Современное японское искусство. CraftsGirl
Современная японская художественная сцена кажется полностью глобализированной. Художники курсируют между Токио и Нью-Йорком, почти все получали европейское или американское образование, о своих работах говорят на интернациональном арт-английском. Однако картина эта далека от полноты.
Национальные формы и тренды оказываются одним из наиболее востребованных товаров, которые Япония может предложить мировому рынку художественных идей и произведений.
Плоскостная операция. Как течение superflat сочетает американскую гик-культуру и традиционную японскую живопись
Такаси Мураками. «Тан Тан Бо»Если в западном мире почти для всех (кроме, может быть, самых ярых теоретиков постмодерна) граница между высокой и массовой культурой до сих пор остается релевантной, хоть и проблематичной, то в Японии эти миры тотально смешаны.
Примером тому служит Такаси Мураками, который успешно совмещает выставки в лучших галереях мира и потоковое производство.
Запись экскурсии по выставке Мураками «Будет ласковый дождь»
Впрочем, отношения Мураками с массовой культурой - а для Японии это в первую очередь культура фанатов манги и аниме (отаку) - устроены сложнее. Философ Хироки Адзума критикует понимание отаку как аутентичного японского явления. Отаку считают себя связанные напрямую с традициями периода Эдо XVII–XIX веков - эпохой изоляционизма и отказа от модернизации. Адзума же утверждает, что движение отаку - завязанное на манге, анимации, графических романах, компьютерных играх - могло возникнуть только в контексте послевоенной американской оккупации как результат импорта американской культуры. Искусство Мураками и его последователей заново изобретает отаку методами поп-арта и развенчивает националистический миф об аутентичности этой традиции. Оно представляет собой «ре-американизацию японизированной американской культуры».
С искусствоведческой точки зрения superflat ближе всего к ранней японской живописи укиё-э. Самое известное произведение в этой традиции - гравюра «Большая волна в Канагаве» Кацусики Хокусая (1823–1831).
Для западного модернизма открытие японской живописи было прорывом. Оно позволило увидеть картину как плоскость и стремится не преодолеть эту ее особенность, а работать с ней.
Кацусики Хокусай. «Большая волна в Канагаве»
Пионеры перформанса. Что значит японское искусство 1950-х сегодня
Документация творческого процесса Акиры Канаямы и Кадзуо Сираги
Superflat оформилось только в нулевые. Но значимые для мирового искусства художественные акции начались в Японии гораздо раньше - и даже раньше, чем на Западе.
Перформативный поворот в искусстве произошел на рубеже 60-х и 70-х годов прошлого века. В Японии же перформанс появился в еще пятидесятые.
Группа Gutai впервые перенесла внимание с создания самодостаточных объектов на процесс их производства. Отсюда - один шаг до отказа от арт-объекта в пользу эфемерного события.
Хотя отдельные художники из Gutai (а всего их за двадцать лет набралось 59) активно существовали в международном контексте, осмысление как их коллективной деятельности японского послевоенного искусства вообще началось на Западе совсем недавно. Бум пришелся на 2013 год: несколько выставок в небольших галереях Нью-Йорка и Лос-Анджелеса, «Токио 1955–1970: новый авангард» в МoМА и масштабная историческая ретроспектива “Gutai: Splendid Playground” в Музее Гуггенхайма. Московский импорт японского искусства кажется почти не запоздавшим продолжением этой тенденции.
Садамаса Мотонага. Work (Water) в Музее Гуггенхайма
Поражает, насколько современно смотрятся эти ретроспективные выставки. Вот, например, центральный объект экспозиции в Музее Гуггенхайма - реконструкция Work (Water) Садамасы Мотонаги, в которой уровни музейной ротонды соединены полиэтиленовыми трубками с цветной водой. Они напоминают мазки кистью, которые были оторваны от холста, и служат примером центрального для Gutai фокуса на «конкретности» (так переводится с японского название группы), материальности объектов, с которыми работает художник.
Многие участники Gutai получили образование, связанное с классической живописью нихонга, многие биографически привязаны к религиозному контексту дзен-буддизма, к характерной для него японской каллиграфии. Все они находили новый, процессуальный или партиципаторный (связанный с участием зрителей. - Прим. ред.), подход к древним традициям. Кадзуо Сирага записывал на видео, как ногами рисует свои предвосхитившие Раушенберга монохромы, и даже создавал картины публично.
Минору Йошида превращал цветы с японских гравюр в психоделические объекты - примером тому может быть Bisexual Flower, одна из первых кинетических (движущихся) скульптур в мире.
Кураторы выставки в Музее Гуггенхайма рассказывают о политическом значении этих работ:
«Gutai продемонстрировали важность свободных индивидуальных действий, разрушения зрительских ожиданий и даже глупости как способов противостоять общественной пассивности и конформизму, которые за несколько десятков лет позволили милитаристскому правительству обрести критическую массу влиятельности, вторгнуться в Китай и затем присоединиться ко Второй мировой войне».
Хорошие и мудрые. Зачем в 1960-е художники уезжали из Японии в Америку
Gutai был исключением из правил в послевоенной Японии. Авангардные группировки оставались маргинальными, арт-мир был строго иерархичен. Основным путем к признанию было участие в конкурсах, которые проводили признанные объединения художников-классиков. Поэтому многие предпочитали уехать на Запад и встроиться в англоязычную арт-систему.
Особенно тяжело приходилось женщинам. Даже в прогрессивном Gutai доля их присутствия не доходила и до пятой части. Что уж говорить про традиционные институты, для доступа в которые необходимо было специальное образование. К шестидесятым девушки уже приобрели право на него, однако обучение искусству (если речь не шла о декоративном, которое входило в комплект навыков ryosai kenbo - хорошей жены и мудрой матери) было социально не одобряемым занятием.
Йоко Оно. Cut Piece
Сюжет об эмиграции пяти мощных японских художниц из Токио в Штаты стал темой исследования Мидори Йошимото “Into Performance: Japanese Women Artists in New York”. Яёи Кусама, Такако Саито, Миэко Сиоми и Сигеко Кубота на старте карьеры приняли решение уехать в Нью-Йорк и работали там, в том числе и над модернизацией традиций японского искусства. Только Йоко Оно выросла в США - но и она сознательно отказалась от возвращения в Японию, разочаровавшись в художественной иерархии Токио во время короткого пребывания в 1962–1964 годах.
Оно стала самой известной из этих пяти - не только как жена Джона Леннона, но и как авторка протофеминистских перформансов, посвященных объективации женского тела. Очевидны параллели между Cut Piece Оно, в котором зрители могли отрезать куски одежды художницы, и «Ритмом 0» «бабушки перформанса» Марины Абрамович.
На коротких ногах. Как пройти авторский актерский тренинг Тадаси Судзуки
В случае с Оно и Gutai международно значимыми стали методы и тематика их работы, отделенные от авторов. Есть и иные формы экспорта - когда работы художника с интересом воспринимаются на международной арене, но заимствования собственно метода не происходит из-за его специфичности. Самый яркий случай - система актерского тренинга Тадаси Судзуки.
Театр Судзуки любят даже в России - и это неудивительно. Последний раз он был у нас в 2016 году со спектаклем «Троянки» по текстам Еврипида, а в нулевые несколько раз приезжал с постановками Шекспира и Чехова. Судзуки переносил действие пьес в актуальный японский контекст и предлагал неочевидные интерпретации текстов: обнаруживал в «Иванове» антисемитизм и сравнивал его с пренебрежительным отношением японцев к китайцам, переносил действие «Короля Лира» в японский сумасшедший дом.
Судзуки выстраивал свою систему в оппозиции к российской театральной школе. В конце XIX века, в так называемый период мейдзи, модернизирующаяся имперская Япония переживала подъем оппозиционных движений. Результатом стала масштабная вестернизация до того предельно закрытой культуры. Среди импортированных форм была и система Станиславского, которая до сих пор остается в Японии (да и в России) одним из магистральных режиссерских методов.
Упражнения Судзуки
В шестидесятые, когда Судзуки начинал свою карьеру, все больше распространялся тезис о том, что из-за своих телесных особенностей японские актеры не могут вжиться в роли из западных текстов, которыми заполнился тогдашний репертуар. Молодому режиссеру удалось предложить самую убедительную альтернативу.
Система упражнений Судзуки, названная грамматикой ног, включает в себя десятки способов сидеть, еще больше - стоять и ходить.
Его актеры обычно играют босиком и кажутся, за счет снижения центра тяжести, максимально плотно привязанными к земле, тяжелыми. Судзуки учит их и зарубежных участников спектаклей своей технике в деревне Тога, в заполненных современным оборудованием старинных японских домах. Его труппа дает всего лишь около 70 представлений в год, а все остальное время живет, почти не выезжая из деревни и не имея времени на личные дела - только работа.
Центр в Тоге появился в семидесятые, его спроектировал по просьбе режиссера всемирно известный архитектор Арата Исодзака. Система Судзуки могла бы показаться патриархальной и консервативной, но сам он рассуждает о Тоге в современных категориях децентрализации. Еще в середине нулевых Судзуки понимал значимость экспорта искусства из столицы в регионы и организации точек производства на местах. По словам режиссера, театральная карта Японии во многом напоминает российскую - искусство сконцентрировано в Токио и нескольких менее крупных центрах. Российскому театру тоже не помешала бы компания, которая регулярно выезжает на гастроли по небольшим городам и базируется в удалении от столицы.
Центр SCOT Company в Тоге
Цветочными тропами. Какой ресурс обнаружил современный театр в системах но и кабуки
Метод Судзуки растет из двух древних японских традиций - но и кабуки. Дело не только в том, что эти виды театра часто характеризуются как искусство ходить, но и в более очевидных деталях. Судзуки нередко следует правилу об исполнении всех ролей мужчинами, использует характерные пространственные решения, например ханамити («путь цветов») образца кабуки - помост, проходящий от сцены в глубь зрительного зала. Он эксплуатирует и совсем узнаваемые символы вроде цветов и свитков.
Конечно, в глобальном мире не идет речи о привилегии японцев на использовании своих национальных форм.
На заимствованиях из но построен театр одного из самых значительных режиссеров современности, американца Роберта Уилсона.
Он не только использует маски и грим, напоминающие массовому зрителю о Японии, но и заимствует способы актерского существования, основанные на максимальном замедлении движения и самодостаточной выразительности жеста. Соединяя традиционные и отдающие ритуалом формы с ультрасовременными световыми партитурами и минималистичной музыкой (одна из самых известных работ Уилсона - постановка оперы Филиппа Гласса «Эйнштейн на пляже»), Уилсон по сути производит тот синтез истоков и актуальности, к которому стремится значительная часть современного искусства.
Роберт Уилсон. «Эйнштейн на пляже»
Из но и кабуки вырос и один из столпов современного танца - буто, в буквальном переводе - танец тьмы. Придуманный в 1959 году хореографами Кадзуо Оно и Тацуми Хидзикатой, которые также отталкивались от низкого центра тяжести и концентрации на ногах, буто представлял собой перенос размышлений о травматическом военном опыте в телесное измерение.
«Они демонстрировали тело больное, разрушающееся, даже монструозное, чудовищное. <…> Движения то замедленные, то нарочито резкие, взрывные. Для этого используется особая техника, когда движение осуществляется как будто без задействования основной мускулатуры, за счет костных рычагов скелета», - историк танца Ирина Сироткина вписывает буто в историю освобождения тела, связывает его с уходом от балетной нормативности. Она сравнивает буто с практиками танцовщиц и хореографок начала XX века - Айседоры Дункан, Марты Грэм, Мэри Вигман, говорит о влиянии на более поздний «постмодерный» танец.
Фрагмент танца Кацуры Кана, современного продолжателя традиции буто
Сегодня буто в его оригинальном виде уже не авангардная практика, но историческая реконструкция.
Однако словарь движений, разработанный Оно, Хидзикатой и их последователями, остается значимым ресурсом для современных хореографов. На Западе от используется Димитрисом Папаиоанну, Антоном Адасинским и даже в клипе на “Belong To The World” The Weekend’а. В Японии продолжателем традиции буто, является, например, Сабуро Тесигавара, который в октябре приедет в Россию. Хотя сам он открещивается от параллелей с танцем тьмы, критики находят вполне узнаваемые признаки: кажущееся бескостным тело, хрупкость, бесшумность шага. Правда, они помещены уже в контекст постмодернистской хореографии - с ее высоким темпом, пробежками, работой с постиндустриальной шумовой музыкой.
Сабуро Тесигавара. Metamorphosis
Локально глобальные. Чем современное японское искусство все-таки похоже на западное
Работы Тесигавары и множества его коллег органично вписываются в программы лучших западных фестивалей современного танца. Если бегло просматривать описания перформансов и спектаклей, которые показывали на Festival/Tokyo - крупнейшем ежегодном показе японского театра, то заметить принципиальные отличия от европейских тенденций будет трудно.
Одной из центральных тем становится сайт-специфичность - японские художники исследуют пространства Токио в диапазоне от сгустков капитализма в форме небоскребов до маргинальных районов концентрации отаку.
Другая тема - проработка межпоколенческого непонимания, театр как место живой встречи и организованной коммуникации людей разных возрастов. Посвященные ей проекты Тосики Окады и Акиры Танаямы несколько лет подряд привозили в Вену на один из ключевых европейских фестивалей перформативных искусств. В переносе на сцену документальных материалов и личных историй к концу нулевых годов уже не было ничего нового, но кураторка Венского фестиваля представляла публике эти проекты как возможность живого, точечного контакта с другой культурой.
Еще одна магистральная линия - проработка травматического опыта. Для японцев он связан не с ГУЛАГом или холокостом, а с бомбардировкой Хиросимы и Нагасаки. Театр обращается к нему постоянно, но самое мощное высказывание об атомных взрывах как моменте генезиса всей современной японской культуры все же принадлежит Такаси Мураками.
к выставке “Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture”
“Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture” - название его кураторского проекта, показанного в Нью-Йорке в 2005 году. “Little Boy” - «малыш» по-русски - название одной из бомб, сброшенных на Японию в 1945 году. Собрав сотни манга-комиксов от ведущих иллюстраторов, характерные винтажные игрушки, сувенирную продукцию по мотивам знаменитых аниме - от Годзиллы до Hello Kitty, Мураками взвинтил концентрацию милого - каваии - в музейном пространстве до предела. Параллельно он запустил подборку анимации, в которой центральными образами становились картины взрывов, голой земли, разрушенных городов.
Такое противопоставление стало первым масштабным утверждением об инфантилизации японской культуры как способе справиться с посттравматическим синдромом.
Сейчас этот вывод кажется уже очевидным. На нем построено академическое исследование каваии Инухико Ёмота.
Встречаются и более поздние травматические триггеры. Из самого важного - события 11 марта 2011 года, землетрясение и цунами, приведшие к крупной аварии на АЭС «Фукусима». На Festival/Tokyo-2018 целая программа из шести перформансов была посвящена осмыслению последствий природно-технологической катастрофы; они стали и темой для одной из представленных на «Солянке» работ. На этом примере отчетливо видно, что арсенал критических методов у западного и японского искусства принципиально не отличается. Харуюки Ишии создает инсталляцию из трех телевизоров, на которых в зацикленном режиме демонстрируются смонтированные в высоком темпе и зацикленные кадры из телепрограмм о землетрясении.
«Работа составлена из 111 видеороликов, которые художник просматривал ежедневно в новостях до того момента, когда все, что он видел, не стало восприниматься вымыслом», - объясняют кураторы. «Новая Япония» представляет собой выразительный пример того, как искусство не сопротивляется основанной на национальных мифах интерпретации, но в то же время критический взгляд обнаруживает, что такая же интерпретация могла бы быть релевантна для искусства любого происхождения. Кураторы рассуждают о созерцании как об основе японской традиции, привлекая цитаты из Лао-цзы. При этом как бы оставляя за скобками, что почти все современное искусство сосредоточено на «эффекте наблюдателя» (так называется выставка) - будь то в форме создания новых контекстов восприятия привычных явлений или в постановке вопроса о возможности адекватного восприятия как таковой.
Imagined Communities - другая работа видеохудожника Харуюки Ишии
Дичь
Впрочем, не следует думать, что Япония образца 2010-х представляет собой концентрацию прогрессивности.
Не изжиты еще привычки старого доброго традиционализма и любовь к ориенталистской экзотике. «Театр девственниц» - так называется довольно восхищенная статья о японском театре «Такарадзука» в российском консервативном журнале «ПТЖ». «Такарадзука» появился в конце XIX века как бизнес-проект по привлечению туристов в отдаленный одноименный город, который случайно стал конечной станцией частной железной дороги. В театре играют только незамужние девушки, которые, по замыслу владельца железной дороги, и должны были приманивать в город зрителей-мужчин. Сегодня «Такарадзука» функционирует как индустрия - с собственным ТВ-каналом, плотной концертной программой, даже местным парком развлечений. Но в труппе по-прежнему имеют право состоять только незамужние девушки - будем надеяться, хотя бы на девственность не проверяют.
Впрочем, «Такарадзука» меркнет по сравнению с клубом Toji Deluxe в Киото, который японцы тоже называют театром. Там показывают совершенно дикое, судя по описанию колумниста New Yorker’а Иэна Бурумы, стриптиз-шоу: несколько раздетых девушек на сцене превращают в публичный ритуал демонстрацию половых органов.
Как и многие художественные практики, это шоу основано на древних легендах (с помощью свечи и увеличительного стекла мужчины из зала могли по очереди исследовать «секреты богини-матери Аматерасу»), а самому автору напомнило традицию но.
Поиск западных аналогов для «Такарадзуки» и Toji оставим на откуп читателю - обнаружить их нетрудно. Заметим лишь, что именно на борьбу с подобными практиками угнетения направлена значительная часть современного искусства - что западного, что японского в диапазоне от superflat до танца буто.
Пост рекламный, но впечатления, текст и фотографии свои.Современное искусство сложно судить или оценивать, так как оно изначально выводит себя за рамки такой возможности. Хорошо, что есть Алексей Лифанов
, который пусть и не японовед, но в исскустве разбирается лучше меня. Кто, если не Алексей, помог бы мне понять увиденное?
Да, японцы - народ странный. Впечатления от выставки на Гоголевском бульваре .
Экспонаты на выставке "Двойная перспектива" можно условно разделить на три части (по затронутой авторами тематике). Первая посвящена человеку и государству, роли идеологии в частной жизни, диктату социума над личностью. Вторая тема смежна: человек и его влияние на природу (при этом даже в рамках одной выставки разные художники выражали диаметрально противополодные взгляды). Третья тема сугубо японская и посвящена идеологии "лоли" и прочим эфебофильским штукам, которые процветают в японском обществе.
1. Произведения Кэндзи Янобэ замешаны на постапокалиптической эстетике, при этом, надо заметить, что без всякого "сталкеризма". Его творчество очень наивно на уровне метода. "Дитя солнца" - масштабная и трогательная скульптура. Каким должен быть человек, чтобы противостоять техногенному миру - смелым, решительным или непосредственным и наивным?
3. Продолжение темы в ещё более утрированно наивной стилистике.
4. Мотохико Одани рассуждает о половом созревании, сексуальности и её психологии. Напротив этой скульптуры куда более выразительная видеоинсталляция, но её нужно видеть воочию.
5. Макото Айда тему развивает. Дерево бонсай с девичьими головами - гиперболизированный символ извращённой любви. Символика прозрачна и вряд ли нуждается в пояснении.
6. Другое его произведение "Воспитанницы школы харакири". Графически - просто потрясающее.
7. Продолжение "детской" темы у Ёсимото Наро. Детские лица и недетские эмоции.
8. Такахиро Ивасаки создал из всякого мусора очень условную диараму некого города. Эстетика города, который на самом деле помойка - идея не новая, но интересно реализованная.
10. Картины Таданори Ёкоо - коллаж из аллюзий, цитат и архетипов. При этом колористика просто потрясает.
11. Яёи Кусама обратился к экзистенциальной эстетике бытия и небытия, создав команту, где пространство разламывается и распадается.
12. Ясумаса Моримура сделал пародию на пародию. Он изображает вовсе не Адольфа Гитлера, как может показаться, а Аденоида Гинкеля - персонажа из фильма Чаплина "Великий диктатор". Остальные его произведения посвящены уже непосредственным правителям и диктаторам, а суть ясна - угроза тотальной идеологии.
13. Зрителей немного, но те, что есть, очень воодушевлённо обсуждают увиденное. В целом складывается впечатление, что посетителям происходящее очень нравится.
14. Это голова Джорджа Буша. Джордж Буш поёт гимн США. Идея проста для понимкания - о вторжении идеологии и государства даже в личное пространство человека.
15. Крысы-покемоны. Моя любимая часть.
16. Часть выставки - фотографии. Местами интересно, местами - слишком интимно для понимания.
18. Фотографии Тосио Сибаты. Тут идея гармоничного сосуществования человека и природы решена в форме фотографий, по эстетике куда более близких абстракии, нежели реализму - настолько выверенная геометрия и композиция.
19. Один из приветов Ленину.
В любом случае выставки созданы, чтобы их посещать вживую, а не смотреть фотоотчёты в блогах. Многие произведения совершенно невозможно оценить в статике и в размерах экранного фото. Поэтому лучше сходить на выставку "Двойная перспектива" самому.
Партнер проекта, компания Sony, проводит конкурс и разыгрывает ноутбук и другие призы! Если пойдете на выставку, обязательно сфотографируйте экспонаты и напишите свои краткие впечатления. Чтобы принять участие в конкурсе, поделитесь
Будет проходить выставка современного японского искусства " Двойная перспектива " .
1. В современном искусстве японии есть много необычного. Например эти картины Идзуми Като созданы руками, без использования кисти
2. На первый взгляд может показаться, что это обычные лампочки. Но это работа с глубоким смыслом посвящена 38-й параллели, которая разделяет Северную и Южную Корею.
3. Конечно же в каждой работе есть какой-то глубокий не лежащий на поверхности смысл, но даже если вы его не найдёте можно просто восхититься, например,красотой это искусно сделаной розы.
4. это работы Кэндзи Янобе о том как человек может пережить конец света
6. это самая известная его работа " Дитя солнца " созданая после аварии на АЭС Фукусима.
8. Макото Айда "Бонсай Аи-тян"
9. это тоже соременное искусство японии
10. интерсный проект "В московских квартирах разыскивается Ленин" . Есинори Нива разыскивал в домах москвичей сохранившиеся предметы, связанные с личностью Ленина. Самое страное, что этим занимался не россиянен, а японец.
14. Кстати для этой работы были споьзованы чучелы настоящих крыс.
15. на этих фотографиях показаны страхи людей
В Эрмитаже идет любопытная выставка - Современное искусство Японии "МОНО-НО АВАРЭ. Очарование вещей".
Сказать, что я фанат современного искусства - я не могу. Мне больше нравится, когда есть что порассматривать (многодельная графика, или декоративно-прекладное искусство, этнос - это мое все). Восхищаться красотой чистого концепта мне не всегда прикольно. (Малевич, сорри!Черный квадрат я не люблю!)
Но сегодня я добралась до этой выставки!
Драгоценные, если вы в Питере, интересуетесь искусством и еще там не побывали, то выставка будет до 9ого февраля! Сходите, ибо интересно!
Меня мало убеждают концепты, как я уже писала выше. Я как-то посчитала, что за год посещения современных выставок, мне максимум кажутся забавными один - два объекта. А многие вещи меня настолько не трогают, что жалко времени, что я потратила. Но это есть в любом жанре, в любом искусстве, процент соотношения таланта и посредственности, хорошо если это один к десяти! Но эта выставка мне понравилась.
Разместились японские творения в выставочных залах Главного штаба. Первая инсталяция, которая встречает посетителей, это невероятного размера лабиринт, насыпанный солью на полу. Серый пол, белая соль, невероятно аккуратно размеченное пространство, сплетенное в одно поле. Большой выставочный зал, и белый орнамент, расползшийся по полу, как какой-то удивительный вьюн. Причем понимаешь, насколько временно это искусство. Выставка закроется, лабиринт сметут метлой. Я как то смотрела фильм, "Маленький Будда". И там в начале буддийский монах из цветного песка выкладывал сложный орнамент. А в конце фильма, монах сделал резкое движение кистью и титанический труд развеялся по ветру. То был, то хоп, и нет. И это говорит, цени красоту здесь и сейчас, все быстротечно. Так и этот лабиринт из соли, он вступает в диалог с тобой, ты начинаешь отвечать на вопросы, перед которыми он тебя ставит. Художник - Мотои Ямамото.
Да - да! Вот такой большой лабиринт, почувствовали масштаб?
Второй объект который пленяет, это огромный купол из полиэтилена и черной смолы Ясуаки Ониси. Необычно решено пространство. На черных тоньчайших неровных ниточках смолы висит, слегка шевелясь, купол....или гора со сложным рельефом. Когда заходишь внутрь, то видишь пестрый узор точек - мест прилипания смолы. Забавно, как будто черный дождь бесшумный идет, а ты под пологом.
Как придумалась такая техника? Забавно, да? Но в живую это выглядит "живее", купол слегка покачивается от создаваемого проходящими посетителями ветерка. И есть ощущение твоего взаимодействия с объектом. Ты можешь войти "в пещеру", посмотреть изнутри, как оно!
Но чтобы не сложилось впечатления, что все было только черно-белым, размещу здесь еще пару фотографий композиции, выполненной из соединенных вместе обручей. Такие цветные смешные пластиковые кудри! И тоже, ты можешь пройти сквозь эту комнату, внутри обручей, а можешь посмотреть на все извне.
Эти объекты понравились мне больше всего. Конечно же, скоро концептуальное современное искусство станет другим, созвучным новому времени. Оно не вернется к старому, и не останется таким, как сейчас. Оно изменится. Но чтобы понять, что было, куда несся поток и что и откуда возникает, надо знать, что происходит сейчас. И не чураться, что неееее, концепт не для меня, а попробовать увидеть его и оценить. Талантов мало, как и во все времена, но они есть. И если экспонаты находят отклик, то не все потеряно!!!
