แวนการ์ดแจ๊ส. แจ๊สเปรี้ยวจี๊ด แจ๊สเปรี้ยวจี๊ด

25 เม.ย. 2556

“ความล้ำหน้ามีอยู่ในนามของการต่อต้านความนิยมและสิ่งที่มีลักษณะเป็นเชิงพาณิชย์อย่างแท้จริง…”

Robert McKee นักทฤษฎีศิลป์และนักเขียนบทภาพยนตร์

ดนตรีแจ๊สแนวใหม่ที่เกิดขึ้นในช่วงปลายทศวรรษที่ 50 และต้นทศวรรษที่ 60 ของศตวรรษที่ผ่านมา ซึ่งมีความใกล้เคียงกับดนตรีแจ๊สแบบอิสระมาก เป็นส่วนผสมของเสียงแบบแนวหน้ากับองค์ประกอบของดนตรีแจ๊สแบบดั้งเดิม นี่คือดนตรีแจ๊สแนวหน้า - หนึ่งในปรากฏการณ์ทางดนตรีที่ทรงพลังที่สุดในศตวรรษที่ 20

เหมือนแฟลช

การพัฒนาของแจ๊สแนวหน้าในระดับโลกได้รับอิทธิพลจากบุคลิกที่สดใสและมีสีสันเช่น John Coltrane นักดนตรีแจ๊สผู้ยิ่งใหญ่คนนี้กลายเป็นบุคคลสำคัญอย่างแท้จริงในประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊สซึ่งมีอิทธิพลต่อโรงเรียนแห่งการปรับตัวและโดยเฉพาะอย่างยิ่งแจ๊สแนวหน้า

“เป้าหมายหลักของฉันคือการใช้ชีวิตทางจิตวิญญาณและแสดงออกในดนตรีของฉัน ฉันเชื่อว่าถ้าคุณใช้ชีวิตแบบนี้ คุณก็เล่นได้ง่าย เพราะดนตรีกลายเป็นส่วนหนึ่งของชีวิตเช่นนั้น ดนตรีมีความลึกซึ้งในตัวเรามาก ในตัวเราแต่ละคน ดนตรีของฉันคือการแสดงออกถึงประสบการณ์ ความศรัทธา และตัวตนของฉัน…” คำพูดเหล่านี้ของ Coltrane บ่งบอกลักษณะงานของเขาได้ดีที่สุด

ในช่วงทศวรรษที่ 1940 นักดนตรีคนนี้ไม่ค่อยมีใครรู้จักและเล่นในวงออร์เคสตราขนาดเล็กเป็นหลัก แต่ในปี 1955 John Coltrane ได้กลายเป็นส่วนหนึ่งของวง Miles Davis ซึ่งเป็นที่นิยมในเวลานั้น (ซึ่งเราจะกลับมาในภายหลัง) แต่มันเป็นเพียงเวที หลังจากนั้นไม่นาน การทำงานร่วมกันระหว่าง Miles และ John ก็ยุติลง ในช่วงต้นทศวรรษที่ 60 John Coltrane เริ่มสร้างเพลงเดี่ยวที่กำหนดงานในอนาคตของเขา นี่คือที่มาของอัลบั้ม A Love Supreme, Giant Steps, Africa/Brass และ Coltrane Jazz งานเหล่านี้ได้กลายเป็นผู้อ่านเพื่อศึกษารากฐานของดนตรีแจ๊สแนวหน้า และอัลบั้ม A Love Supreme ได้รับการเสนอชื่อเข้าชิง 2 รางวัลแกรมมี่และกลายเป็นผลงานที่ขายดีที่สุดของเขา

อองเตการ์เดน

แจ๊สแนวหน้าซึ่งปรากฏในปี 1960 โดดเด่นด้วยความปรารถนาอันแรงกล้าที่จะปลดปล่อยดนตรีแจ๊สแบบดั้งเดิมจาก "ห่วง" และด้วยเหตุนี้จึงเสริมสร้างความกลมกลืนของจังหวะ ทิศทางนี้เริ่มพึ่งพาวิธีการแสดงออกทางดนตรีแบบใหม่อย่างสิ้นเชิงในดนตรีแจ๊สซึ่งมีเทคนิคที่ผิดปกติและไม่รู้จักมาก่อนปรากฏขึ้น “เมื่อไม่มีขอบเขตที่ชัดเจน ก็จะมีพื้นที่มากขึ้นสำหรับความคิดสร้างสรรค์ที่มีผล และสำหรับการค้นหาแง่มุมใหม่ๆ ของเสียง” นักแสดงแจ๊สแนวหน้าหลายคนกล่าว และพวกเขาพูดถูก

นักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่ผู้นี้ซึ่งมีความรักอยู่ในหัวใจของผู้คนนับล้านทั่วโลก มีอายุเพียง 41 ปีเท่านั้น อาชีพของเขาเหมือนแสงแฟลช สว่าง ทรงพลัง แต่สั้น John Coltrane กลายเป็นที่นิยมในวัย 33 ปี และยังคงเป็นหนึ่งในบุคคลที่มีบุคลิกที่ยอดเยี่ยมที่สุดในโลกดนตรีแจ๊ส นอกจากนี้เขายังได้รับการยกย่องจากคริสตจักรออร์โธดอกซ์แอฟริกันแห่งฮาร์วีย์

ขัดแย้งและแยบยล

เด็กชายขี้อายที่อาศัยอยู่ในรัฐอิลลินอยส์ รัฐที่พายุทอร์นาโดและเมฆฝนมักจะมาเยือน ความฝันที่จะเป็นนักวิชาการด้านการแสดงและนักดนตรีแจ๊สที่มีพรสวรรค์ที่สุดได้บรรลุทุกสิ่งที่เขาต้องการแล้ว คนทั้งโลกรู้จักนักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งมีชื่อว่า Miles Davis

ผู้ชายคนนี้ยืนอยู่ที่จุดกำเนิดของการพัฒนาดนตรีแจ๊สในด้านต่าง ๆ - แจ๊สเย็น, แจ๊สโมดอล, ฟิวชั่นและแจ๊สเปรี้ยวจี๊ด ผลงานที่ยอดเยี่ยมของเขาครั้งแล้วครั้งเล่าได้กำหนดมาตรฐานของเสียงดนตรีแจ๊สสำหรับคนรักดนตรีสามชั่วอายุคน

งานของเดวิสทำให้สามารถติดตามพลวัตของการพัฒนาดนตรีแจ๊สร่วมสมัยได้ ตั้งแต่ยุคบี๊บ็อบ (ช่วงปลายยุค 40 ของศตวรรษที่ 20) ไปจนถึงแนวเพลงแนวทดลองสมัยใหม่

เมื่อเปรียบเทียบกับนักดนตรีแจ๊สคนอื่นๆ แล้ว ไมลส์ เดวิสไม่เคยจำกัดตัวเองอยู่แค่สไตล์ใดสไตล์หนึ่ง เขาตกหลุมรักผู้ฟังอย่างแน่นอน เพราะเขายอมรับความกว้างของเสียงที่น่าทึ่ง ความเก่งกาจของความสามารถของเขาได้รับการเน้นย้ำจากนักวิจารณ์และผู้เชี่ยวชาญด้านดนตรีแจ๊สหลายคน และ Duke Ellington เปรียบเทียบความสามารถในการสร้างสรรค์ของเขากับผลงานของ Picasso เพลงของ Miles Davis เป็นที่ถกเถียงและในขณะเดียวกันก็อิ่มตัวไม่รู้จบ ต่อมาได้กลายเป็นจุดเด่นของเขา

อาชีพของเดวิสนั้นท้าทายและขัดแย้ง ในช่วงทศวรรษที่ 50 เขาติดยาและไม่ปรากฏตัวบนเวทีดนตรีแจ๊สเป็นเวลาสี่ปี "การโจมตี" ดังกล่าวเกิดขึ้นในภายหลัง แต่ถึงกระนั้นความนิยมรอบใหม่ก็เข้ามาได้ไม่นาน ในช่วงปลายทศวรรษ 1960 เดวิสตัดสินใจทดลองด้วยเครื่องมือไฟฟ้าที่ได้รับอิทธิพลจากดนตรีร็อค เขาละทิ้งเสียงซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของดนตรีแจ๊สโดยสิ้นเชิง เดวิสพัฒนาวิธีการเรียบเรียงรูปแบบใหม่โดยสิ้นเชิง เมื่อนำการเรียบเรียงเสียงประสานที่ค่อนข้างยาวมารวมกัน "ประสาน" ด้วยริฟฟ์สั้นๆ

ในช่วงทศวรรษที่ 70 ไมลส์ เดวิสได้ตระหนักถึงความฝันตลอดชีวิตของเขา นั่นคือการแสดงดนตรีแจ๊สประเภทใหม่ที่ได้รับความนิยมอย่างมากในหมู่ผู้ที่ชื่นชอบดนตรีแจ๊สแนวหน้า หลังจากนั้นนักดนตรีก็กลายเป็นแขกรับเชิญในเทศกาลดนตรีแจ๊สและร็อคในยุโรปและอเมริกา แต่สุขภาพของเดวิสทรุดโทรมลงอย่างไม่ลดละ และการตายของเพื่อน ความเจ็บป่วย (ปอดบวม) อุบัติเหตุทางรถยนต์ร้ายแรง ยาเสพติดและปัญหาทางกฎหมายอีกครั้งทำให้เกิดความไม่แยแสและภาวะซึมเศร้าเป็นเวลานาน หลังจากปี 1975 Miles Davis ไม่ปรากฏตัวบนเวทีเป็นเวลา 6 ปี

หลายปีต่อมา การหวนคืนสู่เวทีของเขาได้รับการประกาศโดยการบันทึกเสียง The Man With A Horn ในปี 1981

สไตล์การเล่นใหม่ของเขา ฟังค์ร็อกแจ๊ส ได้รับการแนะนำโดยอัลบั้ม Tutu ซึ่งเปิดตัวในปี 1986 มันถูกเรียกว่า "เพลงประกอบภาพยนตร์แห่งทศวรรษ"

ไมลส์ เดวิสยังคงออกทัวร์และสนุกสนานกับการแสดงดนตรีแจ๊สแนวหน้าของเขาจนเสียชีวิต (พ.ศ. 2534) แฟน ๆ ของประเภทนี้รู้ดีว่าธีมของ Davies เช่น Seven Steps To Heaven, All Blues, Bitches brew, So What, Solar, Tune Up และ Milestones นั้นยอดเยี่ยมเพียงใด

ความสำเร็จของ Miles Davis รวมถึงการสร้างสไตล์การเล่นทรัมเป็ตที่ไม่เหมือนใคร ซึ่งต่อมามีผลกระทบอย่างมากต่องานของนักดนตรีที่เล่นในสไตล์เท่และบีบ็อบ นอกจากนี้เขายังยืนอยู่ที่จุดกำเนิดของกระแสที่น่าสนใจในดนตรีแจ๊ส เช่น แจ๊ส-ร็อก และฟิวชัน เดวิสเลียนแบบไม่ได้!

มีชีพจร!

แจ๊สแนวหน้าในปัจจุบันมีอยู่ในรูปแบบที่หลากหลายและบางครั้งก็แปลกประหลาด มันเป็นศิลปะแนวคิดที่จริงจัง การผสมผสานที่ลงตัวของสไตล์ สุนทรียภาพ และเสียงล้วนมีอยู่ในดนตรีแจ๊สแนวร่วมสมัย ในขณะที่เพลิดเพลินกับการประพันธ์เพลงประเภทนี้ เรารู้สึกถึงการเปลี่ยนแปลงที่เกิดขึ้นเองจากความสวยงามของเสียงดนตรีแจ๊สแบบดั้งเดิมไปสู่ความดึงดูดใจที่แปลกประหลาดของแนวหน้า แจ๊สแนวหน้าเป็นธรรมชาติ เป็นส่วนหนึ่งของความเป็นจริงของเรา ซึ่งเต้นเป็นจังหวะทุกวันในเส้นเลือดของเราในตัวเรา

บอกเพื่อนของคุณ:

/ Avantgarde jazz (จากภาษาฝรั่งเศส avant-garde ทัพหน้า)- ชื่อทั่วไปสำหรับกลุ่มของสไตล์และแนวโน้มในดนตรีแจ๊สสมัยใหม่ โดยเน้นที่ความทันสมัยของภาษาดนตรี การพัฒนาวิธีการและเทคนิคการแสดงออกที่ไม่ใช่แบบดั้งเดิมแบบใหม่ (ในด้านของโทนเสียง การสังเคราะห์เสียง เป็นต้น) เป็นเรื่องปกติที่จะกล่าวถึงอาว็อง-การ์ดแจ๊สว่าเป็นฟรีแจ๊ส, "เธิร์ดเทรนด์", อิเล็กทรอนิกส์แจ๊ส, ฮาร์ดบ็อบรูปแบบทดลอง, คูลแจ๊ส, แจ๊ส-ร็อค เป็นต้น

การจัดเรียง / การจัดเรียง (ภาษาอังกฤษ จัดเรียง จัดเรียง เรียงตามลำดับ) - การนำเสนอทางดนตรี ออกแบบมาสำหรับองค์ประกอบของนักแสดงและบันทึกเป็นโน้ตดนตรี ในดนตรีแจ๊ส การเรียบเรียงเป็นวิธีแก้ไขแนวคิดทั่วไปของการตีความวงดนตรีหรือวงออเคสตราและเป็นตัวพาหลักของคุณสมบัติโวหาร ซึ่งเป็นผลมาจากการที่สิ่งนี้มีความสำคัญไม่น้อยไปกว่าการประพันธ์เพลงในวิชาการดนตรี

บลูส์โบราณ (ต้น)/ บลูส์โบราณ (ต้น) - บลูส์แบบดั้งเดิมที่เก่าแก่ที่สุดซึ่งควรจะได้รับการพัฒนาในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ผ่านมาทางตอนใต้ของสหรัฐอเมริกาและมีความสัมพันธ์ใกล้ชิดกับต้นกำเนิดของแอฟริกาเช่นเดียวกับแบบดั้งเดิมอื่น ๆ ประเภทของดนตรีพื้นบ้านอเมริกันนิโกร (เช่น เพลงงาน เพลงร้องตะโกน เพลงบัลลาด และจิตวิญญาณ)

แจ๊สโบราณ (ต้น)/ แจ๊สโบราณ (ต้น) - การกำหนดประเภทแจ๊สแบบดั้งเดิมที่เก่าแก่ที่สุดซึ่งมีมาตั้งแต่กลางศตวรรษที่แล้วในหลายรัฐทางตอนใต้ของสหรัฐอเมริกา โดยเฉพาะอย่างยิ่งดนตรีแจ๊สโบราณถูกนำเสนอโดยดนตรีของวงดนตรีนิโกรและครีโอลในศตวรรษที่สิบเก้า ยุคของดนตรีแจ๊สโบราณเกิดขึ้นก่อนสไตล์นิวออร์ลีนส์ (คลาสสิก)

การโจมตีด้วยเสียง / การโจมตี - หนึ่งในลักษณะไดนามิกที่สำคัญของการผลิตเสียงในดนตรีแจ๊ส ซึ่งเกี่ยวข้องกับช่วงเวลาเริ่มต้นของการรับเสียงในการเล่นเครื่องดนตรีหรือการร้องเพลง จะเน้นเสียงแหลม ดุดัน หรือผ่อนคลายก็ได้ คุณภาพของการโจมตีทางเสียงนั้นขึ้นอยู่กับเสียงดนตรีแจ๊สเป็นส่วนใหญ่

"เปียโนมือ" แอฟริกัน/ เปียโนมือแอฟริกัน - แพร่หลายในแอฟริกา (บนชายฝั่งตะวันตกและทางตอนใต้ของทวีป) เครื่องดนตรีประเภทถอนกกที่เกี่ยวข้องกับระนาด โดยมีความยาวลำตัวเรโซแนนซ์ตั้งแต่ 10 ซม. ถึงหนึ่งเมตร และมีแถวหนึ่งแถวขึ้นไป กกขนาดต่าง ๆ ทำด้วยไม้หรือโลหะซึ่งสอดคล้องกับเสียงของระดับเสียงต่าง ๆ มีชื่อท้องถิ่นหลายชื่อ ได้แก่ Sanza, Mbira, Mbila, Kalimba, Ndimba, Ndandi, Izhari, Mganga, Likembe, Selimba เป็นต้น ในช่วงการล่าอาณานิคมของอเมริกาในยุโรป Sanza ถูกทาสนิโกรพาไปยังคิวบาซึ่งยังคงมีอยู่

ฐาน/ฐาน (ส่วนล่างภาษาอังกฤษ ฐานรองรับ)- วงดนตรีหรือส่วนหนึ่งของวงดนตรีที่ทำหน้าที่ร่วมกับศิลปินเดี่ยว

เพลงบัลลาด/บัลลาด (จาก lat. ballo ฉันเต้นรำ)- แนวเพลงที่พบได้ในหลายชนชาติ มีต้นตอมาจาก เพลงรำวงย้อนยุค คุณลักษณะทั่วไปของเพลงบัลลาดคือการผสมผสานระหว่างการเล่าเรื่องแบบมหากาพย์และการแต่งเนื้อร้อง จังหวะแบบสโตรฟิก จังหวะช้าหรือปานกลาง ผ่านการพัฒนาโครงเรื่องและเนื้อหาทางดนตรี ในดนตรีโฟล์คของคนผิวดำชาวอเมริกัน ได้มีการพัฒนาเพลงบัลลาดประเภทดั้งเดิมขึ้น ซึ่งมีความคล้ายคลึงกับเพลงบลูส์และยังคงความเชื่อมโยงกับประเพณีของชาวแอฟริกัน ในดนตรีแจ๊ส สไตล์การบรรเลงและการร้องเพลงแบบโคลงสั้น ๆ ได้กลายเป็นที่แพร่หลาย

แบนโจ / แบนโจ (Bonjo) - เครื่องดนตรีเครื่องสายที่มีต้นกำเนิดจากแอฟริกาที่เกี่ยวข้องกับแมนโดลินและกีตาร์ มันแพร่หลายอย่างมากในการฝึกการ Mueing พื้นบ้านของชาวอเมริกันผิวดำ ทั้งในฐานะเครื่องดนตรีเดี่ยวและเครื่องดนตรีประกอบ แนวเพลงพื้นบ้านนิโกรดั้งเดิมสำหรับแบนโจมีส่วนทำให้เกิดแร็กไทม์และดนตรีแจ๊สในยุคแรก ๆ

ร้านตัดผมสามัคคี("ความกลมกลืนของช่างทำผม") / ร้านตัดผมที่กลมกลืนกัน (อังกฤษ. ร้านตัดผม ร้านตัดผม)- ประเภทของการประสานเสียงประสานของเมโลดี้ตามการเคลื่อนไหวของเสียงคู่ขนานเมื่อเชื่อมต่อคอร์ด (ส่วนใหญ่เป็นคอร์ดที่เจ็ด) เทคนิคการนำเสียงนี้สอดคล้องกับการดีดนิ้วของแบนโจ ในการฝึกเล่นซึ่งเห็นได้ชัดว่ามีรูปแบบฮาร์มอนิกที่แปลกประหลาดนี้เกิดขึ้น สันนิษฐานว่าต้นกำเนิดของมันเชื่อมโยงกับการดำรงอยู่ในอเมริกาเก่าของประเพณีดนตรีสมัครเล่นกึ่งคติชนวิทยาที่เล่นโดยวงดนตรีขนาดเล็กที่เล่นในร้านตัดผมซึ่งในเวลานั้นเป็นสถานที่โปรดสำหรับการพักผ่อนหย่อนใจและความบันเทิงของชาวเมือง (เช่น ร้านตัดผมมักจะมีบาร์เช่นเดียวกับห้องร้องเพลงและเต้นรำ) . วงดนตรีร้านตัดผมมีอิทธิพลต่อการพัฒนาโรงละครนักร้องอเมริกัน (ดูการแสดงนักร้องประสานเสียง) และแร็กไทม์

สไตล์บ้านบาร์เรล/ แบบบ้านบาร์เรล, เปียโนบ้านบาร์เรล (อังกฤษ. โรงเตี๊ยมโรงเตี๊ยม, โรงเบียร์).- เกิดขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่แล้วและแพร่หลายในต้นศตวรรษที่ยี่สิบ สไตล์โบราณของแจ๊สเปียโนนิโกร ดนตรี Barrel House บรรเลงบนเปียโนในลักษณะที่ประสานเสียงกันอย่างเฉียบขาด โดยไม่มีแป้นเหยียบ โดยแยกหน้าที่ของมือขวาและมือซ้ายของนักเปียโนออกจากกันอย่างชัดเจน (ในส่วนมือขวา - เมโลดี้แบบซิงโครไนซ์อิสระในมือซ้าย ส่วน - คลอเช่น "เบส - คอร์ด" พร้อมจังหวะการเต้นแบบเมตริกที่ยั่งยืนอย่างเคร่งครัด) นอกจากนี้ยังมีการฝึกสไตล์ Barrel House ในวงดนตรีขนาดเล็ก ซึ่งนอกเหนือจากเปียโนแล้ว อาจรวมถึงแบนโจ กีตาร์ แมนโดลิน ฮาร์โมนิกา เบสและเพอร์คัสชั่น รวมถึงเครื่องดนตรีพื้นบ้านดั้งเดิม (kazoo, jug, "singing saw", washboard, หวีด้วยกระดาษทิชชู ฯลฯ)

เด้ง/เด้ง (กระโดด ภาษาอังกฤษ กระโดด)- 1. การแกว่งชนิดหนึ่ง การเคลื่อนไหวเป็นจังหวะยืดหยุ่นในจังหวะปานกลาง โดยเน้นที่จังหวะหลักของการวัด ตรงกันข้ามกับการกระโดดด้วยจังหวะที่เรียบง่าย แกว่งเล็กน้อยและจังหวะเร็วมาก 2. การเต้นรำตามแฟชั่นของอเมริกาเหนือด้วยความเร็วปานกลางใน 4/4 ซึ่งคล้ายกับฟ็อกซ์ทรอตช้าๆ

Begin / Veguine - การเต้นรำของละตินอเมริกา (สันนิษฐานว่ามาจากเกาะมาร์ตินีก) ในสี่เท่าเมตรในระดับปานกลาง มันมีความคล้ายคลึงกันบางอย่างกับแทงโก้และรัมบ้า ได้รับการจำหน่ายในต่างประเทศในยุค 30 ศตวรรษที่ 20 ทำนอง "Begine the Beguine" จากละครเพลงเรื่อง "Jubilee" (1935) ของ K.Porter เป็นหนึ่งในแนวเพลงแจ๊สที่ได้รับความนิยมมากที่สุด

Bebop - ดูป็อบ

บิ๊กแบนด์ (วงออเคสตราขนาดใหญ่) / บิ๊กแบนด์ - ความหลากหลายของวงดนตรีแจ๊สที่โดดเด่นด้วยองค์ประกอบบางอย่างของเครื่องดนตรี (โดยมีบทบาทนำของเครื่องเป่า) การแบ่งกลุ่มเครื่องดนตรี (ส่วน) เฉพาะซึ่งเป็นเทคนิคเฉพาะของวงดนตรี การเล่น (การรวมกันของส่วนที่จัดไว้กับการแสดงสดของศิลปินเดี่ยว, การใช้ดนตรีประกอบประเภทพิเศษของวงออเคสตรา - พื้นหลัง, เช่นเดียวกับจังหวะจังหวะเมโทรจังหวะพิเศษ, เสียงต่ำผสม ฯลฯ ) จำนวนนักดนตรีในวงใหญ่คือ 10 - 20 คน ไลน์อัพทั่วไป: ทรัมเป็ต 4 ชิ้น ทรอมโบน 4 ชิ้น แซกโซโฟน 5 ชิ้น และกลุ่มริธึ่ม (เปียโน กีตาร์ เบส กลอง) ตัวแปรอื่น ๆ เป็นไปได้ มันควรจะมีส่วนแซกโซโฟน (กก) ส่วนทองเหลือง (ท่ากบ) และส่วนจังหวะ สามารถเพิ่มส่วนเครื่องลมไม้ (ไม้) เช่นเดียวกับกลุ่มเครื่องสายได้ การพัฒนาวงดนตรีขนาดใหญ่เริ่มขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 20 และในช่วงต้นทศวรรษที่ 30 บนพื้นฐานของมันวงสวิงถูกสร้างขึ้น - หนึ่งในรูปแบบพื้นฐานของดนตรีแจ๊สออเคสตร้า

จังหวะ / จังหวะ (จังหวะภาษาอังกฤษ) - ในแง่กว้าง - การเต้นเป็นจังหวะของเมโทรในดนตรี ในดนตรีแจ๊ส ประเภทของบีต (กราวด์บีต ออฟบีต ออนบีต ทูบีต สี่บีต ฯลฯ) ถูกกำหนดโดยการตีความโครงสร้างเมตริกของมาตรวัด อัตราส่วนของอิควิตี้และการเน้นจังหวะ ระดับของความบังเอิญหรือไม่ตรงกัน ตามกฎแล้ว จังหวะที่อิสระและยืดหยุ่นมากกว่านั้นตรงกันข้ามกับจังหวะปกติที่จัดอย่างเข้มงวด การผสมผสานเล็กๆ น้อยๆ ที่เกิดขึ้นอย่างต่อเนื่องของสำเนียงจังหวะเมื่อเทียบกับบีตช่วยเสริมความประทับใจของความหุนหันพลันแล่น ความขัดแย้งภายใน และความตึงเครียดของการเคลื่อนไหวทางดนตรี

บล็อกคอร์ด / คอร์ดบล็อก - เทคนิคการเล่นเปียโนแจ๊สโดยอาศัยการเคลื่อนที่ของคอร์ดโมโนริธมิกแบบคู่ขนานในส่วนของมือทั้งสองของนักเปียโน อีกชื่อหนึ่งที่รู้จักกันดีคือเทคนิคการมัดมือ พัฒนาขึ้นครั้งแรกในช่วงต้นทศวรรษที่ 40 ต่อจากนั้น พื้นผิวคอร์ดประเภทนี้ถูกนำไปใช้ในการฝึกซ้อมการแสดงของวงดนตรีขนาดเล็ก (คอมโบ) และวงดนตรีขนาดใหญ่

Blues / Blues (น่าจะมาจากสำนวนอเมริกันว่า feel blue หมายถึงเศร้า หรือมาจากภาษาอังกฤษ blue devils melancholy

บลูส์; blue ก็หมายถึงสีน้ำเงินด้วย)ประเภทดั้งเดิมของดนตรีแอฟริกันอเมริกัน ซึ่งเป็นหนึ่งในความสำเร็จสูงสุดของวัฒนธรรมดนตรีนิโกร มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับต้นกำเนิดของแอฟริกา โดยมีแนวเพลงหลากหลายประเภทในดนตรีพื้นบ้านของคนผิวดำในอเมริกาใต้ กลาง และอเมริกาเหนือ ตามที่นักวิจัย บลูส์พัฒนามาจากแนวเพลงพื้นบ้านของคนผิวดำจำนวนหนึ่ง ซึ่งในบรรดาแนวเพลงที่สำคัญที่สุด ได้แก่ เพลงทำงาน ร้องตะโกน เพลงบัลลาดสีดำ และเพลงสปิริต รูปลักษณ์ที่สดใสและเป็นเอกลักษณ์ของเพลงบลูส์นั้นแสดงออกมาในลักษณะที่เป็นลักษณะเฉพาะของโครงสร้าง น้ำเสียง โหมด ท่วงทำนอง ความกลมกลืน และรูปแบบ ประเพณีบลูส์มีการนำเสนอในรูปแบบแจ๊สที่สำคัญเกือบทั้งหมด นักประพันธ์เพลงชั้นนำแห่งศตวรรษที่ 20 กล่าวถึงเธอในงานของพวกเขา (รวมถึง Ravel, Milhaud, Gershwin, Copland, Honegger, Martin และอื่นๆ) หลายรูปแบบและแนวเพลงป๊อปร่วมสมัยและเพลงเต้นรำเกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลของเธอ

รูปแบบบลูส์ - ลักษณะเฉพาะของโครงสร้างบลูส์ บ่อยครั้งที่รูปแบบบลูส์หมายถึงโครงสร้างคำถามและคำตอบ AAB แบบคลาสสิกสิบสองแถบที่มี "คำถาม" A ซ้ำและ "คำตอบ" B เพียงครั้งเดียวตามหลักการของ "การเปลี่ยนแปลงเป็นครั้งที่สาม" โครงสร้างนี้สอดคล้องกับโมเดลฟังก์ชันนัลฮาร์มอนิก (สี่เหลี่ยมจัตุรัส) ที่มีจังหวะบลูส์ทั่วไป D-S-T ซึ่งไม่มีอะนาล็อกในดนตรียุโรป ความเสถียรของ "บลูส์สแควร์" ซ้ำแล้วซ้ำเล่าทำหน้าที่เป็นปัจจัยในการเรียบเรียงเสียงประสานอันไพเราะ ความเฉพาะเจาะจงของรูปแบบบลูส์ยังสามารถแสดงออกมาภายในโครงสร้างใจความของมาตราส่วนที่แตกต่างกัน (8, 10, 16, 20, 24, 32 มาตรวัด)

"โทนสีน้ำเงิน" / โน้ตสีน้ำเงิน - โซนของน้ำเสียงที่ไม่เสถียร (ไม่เสถียร) ของแต่ละขั้นตอนของความไม่สบายใจซึ่งไม่ตรงกับการแบ่งอ็อกเทฟเป็นโทนเสียงและเซมิโทนที่ยอมรับในการปฏิบัติของยุโรป ตามแบบฉบับของดนตรีแจ๊สและดนตรีนิโกรโดยทั่วไป ในการทำให้เกิดเสียงเจ็ดขั้นตอน (heptatonic) ส่วนใหญ่มักจะอยู่ที่ขั้นตอน III และ VII ("บลูส์ที่สาม" และ "บลูส์ที่เจ็ด") โดยระบุเงื่อนไขเป็นขั้นตอน III และ VII ที่ลดลงของเมเจอร์ ความไม่เพียงพอของการรับรู้ของ "โทนบลูส์" ของชาวยุโรปทำให้เกิดความคิดที่ผิดพลาดของชาวนิโกรบลูส์ว่าเป็นดนตรีที่น่าเศร้าและน่าเศร้า (จากมุมมองของบรรทัดฐานของยุโรปลดขั้นตอน III และ VII ของหลัก โหมดสร้างชนิดของ "ผู้เยาว์" ที่สำคัญ)

"บลูส์สเกล"/ ระดับสีน้ำเงิน - แนวคิดแบบมีเงื่อนไขที่สะท้อนถึงแนวคิดของชาวยุโรปเกี่ยวกับพื้นฐานของดนตรีนิโกร (บลูส์เป็นหลัก) จำกัด ด้วยระบบอารมณ์ที่เท่าเทียมกันและระบบสัญกรณ์ที่เกี่ยวข้อง ตามแนวคิดนี้ "บลูส์สเกล" ถือเป็นหลักธรรมชาติเจ็ดขั้นตอนพร้อม "6 โทนบลูส์" เพิ่มเติม - ลดระดับ III และ VII ในความเป็นจริง "ขั้นบันได" เหล่านี้เป็นส่วนหนึ่งของเขตกักกันพิเศษ ซึ่งมีระดับเสียงที่แตกต่างจากระดับที่ใกล้เคียงกันในระดับยุโรป

บิ๊กแบนด์ - ดูบิ๊กแบนด์

Bongos / Vongos - กลองสแนร์แบบละตินอเมริกา (สันนิษฐานว่ามาจากอินเดีย). โดยปกติจะใช้บล็อกขนาดต่างกันสองบ้องเชื่อมต่อกันด้วยบล็อกไม้ ในดนตรีป๊อปและแดนซ์ บองโกเริ่มแพร่หลายหลังสงครามโลกครั้งที่สอง ในดนตรีแจ๊สจะใช้เป็นครั้งคราว

Bop / Thief - สไตล์แจ๊สที่พัฒนาขึ้นในช่วงต้นยุค 40 เพศนี้ยังเป็นที่รู้จักกันในชื่อ "bebop", "beebap", "ribap", "mintons-style" ชื่อเหล่านี้เกือบทั้งหมด (ยกเว้นชื่อสุดท้าย) มีต้นกำเนิดมาจากคำเลียนเสียงธรรมชาติและเกี่ยวข้องกับการฝึกร้องแบบ scat คำว่า "mintons-style" มาจากชื่อของ Harlem club "Minton's Playhouse" ซึ่งนักดนตรีคนแรกของป็อบซึ่งเป็นผู้ก่อตั้งได้แสดง Bop เข้ามาแทนที่วงสวิงซึ่งกลายเป็นแนวทดลองใหม่ของดนตรีแจ๊สนิโกรของวงดนตรีขนาดเล็ก ( คอมโบ) แนวโน้มที่สำคัญที่สุด, ลักษณะเฉพาะของป็อบ - ความทันสมัยของดนตรีแจ๊สร้อนแบบเก่า, ลัทธิของการแสดงเดี่ยวเดี่ยวฟรี, นวัตกรรมในด้านทำนอง, จังหวะ, ความกลมกลืน, รูปแบบและวิธีการแสดงออกอื่น ๆ Bop ถือเป็นรูปแบบที่สำคัญประการแรกของ แจ๊สสมัยใหม่

Boper / Boper - นักดนตรีที่เล่นเพลงป็อบ

แตรวง / แตรวงทองเหลือง (อังกฤษ - ทองเหลือง - ทองแดง, ทองเหลือง; วงดนตรี - วงออเคสตรา) หนึ่งในชื่อของวงดนตรีทองเหลืองนิโกรหมายถึงช่วงเวลาของดนตรีแจ๊สโบราณ พบเป็นครั้งคราวในดนตรีแจ๊สคลาสสิกและในชื่อวงดนตรีแจ๊ส Dixieland สมัยใหม่ ดูเพิ่มเติมที่ วงโยธวาทิต

Break / Vreak (การพัฒนาภาษาอังกฤษ, การทำลาย, การเปลี่ยนแปลง) - ส่วนแทรกเดี่ยวแบบด้นสดสั้น ๆ ที่ขัดจังหวะเสียงของวงดนตรี มันสามารถเล่นบทบาทของ "คำตอบ" ของจังหวะ (ดูหลักการถาม-ตอบ) เติมเต็มส่วนใดส่วนหนึ่งของดนตรีแจ๊ส หรือแนะนำการขับร้องแบบด้นสดของศิลปินเดี่ยว

Breakdown (พัง) / Breakdown (พัง ภาษาอังกฤษ พังทลาย, สับสน, ยุ่งเหยิง)- การเต้นรำพื้นบ้านของชาวนิโกรเจ้าอารมณ์อย่างรวดเร็ว ในช่วงกลางศตวรรษที่สิบเก้า ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางเนื่องจากโรงละครนักร้อง (ดูการแสดงนักร้อง) มีการใช้ที่นี่ในการแสดงรอบสุดท้ายของฉากเต้นรำหมู่ ซึ่งสร้างขึ้นจากการด้นสดร่วมกันโดยไม่คิดค่าใช้จ่ายของผู้เข้าร่วมทุกคน คำนี้ยังอ้างถึงสไตล์เปียโนบูกี้-วูกี้ที่เกี่ยวข้องซึ่งเป็นที่นิยมในชิคาโกในช่วงสองทศวรรษแรกของศตวรรษนี้

สะพาน/สะพาน (สะพานภาษาอังกฤษ, ทางข้าม)- ส่วนที่อยู่ตรงกลางในโครงสร้างของธีมแจ๊สที่อยู่ก่อนหน้าส่วนการบรรเลงสุดท้าย (เช่น แปดท่อน B ที่สามในบทมาตรฐาน AABA สามสิบสองท่อน) มีองค์ประกอบของการพัฒนาใจความหรือความแตกต่าง ซึ่งทำหน้าที่เป็นสิ่งจูงใจเพิ่มเติมสำหรับการแสดงด้นสด ชื่ออื่นสำหรับสะพานคือ rilis (eng. release - liberation) และ channel (eng. channel - path, source)

Boogie-woogie / Boogie woogie (สร้างคำเลียนเสียง) - สไตล์เปียโนบลูส์ หนึ่งในเพลงบลูส์บรรเลงของชาวนิโกรยุคแรกๆ สันนิษฐานว่าเป็นผลมาจากการถ่ายทอดเทคนิคแบนโจและกีตาร์ที่ใช้ในการร้องเพลงบลูส์ไปสู่การฝึกเล่นเปียโนโดยคนผิวดำในอเมริกาเหนือ สไตล์บูกี้วูกี้มีต้นกำเนิดในสหรัฐอเมริกาในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 มันแพร่หลายในทศวรรษแรกของศตวรรษของเราด้วยสิ่งที่เรียกว่า งานเลี้ยงเช่าบ้าน. ภาพคลาสสิกของเขาย้อนไปถึงยุค 20 ในช่วงวงสวิง บูกี้-วูกี้ได้เข้าสู่วง 6g ลักษณะเฉพาะของเปียโน บูกี้-วูกี้ คือการพึ่งพาประเพณีบลูส์, ความเด่นของจังหวะเมโทรและการใช้ถ้อยคำที่ผิดจังหวะ, ความอิ่มตัวของช่วงพักและริฟฟ์, การแสดงด้นสด, ความเก่งกาจทางเทคนิค, การบรรเลงประกอบเฉพาะประเภท (วอล์กอินเบส - "หลงทาง เบส") และจังหวะในส่วนของมือซ้ายของนักเปียโน (จังหวะสับเปลี่ยน) คุณลักษณะบางอย่างของดนตรีแจ๊สแบบบูกี้-วูกี (บลูส์สแควร์สิบสองบาร์ จังหวะของมอเตอร์ จังหวะเร็ว การซ้ำของเสียงเบสแบบออสตินาโต) กลายเป็นคุณลักษณะที่สร้างขึ้นในยุค 30 อุตสาหกรรมบันเทิงเชิงพาณิชย์ของการเต้นรำนอกรีตอันทันสมัยที่มีชื่อเดียวกัน ซึ่งเป็นที่นิยมในยุโรปตั้งแต่ปี 1945

พื้นหลัง / บาสกราวนด์ (พื้นหลังภาษาอังกฤษ พื้นหลัง)- คำที่แสดงถึงการบรรเลงทำนองนำหรือท่อนของนักร้องเดี่ยว พื้นหลังประเภทต่อไปนี้มีความโดดเด่น: 1) คอร์ด (พื้นหลังคือลำดับของคอร์ดที่สอดคล้องกับฮาร์มอนิกสแควร์ของธีม); 2) ไพเราะ (เสียงนำตรงกันข้ามกับเสียงไพเราะของเสียงประกอบ); 3) riff (ขึ้นอยู่กับเทคนิคของ riffs - รูปแบบท่วงทำนองที่ทำซ้ำ ostinato); 4) เสียงทุ้ม (บทบาทของการเสริมจะดำเนินการโดยสายเสียงเบสซึ่งเป็นตัวสนับสนุนการทำงานของเมโลดี้) 5) จังหวะ (ในรูปแบบของการเต้นเป็นจังหวะที่จัดอย่างชัดเจนพร้อมเน้นเสียงที่จังหวะหลักของบาร์); 6) ผสม (รวมคุณสมบัติของประเภทข้างต้น)

"แจ๊สเอจ" - ดู "แจ๊สเอจ"

แจ๊สฝั่งตะวันตก (แจ๊สฝั่งตะวันตก)/เวสต์โคสต์แจ๊ส - แนวทางโวหารของดนตรีแจ๊สสมัยใหม่ เกิดขึ้นในเมืองต่างๆ ของแคลิฟอร์เนียในช่วงทศวรรษที่ 50 (ตัวอย่างแรกย้อนกลับไปในปี 1949) แจ๊สฝั่งตะวันตกส่วนใหญ่เกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลของสไตล์โปรเกรสซีฟและป็อบ แต่ก็ยังมีความเชื่อมโยงทางโวหารอื่นๆ ด้วย เช่น ซิมโฟนิกแจ๊ส วงสวิง คูลแจ๊ส และดนตรีเชิงวิชาการของยุโรป ลักษณะเด่นคือการควบคุมอารมณ์ ความเคร่งครัดของรูปแบบและการเปล่งเสียง แนวโน้มที่จะใช้เทคนิคเส้นตรง-ตรงกันข้าม ความชอบในจังหวะปานกลางและเมโลดี้ Cantilena แบบโค้งมน (ในจิตวิญญาณของเพลงบัลลาดและเอเวอร์กรีน) ความนุ่มนวลของการผลิตเสียง (ในแง่นี้ ดนตรีแจ๊สฝั่งตะวันตกนั้นใกล้เคียงกับดนตรีแนวคูลมากกว่า ไม่ใช่ฮ็อต-dkazu) ความซับซ้อนของฮาร์โมนิกและเสียงต่ำ การผสมผสานของเบสแบบไดอาโทนิกแบบ lado-tonal กับโครมาติซึมที่ “ทำให้เป็นสี” และเทคนิคการมอดูเลตต่างๆ ลักษณะที่ “ผ่อนคลาย” ของลีด การเต้นเป็นจังหวะและพร้อมกับความสงบ จังหวะสม่ำเสมอ มีแนวโน้มที่จะใช้ถ้อยคำที่สมมาตรสมบูรณ์ ความเชื่อมโยงระหว่างดนตรีแจ๊สฝั่งตะวันตกกับดนตรีแจ๊สแบบดั้งเดิมนั้นบ่งชี้ได้จากการใช้สไตล์นี้โดยนักดนตรี

การปรับตัวของกลุ่มพร้อมกัน ในด้านการสร้างดนตรีแบบแชมเบอร์-ทั้งมวล เป็นเรื่องปกติที่ West Coast Jazz จะยืมเทคนิคการแสดงของวงออเคสตร้าขนาดใหญ่ ในการฝึกซ้อมออเคสตร้าของ West Coast Jazz มีแนวโน้มที่ตรงกันข้าม - ต่อรูปแบบการเล่นแบบแชมเบอร์, การปรับแต่งเสียงต่ำ, การเสริมความแข็งแกร่งให้กับบทบาทของโซโลอิมโพรไวส์ สิ่งที่น่าสังเกตอีกอย่างคือการรวมไว้ในเครื่องดนตรีของเครื่องดนตรีดังกล่าวซึ่งไม่ค่อยใช้มาก่อนในวงดนตรีแจ๊ส เช่น โอโบ, อิงลิชฮอร์น, บาสซูน, คลาริเน็ตเบส, เบสทรัมเป็ต, บาสทรอมโบน, ฮอร์น, พิณ, เครื่องสายโค้งคำนับ; โดยทั่วไปคือการผสมผสานระหว่างเครื่องลมไม้ต่ำกับแซกโซโฟน สไตล์ดนตรีแจ๊สฝั่งตะวันตกมีส่วนอย่างมากในการพัฒนาดนตรีแจ๊สแบบยุโรป

Vaudeville / Vaudeville - ในความหมายสมัยใหม่ - เป็นละครตลกในชีวิตประจำวันที่มีการแสดงดนตรี การแสดงคู่ การเต้นรำ ละครใบ้ และฉากกลลวง ในสหรัฐอเมริกาที่เรียกว่า American voleville (และตามความหลากหลาย - Negro vaudeville) ซึ่งมีลักษณะเฉพาะที่เกี่ยวข้องกับลักษณะประจำชาติของโครงเรื่องและดนตรีโดยมีความดึงดูดใจต่อนิทานพื้นบ้านและเนื้อหาในชีวิตประจำวันรวมถึงอิทธิพลของโรงละครนักร้อง (ดู การแสดงดนตรี)

"การฟื้นฟู Dixieland และ New Orleans Jazz" - ดูการฟื้นฟู

ถามตอบ(รับผิดชอบ) หลักการ / รับผิดชอบหลักการ (responsory, responsorium) (จาก lat.respondeo ถึง answer) - หนึ่งในหลักการพื้นฐานที่เป็นสากลของการก่อตัวทางดนตรี ซึ่งจัดให้มีความเชื่อมโยงระหว่างองค์ประกอบของรูปแบบ (อาคาร ส่วน ส่วนต่าง ๆ ลวดลาย วลี ประโยค ฯลฯ) ซึ่งองค์ประกอบเหล่านี้ประกอบกันเป็นคู่ การปรากฏตัวของโครงสร้างทางดนตรีที่ทำหน้าที่ของ "คำถาม" (และดังนั้นจึงมีคุณสมบัติเช่นความไม่แน่นอน, ความไม่สมบูรณ์, ความเปิดกว้าง) เป็นปัจจัยที่กำหนดการเกิดขึ้นของโครงสร้าง "การตอบสนอง" (มีเสถียรภาพและสมบูรณ์มากขึ้น, คืนค่าก่อนหน้านี้ รบกวนความสมดุลของเลเยอร์ไดนามิก) หลักการที่สอดคล้องกับคำถามพบการประยุกต์ใช้ในรูปแบบดนตรียุโรปหลายรูปแบบ (การเลียนแบบ การบรรเลง การละเว้น บนพื้นฐานของการวางแผนศูนย์กลาง สมมาตรกระจก การซ้ำเป็นระยะ ฯลฯ) วิธีที่ง่ายที่สุดในการนำหลักการนี้ไปปฏิบัติคือวิธีที่เรียกว่า antiphon (lat. antiphonos - counter-sound) - การสลับกันของสองกลุ่มของวงดนตรี, การเรียกขานระหว่างศิลปินเดี่ยว, ระหว่างศิลปินเดี่ยวและวงดนตรี เทคนิคการตอบสนองในดนตรีแอฟริกันอเมริกัน(เพลงประกอบกิจ, ตะโกน, จิตวิญญาณ, บลูส์) และแจ๊สมีวิธีการและเทคนิคที่หลากหลายเป็นพิเศษ - ตั้งแต่วิธีที่ง่ายที่สุด (การม้วนสาย) ไปจนถึงความซับซ้อนที่สุด (ในด้านตรรกะของการแสดงสดและการแต่งเพลง ความกลมกลืนและท่วงทำนองในการกระจายของ หน้าที่ระหว่างผู้แสดงแต่ละคนและกลุ่มเครื่องดนตรี)

East Coast Jazz - ดูแจ๊สชายฝั่งตะวันออก

Harlem jazz / Harlem jazz - ชื่อทั่วไปของสไตล์ดนตรีแจ๊สนิโกรในยุค 20 และ 30 ซึ่งเกิดขึ้นซึ่งเกี่ยวข้องกับชีวิตดนตรีของ New York Harlem ที่นี่มีการพัฒนาสไตล์การแสดงบลูส์ดั้งเดิม (ฮาร์เล็มบลูส์) โรงเรียนสอนเปียโนแจ๊สของตัวเอง (สไตล์ฮาร์เล็มสไตรด์) และห้องและวงสวิงแบบพิเศษ (ฮาร์เล็มจัมป์) ก็ถูกสร้างขึ้นเช่นกัน ในยุค 20 เพลงนิโกรมาถึงจุดสูงสุดในฮาร์เล็ม จุดเริ่มต้นของคอนเสิร์ตที่ประสบความสำเร็จและกิจกรรมการแต่งเพลงของ Duke Ellington ซึ่งแสดงร่วมกับวงออเคสตราของเขาในคลับ Harlem หลายแห่ง และสร้างแนวคิดสไตล์ดั้งเดิมจำนวนหนึ่งที่นี่ (สไตล์ป่า สไตล์คอนเสิร์ต สไตล์โคลงสั้น ๆ "อารมณ์สไตล์") ย้อนหลังไปถึงวันเดียวกัน เวลา. ได้รับอิทธิพลจากประเพณีของฮาร์เล็มแจ๊สในยุค 40 พัฒนาสไตล์บีบ็อบ (ดูป็อบ)

เฮมิโอลา / เฮมิโอลา (เฮมิโอล) (lat. หนึ่งครึ่ง)- ประเภทการจัดกลุ่มจังหวะ ซึ่งกลุ่มของระยะเวลาก่อตัวขึ้นซึ่งไม่ตรงกับความยาวทั้งหมดกับรอบจังหวะของเครื่องวัดหลัก (เช่น กลุ่มสองจังหวะ 3 กลุ่มในแถบสามจังหวะ 2 แท่ง เป็นต้น) ความแตกต่างที่เกิดขึ้นระหว่างสำเนียงเมตริกและจังหวะทำให้เกิดความรู้สึกว่ามีการเปลี่ยนแปลงชั่วคราวในมาตรวัด ละเมิดความเสถียรของมัน และด้วยเหตุนี้จึงทำให้เกิดไดนามิกในการนำเสนอดนตรี หลักการนี้เป็นลักษณะเฉพาะของจังหวะแอฟริกัน ซึ่งต่อมาได้ถูกถ่ายทอดไปยังดนตรีแอฟริกัน-อเมริกันและดนตรีแจ๊ส (ดูเพิ่มเติมที่ patteri, stomp)

"กลองพูดได้"/ กลอง Talkint - กลองแอฟริกาชนิดพิเศษที่ออกแบบมาเพื่อส่งข้อความในระยะทางไกล (สูงสุด 10 - 15 กม.) อุปกรณ์ของ "กลองพูดได้" ช่วยให้คุณแยกเสียงที่มีระดับเสียงและระดับเสียงต่ำที่หลากหลาย ด้วยเหตุนี้ นักแสดงจึงสามารถใช้ระบบสัญญาณเสียงพิเศษ เข้ารหัสและส่งข้อมูลที่หลากหลายได้ การเปลี่ยนแปลงของระดับเสียงและเสียงต่ำของเสียงกลองเกิดขึ้นได้ตามกฎเนื่องจากแรงดึงที่แตกต่างกันของเมมเบรนทั่วพื้นที่ทั้งหมดระหว่างจุดศูนย์กลางและขอบ เทคนิคบางอย่างในการเล่น "กลองพูด" ได้ถูกนำไปประยุกต์ใช้ในการฝึกเล่นดนตรีแจ๊สโดยใช้เครื่องเพอร์คัชชัน

เพลงพระกิตติคุณ (eng.Gospel - gospel; เพลง - เพลง)- ประเภทของเพลงทางศาสนาของนิโกรในหัวข้อการประกาศซึ่งแพร่หลายในสหรัฐอเมริกาในช่วงทศวรรษที่ 1930 ซึ่งแตกต่างจากแนวจิตวิญญาณนิโกรอื่น ๆ ที่มีต้นกำเนิดจากคติชนวิทยา (เช่นจิตวิญญาณ, กาญจนาภิเษก ฯลฯ ) ข้อความและดนตรีของ goepelsongs ถูกสร้างขึ้นโดยนักเขียนมืออาชีพเป็นหลัก เพลงพระกิตติคุณยังแตกต่างจากการร้องประสานเสียงทางจิตวิญญาณตรงที่เพลงส่วนใหญ่มักมีไว้สำหรับการแสดงเดี่ยวและมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับประเพณีบลูส์มากขึ้น มีความอิ่มเอมกับการด้นสดมากกว่า และสามารถมีดนตรีประกอบที่พัฒนาแล้ว (ในขณะที่เพลงสปิริตมักจะแสดง คาเรลล่า)

สไตล์ขี้ขลาด

ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1950 ดนตรีแจ๊สเริ่มถอยห่างจากแก่นแท้ของดนตรีแจ๊สที่ไม่ใช่ภาษากรีก เพื่อหลีกเลี่ยงปัญหานี้ นักดนตรีหลายคนหันไปหาดนตรีพื้นบ้านของคนผิวดำชาวอเมริกัน เสียงนี้ยังคงอยู่ในเพลงบลูส์และข่าวประเสริฐทางศาสนาแบบดั้งเดิม นักแสดงบางคนเริ่มละทิ้งการประสานเสียงที่ซับซ้อนที่ดนตรีแจ๊สชิ้นแรกเริ่ม ท่วงทำนองและจังหวะมีความเรียบง่ายขึ้น

ทิศทางใหม่ที่กำลังพัฒนาในดนตรีแจ๊สได้ซึมซับบลูส์อย่างเป็นธรรมชาติ ใช้ในจังหวะช้าหรือจังหวะปานกลางพร้อมการแสดงความรู้สึกพิเศษตามจังหวะที่เด่นชัด มันเป็นประชาธิปไตยมากกว่าและมีไว้สำหรับผู้ชมที่กว้างกว่างานของ boper ที่เป็นนวัตกรรมใหม่ สไตล์นี้เรียกว่าขี้ขลาด คำว่าขี้ขลาดเป็นคำสแลงและหมายถึงการขยายคำจำกัดความของกลิ่นหรือรสชาติที่แหลมคม ในดนตรีแจ๊สมีความหมายเหมือนกันกับดนตรี "จริง" ทางโลก Jazz funk ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์และให้ความสำคัญกับไวนิลส่วนใหญ่ที่วางจำหน่ายในเวลานั้น อย่างไรก็ตาม มันได้รับความนิยมอย่างมากในยุค 70 และ 80 ด้วยการกำเนิดของอะนาล็อกซินธิไซเซอร์ ซึ่งทำให้มันเป็นดนตรีแจ๊สสำหรับฟลอร์เต้นรำ

สิ่งที่สำคัญเป็นพิเศษในประวัติศาสตร์ของดนตรีแจ๊สขี้ขลาดคือ: กลุ่มมือกลองชื่อดัง Art Blakey (Art Blackey) "Jazz Messengers", Horace Silver - บิดาแห่งดนตรีแจ๊สฟังค์, Ronald Kirk, Julian Adderley และคนอื่น ๆ

ฟรีแจ๊ส แนวหน้า

จุดเริ่มต้นของทศวรรษที่ 60 เป็นช่วงเวลาของการเกิดขึ้นของคลื่นการประท้วง ความไม่มั่นคงทางสังคม โดยไม่ขึ้นกับสีผิว (การเคลื่อนไหวของฮิปปี้ อนาธิปไตย ความหลงใหลในเวทย์มนต์ตะวันออก) ความรู้สึกเหล่านี้มีส่วนทำให้เกิด "แจ๊สฟรี" (แจ๊สฟรี) ซึ่งแตกต่างโดยพื้นฐานจากเสียงกระแสหลัก เป็นเรื่องใหม่ทั้งหมด การผสมผสานระหว่างความบริบูรณ์ของประสบการณ์ทางจิตวิญญาณและสุนทรียศาสตร์กับแนวทางใหม่โดยพื้นฐานในการจัดระเบียบเนื้อหาทางดนตรีได้ขัดขวางดนตรีแจ๊สใหม่จากขอบเขตของศิลปะสมัยนิยมอย่างสิ้นเชิง นักดนตรีที่สร้างมันขึ้นมาหมกมุ่นอยู่กับความคิดที่จะ "ปลดปล่อย" ดนตรีแจ๊สจากสิ่งที่ดูเหมือนเป็นอุปสรรคสำหรับพวกเขา พวกเขาเห็นพวกเขาในลำดับของคอร์ด ฮาร์โมนีที่คุ้นเคย มาตรการ การปรับอารมณ์ ในทุกสิ่งที่เป็นพื้นฐานของดนตรียุโรปและแจ๊ส สิ่งสำคัญสำหรับนักดนตรีคือการแสดงออกขั้นสูงสุด ความเปลือยเปล่าทางจิตวิญญาณ ความปีติยินดี

ดนตรีแจ๊สเสรีในยุค 60 มีองค์ประกอบทางอุดมการณ์บางอย่าง โดยส่วนใหญ่มาจากการเรียกร้องที่วุ่นวายเพื่อเสรีภาพในการแสดงออกและความรัก สำหรับกิจกรรมทางสังคมและความสามัคคีของความพยายาม แนวคิดเหล่านี้ได้กลายเป็นความเชื่อที่สร้างสรรค์สำหรับสมาชิกแจ๊สแนวหน้าหลายคน สำหรับนักดนตรีบางคน เกณฑ์ในการประเมินผลงานของพวกเขาไม่ได้ขึ้นอยู่กับการอนุมัติของสาธารณชนอีกต่อไป แต่เป็นความสัมพันธ์ทางอารมณ์ระหว่างนักแสดง การตั้งค่าได้รับการปรับแต่งโดยรวม เครื่องเพอร์คัชชันถูกผลักไปข้างหน้า สมาชิกทุกคนในวงถือว่าเท่าเทียมกัน

ประสบการณ์ครั้งแรกของนักดนตรีแจ๊สหน้าใหม่ Cecil Taylor, Ornette Coleman, Don Cherry, John Coltrane, Archie Shepp, Albert Ayler ไม่ได้ทำลายความสัมพันธ์กับบรรทัดฐานกระแสหลัก การบันทึกเสียงดนตรีแจ๊สฟรีครั้งแรกยังคงดึงดูดกฎฮาร์โมนิก อย่างไรก็ตาม ดนตรีแจ๊สแบบค่อยเป็นค่อยไปกำลังเคลื่อนตัวออกจากประเพณีอย่างสิ้นเชิง เมื่อ Ornette Coleman นำเสนอดนตรีแจ๊สฟรีแก่ผู้ชมชาวนิวยอร์กอย่างเต็มรูปแบบ นักดนตรีบีบ็อบและผู้เชี่ยวชาญด้านดนตรีแจ๊สหลายคนได้ข้อสรุปว่า ดนตรีนี้ไม่ได้ถูกพิจารณาว่าไม่ใช่แค่ดนตรีแจ๊สเท่านั้น แต่ในความเป็นจริงแล้วหมายถึงดนตรีด้วย ดังนั้น อดีตกลุ่มหัวรุนแรงจึงกลายเป็นกลุ่มอนุรักษ์นิยมในเวลาไม่ถึง 15 ปี ความสำเร็จครั้งสำคัญสำหรับ New Jazz คือแผ่นดิสก์ที่บันทึกโดย "Free Jazz" ของ Ornette Coleman ในปี 1960

ดนตรีแจ๊สฟรีมักจะตัดกับการเคลื่อนไหวแบบเปรี้ยวจี๊ดอื่นๆ ซึ่งยกตัวอย่างเช่น สามารถใช้รูปแบบและลำดับของโครงสร้างจังหวะได้ ตั้งแต่เริ่มก่อตั้ง ดนตรีแจ๊สฟรียังคงเป็นสมบัติของคนจำนวนน้อยและมักพบในชั้นใต้ดิน อย่างไรก็ตาม ดนตรีแจ๊สนี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อกระแสหลักสมัยใหม่ แม้จะมีการปฏิเสธโดยสิ้นเชิง แต่บรรทัดฐานบางอย่างได้พัฒนาขึ้นในดนตรีแจ๊สฟรี ซึ่งทำให้สามารถแยกความแตกต่างจากเทรนด์ดนตรีแจ๊สใหม่อื่น ๆ ได้ แบบแผนเหล่านี้เกี่ยวข้องกับแผนทั่วไปของงาน การโต้ตอบของนักดนตรี การสนับสนุนจังหวะ และแน่นอน แผนการทางอารมณ์ ควรสังเกตว่าการด้นสดแบบรวมแบบเก่าได้ปรากฏขึ้นอีกครั้งในดนตรีแจ๊สฟรี มันกลายเป็นลักษณะเฉพาะของดนตรีแจ๊สฟรีที่จะทำงานกับ "รูปแบบเปิด" ที่ไม่เชื่อมโยงกับโครงสร้างเฉพาะ การปฏิเสธ "แจ๊สใหม่" จากบรรทัดฐานทางดนตรีของยุโรปทำให้เกิดความสนใจอย่างมากในวัฒนธรรมที่ไม่ใช่ของยุโรป ซึ่งส่วนใหญ่เป็นวัฒนธรรมตะวันออก John Coltrane จริงจังกับดนตรีอินเดียมาก Don Cherry - ภาษาอินโดนีเซียและภาษาจีน Farow Sanders - ภาษาอาหรับ ยิ่งไปกว่านั้น การวางแนวทางนี้ไม่ได้ฉาบฉวย ตกแต่ง แต่ลึกซึ้งมาก ด้วยความปรารถนาที่จะเข้าใจและซึมซับลักษณะทั้งหมดของดนตรีที่สอดคล้องกัน ไม่เพียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสภาพแวดล้อมทางสุนทรียศาสตร์และจิตวิญญาณด้วย

ในช่วงต้นทศวรรษที่ 70 ความสนใจในดนตรีแจ๊สฟรีเริ่มจับใจนักดนตรีที่สร้างสรรค์ของยุโรป ซึ่งมักจะรวมหลักการของ "เสรีภาพ" เข้ากับการพัฒนาของการปฏิบัติทางดนตรีของยุโรปในศตวรรษที่ 20 - โทนเสียง, เทคนิคต่อเนื่อง, aleatoric, sonoristic, เป็นต้น ในทางกลับกัน ผู้นำดนตรีแจ๊สฟรีบางคนกำลังถอยห่างจากลัทธิหัวรุนแรงสุดโต่ง และในยุค 80 กำลังเคลื่อนไปสู่การประนีประนอม แม้ว่าจะเป็นเพลงดั้งเดิมก็ตาม ในจำนวนนี้มี Ornette Coleman กับโครงการ Prime Time, Archie Shepp และคนอื่นๆ