Bildende Kunst und Architektur in der UdSSR. Konstruktivismus im sowjetischen politischen Plakat
Der auf Anregung W. I. Lenins angenommene Plan der „monumentalen Propaganda“ war der auffälligste Ausdruck der allgemeinen Prinzipien der neuen Kunst. Lenin sah das Hauptziel der „monumentalen Propaganda“ darin, die Kunst in den Dienst der Revolution zu stellen, das Volk im Geiste der neuen, kommunistischen Weltanschauung zu erziehen.
Zusammen mit der Abschaffung einiger Denkmäler, die „den Zarismus verherrlichten“, wurde angeordnet, künstlerische Kräfte zu mobilisieren und einen Wettbewerb zu organisieren, um Entwürfe für Denkmäler zu Ehren der Sozialistischen Oktoberrevolution zu entwickeln.
Ab Herbst 1918 erschienen auf den Straßen von Petrograd, Moskau und anderen Städten die ersten Werke „monumentaler Propaganda“: Denkmäler für Radischtschow, Stepan Rasin, Robespierre, Kaljajew, T. Schewtschenko und andere.
An der Umsetzung des Plans arbeiteten viele Bildhauer verschiedener kreativer Strömungen – N. Andreev, S. Konenkov, A. Matveev, V. Mukhina, S. Merkurov, V. Sinaisky, Architekten L. Rudnev, I. Fomin, D. Osipov , V. Mayat. Die Ideen des leninistischen Plans beeinflussten auch den weiteren Bereich der monumentalen und dekorativen Kunst – die festliche Dekoration von Städten, Massenumzüge usw. Prominente Künstler, darunter K. Petrov-Vodkin, beteiligten sich an der Gestaltung der Straßen von Moskau und Petrograd die Tage des ersten Jahrestages der Oktoberrevolution, B. Kustodiev, S. Gerasimov.
Ein charakteristisches Merkmal der bildenden Kunst der Revolutions- und Bürgerkriegszeit war die Propagandaorientierung, die die Bedeutung und Stellung ihrer einzelnen Gattungen bestimmte. Neben Denkmälern und Gedenktafeln wurde das Plakat zum Sprachrohr revolutionärer Ideen und Slogans, sprach die Sprache der Allegorie (A. Apsit), der politischen Satire (V. Denis) und erreichte dann in den klassischen Werken von D. Moor seinen Höhepunkt („Haben Sie sich als Freiwilliger angemeldet?“, „Hilfe“).
In ihrer Art unübertroffen waren auch „ROSTA Windows“ von V. Mayakovsky und M. Cheremnykh. Die „telegrafische“ Sprache dieser Plakate war bewusst vereinfacht, scharf und prägnant.
Die Kunst des Plakats war eng mit politischen Grafiken verbunden, die durch die Zeitschriften „Flame“, „Krasnoarmeyets“ und andere Zeitschriften weit verbreitet wurden. Revolutionäre Themen drangen auch in die Staffeleigrafik (Zeichnungen von B. Kustodiev) ein, insbesondere in die Gravuren auf Holz und Linoleum. „Truppen“ von V. Falileev, „Panzerwagen“ und „Kreuzer Aurora“ von N. Kupreyanov sind typische grafische Werke dieser Zeit. Sie zeichnen sich durch intensive Schwarz-Weiß-Kontraste aus, die die Rolle der Silhouette verstärken.
Die Ära der Revolution spiegelte sich auch in Buchillustrationen wider (Zeichnungen von Yu. Annenkov für „Die Zwölf“ von A. Blok, Umschläge und Lesezeichen von S. Chekhonin), diese Art von Kunst wurde jedoch eher mit Neuausgaben klassischer Literatur in Verbindung gebracht , vor allem die „Volksbibliothek“ (Werke von B. Kardovsky, E. Lansere und anderen).
In der Porträtgrafik waren Skizzen von W. I. Lenin aus der Natur (N. Altman, N. Andreev) von besonderem Wert. Eine Galaxie großer Meister (A. Benois, M. Dobuzhinsky, A. Ostroumova-Lebedeva) entwickelte Landschaftsgrafiken.
Die Staffeleimalerei der ersten nachrevolutionären Jahre war mehr als jede andere Kunstform dem Druck der „Linksfront“ ausgesetzt. Die Gemälde „Neuer Planet“ von K. Yuon, „Bolschewik“ von B. Kustodiev usw. zeugten vom Wunsch ihrer Autoren, die historische Bedeutung des Geschehens aufzudecken. Die für die gesamte sowjetische Kunst der Frühzeit charakteristische Allegorie drang sogar in die Landschaftsmalerei ein und führte zu einer so eigentümlichen Reaktion auf zeitgenössische Ereignisse wie beispielsweise A. Rylovs Gemälde „Im blauen Raum“.
Eine Sonderstellung nahm neben anderen Künsten die Architektur ein, deren Möglichkeiten in dieser Zeit nicht über die Gestaltung neuer Aufgaben hinausgingen.
20er Jahre
In den 20er Jahren. Unter den sowjetischen Künstlern gab es viele verschiedene Gruppen: die Vereinigung der Künstler des revolutionären Russland, die Gesellschaft der Staffeleikünstler, die Gesellschaft der Moskauer Künstler, die Gesellschaft der russischen Bildhauer usw.
Obwohl die sowjetische Kunst damals Übergangscharakter hatte, entwickelte sich darin nach und nach ein gemeinsamer Stil. In der Malerei kommt den klassischen Traditionen und insbesondere den Traditionen der russischen realistischen Schule eine entscheidende Bedeutung zu. Künstler wenden sich zunehmend der Gegenwart zu. Gemeinsam mit den Meistern der älteren Generation treten auch junge Maler auf. Für diese Zeit sind die Werke von S. Malyutin, A. Arkhipov, G. Ryazhsky im Porträtgenre, B. Ioganson im Alltagsgenre, M. Grekov, I. Brodsky, A. Gerasimov im historischen und revolutionären Genre, A . Rylov, N. Krymov, B. Yakovlev - in der Landschaft usw. Die Künstler, die sich vor der Revolution um die Zeitschrift „World of Art“ gruppierten, ehemalige Cezannes, ändern ihre Einstellung zur Umwelt, zu den Aufgaben der Kunst. P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Kuprin erleben die Blüte ihres Talents; das stilistische Werk von K. Petrov-Vodkin wurde in letzter Zeit mit echten, lebenswichtigen Inhalten gefüllt; Eine neue Herangehensweise an die Probleme der figurativen Ausdruckskraft spiegelt sich in den Werken von M. Saryan, S. Gerasimov ua wider. Die innovativen Tendenzen der sowjetischen Malerei kamen im Gemälde „Verteidigung Petrograds“ von A. Deineka (1928) besonders deutlich zum Ausdruck.
Politische Karikaturen (B. Efimov, L. Brodaty und andere) nahmen in der Grafik einen herausragenden Platz ein. Gleichzeitig wächst die Bedeutung der Buchillustration, insbesondere des Buchholzschnitts (A. Kravchenko, P. Pavlinov und andere). Sein größter Meister, V. Favorsky, legte den Grundstein für eine ganze kreative Bewegung. Erfolgreich war auch die Entwicklung von Staffeleizeichnungen in Kohle, Bleistift, Lithographie oder schwarzem Aquarell (N. Kupreyanov, N. Ulyanov, G. Vereisky, M. Rodionov).
Skulptur der 20er Jahre verfolgte weiterhin die Ideen von Lenins Plan der „monumentalen Propaganda“. Das Aufgabenspektrum hat sich merklich erweitert, die Porträtskulptur hat große Erfolge erzielt (A. Golubkina, V. Domogatsky, S. Lebedeva).
Die Hauptbemühungen der Bildhauer richten sich jedoch immer noch auf die Schaffung von Denkmälern. Im Gegensatz zu den ersten Gipsdenkmälern, die temporärer Natur waren, werden neue Denkmäler aus Bronze und Granit errichtet. Dazu gehören Denkmäler für V. I. Lenin am Finnlandbahnhof in Leningrad (V. Schuko, V. Gelfreich, S. Yeseev), am Damm des Wasserkraftwerks Zemo-Avchal in Transkaukasien (I. Shadr) und in Petrosawodsk (M. Manizer).
Bilder von verallgemeinernder Bedeutung wurden von A. Matveev („Oktoberrevolution“), I. Shadr („Kopfsteinpflaster ist die Waffe des Proletariats“) und V. Mukhina („Wind“, „Bauernfrau“) geschaffen, die bereits dabei waren Die Zeit bestimmte mit ihrem Werk das Gesicht der sowjetischen Bildhauerei.
Nach dem Ende des Bürgerkriegs entstanden günstige Bedingungen für die Entwicklung der Architektur. Ihre wichtigste und dringendste Aufgabe war der Wohnungsbau (Wohnkomplexe in der Usacheva-Straße in Moskau, in der Traktornaja-Straße in Leningrad usw.). Doch schon bald konzentrierten sich die Architekten auf städtebauliche Probleme, den Bau öffentlicher Ensembles und den Industriebau. A. Shchusev und I. Zholtovsky entwickeln den ersten Plan für den Wiederaufbau Moskaus. Unter ihrer Leitung erfolgt die Planung und der Bau der Allrussischen Landwirtschaftsausstellung von 1923. A. Shchusev errichtet das Mausoleum von W. I. Lenin. Bis Ende der 20er Jahre. Nach den Plänen sowjetischer Architekten wurden eine Reihe von Gebäuden für verschiedene Zwecke gebaut (Iswestija-Haus von G. Barkhin; Staatsbank der UdSSR von I. Zholtovsky; Zentraltelegraph von I. Rerberg), Industriekomplexe (Wasserkraftwerk Wolchowskaja). von O. Muntz, N. Gundobin und V. Pokrovsky; Dnjepr-Wasserkraftwerk V. Vesnin) usw.
Einer der wichtigen Aspekte der schöpferischen Tätigkeit sowjetischer Architekten war der Wunsch, neue Architekturformen zu entwickeln, die neuen Aufgaben, modernen Materialien und Bautechnik entsprechen.
30er Jahre
Die Erfolge der sowjetischen Malerei dieser Jahre werden vor allem durch eine neue Etappe im Werk von M. Nesterov repräsentiert, in dessen Werken (Porträts des Akademiemitglieds I. Pavlov, der Korin-Brüder, V. Mukhina, des Chirurgen S. Yudin) die Tiefe liegt und Relief des Bildes menschlicher Charaktere wird mit einem breiten allgemeinen Thema der kreativen Arbeit des sowjetischen Volkes kombiniert. Ein hohes Niveau der Porträtmalerei wird von P. Korin (Porträts von A. Gorki, M. Nesterov), I. Grabar (Porträt seines Sohnes, Porträt von S. Chaplygin), P. Konchalovsky (Porträt von V. Meyerhold, Porträt eines Negerstudenten), N. Uljanow und andere. Das Thema des Bürgerkriegs wurde in dem Gemälde von S. Gerasimov „Der Eid der sibirischen Partisanen“ verkörpert. Kukryniksy (M. Kupriyanov, P. Krylov, N. Sokolov) schrieb auch „Alte Meister“ und „Morgen eines Offiziers der zaristischen Armee“ basierend auf historischen Themen. A. Deineka („Mutter“, „Zukünftige Piloten“ usw.) wird zu einem herausragenden Meister der Malerei zu einem modernen Thema. Yu. Pimenov („Neues Moskau“) und A. Plastov („Kollektive Farmherde“) machen einen wichtigen Schritt in der Entwicklung des Alltagsgenres.
Die Entwicklung der Grafik in dieser Zeit ist vor allem mit der Buchillustration verbunden. Meister der älteren Generation – S. Gerasimov („Der Fall Artamonov“ von M. Gorki), K. Rudakov (Illustrationen zu den Werken von G. Maupassant) und junge Künstler – D. Shmarinov („Verbrechen und Strafe“ von F. Dostojewski, „Peter I.“ von A. Tolstoi), E. Kibrik („Cola Breugnon“ von R. Rolland, „Die Legende vom Ulenspiegel“ von Charles de Coster), Kukryniksy („Das Leben des Klim Samgin“ von M. Gorki). und andere), A. Kanevsky (Werke von Saltykov-Shchedrin). Die Illustration des sowjetischen Kinderbuchs wurde merklich entwickelt (V. Lebedev, V. Konashevich, A. Pakhomov). Eine grundsätzlich wichtige Veränderung gegenüber der Vorperiode bestand darin, dass die sowjetischen Meister der Illustration (wenn auch etwas einseitig) von der dekorativen Gestaltung des Buches zur Offenlegung des ideologischen und künstlerischen Inhalts literarischer Bilder, zur Entwicklung menschlicher Charaktere übergingen und die Dramaturgie der Handlung, ausgedrückt in einer Reihe aufeinanderfolgender anderer Bilder.
In der Buchillustration behalten neben realistischer Zeichnung auch Aquarell, Lithographie und Gravur ihre Bedeutung, vertreten durch Werke anerkannter Meister wie V. Favorsky („Vita Nuova“ von Dante, „Hamlet“ von Shakespeare), M. Pikov, A. Goncharov.
Im Bereich der Staffeleigrafik rückte damals das Porträtgenre in den Vordergrund (G. Vereisky, M. Rodionov, A. Fonvizin).
Ein ernstes Hindernis für die Entwicklung der sowjetischen Kunst in diesen Jahren ist das Handwerk, der Trend zur falschen Monumentalität und zur Pracht, die mit Stalins Personenkult verbunden sind.
In der Architekturkunst wurden die wichtigsten Aufgaben im Zusammenhang mit städtebaulichen Problemen und dem Bau von Wohn-, Verwaltungs-, Theater- und anderen Gebäuden sowie großen Industrieanlagen (wie zum Beispiel einer Autofabrik in) gelöst Moskau, ein Fleischverarbeitungsbetrieb in Leningrad, ein Heizwerk in Gorki usw. .). Zu den architektonischen Werken zählen das Haus des Ministerrats in Moskau (A. Lengman), das Moskauer Hotel (A. Shchusev, L. Savelyev, O. Stapran), das Theater der Sowjetarmee in Moskau (K. Alabyan, V. Simbirtsev) sind für diese Jahre besonders charakteristisch. ), das Ordschonikidse-Sanatorium in Kislowodsk (M. Ginzburg), die Flussstation in Chimki (A. Rukhlyadyev) usw. Der ästhetische Haupttrend im Verlauf dieser Arbeiten war die Attraktion zu den traditionellen Formen der klassischen Ordnungsarchitektur. Der unkritische Einsatz solcher Formen, ihre maschinelle Übertragung in die Gegenwart führten oft zu unnötiger äußerer Pracht und ungerechtfertigten Exzessen.
Die Bildhauerkunst erhält neue wichtige Merkmale. Die Stärkung der Verbindungen zwischen monumentaler und dekorativer Skulptur und Architektur wird zu einem charakteristischen Merkmal dieser Zeit. Das skulpturale Werk – die Gruppe „Arbeiterin und Kolchosfrau“ – Mukhina entstand auf der Grundlage des Architekturprojekts des Pavillons der UdSSR auf der Internationalen Ausstellung 1937 in Paris. Die Synthese von Skulptur und Architektur manifestierte sich auch in der Gestaltung der Moskauer Metro, des Moskauer Kanals, der All-Union-Landwirtschaftsausstellung und des Pavillons der UdSSR auf der Internationalen Ausstellung in New York.
Von den Werken der monumentalen Bildhauerei dieser Jahre waren die Denkmäler für Taras Schewtschenko in Charkow (M. Manizer) und Kirow in Leningrad (N. Tomsky) von größter Bedeutung.
Das skulpturale Porträt wurde weiterentwickelt (V. Mukhina, S. Lebedeva, G. Kepinov, Z. Vilensky und andere). Viele Bildhauer arbeiten erfolgreich an einer typischen Verallgemeinerung der Bilder ihrer Zeitgenossen („Metallurg“ von G. Motovilov, „Young Worker“ von V. Sinaisky).
Die Kultur der sowjetischen und postsowjetischen Zeit ist eine lebendige, groß angelegte Zusammenstellung des russischen Erbes. Die Ereignisse von 1917 wurden zu einem Bezugspunkt in der Entwicklung einer neuen Lebensweise, der Herausbildung einer neuen Denkweise. Die Stimmung der Gesellschaft im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert. führte zur Oktoberrevolution, einem Wendepunkt in der Geschichte des Landes. Nun wartete sie auf eine neue Zukunft mit eigenen Idealen und Zielen. Kunst, die gewissermaßen ein Spiegel der Ära ist, ist auch zu einem Werkzeug geworden, um die Grundsätze des neuen Regimes in die Praxis umzusetzen. Im Gegensatz zu anderen Arten künstlerischer Kreativität drang die Malerei, die das Denken eines Menschen formt und gestaltet, auf die genaueste und direkteste Weise in das Bewusstsein des Menschen ein. Andererseits war die Bildkunst am wenigsten der Propagandafunktion untergeordnet und spiegelte die Erfahrungen der Menschen, ihre Träume und vor allem den Zeitgeist wider.
Russische Avantgarde
Die neue Kunst vermied die alten Traditionen nicht vollständig. Die Malerei nahm in den ersten Jahren nach der Revolution den Einfluss der Futuristen und der Avantgarde im Allgemeinen auf. Die Avantgarde mit ihrer Verachtung für die Traditionen der Vergangenheit, die den destruktiven Ideen der Revolution so nahe stand, fand angesichts junger Künstler Anhänger. Parallel zu diesen Tendenzen entwickelten sich realistische Tendenzen in der bildenden Kunst, die durch den kritischen Realismus des 19. Jahrhunderts Leben erhielten. Diese im Zeitalter des Epochenwechsels heranreifende Bipolarität machte das Leben des damaligen Künstlers besonders stressig. Die beiden Wege, die sich in der postrevolutionären Malerei herauskristallisierten, waren zwar gegensätzlich, dennoch lässt sich der Einfluss der Avantgarde auf die Arbeit realistischer Künstler beobachten. Der Realismus selbst war in jenen Jahren vielfältig. Werke dieses Stils haben eine symbolische, agitatorische und sogar romantische Ausstrahlung. Das Werk von B.M. vermittelt absolut treffend in symbolischer Form eine grandiose Veränderung im Leben des Landes. Kustodiev – „Bolschewik“ und voller erbärmlicher Tragödie und unkontrollierbarem Jubel „Neuer Planet“ von K.F. Yuon.
Gemälde von P.N. Filonov ist mit seiner besonderen kreativen Methode – dem „analytischen Realismus“ – eine Verschmelzung zweier gegensätzlicher künstlerischer Strömungen, die wir am Beispiel eines Zyklus mit einem propagandistischen Titel und der Bedeutung „Eintritt in die Blütezeit der Welt“ sehen können.
P.N. Filonov-Schiffe aus dem Zyklus Entering the World Heyday. 1919 GTG
Die Unbestreitbarkeit universeller menschlicher Werte, unerschütterlich auch in solch unruhigen Zeiten, kommt im Bild der wunderschönen „Petrograder Madonna“ (offizieller Name „1918 in Petrograd“) von K.S. zum Ausdruck. Petrow-Wodkin.
Eine positive Einstellung zu revolutionären Ereignissen prägt das helle und sonnige, luftige Werk des Landschaftsmalers A.A. Rylow. Die Landschaft „Sonnenuntergang“, in der der Künstler die Vorahnung des Feuers der Revolution zum Ausdruck brachte, das aus der wachsenden Flamme des Weltuntergangsfeuers der vergangenen Ära aufflammen wird, ist eines der inspirierenden Symbole dieser Zeit.
Neben den symbolischen Bildern, die die Hebung des Nationalgeistes organisieren und wie eine Obsession mittragen, gab es auch eine Tendenz zur realistischen Malerei mit dem Verlangen nach einer konkreten Übertragung der Realität.
Bis heute bewahren die Werke dieser Zeit einen Funken der Rebellion, der sich in jedem von uns manifestieren kann. Viele Werke, die nicht mit solchen Eigenschaften ausgestattet waren oder ihnen widersprachen, wurden zerstört oder vergessen und werden unseren Augen niemals präsentiert.
Die Avantgarde hinterlässt für immer ihre Spuren in der realistischen Malerei, doch es beginnt eine Zeit intensiver Entwicklung in Richtung Realismus.
Die Zeit der künstlerischen Assoziationen
Die 1920er Jahre sind die Zeit, auf den Ruinen des Bürgerkriegs eine neue Welt zu erschaffen. Für die Kunst ist dies eine Zeit, in der verschiedene kreative Vereinigungen ihre Aktivitäten mit voller Kraft starteten. Ihre Prinzipien wurden teilweise durch frühe künstlerische Gruppierungen geprägt. Die Vereinigung der Künstler der Revolution (1922 – AHRR, 1928 – AHRR) führte persönlich die Befehle des Staates aus. Unter dem Motto des „heroischen Realismus“ dokumentierten die ihm angehörenden Künstler in ihren Werken das Leben und Leben eines Menschen – die Idee der Revolution – in verschiedenen Genres der Malerei. Die Hauptvertreter der AHRR waren I.I. Brodsky, der die realistischen Einflüsse von I.E. aufnahm. Repin, der im historisch-revolutionären Genre arbeitete und eine ganze Reihe von Werken schuf, die V.I. Lenin, E.M. Cheptsov ist ein Meister des Alltagsgenres, M.B. Grekov, der Kampfszenen in einem eher impressionistischen Krappstil malte. Alle diese Meister waren die Begründer der Genres, in denen sie die meisten ihrer Werke aufführten. Unter ihnen sticht die Leinwand „Lenin in Smolny“ hervor, in der I.I. Brodsky vermittelte in der direktesten und aufrichtigsten Form das Bild des Führers.
Im Gemälde „Treffen einer Mitgliedszelle“ von E.I. Cheptsov schildert sehr zuverlässig und ohne Künstlichkeit die Ereignisse im Leben der Menschen.
Ein prächtiges, fröhliches, lautes Bild voller stürmischer Bewegung und Siegesfeier wurde von M.B. geschaffen. Grekov in der Komposition „Trompeter der Ersten Kavalleriearmee“.
Die Idee einer neuen Person, eines neuen Bildes einer Person wird durch die im Porträtgenre aufkommenden Trends zum Ausdruck gebracht, deren hellste Meister S.V. Malyutin und G.G. Rjaschski. Im Porträt des Schriftsteller-Kämpfers Dmitry Furmanov, S.V. Malyutin zeigt einen Mann der alten Welt, der es geschafft hat, sich in die neue Welt einzufügen. Es zeichnet sich ein neuer Trend ab, der seinen Ursprung in der Arbeit von N.A. hat. Kasatkina und entwickelte sich am stärksten in den weiblichen Bildern von G.G. Ryazhsky - „Delegierter“, „Vorsitzender“, in dem der persönliche Anfang ausgelöscht und der durch die neue Welt geschaffene Personentypus etabliert wird.
Ein absolut zutreffender Eindruck über die Entwicklung des Landschaftsgenres entsteht beim Anblick der Werke des fortgeschrittenen Landschaftsmalers B.N. Jakowlewa – „Der Verkehr wird besser.“
B.N. Der Verkehr in Jakowlew wird immer besser. 1923
Dieses Genre zeigt ein sich erneuerndes Land, die Normalisierung aller Lebensbereiche. In diesen Jahren rückt die Industrielandschaft in den Vordergrund, deren Bilder zu Symbolen der Schöpfung werden.
Die Society of Easel Painters (1925) ist der nächste Kunstverein dieser Zeit. Hier versuchte der Künstler, den Geist der Moderne, den Typus eines neuen Menschen, zu vermitteln, indem er aufgrund der minimalen Anzahl an Ausdrucksmitteln auf eine weiter entfernte Bildübertragung zurückgriff. In den Werken von „Ostovtsev“ wird oft das Thema Sport demonstriert. Ihre Malerei ist voller Dynamik und Ausdruck, was in den Werken von A.A. zu sehen ist. Deineka „Verteidigung von Petrograd“, Yu.P. Pimenov „Fußball“ usw.
Die Mitglieder einer weiteren bekannten Vereinigung – der „Vier Künste“ – wählten die Ausdruckskraft des Bildes aufgrund der prägnanten und konstruktiven Form sowie eine besondere Einstellung zu seiner Farbvielfalt als Grundlage ihres künstlerischen Schaffens. Der denkwürdigste Vertreter des Vereins ist K.S. Petrov-Vodkin und eines seiner herausragendsten Werke dieser Zeit – „Tod des Kommissars“, das durch eine besondere Bildsprache ein tiefes symbolisches Bild offenbart, ein Symbol für den Kampf um ein besseres Leben.
Aus der Komposition „Vier Künste“ von P.V. Kusnezow, dem Osten gewidmete Werke.
Die letzte große künstlerische Vereinigung dieser Zeit ist die Gesellschaft Moskauer Künstler (1928), die sich von den anderen durch die Art der energischen Modellierung von Volumina, die Aufmerksamkeit für Hell-Dunkel und die plastische Ausdruckskraft der Form unterscheidet. Fast alle Vertreter waren Mitglieder des „Tambourine Volt“ – Anhänger des Futurismus – was ihre Arbeit stark beeinflusste. Die Werke von P.P. Konchalovsky, der in verschiedenen Genres arbeitete. Zum Beispiel Porträts seiner Frau O.V. Konchalovskaya vermittelt die Besonderheiten nicht nur der Hand des Autors, sondern auch der Malerei des gesamten Vereins.
Am 23. April 1932 wurden alle Kunstvereine durch das Dekret „Über die Umstrukturierung literarischer und künstlerischer Organisationen“ aufgelöst und der Künstlerverband der UdSSR gegründet. Kreativität ist in die finsteren Fesseln einer starren Ideologisierung geraten. Die Meinungsfreiheit des Künstlers, die Grundlage des kreativen Prozesses, wurde verletzt. Trotz eines solchen Zusammenbruchs setzten die zuvor in Gemeinschaften zusammengeschlossenen Künstler ihre Aktivitäten fort, doch neue Figuren besetzten die führende Rolle im Bildumfeld.
B.V. Ioganson wurde von I.E. beeinflusst. Repin und V.I. Surikov, in seinen Leinwänden kann man eine kompositorische Suche und interessante Möglichkeiten in der koloristischen Lösung erkennen, aber die Gemälde des Autors zeichnen sich durch eine übermäßige satirische Haltung aus, die auf eine so naturalistische Weise unangemessen ist, was wir am Beispiel des Gemäldes „At“ beobachten können das Alte Uralwerk“.
A.A. Deineka bleibt der „offiziellen“ Kunstlinie nicht fern. Er bleibt seinen künstlerischen Grundsätzen treu. Jetzt arbeitet er weiterhin in Genrethemen und malt außerdem Porträts und Landschaften. Das Gemälde „Future Pilots“ zeigt gut seine Malerei in dieser Zeit: romantisch, leicht.
Der Künstler schafft eine Vielzahl von Werken zum Thema Sport. Aus dieser Zeit sind seine nach 1935 entstandenen Aquarelle erhalten.
Das Gemälde der 1930er Jahre stellt eine fiktive Welt dar, die Illusion eines strahlenden und festlichen Lebens. Für den Künstler war es am einfachsten, im Genre der Landschaft aufrichtig zu bleiben. Das Genre des Stilllebens entwickelt sich.
Auch das Porträt unterliegt einer intensiven Entwicklung. P.P. Konchalovsky schreibt eine Reihe kultureller Persönlichkeiten („V. Sofronitsky am Klavier“). Die Werke von M.V. Nesterov, der den Einfluss von V.A. aufnahm. Serov, zeige einen Menschen als Schöpfer, dessen Leben eine kreative Suche ist. So sehen wir die Porträts des Bildhauers I.D. Shadr und der Chirurg S.S. Yudin.
P.D. Korin setzt die Porträttradition des vorherigen Künstlers fort, sein Malstil besteht jedoch darin, die Starrheit der Form, eine schärfere, ausdrucksstärkere Silhouette und eine raue Farbgebung zu vermitteln. Generell ist das Thema der kreativen Intelligenz im Porträt von großer Bedeutung.
Ein Künstler im Krieg
Mit dem Aufkommen des Großen Vaterländischen Krieges beginnen Künstler, sich aktiv an den Feindseligkeiten zu beteiligen. Aufgrund der unmittelbaren Einheit mit dem Geschehen entstanden in den Anfangsjahren Werke, deren Kern eine Fixierung des Geschehens, eine „malerische Skizze“ ist. Solchen Gemälden mangelte es oft an Tiefe, aber ihre Übertragung drückte die völlig aufrichtige Haltung des Künstlers aus, den Höhepunkt moralischen Pathos. Das Genre des Porträts erreicht einen relativen Wohlstand. Künstler, die den zerstörerischen Einfluss des Krieges sehen und erleben, bewundern seine Helden – Menschen aus dem Volk, beharrlich und edel im Geiste, die höchste humanistische Qualitäten zeigten. Solche Trends führten zu zeremoniellen Porträts: „Porträt von Marschall G.K. Schukow“ von P.D. Korina, fröhliche Gesichter von P.P. Kontschalowski. Von großer Bedeutung sind die Porträts der Intelligenz M.S. Saryan, entstanden während der Kriegsjahre – das ist das Bild des Akademikers „I.A. Orbeli“, Autor „M.S. Shahinyan“ und andere.
Von 1940 bis 1945 entwickelte sich auch das Landschafts- und Alltagsgenre, das A.A. Plastow. „Der Faschist ist geflogen“ vermittelt die Tragödie des Lebens dieser Zeit.
Der Psychologismus der Landschaft erfüllt das Werk hier noch mehr mit der Traurigkeit und Stille der menschlichen Seele, nur das Heulen eines hingebungsvollen Freundes durchschneidet den Wind der Verwirrung. Am Ende wird die Bedeutung der Landschaft neu überdacht und beginnt, das harte Bild der Kriegszeit zu verkörpern.
Erzählgemälde stechen gesondert hervor, zum Beispiel „Die Mutter des Partisanen“ von S.V. Gerasimov, der sich durch die Weigerung auszeichnet, das Bild zu verherrlichen.
Die historische Malerei schafft zeitgemäß Bilder von Nationalhelden der Vergangenheit. Eines dieser unerschütterlichen und inspirierenden Bilder ist „Alexander Newski“ von P.D. Korin verkörpert den unbesiegten stolzen Geist des Volkes. In diesem Genre zeichnet sich bis Kriegsende eine Tendenz zur simulierten Dramaturgie ab.
Das Thema Krieg in der Malerei
In der Malerei der Nachkriegszeit ser. 1940 - con. In den 1950er Jahren nahm das Thema Krieg als moralischer und physischer Test, aus dem das sowjetische Volk als Sieger hervorging, eine führende Position in der Malerei ein. Historisch-revolutionäre, historische Genres entwickeln sich. Das Hauptthema des Alltagsgenres ist die friedliche Arbeit, von der seit vielen Kriegsjahren geträumt wurde. Die Leinwände dieses Genres sind von Fröhlichkeit und Glück durchdrungen. Die künstlerische Sprache des alltäglichen Genres wird erzählerisch und tendiert zur Lebensnähe. In den letzten Jahren dieser Periode erfährt auch die Landschaft Veränderungen. Das Leben der Region wird darin wiederbelebt, die Verbindung zwischen Mensch und Natur wird wieder gestärkt, eine Atmosphäre der Ruhe entsteht. Auch im Stillleben wird die Liebe zur Natur besungen. Eine interessante Entwicklung ist das Porträt im Werk verschiedener Künstler, das durch die Übertragung des Einzelnen gekennzeichnet ist. Eines der herausragenden Werke dieser Zeit war: „Brief von der Front“ von A.I. Laktionov, ein Werk, das einem Fenster in eine strahlende Welt ähnelt;
die Komposition „Rest after the Battle“, in der Yu.M. Neprintsev erreicht die gleiche Lebendigkeit des Bildes wie A.I. Laktionow;
Werk von A.A. Mylnikova „Auf friedlichen Feldern“, die sich freudig über das Ende des Krieges und die Wiedervereinigung von Mensch und Arbeit freut;
Original-Landschaftsbild von G.G. Nissky – „Über den Schnee“ usw.
Strenger Stil als Ersatz für den sozialistischen Realismus
Kunst 1960-1980er Jahre ist eine neue Etappe. Es wird ein neuer „strenger Stil“ entwickelt, dessen Aufgabe es ist, die Realität ohne alles nachzubilden, was dem Werk Tiefe und Ausdruckskraft nimmt und sich nachteilig auf kreative Erscheinungsformen auswirkt. Er zeichnete sich durch Prägnanz und Verallgemeinerung des künstlerischen Bildes aus. Künstler dieses Stils verherrlichten den heroischen Beginn harter Arbeitstage, der durch eine besondere emotionale Struktur des Bildes entstand. Der „strenge Stil“ war ein entscheidender Schritt zur Demokratisierung der Gesellschaft. Das Porträt wurde zum Hauptgenre, für das die Anhänger des Stils arbeiteten, es entwickeln sich auch ein Gruppenporträt, ein Alltagsgenre, ein historisches und historisch-revolutionäres Genre. V.E. Popkov, der viele Selbstporträts-Gemälde malte, V.I. Ivanov ist ein Unterstützer des Gruppenporträts G.M. Korzhev, der historische Gemälde schuf. Die Offenlegung des Wesens des „strengen Stils“ ist im Gemälde „Geologen“ von P.F. zu sehen. Nikonov, „Polarforscher“ A.A. und P.A. Smolins, „Father's Overcoat“ von V.E. Popkow. Im Landschaftsgenre besteht ein Interesse an der nördlichen Natur.
Symbolik der Ära der Stagnation
In den 1970er-1980er Jahren. Es bildet sich eine neue Generation von Künstlern heraus, deren Kunst die heutige Kunst in gewissem Maße beeinflusst hat. Sie zeichnen sich durch symbolische Sprache und theatralische Unterhaltung aus. Ihre Malerei ist sehr künstlerisch und virtuos. Die Hauptvertreter dieser Generation sind T.G. Nazarenko („Pugatschow“),
dessen Lieblingsthema ein Feiertag und eine Maskerade war, A.G. Sitnikov, der Metaphern und Gleichnisse als eine Form der plastischen Sprache verwendet, N.I. Nesterova, Schöpferin mehrdeutiger Gemälde („Das letzte Abendmahl“), I.L. Lubennikov, N.N. Smirnow.
Das letzte Abendmahl. N.I. Nesterow. 1989
Somit erscheint diese Zeit in ihrer Stilvielfalt und Diversität als letztes, prägendes Bindeglied der heutigen bildenden Künste.
Unsere Epoche hat einen riesigen Reichtum an malerischem Erbe früherer Generationen entdeckt. Ein moderner Künstler ist kaum an einen Rahmen gebunden, der die Entwicklung der bildenden Künste prägte und ihr manchmal feindlich gegenüberstand. Einige der heutigen Künstler versuchen, an den Prinzipien der sowjetischen realistischen Schule festzuhalten, andere finden sich in anderen Stilrichtungen und Richtungen wieder. Die von der Gesellschaft mehrdeutig wahrgenommenen Tendenzen der Konzeptkunst erfreuen sich großer Beliebtheit. Die Vielfalt der künstlerischen und ausdrucksstarken Mittel und Ideale, die uns die Vergangenheit gegeben hat, muss neu überdacht werden und als Grundlage für neue kreative Wege und die Schaffung eines neuen Bildes dienen.
Unsere kunsthistorischen Workshops
Unsere Galerie für Moderne Kunst bietet nicht nur eine große Auswahl an sowjetischer und postsowjetischer Kunst, sondern hält auch regelmäßig Vorträge und Meisterkurse zur Geschichte der zeitgenössischen Kunst ab.
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Diese Periode ist (aufgrund offensichtlicher historischer Veränderungen) durch eine Veränderung der Hauptlinie der offiziellen Kunst im Vergleich zur vorherigen Stufe in der Entwicklung der russischen Kunst gekennzeichnet. Der ideologische Inhalt beginnt in den Vordergrund zu rücken.
Kunst gehört den Menschen. Sie muss ihre tiefsten Wurzeln in den Tiefen der arbeitenden Massen haben, sie muss von diesen Massen verstanden und geliebt werden. Es muss die Gefühle, Gedanken und den Willen dieser Massen zum Ausdruck bringen und sie erheben. Es soll die Künstler in ihnen wecken und entwickeln.
Die wichtigsten „Aufgaben“ der sowjetischen Kunst: „dem Volk zu dienen, die gemeinsame Sache des Kampfes für Sozialismus und Kommunismus zu verteidigen, den Menschen die Wahrheit zu bringen, in ihnen Kreativität hervorzubringen.“
Darüber hinaus waren Nationalität und Multinationalität wichtige Konzepte.
Periodisierung 1917-1990:
1 1917-1922 – Kunst der Zeit der Revolution und des Bürgerkriegs
2 1922-1932 – Die Theorie von Marx funktioniert nicht mehr, die Theorie von Nep
3 1932-1941 – Kunst der 30er Jahre, Parteiprinzipien, sozialistischer Realismus
4 1941-1945 – Die Kunst des Zweiten Weltkriegs, alle Kunst für die Front, für den Sieg, Grafiken, ein sowjetisches politisches Plakat, beim Malen eines historischen Landschaftsbildes treten in den Vordergrund.
5 1945-1960 – Kunst der Nachkriegsjahre
6 1960-1980 – die Ära der Breschnew-Stagnation
Die sowjetische Kunstgeschichte teilte die Meister der sowjetischen Malerei dieser Zeit in zwei Gruppen ein:
Künstler, die versuchten, die Handlungsstränge in der üblichen Bildsprache sachlicher Darstellung festzuhalten
Künstler, die eine komplexere, figurativere Wahrnehmung der Moderne verwendeten. Sie schufen symbolische Bilder, in denen sie versuchten, ihre „poetische, inspirierte“ Wahrnehmung der Zeit in ihrem neuen Zustand zum Ausdruck zu bringen.
2 Gemälde aus der Zeit der Revolution und des Bürgerkriegs 1917-1922. Kunst der Zeit der Revolution und des Bürgerkriegs Bereits in den ersten Monaten nach der Machtübernahme verabschiedete die Sowjetregierung eine Reihe wichtiger Beschlüsse für die Entwicklung der Kultur:
Im November 1917 wurde das Kollegium für Museumsangelegenheiten und den Schutz von Kunst- und Antikendenkmälern unter dem Volkskommissariat für Bildung gegründet.
„Über die Registrierung, Registrierung und Aufbewahrung von Denkmälern der Kunst und des Altertums“ (5. Oktober 1918) über die allgemeine Registrierung von Werken und Denkmälern der Kunst und des Altertums. Diese Abrechnung wurde von der Museumsabteilung des Volkskommissariats für Bildung durchgeführt.
„Über die Anerkennung wissenschaftlicher, literarischer, musikalischer und künstlerischer Werke als Staatseigentum“ (26. November 1918)
Das Thema Museen ist zu einem wichtigen Aspekt der Regierungspolitik im Bereich Kunst geworden. In den Anfangsjahren verstaatlichte die Sowjetregierung Kunstmuseen, Privatsammlungen und Sammlungen. Für das Studium und die Systematisierung künstlerischer Werte ist der Staat zuständig Museumsfonds, in dem Museumswerte konzentriert waren. Nach der Abrechnung, Systematisierung und Untersuchung begann die Phase des Erwerbs von Museen – die Werte wurden ungefähr gleichmäßig auf die verschiedenen Museen des Landes verteilt. Parallel dazu begann der groß angelegte Museumsbau. Malen In den ersten Jahren der Revolution entwickelten sich traditionelle Staffeleiformen weiter. Viele der älteren sowjetischen Künstler der ersten Jahre der Sowjetmacht wurden natürlich bereits in den vorrevolutionären Jahren ausgebildet, und natürlich „war der Kontakt mit dem neuen Leben für sie mit erheblichen Schwierigkeiten verbunden, die mit dem verbunden waren.“ Bruch der schöpferischen Individualitäten, die bereits in der Zeit der Revolution etabliert waren.“ Die sowjetische Kunstgeschichte ist gespalten Meister der sowjetischen Malerei dieser Zeit in zwei Gruppen:
Künstler, die versuchten, die Handlungsstränge in der üblichen Bildsprache sachlicher Darstellung festzuhalten
Künstler, die eine komplexere, figurativere Wahrnehmung der Moderne verwendeten. Sie schufen symbolische Bilder, in denen sie versuchten, ihre „poetische, inspirierte“ Wahrnehmung der Zeit in ihrem neuen Zustand zum Ausdruck zu bringen.
Kunstformen, die in den ersten Jahren nach der Revolution auf der Straße „leben“ konnten, spielten eine entscheidende Rolle bei der „Formung des sozialen und ästhetischen Bewusstseins des revolutionären Volkes“. Daher erfuhr das politische Plakat neben der monumentalen Skulptur die aktivste Entwicklung. Es stellte sich heraus, dass es sich um die mobilste und praktischste Kunstform handelte.
Während des Bürgerkriegs zeichnete sich dieses Genre durch folgende Eigenschaften aus:
„Schärfe der Materialversorgung,
Sofortige Reaktion auf sich schnell ändernde Ereignisse,
Agitationsorientierung, dank derer die Hauptmerkmale der plastischen Sprache des Plakats entstanden sind.
Sie erwiesen sich als Lakonismus, Konventionalität des Bildes, Klarheit der Silhouette und Geste. Plakate waren weit verbreitet, wurden in großer Zahl gedruckt und überall angebracht.
Vor der Revolution gab es kein politisches Plakat (als Formform der Grafik), sondern nur Werbe- oder Theaterplakate. Das sowjetische politische Plakat erbte in erster Linie die Traditionen der russischen Grafik - der politischen Zeitschriftensatire. Viele der Meister des Plakats haben sich gerade in Zeitschriften entwickelt. Festliche Dekoration von Städten
Die künstlerische Dekoration der Feierlichkeiten ist ein weiteres neues Phänomen der sowjetischen Kunst, das keine Tradition hatte. Zu den Feiertagen gehörten die Jahrestage der Oktoberrevolution, der 1. Mai, der 8. März und andere sowjetische Feiertage.
Dadurch entstand eine neue, nicht-traditionelle Kunstform, die der Malerei einen neuen Raum und eine neue Funktion verlieh.
Für die Feiertage wurden monumentale Tafeln geschaffen, die von einem riesigen monumentalen Propagandapathos geprägt waren. Künstler erstellten Skizzen zur Gestaltung von Plätzen und Straßen. Der erste Postrevolutionär Der Fünfjahreszeitraum (1917-1922) war geprägt von der Vielfalt und Zerbrechlichkeit künstlerischer Plattformen, der Tätigkeit linker Künstler, die in den neuen Bedingungen die Möglichkeit sahen, die gewagtesten innovativen Ideen umzusetzen.
Die meisten vorrevolutionären Künstler begannen mit den sowjetischen Behörden zusammenzuarbeiten, darunter die Wanderer, die russischen Impressionisten (Rylov, Yuon), die Welt der Kunst (Lancere, Dobuzhinsky) und die Blue Bearers (Kusnezow, Saryan). ) und der Karo-Bube (Konchalovsky, Mashkov, Lentulov).
Zunächst nahmen die Abstraktionisten V. Kandinsky und K. Malevich einen herausragenden Platz in der Abteilung für Bildende Kunst des Volkskommissariats für Bildung ein. Die Ideen der Revolution brachten neue Richtungen hervor. Unter ihnen erklärte die neue russische revolutionäre Avantgarde „Unovis“ („Affirmativ der neuen Kunst“, 1919-1920. Malewitsch, Chagall, Lissitzky) den Kampf für „reine“ Kunst und begann, Propagandaformen zu entwickeln. „KNIFE“ (New Society of Painters) stand den Karo-Buben nahe.
Proletkult akzeptierte den Versuch, „auf den Ruinen der Vergangenheit“ eine Organisation einer neuen proletarischen Kultur zu schaffen und dabei das klassische Erbe aufzugeben, hielt jedoch nicht lange an, da es weder von Künstlern noch von Zuschauern Unterstützung erhielt.
Die Künstler der Vereinigungen „Vier Künste“ (Kravchenko, Tyrsa, Petrov-Vodkin) und „Makovets“ (Chekrygin, Pater Pavel Florensky) stellten dem Avantgardismus die philosophische Tiefe der Kunst und den traditionellen Monumentalismus der Formen entgegen.
Die Romantik der ersten nachrevolutionären Jahre wurde von P. Filonov in der Gemäldeserie „Entering the World Heyday“ (1919) in symbolischer und allegorischer Form vermittelt; K. Yuon „Neuer Planet“, B. Kustodiev „Bolschewik“. Bereits zu Beginn des 20. Jahrhunderts äußerte K. Petrov-Vodkin (1878-1939) in dem Gemälde „Ein rotes Pferd baden“ (1912, Staatliche Tretjakow-Galerie) eine Vorahnung bevorstehender Veränderungen in Russland. Die Bedrohung des friedlichen Lebens der einfachen Bevölkerung während der Jahre des Bürgerkriegs vermittelte er im Film „1919. Angst“ (1934, Russisches Museum).
Der Typus eines neuen Helden – eines Arbeiters, eines Sportlers und eines sozialen Aktivisten – wird im Porträtgenre von A.N. geschaffen. Samokhvalov „Mädchen im T-Shirt“. In den Jahren des Bürgerkriegs trat die Kunst der Massenpropaganda in den Vordergrund: die Dekoration von Feiertagen und Kundgebungen, die Bemalung von Propagandazügen usw. (B. Kustodiev, K. Petrov-Vodkin, N. Altman); politisches Plakat (A. Apsit „Brust zur Verteidigung von Petrograd“, D. Moor „Haben Sie sich als Freiwilliger angemeldet?“, „Hilfe!“. Fenster des WACHSTUMS (1919-1921, Mayakovsky und Cheremnykh).
1922 wurde die AHRR (Vereinigung der Künstler des revolutionären Russlands) gegründet, die bis 1932 bestand. Ihre Organisatoren waren A. Arkhipov, N. Dormidontov, S. Malyutin und andere verstorbene Wanderer. Die Propaganda ihres „neuen Kurses“ zog Künstler mit unterschiedlichen Kunstauffassungen an – ehemalige Karo-Buben, Künstler der „KNIFE“-Gesellschaft, „4 Arts“ usw.
Nicht nur in Leningrad, sondern auch in Moskau – den beiden aktivsten Kunstzentren des Landes – gibt es immer mehr Aufrufe, das sowjetische Plakat dem westlichen gegenüberzustellen, immer häufiger die Bekanntschaft russischer Künstler mit ihren Werken Deutsche Kollegen halten die Errungenschaften der französischen oder amerikanischen Grafik für einen schädlichen Einfluss. Sogar ein solcher Meister wie Lissitzky, dessen Werk in den 1920er Jahren. war eng mit dem weltweiten künstlerischen Prozess verbunden, was im Vorwort des Katalogs noch einmal betont wurde All-Union-Druckausstellung von 1927 dass es die Oktoberrevolution von 1917 war, die zur Entstehung einer neuen Industriegrafik beitrug. Lissitzky wies darauf hin, dass das Plakat in Deutschland „politisch genutzt“ worden sei, betonte jedoch, dass es „nur bei uns in eine klare gesellschaftliche und künstlerische Form gebracht“ worden sei. .
Lissitzkys Thesen zum innovativen Wesen und zur sozialen Aktivität der russischen Fotomontage wurden auf der Ausstellung 1927 durch Plakate anschaulich illustriert Klutsis Und Senkina. In ihrem Werk fand die Fotomontage, die in den 1920er-Jahren ein heftig diskutiertes Thema war, eine besondere Bedeutung. Sie verstanden es, den Blättern, die den Appellen der Partei und den Industrieplänen gewidmet waren, der Handlung Vielseitigkeit und eine besondere visuelle Polyphonie zu verleihen. Durch den scharfen Vergleich von Fragmenten natürlicher, dokumentarischer Fotografie mit konventionellen grafischen Elementen vergrößerten diese Meister den Maßstab der Plakatform und verliehen ihr eine gesteigerte Monumentalität und sogar eine gewisse epische Qualität.
Klutsis war Gründungsmitglied Verein „Oktober“, dessen im Juni 1928 veröffentlichte Erklärung besagte, dass alle Arten von Kunst – sowohl traditionelle – Malerei, Grafik als auch „industrielle“ – Plakat, Fotografie oder Kino – in erster Linie „den Werktätigen“ auf dem Gebiet der „ideologischen Propaganda“ dienen sollten ", sowie im Bereich der "Produktion und unmittelbaren Organisation des Alltagslebens". Und fast alle Blätter Klutsis, in denen Fotorahmen mit Schriftkompositionen kombiniert werden („Aus NEP-Russland wird sozialistisches Russland“ (Nr. 14)) oder in denen Farbkontraste lebhaft eingesetzt werden („Komsomol-Mitglieder säen für Schock!“ (Nr. 15)) widmen sich speziell der ideologischen Propaganda. Die Plakate von Klutsis oder sein Anhänger Senkin wurden von vielen als dieselben „proletarischen Gemälde“ wahrgenommen, über die konstruktivistische Theoretiker schrieben. Interessant ist, dass der Geburt mancher Blätter – wie bei den Staffeleikünstlern – die „Studienzeit“ vorausging, die Zeit der Anhäufung von Naturmaterial. Sie unternahmen Reisen in die Industrieregionen des Landes und fotografierten beispielsweise im Donbass die ausdrucksstarken Typen von Bergleuten, die später zum zentralen Bild von Plakatkompositionen wurden („Lasst uns die Kohleschulden an das Land zurückgeben“ (Nr. 13)).
Diese Thesen verteidigte Klutsis auch bei der Diskussion am Institut für Literatur, Kunst und Sprache der Kommunistischen Akademie, die dank der Entscheidung des Zentralkomitees der Allunionskommunistischen Partei der Bolschewiki vom März 1931 stattfand „Über Plakatliteratur“. Darin heißt es: „Eine inakzeptabel hässliche Haltung verschiedener Verlage gegenüber dem Plakat- und Bildergeschäft ... die sich in der Veröffentlichung eines erheblichen Prozentsatzes antisowjetischer Plakate widerspiegelte.“
Die Leitung der „Plakatproduktion“ wurde diesbezüglich übertragen Abteilung für Agitation und Massenkampagnen des Zentralkomitees, wurde ein System der strengen ideologischen Überprüfung eingeführt, das nicht nur die offizielle Zensur, sondern auch Studenten des Instituts der Roten Professoren einbezog. Es wurde auch vorgeschlagen, „Vorbesprechungen“ in Betrieben zu organisieren, bei denen einfache Arbeiter Themen erarbeiten, Skizzen besichtigen und fertige „Bild- und Plakatproduktionen“ besichtigen sollten.
So wurde das Plakat als eines der ersten einer strengen Regulierung durch die Parteibehörden unterworfen, künstlerische Auseinandersetzungen endeten in der völligen ideologischen Kontrolle.
1932 erschien ein Buch „Für das bolschewistische Plakat“, in dessen Vorwort betont wurde: „Die Anweisungen des Genossen Stalin fordern, dass die Front der proletarischen Künste allen Abweichungen vom Leninismus die schärfste Zurückweisung erteilt.“ Hier war der Haupthinweis: „Die erste und wichtigste Anforderung, die wir an das Plakat stellen müssen, ist politischer, ideologischer Reichtum; es muss Inhalte enthalten, die aus unserer Realität in ihrer dialektisch-materialistischen Interpretation stammen.“
Der Stil des Lubok hatte großen Einfluss auf die ersten russischen politischen Plakate, die gerade während des Ersten Weltkriegs (1914-1918) und der revolutionären Ereignisse von 1917 erschienen. Vera Panfilova, Leiterin der Abteilung für Bildende Künste des Staatlichen Zentralmuseums für Zeitgeschichte Russlands, erzählte der BBC von den Plakaten von 1917.
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Nach Februar 1917 erklärten Vertreter fast aller politischen Bewegungen mit Ausnahme der Bolschewiki und Menschewiki-Internationalisten die Notwendigkeit, den Krieg bis zum Sieg fortzusetzen und den alliierten Verpflichtungen Russlands treu zu bleiben. Um diesen Krieg fortzusetzen, benötigte die Regierung die Geldbeiträge der Bevölkerung. Im Jahr 1916 entstand das sogenannte Staatsdarlehen in Höhe von 5,5 %. Nach Februar 1917 wurde daraus die Freiheitsanleihe. Kustodievskys Soldat ist zum Symbol geworden: Vor dem Hintergrund roter Banner bittet er um Geld, um den Krieg fortzusetzen. Der Soldat wird künftig auf fast allen Plakaten des Jahres 1917 zu sehen sein – von Februar bis Oktober. Material von Alexandra Semenova, BBC Russian Service.
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Ein anderer Stil. Veranstaltungsplakat. Es ist ein bisschen wie ein Fernsehbild. Das Plakat zeigt den Woskressenskaja-Platz und das Gebäude der Moskauer Stadtduma (später Lenin-Museum und heute Historisches Museum). Hier war im März 1917 alles in vollem Gange. Dies ist ein Eventbild. Erfassen Sie ein Ereignis, einen Impuls. Denn die Revolution wurde mit Begeisterung erwartet und aufgenommen. Die Bevölkerung empfand die Revolution als Beginn einer neuen Ära in der Geschichte des Landes. Die breitesten Massen unterstützten den Februar. Und das alles vor dem Hintergrund des andauernden Krieges. Und daher die Nachfrage und Entwicklung von Grafiken.
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Es ist nicht wirklich ein Poster. Dies ist ein illustrierter Flyer. Warum so? Denn in Russland ist Macht personifiziert. Die Macht liegt bei den Anführern, bei den Anführern. Basierend auf der Personifizierung und der Notwendigkeit, die Führer des neuen Russland bekannt zu machen, wurden solche illustrierten Flugblätter veröffentlicht. Hier sind Mitglieder der Provisorischen Regierung unter der Leitung des Duma-Vorsitzenden Michail Rodsjanko. In der unteren Reihe, Dritter von links, Alexander Kerenski, der erste Sozialist in der Regierung. Kerensky und in Einzelblättern gedruckt, war er einer der beliebtesten. Die linke Bewegung förderte aktiv ihre eigene. Seine Bewertung war sehr hoch. Hier auf dem Plakat, auf dem Flugblatt – das Taurische Palais, Fahnen, Parolen. Dahinter sind Brüller. Mit Bergfahne. Revolutionäres Auto. Viele Männer mit Waffen. Links. Und die Parolen der Linken. Und die Parolen der Sozialrevolutionäre „Land und Freiheit“ und „Im Kampf wirst du dein Recht finden.“ Bisher gibt es hier keine Bolschewiki.
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Dies ist ein Plakat des Parus-Verlags, einem linken Verlag. Es war schon vor der Revolution bekannt. Der Gründer dieses Verlags war Maxim Gorki. Der Verlag veröffentlichte nicht nur Zeitschriften, sondern auch Bücher, darunter Werke Lenins. Für linke Plakate wurden so berühmte Dichter und Künstler wie Wladimir Majakowski und Alexei Radakow herangezogen. In diesem Plakat steht eine Tradition der beliebten Mehrkompositionszeichnung und zugleich eine Art Vorläufer des Comics. Das ist eine Geschichte in einem Bild. Erstens – wen hat der Soldat zuvor beschützt? Das sind bürgerliche. Und der Soldat ist gezwungen, das verrottete System bis zum Ende zu verteidigen.
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Im März 1917 verzichtete Nikolai auf den Thron und gleichzeitig wurde die Provisorische Regierung geschaffen. Und auf diesem Plakat: „Memo über den Sieg des Volkes.“ Die gleichen revolutionären Kräfte sind hier: ein bewaffneter Soldat, ein bewaffneter Arbeiter. Hermelinmantel entfernt. Der kniende Nikolaus überreicht die Krone. Mit Füßen getretenes Zepter und Reichsapfel. Und im Hintergrund ist der Taurische Palast zu sehen, in dem sich die Abgeordneten der Staatsduma trafen. Und darüber geht die Sonne als Symbol der Freiheit auf. Dieses Symbol wird dann auf Plakaten wiederholt. Die Revolution in diesem kurzen Zeitraum (bis Oktober) wurde als etwas Helles, Freundliches, Sonniges dargestellt, aber dann, nach Oktober, mit dem Ausbruch des Bürgerkriegs, hörte die Revolution auf, eine junge Dame in weißen Kleidern zu sein.
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Ein Plakat von Alexei Radakov, Mayakovskys Kollegen im Parus-Verlag. Dies ist die sogenannte soziale Pyramide. Soziale Pyramidenplots erfreuen sich seit Beginn des 20. Jahrhunderts überraschender Beliebtheit. Die erste Sozialpyramide des Künstlers Lochow wurde 1891 in Genf veröffentlicht. Und dann wurden durch Neuzeichnungen und basierend auf Motiven viele Optionen geschaffen. Auch hier ein Appell an die Traditionen des Volksdrucks mit klarer Bedeutung für die breite Masse. Von oben ist alles mit einem Hermelinmantel bedeckt. Erinnern Sie sich, was Nikolaus II. während der Allrussischen Volkszählung von 1897 über seinen Beruf schrieb? Er schrieb: „Der Besitzer des russischen Landes.“ Die beliebtesten satirischen Plots vor dem Sommer 1917 waren antiklerikal und antimonarchistisch und richteten sich speziell gegen Kaiser Nikolaus II. und seine Frau, Kaiserin Alexandra Fjodorowna.
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Im Herbst 1917 begann in Russland der erste allgemeine Wahlkampf der Geschichte. Und sie war wild und kompromisslos. An den Wahlen beteiligten sich mehrere Dutzend politische und nationale Parteien und Verbände. Unter denjenigen, die an den Wahlen teilnahmen, war die Sozialrevolutionäre Partei am zahlreichsten.
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„Die Anarchie wird durch die Demokratie besiegt.“ Das ist eine Kadettenparty. Ein wesentliches Detail des Plakats ist eine Kombination aus Animalismus und mythologischen Bildern – eine Eidechse (Anarchie) und ein Ritter auf einem weißen Pferd (Demokratie). Die Überlastung mit Text verringerte die Wirksamkeit der Wirkung auf den Betrachter, was später in gewissem Maße die Wahlergebnisse beeinflusste.
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Vergleichen Sie das vorherige Poster mit diesem. Sozialrevolutionäre. Den Wahlkampf ordnungsgemäß geführt. Der Sieg der Sozialrevolutionäre war durch diese gut organisierte Agitation vorherbestimmt. Auf dem Plakat stimmt alles. An Arbeiter und Bauern gerichtet. Klare und präzise Slogans – „Land und Freiheit“. „Lasst uns die Ketten sprengen und der ganze Globus wird frei sein.“ Zwei Strömungen, Arbeiter und Bauern, die sich nach dem Plan des Autors vereinen, werden definitiv zum Wahllokal kommen.
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Was die Bolschewiki, die RSDLP, betrifft, hielten sie es nicht für notwendig, der künstlerischen Propaganda – also dem Plakat – Aufmerksamkeit zu schenken. Aber sie wussten, wie man aus Fehlern Schlussfolgerungen zieht. Und als der Bürgerkrieg ausbrach, wurden alle Kräfte der „Roten“ in die politische Kunstpropaganda geworfen. Derselbe Radakov, Mayakovsky und andere waren an der Schaffung der berühmten „Windows of GROWTH“ beteiligt, die zur sowjetischen „Marke“ und zu einem Klassiker der weltweiten Plakatkunst wurden. Und White hat an visueller Aufregung verloren – nach wie vor gibt es viele unnötige Details und viel Text. Niemand wird ein gut geschriebenes mehrspaltiges Denikin-Programm auf einem Poster lesen.
