Скульптура поздней классики древней греции. Поздняя классика

Культура поздней классики хронологически охватывает время с момента окончания Пелопоннесской войны (404 г. до н. э.) и большую часть IV в. до н. э. Исторический период, последовавший после смерти Александра Македонского (323 г. до н. э.) и охватывающий последнюю четверть IV в. до н. э., представляет собой переходное время к следующему этапу в истории античного общества и культуры, к так называемому эллинизму. Этот завершающий период был временем распада грандиозного государственного образования, охватывающего Македонию, собственно Грецию, Египет, территорию бывшей монархии Ахеменидов и доходящего до Кавказа, среднеазиатских пустынь и реки Инда. Вместе с тем это был период формирования на развалинах огромной империи Александра Македонского относительно более устойчивых образований, так называемых эллинистических монархий.

Было бы, однако, неверно полагать, что искусство поздней классики внезапно прекратило свое существование в день битвы при Херонее, похоронившей свободу греческих полисов, или в год смерти Александра Македонского. Переход к эллинистической эпохе в греческой культуре в 330-х-320-х гг. до н. э. только начался. Вся последняя четверть века была сложным временем сосуществования постепенно угасающих форм искусства поздней классики и зарождения новых, эллинистических направлений в искусстве. При этом иногда обе тенденции переплетаются в творчестве тех или других мастеров, иногда противостоят друг другу. Поэтому этот период можно определить и как время протоэллинизма.

Вообще же следует отметить, что и в эпоху эллинизма (при всей активизации влияния восточных культур) в таких зонах тогдашнего эллинистического мира, как собственно Греция и искони греческие зоны Малой Азии, возникло искусство, хотя отличное от классического, но все же связанное глубокими преемственными связями с традициями и опытом греческого классического искусства. Поэтому такие памятники, как, например, исполненная радостно-героической патетики «Ника Самофракийская» или покоряющая своей благородной естественной красотой «Афродита Милосская», тесно связаны с идеалами и художественными традициями поздней классики.

Каковы же черты духовного, эстетического единства, которые дают нам возможность выделять позднюю классику в самостоятельный этап в истории греческой культуры, соответствующий определенному этапу в социальной истории греческого мира. В культуре этот период связан с постепенным исчезновением греческой хоровой драмы, утратой гармонической ясности монументального искусства. Постепенный распад единства возвышенного и естественного, героического и лирического начала, с одновременным зарождением новых, очень ценных художественных решений, неразрывно связывался с тем кризисом полисного общественного сознания, с тем глубоким разочарованием в былых героических гражданственных идеалах, которые были порождены бедствиями межполисной Пелопоннесской войны. Эти бедствия были действительно огромны и тягостны. Однако общую духовную атмосферу Греции IV в. до н. э. определили не только итоги Пелопоннесской войны. Причина кризиса культуры греческих городов-государств лежала глубже. Если бы полисная система сохранила свою жизнеспособность, если бы не наступил период первого кризиса рабовладельческих отношений, то полисы, видимо, оправились бы от потрясений и этой тяжелой войны.

Как известно, причина состояла в том, что в социальной жизни Греции произошли изменения, превратившие полисную систему в исторически изжившую себя систему, тормозящую дальнейшее развитие рабовладельческого общества. Ведь войны между полисами происходили и раньше. И раньше политическая раздробленность Эллады, временно и лишь частично преодоленная во время персидского нашествия, имела свои негативные стороны. И все же она не препятствовала расцвету классической культуры. Более того, она была основным условием возникновения той интенсивной общественной жизни, того неповторимого духовного климата, которые и привели к расцвету греческого классического искусства. До тех пор пока массовую основу полиса составляли свободные ремесленники и крестьяне, способные эффективно вести свою экономическую и политическую деятельность, полисная система оправдывала себя исторически. Однако кризис рабовладения, растущее обеднение свободной части населения, рост богатств кучки рабовладельцев, опасность рабских восстаний делали

131

неизбежным сплочение рабовладельческого античного общества. А это объединение было достижимо лишь ценой утраты политической самостоятельности полисов. И эта цена становилась исторически неизбежной. Раздробленные, борющиеся за свое господство полисы не могли прийти к добровольно-равноправному объединению. В этих условиях создание мощного рабовладельческого государства могло бы произойти путем укрепления гегемонии одного, постепенно расширяющего зону господства полиса - таков будущий путь Рима. Опыт Пелопоннесской войны показал нереальность этого варианта в условиях Греции. Это и породило историческую неизбежность насильственного объединения Греции Македонией, то есть полугреческой, полуварварской тогда страной. Расположенная на территории Северной Греции и южной части современных Болгарии и Югославии, Македония была преимущественно крестьянской страной, экономически и духовно гораздо менее развитой, чем собственно Греция. Однако она стала базой для образования относительно большой по масштабам Древней Эллады централизованной монархии. Концентрация военных, людских ресурсов, твердая дисциплина, относительная устойчивость военно-политической организации обеспечили Македонии возможность по мере усиления ее связей с миром греческих полисов и развития рабовладения достижения гегемонии в Греции. Таким образом, рано или поздно слияние Македонии с торгово-ремесленными рабовладельческими городами-государствами становилось исторически неизбежным.

Этот процесс происходил в драматических, подчас трагических формах. Но при всей ее трагической красоте борьба сторонников старых эллинских свобод была заранее исторически обречена, хотя бы потому, что в ряде полисов существовали силы, заинтересованные в победе Македонии. Отсюда тот оттенок горечи, который сквозил в речах непримиримого противника македонской гегемонии Демосфена, так точно подмеченный в позднейшем статуарном портрете Демосфена работы Полиевкта (III в. до н. э.). Начавшийся еще при македонском царе Филиппе II процесс подчинения Эллады Македонии был окончательно завершен при Александре. Его стремление в интересах македонской знати и верхушки рабовладельческого общества греческих полисов сокрушить персидскую монархию и овладеть ее богатствами представляло собой не только исторически наиболее эффективный, хотя и временный выход из кризиса, переживаемого в период поздней классики Грецией. Предстоящий поход в Персию давал возможность выдавать гегемонистические стремления Македонии подчинить себе Элладу за единственно возможный путь для окончательной расправы с исконным эллинским врагом - персидской деспотией. Персия была действительно сокрушена, но чрезмерно дорогой для полисов ценой. Правда, в целом победа над персами, пафос создания огромных империй в раннем эллинизме вызвали в жизни и в культуре безусловный подъем, своеобразный расцвет грандиозно-монументальных, патетически приподнятых форм искусства. В период поздней классики судьба культуры, ее лицо определялись именно общим кризисом полисного этапа в эволюции греческого общества. Не следует, однако, думать, что кризис полиса породил лишь явления распада старого классического искусства. Дело обстояло сложнее. Процесс кризиса духовной культуры полиса вызвал к жизни весьма различные направления в искусстве.

В целом это было временем разочарования в разумной гармоничности основ гражданской и духовной жизни полиса, период кризиса веры в единство, частного и общественного интересов. Ощущение трагических диссонансов эпохи находило свое выражение уже в творчестве Еврипида - последнего великого трагика классической эпохи. Отходит в невозвратное прошлое героическая гармония классического монументального синтеза. Конечно, в культуре и искусстве проявляется стремление сохранить и продолжить опыт и традиции зрелой классики, но все же идейнообразное содержание и сами формы этого искусства претерпевают глубокие изменения. Поскольку идеал классики утрачивал свое внутреннее соответствие условиям реальной общественной жизни, формальное подражание классике впервые вызвало к жизни официальные, холодно-парадные произведения.

Вместе с тем духовные процессы, происходящие в обществе, были отмечены не только чертами кризиса. В позднюю классику не могли не возникнуть и известные тенденции, связанные с появлением новых этических и эстетических ценностей. Известное развитие получало выражение более лирических или более лично окрашенных чувств и состояний в связи с нарастающим выделением личности из распадающейся «соборности» целого. Важный оттенок этих новых в искусстве моментов, идущих на смену старым великим ценностям, состоял в том, что в условиях поздней классики они проявляли себя в эмоциональной модификации обобщенно прекрасного художественного языка классики, а частично и в изменении социального и эстетического назначения памятника. Гармонически прекрасный, поэтический образ человека не несет уже в себе героического пафоса былых времен, в нем не находят себе отзвука трагические диссонансы действительности, но в нем раскрывается лирически преобразованный мир более лично понятого счастья. Так возникает искусство Праксителя, сочетающее черты утопического гедонизма и тонкого чувства лирического начала в жизни человека.

Глубокое этико-эстетическое переживание трагических контрастов эпохи находит то сдержанно задумчивое, то патетически страстное воплощение в искусстве великого Скопаса, вносящего несколько более личные, более сложные оттенки в понимание человека и его судьбы. Если искусство Скопаса в известной мере подготавливало появление монументальной, полной патетической динамики линии в искусстве последующей эллинистической эпохи, то творчество Лисиппа уже во второй половине века закладывало основы тех форм реализма, которые отходили от универсального образа человека VI-V вв. до н. э. и оказали большое влияние на ряд направлений в искусстве эллинизма. Общие тенденции, характерные для развития скульптуры поздней классики, сказались и в эволюции портрета. В нем образуется несколько направлений. С одной стороны, это идеализирующая линия в развитии

132

портрета, идущая от Силаниона к портретам Леохара. С другой стороны, намечается процесс зарождения интереса либо к передаче индивидуального облика личности, либо к передаче все более определенного, все более конкретизированного душевного состояния героя. Лишь постепенно уже в годы раннего эллинизма эти две линии окончательно сливаются, приводя к раскрытию характера личности в живом единстве его физической и духовной характеристики, то есть к возникновению портрета в узком смысле этого слова - огромному завоеванию в истории европейского искусства.

Дальнейшее развитие в IV в. до н. э. получает и живопись. Именно в этот период она делает шаг вперед в выявлении скрытых в ее художественном языке специфических возможностей. В целом для живописи IV в. до н. э., как и для скульптуры, по-видимому, характерны развитие отвлеченно героизирующего, не лишенного холодной патетики направления и все большее нарастание интимно-лирических интонаций. Следует отметить, что одной из черт духовной культуры IV в. до н. э. явился процесс постепенной утраты мифологическими образами своей универсальной значимости, способности органично, художественно правдиво воплощать самые общие качества человеческой личности и человеческого коллектива. Уже на протяжении V в. до н. э. эволюция рабовладельческого общества и его культуры ведет к постепенному распаду мифологических представлений о вселенной и обществе. Однако если в области философии и отчасти исторической науки передовые греческие мыслители того времени преобразовывают и преодолевают мифологические принципы познания и оценки мира, то в сфере поэтического восприятия мира и в сфере этики мифологические формы, в особенности эстетическая и этическая способность мифологии пластически наглядно персонифицировать общие представления о жизни, были необычайно живы и гармонировали с общим укладом и строем жизни. Не только для народа, для создателей храмовых ансамблей и творцов великой греческой трагедии мифологические образы и легенды представляли почву и арсенал для решения актуальных этических и эстетических проблем своего времени.

Еще в самом конце V в. до н. э. Платон, создавая свой художественно-философский трактат о природе любви, вкладывает в уста Сократа и его собеседников речи, в которых свойственные философско-логическому мышлению аргументы органически сплетаются с целой системой художественных образов, метафор и поэтических легенд, представляющих собой философское переосмысление мифологических представлений и олицетворений, разработанных предшествующей историей греческого сознания.

Правда, в отличие от современной ему трагедии и комедии у Платона действуют не мифические персонажи, а живые современники, и сам спор о природе любви, идущий за пиршественным столом, развертывается в достаточно конкретно описанных условиях. В этом сказывается начало перехода к поздней классике. Тем не менее аргументация собеседников пронизана той слитностью философского и художественного начал, ощущением глубокой духовной содержательности мифологических образов, которые свойственны культуре полиса эпохи его расцвета. В IVb. до н. э. система видения мира постепенно теряет свою органичность, что связано и с позитивным моментом - с развитием рассудочных и научных форм человеческого сознания. Но этот прогресс связан и с началом распада универсальной целостности художественного восприятия мира. Мир мифологических представлений и образов постепенно начинает наполняться иным художественным содержанием, иным миропониманием. Все чаще миф становится либо материалом для холодно-рассудочных аллегорий, либо наполняется таким страстным, психологически заостренным драматическим содержанием, которое превращает издавна знакомый всем сюжет или ситуацию в средство воплощения художником своего личного переживания.

Конечно, художник ищет миф, соответствующий по сюжету и содержанию миру своих чувств и представлений, порожденных новым кругом проблем. Но при этом творческим пафосом становится личная творческая интонация художника. Стали уходить в прошлое слитность воли и разума художника с объективно заложенным в мифе этическим пафосом и его эстетической значительностью, которые не давали возможности в классических произведениях достаточно явственно ощутить индивидуальность художника и его личный внутренний мир. В IV в. до н. э. современникам становится чуждо глубокое гражданское и эстетическое осмысление мифа, которое столь выразительно раскрывалось в битве греков и кентавров на западном фронтоне храма Зевса в Олимпии.

Вскоре исчезает радость воплощения в мифических образах героической целостности представления о мироздании, как это было дано во фронтонах Парфенона. Становится также невозможным то сопоставление двух противоположных друг другу, обладающих универсальной эстетической и этической значимостью мифологических характеров, которое было воплощено в «Афине и Марсии» Мирона.

Так, бурный порыв страдания и скорби умирающих героев с тегейского фронтона Скопаса ближе духу еврипидовских героев, отмеченных личной страстностью бунтующих против изживших себя норм бытия, чем строгому этосу образов Эсхила и Софокла - носителей общезначимых этических ценностей (Прометей, утверждающий величие человеческой воли; Орест, мстящий за попранную правду; Антигона, противостоящая насилию власти царя, и так далее). В этом не только слабость искусства IV в. до н. э., но и его сила, то эстетически новое, что несет с собой искусство - более дифференцированная сложность художественных образов, большая самостоятельная выявленность собственно эстетического начала, большая мера передачи личного, то лирически, то патетически окрашенного момента в художественной жизни образа. Искусство этого времени связано с первыми ростками индивидуализированного психологизма, лиризма и заостренной драматической экспрессии. Они возникают впервые в античном искусстве именно в IV в. до н. э. Это шаг вперед, достигнутый дорогой ценой отказа от целого ряда великих завоеваний искусства классики.

133

АРХИТЕКТУРА

Архитектура Греции IV в. до н. э. продолжала развиваться в рамках классической ордерной системы. Вместе с тем некоторые ее тенденции как бы подготовляли появление архитектуры эпохи эллинизма. В течение первой трети века наблюдается известный спад строительной деятельности, обусловленный тем экономическим и социальным кризисом, который охватил греческие полисы после изнурительной Пелопоннесской войны. Конечно, спад этот был не повсеместным. Наиболее остро он проявился в потерпевших поражение Афинах, в Пелопоннесе строительство почти не прерывалось.

Уже с 370-х гг. до н. э. строительная деятельность вновь возрождается. Наряду со строительством храмов большое внимание уделяется воздвижению общественных сооружений, призванных обеспечить гражданские и социально-бытовые потребности жителей города. Начинают строиться из камня театральные сооружения, расширяется строительство палестр, гимнасий, булевтериев. Строительство жилых домов зажиточных граждан (например, на острове Делос) отмечено появлением новых моментов, при которых именно личное жилище все более становится средоточием жизни и быта богатого горожанина. При этом используются старые принципы строительства, но изящная колоннада внутреннего двора, введение мозаики для украшения жилища и прочее свидетельствуют о возникновении новых тенденций и здесь. Принципиальное значение имело появление сначала в малоазийской Греции, а позже и в собственно Греции архитектурных сооружений, посвященных возвеличиванию отдельной личности, чаще всего личности властителя. Так, в середине века воздвигается Галикарнасский мавсолей - огромная усыпальница в честь правителя Карии Мавсола, а во второй половине IV в. до н. э. - мемориальное здание в Олимпии Филиппейон, прославляющее победу македонского царя Филиппа II над греческими полисами. Такие сооружения в эпоху архаики и классики были немыслимы. Именно в этих зданиях начинается отход от ясной гармонии классической ордерной архитектуры и обнаруживается тяготение к усложненности и пышности.

Для архитектуры поздней классики характерно более частое, чем в зрелой классике, и существенно отличное использование различных ордеров. Сочетанием строгого величия дорического ордера с ясным изяществом ионийского классическая архитектура стремилась достичь наибольшей гармонической полноты воплощения эстетического идеала. Одновременное использование дорического, ионийского и коринфского ордеров в IV в. до н. э. преследовало иные цели. Либо это вело к созданию импозантного архитектурного образа, либо усиливало его динамическую сложность и живописное богатство. Вне зависимости от того, что одно направление вело в конечном счете к большей репрезентативности, а другое ставило себе задачу активизировать и усложнить образную эмоциональную жизнь архитектурного целого, в обоих случаях это подтачивало основной принцип зодчества классики, органическое единство конструктивного и эстетического начал, завершенности и органичности образного решения.

Все большее распространение получает растительная капитель коринфского ордера. Светотеневым богатством своей формы и беспокойной игрой завитков аканфа коринфская капитель не только усиливала декоративную выразительность колоннады. Отступая от конструктивной ясности ордерной системы, она также снимала ощущение упругого напряжения колонны при встрече с перекрытием, которое было присуще ионийской и особенно дорической капителям. Одним из первых примеров введения коринфской колоннады в оформление интерьера был круглый храм святилища в Дельфах - Мармария. Особенно ясно черты поздней классики воплотились в периптерном храме Афины Алей в Тегее (Пелопоннес), отстроенном несколько десятилетий спустя после пожара в 394 г. до н. э. Архитектором и создателем скульптурного убранства был величайший мастер поздней классики Скопас. При украшении полуколоннами наоса храма им был применен коринфский ордер. Полуколонны тегейского храма еще в меньшей мере, чем в храме в Бассах, выступали из стен; они опирались на общую для них сложно профилированную базу, проходящую вдоль всех стен наоса. Таким образом, трехнефное внутреннее пространство храма превращалось в единый зал, в котором полуколонны выполняли уже чисто декоративную функцию.

Одним из значительнейших ансамблей, перестроенных в середине IV в. до н. э., был культовый комплекс в Эпидавре. Для него характерно свободное расположение зданий святилищ. Центральное место в нем занимало святилище Асклепия - большое круглое здание, окруженное полукольцевой декоративной стеной с полукруглыми нишами.

Круглые храмы в комплексах святилищ встречались и раньше. Но в ансамблях архаики и классики господствующее положение занимал прямоугольный дорический периптер. Здесь же более активная пространственная форма круглого здания занимает почти равноправное положение с прямоугольным периптером другого храма, создавая полный контрастной выразительности архитектурный образ целого.

Наибольший эстетический интерес в ансамбле Эпидавра все же имеет не святилище Асклепия, а расположенное несколько в стороне здание театра, построенное Поликлетом Младшим. Это был один из прекраснейших театров античности. Первый каменный театр был сооружен еще в V в. до н. э. в Сиракузах, но он не сохранился в своем первоначальном виде.

133

Как и другие дошедшие до нас театральные сооружения греков (например, театр Диониса в Афинах), театр в Эпидавре использовал естественный склон крутого холма. Это приспособление архитектуры к местности - характерная черта для зодчих классического времени. Театрон (полукружия каменных ступеней, где размещаются места для зрителей) органично вписывается в крутой склон холма, в спокойные формы окружающей природы. Вместе с тем четким ритмом напряженных кривых он как бы выявляет силу творческой деятельности человека, вносящей строй и порядок в естественную текучесть линий окружающего ландшафта.

Чтобы понять своеобразный, столь непохожий на наш характер архитектуры греческого театра, следует помнить, что вся структура античного театра вырастала из первоначального народного культового зрелища. Когда-то в кругу-орхестре выступали ряженые участники культовых игрищ, а вокруг располагались зрители. С увеличением их числа разыгрывать действие оказывалось удобнее у склона холма, на котором и располагалась публика. Напротив холма ставилась палатка-скена, где готовились к выходу актеры. Постепенно скена превратилась в двухъярусное сооружение с колоннадой. Оно образовывало постоянный архитектурный фон и отделяло актера от природной среды. Склон холма также архитектурно осваивался - появились концентрические ярусы театрона. Так сложилась архитектура греческого театра, образцом которой и является театр в Эпидавре. Широкий горизонтальный обход членит ряды ступеней театрона примерно по золотому сечению. От орхестры вверх между ступенями рядов протянуты семь проходов-лестниц. Выше обхода, где протяженность горизонтальных рядов сильно увеличена, в промежутках между лестницами-проходами вписываются дополнительные проходы. Так создается ясная и живая сеть вертикальных ритмов, пересекающих веер горизонтально расходящихся кругов ступеней театра. И еще одна особенность: актер или участники хора, выступающие в орхестре, все время легко и естественно «владеют» многотысячной массой зрителей, расположившихся на ступенях театра. Если актер охвачен театроном, то широко раскинутые руки актера как бы замыкают в себе, подчиняют себе все пространство театра. Кроме того, актеру не нужно резко повышать голос, чтобы быть услышанным. Если, стоя в центре орхестры, бросить на камень пола никелевую монетку или разорвать клочок бумаги, то звон упавшей монеты, шорох разрываемого листа будут слышны в самом верхнем ряду. И с любого места, с самых верхних ступеней прекрасно видна ныне почти разрушенная стена скены, отделяющая орхестру и проскениум (так называется узкая высокая площадка перед скеной) от окружающей среды.

Простые и благородные пропорции архитектуры театра и концентрическое движение ступеней вниз к орхестре сосредоточивают внимание зрителя на актерах и хоре (хор и обычно актеры играли в кругу орхестры, а не на проскениуме). Широко расстилающиеся кругом горы и холмы, высокое синее небо не были способны отвлечь пришедших от восприятия протекающего в орхестре действия. Коллектив зрителей в таком театре не был оторван и от природы, хотя его внимание было сосредоточено и сконцентрировано на развертываемой драме.

Принципиальное значение имело и то, что ряды скамеек греческого театрона охватывали собой орхестру несколько больше, чем наполовину. События драмы не являлись, таким образом, предметом рассмотрения со стороны, зрители были как бы соучастниками события, и их масса охватывала собой играющих актеров. В этом отношении то принципиальное отчуждение пространственной среды, в которой находятся зрители, от той, в которой протекает спектакль (столь типичное для театра нового времени), здесь еще отсутствует.

Впервые более близкое к современному пониманию места и роли сцены в спектакле начало осуществляться позднее в римском театре. Наряду с усложнением архитектуры сцены и увеличением ее пространства решающее значение имело то, что в римском театре зрители уже не охватывали орхестру, поскольку ряды театрона не заходили за пределы полукружия, а сама орхестра теряла свое былое значение основной игровой сценической площадки.

Вместе с тем особо примечательно то, что принцип тесной взаимосвязи зрителя и актера как принцип народной зрелищности античного театра в той или иной мере в XX веке вновь привлекает внимание творцов спектакля. Предпринимались попытки возродить дух античного театра в условиях современного художественного восприятия, выйти за пределы сценической коробки. Эти попытки часто носили искусственный характер. Но все же и они, а в особенности вновь возникший интерес к постановке творений античной драматургии (постановка, в частности, у нас «Эдипа-царя», «Медеи») показывают близость нам некоторых принципов античного театра, особенно его классической драматургии.

В связи с этим следует подчеркнуть, что пространственная и психологическая связь зрителей и актеров все же не вела в Греции к отождествлению возвышенной художественной жизни в орхестре с тем жизненным измерением, в котором пребывали зрители. Существовало различие, которое при единстве пространственной среды было более глубоким, а главное -

135

иным, чем различие между актером и зрителем, осуществляемое в зрительном зале XVII-XIX веков с убранной стенкой коробки-сцены. В этой особой коробке актеры, однако, особенно в театре XIX века стараются быть художественно подобными реальным людям и вместе с тем как бы не видеть зрителей, сидящих в темноте за невидимой границей портала. В греческом театре реальная общность среды, охватывающая актера и зрителей, сочеталась с повышенной героической обобщенностью и трагического языка и физического облика театральных персонажей.

Античный театр был театром под открытым небом, спектакли ставились в праздничные дни в промежутке между утренней и вечерней зарей. Конечно, при естественном освещении, равно охватывающем зрителя и действующих лиц, оттенки выразительной игры актера воспринимались бы с трудом с задних рядов театрона, вмещавшего в Эпидавре не менее тринадцати тысяч зрителей. Но в этом и не было нужды, так как актеры выступали в масках, пластически выражавших основной лейтмотив духовного состояния героя, в длинных одеяниях - хламидах, в обуви на высоких подставках-котурнах, искусственно увеличивающих их рост. Мимика лица отсутствовала, да она и не соответствовала бы эстетической концепции эллинов. Свои движения актеры сообразовывали с сопровождающей действо музыкой. Эти движения, видимо, носили подчеркнуто ритмизованный характер и отличались пластической выразительностью. Некоторое представление об этом дают сохранившиеся изображения масок, фигурок трагических и комических актеров. Их сравнение с масками характеров-типов Комедиа дель арте дает возможность оценить не только общность, но и глубокое различие двух театральных систем классического театра V - первой половины IV в. до н. э. с его приподнятыми над бытом универсальными образами и гротескной, хотя в своей основе и бытовой характерностью масок эпохи Возрождения.

В IV в. до н. э. примечательно усиление удельного веса частных сооружений, воздвигаемых в вотивных целях. Таков памятник Лисикрата в Афинах (332 г. до н. э.). Лисикрат увековечил в памятнике одержанную в состязании победу хора, подготовленного его иждивением. На высоком кубическом цоколе, сложенном из безукоризненно отесанных квадров, высится стройный каменный цилиндр, украшенный изящными полуколоннами коринфского ордера. Над узким и легко профилированным архитравом протянут фриз-зофор, на котором разбросаны полные живописной и легкой динамики рельефные группы. Стройный акротерий, венчающий пологую конусообразную крышу, являлся подставкой для бронзового треножника, который был присужден в качестве приза Лисикрату. Своеобразие этого сооружения определяют камерность масштаба и изысканная ясность пропорций. В какой-то мере памятник Лисикрата предвосхищает ту линию эллинистической архитектуры, живописи и скульптуры, которая была связана с эстетическим оформлением более частных, интимных аспектов жизни человека. Тенденции, ведущие к репрезентативному зодчеству эллинизма, проявляют себя на территории Греции в мемориальном сооружении Филиппейоне (338-334 гг. до н. э.). Круглый в плане храм был украшен колоннадой ионийского ордера, а внутри применен коринфский ордер. Между пышными коринфскими колоннами размещались статуи македонских царей, исполненные в хрисоэлефантинной технике, до того применявшейся лишь при изображении богов.

В малоазийской Греции пути эволюции зодчества несколько отличались от развития архитектуры в самой Греции. Там стремление к созданию пышных и грандиозных архитектурных сооружений сказалось с особой силой, поскольку тенденция отхода от классических идеалов архитектуры в малоазийском зодчестве, традиционно связанном с Востоком, давала себя знать особенно явственно. Так, построенные в середине IV в. до н. э. огромные ионийские диптеры (второй храм Артемиды в Эфесе, храм Артемиды в Сардах и другие) отличались пышностью и усложненной роскошью архитектурного убранства.

Представление о новой социальной функции зодчества и соответствующих эстетических принципах дает Галикарнасский мавсолей. Мавсолей был воздвигнут в 353 г. до н. э. строителями Сатиром и Пифеем. От классической ордерной архитектуры его отличало не только чуждое гражданам полиса назначение - возвеличение особы монарха. Стилистически мавсолей также далек от классического ордерного сооружения как своими огромными масштабами и сложным сочетанием различных архитектурных форм, так и своеобразным симбиозом греческих и восточных архитектурных мотивов. Ради достижения впечатления богатства и пышности строители пожертвовали конструктивной ясностью.

Детали реконструкции разрушенного здания до сих пор вызывают споры, но главное ясно: сооружение начиналось цокольным ярусом почти кубического объема. Ярус, видимо, венчался полным динамики фризом-зофором, украшенным рельефами. Так, колоннада второго яруса опиралась не на устойчивую базу подиума, а на зыбкую, беспокойную полосу скульптурного рельефа. Над колоннадой возвышался третий ярус, представляющий собой усеченную

136

ступенчатую пирамиду. На ее вершине находилась огромная парная статуя Мавсола с супругой. Сам мотив помещения над ионийской колоннадой усеченной ступенчатой пирамиды представлял собой возврат к местным малоазийским традициям, например к формам высекаемых в скале гробниц, в которых применялось сочетание ионийской колоннады со ступенчатой пирамидой. Однако огромность масштабов, изменение пропорций, пышная импозантность убранства придавали совершенно иной характер архитектурному образу мавсолея по сравнению со скромными лидийскими гробницами VI в. до н. э.

Ансамбль Галикарнасского мавсолея нельзя рассматривать как пример только снижения высокого классического искусства. Правда, в архитектуре мавсолея не нашли своего явственного выражения прогрессивные тенденции в развитии зодчества будущей эпохи - усложнение и обогащение концепции ансамбля, пробуждение интереса к выразительности внутреннего архитектурного пространства, интенсификация эмоциональности художественного языка архитектуры и так далее. Однако мастера скульптуры, украшавшие мавсолей, сумели выйти за пределы и официальной идеи памятника и его несколько тяжеловесной поэтики. В частности, Скопас во фризе, посвященном битве греков с амазонками, воплотил с необычайной силой трагически смятенный дух эпохи, сделал важный шаг вперед в передаче порыва человеческой страсти.

СКУЛЬПТУРА

Характерные особенности скульптуры первой трети IV в. до н. э. нашли свое выражение в творчестве Кефисодота (Старшего), мастера, формально связанного с традициями Периклова времени.

Однако в его искусстве ощущаются и черты нарочитой идеализации, сочетаемой с риторической повествовательностью и холодной сентиментальностью. В этом смысле поучительно такое произведение Кефисодота, как богиня мира Эйрена с младенцем Плутосом на руках, известное по римской копии. Статуя была создана около 370 г. до н. э., вскоре после заключения Афинами мира после очередной междуполисной войны. Она аллегорически восхваляла изобилие, порож

даемое миром. На первое место в художественно-образном решении статуи выступает сложное олицетворение рассудочно сформулированной идеи. Так, Плутос (бог богатства) помещен на руках Эйрены, чтобы выразить мысль о том, что мир порождает богатство. Подобное значение имеет изображенный рог изобилия. Но между матерью и младенцем отсутствует живая интимная связь. Органическая целостность монументального искусства классики утрачивается, а проблема личной взаимосвязи человеческих характеров, человеческих ситуаций пока решена чисто внешне.

Новое патетическое начало, подготавливающее появление искусства великого Скопаса, было воплощено в замечательных скульптурах на фронтонах периптерного храма Асклепия в ансамбле Эпидавра. Созданные, возможно, Тимофеем, они своей драматической взволнованностью, пространственной динамикой, мощной и сочной светотенью не только вносят новое звучание в монументальный синтез зодчества и ваяния. Они во многом предвосхищают страстное, более личностное и драматическое искусство великого Скопаса, старшим современником которого и был автор этих статуй.

Большое значение имеют и первые опыты создания новой концепции портрета, точнее, портретного бюста. Для классики наиболее типичной формой так называемого портрета была монументальная статуя, посвященная изображению человека, владеющего всей полнотой физических и духовных качеств. Обычно она представляла собой изображение победителя на Олимпийских играх или надгробие, утверждавшее доблесть павшего воина. Такая статуя была портретом лишь в том смысле, что имя атлета или воина, удостоенного этой чести, связывалось с идеально-обобщенным изображением героя.

Правда, в V в. до н. э. большое значение в портретном искусстве приобретает создание герм, в которых изображение головы соединялось с четырехгранным столбом. Интерес художника к личности портретируемого проявлялся более остро в 80-х-60-х гг. V в. до н. э. В таких портретах можно уловить и первые попытки передачи индивидуального сходства 1 . Однако, как упоминалось ранее, в период зрелой классики эта тенденция временно не получила развития.

В эволюции греческого портрета конца V и первой половины IV в. до н. э. можно заметить две тенденции, соответствующие общему характеру развития искусства этого времени. Линия идеализирующего портрета, формально продолжающая традиции высокой классики, наиболее ярко представлена в творчестве Силаниона. Дошедшие до нас в римских копиях, его портреты отличаются несколько жесткой графичностью манеры исполнения и идеализирующей бесстрастностью образного решения.

Более плодотворным по своим тенденциям было творчество Деметрия из Алопеки - он решительнее начал вводить в портрет элемент индивидуализированного портретного сходства. Однако Деметрий воспринимал

1 Данная проблема была впервые поставлена О. Ф. Вальдгауером. Правда, свои наблюдения он подкреплял не всегда точно атрибуированными памятниками. В последние годы она разрабатывалась на новом материале и с более точной атрибуцией антиковедом ГДР доктором В. Зиндерлинг.

137

индивидуальные черты портретируемого, характерную неповторимость строения головы не как органическую особенность облика данной индивидуальности, а как некоторые отклонения от идеальной конструкции человеческого лица, дающие возможность узнать изображенного.

Ряд портретов других мастеров IV в. до н. э. дает основание полагать, что такой полный отход от старой концепции идеала как исходной базы образа не был еще осуществлен. Во всяком случае, от Деметрия, возможно, берет начало линия развития портрета психологически более конкретного и, безусловно, более физически похожего на оригинал.

Еще не так давно можно было предполагать, что мы имеем представление о конкретных особенностях творчества Деметрия-портретиста. Голова философа Антисфена почиталась поздней копией с его работы. Успехи современного антиковедения опровергли эту уверенность, и ныне мы не располагаем работами, дающими достаточное представление о стиле этого мастера. Очень возможно, что проблема обобщенной передачи движений человеческой души, ее не универсального, а более индивидуализированного духовного состояния решалась на первых порах не в портретах, а в монументальной и мемориальной скульптуре. Именно в творчестве Скопаса нашло наиболее глубокое и мощное выражение то новое понимание состояния человека, которое стало важной чертой искусства IV в. до н. э.

Принципиальное значение для изучения эволюции поздней классики имеют сохранившиеся фрагменты голов воинов с фронтона храма Афины Алей в Тегее. Эти фрагменты дают основание полагать, что фигуры были даны в резких и стремительных поворотах. В какой-то мере представление о возможной динамической интенсивности композиции фронтона дают нам более ранние рельефы со сценой «Кентавромахии» из храма Аполлона в Бассах. Однако Скопас не только свободен от брутальной тяжеловесности форм, характерных для мастера фриза храма в Бассах. Ему был свойствен интерес не столько к жесткой и беспощадной выразительности физической стороны борьбы, сколько к поэтической передаче духовного состояния своих героев. Надо сказать, что стремительный ракурс патетически запрокинутой головы, мощная игра полных беспокойного драматизма пятен света и тени, столь характерные для тегейских голов Скопаса, имели своих предшественников и в искусстве зрелой классики. Нечто подобное уже угадывалось в отдельных фрагментах акропольских скульптур, уже там содержались нотки, предвосхищающие смятенный эврипидовский драматизм последующего этапа развития классического искусства. Однако то, что только кое-где прорывалось в целостно-гармоническом ансамбле акропольских скульптур, здесь становится господствующим мотивом.

Иониец по происхождению, Скопас был связан не с аттической, а с аргосско-сикионской школой V в. до н.э. Головы воинов тегейского фронтона наглядно дают ощутить эту традицию - крепко построенные кубические объемы голов, плотно прилегающие волосы, четкое архитектоническое членение форм восходят к искусству Поликлета. Однако напряженная игра

светотени, резкие ракурсы запрокинутых назад голов разрушают устойчивую архитектонику поликлетовских творений. Не красота гармонии, обретенной в героическом усилии, а драматическая красота самого порыва, неистовой борьбы является существенной основой образов Скопаса.

Кажется, что в этих головах Скопас воспринимает мощь страсти и переживания как силу, разрушающую ясную гармонию целого, нарушающую тот принцип властвования над аффектами, который является эстетическим и этическим идеалом предшествующей эпохи. Стремительный поворот запрокинутой головы раненого воина, резкая и беспокойная игра светотени, скорбно изогнутые брови придают образу неведомую в V в. до н. э. страстную патетичность и драматизм переживания. Скопас не только нарушает ясную пластическую чистоту форм и постепенный переход объемов друг в друга, вводя беспокойно мерцающую напряженность игры бликов света и тени, но он нарушает естественную гармонию структурных соотношений форм головы. Так, вершины надбровных дуг как бы в мучительном усилии напряжения сходятся к переносице, в то время как вершины дуг глазного яблока разбегаются от центра, передавая как бы растеряннострадальческий взгляд пораженного героя.

Для зрителя, привыкшего к формам реализма XIX и XX веков, такой прием может показаться слишком формальным и отвлеченным. Для греков, привычных к гармонической ясности образов высокой классики, эта деталь воспринималась, как важное художественное нововведение, меняющее образное звучание пластической формы. И действительно, переход от спокойно «глядящих» статуй V в. до н. э. ко «взгляду», передающему определенный эмоциональный аффект, то есть переход от общего состояния духа к переживанию, имел огромное принципиальное значение. По существу, здесь зарождались иное понимание места человека в мире, иное представление о тех сторонах его бытия, которые почитались достойными эстетического осмысления и отражения.

В созданном Скопасом образе менады, сохранившемся в прекрасной античной реплике, выражена новая красота - красота той страстной силы порыва, которая господствует над ясным равновесием, бывшим идеалом зрелой классики. Стремителен танец охваченной дионисийским экстазом менады: ее голова запрокинута назад, отброшенные волосы тяжелыми волнами спадают на плечи, движения резко изогнутых складок короткого хитона подчеркивают бурный порыв тела. Сложный, развивающийся в пространстве и во времени образ уже не может быть полностью воспринят с одной главной точки зрения. В отличие от произведений зрелой классики, где при всей трехмерной объемности формы всегда господствовала одна главная точка зрения, на которую и была рассчитана статуя и в которой с наибольшей полнотой раскрывался ясный и целостный образный смысл произведения, скопасовская менада предполагает ее последовательное рассмотрение со всех точек зрения. Только в их совокупности и слагается образ.

При точке зрения слева особенно ясно выступают красота ее почти обнаженного тела и упругость быстрого движения вверх и вперед. В анфас в раскинутых

138

руках, в свободном движении складок ее хитона, в порывисто запрокинутой голове раскрывается обаяние экстатического взлета-порыва менады. При точке зрения справа в тяжелой копне спадающих волос, как бы оттягивающих назад и долу ее голову, ощущается истомленность порыва менады. Вязко стекающие складки хитона ведут глаз зрителя к завершающей точке зрения со спины. Здесь господствует тема завершившегося прыжка и усталости. Но со спины мы видим наряду со стекающим водопадом волос и начало стремительного движения складок ткани, влекущей нас к переходу к левой точке зрения, и снова мы ощущаем возрождающийся напряженно-стремительный экстаз менады.

Образы Скопаса непортретны, они не несут в себе черты индивидуальной характерности. Они еще классически всеобщи, выражают главное в образе и судьбе человека. Тем существеннее отметить те важные изменения, которые вносит Скопас в само понимание того человечески существенного, что воплощается в образе героя.

С ним античное искусство теряет кристаллическую ясность и устойчивую чистоту состояний, но зато приобретает драматическую силу развития. Возникает ощущение развертывающейся на наших глазах жизни образа, того образа, внутренний дух которого так выразительно передал греческий поэт, описавший менаду:

Камень паросский - вакханка. Но камню дал
душу ваятель,
И, как хмельная, вскочив, ринулась в пляску она.
Эту фиаду создав, в иступленьи, с убитой козою,
Боготворящим резцом чудо ты сделал, Скопас 1 .

Значительное место в эволюции античного монументального искусства заняли скульптурные работы Скопаса для архитектурной гробницы царя Мавсола, воздвигнутой в Галикарнасе. В сложной иерархии скульптурных образов главенствующее положение в композиции занимала венчающая вершину пирамидальной кровли сооружения огромные мраморные статуи Мавсола и его супруги Артемисии. Следует признать, что статуе Мавсола еще чужда пышная репрезентативность статуй эллинистических монархов. Лицо Мавсола исполнено сдержанной величавости и почти печальной задумчивости. Вместе с тем это произведение несет в себе едва уловимые черты той монументальной драматической силы, которая позже получит свое развитие в пергамской школе.

Наибольшее художественное значение в ансамбле имеют рельефы фриза, посвященные амазономахии. В его создании приняли участие наряду со Скопасом Тимофей, Бриаксис и молодой Леохар. Рельефы, созданные Скопасом, довольно легко отличить от работы других авторов. Так, частям фриза, созданного Тимофеем, свойственна некоторая грузная тяжеловесность. Они несколько напоминают рельефы храма Аполлона в Бассах. Фриз, приписываемый Леохару, относительно плохо сохранившийся, характеризуется известной театральностью движений и беспокойной живописностью композиции при некоторой вялости скульптурной формы.

Плиты, исполненные Скопасом, отмечены свободным расположением фигур в лентообразно развертывающейся пространственной среде фриза. Вызывают особое восхищение драматическая острота столкновений вовлеченных в смертельную схватку фигур, неожиданная сила ритмических контрастов и полная одушевленной энергии великолепная моделировка формы. Композиция фриза построена на свободном размещении по всему его полю групп, повторяющих каждый раз по-новому тему беспощадной схватки. Особенно выразителен рельеф, в котором греческий воин, выдвинув вперед щит, наносит удар по откинувшейся назад стройной полуобнаженной амазонке. В следующей паре мотив жестокой схватки как бы нарастает. Упавшая амазонка слабеющей рукой пытается отразить нападение воина, беспощадно добивающего повергнутую деву. В другой группе сопоставлены откинувшийся назад воин, пытающийся противостоять натиску неистово стремительной амазонки, схватившей его одной рукой за щит, а другой наносящей смертельный удар. Поразителен и мотив движения всадницы, скачущей на вздыбленном коне: она сидит, обернувшись назад, и мечет дротик в преследующего ее врага. Разгоряченный конь почти наезжает на отпрянувшего воина. Резкое столкновение противоположно направленных движений, неожиданная их смена, острая контрастность мотивов, беспокойные вспышки света и

1 Главк. На «Вакханку». - В сб.: «Греческая эпиграмма», с. 176.

139

тени, выразительное сопоставление мощи греческих воинов и стремительности амазонок, трепет легких хитонов, полураскрывающих наготу юных девичьих тел, - все это создает необычайную по своей драматичности, полную внутренних контрастов и вместе с тем целостную картину.

Поучительно сравнение композиционной концепции галикарнасского фриза с фризом больших Панафиней. На парфеноновском фризе движение развивается от начала в подготовке к шествию через его кульминационный разворот в картине шествия к завершению в торжественно-оживленном покое олимпийских богов. То есть тема движения исчерпывается, завершается, а композиция фриза производит впечатление законченного целого. Для «Амазономахии» характерен ритм подчеркнуто контрастных противопоставлений, внезапных пауз, резких вспышек движения. Перед взглядом зрителя как бы проносится не имеющий ни начала, ни конца стремительный вихрь охваченных жестокой борьбой героев. Основой эстетической выразительности образа становятся драматическая страстность впечатления, красота самого кипения, движения. Глубоко различно и понимание Фидием и Скопасом синтеза скульптуры с архитектурой. Фриз больших Панафиней как бы спокойно обтекает стену, развертываясь на ее плоскости, сохраняя кристаллическую ясность поверхностей архитектурного объема. У Скопаса резкие вспышки света и тени, стремительные ракурсы (примечателен как бы продавливающий стену поставленный под углом щит) создают вибрирующую пространственную среду, в которой живут фигуры фриза. Скульптура начинает отказываться от типичной для классики соподчиненности пластики ясным формам архитектуры. Она как бы начинает жить своей жизнью, создавая для этого собственную, пронизанную мерцанием света и тени среду, как бы тонким слоем обволакивающую стену.

Вместе с тем устанавливаются и новые типы связи с архитектурой. Большая пространственная свобода сочетается с большей живописной декоративностью форм. Тем самым рельефы обретают особую, не столь конструктивную, сколь эмоциональную связь с динамическим, более живописным обликом архитектурного целого. Поэтому было бы преждевременно говорить о распаде синтеза. Скорее речь должна идти о новом типе синтеза, обусловленном и иным характером архитектуры и иным пониманием задач скульптуры. Во всяком случае, Скопас блестяще сочетает и введение «Амазономахии» в общее целое и раскрытие ее самостоятельной художественной жизни.

Близко по духу творчеству Скопаса надгробие юноши из Аттики. Оно особенно явственно воплощает то новое, что внес IV в. до н. э. в эволюцию мемориального искусства. В выполненном почти в круглом объеме рельефе раскрыт молчаливый диалог между рано ушедшим из жизни юношей и скорбно взирающим на него оставшимся среди живых старцем-отцом. Выразительны устало отдохновенные ритмы прислонившегося к жертвеннику обнаженного юного тела. По нему скользят легкие полупрозрачные тени, с приподнятой руки свисают тяжелые драпировки плаща. У его ног уснул заплаканный мальчик, а рядом охотничий пес лихорадочно вынюхивает следы покинувшего его хозяина. Исполнено сдержанного трагизма движение старца, поднявшего руку к своему скорбному лицу. Все образует полную глубоких ассоциаций образную атмосферу, в которой сдержанный драматизм словно рыдающих ритмов одеяния отца умеряется мягкой и широкой элегичностью господствующих в композиции пластических форм фигуры юноши.

Высокая поэтичность образа, его этическая сила состоят в традиционном для классических надгробий преображении отчаяния и скорби в проясненную печаль. Глубока человечность этого образа, печально и мудро примиряющая со смертью. Однако отличие Скопаса от мастеров V в. до н. э. выражается в том, что переживание передано более лично окрашенным, более драматично усложненным, а достигаемый катарсис-очищение от ужаса и страха через страдание - дан более опосредстованно, менее прямолинейно. Вместе с тем в этом рельефе отдельные ассоциативно-повествовательные детали (уснувший мальчик, пес и так далее), не разрушая еще единства впечатления, усиливают ощущение непосредственной жизненности целого. Творчество другого великого мастера поздней классики Праксителя было глубоко отлично от творчества Скопаса. Оно проникнуто духом утонченной гармонии, сдержанной задумчивости и лирической поэтичности. Искусство обоих скульпторов было равно необходимо для раскрытия сложно противоречивого духа времени. И Скопас и Пракситель по-разному создают искусство, раскрывающее внутреннее состояние человеческой души, чувств человека. В творчестве Праксителя воплощен образ человека гармонически развитого и идеально прекрасного. В этом отношении он, казалось бы, более непосредственно связан с традициями зрелой классики, чем Скопас. Но искусство Праксителя, как и искусство Скопаса, представляется качественно новым этапом развития художественной культуры Греции.

Произведения Праксителя отличаются большей грацией и большей утонченностью в передаче оттенков душевной жизни, чем творения V в. до н. э., вместе с тем его образы менее героичны. Сопоставление любого из произведений Праксителя не только с «Дискоболом» и «Дорифором», но и парфеноновским Кефалом убеждает в этом. Наиболее ясно своеобразие художественного языка Праксителя раскрывается не в его ранних, еще близких V в. до н. э. работах («Сатир, наливающий вино»), а в зрелых вещах, относящихся примерно к середине IV в. до н. э. Таков «Отдыхающий сатир», дошедший до нашего времени в римских мраморных копиях.

Юный сатир изображен скульптором непринужденно облокотившимся о ствол дерева. Тонкая моделировка тела, скользящие по его поверхности тени создают ощущение дыхания, трепета жизни. Наброшенная через плечо шкура рыси своими тяжелыми складками оттеняет нежную теплоту его тела. Глубоко посаженные глаза мечтательно глядят вдаль, на губах скользит мягко-задумчивая полуулыбка, в правой руке - флейта, на которой он только что играл. Характерен S-образный изгиб фигуры. Не архитектоническая ясность пластической конструкции, а именно изысканная гибкость и нега движений привлекают внимание мастера. Столь же существенно и применение третьей точки опоры -

140

излюбленный прием Праксителя, дающий возможность передать состояние человеческого тела, предавшегося отдохновенной неге. Мастера высокой классики знали этот прием, но он применялся ими редко и, как правило, в других целях. Так, мастер «Раненой амазонки» вводит третью точку опоры, чтобы в сдержанной форме передать ощущение нарастающей слабости, вынуждающей раненую искать дополнительную точку опоры.

Героический пафос зрелой классики выражался обычно в создании образа человека, полного жизненной энергии, готового к свершению подвига. Для Праксителя эстетическим идеалом является образ человека, способного к полноте счастья и находящегося в состоянии отдохновенного, хотя внутренне оживленного покоя. Таков его «Гермес с младенцем Дионисом». Эта работа Праксителя, по всей видимости, дошла до нас либо в первоклассной реплике позднейшего греческого мастера, либо в подлинном мраморе самого Праксителя (ныне находится в музее в Олимпии).

Она изображает Гермеса, который непринужденно оперся о ствол дерева. В поднятой правой руке он, видимо, держит гроздь винограда (кисть руки утрачена). К ней тянется сидящий на его левой руке младенец Дионис. Статую отличает изящное движение полной внутренней энергии фигуры, находящейся в свободной отдохновенной позе. Идеально прекрасному лицу Гермеса скульптор сумел придать выражение сдержанной, но глубокой одухотворенности. Пракситель при этом тонко использует скрытую в мраморе способность создавать мягкую мерцающую игру светотени, тончайшие фактурные нюансы. Мастер передает и все благородство движения сильной фигуры Гермеса, эластическую гибкость его мышц и легкое мерцание поверхности тела, живописную игру теней в его кудрях, сияние его взгляда.

Для более полного понимания характера искусства Праксителя имеет значение дошедшая до нас римская мраморная копия с бронзового оригинала «Аполлон Сауроктон», то есть Аполлон, убивающий ящерицу. В грациозной фигурке нагого отрока, опершегося о дерево и целящегося заостренной тростинкой в скользящую по стволу ящерку, трудно узнать грозного бога, поразившего Пифона, божественного героя, своим властным вмешательством предопределившего победу греков над кентаврами, беспощадного мстителя, умертвившего детей Ниобы. Это свидетельствует о том, это происходит своеобразная интимизация и жанризация былых грозных мифических образов. Этот художественный процесс был связан и со все большим выделением собственно художественно-эстетической ценности искусства, из не расчлененной до сих пор его связи с миром общих мифических представлений и общественным культом полиса. Не следует, однако, полагать, что статуи VI-V вв. до н. э. поэтому объективно были лишены художественно-образного содержания. Все богатство творений того времени своим эстетическим совершенством отвергает такое предположение. Речь идет лишь о том, что с конца V в. до н. э. самостоятельная эстетическая ценность искусства более ясно осознается художником и постепенно начинает выступать как главное назначение искусства. Новое понимание природы художественного образа сказывается особенно явственно в созданной непосредственно для культовых целей статуе Афродиты Книдской, дошедшей в ряде римских реплик 1 . Мотив «пеннорожденной» Афродиты (магический акт этого явления богини из моря изобразил мастер «Трона Людовизи») здесь преобразован в мотив прекрасной женщины, сбросившей одежды и готовой вступить в воду. Конечно, обнаженное женское тело привлекало и ранее внимание скульпторов, но впервые в статуе культового характера изображалась нагая, вернее обнаженная богиня. Новаторский характер статуи вызвал у части современников некоторое смущение. Так, Плиний следующим образом излагает историю ее создания: «... выше всех произведений не только Праксителя, но и вообще существующих во вселенной находится Венера его работы... Пракситель одновременно изготовил и продавал две статуи Венеры, но одна была покрыта одеждой, ее предпочли жители Коса, которым принадлежало право выбора. Пракситель за обе статуи назначил одинаковую плату, но жители Коса эту статую признали серьезной и скромной, отвергнутую ими купили книдяне, и ее слава была неизмеримо выше» 2 .

Афродита Книдская вызвала ряд повторений и подражаний. Но в большинстве случаев, особенно в эпоху Римской империи, подражатели видели в Афродите лишь чувственное изображение красивого женского тела. Им оставалось недоступным то преклонение перед совершенством красоты человека, которое было раскрыто в творениях Праксителя. Поэтому большую ценность представляют статуи, созданные греками под влиянием праксителевского образа. В них ощущаются поэтическая прелесть и тонкость художественного языка поздней классики и раннего греческого эллинизма. Таковы неаполитанский торс Афродиты и очаровательный женский торс, находящийся в Государственном музее изобразительных искусств имени А. С. Пушкина. С традициями праксителевского искусства, безусловно, связана чарующая своей поэтически-мечтательной взволнованностью и живописной мягкостью моделировки голова Афродиты или Артемиды, выполненная близким Праксителю мастером, из музея в Таранто.

В целом обаяние праксителевского искусства огромно. Его ценность неоспорима, несмотря на то, что к его наследию апеллировали в эпоху эллинизма и Римской империи создатели холодных декоративных и эротических статуй, о которых так едко отзывался Глеб Успенский. В творчестве самого Праксителя сочетание утонченной грации и мечтательности с чувственной гармонией образа приводит к некоему радостному и живому равновесию этих качеств человека. Одухотворенная поэтичность и лиризм образов Праксителя оказали большое влияние и на мелкую пластику. Так, достаточно сравнить относящуюся к кругу праксителевского искусства статую Артемиды из Габии с очаровательной танагрской статуэткой закутанной в плащ девушки. В произведениях скромных мастеров,

1 В 1970 году в запасниках Британского музея выявлена частично сохранившаяся мраморная голова, найденная в Книде на месте храма. Возможно, это обломок подлинной статуи.
2 Плиний. Об искусстве, XXXII, 20. Одесса, 1919, с. 75.

141

имена которых остались нам неизвестными, долго продолжали жить традиции искусства Праксителя. В ряде работ середины и второй половины IV в. до н. э. своеобразно переплетаются влияния Праксителя и Скопаса. Среди них следует выделить прелестную в своей сдержанной задумчивости голову так называемой «Гигеи» из Тегеи (Афины, Национальный музей). Менее близка Праксителю (в ней скорее сказывается традиция V в. до н. э.) прекрасная статуя Афины - один из немногих бронзовых подлинников IV в. до н. э., найденный в 1959 году в Пирее.

Особое место в наследии IV в. до н. э. занимают две великолепные бронзовые статуи. Одна из них - статуя юноши, найденная близ Марафона, сочетает массивные пропорции статуй Скопаса со сдержанной выразительностью и мягкостью движений статуй праксителевского круга. Это работа яркой творческой индивидуальности, имя которой осталось нам неизвестным. Статуя дает яркое представление о том неповторимом сочетании четкости конструкций со свободной гибкостью движений тела, которое вместе с мягко мерцающей фактурой поверхности составляют отличительную черту греческих бронзовых оригиналов того времени. Если в светлой задумчивости самого лица юноши и в сдержанной поэтичности поворота его головы ощущается влияние Праксителя, то в другой статуе - «Эфеб» из Антикиферы - в сдержанной энергии пластики, относительной массивности самих телесных пропорций, в скрытой патетичности взгляда юноши мы более непосредственно воспринимаем влияние традиций Скопаса.

В произведениях Скопаса и Праксителя нашли свое наиболее полное разрешение задачи, стоявшие перед искусством первой половины и середины IV в. до н. э. Их творчество было преемственно связано с принципами искусства зрелой классики. В художественной культуре второй половины века, и особенно в последней его трети, связь с традициями классики становится менее непосредственной и частично утрачивается. В этот период усиливается та идеализирующая линия в искусстве, которая в начале IV в. до н. э. давала себя знать в творчестве Кефисодота. Одновременно через переосмысление опыта Скопаса и отчасти Праксителя идет процесс формирования нового, соответствующего изменившимся условиям жизни типа реалистического искусства, представляющего собой принципиально иную ступень развития гуманистической и реалистической основы античного искусства.

Наиболее последовательно искусство идеализирующего направления раскрывается в творчестве афинянина Лeoxapa, младшего современника Скопаса, ставшего одним из придворных художников Александра Македонского. Именно он наиболее полно удовлетворял возникшую потребность в репрезентативном искусстве. Так, он создал серию хрисоэлефантинных статуй царей македонских династий для Филиппейона. Представление о стиле произведений Леохара, посвященных восхвалению македонской монархии, дает нам римская копия с героизованной обнаженной фигуры Александра Македонского.

Наиболее полно художественная программа Леохара раскрывается в знаменитой статуе Аполлона Бель-ведерского 1 . Статую Леохара отличает сочетание идеальности форм тела со стремлением к парадной импозантности образа. В фигуре появляется тот момент нарочито выбранного эффектного «аттитюда», который отсутствовал в естественно непринужденных в своей свободной героической силе образах зрелой классики. Также чужды традициям классики нарочитая пышность прически и надменный поворот головы. Подобная прическа применялась и раньше при изображениях Аполлона Кифареда или Аполлона Мусагета, то есть играющего на лире, одетого в жреческую хламиду или предводительствующего хором муз. В изображениях же обнаженного Аполлона-героя такая прическа была бы маловероятна.

Мастером, эстетически выразившим наиболее глубинные потребности культуры своего времени, был Лисипп. Реалистические основы творчества Лисиппа существенно отличаются от художественных принципов возвышенного гуманизма высокой классики. Ряд существенных различий отделяет мастера и от творчества непосредственных его предшественников - Скопаса и Праксителя, опыт которых он, однако, широко освоил и переработал. Великий мастер переходного периода, Лисипп завершил тенденции, заложенные в поздней классике, и открыл принципы собственно реалистических вариантов в искусстве эллинизма.

В своем творчестве Лисипп решал задачу раскрытия внутреннего мира человеческих переживаний и их некоторой индивидуализации. Лисипп перестает рассматривать создание образа совершенного прекрасного человека как основную задачу искусства. Как большой художник он чувствовал, что изменившиеся условия жизни общества лишили этот идеал той реальной почвы, которой он обладал в VI-V вв. до н. э. Поэтому Лисиппа начинают интересовать особенности возраста человека.

Отход от идеализации образа человека классики, пробуждение интереса к его более дифференцированной передаче, к постижению разнообразия человеческих характеров стали типичными для того времени. Так, позднее философ и естествоиспытатель Теофраст анализировал человеческие типы в своей книге «Характеры». Конечно, и Теофраст, и в особенности Лисипп еще далеки от того понимания личности, при котором именно в индивидуальной неповторимости склада характера раскрывается эстетически и психологически социально значительное и интересное в жизни людей. И все же его типически обобщенные образы отличаются по сравнению с классикой большим психологическим разнообразием. В них более чувствуется интерес к характерно выразительному, чем к идеально гармоническому и совершенному. Не случайно, как свидетельствует Плиний, Лисипп говорил, что древние изображали людей такими, какими они были на самом деле, а он изображал их такими, какими они нам представляются.

Стремление Лисиппа к расширению традиционных жанровых рамок скульптуры шло разными путями. Лисипп относился к той редкой категории мастеров

1 Бронзовый оригинал статуи не сохранился, дошла мраморная копия римского времени очень высокого качества. Найденная в эпоху Возрождения, она украшала ватиканский Бельведер, чему и обязана своим названием.

142

сложных переходных эпох, в творчестве которых переплетаются разные и, казалось бы, чуждые друг другу тенденции. Так, наряду с работами, проникнутыми более непосредственно жизненным восприятием человека, Лисипп выступает и как создатель парадных монументальных статуй, предназначенных для украшения больших площадей. В древности славилась не дошедшая до нас двадцатиметровая бронзовая статуя Зевса, предвосхищающая появление в эпоху эллинизма несоразмерных масштабу человека колоссальных скульптур (Колосс Родосский). Эстетическое стремление той эпохи к сверхъестественной грандиозности и мощи образов, обычно чуждое классике, ценящей во всем меру, получило возможность своего осуществления и в связи с ростом инженерных и математических знаний. В этом отношении характерно замечание Плиния, отметившего, что в статуе Зевса Лисиппа «вызывает удивление то, что, как передают, рукой его можно привести в движение, а никакая буря его потрясти не может: таков расчет его равновесия» 1 .

Лисиппом созданы многофигурные монументальные композиции. Такова знаменитая группа «Александр в битве при Гранике», состоящая из двадцати пяти конных фигур. Весьма вероятно, что эта композиция трактовала современную тему уже не в мифологизированном плане, как это в свое время делал Эсхил в трагедии «Персы», а как некое идеализированное и героизированное, но вполне реальное событие. Некоторые представления о возможном характере этой композиции дает относящийся к рубежу IV-III вв. до н. э. так называемый «Саркофаг Александра». На полихромном рельефе в полной бурного движения и энергии композиции изображена сцена охоты, в которой участвует сидящий на вздыбленном коне Александр Македонский.

Вместе с тем Лисипп обращался и к созданию камерных по размеру статуэток, являющихся предметом частного эстетического потребления и не представляющих собой общественного достояния. Такой была любимая Александром Македонским настольная статуэтка сидящего Геракла.

Однако самой ценной стороной творчества Лисиппа являются именно те его работы, в которых сказывается новое понимание образа человека. Наиболее полно оно раскрылось в бронзовой статуе Апоксиомена, дошедшей до нас в достаточно достоверной римской мраморной копии. Юноша изображен в тот момент, когда он счищает с себя скребком песок, приставший к телу во время борьбы. В статуе угадывается оттенок нервной усталости, охватившей атлета после пережитого им напряжения. Такая трактовка образа решительно порывает с традициями искусства высокой классики. Ценой некоторой утраты возвышенной героики образа Лисипп получает возможность передать более непосредственное впечатление об эмоциональном состоянии своего героя.

Мастер, однако, не отказывается от создания обобщенного образа, лицо Апоксиомена не является портретным изображением. Вообще индивидуализация в современном смысле этого слова еще отсутствует. Но как бы то ни было, Лисиппа интересуют не внутренний покой и устойчивое равновесие, не кульминация героического усилия, а сложные оттенки переходного состояния и настроения. Это обусловливает и сложность ритма статуи. Свободно развернутая в пространстве фигура юноши как бы пронизана зыбким изменчивым движением. В еще большей мере, чем Скопас, Лисипп сочетает различные точки зрения на скульптуру для того, чтобы передать все смены переходных движений и состояний своего героя. Ракурсы и повороты раскрывают все новые выразительные оттенки движения. В отличие от зрелой архаики и высокой классики, где господствует всегда некая главная точка зрения, в Апоксиомене каждая из них важна и вносит нечто существенно новое в восприятие целого. При этом ни одна из точек зрения не отличается устойчивостью, композиционной замкнутостью, а как бы постепенно перетекает в другую.

При точке зрения в анфас выдвинутые вперед руки не только активно вовлекают в жизнь художественного образа пространственную среду между статуей и зрителем, но одновременно как бы направляют зрителя в обход фигуры. Слева Апоксиомен кажется более спокойным и устойчивым. Однако полуповорот торса переводит зрителя к точке зрения со спины с ее напряженной беспокойной игрой света и тени. Поскольку общий характер движения в этой наклоненной вперед спине «читается» несколько неопределенно и неясно, зритель, завершая обход, переходит к точке зрения справа. Отсюда внезапно обнаруживается сутулость спины, прогиб протянутой руки, создающие впечатление нервно вялой усталости. Осмотр статуи можно было начать с любой точки зрения и даже в обратной последовательности, но все равно недостаточность характеристики образа в одной точке зрения, изменение его эмоционального состояния при переходе зрителя с одного места на другое делают возможным исчерпание образа лишь через сложное единство сменяющихся оттенков восприятия. Обращенность к окружающей среде, жизнь в пространстве лисипповской скульптуры обусловлены не только потребностью передать более сложные, переходящие друг в друга мотивы движения, выражающие более дифференцированные и усложненные состояния духа или характер действий героя. Она является пластической формой выражения иной концепции места человека в мире. Человек более не утверждает своего героического господства над миром, не обладает устойчиво постоянной сложившейся сущностью. Он подвижен, изменчив. Художник не стремится сосредоточить внимание зрителя на самой фигуре, отделяя ее от окружающего мира, концентрируя в самом теле всю его внутреннюю энергию. Полный напряжения дискобол Мирона более замкнут в себе, более монументально устойчив, чем, казалось бы, почти спокойно стоящий Апоксиомен.

Лисипповский образ разомкнут, человек живет в окружающем его пространстве, взаимосвязан с ним, он представляется пластически выделенной частью большого мира. Раскрытие менее героически ясного, но более сложного понимания места человека в мире становится эстетической потребностью времени. Поэтому и световая среда, обволакивающая статую,

1 Плиний. Об искусстве, XXXIV, 40, с. 21.

143

становится из эстетически нейтральной средой активной. Мерцают и скользят трепещущие свет и тени по телу Апоксиомена, лучатся затененные глаза сквозь вибрирующую атмосферу, как бы мягко окутывающую его лицо.

Апоксиомену близка статуя сидящего Гермеса (возможно, работа ученика Лисиппа), дошедшая в римской копии. Он дает образ вестника богов стройным бегуном, на миг устало присевшим и готовым вновь устремиться вдаль. При этом подчеркиваются не всеобщность, а своеобразие фигуры поджарого бегуна Гермеса или тяжеловесная мощь Геракла («Отдыхающий Геракл», дошедший в римской копии).

Особое место занимает творчество Лисиппа и в истории портрета. Собственно говоря, в передаче внешнего физического сходства Лисипп, насколько мы можем судить, не пошел особенно далеко. Однако он уже ставил перед собой задачу раскрытия значительности духовного мира портретируемого человека, так сказать, общей направленности личного душевного пафоса изображенного. Герои его портретов - люди, занявшие важное место в жизни эллинов. Для Лисиппа личность все еще эстетически ценна не своей индивидуальной неповторимостью. Она ценна лишь в той мере, в какой своей деятельностью внесла нечто значительное, вызывающее уважение окружающих. В этом смысле Лисипп еще близок к высокой классике. Однако, не создавая портретов-индивидуальностей, Лисипп в своей знаменитой серии семи мудрецов уже не изображает доблестных мужей - граждан или прекрасных атлетов вообще. Он стремится передать, пусть в самой общей форме, характер и духовную жизнь своего героя. Так, в образе мудреца Биаса (до нас дошла реплика, восходящая к прототипу Лисиппа) скульптор передает состояние погруженности в глубокую, сосредоточенную думу. Чуть склоненное лицо, почти сумрачный, погруженный в себя взгляд, волевой энергичный рот, сдержанно напряженная игра света и тени, крепкая и широкая моделировка объемов головы - все способствует созданию впечатления интеллектуальной силы и глубокой думы. В связанном с кругом Лисиппа портрете Эврипида в горькой складке рта, в печальном взгляде затененных глаз, в прядях волос, свисающих над усталым лицом, воплощен образ трагика именно таким, каким его мог себе представить читатель трагедии.

Уже упоминалось, что в какой-то мере портреты Лисиппа существуют параллельно с «Характерами» Теофраста. Однако портреты Лисиппа свободны от той холодной и отвлеченной рационалистичности, которая присуща несколько искусственно сконструированным характерам Теофраста. Его типы лизоблюда, хвастуна, скупца и так далее - это скорее социальные маски - перечень нарочитых примет представителей разных социальных групп населения, нежели целостные живые характеры.

В портретах Лисиппа еще не утрачены до конца та целостность и органичность художественной жизни образа, которые были свойственны универсально обобщенным образным воплощениям человека высокой классики. Тем самым его портреты как бы перекидывают мост к целостным и личностно характерным реалистическим портретам последующих эпох.

Лисипп неоднократно обращался к портрету Александра Македонского. Создавая статуарный портрет монарха, он изобразил его в традиционном облике обнаженного атлета-героя. Этот мотив, естественный в V в. до н. э., во времена Лисиппа приобретал оттенок известной идеализации. Судя по маленькой бронзовой реплике греческой работы, эта статуя предвосхищала тип эллинистических парадных портретов. Гораздо полнее мастерство Лисиппа раскрылось в той портретной голове Александра, которая дошла до нас в великолепной мраморной реплике раннего эллинизма. Страстный патетический порыв запрокинутой головы, напряженная игра света и тени - свидетельство тесной связи Лисиппа с творческими традициями Скопаса. Однако в отличие от Скопаса Лисипп стремится к более сложному раскрытию духовной жизни героя. Он не только конкретнее, дифференцированнее передает порыв чувств, охвативший Александра, но одновременно и сильнее акцентирует патетический характер мотива движения. Здесь как бы содержится путь, ведущий к группе позднейших эллинистических портретов, поражающих интенсивностью своего психологизма («Демосфен» Полиевкта), и путь, ведущий к той страстной героической патетике, которая получит свое развитие в ряде прекрасных ансамблей монументального эллинистического искусства (Пергам).

Лисипп не ставит перед собой задачи точно воспроизвести внешние черты облика Александра. Но вместе с тем он стремится выразить в предельно обобщенной форме трагическую противоречивость натуры Александра, о которой писали современники. Волевой порыв стремительно запрокинутой головы сочетается со страдальчески полураскрытым ртом, скорбными морщинами лба и исполненными печали затененными глазами. Стремительно взметнувшаяся над лбом грива волос прядями стекает по вискам, акцентируя внимание на скорбном взгляде. Контраст противоборствующих страстей, внутренняя борьба властного порыва и трагической смятенности впервые находят свое воплощение в искусстве. Момент непосредственного эмоционального, личного сопереживания зрителя герою, зародившийся в творчестве Скопаса, переходит здесь на следующую ступень своего развития.

В последней трети века не было создано портретов, равных по полноте художественного воплощения образа лисипповскому Александру. Однако ряд работ дает нам возможность уловить тенденции дальнейшей эволюции портрета. Бронзовая голова кулачного бойца (возможно, работа Лисистрата, брата и ученика Лисиппа) представляет собой новый этап развития той линии в истории портрета IV в. до н. э.. которая акцентирует передачу физического сходства. С почти жесткой точностью передает мастер грубость физической силы, примитивность духовного мира угрюмого уже немолодого бородатого кулачного бойца. Нависший низкий лоб, маленькие глаза неповторимо конкретны, перед нами не образ прекрасного атлета, а конкретный портрет - характеристика кулачного бойца, в котором показаны и возрастные и специфически профессиональные черты (сплющенный нос и так далее). Следовательно, уродливая характерность, коль скоро она существует в жизни, становится объектом художественного наблюдения и эстетического

144

обобщения. Этим кулачный боец принципиально отличен от обобщенной неидеальности силенов и сатиров V в. до н. э. Сама возможность появления такого подхода к решению художественной задачи указывала на исчерпанность классического понимания искусства как воплощения универсальных свойств и качеств человека, как утверждение его целостности.

ЖИВОПИСЬ

Живопись занимает в художественной культуре поздней классики более значительное место, чем в предшествующий период. Живописцы продолжают постепенно овладевать специфическими возможностями ее художественного языка. Правда, в конце V и начале IV в. до н. э. художники еще следовали традициям зрелой классики, сосредоточивая свое внимание на задаче наиболее совершенной моделировки человеческой фигуры. Так, художники сикионской школы разрабатывали вслед за Поликлетом пропорциональную основу построения идеально прекрасной человеческой фигуры. Основателем сикионской школы почитали Эвпомпа. Его картина «Атлет-победитель с пальмовой ветвью» считалась типичной для школы и служила, подобно поликлетовскому «Дорифору», образцом для картин этого типа. Его ученик Памфил был знаменит картинами, выполненными в технике энкаустики: «Одиссей на плоту», «Битва у Флиунта» и «Семейный портрет», - что говорит о новых чертах в живописи. Не только как практик, но и теоретик школы Памфил написал не дошедший до нас трактат о мастерстве живописи, где, судя по отзывам древних, он обосновывал принцип построения идеальной фигуры, методы использования света и тени для ее моделировки. Возможно предположить, что именно от Памфила идет одно из начал идеализирующего направления в искусстве поздней классики.

В середине IV в. до н. э. складывается более жанроворазвлекательное искусство Павсия («Мальчики», «Цветы» и так далее), работавшего в технике энкаустики. Во второй же четверти века в Фивах сформировалась живописная школа, художественные искания которой были, видимо, во многом созвучны творчеству Скопаса. Судя по всему, черты патетического драматизма, стремление взволновать, потрясти зрителя были присущи крупнейшему представителю школы Аристиду Старшему. Особенно славилась его картина, изображающая на фоне битвы умирающую мать, к груди которой тянется младенец (этот мотив оказался весьма перспективным. Так, в XIX веке с ним перекликается соответствующая группа в картине «Резня на Хиосе» Эжена Делакруа).

Крупнейшим мастером середины IV в. до н. э. был Никий, которого высоко ценил Пракситель (скульптор поручал ему тонировать свои мраморные статуи). В период поздней классики полихромия в скульптуре, видимо, имела менее красочно-декоративный характер, чем в период архаики и ранней классики. Речь шла именно о мягкой тонировке мрамора при помощи расплавленных восковых красок. Знаменитые в древности живописные композиции Никия не сохранились. Некоторое представление о его манере может дать одна из настенных росписей в Помпеях, хотя и весьма неточно воспроизводящая известную картину Никия «Персей и Андромеда». Фигуры на фреске позднего копииста носят, как и в V в. до н. э., статуарный характер, однако их движения переданы свободнее, ракурсы - смелее. Правда, пейзажная среда намечена еще весьма скупо. Новыми по сравнению со зрелой классикой являются мягкая светотеневая моделировка формы и более богатая цветовая гамма.

Эволюция античной живописи к большей живописной свободе изображения наиболее полно воплотилась, по свидетельству древних, в творчестве Апеллеса. Иониец по происхождению, Апеллес наряду с Лисиппом был окружен наибольшей славой. Широкой известностью пользовалась его портретная живопись, в особенности был знаменит его портрет Александра Македонского. Судя по всему, портреты Апеллеса представляли собой большие парадные композиции, героизирующие образ монарха (например, «Александр с молнией»). Древние равно восхищались величием восседавшего на троне властителя и смелыми эффектами светотени при изображении пучка блистающих молний в протянутой к зрителям руке Александра. Вероятно, более художественно значительны были мифологические и аллегорические композиции Апеллеса. Его «Афродита Анадиомена» была написана для храма Асклепия на острове Кос. Апеллес изобразил выходящую из воды обнаженную Афродиту, выжимающую из своих волос морскую влагу. Современников поражали не только мастерское изображение влажного нагого тела и прозрачной воды, но и сияющий негой и любовью взор Афродиты. Видимо, художника занимала передача душевного состояния человека.

Не менее характерен интерес Апеллеса к сложным аллегорическим многофигурным композициям. (В какой-то мере это наблюдалось и в современных ему многофигурных композициях скульптурных ансамблей.) Ни одна из работ Апеллеса не дошла до нас в сколько-нибудь достоверных копиях. Однако сохранившиеся описания этих композиций производили большое впечатление на художников эпохи Возрождения. Так, известная картина Боттичелли «Аллегория клеветы» была вдохновлена литературно изящным и подробным описанием Апеллесовой картины на эту же тему. Если верить описаниям Лукиана, Апеллес большое внимание уделял реалистической передаче движений и мимики действующих лиц. И все же общая композиция, возможно, носила несколько условный характер. Персонажи, воплощающие определенные отвлеченные идеи и представления, как бы один за другим проходили на фризообразно развернутой композиции перед глазами зрителя.

В IV в. до н. э. по-прежнему широкое распространение имела монументальная живопись. Шедевры этой живописи, столь красноречиво восхваляемые древними, не дошли до нашего времени. К счастью, на периферии античного мира сохранилось несколько монументальных росписей III в. до н. э., восходящих к традициям IV в. до н. э. Такова роспись в Казанлыке (Болгария), стилистически связанная с искусством поздней классики. В этой росписи, однако, отсутствует какая бы то ни было передача пространственной среды. Сами фигуры, изображающие сцены конских ристаний

145

и приношений даров умершему, композиционно не всегда убедительно связаны друг с другом. Все же большая свобода ракурсов и живописная непринужденность исполнения дают некоторое представление о монументальных росписях того времени.

В последней трети века монументальная батальная живопись начинает сочетать приподнятую патетичность композиции с большей конкретностью деталей. До нас дошла большая мозаичная реплика, выполненная, видимо, хорошим эллинистическим мастером с картины Филоксена «Битва Александра Македонского с Дарием». В этой работе в отличие от героико-мифологической трактовки исторической темы, присущей искусству V в. до н. э., явно видно стремление мастера к более реально-конкретной передаче общего характера сражения. Мастер умело воплотил драматизм ситуации: испуг Дария, стремительный порыв Александра, предводительствующего конницей. Умело передана и стихия битвы, движение людских масс, выразительный ритм колеблющихся копий, что по сравнению с V в. до н. э. определяло новую черту в развитии греческого искусства.

МЕЛКАЯ ПЛАСТИКА И ВАЗОПИСЬ

Тяга к более интимному искусству, зарождающийся интерес к поэтически интерпретированным жанровым мотивам, наконец, рост удельного веса искусства, входящего в сферу жизни частного человека, обусловили дальнейший расцвет мелкой бронзовой и особенно терракотовой пластики. Главными центрами терракотовой малой пластики остаются Аттика и Беотия, в частности беотийский город Танагра (часто термин «танагрские статуэтки» используется для обозначения всей греческой керамической малой пластики), а также города малоазийской Греции. Работы мастеров Аттики и Танагры, испытавших известное влияние творчества Праксителя, отличались живой грацией, изяществом движений, лирической поэтичностью образов. Живое очарование дошедших до нас подлинников безвестных эллинских мастеров - поучительное для нас свидетельство высокого эстетического уровня так называемых малых форм искусства в Древней Греции. На большинстве статуэток сохранилась раскраска, дающая известное представление о характере полихромии греческой скульптуры того времени в целом; скорее всего в камерной пластике полихромия носила более дифференцированный характер, чем в монументальной скульптуре, особенно в IV в. до н. э. Легкие нежные краски терракот - мягкие сочетания фисташково-зеленых, нежно-голубых, серовато-голубых, розово-алых, шафрановых тонов - тонко гармонируют с грациозным и радостным характером образов статуэток.

К излюбленным сюжетам относится жанризованная трактовка таких мифологических мотивов, как «Афродита, играющая с младенцем Эротом», «Купающаяся Афродита», «Нимфа, преследуемая сатиром» и так далее. Постепенно получают распространение и чисто жанровые сюжеты - подруги на прогулке, девушка, играющая в кости, изображение актеров, скоморохов и тому подобное. Были распространены всякого рода гротескные, карикатурные статуэтки. В отличие от более обобщенных и безличных статуэток V в. до н. э. (чаще всего силены или комические актеры в масках) карикатурным статуэткам IV-III вв. до н. э. были присущи большая непосредственная жизненность и конкретность типов (ростовщик-меняла, злобная сварливая старуха, гротескно трактованные этнические восточные типажи и так далее). Статуэтки малоазийского происхождения при ряде общих черт, объединяющих их с аттическими и беотийскими работами, обычно отличались большей декоративной яркостью раскраски. Они, как правило, уступали танагрским в отношении грации силуэта, изящества и благородства пропорций и характеризовались большей пышностью форм. Такова, например, очень красивая в декоративном отношении эрмитажная Афродита в пурпурнозолотой раковине.

В отличие от мелкой пластики вазовая керамика и роспись в IV в. до н. э. вступают в полосу упадка. Наметившаяся уже в последние десятилетия предшествующего века тенденция к нарастанию пышности декора разрушала свойственные VI и V вв. до н. э. строгую архитектоничность композиции, синтетическую связь изображения с формой сосуда, и этому также способствовали попытки перенести в вазопись первые завоевания живописи в овладении ракурсами и распределении фигур в пространстве. Живописная свобода исполнения, усложнение сюжета, пышность композиции покупались чрезвычайно дорогой ценой утраты строгого и изящного благородства. Да и сами формы пышно украшенных ваз в IV в. до н. э. постепенно утрачивали благородную ясность своих пропорций, простое изящество своих форм.

Уже в прекрасных работах Мидия, мастера последнего двадцатилетия V в. до н. э., некоторая усложненность композиции, сочетание декоративности изображения с чертами жанровости предвосхищают переход к поздней классике. Введение сложных ракурсов и патетически эффектных жестов уже в росписи Аристофана «Несс и Деянира» (около 420 г. до н. э.) довольно убедительно подтверждает эту тенденцию.

Можно сказать, что в вазописи черты поздней классики дают себя знать уже в течение последней четверти V в. до н. э. Так, очаровательная роспись кратера, исполненная мастером Фиалы (на кратере изображён Гермес, передающий младенца Диониса силену), несмотря на сдержанную ясность композиции, явно связанная с идеалами 440-х-430-х гг. до н. э., поражает живописной свободой фактуры, отходом от краснофигурной техники, чем и подготавливает последующий этап в искусстве вазописи. Правда, сама техника представляется своеобразным переосмыслением белофонной росписи, но ее введение в оформление большого сосуда - кратера - новая черта. Позже, в IV в. до н. э., художники все чаще отходят и от краснофигурной техники, прибегают к чисто живописным решениям, применяя уже несколько красок, вводя позолоту, комбинируют живопись с цветными рельефами и так далее. Такова, например, весьма характерная пелика работы мастера Марсия, посвященная мифу о похищении богини Фетиды Пелеем.

Для IV в. до н. э. особенно типичны вазы Великой Греции. В ее богатых городах очень рано развилась

146

тяга к роскошному укладу жизни. В вазах Великой Греции причудливо переплетаются даже в изделиях одной мастерской и лирико-патетические мотивы (например, роспись кратера мастера Долона «Одиссей и тень Тиресия») и явно навеянная южноиталийской комедией комическо-гротескная трактовка мифов и эпизодов эпоса (например, ваза «Пленение Долона» мастера Долона, около 380 г. до н. э.).

К середине IV в. до н. э. росписи ваз все более усложняются, живописно-пространственная трактовка изображения начинает разрушать былую органическую связь росписи с формой сосуда и его поверхностью. Такие росписи, как «Погребальный костер Патрокла» мастера Дария, сцена из спектакля флиаков, дают ясное представление об этих изменениях.

Таким образом, те тенденции, которые в развитии живописи имели свое положительное значение, помогая овладению живописью рядом специфических возможностей ее художественного языка, в применении к вазописи оказались достаточно пагубными, разрушив органически цельную художественную систему. В течение более двух веков господствуя в греческой вазописи, она являла собой одно из самых совершенных решений едва ли не основной проблемы прикладного искусства - синтетического единства предмета и связанного с ним изображения.

Следует, однако, отметить, что этот упадок был вызван отнюдь не снижением мастерства у художников, а общим изменением всего характера жизни. Нарастание пышности и усложненности сказалось и на самой форме ваз, что и привело к определенной общности между декором и самой архитектурой вазы. В зодчестве нарастание интереса к овладению пространственной средой, в живописи и в скульптуре тяготение к более жанровой трактовке темы - все это создавало определенный тип эстетической среды.

Греческая вазопись по-своему органически вписывалась в изменившуюся стилевую систему художественной культуры. Но эта система в целом, как и весь эстетический уклад жизни, выражала утрату той строгой и ясной гармонии мировосприятия, той четкой структуры художественных форм, в пределах которых расцвела вазопись VI-V вв. до н. э. Отказ от нее в вазовой росписи не уравновешивался теми обретениями, которыми сопровождался этот процесс в зодчестве и изобразительных искусствах.

Искусство IV в. до н. э. завершает собой целую эпоху в истории мировой художественной культуры, а именно культуры времени зарождения, подъема, расцвета и кризиса греческого рабовладельческого города-государства. Этот период был одним из периодов наивысшего расцвета в истории искусства, в особенности ваяния и зодчества.

Время стерло с лица земли и величественные храмы и прекрасные статуи. Все же то, что дошло до нас, а сохранилось лишь ничтожно малая часть созданного, доставляет нам глубокую, ни с чем не сравнимую эстетическую радость. Памятники античной Греции показали, как бесконечно прекрасным может быть воплощение человека в искусстве, как этически и эстетически совершенен гармонически развитый человек. Дальнейшая история искусства ушла от выражения той непосредственной целостности тела и духа, от той слитности жизненности образа и его универсальной значимости, которые знала античность. Но открытие новых горизонтов искусства, овладение лично характерным в образе человека, красотой мира - пейзажем, создание произведений, художественно точно и глубоко обобщающих непосредственный опыт социальной жизни и борьбы своего времени, - все это не может заменить в нашем сознании, вытеснить из мира наших чувствований сияющего наследия Древней Эллады.

Проведенное исследование, можно надеяться, в итоге подсказало ответ на следующие два вопроса. Первый из них: представляется ли художественная культура античной Греции явлением локальным, частным в истории мировой культуры или она определяет некий этап в истории художественных свершений человечества, имеющий всемирно-историческое значение? Тесно связан с ним второй вопрос: каково значение художественного наследия Древней Эллады для культуры социалистического общества?

Художественная культура греческого полиса была порождена рабовладельческой формацией в ее особом конкретно-историческом варианте. Она возникла в некоторых зонах Средиземноморья - материковой Греции, на островах Эгейского моря, на побережье Малой Азии. Человеческое общество знало ряд иных форм и путей развития рабовладения и вообще ранних классовых общественных формаций, чем собственно греко-римская. Некоторые народы не знали периода развитого рабовладения. Например, у народов Древней Руси, западных славян, Германии свое полное развитие получила лишь более поздняя феодальная общественная формация.

Вообще опыт истории мирового искусства показывает, что часто конкретно-исторические различия в пределах единой общественной формации вызывают далеко идущие последствия, порождая глубокие качественные различия в соответственных художественных культурах. Иногда разные региональные варианты в общем единого процесса исторической эволюции общества приводят также к выпадению или «смазыванию» тех или иных ее этапов (особенно в сфере духовной культуры). В Европе, в частности, переход от феодализма к капитализму не у всех народов порождал в развитом виде такой этап развития духовной культуры, в частности искусства, как Возрождение в собственном смысле этого слова 1 . В данном случае имеется в виду сложение качественно нового искусства, пронизанного пафосом утверждения значительности и красоты образа земного человека, создающего основы реализма нового времени. Оно основано на переосмыслении реалистических направлений предшествующего этапа зрелой культуры средневековья и как бы возрождении античных традиций. Ренессансная культура возникла в специфических условиях расцвета вольных городов Европы, в недрах которых получила развитие докапиталистическая культура позднего

1 Термин «Возрождение» («Ренессанс») можно употреблять в смысле самого общего обозначения факта возрождения образованности либо роста гуманистических тенденций и интереса к античности. Отсюда каролингское Возрождение, Возрождение в Грузии в XII-XIII веках и тому подобное.

147

средневековья. В историческом смысле этого слова, развитого Возрождения не знал при переходе к капиталистической формации ряд культур, внесших свой великий вклад в сокровищницу мирового искусства. Обращаясь к древности, мы можем констатировать, что формирование общества рабовладельческого типа у ряда народов Востока проходило в формах, существенно отличных от античных. Как бы мы ни стали обозначать раннюю классовую стадию развития общества в Индии, Китае, Центральной и Южной Америке - как самую раннюю ступень рабовладения либо как параллельный античности вариант сложения и эволюции этой формации, - их факт существенного социально-исторического, историко-культурного и особенно художественно-культурного отличия и от греко-римской цивилизации и друг от друга бесспорен. Существо художественных ценностей этих культур глубоко различно. Конечно, можно вынести за скобки этих древних или средневековых цивилизаций некие самые обобщенные типологические признаки - связь с мифом, монументально культовый характер искусства, синтез искусств и так далее. Эти категории имеют смысл, но в своей отвлеченности от живого чувственного характера искусства они оставляют нас вне сферы реального содержания эстетической сущности данной художественной культуры.

Чтобы уловить подлинные различия между этими древними художественными цивилизациями, достаточно сравнить греческую и месопотамскую концепцию архитектуры: например, вход в афинский Акрополь и Аллею процессий в Вавилоне. Можно также сравнить греческого куроса VI в. до н. э. и «Сидящего писца», фриз Парфенона и рельеф, изображающий «Рамсеса, поражающего врагов», чтобы ощутить специфическую неповторимость каждой из этих культур. Подобным образом существенно отличны в искусстве Греции и Индии сама система синтеза, сам тип соотношения: скульптура - архитектура.

В древней и средневековой цивилизации Дальнего Востока поражает та особая роль, которую играло в ней прямое воплощение огромности мира-космоса в пейзаже. По сравнению с античностью и европейским средневековьем это почти обратное понимание соотношения: человек - мир. Достаточно сопоставить в качестве примера китайский пейзаж XII-XIII веков, например «Полнолуние» Ма-Юаня или «Осенний туман» Со-си, с росписью «Гробницы ныряльщика» из Пестума или с «Адамом и Евой в раю» из сицилийско-византийской мозаики в Монреале и Палермо.

В различных древних цивилизациях мир мифических представлений, то есть, казалось бы, самая общая исходная черта духовной культуры раннеклассовых цивилизаций в своих живых проявлениях, приобретает весьма различные аспекты. Так, мера антропоморфности мифических образов, их связь с духовной жизнью людей в своем конкретном содержании глубоко различны. Особый характер социального уклада (например, сохранение общины в отличие от развития частного владения землей в классической античности), а также авторитарной структуры общества и культа, тесное переплетение государственной и религиозномагической стороны социальной практики породили в ряде стран классического Востока мощную, сложно организованную касту жрецов. Она стала огромной, часто господствующей социально-политической силой, догматизирующей всю сферу культа, чего не было в Греции. Таким образом, существенные различия форм практической деятельности и государственного устройства (полис и восточная деспотия), в особенности всей структуры духовной жизни были тесно связаны с искусством. Поэтому каждый вариант развития рабовладельческого и вообще раннеклассового общества создавал качественно своеобразную культуру, со своими особыми эстетическими ценностями и специфическими историческими ограничениями.

Конечно, это не исключает аналогии, а также переосмысления хронологически более поздней цивилизацией достижений более ранней (Греция и Ближний Восток). И все же Колосс Мемнона, «Дискобол» и «Танцующий Шива» не сводимы друг к другу, не выводимы один из другого. Тем более это относится к парам: Египет - Китай или Майя - Греция. В этом смысле культура и искусство классической антики (как и любой другой культуры древности) не представляли собой некий обязательный тип духовной культуры, и в частности искусства, через который должны были пройти все народы мира.

Непосредственное единство, прямое и всестороннее взаимодействие культур всего земного шара возникают лишь в эпоху капитализма. В связи с этим приходится констатировать следующую важную особенность реальной истории человеческого общества. Объективно историческим фактом является то, что именно в Европе (истоки цивилизации которой восходят к Древней Греции и Риму) сложился капитализм со всемирным характером его экономических, социально-политических и культурных связей. Капитализм -- последняя формация классового эксплуататорского общества - породил, правда, в уродливо противоречивых формах, понятие непосредственного живого взаимодействия всех культур земного шара, создал в XIX веке новую мировую историко-культурную ситуацию. На месте раздельных, относительно изолированных национальных литератур, по словам Маркса и Энгельса, «образуется одна всемирная литература» 1 . Эта «всемирная литература», так же, как и художественная культура в целом, не есть нечто нивелированное, однообразное. Это - сложное многообразное единство, где культуры разных народов вступают в сложное, живое взаимодействие. В этой взаимосвязи возникает идея общности задач, стоящих перед культурой всех народов мира, по-иному толкуемой в разных регионах земного шара, а главное, по-разному воспринимаемой в сознании основных классов эпохи. Мировая культура, мировое искусство нового типа, точнее гуманистическая и реалистическая его линия, складываются первоначально в Европе, то есть в том историко-культурном регионе, который вырос из традиции античности, традиции западноевропейского и восточноевропейского средневековья и Ренессанса, считающего античность своей колыбелью. Распространение капиталистических форм производства на весь мир и вовлечение в его сферу народов других зон земного шара уродовало в ходе колонизации,

1 К. Маркс и Ф. Энгельс. Сочинения, т. 4, с. 428.

148

калечило социальное и духовное развитие народов, временно опоздавших в темпах своей социально-исторической эволюции, разрушало их культуру. Это была, так сказать, разрушительная сторона процесса. Но была и другая сторона, связанная с подъемом национально-освободительного движения народных масс в странах капитализма, а также с тем фактом, что реалистическая, гуманистическая демократическая культура Европы и Америки XIX-XX веков оказывала своим опытом ускоряющее воздействие на создание демократической, народной по своему содержанию культуры нового типа и во временно колонизированных странах и во всем земном шаре в целом. Одновременно внутри культуры европейских стран, ставших на путь капитализма, возникает представление о многообразии форм мировой культуры, растет интерес к духовной художественной жизни народов других материков. Тут то сталкиваются, то переплетаются два подхода. С одной стороны, возникает трактовка внеевропейских культур как некоей экзотической и занятной чужеродности. С другой стороны, возникает сознание и глубокой самоценности внеевропейских культур и взаимодополняемости различных культур, только в своей совокупности создающих подлинную мировую культуру. Рождается представление о сложном единстве мировой культуры и ее дифференцированной целостности. В ходе этого процесса передовая демократическая наука преодолевает европоцентристские предрассудки с присущей им идеей о внеисторичности и локальности культур других регионов земного шара.

Вовлечение в орбиту единого мирового хозяйства всех народов, возникновение взаимодействия всех культур мира ставят перед деятелями культуры сложный комплекс задач: защиты ценностей своих культур, поисков той или иной меры освоения ценностей культуры народов мира, их критического отбора, переработки и так далее. В результате этих процессов взаимное освоение великих культурных ценностей, вырастающих как из антики европейской культуры, так и старых культур народов Азии, Африки и Америки, превращает их духовные ценности в достояние культуры всех народов мира.

Конечно, и в прошлые эпохи возникавшие цивилизации - культурно-исторические миры или регионы - не были полностью изолированы друг от друга. Взаимодействия между ними существовали. Однако в XIX и особенно в XX веке речь идет уже не только о взаимовлияниях. Как уже отмечалось, возникает понятие целостно дифференцированной мировой культуры, внутри которой идет борьба основных направлений, тенденций развития. При всем богатстве и сложном многообразии национальных школ, идейных направлений каждое существенное явление в искусстве становится достоянием всех зон земного шара, вызывает практически мгновенную позитивную или негативную реакцию. Мировая культура с ее непосредственной взаимосвязью значительных явлений в современной культуре является исторической реальностью. Движущая сила всемирно-исторического процесса развития современной культуры (через многообразие национальных форм развития) в конечном счете определяется борьбой сил гуманизма, народности, реализма с антигуманизмом, с упадочничеством (вне зависимости от космополитической или националистической, от «авангардистской» или стилизаторско консервативной форм, которые может принимать антинародная культура в наши дни).

Искусство и культура прошлых эпох как Греции и Египта, так и Индии, Дальнего Востока, Древней Америки становятся в меру ценности их художественного вклада органической частью культурных традиций всех народов мира. Тем самым культура того или иного исторического региона реализует те общемировые, представляющие общий эстетический интерес ценности, которые в ней были созданы, - она становится мировой.

Вместе с ростом национально-освободительных движений в ряде колониальных стран происходит сложный диалектический процесс возрождения интереса к своему наследию и общению с развитыми формами демократического реалистического искусства Европы, то есть искусства, восходящего в конечном счете к античным истокам (например, это происходит и в Индии и в Японии). Одновременно можно наблюдать и в связанных с европейскими традициями культурах Центральной Америки возрождение интереса к наследию своей древней развитой культуры, например мексиканскому монументальному искусству. Некоторые явления в европейском искусстве XIX-XX веков были связаны с пробуждением интереса к достижениям внеевропейских цивилизаций (импрессионизм и дальневосточный пейзаж, интерес ряда скульпторов к Египту, попытки переосмысления японской концепции сада и интерьера и так далее).

По мере перехода ряда народов к социализму этот процесс взаимообогащения культур, освобождаясь от уродливой противоречивости его осуществления в условиях капитализма, получает возможность действительно всестороннего и гармонического развития. Большую роль в этом процессе формирования новой единой в своем многообразии социалистической мировой культуры призван играть опыт строительства новой культуры в семье социалистических республик Советского Союза. В конечном счете полная победа социализма во всем мире, победа демократических направлений в культуре дадут окончательное гармоническое решение проблемы. Так подготовляется переход к искусству коммунизма. С этим будет связано глубокое изменение самого принципа осуществления единства культуры через ее многообразие. Вместе с исчезновением наций исчезнет своеобразное стихийное «разделение труда» между национальными культурами. Но принцип не унисонной, а симфонической целостности художественной культуры человечества останется. Его основной движущей силой окажется действующий особенно активно со времен Возрождения принцип ценности личного своеобразия творческой индивидуальности, способной с особой силой и глубиной воплотить существенные для всех людей аспекты эстетического осознания тех или других сторон окружающего мира, воплотить те или другие ценные качества нравственного мира человека.

В настоящее время античное искусство опосредованно (через эстетический опыт выросших на ее основе цивилизаций, в частности европейского реализма нового

149

времени, из которого, в основном вбирая в себя и все мировое наследие, сформировалось искусство социалистического реализма), а также непосредственно через наслаждение его художественными свершениями раскрывается как эпоха, несущая в себе огромные, близкие не только нашей стране, нашей культуре, но и всем народам мира всемирно-исторические ценности. Эти ценности (гуманизм, героическая концепция человека, ясная гармония монументального синтеза) могли возникнуть когда-то лишь в специфических в какой-то мере носящих исключительный характер условиях ранней полисной стадии античного рабовладельческого общества.

Нет смысла взвешивать на весах количественную меру вклада, внесенного в сокровищницу современной мировой культуры различными великими цивилизациями прошлого. Возникнув как исторически неповторимое региональное явление, они несут в себе общемировые ценности, ныне раскрывающиеся с особой широтой воздействия. К синтетической переплавке их опыта и начинают постепенно приступать сегодня народы мира, выходя из плена антагонистических противоречий развития старого классового общества.

И все же тот факт, что в античной Греции с особой полнотой, глубиной и художественно-жизненной правдой, доступной искусству прошлого, воплотились представления о величии свободного человека и человеческого коллектива, что человек впервые так полно раскрылся в свободной от фантасмагорической преображенности реальной телесно-духовной ценности, придает греческому искусству особую значимость для культуры коммунистического общества. Того общества, которое освободило творческие способности человеческого коллектива, а также человеческой личности, открыло путь к его действительно гармоническому развитию.

Античное наследие сегодня и в косвенно опосредованной форме своего воздействия и в смысле непосредственного обращения к его опыту - одна из великих близких и дорогих нам эпох в наследии прошлого. Конечно, речь идет не о стилизирующей имитации греческого искусства. Но, как мы пытались это показать в ходе всего предыдущего изложения, ряд глубинных принципов греческого искусства близок и созвучен нашей эпохе. Оно и сегодня как средство духовного обогащения личности занимает важное место в нашей культуре. Не отрицать эти ценности, не уводить от них, а способствовать их подлинному пониманию, расширять круг их воздействия - наша важная задача. Античная культура (не в меньшей мере, чем некоторые другие великие цивилизации) представляет всемирно историческую ценность, как один из важных истоков коммунистической культуры будущего. Без ее творческого переосмысления невозможен процесс действительно всестороннего овладения наследием прошлого, осуществляемого ради развития культуры сегодняшнего и завтрашнего дня - культуры социалистической, культуры созидаемого нами коммунизма.

Искусство поздней классики (От конца Пелопоннесских войн до возникновения Македонской империи)

Четвертый век до н.э.. явился важным этапом в развитии древнегреческого искусства. Традиции высокой классики перерабатывались в новых исторических условиях.

Рост рабства, концентрация все больших богатств в руках немногих крупных рабовладельцев уже со второй половины 5 в. до н.э. мешали развитию свободного труда. К концу века, особенно в экономически развитых полисах, все явственнее выступал процесс постепенного разорения мелких свободных производителей, приводивший к падению удельного веса свободного труда.

Пелопоннесские войны, явившиеся первым симптомом начавшегося кризиса рабовладельческих полисов, чрезвычайно обострили и ускорили развитие этого кризиса. В ряде греческих полисов возникают восстания беднейшей части свободных граждан п рабов. Вместе с тем рост обмена вызывал необходимость создания единой державы, способной завоевать новые рынки, обеспечить успешное подавление восстаний эксплуатируемых масс.

Осознание культурного и этнического единства эллинов также вступало в решительное противоречие с разобщенностью и ожесточенной борьбой полисов друг с другом. В целом полис, ослабленный войнами и внутренними раздорами, становится тормозом дальнейшего развития рабовладельческого общества.

В среде рабовладельцев происходила ожесточенная борьба, связанная с поисками выхода из кризиса, угрожавшего основам рабовладельческого общества. К середине века складывается течение, объединявшее противников рабовладельческой демократии - крупных рабовладельцев, купцов, ростовщиков, возлагавших все свои надежды на внешнюю силу, способную военным путем подчинить и объединить полисы, подавить движение бедноты и организовать широкую военную и торговую Экспансию на Восток. Такой силой явилась экономически относительно неразвитая Македонская монархия, обладавшая мощной, в основном земледельческой по своему составу, армией. Подчинение греческих полисов Македонской державе и начало завоеваний на Востоке положили конец классическому периоду греческой истории.

Распад полиса повлек за собой утрату идеала свободного гражданина. Вместе с тем трагические конфликты общественной действительности вызывали появление более сложного, чем раньше, взгляда на явления общественной жизни, обогащали сознание передовых людей того времени. Обострение борьбы материализма и идеализма, мистики и научных методов знания, бурные столкновения политических страстей и одновременно интерес к миру личных переживаний характерны для полной внутренних противоречий общественной и культурной жизни 4 в. до н.э.

Изменившиеся условия общественной жизни привели к изменению характера античного реализма.

Наряду с продолжением и развитием традиционных классических форм искусству 4 в. до н.э., в частности зодчеству, приходилось решать и совершенно новые задачи. Искусство впервые начало служить эстетическим потребностям и интересам частного человека, а не полиса в целом; появились и произведения, утверждавшие монархические принципы. На протяжении всего 4 в. до н.э. постоянно усиливался процесс отхода ряда представителей греческого искусства от идеалов народности и героики 5 в. до н.э.

Вместе с тем драматические противоречия эпохи находили свое отражение в художественных образах, показывающих героя в напряженной трагической борьбе с враждебными ему силами, охваченного глубокими и скорбными переживаниями, раздираемого глубокими сомнениями. Таковы герои трагедий Еврипида и скульптур Скопаса.

Большое влияние на развитие искусства оказал завершавшийся в 4 в. до н.э. кризис наивно-фантастической системы мифологических представлений, далекие предвестия которого уже можно увидеть в 5 в. до н.э. Но в 5 в. до н.э. народная художественная фантазия все еще черпала материал для своих возвышенных этических и эстетических представлений в искони знакомых и близких народу мифологических сказаниях и верованиях (Эсхил, Софокл, Фидий и др.). В 4 же веке художника все более интересовали такие стороны бытия человека, которые не укладывались в мифологические образы и представления прошлого. Художники стремились выразить в своих произведениях и внутренние противоречивые переживания, и порывы страсти, и утонченность и проникновенность душевной жизни человека. Зарождался интерес к быту и характерным особенностям психического склада человека, хотя и в самых еще общих чертах.

В искусстве ведущих мастеров 4 в. до н.э. - Скопаса, Праксителя, Лисиппа - была поставлена проблема передачи переживаний человека. В результате этого были достигнуты первые успехи в раскрытии духовной жизни личности. Эти тенденции сказались во всех видах искусства, в частности в литературе и драматургии. Таковы; например, «Характеры» Теофраста, посвященные анализу типических особенностей психического склада человека - наемного воина, хвастуна, парасита, и т. д. Все это указывало не только на отход искусства от задач обобщенно-типического изображения совершенного гармонически развитого человека, но и на обращение к кругу проблем, которые не стояли в центре внимания художников 5 в. до н.э.

В развитии греческого искусства поздней классики явно различаются два Этапа, обусловленных самим ходом общественного развития. В первые две трети века искусство еще очень органично связано с традициями высокой классики. В последнюю треть 4 в. до н.э. происходит резкий перелом в развитии искусства, перед которым новые условия общественного развития ставят новые задачи. В это время особенно обостряется борьба реалистической и антиреалистической линий в искусстве.

Греческая архитектура 4 в. до н.э. имела ряд крупных достижений, хотя ее развитие протекало очень неравномерно и противоречиво. Так, в течение первой трети 4 в. в архитектуре наблюдался известный спад строительной деятельности, отражавший экономический и социальный кризис, который охватил все греческие полисы и особенно расположенные в собственно Греции. Спад этот был, однако, далеко не повсеместный. Наиболее остро он сказался в Афинах, потерпевших поражение в Пелопоннесских войнах. В Пелопоннесе же строительство храмов не прерывалось. Со второй трети века строительство снова усилилось. В греческой Малой Азии, а отчасти и на самом полуострове были возведены многочисленные архитектурные сооружения.

Памятники 4 в. до н.э. в общем следовали принципам ордерной системы. Все же они существенно отличались по своему характеру от произведений высокой классики. Строительство храмов продолжалось, но особенно широкое развитие по сравнению с 5 в. получило строительство театров, палестр, гимнасиев, закрытых помещений для общественных собраний (булевтерий) и др.

Одновременно в монументальной архитектуре появились сооружения, посвященные возвеличению отдельной личности, и притом не мифического героя, а личности монарха-самодержца, - явление совершенно невероятное для искусства 5 в. до н.э. Таковы, например, усыпальница правителя Карий Мавсола (Галикар-насский Мавзолей) или Филиппейон в Олимпии, прославлявший победу македонского царя Филиппа над греческими полисами.

Одним из первых архитектурных памятников, в которых сказались черты, свойственные поздней классике, был перестроенный после пожара 394 г. до н.э. храм Афины Алеи в Тегее (Пелопоннес). И само здание и скульптуры, его украшавшие, были созданы Скопасом. В некоторых отношениях храм этот развивал традиции храма в Бассах. Так, в тегейском храме были применены все три ордера - дорический, ионический и коринфский. В частности, коринфский ордер применен в выступающих из стен полуколоннах, украшающих наос. Полуколонны эти были связаны между собой и стеной общей сложнопрофилированной базой, шедшей вдоль всех стен помещения. В целом храм отличался богатством скульптурных украшений, пышностью и многообразием архитектурного декора.

К середине. 4 в. до н.э. относится ансамбль святилища Асклепия в Эпидавре, центром которого был храм бога-врачевателя Асклепия, но самым замечательным зданием ансамбля был построенный Поликлетом Младшим театр, один из красивейших театров древности. В нем, как и в большинстве театров того времени, места для зрителей (театрон) располагались по склону холма. Всего было 52 ряда каменных скамей, которые вмещали не менее 10 тыс. человек. Эти ряды обрамляли орхестру - площадку, на которой выступал хор. Концентрическими рядами театрон охватывал более полуокружности орхестры. Со стороны, противоположной местам для зрителей, орхестра замыкалась скеной, или в переводе с греческого - палаткой. Первоначально, в 6 и начале 5 в. до н.э., скена и была палаткой, в которой готовились к выходу актеры, но уже к концу 5 в. до н.э. скена превратилась в сложное двухъярусное сооружение, украшенное колоннами и образующее архитектурный фон, перед которым выступали актеры. Из внутренних помещений скены на орхестру вело несколько выходов. Скена в Эпидавре имела украшенный ионическим ордером просцениум - каменную площадку, поднимавшуюся над уровнем орхестры и предназначенную для проведения отдельных игровых эпизодов главными актерами. Театр в Эпидавре был с исключительным художественным чутьем вписан в силуэт пологого склона холма. Скена, торжественная и изящная по своей архитектуре, освещенная солнцем, красиво вырисовывалась на фоне синего неба и далеких контуров гор и в то же время выделяла из окружающей природной среды актеров и хор драмы.

Наиболее интересным из дошедших до нас сооружений, воздвигнутых частными лицами, являются хорегический памятник Лисикрата в Афинах (334 г. до н.э.). Афинянин Лисикрат решил в этом памятнике увековечить победу, одержанную подготовленным на его средства хором. На высоком квадратном в плане цоколе, сложенном из продолговатых и безукоризненно отесанных квад-ров, возвышается стройный цилиндр с изящными полуколоннами коринфского ордера. По антаблементу над узким и легко профилированным архитравом протянут непрерывной лентой фриз со свободно разбросанными и полными непринужденного движения рельефными группами. Пологая конусообразная крыша венчается стройным акротерием, образующим подставку для того бронзового треножника, который и явился призом, присужденным Лисикрату за победу, одержанную его хором. Сочетание изысканной простоты и изящества, камерный характер масштабов и пропорций составляют особенность этого памятника, отличающегося тонким вкусом и изяществом. И все же появление сооружений такого рода связано с утерей архитектурой полиса общественной демократической основы искусства.

Если памятник Лисикрата предвосхищал появление произведений эллинистической архитектуры, живописи и скульптуры, посвященных частной жизни человека, то в созданном несколько ранее «Филиппейоне» нашли свое выражение другие стороны развития архитектуры второй половины 4 в. до н.э. Филиппейон был сооружен в 30-е годы 4 в. до н.э. в Олимпии в честь победы, одержанной в 338 г. македонским царем Филиппом над войсками Афин и Беотии, пытавшимися бороться с македонской гегемонией в Элладе. Круглый в плане наос Филиппейона был окружен колоннадой ионического ордера, а внутри украшен коринфскими колоннами. Внутри наоса стояли статуи царей Македонской династии, выполненные в хрисоэлефантинной технике, до тех пор применявшейся только при изображении богов. Филиппейон должен был пропагандировать идею главенства Македонии в Греции, освятить авторитетом священного места царственный авторитет особы македонского царя и его династии.

Пути развития архитектуры малоазийской Греции несколько отличались от развития архитектуры собственно Греции. Ей было свойственно стремление к пышным и грандиозным архитектурным сооружениям. Тенденции отхода от классики в малоазийской архитектуре давали себя знать особенно сильно. Так, построенные в середине и конце 4 в. до н.э. огромные ионические диптеры (второй храм Артемиды в Эфесе, храм Артемиды в Сардах и др.) отличались весьма далекой от духа подлинной классики пышностью и роскошью убранства. Эти храмы, известные по описаниям древних авторов, дошли до нашего времени в очень скудных остатках.

Наиболее ярко особенности развития малоазийской архитектуры сказались в построенном около 353 г. до н.э. архитекторами Пифеем и Сатиром Галикарнасском Мавзолее - гробнице Мавсола, правителя персидской провинции Карий.

Мавзолей поражал не столько величавой гармонией пропорций, сколько грандиозностью масштабов и пышным богатством убранства. В древности он был причислен к семи чудесам света. Высота Мавзолея, вероятно, достигала 40 - 50 м. Само здание представляло собой довольно сложное сооружение, в котором сочетались местные малоазийские традиции греческой ордерной архитектуры и мотивы, заимствованные у классического Востока. В 15 в. Мавзолей был сильно разрушен, и точная реконструкция его в настоящее время невозможна; лишь некоторые самые общие его черты не вызывают разногласий ученых. В плане он представлял собой приближающийся к квадрату прямоугольник. Первый ярус по отношению к последующим выполнял роль цоколя. Мавзолей являлся огромной каменной призмой, сложенной из больших квадров. По четырем углам первый ярус был фланкирован конными статуями. В толще этого огромного каменного блока находилось высокое сводчатое помещение, в котором стояли гробницы царя и его жены. Второй ярус состоял из помещения, окруженного высокой колоннадой ионического ордера. Между колоннами были поставлены мраморные статуи львов. Третий, последний ярус представлял собой ступенчатую пирамиду, на вершине которой помещались стоявшие на колеснице большие фигуры правителя и его жены. Гробница Мавсола была опоясана тремя рядами фризов, однако их точное местонахождение в архитектурном ансамбле не установлено. Все скульптурные работы были выполнены греческими мастерами, в том числе Скопасом.

Сочетание давящей силы и огромных масштабов цокольного этажа с пышной торжественностью колоннады должно было подчеркнуть могущество царя и величие его державы.

Таким образом, все достижения классического зодчества и искусства вообще были поставлены на службу новым, чуждым классике общественным целям, порожденным неотвратимым развитием античного общества. Развитие шло от изжившей себя обособленности полисов к мощным, хотя и непрочным рабовладельческим монархиям, дающим возможность верхушке общества укрепить устои рабовладения.

Хотя произведения скульптуры 4 в. до н.э., как и вообще всей Древней Греции, дошли до нас главным образом в римских копиях, все же мы можем иметь о развитии скульптуры этого времени гораздо более полное представление, чем о развитии архитектуры и живописи. Переплетение и борьба реалистических и антиреалистических тенденций приобрели в искусстве 4 в. до н.э. гораздо большую остроту, чем в 5 в. В 5 в. до н.э. основным противоречием было противоречие между традициями отмирающей архаики и развивающейся классики, здесь же отчетливо определились два направления в развитии самого искусства 4 в.

С одной стороны, некоторые скульпторы, формально следовавшие традициям высокой классики, создавали искусство, отвлеченное от жизни, уводившее от ее острых противоречий и конфликтов в мир бесстрастно холодных и отвлеченно прекрасных образов. Это искусство по тенденциям своего развития было враждебна реалистическому и демократическому духу искусства высокой классики. Однако не это направление, виднейшими представителями которого были Кефисодот, Тимофей, Бриаксис, Леохар, определило характер скульптуры и вообще искусства этого времени.

Общий характер скульптуры и искусства поздней классики в основном определялся творческой деятельностью художников-реалистов. Ведущими и величайшими представителями этого направления были Скопас, Пракситель и Лисипп. Реалистическое направление получило широкое развитие не только в скульптуре, но и в живописи (Апеллес).

Теоретическим обобщением достижений реалистического искусства своей эпохи явилась эстетика Аристотеля. Именно в 4 в. до н.э. в эстетических высказываниях Аристотеля принципы реализма поздней классики получили последовательное и развернутое обоснование.

Противоположность двух направлений в искусстве 4 в. до н.э. выявилась не сразу. Первое время в искусстве начала 4 в., в период перехода от классики высокой к классике поздней, эти направления иногда противоречиво переплетались в творчестве одного и того же мастера. Так, искусство Кефисодота несло в себе и интерес к лирическому душевному настроению (что получило свое дальнейшее развитие в творчестве сына Кефисодота - великого Праксителя) и вместе с тем черты нарочитой красивости, внешней эффектности и нарядности. Статуя Кефисодота «Эйрена с Плутосом», изображающая богиню мира с божком богатства на руках, сочетает новые черты - жанровую трактовку сюжета, мягкое лирическое чувство - с несомненной склонностью к идеализации образа и к его внешней, несколько сентиментальной трактовке.

Одним из первых скульпторов, в творчестве которого сказалось новое понимание реализма, отличное от принципов реализма 5 в. до н.э., был Деметрий из Алопеки, начало деятельности которого относится еще к концу 5 в. Судя по всем данным, он был одним из самых смелых новаторов реалистического греческого искусства. Все свое внимание он уделил разработке методов правдивой передачи индивидуальных черт портретируемого лица.

Мастера портрета 5 в. в своих работах опускали те детали внешнего облика человека, которые не представлялись существенными при создании героизированного изображения, - Деметрий первым в истории греческого искусства встал на путь утверждения художественной ценности неповторимо личных внешних особенностей облика человека.

О достоинствах, а вместе с тем и о границах искусства Деметрия можно в какой-то мере судить по сохранившейся копии с его портрета философа Анти-сфена, исполненного около 375 г. до н.э. , - одной из последних работ мастера, в которой с особой полнотой выразились его реалистические устремления. В лице Антисфена совершенно очевидно показаны черты его конкретного индивидуального облика: покрытый глубокими складками лоб, беззубый рот, взлохмаченные волосы, растрепанная борода, пристальный, немного хмурый взгляд. Но в этом портрете нет сколько-нибудь сложной психологической характеристики. Важнейшие достижения в разработке задач характеристики духовной сферы человека были осуществлены уже последующими мастерами - Скопасом, Праксителем и Лисиппом.

Крупнейшим мастером первой половины 4 в. до н.э. был Скопас. В творчестве Скопаса нашли свое наиболее глубокое художественное выражение трагические противоречия его эпохи. Тесно связанный с традициями и пелопоннесской и аттической школы, Скопас посвятил себя созданию монументально-героических образов. Этим он как бы продолжал традиции высокой классики. Творчество Скопаса поражает своей огромной содержательностью и жизненной силой. Герои Скопаса, подобно героям высокой классики, продолжают быть воплощением самых прекрасных качеств сильных и доблестных людей. Однако от образов высокой классики их отличает бурное драматическое напряжение всех духовных сил. Героический подвиг больше не носит характера поступка, естественного для каждого достойного гражданина полиса. Герои Скопаса находятся в необычном напряжении сил. Порыв страсти нарушает гармоническую ясность, свойственную высокой классике, но зато придает образам Скопаса огромную экспрессию, оттенок личного, страстного переживания.

Вместе с тем Скопас ввел в искусство классики мотив страдания, внутреннего трагического надлома, косвенно отражающего трагический кризис этических и Эстетических идеалов, созданных в эпоху расцвета полиса.

В течение своей почти полувековой деятельности Скопас выступал не только как скульптор, но и как архитектор. Дошло до нас лишь очень немногое из его творчества. От храма Афины в Тегее, славившегося в древности своей красотой, дошли лишь скудные обломки, но и по ним можно судить о смелости и глубине творчества художника. Кроме самого здания Скопас выполнил и его скульптурное оформление. На западном фронтоне были изображены сцены битвы Ахилла с Телефом в долине Каика, а на восточном - охоты Мелеагра и Аталанты на каледонского вепря.

Голова раненого воина с западного фронтона по общей трактовке объемов, казалось бы, близка Поликлету. Но стремительный патетический поворот запрокинутой головы, резкая и беспокойная игра светотени, страдальчески изогнутые брови, полуоткрытый рот придают ей такую страстную выразительность и драматизм переживания, которого высокая классика не знала. Характерной особенностью этой головы является нарушение гармонического строения лица ради подчеркивания силы душевного напряжения. Вершины дуг бровей и верхней дуги глазного яблока не совпадают, что создает полный драматизма диссонанс. Он вполне ощутимо улавливался древним греком, глаз которого был чуток к самым тонким нюансам пластической формы, особенно когда они имели смысловое значение.

Характерно, что Скопас первым среди мастеров греческой классики стал отдавать решительное предпочтение мрамору, почти отказавшись от применения бронзы, излюбленного материала мастеров высокой классики, в особенности Мирона и Поликлета. Действительно, мрамор, дающий теплую игру света и тени, допускающий достижение то тонких, то резких фактурных контрастов, был ближе творчеству Скопаса, чем бронза с ее четко отлитыми формами и ясными силуэтными гранями.

Мраморная «Менада», дошедшая до нас в небольшой поврежденной античной копии, воплощает образ человека, одержимого бурным порывом страсти. Не воплощение образа героя, способного уверенно властвовать над своими страстями, а раскрытие необычайной экстатической страсти, охватывающей человека, характерно для «Менады». Интересно, что Менада Скопаса, в отличие от скульптур 5 в., рассчитана на обозрение со всех сторон.

Танец опьяненной Менады стремителен. Ее голова запрокинута назад, отброшенные со лба волосы тяжелой волной спадают на плечи. Движение резко изогнутых складок короткого разрезанного на боку хитона подчеркивает бурный порыв тела.

Дошедшее до нас четверостишие неизвестного греческого поэта хорошо передает общий образный строй «Менады»:

Камень паросский - вакханка. Но камню дал душу ваятель. И, как хмельная, вскочив, ринулась в пляску она. Эту менаду создав, в исступленье, с убитой козою, Боготворящим резном чудо ты сделал, Скопас.

К произведениям круга Скопаса относится также статуя Мелеагра - героя мифической охоты на каледонского вепря. По системе пропорций статуя представляет собой своеобразную переработку канона Поликлета. Однако Скопас резко подчеркнул стремительность поворота головы Мелеагра, чем усилил патетический характер образа. Скопас придал большую стройность пропорциям тела. Трактовка форм лица и тела, обобщенно-прекрасного, но более нервно-выразительного, чем у Поликлета, отличается своей эмоциональностью. Скопас передал в Мелеагре состояние тревоги и беспокойства. Интерес к непосредственному выражению чувств героя оказывается для Скопаса связанным в основном с нарушением цельности и гармоничности духовного мира человека.

Резцу Скопаса, невидимому, принадлежит прекрасное надгробие - одно из лучших, сохранившихся от первой половины 4 в. до н.э. Это «Надгробие юноши», найденное на реке Илиссе. Оно отличается от большинства рельефов такого рода особой драматичностью изображенного в нем диалога. И ушедший из мира юноша, и прощающийся с ним печально и задумчиво поднесший руку к устам бородатый старец, и склонившаяся фигурка сидящего погруженного в сон мальчика, олицетворяющего смерть, - все они не только проникнуты обычным для греческих надгробий ясным и спокойным раздумьем, но отличаются особой жизненной глубиной и силой чувства.

Одним из самых замечательных и самых поздних созданий Скопаса являются его рельефы с изображением борьбы греков с амазонками, сделанные для Галикарнасского Мавзолея.

Великий мастер был приглашен к участию в этой грандиозной работе вместе с другими греческими скульпторами - Тимофеем, Бриаксисом и молодым тогда Леохаром. Художественная манера Скопаса заметно отличалась от тех художественных средств, которыми пользовались его сотоварищи, и это позволяет выделить в сохранившейся ленте фриза Мавзолея рельефы, им созданные.

Сравнение с фризом Больших Панафиней Фидия дает возможность особенно наглядно увидеть то новое, что свойственно галикарнасскому фризу Скопаса. Движение фигур в панафинейском фризе развивается при всем его жизненном многообрАзии постепенно и последовательно. Равномерное нарастание, кульминация и завершение движения процессии создают впечатление законченного и гармонического целого. В галикарнасской же «Амазономахии» на смену равномерно и постепенно нарастающему движению приходит ритм подчеркнуто контрастных противопоставлений, внезапных пауз, резких вспышек движения. Контрасты света и тени, развевающиеся складки одежд подчеркивают общий драматизм композиции. «Амазономахия» лишена возвышенного пафоса высокой классики, но зато столкновение страстей, ожесточенность борьбы показаны с исключительной силой. Этому способствует противопоставление стремительных движений сильных, мускулистых воинов и стройных, легких амазонок.

Композиция фриза построена на свободном размещении по всему его полю все новых и новых групп, повторяющих в различных вариантах все ту же тему беспощадной схватки. Особенно выразителен рельеф, в котором греческий воин, выдвинув вперед щит, наносит удар по откинувшейся назад и занесшей руки с топором стройной полуобнаженной амазонке, а в следующей группе этого же рельефа дается дальнейшее развитие этого мотива: амазонка упала; опершись локтем о землю, она слабеющей рукой пытается отразить удар грека, беспощадно добивающего раненую.

Великолепен рельеф, который изображает резко откинувшегося назад воина, пытающегося противостоять натиску амазонки, схватившей его одной рукой за щит, а другой наносящей смертельный удар. Слева от этой группы изображена амазонка, скачущая на разгоряченном коне. Она сидит обернувшись назад и, видимо, мечет дротик в преследующего ее врага. Конь почти наезжает на откинувшегося назад воина. Резкое столкновение противоположно направленных движений всадницы и воина и необычная посадка амазонки своими контрастами усиливают общий драматизм композиции.

Исключительной силы и напряженности полна фигура возничего на фрагменте третьей дошедшей до нас плиты фриза Скопаса.

Искусство Скопаса оказало огромное влияние как на современное ему, так и на позднейшее искусство Греции. Под непосредственным влиянием Скопаса была, например, создана Пифеем (одним из строителей Галикарнасского Мавзолея) монументальная скульптурная группа Мавсола и его жены Артемисии, стоявшая на квадриге на вершине Мавзолея. В статуе Мавсола высотой около 3 м сочетаются подлинно греческая ясность и гармония в разработке пропорций, складок одежд и пр. с изображением не греческого по своему характеру облика Мавсола. Его широкое, строгое, немного грустное лицо, длинные волосы, длинные спадающие усы не только передают своеобразный этнический облик представителя другого народа, но свидетельствуют также и об интересе скульпторов этого времени к изображению душевной жизни человека. К кругу искусства Скопаса могут быть отнесены прекрасные рельефы на базах колонн нового храма Артемиды в Эфесе. В особенности привлекательна нежная и задумчивая фигура крылатого гения.

Из младших современников Скопаса только влияние аттического мастера Праксителя было столь же длительным и глубоким, как влияние Скопаса.

В отличие от бурного и трагического искусства Скопаса Пракситель в своем творчестве обращается к образам, проникнутым духом ясной и чистой гармонии и спокойной задумчивости. Герои Скопаса почти всегда даны в бурном и стремительном действии, образы Праксителя обычно проникнуты настроением ясной и безмятежной созерцательности. И все же Скопас и Пракситель взаимно дополняют друг друга. Пусть по-разному, но и Скопас и Пракситель создают искусство, раскрывающее состояние человеческой души, чувства человека. Как и Скопас, Пракситель ищет путей раскрытия богатства и красоты духовной жизни человека, не выходя за пределы обобщенного образа прекрасного человека, лишенного неповторимо индивидуальных черт. В статуях Праксителя изображается человек идеально прекрасный и гармонически развитый. В этом отношении Пракситель более тесно, чем Скопас, связан с традициями высокой классики. Более того, лучшие творения Праксителя отличаются даже большей грацией, большей тонкостью в передаче оттенков душевной жизни, чем многие произведения высокой классики. Все же сравнение любого из произведений Праксителя с такими шедеврами высокой классики, как «Мойры», ясно показывает, что достижения искусства Праксителя куплены дорогой ценой утраты того духа героического жизнеутверждения, того сочетания монументального величия и естественной простоты, которое было достигнуто в произведениях эпохи расцвета.

Ранние произведения Праксителя еще непосредственно связаны с образцами искусства высокой классики. Так, в «Сатире, наливающем вино» Пракситель использует поликлетовский канон. Хотя «Сатир» дошел до нас в посредственных римских копиях, все же и по этим копиям видно, что Пракситель смягчил величавую строгость канона Поликлета. Движение сатира изящно, фигура его отличается стройностью.

Произведением зрелого стиля Праксителя (около 350 г. до н.э.) является его «Отдыхающий сатир». Сатир Праксителя - изящный задумчивый юноша. Единственная деталь в облике сатира, напоминающая о его «мифологическом» происхождении, - это острые, «сатировские» уши. Однако они почти незаметны, так как теряются в мягких локонах его густых волос. Прекрасный юноша, отдыхая, непринужденно облокотился о ствол дерева. Тонкая моделировка, как и мягко скользящие по поверхности тела тени, создают ощущение дыхания, трепета жизни. Наброшенная через плечо шкура рыси своими тяжелыми складками и грубой фактурой оттеняет необычайную жизненность, теплоту тела. Глубоко посаженные глаза внимательно глядят на окружающий мир, на губах мягкая, чуть лукавая улыбка, в правой руке - флейта, на которой он только что играл.

С наибольшей полнотой мастерство Праксителя раскрылось в его «Отдыхающем Гермесе с младенцем Дионисом» и «Афродите Книдской».

Гермес изображен остановившимся во время пути. Он непринужденно опирается на ствол дерева. В несохранившейся кисти правой руки Гермес, повидимому, держал гроздь винограда, к которой и тянется младенец Дионис (пропорции его, как то было обычным в изображениях детей в классическом искусстве, не детские). Художественное совершенство этой статуи заключено в поразительной по своему реализму жизненной силе образа, в том выражении глубокой и тонкой одухотворенности, какое сумел придать прекрасному лицу Гермеса скульптор.

Способность мрамора создавать мягкую мерцающую игру света и тени, передавать тончайшие фактурные нюансы и все оттенки в движении формы была впервые с таким мастерством разработана именно Праксителем. Блестяще используя художественные возможности материала, подчиняя их задаче предельно жизненного, одухотворенного раскрытия красоты образа человека, Пракситель передает и все благородство движения сильной и изящной фигуры Гермеса, эластичную гибкость мускулов, теплоту и упругую мягкость тела, живописную игру теней в его кудрявых волосах, глубину его задумчивого взгляда.

В «Афродите Книдской» Пракситель изобразил прекрасную обнаженную женщину, снявшую одежду и готовую вступить в воду. Ломкие тяжелые складки сброшенной одежды резкой игрой света и тени подчеркивают стройные формы тела, его спокойное и плавное движение. Хотя статуя предназначалась для культовых целей, в ней нет ничего божественного - это именно прекрасная земная женщина. Обнаженное женское тело, хотя и редко, привлекало внимание скульпторов уже высокой классики («Девушка флейтистка» из трона Людовизи, «Раненая Ниобида» Музея Терм и др.), но впервые изображалась обнаженная богиня, впервые в культовой по своему назначению статуе образ носил столь свободный от какой-либо торжественности и величественности характер. Появление такой статуи было возможно лишь потому, что старые мифологические представления окончательно потеряли свое значение, и потому, что для грека 4 в. до н.э. эстетическая ценность и жизненная выразительность произведения искусства стала представляться более важной, чем его соответствие требованиям и традициям культа. Историю создания этой статуи римский ученый Плиний излагает следующим образом:

«...Выше всех произведений не только Праксителя, но вообще существующих во вселенной, находится Венера его работы. Чтобы ее увидеть, многие плавали на Книд. Пракситель одновременно изготовил и продавал две статуи Венеры, но одна была покрыта одеждой - ее предпочли жители Коса, которым принадлежало право выбора. Пракситель за обе статуи назначил одинаковую плату. Но жители Коса эту статую признали серьезной и скромной; отвергнутую ими купили книдяне. И ее слава была неизмеримо выше. У книдян хотел впоследствии купить ее царь Никомед, обещая за нее простить государству книдян все огромные числящиеся за ними долги. Но книдяне предпочли все перенести, чем расстаться со статуей. И не напрасно. Ведь Пракситель этой статуей создал славу Книду. Здание, где находится эта статуя, все открыто, так что ее можно со всех сторон осматривать. Причем верят, будто эта статуя была сооружена при благосклонном участии самой богини. И ни с одной стороны вызываемый ею восторг не меньше...».

Афродита Книдская вызвала, особенно в эпоху эллинизма, ряд повторений и подражаний. Ни одно из них не могло, однако, сравниться с оригиналом. Позднейшие подражатели видели в Афродите лишь чувственное изображение красивого женского тела. На самом же деле истинное содержание этого образа гораздо более значительно. В «Книдской Афродите» воплощено преклонение перед совершенством как телесной, так и духовной красоты человека.

«Книдская Афродита» дошла до нас в многочисленных копиях и вариантах, частью восходящих еще ко времени Праксителя. Лучшими из них являются не те копии Ватиканского и Мюнхенского музеев, где фигура Афродиты сохранилась целиком (это - копии не слишком высокого достоинства), а такие статуи, как неаполитанский «Торс Афродиты», полный удивительной жизненной прелести, или как замечательная голова так называемой «Афродиты Кауфмана», где превосходно передан характерный для Праксителя задумчивый взгляд и мягкая нежность выражения лица. К Праксителю восходит и торс «Афродиты Хвощинского» - прекраснейший, памятник в античной коллекции Музея изобразительных искусств имени Пушкина.

Значение искусства Праксителя заключалось также и в том, что некоторые его работы на мифологические темы переводили традиционные образы в сферу обыденной повседневной жизни. Статуя «Аполлона Сауроктона» представляет собой, по существу, лишь греческого мальчика, упражняющегося в ловкости: он стремится пронзить стрелой бегущую ящерицу. В изяществе этого стройного молодого тела нет ничего божественного, и самый миф подвергся такому неожиданно жанрово-лирическому переосмыслению, что в нем ничего не осталось от прежнего традиционного греческого образа Аполлона.

Таким же изяществом отличается и «Артемида из Габий». Молодая гречанка, поправляющая естественным, свободным жестом одежду на своем плече, совсем не похожа на строгую и гордую богиню, сестру Аполлона.

Работы Праксителя получили широкое признание, выражающееся, в частности, и в том, что были повторены в бесконечных вариациях в мелкой терракотовой пластике. К «Артемиде из Габий» близка по всему своему строю, например, замечательная танагрская статуэтка закутанной в плащ девушки, да и многие другие (например, «Афродита в раковине»). В этих произведениях мастеров, скромных, оставшихся нам неизвестными по имени, продолжали жить лучшие традиции искусства Праксителя; тонкая поэзия жизни, свойственная его дарованию, сохранена в них в несоизмеримо большей степени, чем в бесчисленных холодно-жеманных или слащаво-сентиментальных репликах известных мастеров Эллинистической и римской скульптуры.

Большую ценность представляют и некоторые статуи середины 4 в. до н.э. выполненные неизвестными мастерами. В них своеобразно сочетаются и варьируются реалистические открытия Скопаса и Праксителя. Такова, например, бронзовая статуя эфеба, найденная в 20 в. в море около Марафона («Юноша из Марафона»). Эта статуя дает пример обогащения бронзовой техники всеми живописными и фактурными приемами праксителевского искусства. Влияние Праксителя сказалось здесь и в изяществе пропорций и в нежности и задумчивости всего облика мальчика. К кругу Праксителя относится и «Голова Евбулея», замечательная не только деталями, в частности, великолепно переданными волнистыми волосами, но и - прежде всего - своей душевной тонкостью.

В творчестве Скопаса и Праксителя нашли свое наиболее яркое и полное разрешение задачи, стоявшие перед искусством первой половины 4 в. Их творчество при всем его новаторском характере было еще тесно связано с принципами и искусства высокой классики. В художественной культуре второй половины века и особенно последней его трети связь с традициями высокой классики становится менее непосредственной, а частично утрачивается.

Именно в эти годы Македония, поддержанная крупными рабовладельцами ряда ведущих полисов, добилась гегемонии в греческих делах.

Сторонники старой демократии, защитники независимости и свобод полиса, несмотря на свое героическое сопротивление, потерпели решительное поражение. Поражение это было исторически неизбежным, так как полис и его политическое устройство не обеспечивали необходимых условий для дальнейшего развития рабовладельческого общества. Исторических же предпосылок для успешной революции рабов и ликвидации самих основ рабовладельческого строя еще не было. Более того, даже самые последовательные защитники старых свобод полиса и враги македонской экспансии, как, например, знаменитый афинский оратор Демосфен, отнюдь не помышляли о низвержении рабовладельческого строя и выражали лишь интересы приверженных к принципам старой рабовладельческой демократии широких слоев свободной части населения. Отсюда историческая обреченность их дела. Последние десятилетия 4 века до н.э. были не только эпохой, приведшей к установлению гегемонии Македонии в Греции, но и эпохой победоносных походов Александра Македонского на Восток (334 - 325 гг. до н.э.), открывших новую главу в истории античного общества - так называемый эллинизм.

Естественно, что переходный характер этого времени, времени коренной ломки старого и зарождения нового, не мог не получить своего отражения и в искусстве.

В художественной культуре тех лет шла борьба между искусством ложноклассическим, отвлеченным от жизни, и искусством реалистическим, передовым, пытающимся на основе переработки традиций реализма классики найти средства к художественному отражению уже иной, чем в 5 в., действительности.

Идеализирующее направление в искусстве поздней классики именно в эти годы с особой ясностью раскрывает свой антиреалистический характер. Действительно, полная оторванность от жизни придавала еще в первой половине 4 в. до н.э. произведениям идеализирующего направления черты холодной отвлеченности и искусственности. В работах таких мастеров первой половины века, как, например, Кефисодот, автор статуи «Эйрены с Плутосом», можно видеть, как постепенно классические традиции лишались своего жизненного содержания. Мастерство скульптора идеализирующего направления сводилось подчас к виртуозному владению формальными приемами, позволяющими создавать внешне красивые, но по существу лишенные подлинной жизненной убедительности произведения.

К середине века, и особенно во второй половине 4 в., это по существу уходящее от жизни консервативное направление получило особенно широкое развитие. Художники этого направления участвовали в создании холодно-торжественного официального искусства, призванного украшать и возвеличивать новую монархию и утверждать антидемократические эстетические идеалы крупных рабовладельцев. Эти тенденции сказались достаточно ярко уже в декоративных по-своему рельефах, выполненных в середине века Тимофеем, Бриаксисом и Леохаром для Галикарнасского мавзолея.

Наиболее последовательно искусство ложноклассического направления раскрылось в творчестве Леохара, Леохар, афинянин по происхождению, стал придворным художником Александра Македонского. Именно он создал ряд хрисоэлефантинных статуй царей Македонской династии для Филиппейона. Холодный и пышный классицизирующий, то есть внешне подражающий классическим формам, стиль произведений Леохара удовлетворял потребностям складывающейся монархии Александра. Представление о стиле произведений Леохара, посвященных восхвалению Македонской монархии, дает нам римская копия с его героизированного портретного изображения Александра Македонского. Обнаженная фигура Александра имела отвлеченно-идеальный характер.

Внешне декоративный характер носила и его скульптурная группа «Ганимед, похищаемый Зевсовым орлом», в которой своеобразно переплетались слащавая идеализация фигуры Ганимеда с интересом к изображению жанрово-бытовых мотивов (лающая на орла собачка, оброненная Ганимедом флейта).

Самой значительной среди работ Леохара была статуя Аполлона - знаменитый «Аполлон Бельведерский»( «Аполлон Бельведерский» - название дошедшей до нас римской мраморной копии с бронзового оригинала Леохара, помещавшейся одно время в ватиканском Бельведере (открытой лоджии) ).

В течение нескольких веков «Аполлон Бельведерский» представлялся воплощением лучших качеств греческого классического искусства. Однако ставшие широко известными в 19 в. произведения подлинной классики, в частности скульптуры Парфенона, сделали ясной всю относительность эстетической ценности «Аполлона Бельведерского». Безусловно, в этом произведении Леохар показал себя как художник, виртуозно владеющий техникой своего мастерства, и как тонкий знаток анатомии. Однако образ Аполлона скорее внешне эффектен, чем внутренне значителен. Пышность прически, надменный поворот головы, известная театральность жеста глубоко чужды подлинным традициям классики.

К кругу Леохара близка и знаменитая статуя «Артемиды Версальской», полная холодного, несколько надменного величия.

Величайшим художником реалистического направления этого времени был Лисипп. Естественно, что реализм Лисиппа существенно отличался как от принципов реализма высокой классики, так и от искусства его непосредственных предшественников - Скопаса и Праксителя. Однако следует подчеркнуть, что Лисипп был очень тесно связан с традициями искусства Праксителя и особенно Скопаса. В искусстве Лисиппа - последнего великого мастера поздней классики,- так же как и в творчестве его предшественников, решалась задача раскрытия внутреннего мира человеческих переживаний и известной индивидуализации образа человека. Вместе с тем Лисипп внес новые оттенки в решение этих художественных проблем, а главное, он перестал рассматривать создание образа совершенного прекрасного человека как основную задачу искусства. Лисипп как художник чувствовал, что новые условия общественной жизни лишали этот идеал какой бы то ни было серьезной жизненной почвы.

Конечно, продолжая традиции классического искусства, Лисипп стремился создать обобщенно-типический образ, воплощавший характерные черты человека его эпохи. Но сами эти черты, само отношение художника к этому человеку были уже существенно иными.

Во-первых, Лисипп находит основу для изображения типического в образе человека не в тех чертах, которые характеризуют человека как члена коллектива свободных граждан полиса, как гармонически развитую личность, а в особенностях его возраста, рода занятий, принадлежности к тому или другому психологическому складу характера. Таким образом, хотя Лисипп и не обращается к изображению отдельной личности во всем ее неповторимом своеобрАзии, все же его типически обобщенные образы отличаются большим разнообразием, чем образы высокой классики. Особенно важной новой чертой в творчестве Лисиппа является интерес к раскрытию характерно-выразительного, а не идеально-совершенного в образе человека.

Во-вторых, Лисипп в какой-то мере подчеркивает в своих произведениях момент личного восприятия, стремится передать свое эмоциональное отношение к изображаемому событию. По свидетельству Плиния, Лисипп говорил, что если древние изображали людей такими, какими они были на самом деле, то он, Лисипп, - такими, какими они кажутся.

Для Лисиппа было также характерно расширение традиционных жанровых рамок классической скульптуры. Он создал много огромных монументальных статуй, предназначенных для украшения больших площадей и занимавших свое самостоятельное место в городском ансамбле. Наибольшей известностью пользовалась грандиозная, в 20 м высотой, бронзовая статуя Зевса, предваряющая появление колоссальных статуй, типичных для искусства 3 - 2 вв. до н.э. Создание такой огромной бронзовой статуи было обусловлено не только стремлением искусства того времени к сверхъестественной грандиозности и мощи своих образов, но и ростом инженерных и математических знаний. Характерно замечание Плиния о статуе Зевса: «В нем вызывает изумление то, что, как передают, рукой его можно привести в движение, а никакая буря его потрясти не может: таков расчет его равновесия». Лисипп наряду с сооружением огромных статуй обращался и к созданию небольших, камерных по размеру статуэток, являвшихся собственностью отдельного лица, а не общественным достоянием. Такова настольная статуэтка, изображавшая сидящего Геракла, принадлежавшая лично Александру Македонскому. Новым являлось также обращение Лисиппа к разработке в круглой скульптуре больших многофигурных композиций на современные исторические темы, что безусловно расширяло круг изобразительных возможностей скульптуры. Так, например, знаменитая группа «Александр в битве при Гранике» состояла из двадцати пяти сражающихся конных фигур.

Достаточно наглядное представление о характере искусства Лисиппа дают нам многочисленные римские копии с его произведений.

Особенно ярко понимание Лисиппом образа человека воплотилось в его знаменитой в древности бронзовой статуе «Апоксиомен». Лисипп изобразил юношу, который скребком счищает с себя песок арены, приставший к его телу во время спортивного состязания. В этой статуе художник очень: выразительно передал то состояние усталости, которое охватило юношу после пережитого им напряжения борьбы. Подобная трактовка образа атлета говорит о том, что художник решительно порывает с традициями искусства греческой классики, для которой было характерно стремление показать героя или в пре-дельном напряжении всех его сил, как, например, в работах Скопаса, или мужественным и сильным, готовым к совершению подвига, как, например, в «Дорифоре» Поликлета. У Лисиппа же его Апоксиомен лишен всякой героичноети. Но зато такая трактовка образа дает Лисиппу возможность вызвать у зрителя более непосредственное впечатление жизни, придать образу Апоксиомена предельную убедительность, показать не героя, а именно только молодого атлета.

Однако неверно было бы сделать вывод, что Лисипп отказывается от создания типического образа. Лисипп ставит себе задачу раскрытия внутреннего мира человека, но не через изображение постоянных и устойчивых свойств его характера, как это делали мастера высокой классики, а через передачу переживания человека. В Апоксиомене Лисипп хочет показать не внутренний покой и устойчивое равновесие, а сложную и противоречивую смену оттенков настроения. Уже сюжетный мотив, как бы напоминающий о той борьбе, которую юноша только что пережил на арене, дает зрителю возможность представить себе и то страстное напряжение всех физических и духовных сил, которое выдержало это стройное молодое тело.

Отсюда динамическая острота и усложненность композиции. Фигура юноши вся как бы пронизана зыбким и изменчивым движением. Движение это свободно развернуто в пространстве. Юноша опирается на левую ногу; его правая нога отставлена назад и в сторону; корпус, который легко несут стройные и сильные ноги, слегка наклонен вперед и в то же время дан в резком повороте. В особенно сложном повороте дана его выразительная голова, посаженная на крепкую шею. Голова Апоксиомена повернута вправо и одновременно чуть склоняется к левому плечу. Затененные и глубоко посаженные глаза устало смотрят вдаль. Волосы слиплись в беспокойно разбросанные пряди.

Сложные раккурсы и повороты фигуры влекут зрителя к поискам все новых и новых точек зрения, в которых раскрываются все новые выразительные оттенки в движении фигуры. В этой особенности заключается глубокое своеобразие лисип-повского понимания возможностей языка скульптуры. В Апоксиомене каждая точка Зрения существенно важна для восприятия образа и вносит в это восприятие нечто принципиально новое. Так, например, впечатление стремительной энергии фигуры при взгляде на нее спереди при обходе статуи постепенно сменяется ощущением усталости. И, лишь сопоставляя чередующиеся во времени впечатления, зритель получает законченное представление о сложном и противоречивом характере образа Апоксиомена. Этот метод обхода скульптурного произведения, развитый Лисиппом, обогатил художественный язык скульптуры.

Однако и здесь прогресс был куплен дорогой ценой - ценой отказа от ясной целостности и простоты образов высокой классики.

Близок к Апоксиомену «Отдыхающий Гермес», созданный Лисиппом или одним из его учеников. Гермес словно на мгновение присел на край скалы. Художник передал здесь покой, легкую усталость и одновременно готовность Гермеса продолжить стремительно быстрый полет. Образ Гермеса лишен глубокого нравственного содержания, в нем нет ни ясной героики произведений 5 в., ни страстного порыва Скопаса, ни утонченного лиризма праксителевских образов. Но зато характерные внешние особенности быстрого и ловкого вестника богов Гермеса переданы жизненно и выразительно.

Как уже говорилось, Лисипп особенно тонко передает в своих статуях момент перехода из одного состояния в другое: от действия к покою, от покоя к действию; таков утомленный Геракл, отдыхающий опершись о палицу (так называемый «Геракл Фарнезе»). Выразительно показывает Лисипп и напряжение физических сил человека: в «Геракле, настигающем Киренскую лань» с исключительной остротой противопоставлена грубая сила грузного тела Геракла стройности и изяществу фигурки лани. Эта композиция, дошедшая до нас, как и другие произведения Лисиппа, в римской копии, входила в серию 12 скульптурных групп, изображавших подвиги Геракла. В эту же серию входила и группа, изображающая борьбу Геракла с немейским львом, тоже дошедшая до нас в римской копии, хранящейся в Эрмитаже.

Особенно большое значение имело творчество Лисиппа для дальнейшей эволюции греческого портрета. Хотя в конкретной передаче внешних черт облика портретируемого Лисипп и не пошел сколько-нибудь дальше Деметрия из Алопеки, он уже вполне ясно и последовательно ставил себе целью раскрытие общего склада характера изображаемого человека. Этого принципа Лисипп придерживался в равной мере как в портретной серии семи мудрецов, носившей исторический характер, так и в портретах своих современников.

Так, образ мудреца Биаса для Лисиппа - это в первую очередь образ мыслителя. Впервые в истории искусства художник передает в своем произведении самый процесс мысли, глубокой, сосредоточенной думы. Чуть склоненная голова Биаса, его насупленные брови, немного сумрачный взгляд, крепко сжатый волевой рот, пряди волос с их беспокойной игрой света и тени - все это создает ощущение общего сдержанного напряжения. В портрете Еврипида, несомненно связанном с кругом Лисиппа, передано чувство трагического беспокойства, скорбная; мысль. Перед зрителем не просто мудрый и величавый муж, каким бы показал Еврипида мастер высокой классики, а именно трагик. Более того, лисипповская характеристика Еврипида соответствует общему взволнованному характеру творчества великого драматического поэта.

Наиболее ярко своеобразие и сила портретного мастерства Лисиппа воплотились в его портретах Александра Македонского. Некоторое представление об известной в древности статуе, изображавшей Александра в традиционном облике обнаженного героя-атлета, дает небольшая бронзовая статуэтка, хранящаяся в Лувре. Исключительный интерес представляет мраморная голова Александра, выполненная эллинистическим мастером с оригинала работы Лисиппа. Эта голова дает возможность судить о творческой близости искусства Лисиппа и Скопаса. Вместе с тем по сравнению со Скопасом в этом портрете Александра сделан важный шаг в сторону более сложного раскрытия духовной жизни человека. Правда, Лисипп не стремится воспроизвести со всей тщательностью внешние характерные черты облика Александра. В этом смысле голова Александра, как и голова Биаса, имеет идеальный характер, но сложная противоречивость натуры Александра передана здесь с исключительной силой.

Волевой, энергичный поворот головы, резко откинутые пряди волос создают общее ощущение патетического порыва. С другой стороны, скорбные складки на лбу, страдальческий взгляд, изогнутый рот придают образу Александра черты трагической смятенности. В этом портрете впервые в истории искусства выражены с такой силой напряжение страстей и их внутренняя борьба.

В последней трети 4 в. до н.э. в портрете разрабатывались не только принципы обобщенной психологической выразительности, столь характерной для Лисиппа. Наряду с этим направлением существовало и другое - стремившееся к передаче внешнего портретного сходства, то есть своеобразия физического облика человека.

В бронзовой голове кулачного бойца из Олимпии, выполненной, возможно, Лисистратом, братом Лисиппа, точно и сильно переданы грубая физическая сила, примитивность духовной жизни немолодого уже бойца-профессионала, мрачная угрюмость его характера. Расплющенный нос, маленькие, широко поставленные и глубоко посаженные глаза, широкие скулы - все в этом лице говорит о неповторимых чертах отдельного человека. Примечательно, однако, что мастер подчеркивает как раз те особенности в индивидуальном облике модели, которые согласуются с общим типом человека, обладающего грубой физической силой и тупым упорством. Голова кулачного бойца - это и портрет и в еще большей мере - определенный человеческий характер. Этот пристальный интерес художника к изображению наряду с прекрасным характерно-уродливого является совершенно новым по сравнению с классикой. Автор портрета при этом совершенно не интересуется вопросами оценки и осуждения уродливых сторон человеческого характера. Они существуют - и художник изображает их максимально точно и выразительно; какой-либо отбор и оценка не имеют значения - вот принцип, который ясно выражен в этом произведении.

Таким образом, и в этой области искусства шаг вперед в сторону более конкретного изображения действительности сопровождался утерей понимания высокого воспитательного значения искусства. Голова кулачного бойца из Олимпии по своему характеру, собственно говоря, уже выходит за пределы искусства поздней классики и тесно связана со следующим этапом в развитии греческого искусства.

Не следует, однако, полагать, что в искусстве 4 в. до н.э. уродливые типы, уродливые явления жизни не подвергались осмеянию. Как в 5 в. до н.э., так и в 4 в. были широко распространены глиняные статуэтки карикатурного или гротескного характера. В некоторых случаях эти статуэтки являлись повторениями комических театральных масок. Между гротескными статуэтками 5 в. до н.э. (особенно часто создававшимися во второй половине века) и фигурками 4 в. до н.э. существовало важное различие. Статуэтки 5 в. при всем своем реализме отличались известной обобщенностью форм. В 4 в. они носили более непосредственно жизненный, почти жанровый характер. Некоторые из них являлись меткими и злыми изображениями выразительных типов; ростовщика-менялы, Злобной уродливой старухи и т. д. Богатой коллекцией таких глиняных статуэток обладает Ленинградский Эрмитаж.

В поздней классике получили свое развитие реалистические традиции живописи последней четверти 5 в. до н.э. Ее удельный вес в художественной жизни 4 в. до н.э. был очень велик.

Крупнейшим среди живописцев середины 4 в. до н.э. был Никий, которого особенно высоко ценил Пракситель. Пракситель, как и большинство мастеров его времени, поручал живописцам тонировать свои мраморные статуи. Тонировка эта была, повидимому, очень легкой и осторожной. В мрамор втирались растопленные восковые краски, мягко оживлявшие и согревавшие холодную белизну камня.

Ни одно из подлинных произведений Никия не дошло до нашего времени. Известное представление о его творчестве дают некоторые из настенных росписей в Помпеях, весьма не точно повторяющие сюжеты и композиционные решения, разработанные Никнем. На одной помпейской фреске воспроизведена известная картина Никия «Персей и Андромеда». Хотя фигуры носят еще статуарный характер, все же по сравнению с 5 в. до н.э. картина отличается свободой в передаче раккурсов и движений фигур. Пейзаж намечен в самых общих чертах, ровно настолько, насколько это нужно, чтобы создать самое общее впечатление того пространства, в котором размещаются фигуры. Задача развернутого изображения среды, в которой живет и действует человек, еще не была тогда поставлена - античная живопись только в эпоху позднего эллинизма подошла вплотную к решению этой проблемы. Эта особенность живописи поздней классики была совершенно естественна и объяснялась тем, что греческое художественное сознание более всего стремилось к раскрытию образа человека. Зато те свойства языка живописи, которые давали возможность тонкой моделировки человеческого тела, с успехом развивались мастерами 4 в. до н.э., и в особенности Никием. По отзывам современников, мягкая светотеневая моделировка, сильные и вместе с тем тонкие цветовые сопоставления, лепящие форму, широко применялись Никием и другими художниками 4 в. до н.э.

Наибольшего совершенства в мастерстве живописи, согласно отзывам древних, достиг Апеллес, бывший наряду с Лисиппом самым знаменитым художником последней трети века. Иониец по происхождению, Апеллес явился виднейшим мастером живописного портрета поздней классики. Особой известностью пользовался его портрет Александра Македонского; Апеллес создал также ряд аллегорических композиций, дававших, согласно сохранившимся описаниям, большую пищу уму и воображению зрителей. Некоторые его композиции такого характера были настолько подробно описаны современниками, что вызвали в эпоху Возрождения попытки их воспроизведения. Так, например, описание апеллесовой «Аллегории клеветы» послужило канвой для картины, созданной Боттичелли на эту же тему. Это описание создает впечатление, что если у Апеллеса изображение людей и передача их движений и мимики отличались большой жизненной выразительностью, то общая композиция носила несколько условный характер. Фигуры, воплощающие определенные отвлеченные идеи и представления, словно проходили одна за другой перед глазами зрителей.

Апеллесова «Афродита Анадиомена», украшавшая храм Асклепия на острове Косе, судя по всему, особенно полно воплощала реалистическое мастерство художника. Картина эта в древности была не менее знаменита, чем «Афродита Книдская» Праксителя. Апеллес изобразил обнаженную Афродиту выходящей из воды и выжимающей из волос морскую влагу. Современников в этом произведении поражало не только мастерское изображение влажного тела и прозрачной воды, но и светлый, «сияющий негой и любовью» взгляд Афродиты. Повидимому, передача душевного состояния человека - безусловная заслуга Апеллеса, сближающая его творчество с общей тенденцией развития реалистического искусства последней трети 4 в. до н.э.

В 4 в. до н.э. была широко распространена и монументальная живопись. На основании старых описаний можно сделать вполне вероятное предположение, что монументальная живопись прошла в период поздней классики тот же путь развития, что и скульптура, но, к сожалению, почти полное отсутствие сохранившихся подлинников лишает нас возможности дать ей развернутую оценку. Все же такие памятники, как недавно открытые росписи в Казанлыке (Болгария), 4 или начала 3 в. до н.э. , дают известное представление об изяществе и тонкости живописи поздней классики, так как эти фрески сделаны, несомненно, греческим мастером. В этой росписи, правда, нет никакой пространственной среды, фигуры даны на плоском фоне и мало связаны общим действием. Видимо, роспись создана мастером, вышедшим из какой-либо провинциальной школы. Все же открытие этой росписи в Казанлыке можно считать одним из самых замечательных событий в изучении древнегреческой живописи.

В период поздней классики продолжали процветать и прикладные искусства. Однако наряду с собственно греческими центрами художественных ремесел в последней трети 4 в. до н.э., особенно в эпоху эллинизма, получают развитие центры малоазийские, Великой Греции (Апулия, Кампанья) и Северного Причерноморья. Формы ваз все более усложняются; чаще, чем в 5 в. до н.э., встречаются вазы, подражающие в глине технике дорогих серебряных ваз с их сложной и тонкой чеканкой и профилировкой. Очень широко применяется раскраска выпуклых рельефных изображений, помещаемых на поверхности вазы.

Появление ваз такого рода было следствием роскоши и пышности частной жизни, характерной для богатых домов 4 в. до н.э. Относительное экономическое процветание в 4 в. греческих городов южной Италии определило особенно широкое распространение ваз такого стиля именно в этих городах.

Часто создают мастера керамики 4 в. до н.э. и фигурные вазы. Причем, если в 5 в. до н.э. мастера ограничивались обычно изображением головы человека или животного, реже отдельной фигурой, то в 4 в. они часто изображают целые группы, состоящие из нескольких тесно сплетенных и ярко раскрашенных фигур. Таков, например, скульптурный лекиф «Афродита в сопровождении двух Эротов» малоазийского происхождения.

Широкое распространение получила художественная работа в металле. Особый интерес представляют сосуды и блюда из серебра, украшенные рельефными изображениями. Такова «чаша Орсини», найденная в 18 в. в Анцио, с рельефным изображением суда Ореста. Замечательные золотые изделия найдены недавно в Болгарии. Однако в целом прикладные искусства и особенно вазопись не достигают в 4 в. до н.э. того высокого художественного совершенства той тонкой связи композиции с формой сосуда, которые были столь типичны для вазописи 5 в.

Искусство второй половины 4 в. до н.э. завершило собой длительный и славный путь развития греческой классики.

Классическое искусство впервые в истории человечества поставило своей целью правдивое раскрытие этической и эстетической ценности человеческой личности и человеческого коллектива. Искусство классики в своих лучших проявлениях впервые в истории классового общества выразило идеалы демократии.

Художественная культура классики сохраняет и для нас вечную, непреходящую ценность, как одна из абсолютных вершин в художественном развитии человечества. В произведениях классического искусства впервые нашел свое совершенное художественное выражение идеал гармонически развитого человека, были правдиво раскрыты красота и доблесть физически и нравственно прекрасного человека.

Новая пора в политической истории Эллады не была ни светлой, ни созидательной. Если V в. до н. э. ознаменовался расцветом греческих полисов, то в IV в. происходило их постепенное разложение вместе с упадком самой идеи греческой демократической государственности.

В 386 г. Персия, в предыдущем веке наголову разбитая греками под водительством Афин, воспользовалась междоусобной войной, ослабившей греческие города-государства, чтобы навязать им мир, по которому все города малоазийского побережья перешли в подчинение персидскому царю. Персидская держава стала главным арбитром в греческом мире; национального объединения греков она не допускала.

Междоусобные войны показали, что греческие государства не способны объединиться собственными силами.

Между тем объединение было для греческого народа экономической необходимостью. Выполнить эту историческую задачу оказалось под силу соседней балканской державе - окрепшей к тому времени Македонии, царь которой Филипп II разбил в 338 г. греков при Херонее. Эта битва решила участь Эллады: она оказалась объединенной, но под чужеземной властью. А сын Филиппа II - великий полководец Александр Македонский повел греков в победоносный поход против их исконных врагов - персов.

Это был последний классический период греческой культуры. В конце IV в. античный мир вступит в эпоху, которую принято называть уже не эллинской, а эллинистической.

В искусстве поздней классики мы ясно распознаем новые веяния. В эпоху великого расцвета идеальный человеческий образ находил свое воплощение в доблестном и прекрасном гражданине города-государства. Распад полиса поколебал это представление. Гордая уверенность во всепокоряющей мощи человека не исчезает полностью, но подчас как бы затушевывается. Возникают раздумья, рождающие беспокойство либо склонность к безмятежному наслаждению жизнью. Возрастает интерес к индивидуальному миру человека; в конечном счете это знаменует отход от могучего обобщения прежних времен.

Грандиозность мироощущения, воплотившаяся в изваяниях Акрополя, постепенно мельчает, но зато обогащается общее восприятие жизни и красоты. Покойное и величавое благородство богов и героев, какими их изображал Фидий, уступает место выявлению в искусстве сложных переживаний, страстей и порывов.

Грек V в. ценил силу как основу здорового, мужественного начала, твердой воли и жизненной энергии - и потому статуя атлета, победителя в состязаниях, олицетворяла для него утверждение человеческой мощи и красоты. Художников IV в. привлекают впервые прелесть детства, мудрость старости, вечное обаяние женственности.

Великое мастерство, достигнутое греческим искусством в V в., живо и в IV, так что наиболее вдохновенные художественные памятники поздней классики отмечены все той же печатью высшего совершенства. Как замечает Гегель, даже в своей гибели дух Афин кажется прекрасным.

Три величайших греческих трагика - Эсхил (526-456), Софокл (90-е годы V в. - 406) и Еврипид (446 - ок. 385) выразили духовные устремления и основные интересы своего времени.

Трагедии Эсхила славят идеи: человеческий подвит, патриотический долг. Софокл славит человека, причем сам говорит, что изображает людей такими, какими они должны быть. Вврипид же стремится их показать такими, каковы они в действительности, со всеми их слабостями и пороками;трагедии его во многом уже раскрывают содержание искусства IV в.

В этом веке строительство театров приняло в Греции особый размах. Они были рассчитаны на огромное число зрителей - пятнадцать-двадцать тысяч и больше. По своей архитектуре такие театры, как, например, мраморный театр Диониса в Афинах, полностью отвечали принципу функциональности: места для зрителей, расположенные полукругом по холмам, обрамляли площадку для хора. Зрители, т. е. весь народ Эллады, получали в театре живое представление о героях своей истории и мифологии, и оно, узаконенное театром, внедрялось в изобразительное искусство. Театр показывал развернутую картину мира, окружающего человека - декорации в виде переносных кулис создавали иллюзию реальности благодаря изображению предметов в перспективном сокращении. На сцене герои трагедий Еврипида жили и умирали, радовались и страдали, являя в своих страстях и порывах духовную общность с самими зрителями. Греческий театр был подлинно массовым искусством, вырабатывавшим определенные требования и к другим искусствам.

Так во всем искусстве Эллады утверждался, постоянно обогащаясь, одухотворенный идеей прекрасного великий греческий реализм.

IV век отражает новые веяния и в своем строительстве. Греческая архитектура поздней классики отмечена определенным стремлением одновременно к пышности, даже к грандиозности, и к легкости и декоративному изяществу. Чисто греческая художественная традиция переплетается с восточными влияниями, идущими из Малой Азии, где греческие города подчиняются персидской власти. Наряду с основными архитектурными ордерами - дорическим и ионическим, все чаще применяется третий - коринфский, возникший позднее.

Коринфская колонна - самая пышная и декоративная. Реалистическая тенденция преодолевает в ней исконную абстрактно-геометрическую схему капители, облаченной в коринфском ордере в цветущее одеяние природы - двумя рядами акантовых листьев.

Обособленность полисов была изжита. Для античного мира наступала эра мощных, хоть и непрочных рабовладельческих деспотий. Зодчеству ставились иные задачи, чем в век Перикла.

Одним из самых грандиозных памятников греческой архитектуры поздней классики была не дошедшая до нас гробница в городе Галикарнассе (в Малой Азии) правителя персидской провинции Карий Мавсола, от которого и произошло слово «мавзолей».

В галикарнасском мавзолее сочетались все три ордера. Он состоял из двух ярусов. В первом помещалась заупокойная камера, во втором - заупокойный храм. Выше ярусов была высокая пирамида, увенчанная четырехконной колесницей (квадригой). Линейная стройность греческого зодчества обнаруживалась в этом памятнике огромных размеров (он, по-видимому, достигал сорока-пятидесяти метров высоты), своей торжественностью напоминавшем заупокойные сооружения древних восточных владык. Строили мавзолей зодчие Сатир и Пифий, а его скульптурное убранство было поручено нескольким мастерам, в том числе Скопасу, вероятно, игравшему среди них руководящую роль.

Скопас, Пракситель и Лисипп - величайшие греческие ваятели поздней классики. По влиянию, которое они оказали на все последующее развитие античного искусства, творчество этих трех гениев может сравниться со скульптурами Парфенона. Каждый из них выразил свое яркое индивидуальное мироощущение, свой идеал красоты, свое понимание совершенства, которые через личное, только ими выявленное, достигают вечных - общечеловеческих, вершин. Причем опять-таки в творчестве каждого это личное созвучно эпохе, воплощая те чувства, те вожделения современников, которые наиболее отвечали его собственным.

В искусстве Скопаса дышат страсть и порыв, беспокойство, борьба с какими-то враждебными силами, глубокие сомнения и скорбные переживания. Все это было, очевидно, свойственно его натуре и в то же время ярко выражало определенные настроения его времени. По темпераменту Скопас близок Еврипиду, как близки они в своем восприятии горестных судеб Эллады.

Уроженец богатого мрамором острова Пароса, Скопас (ок. 420-ок. 355 г. до н. э.) работал и в Аттике, и в городах Пелопоннеса, и в Малой Азии. Творчество его, чрезвычайно обширное как по количеству работ, так и по тематике, погибло почти без остатка.

От созданного им или под его прямым руководством скульптурного убранства храма Афины в Тегее (Скопас, прославившийся не только как ваятель, но и как зодчий, был и строителем этого храма) осталось лишь несколько обломков. Но достаточно взглянуть хотя бы на искалеченную голову раненого воина (Афины, Национальный музей), чтобы почувствовать великую силу его гения. Ибо эта голова с изогнутыми бровями, устремленными ввысь глазами и приоткрытым ртом, голова, все в которой - и страдание и горе - как бы выражает трагедию не только Греции IV в., раздираемой противоречиями и попираемой чужеземными захватчиками, но и исконную трагедию всего человеческого рода в его постоянной борьбе, где за победой все равно следует смерть. Так что, кажется нам, ничего не осталось от светлой радости бытия, некогда озарявшей сознание эллина.

Обломки фриза гробницы Мавсола, изображающего битву греков с амазонками (Лондон, Британский музей). Это, несомненно, работа Скопаса или его мастерской. Гений великого ваятеля дышит в этих обломках.

Сравним их с обломками Парфенонского фриза. И там и здесь - раскрепощенность движений. Но там раскрепощенность выливается в величавую размеренность, а здесь - в подлинную бурю: ракурсы фигур, выразительность жестов, широко развевающиеся одежды создают еще невиданную в античном искусстве буйную динамичность. Там композиция строится на постепенной согласованности частей, здесь - на самых резких контрастах. И все же гений Фидия и гений Скопаса родственны в чем-то, очень существенном, едва ли не главном. Композиции обоих фризов одинаково стройны, гармоничны, и образы их одинаково конкретны. Ведь недаром говорил Гераклит, что из контрастов рождается прекраснейшая гармония. Скопас создает композицию, единство и ясность которой столь же безупречны, как у Фидия. Причем ни одна фигура не растворяется в ней, не утрачивает своего самостоятельного пластического значения.

Вот и все, что осталось от самого Скопаса или его учеников. Прочее, относящееся к его творчеству, это - позднейшие римские копии. Впрочем, одна из них дает нам, вероятно, самое яркое представление об его гении.

Камень паросский - вакханка. Но камню дал душу ваятель. И, как хмельная, вскочив, ринулась в пляску она. Эту менаду создав, в исступленье, с убитой козою, Боготворящим резцом чудо ты сделал, Скопас.

Так неизвестный греческий поэт славил статую Менады, или Вакханки, о которой мы можем судить лишь по уменьшенной копии (Дрезденский музей).

Прежде всего отметим характерное новшество, очень важное для развития реалистического искусства: в отличие от скульптур V в., эта статуя полностью рассчитана на обозрение со всех сторон, и нужно обойти ее, чтобы воспринять все аспекты созданного художником образа.

Запрокинув голову и изогнувшись всем станом, юная женщина несется в бурном, подлинно вакхическом танце - во славу бога вина. И хотя мраморная копия тоже всего лишь обломок, нет, пожалуй, другого памятника искусства, передающего с такой силой самозабвенный пафос неистовства. Это не болезненная экзальтация, а - патетическая и торжествующая, хотя власть над человеческими страстями утрачена в ней.

Так в последний век классики мощный эллинский дух умел сохранять и в неистовстве, порожденном клокочущими страстями и мучительной неудовлетворенностью, все свое исконное величие.

Пракситель (коренной афинянин, работал в 370-340 гг. до н. э.) выразил в своем творчестве совсем иное начало. Об этом ваятеле нам известно несколько больше, чем о его собратьях.

Как и Скопас, Пракситель пренебрегал бронзой, создав в мраморе свои величайшие произведения. Мы знаем, что он был богат и пользовался громкой славой, в свое время затмившей даже славу Фидия. Знаем также, что он любил Фрину, знаменитую куртизанку, обвиненную в кощунстве и оправданную афинскими судьями, восхищенными ее красотой, признанной ими достойной всенародного поклонения. Фрина служила ему моделью для статуй богини любви Афродиты (Венеры). О создании этих статуй и об их культе пишет римский ученый Плиний, ярко воссоздавая атмосферу эпохи Праксителя:

«... Выше всех произведений не только Праксителя, но вообще существующих во вселенной, является Венера его работы. Чтобы ее увидеть, многие плавали на Книд. Пракситель одновременно изготовил и продавал две статуи Венеры, но одна была покрыта одеждой - ее предпочли жители Коса, которым принадлежало право выбора. Пракситель за обе статуи назначил одинаковую плату. Но жители Коса эту статую признали серьезной и скромной; отвергнутую ими купили книдяне. И ее слава была неизмеримо выше. У книдян хотел впоследствии купить ее царь Никомед, обещая за нее простить государству книдян все огромные числящиеся за ними долги. Но книдяне предпочли все перенести, чем расстаться со статуей. И не напрасно. Ведь Пракситель этой статуей создал славу Книду. Здание, где находится эта статуя, все открыто, так что ее можно со всех сторон осматривать. Причем верят, будто статуя была сооружена при благосклонном участии самой богини. И ни с одной стороны вызываемый ею восторг не меньше...»

Пракситель - вдохновенный певец женской красоты, столь чтимой греками IV в. В теплой игре света и тени, как еще никогда до этого, засияла под его резцом красота женского тела.

Давно прошло время, когда женщину не изображали обнаженной, но на этот раз Пракситель обнажил в мраморе не просто женщину, а богиню, и это сначала вызвало удивленное порицание.

Необычность такого изображения Афродиты сквозит в стихах неизвестного поэта:

Видя Киприду(Киприда - прозвище Афродиты, культ которой был особенно распространен на острове Кипре.) на Книде, Киприда стыдливо сказала:
Горе мне, где же нагой видел Пракситель меня?

«Давно уже все согласились, - писал Белинский, - что нагие статуи древних успокаивают и умиряют волнения страсти, а не возбуждают их, - что и оскверненный отходит от них очищенным».

Да, конечно. Но искусство Праксителя, по-видимому, представляет все же некоторое исключение.

Мрамор кто оживил? Кто воочию видел Киприду?
Страсти желание кто в камень холодный вложил?
Рук ли Праксителя это творение, или богиня
В Книд удалилась сама, сирым оставив Олимп?

Это тоже стихи неизвестного греческого поэта.

Страсти желание! Все, что мы знаем о творчестве Праксителя, указывает, что великий художник видел в любовном вожделении одну из движущих сил своего искусства.

Книдская Афродита известна нам только по копиям да по заимствованиям. В двух римских мраморных копиях (в Риме и в Мюнхенской глиптотеке) она дошла до нас целиком, так что мы знаем ее общий облик. Но эти цельные копии не первоклассные. Некоторые другие, хоть и в обломках, дают более яркое представление об этом великом произведении: голова Афродиты в парижском Лувре, с такими милыми и одухотворенными чертами; торсы ее, тоже в Лувре и в Неаполитанском музее, в которых мы угадываем чарующую женственность оригинала, и даже римская копия, снятая не с оригинала, а с эллинистической статуи, навеянной гением Праксителя, «Венера Хвощинского» (названная так по имени приобретшего ее русского собирателя), в которой, кажется нам, мрамор излучает тепло прекрасного тела богини (этот обломок - гордость античного отдела московского Музея изобразительных искусств).

Что же так восхищало современников в этом изображении пленительнейшей из богинь, которая, скинув одежду, приготовилась окунуться в воду? Что восхищает нас даже в обломанных копиях, передающих какие-то черты утраченного оригинала?

Тончайшей моделировкой, в которой он превзошел всех своих предшественников, оживляя мрамор мерцающими световыми бликами и придавая гладкому камню нежную бархатистость с виртуозностью, лишь ему присущей, Пракситель запечатлел в плавности контуров и идеальных пропорциях тела богини, в трогательной естественности ее позы, во взоре ее, «влажном и блестящем», по свидетельству древних, те великие начала, что выражала в греческой мифологии Афродита, начала извечные в сознании и грезах человеческого рода:

Красоту и Любовь.

Красоту - ласковую, женственную, радужную и радостную. Любовь - тоже ласковую, сулящую и дающую счастье.

Праксителя признают иногда самым ярким выразителем в античном искусстве того философского направления, которое видело в наслаждении (в чем бы оно ни состояло) высшее благо и естественную цель всех человеческих устремлений, т. е. гедонизма. И все же его искусство уже предвещает философию, расцветшую в конце IV в. «в рощах Эпикура», как назвал Пушкин тот афинский сад, где Эпикур собирал своих учеников...

Как замечает К. Маркс, этика этого знаменитого философа содержит нечто высшее, чем гедонизм. Отсутствие страданий, безмятежное состояние духа, освобождение людей от страха смерти и страха перед богами - таковы были, по Эпикуру, основные условия подлинного наслаждения жизнью.

Ведь самой своей безмятежностью красота созданных Праксителем образов, ласковая человечность изваянных им богов утверждали благотворность освобождения от этого страха в эпоху, отнюдь не безмятежную и не милостивую.

Образ атлета, очевидно, не интересовал Праксителя, как не интересовали его и гражданские мотивы. Он стремился воплотить в мраморе идеал физически прекрасного юноши, не столь мускулистого, как у Поликлета, очень стройного и изящного, радостно, но чуть лукаво улыбающегося, никого особенно не боящегося, но и никому не угрожающего, безмятежно счастливого и исполненного сознания гармоничности всего своего существа.

Такой образ, по-видимому, соответствовал, его собственному мироощущению и потому был ему особенно дорог. Мы находим этому косвенное подтверждение в занимательном анекдоте.

Любовные отношения знаменитого художника и такой несравненной красавицы, как Фрина, очень занимали современников. Живой ум афинян изощрялся в домыслах на их счет. Передавали, например, будто Фрина попросила Праксителя подарить ей в знак любви свою лучшую скульптуру. Он согласился, но предоставил выбор ей самой, лукаво скрыв, какое свое произведение он считает наиболее совершенным. Тогда Фрина решила его перехитрить. Однажды раб, посланный ею, прибежал к Праксителю с ужасным известием, что мастерская художника сгорела... «Если пламя уничтожило Эрота и Сатира, то все погибло!» - в горе воскликнул Пракситель. Так Фрина выведала оценку самого автора...

Мы знаем по воспроизведениям эти скульптуры, пользовавшиеся в античном мире огромной славой. До нас дошло не менее ста пятидесяти мраморных копий «Отдыхающего сатира» (пять из них в Эрмитаже). Не счесть также античных статуй, статуэток из мрамора, глины или бронзы, надгробных стел да всевозможных изделий прикладного искусства, так или иначе навеянных гением Праксителя.

Два сына и внук продолжили в скульптуре дело Праксителя, который сам был сыном скульптора. Но эта кровная преемственность, конечно, ничтожно мала по сравнению с общей художественной преемственностью, восходящей к его творчеству.

В этом отношении пример Праксителя особенно показателен, но далеко не исключителен.

Пусть совершенство истинно великого оригинала и неповторимо, но произведение искусства, являющее новую «вариацию прекрасного», бессмертно даже в случае своей гибели. Мы не располагаем точной копией ни статуи Зевса в Олимпии, ни Афины Парфенос, но величие этих образов, определивших духовное содержание чуть ли не всего греческого искусства эпохи расцвета, явственно сквозит даже в миниатюрных ювелирных изделиях и монетах того времени. Их не было бы в этом стиле без Фидия. Как не было бы ни статуй беспечных юношей, лениво опирающихся на дерево, ни пленяющих своей лирической красотой обнаженных мраморных богинь, в великом множестве украсивших виллы и парки вельмож в эллинистическую и римскую пору, как не было бы вообще праксителевского стиля, праксителевской сладостной неги, так долго удерживавшихся в античном искусстве, - не будь подлинного «Отдыхающего сатира» и подлинной «Афродиты Книдской», ныне утраченных бог весть где и как. Скажем снова: их утрата невозместима, но дух их живет даже в самых заурядных работах подражателей, живет, значит, и для нас. Но не сохранись и эти работы, этот дух как-то теплился бы в человеческой памяти, чтобы засиять вновь при первой возможности.

в античном искусстве, - не будь подлинного «Отдыхающего сатира» и подлинной «Афродиты Книдской», ныне утраченных бог весть где и как. Скажем снова: их утрата невозместима, но дух их живет даже в самых заурядных работах подражателей, живет, значит, и для нас. Но не сохранись и эти работы, этот дух как-то теплился бы в человеческой памяти, чтобы засиять вновь при первой возможности.

Воспринимая красоту художественного произведения, человек обогащается духовно. Живая связь поколений никогда не обрывается полностью. Античный идеал красоты решительно отвергался средневековой идеологией, и произведения, его воплощавшие, безжалостно уничтожались. Но победное возрождение этого идеала в век гуманизма свидетельствует, что он никогда не бывал истреблен полностью.

То же можно сказать и о вкладе в искусство каждого подлинно великого художника. Ибо гений, воплощающий новый, в душе его родившийся образ красоты, обогащает навсегда человечество. И так от древнейших времен, когда впервые были созданы в палеолитической пещере те грозные и величественные звериные образы, от которых пошло все изобразительное искусство и в которые наш дальний предок вложил всю свою душу и все свои грезы, озаренные высоким творческим вдохновением.

Гениальные взлеты в искусстве дополняют друг друга, внося нечто новое, что уже не умирает. Это новое подчас накладывает свою печать на целую эпоху. Так было с Фидием, так было и с Праксителем.

Все ли, однако, погибло из созданного самим Праксителем?

Со слов древнего автора было известно, что статуя Праксителя «Гермес с Дионисом» стояла в храме в Олимпии. При раскопках в 1877 г. там обнаружили сравнительно мало поврежденную мраморную скульптуру этих двух богов. Вначале ни у кого не было сомнения, что это - подлинник Праксителя, да и теперь его авторство признается многими знатоками. Однако тщательное исследование самой техники обработки мрамора убедило некоторых ученых в том, что найденная в Олимпии скульптура - превосходная эллинистическая копия, заменившая оригинал, вероятно вывезенный римлянами.

Статуя эта, о которой упоминает лишь один греческий автор, по-видимому, не считалась шедевром Праксителя. Все же достоинства ее несомненны: изумительно тонкая моделировка, мягкость линий, чудесная, чисто праксителевская игра света и тени, очень ясная, в совершенстве уравновешенная композиция и, главное, обворожительность Гермеса с его мечтательным, чуть рассеянным взглядом и детская прелесть малютки Диониса. И, однако, в этой обворожительности проглядывает некоторая слащавость, и мы чувствуем, что во всей статуе, даже в удивительно стройной в своем плавном изгибе фигуре очень уж хорошо завитого бога, красота и грация чуть переступают ту грань, за которой начинаются красивость и грациозность. Все искусство Праксителя очень близко к этой грани, но оно не нарушает ее в самых одухотворенных своих созданиях.

Цвет, по-видимому, играл большую роль в общем облике статуй Праксителя. Мы знаем, что некоторые из них раскрашивал (втиранием растопленных восковых красок, мягко оживлявших белизну мрамора) сам Никий, знаменитый тогдашний живописец. Изощренное искусство Праксителя приобретало благодаря цвету еще большую выразительность и эмоциональность. Гармоническое сочетание двух великих искусств, вероятно, осуществлялось в его творениях.

Добавим, наконец, что у нас в Северном Причерноморье близ устьев Днепра и Буга (в Ольвии) был найден пьедестал статуи с подписью великого Праксителя. Увы, самой статуи не оказалось в земле(В конце прошлого года мировую печать обошло сенсационное сообщение. Известная своими археологическими открытиями профессор Айрис Лав (США) утверждает, что она обнаружила голову подлинной «Афродиты» Праксителя! При этом не в земле, а... в запаснике Британского музея в Лондоне, где, никем не опознанный, этот обломок пролежал более ста лет.

Сильно поврежденная мраморная голова ныне включена в экспозицию музея как памятник греческого искусства IV в. до н. э. Однако доводы американского археолога в пользу авторства Праксителя оспариваются рядом английских ученых.).

Лисипп работал в последнюю треть IV в., уже в пору Александра Македонского. Творчество его как бы завершает искусство поздней классики.

Бронза была излюбленным материалом этого ваятеля. Мы не знаем его оригиналов, так что и о нем можем судить лишь по сохранившимся мраморным копиям, далеко не отражающим всего его творчества.

Безмерно количество не дошедших до нас памятников искусства древней Эллады. Судьба огромного художественного наследия Лисиппа - страшное тому доказательство.

Лисипп считался одним из самых плодовитых мастеров своего времени. Уверяют, что он откладывал из вознаграждения за каждый выполненный заказ по монете: после его смерти их оказалось целых полторы тысячи. А между тем среди его работ были скульптурные группы, насчитывавшие до двадцати фигур, причем высота некоторых его изваяний превышала двадцать метров. Со всем этим люди, стихии и время расправились беспощадно. Но никакая сила не могла уничтожить дух искусства Лисиппа, стереть след, им оставленный.

По словам Плиния, Лисипп говорил, что, в отличие от своих предшественников, которые изображали людей, какие они есть, он, Лисипп, стремился изобразить их такими, какими они кажутся. Этим он утверждал принцип реализма, уже давно восторжествовавший в греческом искусстве, но который он хотел довести до полного завершения в согласии с эстетическими установками своего современника, величайшего философа древности Аристотеля.

Мы уже говорили об этом. Пусть и преобразуя природу в красоте, реалистическое искусство воспроизводит ее в зримой действительности. Значит, природу не такой, какая она есть, а такой, какая она кажется нашему глазу, так, например, в живописи - с изменением величины изображаемого в зависимости от расстояния. Однако законы перспективы не были еще известны тогдашним живописцам. Новаторство Лисиппа заключалось в том, что он открыл в искусстве ваяния огромные, до него еще не использованные реалистические возможности. И в самом деле, фигуры его не воспринимаются нами как созданные «напоказ», они не позируют нам, а существуют сами по себе, как их словил глаз художника во всей сложности самых разнообразных движений, отражающих тот или иной душевный порыв. Естественно, что бронза, легко принимающая при отливке любую форму, наиболее подходила для решения таких скульптурных задач.

Постамент не изолирует фигур Лисиппа от окружающей среды, они подлинно живут в ней, как бы выступая из определенной пространственной глубины, в которой их выразительность проявляется одинаково явственно, хоть и по-разному, с любой стороны. Они, значит, полностью трехмерны, полностью раскрепощены. Человеческая фигура строится Лисиппом по-новому, не в ее пластическом синтезе, как в изваяниях Мирона или Поликлета, а в некоем мимолетном аспекте, такой именно, как она представилась (показалась) художнику в данное мгновение и какой она еще не была в предыдущем и уже не будет в последующем.

Моментальный фотоснимок? Импрессионизм? Эти сравнения приходят на ум, но они, конечно, неприменимы к творчеству последнего ваятеля греческой классики, ибо, несмотря на всю свою зрительную непосредственность, оно глубоко продумано, крепко обосновано, так что мгновенность движений вовсе не означает их случайности у Лисиппа.

Удивительная гибкость фигур, сама сложность, подчас контрастность движений - все это гармонично упорядочено, и нет ничего у этого мастера, что хоть в самой малой степени напоминало бы хаос природы. Передавая прежде всего зрительное впечатление, он и это впечатление подчиняет определенному строю, раз и навсегда установленному в соответствии с самим духом его искусства. Именно он, Лисипп, разрушает старый, поликлетовский канон человеческой фигуры, чтобы создать свой, новый, значительно облегченный, более пригодный для его динамического искусства, отвергающего всякую внутреннюю неподвижность, всякую тяжеловесность. В этом новом каноне голова составляет уже не 1¦7 а лишь 1¦8 всего роста.

Дошедшие до нас мраморные повторения его работ дают в общем ясную картину реалистических достижений Лисиппа.

Знаменитый «Апоксиомен» (Рим, Ватикан). Это юный атлет, однако совсем не такой, как в скульптуре предыдущего века, где его образ излучал гордое сознание победы. Лисипп показал нам атлета уже после состязания, металлическим скребком старательно очищающего тело от масла и пыли. Вовсе не резкое и, казалось бы, маловыразительное движение руки отдается во всей фигуре, придавая ей исключительную жизненность. Он внешне спокоен, но мы чувствуем, что он пережил большое волнение, и в чертах его проглядывает усталость от крайнего напряжения. Образ этот, как бы выхваченный из вечно меняющейся действительности, глубоко человечен, предельно благороден в своей полной непринужденности.

«Геракл со львом» (Ленинград, Эрмитаж). Это страстный пафос борьбы не на жизнь, а на смерть, опять-таки будто со стороны увиденный художником. Вся скульптура как бы заряжена бурным напряженным движением, неудержимо сливающим в одно гармонически прекрасное целое вцепившиеся друг в друга мощные фигуры человека и зверя.

О том, какое впечатление скульптуры Лисиппа производили на современников, мы можем судить по следующему рассказу. Александру Македонскому так полюбилась его статуэтка «Пирующий Геракл» (одно из ее повторений - тоже в Эрмитаже), что он не расставался с ней в своих походах, а когда настал его последний час, велел поставить ее перед собой.

Лисипп был единственным ваятелем, которого знаменитый завоеватель признавал достойным запечатлевать его черты.

Полный отважности взор Александра и весь его облик
Вылил из меди Лисипп. Словно живет эта медь.
Кажется, глядя на Зевса, ему говорит изваяние:
«Землю беру я себе, ты же Олимпом владей».

Так выражал свой восторг греческий поэт.

...«Статуя Аполлона есть высший идеал искусства между всеми произведениями, сохранившимися нам от древности ». Это писал Винкельман.

Кто же был автором статуи, так восхитившей прославленного родоначальника нескольких поколений ученых-«античников»? Ни один из ваятелей, чье искусство светит наиболее ярко и по сей день. Как же так и в чем тут недоразумение?

Аполлон, о котором говорит Винкельман, - это знаменитый «Аполлон Бельведерский»: мраморная римская копия с бронзового оригинала Леохара (последней трети IV в. до н. э.), так названная по галерее, где она была долго выставлена (Рим, Ватикан). Много восторгов вызывала некогда эта статуя.

Огромны заслуги Винкельмана, посвятившего изучению античности всю свою жизнь. Хоть и не сразу, заслуги эти были признаны, и он занял (в 1763 г.) пост главного смотрителя памятников древности в Риме и окрестностях. Но что мог знать тогда даже самый глубокий и тонкий ценитель о величайших шедеврах греческого искусства?признаны, и он занял (в 1763 г.) пост главного смотрителя памятников древности в Риме и окрестностях. Но что мог знать тогда даже самый глубокий и тонкий ценитель о величайших шедеврах греческого искусства?

О Винкельмане хорошо сказано в известной книге русского искусствоведа начала нынешнего века П. П. Муратова «Образы Италии»: «Слава классических статуй, сложившаяся в дни Винкельмана и Гёте, укрепилась в литературе... Вся жизнь Винкельмана была подвигом, и его отношение к древнему искусству было глубоко жертвенным. В его судьбе есть элемент чудесного - эта пламенная любовь к античному, так странно охватившая сына башмачника, выросшего среди песков Бранденбурга, и проведшая его сквозь все превратности в Рим... Ни Винкельман, ни Гёте не были людьми XVIII в. У одного из них античное вызвало пламенный энтузиазм открывателя новых миров. Для другого оно было живой силой, освободившей его собственное творчество. Их отношение к античному повторяет тот душевный поворот, который отличал людей Возрождения, и душевный тип их сохраняет многие черты Петрарки и Микеланджело. Способность возрождаться, свойственная античному миру, повторилась, таким образом, в истории. Это служит доказательством, что она может существовать длительно и беспредельно. Возрождение не есть случайное содержание одной исторической эпохи, скорее это один из постоянных инстинктов духовной жизни человечества». Но в тогдашних римских собраниях было представлено «только искусство на службе у императорского Рима - копии со знаменитых греческих статуй, последние побеги эллинистического искусства... Озарение Винкельмана состояло в том, что ему удавалось иногда угадывать сквозь это Грецию. Но знание художественной истории ушло далеко со времен Винкельмана. Нам не нужно больше угадывать Грецию, мы можем видеть ее в Афинах, в Олимпии, в Британском музее».

Знание художественной истории, и в частности искусства Эллады, ушло еще дальше со времени, когда были написаны эти строки.

Живительность чистого источника античной цивилизации может быть сейчас особенно благотворной.

Мы распознаем в бельведерском «Аполлоне» отсвет греческой классики. Но именно только отсвет. Мы знаем фриз Парфенона, которого не знал Винкельман, и потому при всей несомненной эффектности статуя Леохара кажется нам внутренне холодной, несколько театральной. Хоть Леохар и был современником Лисиппа, искусство его, утрачивая подлинную значительность содержания, отдает академизмом, знаменует упадок по отношению к классике.

Слава таких статуй подчас порождала превратное представление о всем эллинском искусстве. Это представление не изгладилось и поныне. Некоторые деятели искусства склонны снижать значение художественного наследия Эллады и обращаться в своих эстетических поисках к совсем иным культурным мирам, по их мнению, более созвучным мироощущению нашей эпохи. (Достаточно сказать, что такой авторитетный выразитель наисовременнейших западных эстетических вкусов, как французский писатель и теоретик искусства Андрэ Мальро, поместил в своем труде «Воображаемый музей мировой скульптуры» вдвое меньше репродукций скульптурных памятников древней Эллады, чем так называемых примитивных цивилизаций Америки, Африки и Океании!) Но упорно хочется верить, что величавая красота Парфенона снова восторжествует в сознании человечества, утверждая в нем вечный идеал гуманизма.

Спустя два века после Винкельмана мы меньше знаем о греческой живописи, чем он знал о греческой скульптуре. Отсвет этой живописи доходит до нас, отсвет, но не сияние.

Очень интересна открытая уже в наше время (в 1944 г.) при рытье котлована для бомбоубежища роспись фракийского погребального склепа в Казанлыке (Болгария), относящаяся к концу IV или началу III в. до н. э.

Гармонично вписаны в круглый купол изображения покойника, его близких, воинов, коней и колесниц. Стройные, внушительные, а подчас и очень изящные фигуры. И все же это, очевидно, по духу,- провинциальная живопись. Отсутствие пространственной среды и внутреннего единства композиции не вяжется с литературными свидетельствами о замечательных достижениях греческих мастеров IV в: Апеллеса, искусство которого почиталось вершиной живописного мастерства, Никия, Павсия, Евфранара, Протогена, Филоксена, Антифила.

Для нас это все только имена...

Апеллес был любимым живописцем Александра Македонского и, подобно Лисиппу, работал при его дворе. Сам Александр говорил о своем портрете его работы, что в нем два Александра: непобедимый сын Филиппа и «неподражаемый», созданный Апеллесом.

Как воскресить погибшее творчество Апеллеса, как насладиться нам им? Не жив ли дух Апеллеса, по-видимому, близкий праксителевскому, в стихах греческого поэта:

Видел Апеллес Киприду, рожденную матерью-морем.
В блеске своей наготы встала она над волной.
Так и в картине она: с своих кудрей, тяжелых от влаги,
Снять она нежной рукой пену морскую спешит.

Богиня любви во всей своей пленительной славе. Как, вероятно, прекрасно было движение ее руки, снимающей пену с «тяжелых от влаги» кудрей!

Покоряющая выразительность живописи Апеллеса сквозит в этих стихах.

Гомеровская выразительность!

У Плиния читаем об Апеллесе: «Сделал и Диану, окруженную хором приносящих жертву дев; и, видя картину, кажется, будто читаешь стихи Гомера, описывающие это».

Утрата греческой живописи IV в. до н. э. тем более драматична, что, по многим свидетельствам, то был век, когда живопись достигла новых замечательных вершин.

Пожалеем еще раз о погибших сокровищах. Сколько бы мы ни любовались обломками греческих статуй, наше представление о великом искусстве Эллады, в лоне которого возникло все европейское искусство, будет неполным, как явно не полным было бы, например, представление наших отдаленных потомков о развитии искусств в недавнем XIX в., если бы ничего не сохранилось от его живописи...

Все говорит о том, что передача пространства и воздушной среды уже не составляла неразрешимой проблемы для греческой живописи поздней классики. Зачатки линейной перспективы были в ней уже налицо. Согласно литературным источникам, цвет звучал в ней полногласно, причем художники научились постепенно усиливать или смягчать тона, так что грань,отделяющая раскрашенный рисунок от подлинной живописи, была, по-видимому, перейдена.

Есть такой термин - «валер», обозначающий в живописи оттенки тона или градации света и тени в пределах одного цветового тона. Термин этот заимствован из французского языка и в прямом смысле означает ценность. Цветовая ценность! Или - цветосила. Дар создания таких ценностей и их сочетания в картине и есть дар колориста. Хотя мы не имеем тому прямых доказательств, можно допустить, что им уже частично владели крупнейшие греческие живописцы поздней классики, даже если линия и чистый цвет (а не тон) продолжали играть основную роль в их композициях.

По свидетельству древних авторов, эти живописцы умели группировать фигуры в единой, их гармонически объединяющей композиции, передавать душевные порывы в жестах, то резких и бурных, то мягких и сдержанных, во взглядах - сверкающих, яростных, торжествующих или томных, словом, что они разрешали все поставленные перед их искусством задачи часто столь же блестяще, как и современные им ваятели.

Мы знаем, наконец, что они преуспевали в самых различных жанрах, как-то: историческая и батальная живопись, портрет, пейзаж и даже мертвая натура.

В Помпеях, разрушенных извержением вулкана, кроме стенных росписей, были открыты мозаики и среди них - одна, особенно для нас драгоценная. Это огромная композиция «Битва Александра с Дарием при Иссах» (Неаполь, Национальный музей), т. е. Александра Македонского с персидским царем Дарием III, потерпевшим в этой битве жестокое поражение, за которым вскоре последовало крушение империи Ахеменидов.

Могучая фигура Дария с выброшенной вперед рукой, как бы в последней попытке остановить неизбежное. В его глазах бешенство и трагическая напряженность. Мы чувствуем, что как черная туча он грозил нависнуть со всем своим войском над противником. Но случилось иначе.

Между ним и Александром - раненый персидский воин, свалившийся вместе с конем. Это центр композиции. Ничто уже не может остановить Александра, который, как вихрь, несется на Дария.

Александр - полная противоположность варварской силе, олицетворяемой Дарием. Александр - победа. Поэтому он спокоен. Юные, исполненные отваги черты. Губы чуть скорбно раздвинуты легкой улыбкой. Он беспощаден в своем торжестве.

Черным частоколом еще вздымаются копья персидских воинов. Но исход боя уже решен. Печальный остов разбитого дерева как бы предвещает этот исход для Дария. Свищет плеть разъяренного возничего царской колесницы. Спасение уже только в бегстве.

Пафосом боя и пафосом победы дышит вся композиция. Смелые ракурсы передают объемность фигур воинов и рвущихся яконей. Их бурные движения, контрасты светлых бликов и теней рождают ощущение пространства, в котором и развертывается перед нами грозная этическая схватка двух миров.

Батальная картина поразительной силы.

Картина? Но ведь это не настоящая живопись, а всего лишь живописное сочетание цветных камней.

Однако в том-то и дело, что знаменитая мозаика (вероятно, эллинистической работы, откуда-то доставленная в Помпеи) воспроизводит картину греческого живописца Филоксена, жившего в конце IV в., т. е. уже на заре эллинистической эпохи. При этом воспроизводит достаточно добросовестно, раз она как-то доносит до нас композицинную мощь оригинала.

Конечно, и это не подлинник, конечно, и тут искажающая призма другого, хоть и близкого к живописи искусства. Но пожалуй, именно эта искалеченная помпеянской катастрофой мозаика, всего лишь украшавшая пол богатого дома, несколько приоткрывает завесу над волнующей тайной живописных откровений великих художников древней Эллады.

Духу их искусства суждено было возродиться на исходе средних веков нашей эры. Художники Возрождения не видели ни одного образца античной живописи, но они сумели создать свою собственную великую живопись (еще более искушенную, полнее осознавшую все свои возможности), приходившуюся родной дочерью греческой. Ибо, как уже было сказано, подлинное откровение в искусстве никогда не исчезает бесследно.

Заканчивая этот краткий обзор греческого классического искусства, хочется упомянуть еще об одном замечательном памятнике, хранящемся в нашем Эрмитаже. Это - знаменитая на весь мир италийская ваза IV в. до н. э., найденная вблизи древнего города Кумы (в Кампании), названная за совершенство композиции и богатство украшения «Царицей ваз», и хотя, вероятно, не созданная в самой Греции, отражающая высшие достижения греческой пластики. Главное в чернолаковой вазе из Кум - это ее действительно безупречные пропорции, стройный контур, общая гармония форм и поразительные по красоте многофигурные рельефы (сохранившие следы яркой раскраски), посвященные культу богини плодородия Деметры, знаменитым Элевсинским мистериям, где самые мрачные сцены сменялись радужными видениями, символизируя смерть и жизнь, вечное увядание и пробуждение природы. Эти рельефы - отзвуки монументальной скульптуры величайших греческих мастеров V и IV вв. Так, все стоящие фигуры напоминают изваяния школы Праксителя, а сидящие - школы Фидия.

Вспомним другую знаменитую эрмитажную вазу, изображающую прилет первой ласточки.

Там - еще неизжитая архаика, лишь предвестье искусства классической эры, благоуханная весна, отмеченная еще робким простодушным видением мира. Здесь - законченное, умудренное, уже несколько вычурное, но все еще идеально-прекрасное мастерство. Классика на исходе, но классическое великолепие еще не выродилось в пышность. Обе вазы одинаково прекрасны, каждая по-своему.

Огромен пройденный путь, как путь солнца от зари до заката. Там был утренний привет, а здесь - вечерний, прощальный.

Классическая эпоха – вершина развития греческого искусства, самый знаменитый период в истории Древней Греции.

В эпоху высокой классики, как и в предшествующие периоды, основные особенности греческой архитектуры были связаны со строительством храмов.

Греческий храм считался жилищем божества, поэтому во всех греческих храмах находилась статуя бога, в честь которого от был воздвигнут. Храмы Эллады считались также важнейшими общественными сооружениями: там хранились полисные богатства и его казна.

Мастера классической эпохи блестяще решили задачу синтеза архитектуры и скульптуры . Архитектурные памятники того времени и их декоративное убранство составляют единое целое. Для размещения скульптурных композиций активно использовались фронтоны и фризы.

Материалом для строительства храмов служили дерево и мрамор, для украшения широко использовались красная и синяя краски, а также позолота. Разнообразны были также типы греческих храмов: периптеры – прямоугольные в плане здания, окруженные колоннадой, диптеры – храмы с двойным рядом колонн, храмы круглой формы – моноптеры и толосы .

В начале Y в. до н.э. были сооружены наиболее значительные дорические храмы: храм Зевса в Олимпии и храм Геры в Пестуме.

Особое место в истории греческой архитектуры занимает великолепный храмовый ансамбль Афинского Акрополя – самое знаменитое сооружение греческой классики. Сильно разрушенный во время греко-персидских войн, он был отреставрирован в середине Y в. до н.э. В реконструкции Акрополя принимали участие прославленные архитекторы и скульпторы: Иктин, Калликрат, Мнесикл, Фидий и др. Акрополь был выражением силы и могущества демократических Афин, поражает и сейчас своей величавостью и необыкновенной гармонией. Самым большим сооружением Акрополя является Парфенон – храм в честь Афины. История сохранила имена создателей – Иктин и Калликрат . Он построен из светлого мрамора, окружен сорока шестью колоннами дорического ордера и обрамлен ионическим фризом , являя собой воплощение гармонии и строгости. Также в сочетании дорического и ионического стилей были выполнены величественные ворота, ведущие на Акрополь - Пропилеи (архитектор Мнесикл ).

Ионический ордер преобладает в архитектуре небольшого, но изящного храма Ники Аптерос (бескрылой). В этом же стиле был выстроен своеобразный по замыслу храм в честь Афины, Посейдона и героя Эрехтея Эрехтейон – образец редко встречающегося в греческой архитектуре храма с ассиметричным планом. Каждый из его фасадов оформлен по разному. Особенно живописен южный – вместо колонн там стоят шесть женских фигур, знаменитые кариатиды .

Храмы Акрополя были расположены на холме таким образом, чтобы участникам торжественного всенародного шествия на Акрополь во время главного праздника афинских граждан – Великих Панафиней – лишь постепенно открывался вид на каждое здание. Все сооружения Акрополя необычайно пластичны и соразмерны. Архитекторы Парфенона учли также и некоторые особенности человеческого зрения: колонны храма отстоят друг от дуга на неравное расстояние, угловые колонны чуть массивнее внутренних, и все в целом немного наклонены внутрь к стенам здания – от этого они выглядят стройнее и выше.

Классическая греческая скульптура Y в. до н.э. сделалась образцом классического совершенства. Для ее стиля характерны уравновешенность, строгая симметрия, идеализация и статичность. Лица греческий статуй всегда бесстрастны и статичны, внутренний мир героев лишен индивидуальности и чувств. Индивидуализации образов, т.е. искусства портрета, античная скульптура вообще не знала.

Одним из лучших образцов раннеклассической скульптуры является бронзовая «Статуя возничего» из г. Дельфы. Несмотря на некую напряженность статуи, все же ее поза более естественна, чем у застывших куросов.

Век высокой греческой классики выдвинул трех выдающихся скульпторов – Фидия, Мирона и Поликлета.

Фидием были выполнены многие знаменитые работы . Он и его ученики выполнили знаменитый фриз Парфенона . 92 метопы Парфенона были заполнены рельефами, изображающими битвы греков с амазонками, сцены Троянской войны, сражения богов и гигантов. Более чем 500 фигур, представленных на фризе, ни одна не повторяет другую. Скульптурный фриз Парфенона считается одной из вершин классического искусства. Фидием была исполнена и 12-метровая статуя Афины-Девы . Богиня изображена в образе прекрасной женщины. Одежда богини, ее шлем, волосы и щит были изготовлены из чистого золота, лицо и руки богини были покрыты пластинами слоновой кости. В глазницы статуи были вставлены сапфиры. Фидий явил миру новый образ Афины – богини-воительницы и богини мудрости, истинной покровительницы.

Идеал человеческой личности был воплощен Фидием и в другой его знаменитой статуе Зевса Олимпийского для храма в Олимпии . Эта статуя причислялась к «семи чудесам света», ее высота составляла 14 метров. Грозный бог был изображен величаво сидящим на троне. Лицо

Зевса воплощало идею мудрости и человеколюбия. Статуя Зевса также была исполнена из золота и слоновой кости.

Обе эти работы Фидия не сохранились Они известны нам лишь по описанию древнегреческого историка Павсания (II в. до н.э.) и по изображениям на монетах. Кроме того Фидию принадлежит еще одно скульптурное изображение – Афина-Воительница . 12-метровая бронзовая статуя Афины, держащей в руках копье, золотой наконечник которого был виден далеко с моря, украшает площадь перед Парфеноном. С творчеством Фидия связывается понятие «высокого стиля» в древнегреческом искусстве, которое выражалось в благородной простоте и одновременно в величии.

Мирон , работавший в Афинах в середине Y в. до н.э., был первым греческим скульптором, сумевшим передать фигуру человека в момент быстрого движения. Наиболее известна его бронзовая статуя «Дискобол », воплотившая идеальный образ человека-гражданина. Показательно, что даже в этой статуе, изображающей человека в движении, лицо метателя диска спокойно и статично.

Третий знаменитый скульптор Y в. до н.э. – Поликлет из Аргоса , автор известных статуй Геры, «Раненой амазонки» и «Дорифора ». Поликлет был теоретиком искусства – он определил каноны пропорций идеальной человеческой фигуры и сформулировал их в трактате «Канон ». Воплощением канона в практике и была статуя «Дорифор». Согласно правилу, найденному Поликлетом, голова должна составлять 1/7 всего роста, лицо и кисть руки – 1/10, ступня 1/6, а прямая линия носа должна продолжать линию лба. Статуи Поликлета всегда неподвижны и статичны. Оригиналы работ Поликлета и Мирона не сохранились, дошли лишь их римские мраморные копии.

Среди греческих художников Y в. до н.э. выделяются Полигнот, Аполлодор и Паррасий . К сожалению, их живописные произведения нашего времени не дошли, сохранились лишь описания современников. Однако сохранились прекрасные образцы вазовой росписи, свидетельствующие о высоком мастерстве их создателей. Крупнейшими вазописцами ранней греческой классики были Евфроний и Евтимид , работавшие в технике краснофигурной композиции, которая позволяла лучше передать объем композиции и четче обозначить детали. Сюжеты картин на греческих вазах в основном взяты из мифологии, но в Y в. до н.э. растет интерес живописцев к сценам из повседневной жизни

Искусство Греции периода Поздней классики (конец Y-IY вв. до н.э.).

В этот период Греция вступает в полосу кризиса, который выражался в политической нестабильности, разложении полисных институтов и полисной морали. В это время происходит формирование новых культурных ценностей и идеалов. Получают распространение новые философские направления, например кинизм. Великий древнегреческий философ Платон создает свое учение об идеальном государстве.

Если в эпоху высокой классики центром монументальной архитектуры были Афины, то в IY в. до н.э. центр архитектуры переместился в Малую Азию, которая вновь переживает период своего расцвета. В материковой Греции господствовал дорический стиль, но с более легкими пропорциями чем прежде. В малоазийских же городах сохранился стиль ионический, в котором творил талантливый зодчий Пифей , построивший в городе Приене храм Афины . Он же впервые в истории архитектуры воздвиг такую монументальную постройку, как Мавзолей , - грандиозную гробницу карийского царя Мовсола и его жены Артемисии в городе Галикарнассе. Эту 24-ступенчатую трехъярусную мраморную пирамиду высотой 49 м, увенчанную скульптурой, изображающей четверку коней в упряжке - квадригу, древние причисляли к “семи чудесам света”. Не менее пышным был классический диптер, также считавшийся “чудом света” - отстроенный вновь после пожара 356 г. до н.э. храм Артемиды в городе Эфесе . Величественность и пышность этих построек сближали их с архитектурой Древнего Востока и свидетельствовали о приближении новой, эллинистической эпохи, в которой слились воедино греческие и восточные культурные заимствования.

В зодчестве IY в. до н.э. ведущую роль играли уже не храмовые (культурные) сооружения, а постройки светского характера: театры, помещения для собраний, палестры, гимнасии. Замечательный архитектурный ансамбль был построен в городе Эпидавре: он включал храм, стадион, гимнасии, дом для приезжающих, концертный зал и прекрасный театр - шедевр выдающегося зодчего Поликлета-младшего.

Скульптура поздней классики обладала рядом новых черт. Она стала более утонченной, показывала глубокие человеческие чувства, внутреннее состояние человека. На смену величавости и достоинству пришли другие тенденции - драматически пафос, особый лиризм и грациозность. Их воплотили в своем творчестве величайшие греческие скульпторы IY в. - Скопас, Пракситель и Лисипп . Кроме того, в скульптуре этого времени особое место заняли жанрово-бытовые мотивы, оттеснившие на задний план религиозные и гражданские.

Скопас обычно создавал мифологические образы, поражавшие своим драматизмом и экспрессией. Его “Менада ”, танцующая спутница Диониса является шедевром не только античного, но и мирового искусства. (фризы Галикарнасского мавзолея).

Младший современник Скопаса Пракситель ваял главным образом олимпийских богов и богинь. Его скульптуры изображены в позе мечтательного отдыха: “Отдыхающий сатир”, “Аполлон”, “Гермес с младенцем Дионисом” . Самая знаменитая его статуя - “Афродита Книдская” - прообраз многих последующих изображений богини любви. Впервые в истории греческой скульптуры Пракситель представил Афродиту в виде прекрасной обнаженной женщины.

Подлинных статуй Скопаса и Праксителя сохранилось очень мало; нам известны в основном их римские копии. Творчество Праксителя оказало заметное влияние на скульпторов эпохи эллинизма и на римских мастеров.

Стремление передать многообразие характеров - основная черта творчества великого скульптора Лисиппа . Он оставил потомкам прекрасный бюст Александра Македонского и разработал новый пластический канон, заменивший канон Поликлета (“Апоксиомен”).

Имя афинянина Леохара связано с хрестоматийным произведением - “Аполлоном Бельведерским ”. Эта скульптура свидетельствовала о том, как изменился идеал мужской красоты в греческом искусстве.

В целом и в архитектуре, и в скульптуре, и в живописи IY в. до н.э. отмечен рождением многих тенденций, которые получат полное выражение в следующую, эллинистическую эпоху.

С первых десятилетий 5 в. до н.э. начался классический период развития греческой культуры и греческого искусства. Реформы Клисфена в конце 6 в. до н.э. утвердили в Афинах и других греческих городах полную победу народа над аристократией. К началу 5 в. до н.э. сложились два наиболее противоположных по своему укладу города-государства: Афины и Спарта. Для истории искусств Спарта осталась бесплодной.

Центром развития классической эллинской культуры стали в основном Аттика, северный Пелопоннес, острова Эгейского моря и отчасти греческие колонии в Сицилии и южной Италии (Великая Греция). Во времена греко-персидских войн начался первый период развития классического искусства - ранняя классика (490-550 гг. до н.э.) Во второй четверти 5 в. до н.э. (475-450 гг. до н.э.) архаические традиции были окончательно преодолены, и принципы классики получили свое законченное выражение в творчестве мастеров того времени. Время наивысшего расцвета - в «эпоху Перикла» - продолжалось с 450 по 410 г. до н.э. К концу 5 в. до н.э. растущее применение рабского труда стало отрицательно сказываться на процветании свободного труда, вызывая постепенное обеднение рядовых свободных граждан. Разделение Греции на полисы стало тормозить развитие рабовладельческого общества. Длительные и тяжелые Пелопоннесские войны (431 - 404 гг. до н.э.) между двумя союзами городов (во главе Афины и Спарта) ускорили кризис полисов. Искусство классики к концу 5 - началу 4 в. до н.э. вступило в свой последний, третий этап развития - поздняя классика. Искусство поздней классики утратило героический и гражданский характер, но зато разрабатывались новые образы, отражающие внутренние противоречия человека, этот период стал более драматичным и лирическим.

Македонское завоевание во второй половине 4в. до н.э. положило конец самостоятельному существованию греческих городов-государств. Оно не уничтожило традиции греческой классики, но в целом развитие дальнейшего искусства пошло другим путем.

Искусство Ранней Классики. «Строгий стиль»

490-450 гг. до н.э.

Черты архаической условности некоторое время еще давали о себе знать, в вазописи и особенно в скульптуре. Все искусство первой трети 5 в. до н.э. было пронизано напряженными поисками методов реалистического изображения человека. Периптер становится господствующим типом здания в греческой монументальной архитектуре. По своим пропорциям храмы стали менее вытянутыми, более цельными. В больших храмах наос обычно разделялся двумя продольными рядами колонн на 3 части, а в небольших храмах зодчие обходились без внутренних колонн. Исчезло применение на торцовых фасадах колоннад с нечетным числом колонн, мешавшее расположению входа в храм в центре фасада. Обычным соотношением числа колонн торцового и бокового фасадов стало 6:13 или 8:17. В глубине центральной части наоса, напротив входа находилась статуя божества.

Переходным памятником от поздней архаики к ранней классике является храм Афины Афайи на острове Эриге (490г. до н.э.) Отношение колонн 6:12, храм построен из известняка и покрыт расписанной штукатуркой. Фронтоны были украшены скульптурными группами из мрамора.

Переходный характер имел храм «Е» в Селинунте (Сицилия). Отношение колонн 6:15.

Наиболее полно типические черты архитектуры ранней классики воплотились в храме Посейдона в Пестуме (Великая Греция, 5 в. до н.э.). Отношение колонн 6:14

и в храме Зевса в Олимпии (Пелопоннес, 468-456 г. до н.э.) Классический дорический периптер, соотношение колонн 6:13. Храм был почти полностью разрушен, но на основании раскопок и описаний древних авторов его общий вид достоточно точно реконструирован. Строгость и суровость пропорций смягчалась праздничной раскраской. Храм был украшен большими скульптурными группами на фронтонах - состязание на колесницах Пелопса и Эномая и битва греков (лапифов) с кентаврами, на метопах - подвиги Геракла. Внутри храма с середины 5 в. до н.э. помещалась выполненная из золота и слоновой кости статуя Зевса работы Фидия.

В период ранней классики вазопись была проникнута традициями народного художественного ремесла. Вместо плоскостного силуэта чернофигурной вазописи художники стали строить трехмерные тела в самых разнообразных поворотах и ракурсах. Мастера вазописи стремились не только конкретно изображать тело и движение - они пришли к новому пониманию композиции, рисуя сложные сцены мифологического и бытового содержания. В некотором смысле развитие вазописи определило развитие скульптуры.

Виднейшими мастерами вазописи этого времени были Евфроний, Дурис и Бриг, работавшие в Афинах. Больше других связан с архаической узорностью и орнаментальностью старший из этих мастеров - Евфроний (конец 6 в. до н.э.).

Тесей у Амфитриты. Евфроний

Сатир и менада. Евфр оний, Лувр

Фетида и Пелей. Дурис

Взятие Трои, мастер Брига

В вазописи, как и в скульптуре или монументальной живописи, окружающая среда не интересовала художника, который показывал только людей - их действия. Даже инструменты, которыми действует человек, и плоды труда показаны лишь для того, чтобы был понятен смысл действия. Этим объясняется отсутствие пейзажа в греческой вазописи - как ранней, так и высокой классики. Отношение человека к природе передавалось через изображение самого человека.

Пелика с ласточкой. Евфроний, Эрмитаж

В северной части Пелопоннеса, в аргосско-сикионской школе, наиболее значительной из школ дорического направления, скульптура разрабатывала задачу создания спокойно стоящей человеческой фигуры. Перенос центра тяжести на одну ногу позволил мастерам достигнуть свободной естественной позы. Ионическое направление уделяло больше внимания движению. Уже в 6 в. до н.э. аттическая школа синтезировала лучшие стороны обоих направлений, а к середине 5 в. до н.э. утвердила основные принципы реалистического искусства. Важной особенностью греческой скульптуры периода классики была ее неразрывная связь с общественной жизнью. Переходный этап виден на фронтонных скульптурах Эгинского храма. (Реставрация статуй была произведена в 19 веке известным скульптором Торвальдсеном)

Происходит переосмысление мифических образов в сторону силы и красоты этического и эстетического идеала.

Группа тираноубийц: Гармодий и Аристогитон. Скульпторы Критий и Несиот (Прообраз « рабочего и колхозницы » )

Впервые в истории монументальной скульптуры скульптурная группа объединена единым действием, единым сюжетом.

К сравнению, архаическая скульптура Полимеда Агорсского «Клеобис и Битон»

Ведущими мастерами, совершившими решительный поворот в скульптуре в 70-60 гг. 5 в. до н.э. были Агелад, Пифагор Регийский и Каламид.

Гиацинт или Эрот Соранцо, Пифагор Регийский (римская копия, Эрмитаж)

Дельфийский возничий

Одна из немногих подлинных древнегреческих бронзовых статуй.

Аполлон из Помпей (римская реплика)

Уже в конце 6 и самом начале 5 в. до н.э. мастера пытались переработать в этом направлении статую куроса.

Зевс Громовержец

Мальчик, вынимающий занозу

Большим успехом в изображении реального движения было появление таких статуй, как « Победительница в беге ». Изначально статуя была сделана из бронзы, римский копиист, повторивший ее в мраморе, добавил грубую подпорку.

Раненая Ниобида, Музей Терм, Рим

Нереиды из Ксанфа (Реконструкция Британского музея)

Хорошим примером переосмысления мифологических сюжетов в годы ломки традиций архаики является рельеф, изображающий рождение Афродиты (Трон Людовизи):

Следующим важным шагом к высокой классике были фронтонные группы и метопы храма Зевса в Олимпии (50-е гг. 5 в. до н.э.) Восточный фронтон посвящен мифу о состязании Пелопса и Эномая, положившим начало олимпийским играм. Западный - битве лапифов с кентаврами.

Первоначально наиболее распространенным видом портретной скульптуры была статуя победителя на олимпийских состязаниях. Статуя победителя заказывалась городом-государством для прославления не только победителя, но и целого города. Доблестный дух в гармонически развитом теле - это считалось самым ценным в человеке, поэтому статуи были типически-обобщенными. Первые портреты граждан, выдающихся своими заслугами, также были были лишены резко выраженной индивидуальной характеристики.

Голова Афины. Фрагмент метопы храма Зевса в Олимпии

Голова Атласа. Фрагмент метопы храма Зевса в Олимпии

Аполлон. Фрагмент западного фронтона храма Зевса в Олимпии

Голова атлета. Мирон (?) Эрмитаж

Кимон (?) Мюнхенская глиптотека

Дискобол, голова. Мирон. Рим, музей Терм

Наиболее известный скульптор этого времени - Мирон из Элевтер. Он работал в Афинах в конце 2 и начале 3 четверти 5 в. до н.э. Подлинные работы до нас не дошли, только римские копии.

Дискобол. Мирон. Рим, музей Терм

Афина и Марсий, Мирон. Франкфурт

К произведениям, родственным по духу искусству Мирона, относится рельеф, изображающий Афину, опирающуюся на копье (~460 г. до н.э.):

Крылатая Ника-Победа, Пэоний из Менде

Искусство Высокой классики

450-410 гг. до н.э.

Архитектура третьей четверти 5 в. до н.э. выступала как свидетельство победы разумной человеческой воли над природой. Не только в городах, но и среди дикой природы архитектурные сооружения господствовали над окружающим пространством. К примеру, на мысе Суний около 430 г. до н.э. был сооружен храм Посейдона.

Афины украсились многочисленными новыми сооружениями: крытыми портиками (стоями), гимнасиями - школами где юношей обучали философии и литературе, палестрами - помещениями для обучения юношей гимнастике и т.д. Стены нередко покрывались монументальной живописью. Но самым главным сооружением эпохи Перикла был новый ансамбль Афинского Акрополя.

План местности Афинского акрополя:

1. Парфенон 2. Гекатомпедон 3. Эрехтейон 4. Статуя Афины Промахос 5. Пропилеи 6. Храм Ники Аптерос 7. Элевсинион 8. Бравронейон 9. Халькотека 10. Пандросейон 11. Аррефорион 12. Афинский алтарь 13. Святилище Зевса Полиея 14. Святилище Пандиона 15. Одеон Герода Аттического 16. Стоа Эвмена 17. Асклепион 18. Театр Диониса 19. Одеон Перикла 20. Теменос Диониса 21. Святилище Аглавры

Акрополь был разрушен во времена персидского нашествия, остатки старых зданий и разбитые статуи были употреблены на выравнивание поверхности холма. В течение 3-й четверти 5 в. до н.э. были возведены новые постройки - Парфенон, Пропилеи, храм Бескрылой Победы. Завершающее ансамбль здание Эрехтеона строилось позже, во времена Пелопоннесских войн. Планировка Акрополя была выполнена под общим руководством великого скульптора - Фидия. Полностью смысл Акрополя можно понять, лишь учитывая движение торжественных процессий в дни празднеств. В праздник Больших Панафиней - день, когда от имени всего города-государства афинские девушки приносили в дар богине Афине вытканный ими пеплос, - шествие входило на Акрополь с запада. Дорога вела вверх, к торжественному входу на Акрополь - Пропилеям (в здании Пропилей находилась библиотека и картинная галерея - пинакотека), построенным архитектором Мнесиклом в 437 -432 гг. до н.э. Обращенную к городу дорическую колоннаду Пропилей обрамляли два неравных крыла здания. Одно из них - левое - было больше, а к меньшему примыкал выступ скалы Акрополя - Пиргос, увенчанный маленьким храмом Ники Аптерос, то есть Бескрылой Победы (бескрылой - чтобы она никогда не улетала из Афин)

Мнесикл. Пропилеи

Этот небольшой храм был построен архитектором Калликратом между 449 - 421 гг. до н.э. В планировке Пропилей, так же как и храма Ники Аптурос, были умело использованы неровности холма Акрополя. Второй, обращенный к Акрополю дорический портик Пропилей был расположен выше наружного. Внутреннее пространство прохода Пропилей было оформлено ионическими колоннами. На площади Акрополя,между Пропилеями, ПАрфеноном и Эрехтеоном, стояла колоссальная (7м) бронзовая статуя Афины Промахос (Воительницы), созданная Фидием еще до постройки нового ансамбля Акрополя.

Парфенон был расположен не прямо против входа, как в свое время стоял архаический храм Гекатомпедон, а в стороне. Праздничное шествие двигалось вдоль северной колоннады Парфенона к его главному, восточному фасаду. Большое здание Парфенона уравновешивалось стоявшим по другую сторону площади зданием Эрехтеона. Создателями Парфенона были Иктин и Калликрат (447-438 гг. до н.э.) Скульптурные работы на Парфеноне - Фидия и его помощников - продолжались до 432. Парфенон имеет по 8 колонн по коротким сторонам и по 17 по длинным. Колонны Парфенона поставлены чаще, чем в ранних дорических храмах, антаблемент облегчен. Незаментные для глаза курватуры - то есть слабая выпуклая кривизна горизонтальных линий стилобата и антаблемента, а также незаметные наклоны колонн внутрь и к центру - эти отступления от геометрической точности необходимы потому, что центральная часть фасада, увенчанного фронтоном, хрительно давит на колонны и стилобат с большей силой, чем боковые стороны фасада, совершенно прямая горизонтальная линия основания храма казалась бы зрителю слегка прогнутой. Для компенсации этого оптического эффекта некоторые горизонтали храма делались зодчими выгнутыми кверху. Раскраска использовалась только для подчеркивания конструктивных деталей и для цветового фона, на котором выделялись скульптуры фронтонов и метоп (красный и синий цвета).

Выполненный в основном в дорическом ордере, Парфенон включил отдельные элементы ионического ордера. Парфенон был украшен скульптурой, выполненной под руководством Фидия. Фидию принадлежала и 12-метровая статуя Афины, стоявшая в наосе.

Для Акрополя Фидий создал три статуи Афины. Самой ранней из них была Афина Промахос (Воительница). Второй, меньшей по размерам, была Афина Лемния (лемносская). Третья - Афина Парфенос (то есть Дева). Величие богов Фидия в их высокой человечности, а не божественности.

Афина Лемния (римская мраморная копия, торс, Дрезден, голова - Болонья) и ее реконсрукции

Афина Варвакион. Уменьшенная копия Афины Парфенос Фидия. Афины, национальный музей

Одной из особенностей статуй Афины Парфенос и Зевса Олимпийского была хрисоэлефантинная техника исполнения: деревянная основа статуй была покрыта тонкими листами золота (волосы и одежда) и пластинками слоновой кости (лицо, руки, ступни ног). Примером впечатления, какое могла производить эта техника является небольшой лекиф аттической работы конца 5 в. до н.э. - «Таманский сфинкс» (Эрмитаж):

Сохранились в подлинниках, хотя и сильно поврежденные, скульптурные группы и рельефы, украшавшие Парфенон. Все 92 метопы храма были украшены горельефами. На метопах западного фасада была изображена битва греков с амазонками, на главном, восточном фасаде - битва богов с гигантами, на северной стороне храма - падение Трои, на южной - борьба лапифов с кентаврами. Все эти сюжеты имели большое значение для древних эллинов. Большая многофигурная группа в тимпане восточного фронтона была посвящена мифу о чудесном рождении богини мудрости Афины из головы Зевса. Западная группа изображала спор Афины и Посейдона за обладание Аттической землей. Вдоль стены наоса за колоннами шел зофор (фриз в греческом храме), изображающий праздничное шествие афинского народа в дни Великих Панафиней.

Художественная жизнь этого времени не была сосредоточена только в Афинах. Например, известный скульптор Поликлет, выходец Аргоса (Пелопоннес). Его искусство связано с традициями аргосско-сикионской школы с ее преимущественным интересом к изображению спокойно стоящей фигуры. Образы статуй Поликлета перекликаются со старинным идеалом гоплита (тяжеловооруженного воина).

Дорифор (Копьеносец). Поликлет, ~сер. 5 в. до н.э.

Равновесие фигуры достигнуто тем, что приподнявшемуся правому бедру соответствует опущенное правое плечо, и наоборот. Такая система построения человеческой фигуры называется хиазм . Поликлет старался теоретически обосновать типический образ совершенного человека, так он пришел к написанию «Канона» - теоретического трактата о системе идеальных пропорций и законов симметрии. Римские копиисты усилили черты отвлеченности, возникшие на нормативов «Канона». Например, римская копия обнаженного юноши (Париж, Лувр):

Под конец жизни Поликлет отходит от строгого следования «Канону», сблизившись с мастерами аттики, создает известного Диадумена:

Сохранилась также римская копия раненой амазонки Поликлета и римская статуя Амазонки Маттеи, восходящая к оригиналу Фидия.

Среди непосредственных учеников Фидия выделяется Кресилай, автор портрета Перикла:

Голова Эфеба. Кресилай

В том же кругу Фидия появляются произведения, ищущие усиления драматического действия, обостряющие темы борьбы. Скульпторы этого направления украшали храм Аполлона в Бассах. Фриз, изображающий битву греков с кентаврами и амазонками, вопреки обычным правилам находился в полутемном наосе и был выполнен в высоком рельефе.

Среди мастеров фидиевской школы также к концу 5 в. до н.э. появилось также тяготение к выражению лирического чувства. Наиболее крупным мастером этого направления в Аттике был Алкамен. Алкамену принадлежали и некоторые статуи чисто фидиевского характера,например, колоссальная статуя Диониса. Однако новые искания яснее выступали в таких работах, как статуя Афродиты - «Афродита в садах»:

Лирические поиски образа нашли свое осуществление в рельефах балюстрады храма Ники Аптерос на Акрополе. Эти рельефы изображали девушек, совершающих жертвоприношение.

Ника, развязывающая сандалию

Очень большую роль в сложении этого направления сыграли рельефы на надгробных стелах.

Надгробие Гегесо. Афины, национальный музей

Стелла Мнесарете, Мюнхен

Лекиф. Сцена у надгробия. Эрмитаж

Изменения в художественном сознании нашли свое выражение и в архитектуре. Иктин в храме Аполлона в Бассах впервые ввел в здание наряду с дорическими и ионическими элементами также третий ордер - коринфский (правда, только 1 колонна):

Новым было асимметричное построение здания Эрехтеона на Афинском акрополе, выполненного неизвестным архитектором в 421-406 гг.

Художественная разработка этого храма, посвященного Афине и Посейдону, внесла новые черты в архитектуру классического времени: интерес к сопоставлениям контрастных архитектурных и скульптурных форм, множественность точек зрения. Эрехтеон построен на неровном северном склоне, его планировка включает в себя эти неровности: храм состоит из двух, находящихся на разном уровне помещений, имеет разной формы портики на трех сторонах, в том числе и знаменитый портик кор (кариатид) на южной стене. В Эрехтеоне не было наружной раскраски, ее заменяло сочетание белого мрамора с фиолетовой лентой фриза и позолотой отдельных деталей.

Вазопись в эпоху высокой классики развивалась в тесном взаимодействии с монументальной живописью и скульптурой. Вазописцев стало привлекать изображение не только действия, но и душевного состояния героев. Как и в скульптуре, в образах вазописи этого времени передавались самые общие состояния человеческого духа, еще без внимания к конкретным и индивидуальным чувствам.

Кратер из Орвьето, Париж, Лувр

Сатир, качающий девушку на качелях

Полиник, протягивающий ожерелье Эрифиле (Ваза из Лечче)

Около середины века получили распространение лекифы с росписью по белому фону, служившие для культовых целей.

Лекиф Бостонского музея

К концу 5 в. до н.э. вазопись начала приходить в упадок. Уже Мидий и его подражатели стали перегружать рисунок декоративными деталями. Кризис свободного труда особенно пагубно отразился на творчестве мастеров-керамистов и рисовальщиков.

Не дошедшая до нас живопись классического периода, насколько можно судить по высказываниям древних авторов, имела, как и скульптура монументальный характер и выступала в неразрывной связи с архитектурой. Выполнялась она, видимо, чаще всего фреской, не исключено что употреблялись клеевые краски, а также восковые (энкаустика ). Крупнейшим мастером этого времени был Полигнот, уроженец острова Фасоса. Важной особенностью живописи Полигнота было обращение к темам исторического характера («Битва при Марафоне»). Одна из самых знаменитых работ - роспись «Лесхи (дома собраний) книдян» в Дельфах. Описание этой работы сохранилось в трудах Павсания. Известно, что Полигнот употреблял только 4 краски (белую, желтую, красную и черную), видимо, его палитра не слишком отличалась от той, что применялась в вазописи. Согласно описаниям, цвет носил характер раскраски и цветовая моделировка фигуры почти не применялась. Древние восхищались его анатомическими знаниями и особенно умением изображать лица.

Во второй половине и конце 5 в. до н.э. появился ряд живописцев, тесно связанных с тенденциями скульптурной аттической школы. Наиболее известным автором был Аполлодор Афинский. Для его живописи характерен интерес к светотеневой моделировке тела. Он, и еще ряд живописцев (например, Зевксис и Паррасий) стали разрабатывать перспективу, линейную и воздушную. Аполлодор одним из первых пришел перешел к писанию картин, не связанных органически с архитектурным сооружением.

Искусство Поздней Классики

конец Пелопоннесский войн - возникновение Македонской империи

4 в. до н.э. явился важным этапом в развитии древнегреческого искусства, традиции высокой классики перерабатывались в новых исторических условиях. Рост рабства, концентрация богатств в руках немногих рабовладельцев мешали развитию свободного труда. Пелопоннесские войны обострили развитие кризиса. В ряде городов возникают восстания бедной части населения. Рост обмена вызвал необходимость создания единой державы. К середине века складывается течение, объединявшее противников рабовладельческой демократии и возлагавшее надежду на внешнюю силу, способную военным путем объединить полисы. Такой силой явилась Македонская монархия.
Распад полиса повлек за собой утрату идеала свободного гражданина. Вместе с тем трагические конфликты общественной деятельности вызывали появление более сложного взгляда на явления. Искусство впервые стало служить эстетическим потребностям и интересам частного человека, а не полиса в целом: появились и произведения, утверждавшие монархические принципы. Большое влияние на искусство оказал также кризис системы мифологических представлений. Зарождался интерес к быту и характерным особенностям психического склада человека. В искусстве ведущих мастеров 4 в. до н.э. - Скопаса, Праксителя, Лисиппа - была поставлена проблема передачи переживаний человека.
В развитии греческого искусства поздней классики различаются 2 этапа. В первые 2 трети века искусство еще было органично связано с традициями высокой классики. В последнюю треть 4 в. до н.э. происходит резкий перелом, в это время обостряется борьба реалистической и антиреалистической линии в искусстве.
В течение первой трети 4в. до н. э. в архитектуре наблюдался известный спад строительной деятельности, отражавший социальный и экономический кризис, который охватил все греческие полисы. Спад этот был далеко не повсеместный. Наиболее остро он сказался в Афинах, потерпевших поражение в Пелопоннесских войнах. В Пелопоннесе строительство храмов не прерывалось. Во второй трети века строительство снова усилилось.
Памятники 4 в. до н.э. в общем следовали принципам ордерной системы, но существенно отличались от произведений высокой классики. Строительство храмов продолжалось, но особенно широкое развитие получило строительство театров, палестр, гимнасиев, закрытых помещений для общественных собраний (булевтерий) и т.д. Одновременно в монументальной архитектуре появились сооружения, посвященные возвеличению отдельных личностей, не мифического героя, а личности монарха-самодержца. Например, усыпальница правителя Карии Мавсола (Галикарнасский мавзолей) или Филиппейон в Олимпии, посвященный победе македонского царя Филиппа над греческими полисами.

Филиппейон в Олимпии

Одним из первых памятников, в котором сказались черты поздней классики, был перестроенный после пожара 394 г. храм Афины Алеи в Тегее (Пелопоннес). И здание, и скульптуры были созданы Скопасом. В тегейском храме были применены все 3 ордера.

Но самым известным зданием был построенный Поликлетом Младшим театр. В нем, как т в большинстве театров того времени, места для зрителей (театрон) располагались по склону холма. 52 ряда (10 000 чел.) обрамляли орхестру - площадку, на которой выступал хор. Со стороны, противоположной местам зрителей, орхестра замыкалась скеной - в переводе с греческого палаткой. Первоначально, скена и была палаткой, где готовились к выходу актеры,но позже скена превратилась в сложное двухъярусное сооружение, украшенное колоннами и образующее архитектурный фон, перед которым выступали актеры. Скена в Эпидавре имела украшенный ионическим ордером просцениум - каменную площадку для проведения отдельных игровых эпизодов главными актерами.

Толос в Эпидавре (Фимела), Поликлет Младший:

Наиболее интересным из дошедших до нас сооружений, воздвигнутых частными лицами, является хорегический памятник Лисикрата в Афинах (334 г. до н.э.) Афинянин Лисикрат решил в этом памятнике увековечить победу, одержанную подготовленным на его средства хором.

Пути развития архитектуры малоазийской Греции несколько отличались от развития архитектуры собственно в Греции. Ей было свойственно стремление к пышным и грандиозным архитектурным сооружениям. Тенденции отхода от классики в малоазийской архитектуре давали о себе знать очень сильно: к примеру, огромные ионические диптеры второй храм Артемиды в Эфесе и храм Артемиды в Сардах отличались пышностью и роскошью убранства. Эти храмы, известные по описаниям древних авторов, дошли до наших дней в скудных остатках.

Наиболее ярко особенности развития малоазийской архитектуры сказались в построенном около 353 г. до н.э. Галикарнасском Мавзолее (арх-ры Пифей и Сатир). В древности он был причислен к семи чудесам света.

Здание представляло сложное сооружение, сочетавшее малоазийские традиции греческой ордерной архитектуры и мотивы, заимствованные у классического Востока. В 15 в. мавзолей был сильно разрушен. И точная реконструкция его невозможна.

О развитии скульптуры этого времени, благодаря римским копиям, можно сказать немного больше, чем об архитектуре и живописи. Отчетливо определились 2 направления. Некоторые скульпторы, формально следовавшие традициям высокой классики, создавали искусство, отвлеченное от жизни, уводившее ее от острых противоречий и конфликтов в мир бесстрастно холодных и отвлеченно прекрасных образов. Виднейшими представителями были Кефисодот, Тимофей, Бриаксис, Леохар.

Общий характер скульптуры и искусства поздней классики в основном определялся творческой деятельностью художников-реалистов. Величайшими представителями этого направления были Скопас, Пракситель и Лисипп. Реалистическое направление получило широкое развитие не только в скульптуре, но и в живописи (Апеллес). Теоретическим обобщением достижений реалистического искусства своей эпохи явилась эстетика Аристотеля.

Противоположность двух направлений выявилась не сразу. Первое время эти направления иногда противоречиво пересекались в творчестве одного мастера. Так, искусство Кефисодота (отец Праксителя) несло в себе и интерес к лирическому душевному настроению и вместе с тем черты нарочитой внешней нарядности.

Крупнейшим мастером первой половины 4 в. до н.э. был Скопас . Образы Скопаса отличаются от образов классики бурным драматическим напряжением всех духовных сил. Скопас ввел мотив страдания, внутреннего трагического надлома, внутреннего трагического надлома, косвенно отражающего трагический кризис этических и эстетических идеалов, созданных в эпоху расцвета полисов. В течение своей почти полувековой деятельности Скопас выступал не только как скульптор, но и как архитектор. Дошло до нас лишь немногое: от храма Афины в Тегее остались скудные обломки. Кроме самого здания Скопас выполнил его скульптурное оформление. На западном фронтоне были изображены сцены битвы Ахилла с Телефом в долине Каика, а на восточном - охоты Мелеагра и Аталанты на каледонского вепря. Амазономахия, рельефы битвы греков с амазонками для Галикарнасского Мавзолея. Лондон, Британский Музей

В отличие от бурного и трагического искусства Скопаса Пракситель в своем творчестве отращался к образам, проникнутым духом ясной и чистой гармонии и спокойной задумчивости. Как и Скопас, Пракситель ищет пути раскрытия богатства и красоты духовной жизни человека. Ранние произведения Праксителя еще связаны с образами искусства высокой классики. Так, в «Сатире, наливающем вино» он использует поликлетовский канон.

Произведением зрелого стиля Праксителя (~350 г. до н.э.) является его Аполлон Сауроктон (убивающий ящерицу)

Артемида из Габий

В художественной культуре второй половины 4 в. до н.э. и особенно последней его трети связь с традициями высокой классики становится менее непосредственной. Именно в это время Македония добилась руководства в греческих делах. Сторонники старой демократии потерпели полное поражение. Также это время известно походами Александра Македонского на Восток (334-325 гг. до н.э.), открывших новую главу в истории античного общества - эллинизм. В художественной культуре тех лет шла борьба между реалистическим и ложно-классическим направлениями. К середине 4 в. до н.э. консервативное антиреалистичное направление получило особенно широкое развитие. Эти традиции видны на рельефах, выполненных Тимофеем, Бриаксисом и Леохаром для Галикарнасского Мавзолея. Наиболее последовательно искусство ложноклассического направления раскрылось в творчестве Леохара. Он стал придворным художником Александра Македонского и создал хрисоэлефантинных статуй царей Македонской династии для Филиппейона. Внешне декоративный характер имела и его скульптура «Ганимед, похищаемый Зевсовым орлом»:

Самой значительной работой Леохара была статуя Аполлона - знаменитый «Аполлон Бельведерский». Несмотря на прекрасное исполнение, детали скульптуры, такие как надменный поворот головы и театральность жеста чужды подлинным традициям классики.

К кругу Леохара близка знаменитая статуя «Артемиды Версальской»:

Величайшим художником реалистического направления был Лисипп . Реализм Лисиппа существенно отличался от его предшественников, но в его творчестве так же решалась задача раскрытия внутреннего мира человеческих переживаний и известной индивидуализации образа человека. Он перестал рассматривать создание образа совершенно прекрасного человека как основную задачу искусства. Но так же он стремился создать обобщенно-типический образ, воплощавший характерные черты человека его эпохи. Мастер находит основу для изображения типического в образе человека не в тех чертах, которые его характеризуют как члена коллектива, а как гармонически развитую личность. Так же Лисипп подчеркивает в своих произведениях элемент личного восприятия. Он создал огромное множество монументальных статуй, предназначенных для украшения площадей и занимавших свое самостоятельное место в городском ансамбле. Наиболее известная - статуя Зевса. Портрет Александра Македонского

Голова Биаса. Рим, Ватиканский музей

Образ мудреца Биаса для Лисиппа - это в первую очередь образ мыслителя. Впервые в истории искусства художник передает в своем произведении сам процесс мысли, глубокой сосредоточенной думы. Исключительный интерес представляет мраморная голова Александра Македонского. Лисипп не стремится воспроизвести со всей тщательностью внешние характерные черты облика Александра, в этом смысле его голова, как и голова Биаса, имеет идеальный характер, но сложная противоречивость натуры Александра передана с исключительной силой.

В 4 в. до н.э., как и раньше, были распространены глиняные фигурки карикатурного или гротескного характера. Богатая коллекция таких статуэток хранится в Эрмитаже.

В поздней классике получили свое развитие реалистические традиции живописи последней четверти 5в. до н.э. Крупнешим среди живописцев был Никий, которого высоко ценил Пракситель. Он поручал ему тонировать свои мраморные статуи. Ни одно из подлинных произведений Никия не дошло до нашего времени. На одной из Помпейских фресок воспроизведена картина Никия «Персей и Андромеда».

Наибольшего мастерства достиг Апеллес , бывший наряду с Лисиппом самым знаменитым художником последней трети века. Известен его портрет Александра Македонского. Он также являлся автором ряду аллегорических композиций, дававшим, согласно сохранившимся описаниям, большую пищу уму и воображению зрителей. Некоторые сюжеты были настолько подробно описаны современниками, что их часто пытались воспроизвести в эпоху Возрождения.

В 4 в. до н.э. была широко распространена и монументальная живопись. Почти полное отсутствие подлинников лишает возможности дать ей оценку.