โรงละครถือเป็นศิลปะรูปแบบหนึ่ง และความแตกต่างจากศิลปะประเภทอื่นโดยพื้นฐาน ประวัติความเป็นมาของละคร: ความเป็นมาและพัฒนาการของศิลปะการแสดงละคร ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ รายการแหล่งที่มาที่ใช้

การจำแนกประเภทของศิลปะ

ศิลปะ (การสะท้อนเชิงสร้างสรรค์ การทำซ้ำความเป็นจริงในภาพศิลปะ) ดำรงอยู่และพัฒนาเป็นระบบประเภทที่เชื่อมโยงถึงกัน ความหลากหลายซึ่งเกิดจากความเก่งกาจของโลกแห่งความเป็นจริงเอง ซึ่งสะท้อนให้เห็นในกระบวนการสร้างสรรค์ทางศิลปะ

ประเภทของศิลปะเป็นรูปแบบกิจกรรมสร้างสรรค์ที่ได้รับการยอมรับในอดีตซึ่งมีความสามารถในการตระหนักถึงเนื้อหาของชีวิตในทางศิลปะและมีความแตกต่างในวิธีการของรูปลักษณ์ทางวัตถุ (คำพูดในวรรณคดี เสียงในดนตรี พลาสติกและวัสดุสีสันในทัศนศิลป์ ฯลฯ ).

ในวรรณคดีประวัติศาสตร์ศิลปะสมัยใหม่ มีการพัฒนารูปแบบและระบบการจำแนกประเภทศิลปะบางอย่าง แม้ว่าจะยังไม่มีแบบใดแบบหนึ่งและทั้งหมดล้วนมีความเกี่ยวข้องกัน รูปแบบที่พบบ่อยที่สุดคือการแบ่งมันออกเป็นสามกลุ่ม

กลุ่มแรกประกอบด้วยศิลปะเชิงพื้นที่หรือพลาสติก สำหรับศิลปะกลุ่มนี้ โครงสร้างเชิงพื้นที่ในการเปิดเผยภาพลักษณ์ทางศิลปะถือเป็นสิ่งสำคัญ ได้แก่ วิจิตรศิลป์ มัณฑนศิลป์และประยุกต์ สถาปัตยกรรม การถ่ายภาพ

กลุ่มที่สองประกอบด้วยงานศิลปะประเภทชั่วคราวหรือแบบไดนามิก ในนั้นองค์ประกอบที่เปิดเผยในเวลา - ดนตรีวรรณกรรม - ได้รับความสำคัญ กลุ่มที่สามแสดงด้วยประเภทเชิงพื้นที่ - ชั่วคราวซึ่งเรียกอีกอย่างว่าศิลปะสังเคราะห์หรือศิลปะที่งดงาม - การออกแบบท่าเต้น, วรรณกรรม, ศิลปะการแสดงละคร, ภาพยนตร์

การมีอยู่ของงานศิลปะประเภทต่าง ๆ เกิดจากการที่ไม่มีงานศิลปะประเภทใดที่สามารถให้ภาพศิลปะของโลกที่ครอบคลุมได้ รูปภาพดังกล่าวสามารถสร้างขึ้นได้จากวัฒนธรรมทางศิลปะทั้งหมดของมนุษยชาติโดยรวมเท่านั้นซึ่งประกอบด้วยงานศิลปะแต่ละประเภท

ศิลปะการละคร

โรงละครเป็นรูปแบบศิลปะที่สำรวจโลกอย่างมีศิลปะผ่านฉากแอ็คชั่นที่ดำเนินการโดยทีมงานสร้างสรรค์

พื้นฐานของการละครคือการแสดงละคร ธรรมชาติสังเคราะห์ของศิลปะการแสดงละครเป็นตัวกำหนดลักษณะส่วนรวม: การแสดงผสมผสานความพยายามสร้างสรรค์ของนักเขียนบทละคร ผู้กำกับ ศิลปิน นักแต่งเพลง นักออกแบบท่าเต้น และนักแสดง

ผลงานละครแบ่งออกเป็นประเภท:

โศกนาฏกรรม;

ตลก;

ดนตรี ฯลฯ

ศิลปะการละครมีมาตั้งแต่สมัยโบราณ องค์ประกอบที่สำคัญที่สุดมีอยู่แล้วในพิธีกรรมดั้งเดิม ในการเต้นรำโทเท็มิก ในการเลียนแบบนิสัยของสัตว์ ฯลฯ

โรงละครเป็นศิลปะส่วนรวม (Zahava)

สิ่งแรกที่หยุดความสนใจของเราเมื่อเราคิดถึงลักษณะเฉพาะของโรงละครคือข้อเท็จจริงที่สำคัญที่ว่างานศิลปะการละคร - การแสดง - ไม่ได้ถูกสร้างขึ้นโดยศิลปินคนใดคนหนึ่งเช่นเดียวกับในศิลปะอื่น ๆ ส่วนใหญ่ แต่โดยผู้เข้าร่วมจำนวนมากในกระบวนการสร้างสรรค์ . นักเขียนบทละคร นักแสดง ผู้กำกับ ช่างแต่งหน้า มัณฑนากร นักดนตรี ผู้ออกแบบแสง ผู้ออกแบบเครื่องแต่งกาย ฯลฯ - ทุกคนมีส่วนสนับสนุนการแบ่งปันงานสร้างสรรค์เพื่อจุดประสงค์ร่วมกัน ดังนั้นผู้สร้างที่แท้จริงในศิลปะการแสดงละครจึงไม่ใช่บุคคล แต่เป็นทีม - วงดนตรีที่สร้างสรรค์ ทีมงานโดยรวมเป็นผู้แต่งผลงานศิลปะการแสดงละครที่เสร็จสมบูรณ์ - การแสดง ธรรมชาติของโรงละครต้องการให้การแสดงทั้งหมดเต็มไปด้วยความคิดสร้างสรรค์และความรู้สึกมีชีวิต ทุกคำพูดในละคร ทุกการเคลื่อนไหวของนักแสดง ทุกฉากที่ผู้กำกับสร้างขึ้นจะต้องเต็มไปด้วยสิ่งเหล่านั้น ทั้งหมดนี้เป็นการแสดงให้เห็นชีวิตของสิ่งมีชีวิตเดี่ยวที่เป็นส่วนประกอบซึ่งเกิดขึ้นจากความพยายามสร้างสรรค์ของกลุ่มละครทั้งหมด ได้รับสิทธิ์ที่จะเรียกว่าเป็นผลงานศิลปะการแสดงละครที่แท้จริง - การแสดง ความคิดสร้างสรรค์ของศิลปินแต่ละคนที่มีส่วนร่วมในการสร้างสรรค์การแสดงนั้นไม่มีอะไรมากไปกว่าการแสดงออกของแรงบันดาลใจทางอุดมการณ์และความคิดสร้างสรรค์ของทั้งทีมโดยรวม หากไม่มีทีมงานที่มีอุดมการณ์เป็นหนึ่งเดียวกัน มีความหลงใหลในงานสร้างสรรค์ทั่วไป ก็จะไม่สามารถแสดงผลงานได้เต็มรูปแบบ ความคิดสร้างสรรค์ในการแสดงละครที่เต็มเปี่ยมหมายถึงการมีอยู่ของทีมที่มีโลกทัศน์ร่วมกัน แรงบันดาลใจทางอุดมการณ์และศิลปะร่วมกัน ซึ่งเป็นวิธีการสร้างสรรค์ร่วมกันสำหรับสมาชิกทุกคน และอยู่ภายใต้ระเบียบวินัยที่เข้มงวดที่สุด “ ความคิดสร้างสรรค์โดยรวม” K. S. Stanislavsky เขียน“ ซึ่งเป็นรากฐานของงานศิลปะของเราจำเป็นต้องมีวงดนตรีและผู้ที่ละเมิดมันก่ออาชญากรรมไม่เพียง แต่ต่อสหายของพวกเขาเท่านั้น แต่ยังต่อต้านงานศิลปะที่พวกเขารับใช้ด้วย” ภารกิจในการให้ความรู้แก่นักแสดงด้วยจิตวิญญาณของกลุ่มนิยมซึ่งเกิดขึ้นจากธรรมชาติของศิลปะการแสดงละคร ผสมผสานกับงานด้านการศึกษาของคอมมิวนิสต์ ซึ่งสันนิษฐานว่าทั้งการพัฒนาความรู้สึกของการอุทิศตนเพื่อผลประโยชน์ส่วนรวมอย่างเต็มที่และที่สำคัญที่สุด การต่อสู้อย่างดุเดือดเพื่อต่อต้านการปรากฏของลัทธิปัจเจกชนกระฎุมพีทั้งหมด

ละครเป็นศิลปะสังเคราะห์ นักแสดงคือผู้ถือความเฉพาะเจาะจงของโรงละคร

ในความเชื่อมโยงที่ใกล้ชิดที่สุดกับหลักการโดยรวมในศิลปะการแสดงละครเป็นคุณลักษณะเฉพาะอีกประการหนึ่งของโรงละคร: ธรรมชาติที่สังเคราะห์ขึ้น ละครเป็นการสังเคราะห์ศิลปะหลายแขนงที่มีปฏิสัมพันธ์ซึ่งกันและกัน ซึ่งรวมถึงวรรณคดี จิตรกรรม สถาปัตยกรรม ดนตรี ศิลปะการร้อง ศิลปะการเต้นรำ ฯลฯ ในบรรดาศิลปะเหล่านี้ มีศิลปะอย่างหนึ่งที่เป็นของโรงละครเท่านั้น นี่คือศิลปะของนักแสดง นักแสดงแยกออกจากโรงละครไม่ได้ และโรงละครก็แยกจากนักแสดงไม่ได้ นี่คือเหตุผลที่เราสามารถพูดได้ว่านักแสดงคือผู้ถือความเฉพาะเจาะจงของโรงละคร การสังเคราะห์ศิลปะในโรงละคร - การผสมผสานอย่างเป็นธรรมชาติในการแสดง - จะเกิดขึ้นได้ก็ต่อเมื่อศิลปะแต่ละอย่างเหล่านี้ทำหน้าที่การแสดงละครที่เฉพาะเจาะจงเท่านั้น เมื่อทำหน้าที่แสดงละครนี้ งานศิลปะใดๆ ก็ตามจะได้รับคุณภาพการแสดงละครแบบใหม่ สำหรับการวาดภาพละครนั้นไม่เหมือนกับแค่การวาดภาพ ดนตรีละครก็ไม่เหมือนกับแค่ดนตรี เป็นต้น ศิลปะการแสดงเท่านั้นที่เป็นการแสดงละครโดยธรรมชาติ แน่นอนว่าความสำคัญของการแสดงนั้นไม่สอดคล้องกับความสำคัญของทัศนียภาพ ทิวทัศน์มีจุดมุ่งหมายเพื่อมีบทบาทสนับสนุน ในขณะที่บทละครเป็นรากฐานทางอุดมการณ์และศิลปะของการแสดงในอนาคต ถึงกระนั้น บทละครก็ไม่เหมือนกับบทกวีหรือเรื่องราว แม้ว่าจะเขียนในรูปแบบของบทสนทนาก็ตาม อะไรคือความแตกต่างที่สำคัญที่สุด (ในแง่ที่เราสนใจ) ระหว่างบทละครกับบทกวี ฉากจากภาพวาด การออกแบบเวทีจากโครงสร้างทางสถาปัตยกรรม? บทกวีหรือภาพวาดมีความหมายที่เป็นอิสระ กวีหรือจิตรกรกล่าวถึงผู้อ่านหรือผู้ชมโดยตรง ผู้เขียนบทละครที่เป็นวรรณกรรมสามารถพูดกับผู้อ่านได้โดยตรง แต่เฉพาะนอกโรงละครเท่านั้น ในโรงละคร นักเขียนบทละคร ผู้กำกับ มัณฑนากร และนักดนตรีพูดคุยกับผู้ชมผ่านทางนักแสดงหรือเกี่ยวข้องกับนักแสดง อันที่จริงคำพูดของนักเขียนบทละครดังขึ้นบนเวทีซึ่งผู้เขียนไม่ได้เต็มไปด้วยชีวิตสร้างเป็นคำพูดของเขาเองหรือเปล่าที่ถูกมองว่ามีชีวิต? คำสั่งที่ดำเนินการอย่างเป็นทางการจากผู้กำกับหรือฉากที่เสนอโดยผู้กำกับแต่นักแสดงไม่ได้รับประสบการณ์สามารถพิสูจน์ให้ผู้ชมเชื่อได้หรือไม่? ไม่แน่นอน! อาจดูเหมือนสถานการณ์แตกต่างไปจากการตกแต่งและดนตรี ลองนึกภาพว่าการแสดงเริ่มต้นขึ้น ม่านเปิดออก และถึงแม้จะไม่มีนักแสดงสักคนอยู่บนเวที แต่ผู้ชมก็ปรบมือดัง ๆ กับทิวทัศน์อันงดงามที่ศิลปินสร้างขึ้น ปรากฎว่าศิลปินพูดกับผู้ชมโดยตรงโดยสมบูรณ์ ไม่ใช่ผ่านนักแสดงเลย แต่แล้วตัวละครก็ออกมาและมีบทสนทนาเกิดขึ้น และคุณเริ่มรู้สึกว่าในขณะที่การกระทำดำเนินไป ความหงุดหงิดอันน่าเบื่อหน่ายต่อทิวทัศน์ที่คุณเพิ่งชื่นชมนั้นค่อยๆ เติบโตขึ้นภายในตัวคุณ คุณรู้สึกว่ามันกวนใจคุณจากการแสดงบนเวทีและขัดขวางไม่ให้คุณรับรู้การแสดง คุณเริ่มเข้าใจว่ามีความขัดแย้งภายในบางอย่างระหว่างฉากกับการแสดง: นักแสดงไม่ประพฤติตนตามที่ควรจะประพฤติในเงื่อนไขที่เกี่ยวข้องกับฉากนี้ หรือฉากแสดงลักษณะของฉากไม่ถูกต้อง ฝ่ายหนึ่งไม่เห็นด้วยกับอีกฝ่าย ไม่มีการสังเคราะห์ศิลปะ หากไม่มีโรงละครก็ไม่มี มักเกิดขึ้นที่ผู้ชมทักทายฉากนี้หรือฉากนั้นอย่างกระตือรือร้นในช่วงเริ่มต้นของการแสดง และดุด่าเมื่อการแสดงจบลง ซึ่งหมายความว่าสาธารณชนประเมินผลงานของศิลปินในเชิงบวก โดยไม่คำนึงถึงการแสดงนี้ว่าเป็นงานจิตรกรรม แต่ไม่ยอมรับว่าเป็นการตกแต่งละครเป็นองค์ประกอบของการแสดง ซึ่งหมายความว่าชุดนี้ไม่ได้ทำหน้าที่แสดงละครให้สำเร็จ เพื่อให้บรรลุวัตถุประสงค์ในการแสดงละครจะต้องสะท้อนให้เห็นในการแสดงและพฤติกรรมของตัวละครบนเวที หากศิลปินแขวนฉากหลังอันงดงามที่ด้านหลังเวที วาดภาพทะเลได้อย่างสมบูรณ์แบบ และนักแสดงประพฤติตนบนเวทีตามปกติสำหรับคนในห้อง ไม่ใช่บนชายทะเล ฉากหลังก็จะยังคงอยู่ ส่วนใดๆ ของทิวทัศน์ วัตถุใดๆ ที่วางอยู่บนเวที แต่ไม่ได้เคลื่อนไหวด้วยทัศนคติของดาราที่แสดงออกมาผ่านการกระทำ จะยังคงตายอยู่และต้องนำออกจากเวที เสียงใด ๆ ที่ได้ยินตามความประสงค์ของผู้กำกับหรือนักดนตรี แต่นักแสดงไม่ได้รับรู้ในทางใดทางหนึ่งและไม่สะท้อนให้เห็นในพฤติกรรมบนเวทีของเขาจะต้องเงียบลงเพราะไม่ได้รับคุณภาพการแสดงละคร นักแสดงถ่ายทอดความเป็นละครให้กับทุกสิ่งที่อยู่บนเวที ทุกสิ่งทุกอย่างที่สร้างขึ้นในโรงละครด้วยความคาดหวังที่จะได้รับความสมบูรณ์ของชีวิตผ่านทางนักแสดงคือการแสดงละคร ทุกสิ่งที่อ้างว่ามีความหมายที่เป็นอิสระและมีความพอเพียงนั้นเป็นสิ่งที่ต่อต้านการแสดงละคร นี่คือสัญลักษณ์ที่ใช้แยกแยะบทละครจากบทกวีหรือเรื่องราว ฉากจากภาพวาด การออกแบบเวทีจากโครงสร้างทางสถาปัตยกรรม

ละครเป็นศิลปะส่วนรวม

ศิลปะการละครเป็นสิ่งสังเคราะห์ นักแสดงผู้ถือความเฉพาะเจาะจงของโรงละคร

การกระทำเป็นวัสดุพื้นฐานของศิลปะการแสดงละคร

ละครเป็นองค์ประกอบสำคัญของการละคร

ความคิดสร้างสรรค์ของนักแสดงเป็นองค์ประกอบหลักในงานศิลปะของผู้กำกับ

ผู้ชมคือองค์ประกอบที่สร้างสรรค์ของ ZAHAVA Theatre!!!

โรงภาพยนตร์(จากโรงละครกรีก - สถานที่สำหรับการแสดง, การแสดง) ซึ่งเป็นศิลปะความบันเทิงประเภทหลัก แนวคิดทั่วไปของการละครแบ่งออกเป็นประเภทศิลปะการละคร ได้แก่ ละคร โอเปร่า บัลเล่ต์ ละครใบ้ ฯลฯ ที่มาของคำนี้เกี่ยวข้องกับโรงละครกรีกโบราณซึ่งมีการเรียกที่นั่งในหอประชุมด้วยวิธีนี้ (จากคำกริยาภาษากรีก "teaomai" - ฉันมอง) อย่างไรก็ตาม ในปัจจุบัน ความหมายของคำนี้มีความหลากหลายอย่างมาก ใช้เพิ่มเติมในกรณีต่อไปนี้:

1. โรงละครเป็นอาคารที่สร้างขึ้นหรือดัดแปลงเป็นพิเศษสำหรับการแสดง (“โรงละครเต็มแล้ว กล่องส่องแสง” โดย A.S. Pushkin)

2. สถาบันองค์กรที่มีส่วนร่วมในการแสดงการแสดงตลอดจนทีมงานทั้งหมดของพนักงานที่ให้บริการเช่าการแสดงละคร (โรงละคร Mossovet ทัวร์โรงละคร Taganka ฯลฯ )

3. ชุดละครหรือละครเวทีที่มีโครงสร้างตามหลักการใดหลักการหนึ่ง (โรงละครเชคอฟ, โรงละครเรอเนซองส์, โรงละครญี่ปุ่น, โรงละครของมาร์ก ซาคารอฟ ฯลฯ)

4. ในความหมายที่ล้าสมัย (เก็บรักษาไว้เฉพาะในโรงละครมืออาชีพ) - เวทีเวที (“ ความยากจนอันสูงส่งนั้นดีในโรงละครเท่านั้น” โดย A.N. Ostrovsky)

5. ในความหมายโดยนัย - สถานที่สำหรับกิจกรรมที่กำลังดำเนินอยู่ (โรงละครปฏิบัติการทางทหาร, โรงละครกายวิภาค)

ศิลปะการแสดงละครมีลักษณะเฉพาะที่ทำให้ผลงานมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวไม่มีความคล้ายคลึงในประเภทและศิลปะประเภทอื่น

ประการแรก นี่คือธรรมชาติสังเคราะห์ของโรงละคร ผลงานของเขารวมถึงศิลปะอื่นๆ เกือบทั้งหมด: วรรณกรรม ดนตรี วิจิตรศิลป์ (จิตรกรรม ประติมากรรม กราฟิก ฯลฯ) การร้อง การออกแบบท่าเต้น ฯลฯ; และยังใช้ความสำเร็จมากมายจากวิทยาศาสตร์และสาขาเทคโนโลยีที่หลากหลาย ตัวอย่างเช่น การพัฒนาทางวิทยาศาสตร์ในด้านจิตวิทยาเป็นพื้นฐานของการแสดงและการกำกับความคิดสร้างสรรค์ เช่นเดียวกับการวิจัยในสาขาสัญศาสตร์ ประวัติศาสตร์ สังคมวิทยา สรีรวิทยา และการแพทย์ (โดยเฉพาะในการสอนการพูดบนเวทีและการเคลื่อนไหวบนเวที) การพัฒนาเทคโนโลยีสาขาต่างๆ ทำให้สามารถปรับปรุงและย้ายเครื่องจักรบนเวทีไปสู่ระดับใหม่ได้ การจัดการเสียงและเสียงรบกวนในโรงละคร อุปกรณ์ให้แสงสว่าง การเกิดขึ้นของเอฟเฟกต์บนเวทีใหม่ (เช่น ควันบนเวที ฯลฯ) เพื่อถอดความคำพูดอันโด่งดังของ Molière เราสามารถพูดได้ว่าโรงละคร

ดังนั้นคุณลักษณะเฉพาะถัดไปของศิลปะการแสดงละคร: การรวบรวมกระบวนการสร้างสรรค์ อย่างไรก็ตาม สิ่งต่างๆ มันไม่ง่ายเลยที่นี่ เรากำลังพูดถึงไม่เพียงแต่เกี่ยวกับความคิดสร้างสรรค์ร่วมกันของทีมโรงละครขนาดใหญ่ (ตั้งแต่นักแสดงละครไปจนถึงตัวแทนฝ่ายเทคนิคซึ่งการประสานงานที่ดีจะกำหนด "ความบริสุทธิ์" ของการแสดงเป็นส่วนใหญ่) ในผลงานศิลปะการแสดงละครใด ๆ มีผู้เขียนร่วมที่เต็มเปี่ยมและสำคัญที่สุดอีกคนหนึ่ง - ผู้ชมซึ่งการรับรู้แก้ไขและเปลี่ยนแปลงการแสดงโดยเน้นในรูปแบบที่แตกต่างกันและบางครั้งก็เปลี่ยนแปลงความหมายและแนวคิดโดยรวมของการแสดงอย่างรุนแรง การแสดงละครโดยไม่มีผู้ชมเป็นไปไม่ได้ - ชื่อของโรงละครนั้นสัมพันธ์กับที่นั่งสำหรับผู้ชม การรับรู้ของผู้ชมต่อการแสดงถือเป็นงานสร้างสรรค์ที่จริงจัง ไม่ว่าสาธารณชนจะรับรู้หรือไม่ก็ตาม

ดังนั้นคุณลักษณะต่อไปของศิลปะการแสดงละคร - ความฉับไว: การแสดงแต่ละรายการจะมีอยู่ในช่วงเวลาที่มีการทำซ้ำเท่านั้น คุณลักษณะนี้มีอยู่ในศิลปะการแสดงทุกประเภท อย่างไรก็ตาม มีลักษณะเฉพาะบางประการที่นี่

ดังนั้นในละครสัตว์เมื่อจำเป็นต้องมีศิลปะของผู้เข้าร่วมการแสดง ความบริสุทธิ์ทางเทคนิคของกลอุบายยังคงกลายเป็นปัจจัยพื้นฐาน: การละเมิดนั้นก่อให้เกิดอันตรายต่อชีวิตของนักแสดงละครสัตว์ไม่ว่าจะมีหรือไม่มีก็ตาม ผู้ชม โดยหลักการแล้วอาจมีศิลปินละครสัตว์เพียงคนเดียวที่ร่วมมือกับผู้ชมอย่างกระตือรือร้นนั่นคือตัวตลก นี่คือจุดเริ่มต้นของการพัฒนาโรงละครประเภทหนึ่ง นั่นคือ การแสดงละครตลก ซึ่งพัฒนาตามกฎหมายที่ใกล้เคียงกับกฎของคณะละครสัตว์ แต่ก็ยังแตกต่าง: โรงละครทั่วไป

ด้วยการพัฒนาเทคโนโลยีการบันทึกเสียง การแสดงดนตรีและเสียงร้องได้รับความสามารถในการบันทึกและทำซ้ำเพิ่มเติมซ้ำ ๆ เหมือนต้นฉบับ แต่โดยหลักการแล้วการบันทึกวิดีโอการแสดงละครอย่างเพียงพอนั้นเป็นไปไม่ได้ โดยหลักการแล้ว การแสดงมักจะเกิดขึ้นพร้อมๆ กันในส่วนต่างๆ ของเวที ซึ่งจะช่วยเพิ่มระดับเสียงให้กับสิ่งที่เกิดขึ้น และสร้างช่วงของโทนเสียงและฮาล์ฟโทนของบรรยากาศบนเวที ด้วยการถ่ายภาพระยะใกล้ ความแตกต่างของชีวิตบนเวทีทั่วไปยังคงอยู่เบื้องหลัง แผนทั่วไปมีขนาดเล็กเกินไปและไม่สามารถถ่ายทอดรายละเอียดทั้งหมดได้ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่การแสดงละครในรูปแบบผู้กำกับ โทรทัศน์ต้นฉบับ หรือภาพยนตร์ที่ทำตามกฎหมายข้ามวัฒนธรรมเท่านั้นที่จะประสบความสำเร็จอย่างสร้างสรรค์ มันเหมือนกับการแปลวรรณกรรม: การบันทึกการแสดงละครแบบแห้งบนแผ่นฟิล์มนั้นคล้ายกับการแปลแบบอินไลน์: ดูเหมือนว่าทุกอย่างจะถูกต้อง แต่ความมหัศจรรย์ของศิลปะก็หายไป

พื้นที่ใด ๆ ที่ไม่เต็มไปด้วยสิ่งใด ๆ ก็สามารถเรียกได้ว่าเป็นพื้นที่ว่างเปล่า ผู้ชายเคลื่อนไหว

ในอวกาศมีคนกำลังมองเขาอยู่และนี่ก็เพียงพอแล้วสำหรับการแสดงละคร

การกระทำ. อย่างไรก็ตาม เมื่อเราพูดถึงโรงละคร เรามักจะหมายถึงอย่างอื่น สีแดง

ผ้าม่าน ไฟสปอร์ตไลท์ กลอนเปล่า เสียงหัวเราะ ความมืด ทั้งหมดนี้ผสมกันแบบสุ่ม

จิตสำนึกของเราและสร้างภาพที่คลุมเครือซึ่งเรากำหนดไว้ทุกกรณี

สรุป. เราบอกว่าโรงภาพยนตร์ฆ่าโรงละคร ซึ่งหมายถึงโรงละครนั่นเอง

มีอยู่ในยุคที่โรงหนังถือกำเนิดขึ้น กล่าวคือ โรงหนังที่มีบ็อกซ์ออฟฟิศ ห้องโถง ห้องพับ

เก้าอี้ ทางลาด การเปลี่ยนแปลงของทิวทัศน์ การหยุดพัก และดนตรี ราวกับว่าเป็นคำนั้นเอง

คำว่า "โรงละคร" ตามคำนิยามมีความหมายเพียงนั้นและแทบไม่มีอะไรเพิ่มเติมอีกเลย

ฉันจะพยายามแยกคำนี้ออกเป็นสี่วิธีและระบุสี่คำที่แตกต่างกัน

ความหมาย ดังนั้น ฉันจะพูดถึงโรงละครที่ไม่มีชีวิต โรงละครศักดิ์สิทธิ์ โรงละครหยาบ

และเกี่ยวกับโรงละครเช่นนี้ บางครั้งโรงละครทั้งสี่แห่งนี้ก็มีอยู่ในละแวกใกล้เคียงที่ไหนสักแห่งใน

เวสต์เอนด์ในลอนดอนหรือใกล้ไทม์สแควร์ในนิวยอร์ก บางทีก็ห่างกันเป็นร้อย

ไมล์ และบางครั้งการแบ่งส่วนนี้มีเงื่อนไข เนื่องจากทั้งสองส่วนรวมกันเข้าด้วยกัน

เย็นวันหนึ่งหรือหนึ่งการกระทำ บางครั้งโรงละครทั้งสี่แห่งก็อยู่ครู่หนึ่ง -

ศักดิ์สิทธิ์ หยาบ ไม่มีชีวิต n โรงละครจึงรวมเป็นหนึ่งเดียว ป.บรู๊ค"พื้นที่ว่าง"

1. การแสดงละครและความจริง Oscar Remez "ฝีมือผู้กำกับ"

หากเป็นเรื่องจริง คำว่า “การแสดงละคร” และ “ความจริง” ก็เป็นสาระสำคัญหลักองค์ประกอบของการแสดงละครก็เป็นจริงเช่นกันและว่าการต่อสู้ของหลักการทั้งสองนี้เป็นบ่อเกิดของการพัฒนาแสดงออกหมายถึงศิลปะการแสดงละคร การต่อสู้ครั้งนี้เป็นเรื่องง่ายเดาเมื่อเราสำรวจอดีตของโรงละครและอื่นๆ อีกมากมายยากขึ้นถูกค้นพบเมื่อตรวจสอบโฆษณาที่มีชีวิตกระบวนการพัฒนาไปต่อหน้าต่อตาเรา

3. วัฏจักรของประวัติศาสตร์การละคร

เมื่อเปรียบเทียบอดีตที่รู้จักกันดีกับปัจจุบันที่กำลังเกิดขึ้น เราสามารถสรุปเกี่ยวกับรูปแบบพิเศษของการเปลี่ยนแปลงทิศทางการแสดงละคร ซึ่งเป็นลักษณะวัฏจักรพิเศษที่วัดได้อย่างเคร่งครัดและเป็นวัฏจักรของยุคการแสดงละคร

“ Princess Turandot” ถูกแทนที่ด้วยเกณฑ์ใหม่ของความจริงบนเวที - วิธีการกระทำทางกายภาพ ประเพณีการแสดงละครใหม่ยังคงดำเนินต่อไปในผลงานของ M. Kedrov ในเวลาเดียวกันและในทิศทางเดียวกันโรงละครของ A. Popov และ A. Lobanov ก็ทำงาน ต่อไป "พลัง" บนเวทีที่เข้มงวดและสม่ำเสมอมากขึ้นจะถูกแทนที่ด้วยการแสดงละครโรแมนติกของ N. Okhlopkov การสังเคราะห์สองหลักการ ซึ่งเป็นจุดสุดยอดของโรงละครแห่งปลายยุค 40 คือ “The Young Guard” การแสดงของ N. Okhlopkov ซึ่งแสดงความเป็นจริงได้อย่างเต็มที่ที่สุดโดยใช้ภาษาศิลปะสมัยใหม่ ในช่วงกลางทศวรรษที่ 50 - คลื่นลูกใหม่ - ชัยชนะของวิธีการวิเคราะห์ที่มีประสิทธิภาพ: ผลงานของ M. Knebel, การกำเนิดของ Sovremennik, การแสดงของ G. A. Tovstonogov

ดังที่เราเห็นทิศทางการแสดงละครแต่ละทิศทางได้รับการพัฒนาในขั้นต้นในขณะที่แฝงอยู่มักจะเติบโตในส่วนลึกของทิศทางก่อนหน้า (และเมื่อปรากฎในภายหลังคือทิศทางขั้วโลก) เกิดขึ้นโดยไม่คาดคิดพัฒนาขัดแย้งกับประเพณีและไปตามเส้นทาง กำหนดโดยวิภาษวิธี - การขึ้นสู่สวรรค์ การแสดงออกที่สมบูรณ์ วิกฤตที่สร้างสรรค์ ประวัติศาสตร์ละครแต่ละช่วงมีผู้นำ พวกเขาติดตามเขาเลียนแบบเขาโต้เถียงกับเขาอย่างดุเดือดตามกฎจากทั้งสองฝ่าย - ผู้ที่อยู่ข้างหลังและผู้ที่อยู่ข้างหน้า

แน่นอนว่าเส้นทางสู่การสังเคราะห์ละครนั้นซับซ้อน ปรากฏการณ์สำคัญในศิลปะการแสดงละครไม่จำเป็นต้องเกี่ยวข้องกับชื่อของผู้กำกับที่กล่าวถึงในที่นี้ การแบ่งคนงานละครออกเป็น "กลุ่ม" "กระแสนิยม" และ "ค่าย" อย่างอวดดีนั้นแทบจะไม่สมเหตุสมผลเลย อย่าลืม - ในช่วงของการสังเคราะห์ละครในยุค 20 ไม่มีใครอื่นนอกจาก K. S. Stanislavsky ได้สร้างการแสดงที่แสดงถึงแนวโน้มชัยชนะอย่างเต็มที่และชัดเจนที่สุด - "A Warm Heart" (1926) และ "The Marriage of Figaro" ( 1927 ). ในงานเหล่านี้มีการผสมผสานการแสดงละครที่ยอดเยี่ยมเข้ากับการพัฒนาทางจิตวิทยาอย่างลึกซึ้ง

ความต่อเนื่องของประเพณีประเภทนี้ที่ Art Theatre คือละครเรื่อง "The Pickwick Club" (1934) จัดแสดงโดยผู้กำกับ V. Ya. Stanitsyn

บางคนอาจเข้าใจว่าโรงละครเกิดซ้ำตามวงกลมที่กำหนดไว้ล่วงหน้า J. Gassner เสนอแนวคิดที่ใกล้เคียงกับความเข้าใจประเภทนี้มาก (ด้วยคำศัพท์ที่เปลี่ยนแปลงไปและไม่ชัดเจน) ในหนังสือ "Form and Idea in the Modern Theatre"

อย่างไรก็ตามแนวคิดของการพัฒนาโรงละครแบบวงจรปิดผิด. ภาพวัตถุประสงค์ของการพัฒนาประวัติศาสตร์การแสดงละคร -ความเคลื่อนไหวสำเร็จเป็นเกลียวจำเป็น,มีอะไรอยู่ทั้งหมดในรอบใหม่ โรงละครได้นำเสนอสิ่งใหม่โดยพื้นฐานเกณฑ์ความจริงและการแสดงละคร ว่าการสังเคราะห์ที่ครอบวงจรการพัฒนาแต่ละรอบนั้นเกิดขึ้นแต่ละครั้งบนพื้นฐานที่แตกต่างกัน ในขณะเดียวกัน การแสดงละครแบบใหม่ก็ช่วยไม่ได้นอกจากฝึกฝนประสบการณ์ก่อนหน้านี้ (แม้ว่าจะมีข้อโต้แย้งก็ตาม) และนี่คือข้อกำหนดเบื้องต้น หลีกเลี่ยงไม่ได้ในอนาคตของความสมดุลแบบไดนามิก ดังนั้นการต่อสู้ระหว่างการแสดงละครและความจริงจึงกลายเป็นเนื้อหาในประวัติศาสตร์ของวิธีการแสดงออกของผู้กำกับซึ่งเป็นที่มาของการพัฒนารูปแบบการแสดงละครสมัยใหม่

1. ละครเป็นรูปแบบศิลปะที่มีลักษณะสังเคราะห์ การแสดงละครรวมถึงความเป็นไปได้ในการแสดงออก เครื่องมือทางศิลปะเกือบทุกประเภท (วรรณกรรม ดนตรี ทัศนศิลป์ การออกแบบท่าเต้น ฯลฯ) ในกรณีนี้ ไม่มีรูปแบบศิลปะใดที่จะมีบทบาทนำ ในปัจจุบัน ลักษณะสังเคราะห์ของละครเกิดขึ้นได้จากการใช้การพัฒนาทางวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยีสมัยใหม่ (จิตวิทยา สัญศาสตร์ เทคโนโลยี)

2. ละครเป็นกระบวนการสร้างสรรค์ร่วมกัน เรากำลังพูดถึงไม่เพียงแต่เกี่ยวกับความคิดสร้างสรรค์ร่วมกันของสมาชิกคณะละครเท่านั้น แต่เรากำลังพูดถึงปฏิสัมพันธ์และการร่วมเขียนบทของผู้ชมด้วย การรับรู้ของผู้ชมสามารถแก้ไขและปรับเปลี่ยนการแสดงได้ การแสดงเป็นไปไม่ได้หากไม่มีผู้ชม การรับรู้ของผู้ชมถือเป็นงานที่จริงจัง สร้างสรรค์ และมีสติปัญญา แม้ว่าตัวผู้ชมเองจะไม่ได้ตระหนักก็ตาม

3. ละครมีอยู่เป็นการแสดงชั่วขณะ การแสดงแต่ละครั้งจะมีอยู่เฉพาะในช่วงเวลาที่เกิดซ้ำเท่านั้น ด้วยเหตุนี้จึงมั่นใจได้ถึงความเข้าใจในแนวคิดเรื่องประวัติศาสตร์ในการรับรู้ของโรงละคร มันอยู่ในโรงละครที่ผู้ชมสามารถเข้าถึงและมีส่วนร่วมในงานได้โดยตรง ไม่ว่านักแสดงจะเล่นยุคไหนก็ตาม

4. งานละครไม่ได้รับการเก็บรักษาไว้เนื่องจากความเร่งด่วนแต่มีอยู่ในช่วงเวลาปัจจุบันเท่านั้น การถ่ายโอนไปยังภาพยนตร์ทำให้สามารถบันทึกเฉพาะเหตุการณ์เท่านั้น ขณะเดียวกันความมหัศจรรย์แห่งศิลปะก็หายไป

5. โรงละครอยู่ภายใต้การควบคุมเช่นเดียวกับงานศิลปะประเภทใด ๆ ในช่วงเวลาศิลปะ กิจกรรมบนเวที (การกำเนิดของงาน) เกิดขึ้นพร้อมกันกับการรับรู้ของผู้ชม ในโรงละครมีสิ่งที่เรียกว่า เวลาบนเวที - ในระหว่างที่มีการแสดงเกิดขึ้น ปัจจุบันการแสดงใช้เวลา 2.5-3 ชั่วโมง แต่บางรายการต้องใช้เวลา 5-10 ชั่วโมง บางครั้งอาจใช้เวลาหลายวัน

6. ผู้ถือหลักของแนวคิดและการแสดงละครคือนักแสดง ภาพลักษณ์ของนักแสดงถูกสร้างขึ้นภายใต้กรอบความคิดของบทละคร การตีความโดยผู้กำกับ แต่ถึงอย่างนี้ นักแสดงก็ยังคงเป็นศิลปินที่รวบรวมภาพที่มีชีวิตบนเวทีอย่างอิสระ

7. การแสดงละครในฐานะศิลปะรูปแบบหนึ่งต้องอาศัยการตีความ ปัญหาการตีความไม่ได้เกิดขึ้นกับตัวบทละครสมัยใหม่มากนัก แต่เกี่ยวข้องกับตัวบทของละครคลาสสิกด้วย การตีความในโรงละครเป็นรูปแบบหนึ่งของการอ่านผลงานที่มีชื่อเสียงครั้งใหม่ซึ่งสามารถติดตามตำแหน่งทางปรัชญาการเมืองและศีลธรรมของผู้เขียนได้

ในโรงละคร ด้วยการตีความ มันเป็นไปได้ที่จะเชื่อมโยงปัญหาของวันปัจจุบันกับข้อเท็จจริงทางประวัติศาสตร์ของวันที่ผ่านมา

ในการวิเคราะห์การตีความการแสดงละคร ความเข้าใจในทัศนคติของผู้กำกับ โลกทัศน์ของเขา รวมถึงการชี้แจงปัญหานิรันดร์บางอย่างที่เกี่ยวข้องกับแก่นแท้ของมนุษย์ มีบทบาทสำคัญในการทำความเข้าใจ ผู้ชมที่รับรู้ผลงานคลาสสิกในโรงละครเข้าสู่บทสนทนาไม่มากนักกับผู้เขียน แต่กับผู้กำกับซึ่งช่วยให้เขาเปิดเผยแก่นแท้ของความขัดแย้งของสังคมยุคใหม่ แต่ในขณะเดียวกันผู้ชมก็กำลังสนทนากับยุคที่ผลงานถูกสร้างขึ้น ผู้กำกับหันไปหาผลงานคลาสสิกและตีความเพราะ... ความขัดแย้งในนั้นไม่สามารถแก้ไขได้ มันเป็นนิรันดร์ ผู้กำกับอยู่ในภาวะ “ดึงดูดใจ” (U. Eco) การตีความในโรงละครเป็นไปได้ เป็นไปได้ในระดับนักเขียนบทละคร ในระดับผู้กำกับ นักแสดง ผู้ชม และนักวิจารณ์ละคร (Anatoly Smenlyansky, A.V. Protashevich)

เขียนเรียงความในหัวข้อ: อะไรคือความคล้ายคลึงกันระหว่างโรงละครและประติมากรรม? 1 หน้า

ศิลปะการละคร (โรงละครกรีก - สถานที่สำหรับแสดงแว่นตา) เป็นรูปแบบศิลปะที่สร้างจากภาพสะท้อนของชีวิตทางศิลปะ ดำเนินการผ่านการแสดงละครที่แสดงโดยนักแสดงต่อหน้าผู้ชม ศิลปะการละครเป็นเรื่องรอง พื้นฐานของศิลปะบนเวทีคือการละครซึ่งในศูนย์รวมการแสดงละครนั้นได้รับคุณภาพใหม่ - การแสดงบนเวทีและภาพลักษณ์การแสดงละคร การพัฒนาการละครมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับพัฒนาการของละครและการละคร วิธีการแสดงละคร บทพูดคนเดียว และบทสนทนา งานหลักของศิลปะการแสดงละครคือการแสดงซึ่งเป็นการแสดงที่จัดอย่างมีศิลปะ งดงาม และสนุกสนาน การแสดงเป็นผลจากความพยายามของทีมงานสร้างสรรค์ ในขณะเดียวกันการแสดงก็โดดเด่นด้วยความสามัคคีที่เป็นรูปเป็นร่าง โครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างของการแสดงนั้นถูกสร้างขึ้นโดยความสามัคคีขององค์ประกอบทั้งหมดของการแสดงละครซึ่งอยู่ภายใต้งานศิลปะชิ้นเดียว - "งานพิเศษ" และเป้าหมายขั้นตอนเดียวที่จัดฉากแสดงในเวลาและสถานที่ "จุดสิ้นสุด - เพื่อยุติการกระทำ”

แก่นแท้ของละครมีการเปลี่ยนแปลงไปในอดีต เกิดขึ้นจากพิธีกรรมระบบอิทธิพลอันน่าทึ่งโดยรวมได้รับการเก็บรักษาไว้ในทุกขั้นตอนของการพัฒนาโรงละคร การเปลี่ยนแปลงของนักแสดงโดยใช้ข้อมูลทางจิตฟิสิกส์ของเขาเพื่อสร้างภาพลักษณ์ของบุคคลอื่น - ตัวละครคำพูดและความเป็นพลาสติกนั้น เงื่อนไขหลักในการให้ผู้ชมมีส่วนร่วมในการกระทำ โรงละครสมัยใหม่รู้จักรูปแบบต่างๆ ของการจัดการแสดงละคร ในโรงละครแห่งประสบการณ์ทางจิตวิทยาที่สมจริง หลักการสะท้อนชีวิตในรูปแบบของชีวิตนั้นสันนิษฐานว่าเป็นหลักการของ "กำแพงที่สี่" ราวกับแยกผู้ชมออกจากเวทีและสร้างภาพลวงตาของความเป็นจริง ในโรงละครการแสดง "โรงละครมหากาพย์" หลักการเล่นอาจไม่ตรงกับความจริงของสถานการณ์ในชีวิต และสันนิษฐานว่าเป็นวิธีแก้ปัญหาเชิงเปรียบเทียบที่มีการเปรียบเทียบเชิงเปรียบเทียบและเป็นรูปเป็นร่าง

โรงละครเป็นศิลปะส่วนรวม (ดู) ในกระบวนการวิวัฒนาการทางประวัติศาสตร์ หลักการของวงดนตรีได้ก่อตั้งขึ้น ในโรงละครสมัยใหม่ บทบาทของผู้จัดงานละครเวทีและความพยายามสร้างสรรค์ของกลุ่มเป็นของผู้กำกับซึ่งรับผิดชอบการตีความละครเวทีตามพื้นฐานละคร ด้วยความช่วยเหลือของวิธีการมองเห็นและการแสดงออกเช่นฉากจังหวะจังหวะองค์ประกอบผู้กำกับสร้างภาพลักษณ์ทางศิลปะของการแสดง

โดยธรรมชาติแล้ว ศิลปะการละครเป็นเรื่องสังเคราะห์ (ดู) ธรรมชาติของการสังเคราะห์ในประวัติศาสตร์ศิลปะการแสดงละครเปลี่ยนไป บัลเล่ต์เกิดขึ้น และละครเพลงก็เป็นอิสระ โรงละครสมัยใหม่มีแนวโน้มที่จะผสมผสานศิลปะหลากหลายรูปแบบเข้าด้วยกัน การจัดระเบียบการสังเคราะห์ที่น่าทึ่งนั้นขึ้นอยู่กับการมีส่วนร่วมของผู้แต่งเพลง ผู้ออกแบบเครื่องแต่งกาย ผู้ออกแบบแสง และเหนือสิ่งอื่นใดคือผู้ออกแบบฉาก สภาพแวดล้อมทางวัตถุที่สร้างขึ้นโดยนักออกแบบฉากสามารถมีฟังก์ชั่นต่าง ๆ ได้ แต่มักจะสอดคล้องกับบริบทโดยรวมซึ่งเป็นผู้ถือความจริงทางจิตวิทยาต่อนักแสดง มันจะจัดระเบียบความสนใจของผู้ชม

ศิลปะการละครได้รับการออกแบบมาเพื่อการรับรู้ส่วนรวม ผู้ชมซึ่งเป็นปฏิกิริยาของเขาเป็นส่วนหนึ่งของการกระทำ โรงละครจะไม่มีอยู่จริงหากปราศจากปฏิกิริยาโต้ตอบจากผู้ชมในทันที การแสดงที่ได้รับการซ้อมแต่ไม่ได้แสดงให้ผู้ชมเห็นนั้นไม่ใช่งานศิลปะ ผู้ชมเป็นผู้ได้รับสิทธิ์ในการแยกความแตกต่างระหว่างความหมายของอุปกรณ์แสดงออกที่นักแสดงเลือกและการใช้งาน ผู้ชมละครสมัยใหม่จะได้สัมผัสกับอิทธิพลของรูปแบบอันน่าทึ่งมากมายที่ขยายความสัมพันธ์และเปลี่ยนความชอบของเขา โรงละครไม่สามารถเพิกเฉยต่อการเปลี่ยนแปลงเหล่านี้ในการพัฒนา เพิ่มบทบาทและความสำคัญของรูปแบบการแสดงละคร กระชับความสัมพันธ์ระหว่างการแสดงบนเวทีและผู้ชม

ศิลปะการละครเป็นรูปแบบหนึ่งของจิตสำนึกทางสังคม ซึ่งเป็นช่องทางของความรู้และการศึกษาทางศิลปะ ความเฉพาะเจาะจงของโรงละครอยู่ที่ภาพสะท้อนของความขัดแย้งและตัวละครที่สำคัญซึ่งส่งผลต่อความสนใจและความต้องการของผู้ชมยุคใหม่ ความคิดริเริ่มของโรงละครในฐานะรูปแบบศิลปะอยู่ในความทันสมัยนี้ ซึ่งทำให้เป็นปัจจัยสำคัญในการศึกษา

2. ศิลปะการละคร

ศิลปะการแสดงละครเป็นศิลปะที่ซับซ้อนที่สุด มีประสิทธิภาพมากที่สุด และเก่าแก่ที่สุดอย่างหนึ่ง นอกจากนี้ยังมีความหลากหลายและสังเคราะห์ องค์ประกอบของศิลปะการแสดงละคร ได้แก่ สถาปัตยกรรม จิตรกรรมและประติมากรรม (ทิวทัศน์) และดนตรี (ฟังดูไม่เพียงแต่ในละครเพลงเท่านั้น แต่ยังบ่อยครั้งในการแสดงละครด้วย) และการออกแบบท่าเต้น (อีกครั้ง ไม่เพียงแต่ในบัลเล่ต์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงละครด้วย) และ วรรณกรรม (ข้อความที่ใช้แสดงละคร) และศิลปะการแสดง ฯลฯ ในบรรดาทั้งหมดที่กล่าวมา ศิลปะการแสดงเป็นสิ่งสำคัญที่กำหนดโรงละคร ผู้กำกับโซเวียตชื่อดัง A. Tairov เขียนว่า “... ในประวัติศาสตร์ของโรงละคร มีช่วงเวลายาวนานที่ไม่มีการแสดงละคร เมื่อไม่มีฉากใดๆ เลย แต่ไม่มีช่วงเวลาใดเลยที่โรงละครไม่มีนักแสดง Tairov A. Ya หมายเหตุจากผู้กำกับ บทความ. บทสนทนา สุนทรพจน์ จดหมาย ม., 1970, น. 79. .

นักแสดงในโรงละครเป็นศิลปินหลักที่สร้างสิ่งที่เรียกว่าภาพบนเวที แม่นยำยิ่งขึ้นนักแสดงในโรงละครในขณะเดียวกันก็เป็นศิลปินผู้สร้างและเป็นวัสดุแห่งความคิดสร้างสรรค์และผลลัพธ์ก็คือภาพลักษณ์ ศิลปะของนักแสดงทำให้เราเห็นด้วยตาของเราเอง ไม่เพียงแต่ภาพในการแสดงออกขั้นสุดท้ายเท่านั้น แต่ยังรวมถึงกระบวนการสร้างและการก่อตัวของภาพด้วย นักแสดงสร้างภาพจากตัวเขาเองและในขณะเดียวกันก็สร้างภาพนั้นต่อหน้าผู้ชมต่อหน้าต่อตาเขา นี่อาจเป็นลักษณะเฉพาะหลักของเวที ภาพละคร - และนี่คือที่มาของความสุขทางศิลปะที่พิเศษและไม่เหมือนใครที่มอบให้กับผู้ชม ผู้ชมในโรงละครมีส่วนร่วมโดยตรงในปาฏิหาริย์แห่งการสร้างสรรค์มากกว่าที่อื่นใดในงานศิลปะ

ศิลปะการละครแตกต่างจากศิลปะอื่นๆ คือศิลปะที่มีชีวิต มันจะเกิดขึ้นในเวลาที่พบกับผู้ชมเท่านั้น มันขึ้นอยู่กับการติดต่อทางอารมณ์และจิตวิญญาณที่ขาดไม่ได้ระหว่างเวทีกับผู้ชม หากไม่มีการสัมผัสเช่นนี้ ก็หมายความว่าจะไม่มีประสิทธิภาพที่ดำเนินไปตามกฎความงามของมันเอง

ถือเป็นความทรมานอย่างมากสำหรับนักแสดงที่ต้องแสดงหน้าห้องโถงว่างเปล่าโดยไม่มีผู้ชมแม้แต่คนเดียว สภาพนี้เทียบเท่ากับที่เขาอยู่ในพื้นที่ปิดจากโลกทั้งใบ ในชั่วโมงของการแสดง จิตวิญญาณของนักแสดงมุ่งตรงไปที่ผู้ชม เช่นเดียวกับที่จิตวิญญาณของผู้ชมมุ่งตรงไปที่นักแสดง ศิลปะแห่งการละครมีชีวิต หายใจ ตื่นเต้นและดึงดูดผู้ชมในช่วงเวลาแห่งความสุขเหล่านั้น เมื่อผ่านสายที่มองไม่เห็นของการส่งสัญญาณไฟฟ้าแรงสูง มีการแลกเปลี่ยนพลังทางจิตวิญญาณสองอย่างอย่างแข็งขัน ซึ่งมุ่งตรงเข้าหากัน - จากนักแสดงสู่ผู้ชม จากผู้ชมสู่นักแสดง

เมื่ออ่านหนังสือโดยยืนอยู่หน้าภาพวาด ผู้อ่านและผู้ดูจะไม่เห็นผู้เขียนหรือจิตรกร และมีเพียงในโรงละครเท่านั้นที่บุคคลจะพบปะกับศิลปินผู้สร้างสรรค์และพบเขาในช่วงเวลาแห่งความคิดสร้างสรรค์ เขาคาดเดาการเกิดขึ้นและการเคลื่อนไหวของหัวใจและใช้ชีวิตร่วมกับความผันผวนของเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นบนเวที

นักอ่านเพียงลำพังและอ่านหนังสือล้ำค่าเพียงลำพังก็สามารถสัมผัสประสบการณ์ที่น่าตื่นเต้นและมีความสุขได้ และโรงละครไม่ได้ปล่อยให้ผู้ชมอยู่ตามลำพัง ในโรงละคร ทุกอย่างขึ้นอยู่กับปฏิสัมพันธ์ทางอารมณ์ระหว่างผู้ที่สร้างสรรค์ผลงานศิลปะบนเวทีในเย็นวันนั้นกับผู้ที่สร้างสรรค์ผลงานศิลปะนั้นขึ้นมาเพื่อ

ผู้ชมมาชมการแสดงละครไม่ใช่ในฐานะผู้สังเกตการณ์ภายนอก เขาอดไม่ได้ที่จะแสดงทัศนคติต่อสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวที การระเบิดของเสียงปรบมือที่เห็นด้วย เสียงหัวเราะร่าเริง ความตึงเครียด ความเงียบที่ไม่ขาดตอน การถอนหายใจด้วยความโล่งอก ความขุ่นเคืองอย่างเงียบ ๆ - การมีส่วนร่วมของผู้ชมในกระบวนการแสดงบนเวทีนั้นแสดงออกในความหลากหลาย บรรยากาศรื่นเริงเกิดขึ้นในโรงละคร เมื่อการสมรู้ร่วมคิดและความเห็นอกเห็นใจเข้าถึงความเข้มข้นสูงสุด...

นี่คือความหมายของศิลปะที่มีชีวิตของเขา ศิลปะที่ได้ยินเสียงการเต้นของหัวใจของมนุษย์ การเคลื่อนไหวที่ละเอียดอ่อนที่สุดของจิตวิญญาณและจิตใจ ซึ่งมีโลกทั้งใบของความรู้สึกและความคิดของมนุษย์ ความหวัง ความฝัน ความปรารถนา ถูกจับอย่างละเอียดอ่อน

แน่นอนว่า เมื่อเราคิดและพูดคุยเกี่ยวกับนักแสดง เราเข้าใจดีว่าไม่เพียงแต่นักแสดงมีความสำคัญต่อโรงละครเท่านั้น แต่ยังรวมถึงวงดนตรี ความสามัคคี และปฏิสัมพันธ์ที่สร้างสรรค์ของนักแสดงด้วย “ละครที่แท้จริง” ชลีปินเขียน “ไม่ใช่แค่ความคิดสร้างสรรค์ส่วนบุคคลเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการแสดงร่วมกัน ซึ่งต้องอาศัยความสอดคล้องกันของทุกส่วนอย่างสมบูรณ์”

โรงละครเป็นศิลปะแบบทวีคูณ ผู้ชมรับรู้ถึงการผลิตละครและการแสดงบนเวทีไม่เพียงแต่เพียงอย่างเดียว แต่โดยรวมคือ "รู้สึกเหมือนข้อศอกของเพื่อนบ้าน" ซึ่งช่วยเพิ่มความประทับใจและความแพร่หลายทางศิลปะของสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีอย่างมาก ในขณะเดียวกัน ความประทับใจนั้นไม่ได้มาจากนักแสดงเพียงคนเดียว แต่มาจากกลุ่มนักแสดง ทั้งบนเวทีและในหอประชุม ทั้งสองด้านของทางลาด พวกเขาใช้ชีวิต รู้สึก และกระทำ ไม่ใช่ปัจเจกบุคคล แต่เป็นผู้คน ซึ่งเป็นสังคมของผู้คนที่เชื่อมต่อถึงกันในช่วงเวลาหนึ่งด้วยความสนใจ จุดประสงค์ และการกระทำร่วมกัน

โดยส่วนใหญ่แล้ว นี่คือสิ่งที่กำหนดบทบาททางสังคมและการศึกษาอันมหาศาลของโรงละคร ศิลปะที่ถูกสร้างสรรค์และรับรู้ร่วมกันกลายเป็นโรงเรียนในความหมายที่แท้จริงของคำนี้ “โรงละคร” การ์เซีย ลอร์กา กวีชาวสเปนผู้โด่งดังเขียน “เป็นโรงเรียนแห่งน้ำตาและเสียงหัวเราะ เป็นเวทีอิสระที่ผู้คนสามารถประณามศีลธรรมที่ล้าสมัยหรือผิดศีลธรรม และอธิบายกฎนิรันดร์ของหัวใจมนุษย์และมนุษย์โดยใช้ตัวอย่างที่มีชีวิต ความรู้สึก."

บุคคลหนึ่งหันไปที่โรงละครเพื่อสะท้อนถึงมโนธรรมและจิตวิญญาณของเขา - เขาจำตัวเองเวลาและชีวิตของเขาในโรงละครได้ โรงละครเปิดโอกาสอันน่าทึ่งสำหรับการเรียนรู้ตนเองทางจิตวิญญาณและศีลธรรม

และถึงแม้ว่าละครโดยธรรมชาติของสุนทรีย์แล้ว จะเป็นศิลปะแบบเดิมๆ เช่นเดียวกับศิลปะอื่นๆ สิ่งที่ปรากฏบนเวทีต่อหน้าผู้ชมไม่ใช่ความเป็นจริงที่แท้จริง แต่เป็นเพียงภาพสะท้อนทางศิลปะเท่านั้น แต่มีความจริงมากมายในการสะท้อนนั้นซึ่งถูกมองว่าไม่มีเงื่อนไขทั้งหมดว่าเป็นชีวิตที่แท้จริงและแท้จริงที่สุด ผู้ชมรับรู้ถึงความเป็นจริงขั้นสูงสุดของการมีอยู่ของตัวละครบนเวที เกอเธ่ผู้ยิ่งใหญ่เขียนว่า: “อะไรจะเป็นธรรมชาติไปมากกว่าคนของเช็คสเปียร์!”

ในโรงละคร ในชุมชนที่มีชีวิตชีวาของผู้คนรวมตัวกันเพื่อแสดงบนเวที ทุกสิ่งเป็นไปได้: เสียงหัวเราะและน้ำตา ความโศกเศร้าและความสุข ความขุ่นเคืองที่ไม่ปิดบังและความยินดีอย่างล้นหลาม ความโศกเศร้าและความสุข การประชดและความหวาดระแวง การดูถูกและความเห็นอกเห็นใจ ความเงียบที่ระมัดระวังและเสียงดัง การอนุมัติ... พูดง่ายๆ ก็คือความสมบูรณ์ของการแสดงออกทางอารมณ์และความตกใจของจิตวิญญาณมนุษย์

อิทธิพลของตระกูล Radziwill ต่อการก่อตัวของวัฒนธรรมเบลารุส

ชีวิตที่สองเพื่อสิ่งที่ไม่จำเป็น การฟื้นฟูและปรับปรุงสิ่งเก่าให้ทันสมัยด้วยการพิมพ์ชิ้นส่วนสำหรับชิ้นส่วนเหล่านั้นบนเครื่องพิมพ์ 3 มิติจากวัสดุที่แตกต่างกัน

ในประเทศของเรามีการถกเถียงกันมากขึ้นเกี่ยวกับโครงการพัฒนาวัฒนธรรมของสังคม ทุกคนรู้ดีว่าปรากฏการณ์นี้แสดงถึงความกระตือรือร้นในการวิเคราะห์เชิงปรัชญาเกี่ยวกับแนวโน้มที่ลึกซึ้งของสังคม...

วัฒนธรรมกรีกโบราณ

วัฒนธรรมทางจิตวิญญาณในบริบทของลัทธิประวัติศาสตร์นิยม

ชาวกรีกโบราณเรียกศิลปะว่า "ความสามารถในการสร้างสิ่งต่างๆ ตามกฎเกณฑ์บางประการ" พวกเขาพิจารณางานศิลปะ นอกเหนือจากสถาปัตยกรรมและประติมากรรม หัตถกรรม เลขคณิต และทุกสิ่งทุกอย่างโดยทั่วไป...

ต้นกำเนิดของโรงละครกรีกโบราณ

โรงละครแห่งนี้อาจเป็นของขวัญที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในบรรดากรีกโบราณที่ทิ้งไว้ให้กับยุโรปใหม่ ตั้งแต่แรกเกิด การสร้างอัจฉริยะชาวกรีกดั้งเดิมโดยสมบูรณ์นี้ถือว่าไม่ใช่ความบันเทิง แต่เป็นพิธีกรรมอันศักดิ์สิทธิ์...

วัฒนธรรมเบลารุสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20

วัฒนธรรมแห่งมาตุภูมิ

ศิลปะรัสเซียโบราณ - จิตรกรรม ประติมากรรม ดนตรี - ยังได้สัมผัสกับการเปลี่ยนแปลงที่จับต้องได้เมื่อรับเอาศาสนาคริสต์มาใช้ Pagan Rus' รู้จักงานศิลปะประเภทนี้ทุกประเภท แต่ใช้การแสดงออกทางศิลปะพื้นบ้านแบบนอกรีตล้วนๆ ช่างแกะสลักไม้โบราณ...

ปัญหาคุณธรรมและปรัชญาในงานของ Mark Zakharov

ในศตวรรษที่ 19 ศิลปะการละครพัฒนาอย่างรวดเร็วเนื่องจากปัจจัยหลายประการ: การเปิดโรงละครใหม่ ความคิดสร้างสรรค์ของนักเขียนบทละครรุ่นใหม่ การเกิดขึ้นของวิชาชีพการแสดงละครเฉพาะทาง การพัฒนากระแสวรรณกรรม...

วัฒนธรรมอาหรับ-มุสลิมในยุคกลาง

สถาปัตยกรรมอาหรับยุคกลางซึมซับประเพณีของประเทศที่พวกเขายึดครอง - กรีซ โรม อิหร่าน สเปน ศิลปะในประเทศอิสลามก็มีการพัฒนาและมีปฏิสัมพันธ์กับศาสนาในรูปแบบที่ซับซ้อน มัสยิด...

สังคมยุคกลาง

โลกทัศน์ทางศาสนาและคริสตจักรมีอิทธิพลชี้ขาดต่อการพัฒนาศิลปะยุคกลาง คริสตจักรมองว่างานของตนเป็นการเสริมสร้างความรู้สึกทางศาสนาของผู้ศรัทธา...

ศิลปะการแสดงละครแห่งศตวรรษที่ 20: การค้นหาหนทางในการเสวนา

เมื่อบรรทัดถูกกำหนดด้วยความรู้สึก - มันส่งทาสขึ้นไปบนเวที และที่นี่ศิลปะก็จบลง และดินและโชคชะตาก็หายใจ B. Pasternak แนวคิดของบทสนทนาการสนทนาเชื่อมโยงอยู่ในจิตใจของเรากับขอบเขตของภาษาด้วยคำพูดด้วยวาจากับการสื่อสาร...

ละครเป็นรูปแบบศิลปะ ลักษณะเฉพาะของการสร้างสรรค์ละคร

ละครเป็นรูปแบบศิลปะ

ศิลปะการแสดงละครเป็นศิลปะที่ซับซ้อนที่สุด มีประสิทธิภาพมากที่สุด และเก่าแก่ที่สุดอย่างหนึ่ง นอกจากนี้ยังมีความหลากหลายและสังเคราะห์ องค์ประกอบของศิลปะการแสดงละคร ได้แก่ สถาปัตยกรรม จิตรกรรมและประติมากรรม (ทิวทัศน์) และดนตรี (ฟังดูไม่เพียงแต่ในละครเพลงเท่านั้น แต่ยังบ่อยครั้งในการแสดงละครด้วย) และการออกแบบท่าเต้น (อีกครั้ง ไม่เพียงแต่ในบัลเล่ต์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงละครด้วย) และ วรรณกรรม (ข้อความที่ใช้แสดงละคร) และศิลปะการแสดง ฯลฯ ในบรรดาทั้งหมดที่กล่าวมา ศิลปะการแสดงเป็นสิ่งสำคัญที่กำหนดโรงละคร

ศิลปะการละครแตกต่างจากศิลปะอื่นๆ คือศิลปะที่มีชีวิต มันจะเกิดขึ้นในเวลาที่พบกับผู้ชมเท่านั้น มันขึ้นอยู่กับการติดต่อทางอารมณ์และจิตวิญญาณที่ขาดไม่ได้ระหว่างเวทีกับผู้ชม หากไม่มีการสัมผัสเช่นนี้ ก็หมายความว่าจะไม่มีประสิทธิภาพที่ดำเนินไปตามกฎความงามของมันเอง

โรงละครเป็นศิลปะส่วนรวมทวีคูณ ผู้ชมรับรู้ถึงการผลิตละครและการแสดงบนเวทีไม่เพียงแต่เพียงอย่างเดียว แต่โดยรวมคือ "รู้สึกเหมือนข้อศอกของเพื่อนบ้าน" ซึ่งช่วยเพิ่มความประทับใจและความแพร่หลายทางศิลปะของสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีอย่างมาก ในขณะเดียวกัน ความประทับใจนั้นไม่ได้มาจากนักแสดงเพียงคนเดียว แต่มาจากกลุ่มนักแสดง ทั้งบนเวทีและในหอประชุม ทั้งสองด้านของทางลาด พวกเขาใช้ชีวิต รู้สึก และกระทำ ไม่ใช่ปัจเจกบุคคล แต่เป็นผู้คน ซึ่งเป็นสังคมของผู้คนที่เชื่อมต่อถึงกันในช่วงเวลาหนึ่งด้วยความสนใจ จุดประสงค์ และการกระทำร่วมกัน

โดยส่วนใหญ่แล้ว นี่คือสิ่งที่กำหนดบทบาททางสังคมและการศึกษาอันมหาศาลของโรงละคร ศิลปะที่ถูกสร้างสรรค์และรับรู้ร่วมกันกลายเป็นโรงเรียนในความหมายที่แท้จริงของคำนี้ “โรงละคร” การ์เซีย ลอร์กา กวีชาวสเปนผู้โด่งดังเขียน “เป็นโรงเรียนแห่งน้ำตาและเสียงหัวเราะ เป็นเวทีอิสระที่ผู้คนสามารถประณามศีลธรรมที่ล้าสมัยหรือผิดศีลธรรม และอธิบายกฎนิรันดร์ของหัวใจมนุษย์และมนุษย์โดยใช้ตัวอย่างที่มีชีวิต ความรู้สึก."

บุคคลหนึ่งหันไปที่โรงละครเพื่อสะท้อนถึงมโนธรรมและจิตวิญญาณของเขา - เขาจำตัวเองเวลาและชีวิตของเขาในโรงละครได้ โรงละครเปิดโอกาสอันน่าทึ่งสำหรับการเรียนรู้ตนเองทางจิตวิญญาณและศีลธรรม

^ ลักษณะเฉพาะของการสร้างสรรค์ละคร

ศิลปะแต่ละชิ้นที่มีอิทธิพลพิเศษสามารถและควรมีส่วนสนับสนุนระบบทั่วไปของการศึกษาเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์

โรงละครมี "ความสามารถ" ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดไม่เหมือนกับรูปแบบศิลปะอื่นๆ มันดูดซับความสามารถของวรรณกรรมในการสร้างชีวิตขึ้นมาใหม่ด้วยคำพูดทั้งภายนอกและภายใน แต่คำนี้ไม่ใช่การเล่าเรื่อง แต่ฟังดูมีชีวิตและมีประสิทธิภาพโดยตรง ยิ่งไปกว่านั้น ไม่เหมือนกับวรรณกรรม โรงละครสร้างความเป็นจริงขึ้นมาใหม่ไม่ได้อยู่ในใจของผู้อ่าน แต่เป็นภาพชีวิต (การแสดง) ที่มีอยู่ในอวกาศ และด้วยเหตุนี้ โรงละครจึงเข้าใกล้การวาดภาพมากขึ้น แต่การแสดงละครเป็นการเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่อง และพัฒนาขึ้นเมื่อเวลาผ่านไป และด้วยวิธีนี้ การแสดงจึงใกล้เคียงกับดนตรี การดื่มด่ำไปกับโลกแห่งประสบการณ์ของผู้ชมนั้นคล้ายคลึงกับสภาวะที่ผู้ฟังเพลงสัมผัสได้ ซึ่งจมอยู่ในโลกแห่งการรับรู้เสียงตามอัตวิสัยของเขาเอง

แน่นอนว่า ละครไม่มีทางมาแทนที่งานศิลปะรูปแบบอื่นๆ ได้อย่างแน่นอน ลักษณะเฉพาะของละครคือการนำ “คุณสมบัติ” ของวรรณกรรม ภาพวาด และดนตรีมาผ่านภาพลักษณ์ของคนมีชีวิตและนักแสดง วัสดุของมนุษย์โดยตรงสำหรับงานศิลปะประเภทอื่นๆ นี้เป็นเพียงจุดเริ่มต้นของความคิดสร้างสรรค์เท่านั้น สำหรับโรงละคร “ธรรมชาติ” ไม่เพียงแต่ทำหน้าที่เป็นวัสดุเท่านั้น แต่ยังได้รับการอนุรักษ์ให้มีความมีชีวิตชีวาในทันทีอีกด้วย ดังที่นักปรัชญา G. G. Shpet ตั้งข้อสังเกตว่า: “ นักแสดงสร้างตัวเองในสองความหมาย: 1) เช่นเดียวกับศิลปินคนใดคนหนึ่งจากจินตนาการที่สร้างสรรค์ของเขา; และ 2) โดยเฉพาะการมีเนื้อหาที่ใช้สร้างภาพศิลปะในตัวของตัวเอง”

ศิลปะการละครมีความสามารถอันน่าทึ่งในการผสานเข้ากับชีวิต แม้ว่าการแสดงบนเวทีจะเกิดขึ้นที่อีกด้านหนึ่งของเวที แต่ในช่วงเวลาที่มีความตึงเครียดสูงสุด การแสดงจะเบลอเส้นแบ่งระหว่างศิลปะกับชีวิต และผู้ชมจะมองว่าเป็นความจริง พลังอันน่าดึงดูดใจของละครอยู่ที่ความจริงที่ว่า "ชีวิตบนเวที" แสดงออกอย่างอิสระในจินตนาการของผู้ชม

การพลิกผันทางจิตวิทยานี้เกิดขึ้นเพราะโรงละครไม่ได้มีเพียงคุณลักษณะของความเป็นจริงเท่านั้น แต่ในตัวมันเองยังเผยให้เห็นความเป็นจริงที่สร้างขึ้นอย่างมีศิลปะอีกด้วย ความเป็นจริงในการแสดงละครที่สร้างความประทับใจในความเป็นจริงมีกฎหมายพิเศษของตัวเอง ความจริงของละครไม่สามารถวัดได้ด้วยเกณฑ์ความจริงในชีวิตจริง บุคคลไม่สามารถแบกรับภาระทางจิตวิทยาที่พระเอกของละครต้องเผชิญในชีวิตได้เพราะในโรงละครมีการควบแน่นของเหตุการณ์ทั้งหมดอย่างรุนแรง ฮีโร่ของบทละครมักจะสัมผัสกับชีวิตภายในของเขาว่าเป็นก้อนแห่งความหลงใหลและมีสมาธิสูง และทั้งหมดนี้ถือเป็นการยอมรับจากผู้ชม “ เหลือเชื่อ” ตามมาตรฐานของความเป็นจริงตามวัตถุประสงค์ไม่ใช่สัญญาณของความไม่น่าเชื่อถือในงานศิลปะเลย ในละคร “ความจริง” และ “ความเท็จ” มีเกณฑ์ที่แตกต่างกันและถูกกำหนดโดยกฎแห่งการคิดเชิงจินตนาการ “ศิลปะมีประสบการณ์เป็นความจริงในความสมบูรณ์ของ “กลไก” ทางจิตของเรา แต่ในขณะเดียวกันก็ได้รับการประเมินในคุณภาพเฉพาะของงานศิลปะที่เล่นด้วยมือ “ไม่จริง” ดังที่เด็กๆ พูด ว่าเป็นภาพลวงตาของความเป็นจริงเป็นสองเท่า”

ผู้มาเยี่ยมชมโรงละครจะกลายเป็นผู้ชมละครเมื่อเขารับรู้ถึงสองแง่มุมของการแสดงบนเวที ไม่เพียงแต่ได้เห็นการแสดงที่เป็นรูปธรรมต่อหน้าเขาเท่านั้น แต่ยังเข้าใจความหมายภายในของการแสดงนี้ด้วย สิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีให้ความรู้สึกว่าเป็นความจริงของชีวิตและเป็นการพักผ่อนหย่อนใจโดยนัย ในเวลาเดียวกันเป็นสิ่งสำคัญที่จะต้องทราบว่าผู้ชมเริ่มใช้ชีวิตในโลกแห่งโรงละครโดยไม่สูญเสียความรู้สึกที่แท้จริง ความสัมพันธ์ระหว่างความเป็นจริงกับความเป็นจริงในละครค่อนข้างซับซ้อน กระบวนการนี้มีสามขั้นตอน:

1. ความเป็นจริงของความเป็นจริงที่แสดงให้เห็นอย่างเป็นกลาง ซึ่งเปลี่ยนจากจินตนาการของนักเขียนบทละครให้กลายเป็นผลงานละคร

2. ผลงานละครที่รวบรวมโดยโรงละคร (ผู้กำกับ, นักแสดง) เข้าสู่ชีวิตบนเวที - การแสดง

3. ชีวิตบนเวทีที่ผู้ชมรับรู้และกลายเป็นส่วนหนึ่งของประสบการณ์ผสมผสานกับชีวิตของผู้ชมจึงกลับมาสู่ความเป็นจริงอีกครั้ง

แต่ "การกลับมา" นี้ไม่ได้คล้ายคลึงกับแหล่งดั้งเดิม บัดนี้ ได้รับการเสริมแต่งทั้งทางวิญญาณและสุนทรียศาสตร์ “งานศิลปะถูกสร้างขึ้นเพื่อให้มันมีชีวิต - มีชีวิตแทบจะเป็นตัวอักษร

คำนี้ก็คือ เข้ามาเหมือนเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในชีวิตจริง

สู่ประสบการณ์ทางจิตวิญญาณของทุกคนและมวลมนุษยชาติ"

การผสมผสานของจินตนาการที่กระตือรือร้นสองประเภท - ของนักแสดงและผู้ชม - ทำให้เกิดสิ่งที่เรียกว่า "ความมหัศจรรย์ของโรงละคร" ข้อดีของศิลปะการแสดงละครคือสามารถรวบรวมจินตนาการให้กลายเป็นการแสดงสดบนเวทีได้อย่างชัดเจนและเป็นรูปธรรม ในศิลปะอื่นๆ โลกจินตนาการอาจปรากฏในจินตนาการของมนุษย์ เช่น ในวรรณคดีและดนตรี หรือปรากฏในหินหรือบนผืนผ้าใบ เช่น ในประติมากรรมหรือภาพวาด ในโรงละคร ผู้ชมมองเห็นจินตนาการ “การแสดงทุกครั้งประกอบด้วยองค์ประกอบทางกายภาพและวัตถุประสงค์ที่ผู้ชมทุกคนสามารถเข้าถึงได้”

ศิลปะการแสดงโดยธรรมชาติแล้วไม่ได้ถือเป็นการมีส่วนร่วมของผู้ชมเฉยๆ แต่เป็นการมีส่วนร่วมอย่างแข็งขัน เพราะไม่มีศิลปะอื่นใดที่ต้องอาศัยกระบวนการสร้างสรรค์ในการรับรู้เช่นเดียวกับในโรงละคร ผู้ฟังของ G.D. Gachev นั้น“ เปรียบเสมือนสิ่งมีชีวิตบนท้องฟ้าเหมือนอาร์กัสพันตา<...>จุดประกายการเคลื่อนไหวบนเวที<...>เพราะโลกของเวทีย่อมเกิดขึ้นเองปรากฏแต่เป็นผลงานของผู้ชมเช่นเดียวกัน”

กฎพื้นฐานของโรงละคร - การมีส่วนร่วมภายในของผู้ชมในเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นบนเวที - กระตุ้นให้เกิดจินตนาการ ความคิดสร้างสรรค์ที่เป็นอิสระภายในในตัวผู้ชมแต่ละคน การถูกจองจำในฉากแอ็คชั่นนี้ทำให้ผู้ชมแตกต่างจากผู้สังเกตการณ์ที่ไม่แยแสซึ่งพบได้ในห้องโถงโรงละครด้วย ผู้ชมเป็นศิลปินที่ใคร่ครวญไม่เหมือนกับนักแสดง แต่เป็นศิลปินที่กระตือรือร้น

จินตนาการที่กระตือรือร้นของผู้ชมไม่ใช่ทรัพย์สินทางจิตวิญญาณพิเศษของผู้รักศิลปะที่ได้รับการคัดเลือก แน่นอนว่ารสนิยมทางศิลปะที่ได้รับการพัฒนานั้นมีความสำคัญอย่างยิ่ง แต่นี่เป็นคำถามของการพัฒนาหลักการทางอารมณ์ที่มีอยู่ในตัวทุกคน “รสนิยมทางศิลปะเปิดทางให้ผู้อ่าน ผู้ฟัง และผู้ชมจากรูปแบบภายนอกสู่ภายใน และจากรูปแบบนั้นไปสู่เนื้อหาของงาน เพื่อให้เส้นทางนี้สำเร็จได้สำเร็จ การมีส่วนร่วมของจินตนาการและความทรงจำ พลังทางอารมณ์และสติปัญญาของจิตใจ ความตั้งใจและความสนใจ และสุดท้าย ศรัทธาและความรักเป็นสิ่งจำเป็น นั่นคือ พลังทางจิตแบบองค์รวมที่ซับซ้อนแบบเดียวกับที่ ดำเนินการสร้างสรรค์”

จิตสำนึกของความเป็นจริงทางศิลปะในกระบวนการรับรู้นั้นลึกซึ้งยิ่งขึ้น ยิ่งผู้ชมดื่มด่ำไปกับขอบเขตของประสบการณ์อย่างเต็มที่ ศิลปะที่มีหลายชั้นก็จะเข้าสู่จิตวิญญาณของมนุษย์มากขึ้นเท่านั้น มันอยู่ที่ทางแยกของสองทรงกลมนี้ - ประสบการณ์ไร้สติและการรับรู้อย่างมีสติเกี่ยวกับศิลปะที่มีจินตนาการอยู่ มันมีอยู่ในจิตใจของมนุษย์ในขั้นต้น โดยธรรมชาติแล้ว ทุกคนสามารถเข้าถึงได้ และสามารถพัฒนาได้อย่างมีนัยสำคัญในระหว่างการสั่งสมประสบการณ์ด้านสุนทรียศาสตร์

การรับรู้ด้านสุนทรียศาสตร์เป็นความคิดสร้างสรรค์ของผู้ชม และสามารถเข้าถึงความเข้มข้นที่ยิ่งใหญ่ได้ ยิ่งธรรมชาติของผู้ชมสมบูรณ์มากขึ้น ความรู้สึกทางสุนทรีย์ของเขาก็ยิ่งพัฒนามากขึ้น ประสบการณ์ทางศิลปะของเขาที่สมบูรณ์ยิ่งขึ้น จินตนาการของเขาที่กระฉับกระเฉงมากขึ้น และความประทับใจในการแสดงละครของเขาก็จะยิ่งมากขึ้นเท่านั้น

สุนทรียภาพแห่งการรับรู้มุ่งเน้นไปที่ผู้ดูในอุดมคติเป็นส่วนใหญ่ ในความเป็นจริง กระบวนการปลูกฝังวัฒนธรรมการแสดงละครอย่างมีสติอาจทำให้ผู้ชมได้รับความรู้เกี่ยวกับศิลปะและฝึกฝนทักษะการรับรู้บางอย่าง ผู้ชมที่ได้รับการศึกษาอาจ:

รู้จักโรงละครตามกฎหมายของตัวเอง

รู้จักโรงละครด้วยกระบวนการที่ทันสมัย

รู้จักโรงละครในการพัฒนาทางประวัติศาสตร์

ในเวลาเดียวกัน เราควรตระหนักว่าความรู้ที่เก็บไว้ในหัวของผู้ดูไม่ได้รับประกันการรับรู้เต็มรูปแบบ กระบวนการสร้างวัฒนธรรมผู้ชมมีคุณสมบัติของ "กล่องดำ" ในระดับหนึ่ง ซึ่งในแง่ปริมาณไม่ได้รวมเข้ากับปรากฏการณ์เชิงคุณภาพโดยตรงเสมอไป

โรงละครเป็นศิลปะที่น่าทึ่ง หากเพียงเพราะในช่วงศตวรรษที่ผ่านมามีการคาดการณ์การเสียชีวิตอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ของเขาหลายครั้ง เขาถูกคุกคามโดยผู้เงียบงันผู้ได้รับคำพูด - ดูเหมือนว่าโรงภาพยนตร์เสียงจะพาผู้ชมทั้งหมดออกจากโรงละคร จากนั้นภัยคุกคามก็มาจากโทรทัศน์ เมื่อมีปรากฏการณ์ดังกล่าวเข้ามาในบ้านโดยตรง และต่อมาพวกเขาก็เริ่มกลัวการแพร่กระจายของวิดีโอและอินเทอร์เน็ตอย่างรุนแรง

อย่างไรก็ตาม หากเรามุ่งเน้นไปที่แนวโน้มทั่วไปของการดำรงอยู่ของศิลปะการแสดงละครในโลก ก็ไม่น่าแปลกใจที่ในช่วงต้นศตวรรษที่ 21 โรงละครไม่เพียงแต่รักษาตัวเองไว้เท่านั้น แต่ยังเริ่มเน้นย้ำอย่างชัดเจนถึงสิ่งที่ไม่ใช่มวลชนและ ในแง่หนึ่งก็คือ “ลัทธิชนชั้นนำ” ของศิลปะของมัน แต่ในแง่เดียวกัน เราสามารถพูดถึงความมีระดับของวิจิตรศิลป์หรือดนตรีคลาสสิกได้หากเราเปรียบเทียบผู้ชมหลายล้านคนที่นักแสดงยอดนิยมรวมตัวกันกับผู้ชมในจำนวนจำกัดที่เรือนกระจก

ในละครสังเคราะห์แห่งยุคสมัยใหม่ ความสัมพันธ์ดั้งเดิมระหว่างหลักการหลักที่สำคัญ - ความจริงและเรื่องแต่ง - ปรากฏอยู่ในความสามัคคีที่ไม่ละลายน้ำ การสังเคราะห์นี้เกิดขึ้นทั้งในฐานะการกระทำแห่งประสบการณ์ (การรับรู้ถึงความจริงของชีวิต) และในฐานะการกระทำเพื่อความพึงพอใจทางสุนทรีย์ (การรับรู้บทกวีของโรงละคร) จากนั้นผู้ชมจะไม่เพียง แต่เป็นผู้มีส่วนร่วมทางจิตวิทยาในการแสดงเท่านั้นนั่นคือบุคคลที่ "ดูดซับ" ชะตากรรมของฮีโร่และเสริมกำลังทางจิตวิญญาณ แต่ยังเป็นผู้สร้างที่ดำเนินการสร้างสรรค์ในจินตนาการของเขาพร้อมกับสิ่งที่เกิดขึ้น บนเวที. ประเด็นสุดท้ายนี้มีความสำคัญอย่างยิ่ง และเป็นจุดศูนย์กลางในการให้ความรู้ด้านสุนทรียภาพของผู้ชม

แน่นอนว่าผู้ชมแต่ละคนอาจมีความคิดของตัวเองเกี่ยวกับการแสดงในอุดมคติ แต่ในทุกกรณี มันขึ้นอยู่กับ "โปรแกรม" บางประการของข้อกำหนดสำหรับงานศิลปะ “ความรู้” ประเภทนี้บ่งบอกถึงความเป็นผู้ใหญ่ของวัฒนธรรมผู้ชม

วัฒนธรรมของผู้ชมส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับลักษณะของงานศิลปะที่เสนอให้กับผู้ชม ยิ่งงานมอบหมายให้เขาซับซ้อนมากขึ้น - สุนทรียภาพ, จริยธรรม, ปรัชญา - ยิ่งความคิดเข้มข้นมากเท่าไหร่อารมณ์ก็จะยิ่งคมชัดยิ่งขึ้นเท่านั้น การแสดงรสนิยมของผู้ชมก็จะยิ่งละเอียดอ่อนมากขึ้นเท่านั้น สำหรับสิ่งที่เราเรียกว่าวัฒนธรรมของผู้อ่าน ผู้ฟัง หรือผู้ชมนั้นเกี่ยวข้องโดยตรงกับการพัฒนาบุคลิกภาพของบุคคลนั้น ขึ้นอยู่กับการเติบโตทางจิตวิญญาณของเขา และส่งผลต่อการเติบโตทางจิตวิญญาณของเขาต่อไป

ความสำคัญของงานที่โรงละครแสดงต่อผู้ชมในแง่จิตวิทยานั้นอยู่ที่ความจริงที่ว่าภาพศิลปะซึ่งได้รับความซับซ้อนและความไม่สอดคล้องกันนั้นถูกผู้ชมรับรู้เป็นอันดับแรกว่าเป็นตัวละครที่มีอยู่จริงและมีอยู่จริงและจากนั้นตาม เขาคุ้นเคยกับภาพและคิดถึงการกระทำเผยให้เห็น (ราวกับเป็นอิสระ) แก่นแท้ภายในของมันความหมายทั่วไปของมัน

ในแง่ของสุนทรียภาพ ความซับซ้อนของงานอยู่ที่การที่ผู้ชมรับรู้ภาพบนเวทีไม่เพียงแต่ตามเกณฑ์ของความจริงเท่านั้น แต่ยังรู้วิธี (เรียนรู้) ที่จะถอดรหัสความหมายเชิงเปรียบเทียบเชิงกวีของมันด้วย

ดังนั้น ลักษณะเฉพาะของศิลปะการแสดงละครคือบุคคลที่มีชีวิต ในฐานะวีรบุรุษที่มีประสบการณ์โดยตรงและเป็นศิลปินผู้สร้างโดยตรง และกฎที่สำคัญที่สุดของการละครก็คือผลกระทบโดยตรงต่อผู้ชม

“ผลกระทบของโรงละคร” หรือความชัดเจน ไม่เพียงแต่ถูกกำหนดโดยศักดิ์ศรีของความคิดสร้างสรรค์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงศักดิ์ศรีและวัฒนธรรมสุนทรียะของหอประชุมด้วย ผู้ปฏิบัติงานละครเอง (ผู้กำกับและนักแสดง) ส่วนใหญ่มักเขียนและพูดถึงผู้ชมในฐานะผู้ร่วมสร้างการแสดง: “ ไม่มีการแสดงละครใดหากปราศจากการมีส่วนร่วมของผู้ชมและละครจะมีโอกาสประสบความสำเร็จก็ต่อเมื่อ ผู้ชมเองก็ "แพ้" เกม เช่น ... ยอมรับกฎของเกมและเล่นบทบาทของคนที่เห็นอกเห็นใจหรือกำจัดตนเอง”

อย่างไรก็ตาม การตื่นตัวของศิลปินในตัวผู้ชมจะเกิดขึ้นก็ต่อเมื่อผู้ชมสามารถรับรู้เนื้อหาที่มีอยู่ในการแสดงได้ทั้งหมด หากเขาสามารถขยายขอบเขตสุนทรียภาพของเขาและเรียนรู้ที่จะเห็นสิ่งใหม่ ๆ ในงานศิลปะหากในขณะที่ ยังคงยึดมั่นในสไตล์ศิลปะที่เขาชื่นชอบเขาไม่กลายเป็นคนหูหนวกและทิศทางที่สร้างสรรค์อื่น ๆ หากเขาสามารถเห็นการตีความใหม่ของงานคลาสสิกและสามารถแยกแผนของผู้กำกับออกจากการดำเนินการของนักแสดงได้ .. มี "ifs" ดังกล่าวอีกมากมายที่สามารถตั้งชื่อได้ ด้วยเหตุนี้ เพื่อให้ผู้ชมมีส่วนร่วมในความคิดสร้างสรรค์ เพื่อให้ศิลปินตื่นตัวในตัวเขา ในขั้นตอนการพัฒนาโรงละครของเราในปัจจุบัน จึงมีความจำเป็นที่จะต้องเพิ่มวัฒนธรรมทางศิลปะของผู้ชมโดยทั่วไป