
В 1906 г. Матисс побывал в Алжире и открыл для себя скульптуру народов Африки, стал интересоваться примитивизмом и классической японской ксилографией.
А. Матисс «Натюрморт с апельсинами» (1912)
Амедео Модильяни (1884-1920)
Итальянский художник и скульптор, работал в основном в стиле экспрессионизм . Но, испытав влияние многих художников парижской школы (Тулуз-Лотрека, Сезанна, Пикассо, Ренуара), впитал их особенности. В его творчестве присутствуют также отголоски примитивизма и абстракции .
А. Модильяни «Портрет Марии Васильевой» (1918)
Впрочем, некоторые искусствоведы примитивизм считают стилистической маскировкой экспрессионизма. Например, творения гениального австрийского экспрессиониста Оскара Кокошки только специалистам напоминают народные картинки.
Картина Оскара Кокошки
У некоторых художников начала XX в., относящихся к различным художественным направлениям и стилям, присутствуют работы в стиле примитивизм. Вот примеры этих работ.
П. Пикассо «Танцовщица» (1907-1908)
М. Ларионов «Офицерский парикмахер» (1909)
П. Клее «Акробатический номер» (1923)
П. Гоген «Жёлтый Христос» (1889). Холст, масло. 91,1 х 74,3 см. Галерея Олбрайт-Нокс (Буффало)
Эта картина П. Гогена считается одним из ключевых произведений в символизме, но исполнена в стиле примитивизма.
Безграничные муки, принимаемые Христом, противоречат «незамечаемости» этой жертвы людьми. Художник обращается к «вечной» теме, стремясь понять и объяснить себе и другим в своих работах смысл жертвенного служения. Главная тема картины – людская отчужденность и от Бога, и от неба. Но и в выражении лица самого Христа читается не столько любовь к человечеству, сколько сомнения, не была ли напрасной его жертва – на Его лице отображена та стадия страдания, которая граничит с апатией, безразличием ко всему окружающему.
«Венера» М. Ларионова (1912), созданная в стиле примитивизма, похожа на рисунок на заборе, да ещё и с надписью. Конечно, здесь и речи не может быть о наивном искусстве – это явная и намеренная стилизация, насмешка.
Н. Гончарова «Хоровод» (1910)
А вот примитивизм Н. Гончаровой выражен в грубоватой монументальности крестьянских фигур. Несмотря на искусственную статичность ее образов, картины Н. Гончаровой полны мощного вечного движения. Её примитивизм – вариант экспрессионизма.
И в настоящее время художники нередко обращаются к этому стилю. Примитив не скован традицией «школы», он свободен от канонов, отсюда его непосредственность.
Две разновидности примитива: лубочный и романтико-идиллический – оказались долгожителями. Они продолжают жить в примитиве наших дней.
Д. Завгородний «Странный бык»
Д. Завгородний «Северное сияние»
) в своих экспрессивных размашистых работах смогла сохранить прозрачность тумана, легкость паруса, плавное покачивание корабля на волнах.
Ее картины поражают своей глубиной, объемом, насыщенностью, а текстура такова, что от них невозможно оторвать взгляд.
Теплая простота Валентина Губарева
Художник-примитивист из Минска Валентин Губарев не гонится за славой и просто делает то, что любит. Его творчество безумно популярно за рубежом, но почти незнакомо его соотечественникам. В середине 90-х годов в его бытовые зарисовки влюбились французы и заключили с художником контракт на 16 лет. Картины, которые, казалось бы, должны быть понятны только нам, носителям «скромного обаяния неразвитого социализма», понравились европейской публике, и начались выставки в Швейцарии, Германии, Великобритании и других странах.
Чувственный реализм Сергея Маршенникова
Сергею Маршенникову 41 год. Он живет в Санкт-Петербурге и творит в лучших традициях классической русской школы реалистичной портретной живописи. Героинями его полотен становятся нежные и беззащитные в своей полуобнаженности женщины. На многих самых известных картинах изображена муза и жена художника - Наталья.
Близорукий мир Филипа Барлоу
В современную эпоху картинок высокого разрешения и расцвета гиперреализма творчество Филипа Барлоу (Philip Barlow) сразу привлекает внимание. Однако от зрителя требуется определенное усилие для того, чтобы заставить себя смотреть на размытые силуэты и яркие пятна на полотнах автора. Наверное, так видят мир без очков и контактных линз люди, страдающие близорукостью.
Солнечные зайчики Лорана Парселье
Живопись Лорана Парселье (Laurent Parcelier) - это удивительный мир, в котором нет ни грусти, ни уныния. У него вы не встретите хмурых и дождливых картин. На его полотнах много света, воздуха и ярких красок, которые художник наносит характерными узнаваемыми мазками. Это создает ощущение, будто картины сотканы из тысячи солнечных зайчиков.
Динамика города в работах Джереми Манна
Маслом на деревянных панелях американский художник Джереми Манн (Jeremy Mann) пишет динамичные портреты современного мегаполиса. «Абстрактные формы, линии, контраст светлых и темных пятен - все создает картину, которая вызывает то чувство, которое человек испытывает в толпе и суматохе города, но также может выразить и спокойствие, которое обретается при созерцании тихой красоты», - говорит художник.
Иллюзорный мир Нила Саймона
На картинах британского художника Нила Саймона (Neil Simone) все не так, как кажется на первый взгляд. «Для меня мир вокруг - это череда хрупких и постоянно меняющихся форм, теней и границ», - говорит Саймон. И на его картинах все действительно иллюзорно и взаимосвязано. Границы смываются, а сюжеты перетекают друг в друга.
Любовная драма Жозефа Лорассо
Итальянец по происхождению современный американский художник Жозеф Лорассо (Joseph Lorusso) переносит на холст сюжеты, подсмотренные им в повседневной жизни обычных людей. Объятия и поцелуи, страстные порывы, минутки нежности и желания наполняют его эмоциональные картины.
Деревенская жизнь Дмитрия Лёвина
Дмитрий Лёвин - признанный мастер русского пейзажа, зарекомендовавший себя как талантливый представитель русской реалистической школы. Важнейший источник его искусства - привязанность к природе, которую он нежно и страстно любит и частью которой себя ощущает.
Яркий восток Валерия Блохина
