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Trommeln in der Nacht der Butusen. Theaterplakat – Aufführungskritiken

„Ein Mensch muss mindestens zwei Cent Hoffnung haben, sonst ist es unmöglich zu leben“, sagte Bertolt Brecht. Das Puschkin-Theater wird seine „Trommeln in der Nacht“ hören. Dies ist das erste Stück des Autors, das großes Aufsehen erregte und die Aufmerksamkeit der Kritiker auf den Dramatiker Brecht lenkte. „Drums“ tauchen selten auf der russischen Bühne auf, umso interessanter ist die Interpretation von Regisseur Yuri Butusov. Bericht von Yulia Egorova.

Der St. Petersburger Regisseur Yuri Butusov wird von Theaterbesuchern an seiner Handschrift erkannt – Bühne, Schauspieler und Handlung werden auf eine Weise verändert, die niemand erwartet. Der Regisseur liebt Brechts Stücke – er reflektiert die Grenzen von Leben und Tod, Liebe und Hass. Im Puschkin-Theater inszenierte er vor einigen Jahren „Der gute Mann aus Cezuan“. Seitdem wurde der Regisseur erneut erwartet. „Drums in the Night“ spielen heute fast die gleiche Komposition.

„Es ist eines meiner Lieblingsstücke, es ist einfach sehr gut, es ist sehr schön und romantisch. Und sozial“, gibt der Regisseur zu.

Hier gibt es soziale Konflikte. Der Protagonist rebelliert zunächst gegen die Ungerechtigkeit, doch es gibt Hoffnung auf persönliches Glück und er weigert sich zu kämpfen. Der Regisseur besteht darauf: Das ist eine Komödie.

Die Aufführung wurde nur zwei Monate lang vorbereitet. Yuri Butusov schaute sich gezielt nicht nur den Text des Stücks an, sondern auch die Proben – er fügte seine Playlist für die Künstler hinzu, verband Epochen und Stile, forderte zum Tanzen auf – er suchte nach Bildern und Stimmung. Furiose Tänze unter Prodigy und Lieder von Marlene Dietrich kamen in die Produktion.

„Wir haben sehr hart und konzentriert gearbeitet und viel Zeit miteinander verbracht. Und dieses Mal war es sehr warmherzig, sehr liebevoll, erfüllt von wundervollen Gefühlen“, sagte Schauspielerin Alexandra Ursulyak.

Kostüme und blasses Make-up: Männer spielen Frauen, Frauen spielen Männer. Kein Subtext – das ist ein Theater, antwortet der Regisseur.

„Das ist so ein Stil, so eine Sprache, wenn es eine bestimmte Maske gibt – die Maske gibt eine Distanz, und damit arbeiten wir natürlich.“ Wir suchen nach Übergängen von einer Person zu einer Rolle, nach umgekehrten Übergängen“, sagte Yuriy Butusov.

Es besteht kein Grund, irgendetwas zu komplizieren, wiederholt der Regisseur – echte Brechtsche Bemerkungen kommen vom Himmel. Der Held liest Pasternaks Gedichte – einfach weil die Gedichte gut sind. Ja, und über die Zeit, in der die Aktion stattfindet, müssen Sie nicht groß nachdenken.

„Die Zeit gehört heute uns. Wie spät ist es? Zwanzig Minuten vor zwölf“, sagt Juri Butusow.

Der Regisseur sei lakonisch, erklären die Künstler – das Werk sei noch nicht fertig, alles könne sich ändern.

„Juri Nikolajewitsch ist ein unendlich ehrlicher Regisseur, er ruht sich nie auf seinen Lorbeeren aus und arbeitet auch nach der Premiere weiter. Das kommt auch dem Publikum zugute, denn es kann bei der Premiere eine Aufführung sehen und sechs Monate später eine etwas andere oder ganz andere Aufführung“, ist der Schauspieler Alexander Matrosov überzeugt.

Notizen eines Amateurs.

Nr. 44. Puschkin-Theater. Trommeln in der Nacht (Berthold Brecht) Regie: Yuri Butusov.

Scratch Butusov, du wirst Brecht finden.

„Trommeln in der Nacht“ – ein frühes Stück von Bertolt Brecht, das der Autor als „roh“ ansah, da er es nicht in die gesammelten Werke aufnehmen wollte und die vierte Inszenierung des deutschen Dramatikers für Juri Butusow darstellte. Es ist auch das vierte inszenierte Stück des produktiven St. Petersburger Regisseurs im Jahr 2016 – die Vorbereitungen für die Premiere dauerten nur zwei Monate. Darin werden neben dem ewigen Thema der Beziehung zwischen Mann und Frau auch Fragen nach Rivalität, Verrat, sozialer Ungerechtigkeit, Revolution, den Schrecken des Krieges, der Wahl eines Lebensweges und der Absurdität der menschlichen Existenz aufgeworfen.

Die Handlung ist einfach, die Handlung spielt sich „hier und jetzt“ ab: Vor vier Jahren sollte Andreas Anna heiraten, landete aber an der Front. Heute ist Anna vom reichen Friedrich schwanger, der ihr einen Heiratsantrag macht. Anna kann Andreas nicht vergessen, aber ihre Eltern, die auf der Seite des reichen Friedrich stehen, überreden sie, zuzustimmen. Die Verlobung wird in der Piccadilly-Bar gefeiert, wo Andreas schmutzig, zerfetzt, aber lebendig ist. Der ehemalige Soldat erhält eine kollektive Abfuhr von der Familie Balike, betrinkt sich und schließt sich den Rebellen an (die Handlung spielt vor dem Hintergrund der Novemberrevolution). Wenig später, nachdem er Anna kennengelernt hat, die es sich anders überlegt und ihn gefunden hat, kühlt Andreas sofort ab und entscheidet sich dafür, „im Bett zu liegen und sich zu vermehren“.

Diejenigen Zuschauer, die den Text nicht gelesen haben, werden wahrscheinlich nicht alle Wendungen der Handlung erraten, aber sie werden dadurch wenig verlieren, denn Butusovs „Wie“ ist wichtiger als „Was“. Ein Provokateur, ein erwachsener Rebell, der Brechts frühe Hooligan-Komödie inszeniert hatte, stellte alles auf den Kopf und verwandelte die „Komödie“ (Brecht sagt es) in einen höllischen Clown, eine düstere Hysterie, einen entzündeten Konflikt zwischen allem und jedem. Anfänglich harte, rücksichtslose, nordische Betonungen im Text („Jetzt ist es zu Boden verfault“, „Es hat keine Nase mehr“, „Jetzt wird es von Würmern gefressen“, „Mein Mund ist voller Scheiße“ usw.) werden durch eine verblüffende, gewagte Interpretation, die der Frucht einer kranken Fantasie ähnelt, erheblich verstärkt.

Butusov schockiert erneut das angesehene Publikum, indem er den ganzen Unsinn herausschlägt, den Text mit Bedeutungen aufbläht und sein problemlos paradoxes Arsenal einsetzt. Alles „Beste“ wird aus dem Text und nur auf den Punkt gebracht und durch eine Vielzahl hypertrophierter Kontraste verstärkt: Was passiert, ist entweder sehr schnell, dann langsam, dann ohrenbetäubend laut, dann leise, dann betörend schön, dann hässlich, dann einschmeichelnd durchdringend, dann vulgär, dann wütend und rasend, dann distanziert. Das Beichtdrama wird durch ein Mysterium ersetzt, das einen zum Rätseln bringt. Auf der Bühne herrscht weißes Chaos, dann schwarzes Vakuum.

In der Mischung des höllischen Regisseurs finden sich auf jeden Fall Elemente von Brechts „epischem Theater“ – „Distanzierung“, „Entfremdung“, die Einbeziehung des Autors selbst in die Aufführung: Hier streitet sich Timofey Tribuntsev mit einer unsichtbaren Stimme, hier strömt Blut über das mit einem Rasiermesser geschnittene Gesicht von Karl Balike, hier zerren die widersprüchlichen Charaktere einander an den Haaren. Ihre Zeilen sind vor lauter Geschrei bedeutungslos und der emotionale Striptease endet mit einem echten Striptease. Der Betrachter ist ständig verwirrt: Pasternaks Gedichte sind von der Bühne zu hören, Männer als Frauen verkleidet und umgekehrt, nach der Stille sind charakteristische Geräusche zu hören, die sich zu einem Brüllen steigern, was die allgemeine Angst und ein ausgeprägtes Gefühl der Tragödie verstärkt, deren wachsende Dramatik man buchstäblich mit der Haut spürt. Die Bilder sind voller scharfer Farb- und Lichtakzente – Annas leuchtend rot-gelber Rock, blutverschmiertes Gesicht von Andreas, eine große rote Trommel auf dem Proszenium oder unerwartete, hypnotisierende Installationen langsam herabsinkender leuchtender Kugeln, als ob sie in der Luft schweben würden. All dies sind Techniken, Werkzeuge, und von Automatismus und Stereotypisierung der Wahrnehmung gibt es keine Spur. Unter dem Gebrüll des Wunderkindes findet ein buchstäblicher „Ritt der Walküren“, eher einem St.-Veits-Tanz, statt, die Schauspieler erstarren abwechselnd, dann zucken sie in synchronen Zuckungen zu lautem Techno, und der Wind zerreißt die schwankenden Röcke der Kleidung. Wenn sich der Name der Aufführung auf „Trommeln“ bezieht, dann wird es viele Trommeln geben, ganze Berge verschiedener Trommeln: große und kleine. Aus den Lautsprechern erklingt das Schlagzeug und ausnahmslos alle Schauspieler klatschen darin.

Butusovs Welt ist eine stachelige, grausame, hässliche, unharmonische Welt, eine wilde Menagerie, in der die Menschen wie ungeschickte Marionetten, unglückliche und verrückte Clowns aussehen, die von den Umständen rücksichtslos erschüttert werden. Das Leben stellt die Stärke der Menschen auf die Probe. Yuri Butusov steht nicht auf Zeremonien, zeigt die Charaktere von der schlimmsten Seite, enthüllt wie ein Pathologe die menschlichen Seelen. Im Inneren herrscht nur Fäulnis: Die Hauptfigur ist ein Psychopath, der Bräutigam ein Zyniker, die Braut eine Hysterikerin, der Vater der Braut ein Monster, die Mutter eine Vogelscheuche. Jeder ist ein Opfer. Die Charaktere sind verkrüppelt, zerzaust, beschmutzt, zerrissen und stehen am Rande eines Nervenzusammenbruchs. Das sind keine Neurastheniker mehr, sondern komplette Psychopathen. Hier gibt es keinen Platz für Freundlichkeit oder Mitgefühl. Den Helden bleibt nur noch, sich gegenseitig verzweifelt anzuschreien. Die Figuren leben nicht, sondern ertragen ihr Schicksal, spielen Rollen und wahren mit aller Kraft den Schein.

Der Star, das Zentrum des schizophrenen Panoptikums, seine „Königin“ war der Schauspieler des „Satyricon“ Timofey Tribuntsev, der organisch die Hauptfigur spielte – Andreas Kragler, niemand, nicht einmal seine eigene Braut, ein unnötiger Soldat, der aus dem Krieg zurückgekehrt war. Dieser Freak, der einer unbeholfenen Vogelscheuche ähnelt, erscheint entweder in einem weißen Ballkleid und Damenstiefeln, oder er rennt nackt über die Bühne, oder er schlägt hektisch die Trommel, oder er sitzt regungslos da, oder er läuft in Familienunterhosen („Schwiegersohn – nimm es“) oder ist mit Schuhcreme beschmiert wie ein Neger („Ich bin ein Negerschrott“). Doch im Finale ist von seiner Leidenschaftlichkeit keine Spur mehr – in der Umarmung mit seiner Geliebten verwandelt er sich in einen langweiligen „Zuschauer“.

Während der gesamten Aufführung sind Rätsel und Symbole verstreut, von denen das einprägsamste „Jesus“ mit einer Dornenkrone auf dem Kopf und in weißen Shorts im Hintergrund auftaucht (er ist auch auf dem Programm abgebildet). Besonders viele davon gibt es im zweiten Teil, der das Tempo spürbar verlangsamt. Die Dichte der Erzählung ist merklich reduziert, die Handlung besteht mehr aus Regievorbereitungen, Flirts mit dem Publikum als aus Ereignissen aus der Handlung. Timofey Tribuntsevs zufälliges Impromptu wirkte lustig, als ihm eine Pfeife zweimal aus den Händen fiel und beim Aufprall auf den Boden auseinanderfiel. Auf der Rückseite zeigen sie eine schwarz-weiße Wochenschau kriegszerstörter Häuser – eine Hommage an das Antikriegspathos des Autors des Stücks. Aber die Charaktere selbst sind längst in Trümmer verwandelt, zerstört durch ihren persönlichen inneren Krieg.

In einem Interview gibt der Regisseur zu: „Das ist eines meiner Lieblingsstücke, sehr gut, schön, romantisch, gesellig.“ Aber lassen Sie sich nicht täuschen! Der große und schreckliche Yuri Butusov stellt den Text, die Charaktere, die Schauspieler und dann das Publikum so weit wie möglich auf den Kopf und tut dies wie immer rücksichtslos. Mit Hilfe von Emotionen verbindet sich der Regisseur mit dem Nervensystem des Publikums und dreht den virtuellen Einflussknopf maximal. Es gibt keine Chance, gleichgültig zu bleiben – wieder entsteht eine Gänsehaut auf der Haut. Für sie wird Butusov geliebt.

Am 2. April 2017 besuchte das Theater die Aufführung von Yuri Butusov „Drums in the Night“. Puschkin. Die Eindrücke sind sehr zweideutig.

Zuvor hatte ich bereits Butusovs „Die Möwe“ gesehen und wusste, dass es etwas Extravagantes sein würde. Und es ist nicht so, dass ich ein absoluter Anhänger der Klassiker bin, aber ich verstehe einige Dinge an dieser Extravaganz nicht. Jetzt werde ich es erklären. In „Drums“ sehen alle Charaktere auf der Bühne wie Freaks aus: Männer sind als Frauen verkleidet, mit Make-up beschmiert usw. Ich bin nicht gegen Männer, die als Frauen verkleidet sind, aber warum? Ich liebe es, dass jede Handlung, jede Geste, jedes Wort eine Bedeutung hat. Ich habe den Sinn hier nicht gesehen. Das Gleiche gilt für den nackten Künstler im zweiten Akt. Ich bin jetzt ein großes Mädchen und habe nackte Männer gesehen. Aber welchen Sinn hatte der Held, sich nackt auszuziehen und seinen Haushalt zu erschüttern? Ausziehen, nur um sich auszuziehen? Den Auftritt als skandalös bezeichnen und in der Presse mehr darüber schreiben? Das ist es, was mir nicht gefällt. Das ist nicht mehr die Kunst, die man Theater nennt. Das ist eine Show, denke ich.

Dies ist jedoch nur meine Meinung. Und die Tatsache, dass Butusov einer der angesagtesten Theaterregisseure unserer Zeit ist, lässt vermuten, dass die meisten Zuschauer anders denken. Natürlich verlassen einige während der Pause den Saal, aber das sind, muss man sagen, nur wenige. Und als ich nach der Aufführung in der Schlange an der Garderobe stand, hörte ich jemanden sagen, das sei das Beste, was er je gesehen habe. Es gab auch diejenigen, die sagten, dass sie sich keinen Unsinn mehr ansahen. Im Allgemeinen sind die Eindrücke bei jedem anders, aber ich kann mit Sicherheit sagen, dass es niemandem gleichgültig ist.

Ich allein kann nicht sagen, dass mir die Aufführung nicht gefallen hat. Nein, ich habe nur geschrieben, was genau mir nicht gefallen hat, was mich verärgert hat. Trotzdem möchte ich anmerken, dass er sehr aufgeweckt und dynamisch ist, gut schauspielert und Emotionen weckt. Auch bei Butusovs Auftritten gibt es immer sehr gute Musik (meine Playlist ist sehr gewachsen), verrückte Tänze und zwar manchmal gruselige, aber schöne Bilder.

Im Allgemeinen ist dies eine Aufführung, an die man immer noch denkt und an die man sich noch lange erinnert. Zu manchen Szenen beginnt man, nachdem man es noch einmal überlegt hat, einen anderen Bezug zu haben.

Am Ende wendet sich der Held beispielsweise an das Publikum: „Warten Sie auf ein romantisches Ende? Hier bist du (unanständige Geste)“ und setzt sich zum Fernsehen, hält eine Kellnerin auf den Knien und sein unterwürfiger Liebhaber kriecht wie ein Hund auf sie zu. Er ist auch ein Held, der sagt, dass er nicht länger kämpfen wird, dass er sich fortpflanzen will. Als ich mir an diesem Abend diese Aufführung ansah, gefiel mir alles nicht. Auch hier handelt es sich um eine „kreative Lesart des Stücks“ und eine Verzerrung der Handlung. Ein paar Tage später gefiel mir dieser Transfer von der Romantik in die Realität sogar. Vielleicht zu einem nackten Mann und zu den ohne Grund gesagten Ausdrücken „Hallo, Arsch, neues Jahr“, ich werde später auch eine andere Einstellung haben..

Im Allgemeinen ist die Aufführung für einen Amateur gedacht. Für einen Liebhaber von Phantasmagorie, Hysterie und Extravaganz. Ich mag spirituelle Dinge mehr, deshalb ging mir dieser Auftritt nicht zu. Dennoch habe ich es nicht bereut, ihn gesehen zu haben.

20 Positiv

10 Negativ

Nach Datum
Nach Benutzerbewertung
Nach Bewertung

War zum zweiten Mal auf der Messe. Das Publikum spendete stehende Ovationen und ließ die Schauspieler nach der Verbeugung nicht los. Yuri Butusov ist sich selbst treu: Alle seine Tricks + neue werden in der Inszenierung, Tänzen, Wochenschau, Striptease demonstriert ..... Musik ist ein eigener Held von „Drums“! Ich persönlich bin begeistert von der Musik, die Yuri dem Spectator „unterlegt“. Klasse! Wunder in vollen Zügen in einem riesigen Raum – davon kann man nur träumen! Der Trommelwirbel ist rhythmisch und gibt das Tempo sowohl für die Bewegungen der Helden als auch für die musikalische Untermalung im Allgemeinen vor! Ich liebe Trommelwirbel! Produktion mit „positivem“ Ende: Die Protagonistin und der Protagonist haben eine Familie gegründet und verbringen die Abende mit der Familie vor dem Fernseher. Glück in einer „Zelle der Gesellschaft“. Die Stimmung stieg, und diese „Hochstimmung“ blieb auch den ganzen nächsten Tag bei mir.

Butusov ist nicht jedermanns Sache: Entweder vergöttern sie ihn und gehen 3-5 Mal zu seinen Inszenierungen, oder sie stehen von ihren Plätzen auf, ohne auf die Pause zu warten. Eine Aufführung nach dem Stück von Bertolt Brecht „Trommeln in der Nacht“, inszeniert vom Maestro 2016 (in nur zwei Monaten) für das nach A.I. benannte Theater. Puschkin.

Brecht ging in „Drums“ natürlich neben der in den flüchtigen Ereignissen verlorenen Liebe von Anna und Andreas nicht am Lieblingsthema des Krieges vorbei, an dem „anständige Bürger“ wie Annas Vater – Karl Balike (Appell mit „Mutter Courage“) Geld verdienen, während andere im Namen des Mutterlandes ihr eigenes Leben geben.

Die Handlung ist einfach: Andreas Kragler kehrt, wie es ihm schien, nach 4 Jahren Abwesenheit aus afrikanischer Gefangenschaft zu seiner geliebten Frau zurück, und eines Abends wendet sich sein zukünftiges Leben, das er noch vor nicht allzu langer Zeit in den rosigsten Farben gesehen hatte, um 180 Grad. Anna ist mit Friedrich Murk verlobt. Dabei geht es nicht einmal so sehr um die Verlobung, sondern vielmehr um ... Anna trägt Murks Baby unter ihrem Herzen. Hintergrund all dieses Gefühlsverrats ist die Novemberrevolution 1918 im Deutschen Reich.

Interessant ist, dass Brecht seine Schöpfung als Komödie bezeichnete... Witziges gibt es in diesem Stück allerdings wie in vielen anderen Werken des Dramatikers wenig, also fast gar nicht. Und Regisseur Butusov hält sich nicht nur nicht an das erklärte Genre, er übertreibt es sogar. Auf der Bühne steht nicht nur eine Komödie, es gibt eine ganze Clownerie, einen Haufen Einwanderer, gemischt mit Pinocchio und Malvina, ein echter Freak-Zirkus. Und er verwandelt all diese Requisiten in ein Drama, indem er Fragmente schwarzen Humors (wobei er die Hauptfigur natürlich in Schwarz ummalt) darüber streut. Auf der Bühne steigt der Grad ständig (Butusov widmet sich stets sich selbst): laute, kopfzerreißende Musik; die Szene verändert sich durch leuchtende Inschriften, die von der Decke fliegen; der Klang von Trommeln; blinkende Glühbirnen. Die Helden toben in Brandtänzen, sie sind geschlechtslos (Jungen spielen Mädchen, Mädchen spielen Jungen), ihre Gesichter und Körper sind mit Blut beschmiert. Alle Empfindungsaktionen finden irgendwo an der Grenze zwischen Hölle und Paradies statt. Wir müssen dem Regisseur Tribut zollen: Er hat der Handlung von Anfang bis Ende standgehalten ... Er hat es natürlich auf seine Weise gelesen, aber dennoch. Zumindest gab es keine Einfügungen aus anderen Werken (wie in „Shakespeare’s Room“), der Handlungsablauf wurde nicht umgeschrieben (wie in „Macbeth“). An der Wand erscheinen Bilder von Dokumentarfilmen der damaligen Zeit, die den Betrachter in die Schrecken des Krieges entführen.

Großflächig, einprägsam, pompös, schockierend.

Erwartete höllische Mischung - Brecht und Butusov. Nervt alle 3,5 Stunden. Wie von Anfang an gedacht wurde, wird es hier keine Leiche geben ... und tatsächlich gab es während der gesamten Aufführung Leichen. Harte Musik, harte Bewegungen, harte Worte. Die Schauspieler erholen sich dann wahrscheinlich von einer Woche. Es gab ein unverschämtes Publikum mit Phrasen und nacktem Körper, nicht nach meinem Geschmack, aber man kann sagen – an die Kassiererin. Obwohl ich denke, dass es hätte getan werden können, und es wäre besser gewesen. Aber im Allgemeinen, Butusov, und jetzt möchte ich Remarque in seiner Leistung haben ...

Ich gestehe, ich habe auf den zweiten „Guten Mann aus Sezuan“ gewartet, aber natürlich habe ich ihn nicht erhalten.

Um zu verstehen, was ich gerade gesehen habe, habe ich nach der Aufführung ein Dutzend Rezensionen zu „Schlagzeug“ in Publikationen von „Kommersant“ bis „Die Welt der Frauenpolitik“ gelesen (ja, um deinetwillen bin ich bereit aufzustehen und nicht so), sie berichten alle über dasselbe, nämlich: a) Butusov wollte zeigen, wie der Krieg das Leben der Menschen lähmt; b) Butusov ist mehr daran interessiert, neue Ausdrucksformen zu finden, als die Handlung des Stücks nachzuerzählen.

Das ist das Problem. Die Aufführung wird nicht zu einem integralen politischen Statement, denn der Zuschauer wird ununterbrochen mit „Ausdruckskraft“ bombardiert: Hier gibt es das Theater des Absurden, und ein Kabarett mit Zirkus, und Prodigy mit hektischem Tanz und sogar Dokumentarfilme aus dem Nachkriegsdeutschland. Ich habe aber auch Fragen zur Ausdruckskraft.

1) Den Prodigy mit ohrenbetäubender Lautstärke einschalten, um die Intensität des Augenblicks zu zeigen? Es scheint vor 20 Jahren seine Relevanz verloren zu haben. Einige Rezensenten bemerken, dass der Soundtrack „die sozialen Medien des Theaters in die Luft gesprengt“ habe und dass junge Leute direkt während der Aufführung Lieder in Shazam spielen wollten. Ich weiß nicht einmal, was das Publikum des Puschkin-Theaters mehr beeinträchtigt – dass es nicht den Verstand hat, das Telefon während der Aufführung auszuschalten, oder dass es Prodigy und RHCP ohne Shazam nicht erkennen kann (das meiste Publikum ist wirklich jung, aber das spricht eher für den Hype der Aufführung als für ihre Qualität).

2) Die Absurdität und Unmenschlichkeit des Krieges mit Hilfe des Theaters des Absurden darzustellen, ist eine alte, aber wirksame Technik, aber ein kleines Stück über mehr als drei Stunden zu strecken, ist eigentlich eine Art Nolan-Methode.

3) Die Szene, in der ein Clown zu trauriger Musik ein ungeborenes Kind begräbt, würde vielen Provinzregisseuren Ehre machen, aber vom „radikalen Innovator und Visionär“ Butusov erwartet man auf keinen Fall eine solche Feigheit.

4) Die Szene nach dem Abspann mit Schlagzeug scheint nur dazu nötig zu sein, den ohnehin schon begeisterten Zuschauer mit blauen Handflächen vor langem Applaus fertig zu machen, und nicht, um der Aufführung Bedeutung zu verleihen oder ihr ein Ende zu setzen.

Aber hier gibt es definitiv keine Beschwerden – das sind die Schauspieler. Die Schauspieler sind großartig.

Und noch besser gemacht – der künstlerische Leiter des Theaters. Im Satyricon bei Butusovs „Die Möwe“ flüchtet das Publikum in jeder Pause, am Ende ist der Saal zu etwa einem Viertel gefüllt, und das Satyricon selbst steht kurz vor dem Bankrott. Und „Drums“ haben sich fast alle bis zum Ende angeschaut, und mit den Finanzen scheint dem Theater alles in Ordnung zu sein

Den Kopf blasen und alle Standards der grotesken Show umhauen. Ich bin immer wieder erstaunt über das Können von Butusov

Als wir uns hinsetzten, fragte mein Mann: „Na, wird es wieder Obskurantismus geben?“ „Ja“, antwortete ich zufrieden. „Das ist Butusov.“ Es ist schwer, das, was auf der Bühne passiert, als Aufführung zu bezeichnen Das Wesentliche und hinter der Farce sieht man nicht den Schmerz der Schrecken des Krieges und die soziale Ungerechtigkeit des Lebens im Allgemeinen. Der Krieg fegt hinweg, zerstört, zertrampelt, entstellt, treibt einen in den Wahnsinn, raubt einem die Eingeweide, entstellt Körper und Seelen auf seinem Weg. Und ein Mann, ein guter Mann, muss das alles irgendwie ertragen und versuchen, ein Mann zu bleiben.
Alles wird durch einige außerhalb des Maßstabs liegende, intrauterine Schwingungen übertragen. Auf der Bühne passiert Wahnsinn – die Helden essen auf der Bühne (man kann es nicht anders sagen) und waschen sich mit Blut. Auch die Trommeln spritzen mal mit Wasser, mal mit Blut. Zwischen den Akten - verrückte Disco. Die Aufführung ist vollgestopft mit unterschiedlichen Musikgenres und ungewöhnlichen Regietechniken. Eine sehr starke Szene mit der Beerdigung eines Kindes (darauf habe ich als Mutter natürlich besonders reagiert). Mir gefiel der Empfang mit dem Kellner-Animateur, der das Geschehen kommentiert und auch regelmäßig Pausen beim Szenen- und Kostümwechsel ankündigt.
Angesichts all dessen würde ich Ihnen nicht raten, Ihren Eltern Karten für diese Aufführung zu kaufen, da nicht jeder es ruhig ertragen kann, wenn die Hauptfigur nackt über die Bühne läuft (es sei denn, sie sind im modernen Theater sehr fortgeschritten). Ja, und Freunde werden nicht alles zu schätzen wissen. Butusov ist wie immer ein Amateur. Ich liebe ihn. Er ist für mich interessant. Jeder seiner Auftritte ist Freude und Herausforderung zugleich. In ihnen gibt es immer viele Ebenen, manchmal ist es unmöglich, sie zu erreichen.
P.S. Die nächste Vorstellung findet am 14. Februar statt, es sind noch Karten erhältlich (nehmen Sie nicht nur die letzten Reihen des Parketts ein – besser ist eine Benoir-Loge oder die erste Reihe des Zwischengeschosses)

MIT EINER Fröhlichen FREUND-TROMMEL, MIT DEM FEUER DER VORWÄCHTER IN DER TRUHE
im Theater ansehen Puschkin (Moskau) vom 01.03.2018

WIE ES AUSSIEHT.
Akt 1. Boom. Eine auf einem Stuhl sitzende Mutter mit einer obenliegenden Strohsense (Crosscasting). Vater schärft sein Rasiermesser und versucht, sich selbst zu skalpieren. LIGHTBOX steigt vom Gitter herab – „Guzzle“. Klavier. Ein junger Mann in Kniehosen, mit Schnurrbart, Bart und lockigem Haar, die Beine auf dem Kopf, ist (wahrscheinlich) Christus. Der im Krieg verschwundene Bräutigam in einem weißen, flauschigen Kleid mit Absätzen. Braut in einem schwarzen Kleid ohne Absätze.
Boom. Absteigender Leuchtkasten – „Afrika“. Boom-Boom-Boom-Boom. Deutsches Chanson. Der andere Bräutigam ist fast wie der Führer, aber dicker. BbbbbbbUuuuuuuuuuuu. LIGHTBOX – „Bar Piccadilly“. Französischer Chanson. Er kommt zurück. Er wird nicht gebraucht. Er wird geliebt. 30 Sekunden Pause, keine Musik. LIGHTBOX - „Pepper“. Genitalgitarre spielen. BoouuM.BBuuuMM.BBBuuuuuuuuMMM.
Akt 2. Veselukha. Boom Boom. Tanzen. Boom Boom Boom. Mimans. 30 Sekunden Pause, mit Musik. „Neger“, mit nacktem Hintern, Eiern und Trommel. Boom. „Mi-mi-mi“ – Bälle vom Himmel. Kinoschka. Hund. Fernsehen. Credits. ENDE. Jam-Session. Bumm-bumm, bumm-bumm, bumm-bumm!

WAS WAR DAS.
Komödie. „Trommeln in der Nacht“, basierend auf einem der am wenigsten realisierten frühen Stücke von Theaterregisseuren von Bertolt Brecht, das den Anspruch erhebt, das nächste Ereignis existenziellen Ausmaßes zu sein. Die Premiere fand am 11.11.2016 auf der Bühne des klassisch altmodischen, mit dem vergoldeten Wappen der Sowjetunion geschmückten Moskauer Theaters statt. Puschkin. Cool. Boom.

WER WAR ES.
Regie: Yuri Butusov, der seine Arbeit am Erbe Brechts fortsetzt, der seiner Meinung nach zu einem Meilensteinautor wurde. Kreativ. Boom.
Bühnen- und Kostümbildner: Alexander Shishkin. Glamourös. Nicht billig. Boom Boom.
Lichtszenograf. Genial! Boom, Boom, Boom, Boom.
Choreograph: Nikolay Reutov. Bescheiden. Bm.
Soundtrack: Yuri Butusov. Prächtig. Boo-Boo-Boo-Boo-Boom.

WER SIND DIESE LEUTE.
Haaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaa): ein natürlich talentierter Schauspieler, der sich nicht schämt von seinem kleinen, aber spektakulären „Talent“ – Timofey Tribuntsev (Andreas Kragler)! Boom.
Uuumnitsa und kraaaasavitsa – Alexandra Ursulyak (Anna Balike)! Boom. Sie hatte wirklich das geringste Glück, auf einer leeren Bühne und einem weißen Klavier zusammengeschlagen zu werden, sie braucht weder Schönheit noch besondere Intelligenz! Boom.
Tooooooochno, der mit der Rolle der Prostituierten Marie zurechtkam - Sergey Kudryashov. Boom.

WAS SIE WOLLTEN.
Yuri Butusov, Boom, behauptet, er wolle mit dem Zuschauer über Liebe sprechen. Natürlich versteht ein schlauer Bewunderer der Arbeit des Meisters, dass er nicht nur über Liebe, sondern über viele Dinge sprechen wollte. Schließlich hat er Brecht inszeniert, nicht Radzinsky, und die Hauptfigur kehrt aus dem Krieg zurück, der in seinem Kopf weitergeht. Ich weiß nicht, ob daran „viel“ möglich war, aber was dem Regisseur zweifellos gelungen ist, war, von eben dieser Liebe zu sprechen. Es stellte sich überraschenderweise heraus! Boom-Boom. Nicht um diese Liebe, sondern um diese – unsere. In dem sie lieben und nicht vergessen können. Sie lieben und verraten stillschweigend. Sie lieben und lieben es, mit der ersten Person, die sie treffen, zu betrügen. Sie lieben dich, sind aber bereit, dich gegen jemanden einzutauschen, der reicher und erfolgreicher ist. Über die Liebe, in der Sie sich Hundehingabe wünschen. Und einfach so, auf einer weichen Couch, sich an die Geliebte kuscheln und lange, lange, dumm, dumm aussehen und auf den Fernseher starren, ist alles das Gleiche.
Aber als er über Liebe sprach, bumm, flirtete er gleichzeitig mit aktuellen politischen Trends und bedeckte den Raum der Bühne immer wieder mit einer weißen Leinwand mit einer Projektion – entweder hungernde Deutsche, bumm, dann zerstörtes Berlin, bumm, dann der Bau der Berliner Mauer, bumm, der die postdramatische Inszenierung sozialisierte und aktualisierte und sie zu einem Plakat und einer Broschüre machte. Obwohl der Empfänger an sich mittelmäßig ist, zeigte sogar das Rjasaner Puppentheater 1984 in Brekhts „Karriere des Arturo Ui“ (und ich muss sagen – es war eine wunderbare Aufführung!) mit Hilfe eines Filmprojektors faschistische Prozessionen unter schneidigen Märschen. Seitdem kommt eine seltene Inszenierung Brechts ohne diesen Fund aus. Es sei denn, der Umfang der Projektion wächst und wächst. Boom Boom Boom.

WIE SIEHT ES AUS.
Im Kabarett, Varieté, Musiksaal. Brecht selbst ist ein Kabarett. Die Verwendung der Kabarett-Ästhetik, die in den 1920er und 1930er Jahren aufkam. des letzten Jahrhunderts ermöglichte es, die Rampe zwischen Bühne und Publikum zu zerstören, doch in „Drums in the Night“ wird die Trennlinie zwischen Bühne und Saal durch zahlreiche Bälle bewusst betont. Schließlich ist Yuri Butusovs Kabarett nicht nur ein Kabarett – es ist ein komödiantisches Zombie-Kabarett, das von zum Leben erweckten ästhetischen Leichen bewohnt wird, mit denen die Kommunikation gefährlich ist. Sollte geschützt werden. Boom.

WER BRAUCHT ES.
Ist das eine Frage. Boom. Natürlich weckt die oberflächliche Antwort „Trommeln in der Nacht“, die die Fantasie anregt, in der kichernden, abgestumpften Moskauer Öffentlichkeit die Keime einer gesellschaftlichen Reflexion über die Zerbrechlichkeit der Welt und ruft dazu auf, sie zu schützen, die kulturelle und zivilisatorische Isolation der Gesellschaft zu verhindern. Boom Boom. Aber die Aufführung, die auf der Hauptbühne der Hauptstadt realisiert wurde, lässt vermuten, dass es sich hier eher um ein postmodernes Schlaflied handelt, das uns mit der Bedeutung einlullt, dass wir auf alle möglichen Kleinigkeiten wie lokale Kriege an den Grenzen keine Rücksicht nehmen sollten: Die Verlorenen werden zurückkehren; Vor unbequemen Problemen werden wir uns mit Ziegeln bedecken, wir werden uns mit Betonmauern abgrenzen und wir werden lieben und tanzen und dabei Trommeln schlagen im Stil: „Oh, Mambo, Mamba Italien“. BU – Boom, BU – Boom, BU – Boom.

WIE ES AUSSEHT.
Nicht wie, sondern womit. Der erste Akt – mit einer kleinen Flasche, vorzugsweise sieben Jahre altem Cognac, trinkt man ihn in kleinen Schlucken, aber regelmäßig. In der Pause mit Zitrone und starkem Kaffee aufpolieren. Der zweite Akt besteht aus einer großen Papppfanne mit gesalzenem Popcorn. All dies zum Mitbringen und Mitnehmen))). Boom Boom.

Wie viel muss man dafür bezahlen?
Da wir an einem Abend tatsächlich zwei Aufführungen gleichzeitig bekommen: die erste im ersten Akt, die zweite im zweiten, dann für Masochisten, die von der Wirkung hoch- und niederfrequenter Wellen auf ihren Körper erschöpft sind, ein erhöhter Dezibelpegel sowie Liebhaber männlicher Genitalien, die mit schwarzer Farbe bemalt sind, für das Parterre - 1500-1000 Rubel. Hipster für Mezzanine - 1000-500 Rubel. Für den Rest – 300-200 Rubel – ein angemessener Preis für dieses Spektakel (der Balkon ist frei, er ist sowieso leer). Boom. Boom. Boom.
Klim Galerov

Wenn ich Butusovs Auftritte sehe, habe ich jedes Mal Glück. Dieser Schock, dann die Enttäuschung, dann der Schock, dann die Vergangenheit. Diesmal – „Trommeln in der Nacht“ in Puschkin – Glück gehabt, schrecklich! Am Ende rief er „Bravo“.

Nach der Butusov-Tradition entfaltet sich der erste Akt lautstark und schwierig, er hält nicht immer zusammen, sondern beginnt allmählich zu atmen, Bilder und Bedeutungen werden vereint. Und der zweite Akt ist eine luxuriöse Vielfalt an Stimmungen, Bildern und überlagernden Bedeutungen, ohne die vorherige Spannung und Druck.
Butusovs Lieblingsschauspieler Tribuntsev, Ursulyak sowie Matrosov und Voronkov sind von ihrer besten Seite, vielfältig und unberechenbar. Musik, Plastizität und Bühneneffekte sind die Stärken der Inszenierungen des Regisseurs, und hier sind sie stark und sorgen für zusätzliche Tiefe und Bedeutung, insbesondere im Finale mit Live-Schlagzeug.

Die Aufführung, die als Parodie auf die Friedrichstadtpalas-Show beginnt, verwandelt sich plötzlich in ein alltägliches Comedy-Drama, wird dann mit dokumentarischen Aufnahmen aus dem Nachkriegs-Berlin und dem Bau der Berliner Mauer an den Stuhl genagelt, steigt dann zu den Höhen der Leidenschaft und Liebesromantik auf, verfällt dann in eine Verspottung des afrikanischen Themas und des Jazz, verwandelt sich in den sozialistischen Realismus der DDR und plötzlich – Gänsehaut auf der Haut bei den Worten „Vier Jahre sind vergangen“ (über uns!), wenn der Held auf jede Revolution verzichtet, sich um den Alltag kümmert und sich hinsetzt mit seiner Familie vor dem Fernseher ... Dieser meisterhafte Eklektizismus von Butusovs Theater – so komplex im Zusammentreffen von Effekten und der Generierung neuer Bedeutungen – blieb in der Schwebe, erzeugte freudige Überraschung und erschoss trotz der schematischen Natur des Textes, der Veralterung des Brechtschen Stücks und, wie es scheint, der Irrelevanz des Themas.

Ich war wieder einmal davon überzeugt, dass Butusovs Auftritte in Moskau besser anzusehen sind. Alle drei seiner Auftritte in St. Petersburg, die ich gesehen habe, haben nicht zusammengehalten, die Schauspieler waren dort deutlich schwächer und die Enttäuschung blieb. In Moskau schafft er Produktionen unterschiedlichen Niveaus, aber darunter gibt es offensichtliche Meisterwerke – „Der Lauf“ in Wachtangow und „Die Möwe“ in „Satyricon“ sowie so interessante Werke über Brecht in Puschkin – „Der gütige Mann“ und jetzt „Trommeln in der Nacht“.

Nur Yury Butusov kann ein 30-seitiges Stück mit wenigen Wendungen in der Handlung zu einer entzückenden dreieinhalbstündigen Aufführung ausdehnen. Der gesuchte Stoff – „Trommeln in der Nacht“ von Bertolt Brecht – auf der Bühne des Puschkin-Theaters klang sowohl auf neue Weise als auch ganz im Sinne der Ästhetik, die der Tournee-Intendant des Lensoviet-Theaters kreiert.

Die Wirkung auf das Publikum ist visuell, akustisch und emotional.

In der Produktion gibt es keine Halbtöne, Andeutungen oder Untertreibungen. Im Gegenteil, die Charaktere sprechen verbittert, lachen über den Rand und schlagen buchstäblich in plastischen Zuckungen im Takt der Trommeln, der erkennbaren Prodigy-Melodie und den eigenen musikalischen Freuden des Regisseurs. Erst mitten in der Aufführung wird einem klar, dass es sich hier alles um primitiven Schamanismus handelt. Der Tanz mit Trommeln in Rauchwolken und Zaubersprüchen fasziniert und stürzt zunächst die Künstler selbst und dann das Publikum im Saal in hypnotische Ekstase.

Auch die Doppelnatur der Charaktere trägt zur Erosion emotionaler Grundlagen bei: Männer werden von Frauen gespielt, Frauen von Männern, Timofey Tribuntsevs Held Andreas Kragler läuft die Hälfte des ersten Akts im durchscheinenden Tüllrock über die Bühne. Dann zieht er noch Hosen an, aber nur, um in einer der Folgen alles auszuziehen. Die völlige körperliche Entblößung ist keineswegs schockierend, sondern ergänzt lediglich den emotionalen Striptease von Kragler, der von unglücklicher Liebe zerquetscht wird und sich dazu entschließt, die revolutionären Unruhen anzuführen. Indem du alles von dir selbst entfernst, kannst du die Trommel schlagen und auf die Barrikaden gehen. Der Gegensatz von persönlichem Glück und sozialer Aktivität ist der Leitgedanke in Brechts Stück. Bei Butusov ist es jedoch vor dem Hintergrund der persönlichen Auseinandersetzung der Charaktere eher zweitrangig.

Neben Timofey Tribuntsev spielten Alexandra Ursulyak und Alexander Matrosov zwei weitere Hauptrollen. Eine ungleiche Dreiecksbeziehung ist Anna Balike, die nicht auf ihren Verlobten Andreas Kragler aus dem Krieg wartete und auf Druck ihrer Eltern mit Friedrich Murk heiratete. Die Entwicklung jeder Figur in Butusovs Inszenierung ist assoziativ. Anna ist zuerst Columbine, dann die Braut, die ihr weißes Kleid in ein trauerndes schwarzes verwandelt, dann eine Hure, sogar einen Hund ... Die Verkleidung, die auf der Bühne, hinter den Kulissen und sozusagen zwischen den Zeiten stattfindet, lässt Sie jedes Mal auf neue Weise die Figur spüren, zu der der Künstler selbst wird.

Die Rolle des traurigen Pantomimen, die Butusov auch gerne in seinen Inszenierungen einsetzt, ging an Alexander Matrosov. Er ist auch Murk, der mit Gesten zum Betrachter und zu Gott spricht, wenn er mit einem Kind im Arm allein gelassen wird.

Ein weiterer traditioneller „Trick“ des Regisseurs, der es Butusov ermöglichte, erneut auf den angegebenen Zeitpunkt der Aufführung zu zielen, ist die visuelle Ästhetik. Manche Szenen kann man stundenlang wie impressionistische Gemälde betrachten. Rauchwolken, in geplanter Unordnung sitzende Helden, von oben herabsteigende Neoninschriften und ganze Myriaden von Sternenkugeln, die auf die gesamte Bühnenfläche fallen. Scheinbar einfache Tricks, die beim Publikum emotionale Überschneidungen hervorrufen, hinterlassen keineswegs ein Gefühl von Billigkeit.

Das Flirten der Künstler direkt mit dem Zuschauer und Gespräche mit einer bestimmten Stimme hinter der Bühne wirken banal, was dem Geschehen offenbar auch emotionale Beweglichkeit verleihen soll. Es entsteht jedoch eher der gegenteilige Eindruck von mangelnder Teamarbeit und Unterentwicklung. Und doch durchbricht „Drums in the Night“ die Wand zwischen Bühne und Zuschauerraum und zwingt, wie in einer Achterbahnfahrt, mal durchzuatmen, dann wieder vor Aufregung zu zittern.

Ich bedauere, dass ich nicht in der Pause gegangen bin, wie es viele vor der Pause zum Zeitpunkt der Sexszene am Klavier getan haben.
UNGLAUBLICH LAUTE MUSIK als Szenenpakete! WOFÜR? Dass Menschen taub werden und mit Kopfschmerzen gehen? Was ist der Sinn darin?

Nach der Aufführung hatte ich das Gefühl, dass ich emotional am Boden zerstört und unterdrückt war. Ich fühlte mich müde, mein Kopf begann zu schmerzen, es gab ein Gefühl von Ekel und Missverständnis – warum habe ich es gegessen? Am Morgen schmerzte mein Kopf noch stärker und ich fühlte mich immer noch deprimiert. Die Leistung ist der einzige Grund für einen solchen Zustand.

Die Aufführung selbst handelt von einer persönlichen Tragödie während des 2. Weltkriegs. Natürlich macht das Thema keinen Spaß. Aber ich habe viele Aufführungen gesehen, die Tränen hervorgerufen haben, die tragisch waren, aber danach hatte ich nicht das Gefühl, dass ich emotional am Boden zerstört war und mir die Energie genommen wurde.

Der Punkt liegt in der Präsentation des Materials durch den Regisseur. Es entsteht das Gefühl eines unharmonischen, absurden Haufens, der den Schmerz der Charaktere zum Ausdruck bringt, aber auf eine Art und Weise, dass es einen erschöpft und dem Publikum Energie entzieht. Ich denke, das alles spricht für die psychologischen Probleme des Regisseurs selbst, der sich auf diese Weise ausdrückt. Butusov ist meiner Meinung nach einfach ein modischer Sensationsregisseur. Schwarze PR ist auch PR. Ich möchte anmerken, dass einige Meister ihn in St. Petersburg für abnormal hielten und nicht mit ihm zusammenarbeiten wollten. Es ist auch nicht nur das.

Ich denke, dass solche Aufführungen dem Publikum nicht gestattet sein sollten.
Schade, dass jemand es zulässt.

Der Triumph eines unmöglichen Lebens für einen gewöhnlichen Zuschauer / „Trommeln in der Nacht“ von B. Brecht, inszeniert von Y. Butusov im Moskauer Kindertheater, benannt nach A. S. Puschkin

Der Betrachter soll nicht mitfühlen, sondern argumentieren.
Bertolt Brecht

Was könnte der 24-jährige Autor von „Drums in the Night“ über das Leben im Jahr 1919 wissen? Viel weniger als 1954, als er das Stück herausgab, und viel weniger, als seine Kunst kannte. Vermeiden und widersetzen Sie sich immer einer eindeutigen Interpretation und kehren Sie alle Ideen (wie wahr sie zum jeweiligen Zeitpunkt auch erscheinen mögen), die der Autor möglicherweise dorthin zu bringen versucht, auf den Kopf.
Je klarer und präziser (bei der Begegnung mit einem Kunstwerk) wir unsere Fragen formulieren, desto klarer wird die Vorstellung, dass es auf unsere Fragen bereits Antworten gibt. Vielmehr geht es um Antworten, zu denen wir Fragen auszuwählen versuchen.
Aber haben wir viele? Wie oft hört man: Nun, das ist verständlich – das ist etwas – das ist von dort – das weiß ich schon – lass uns von hier aus weitermachen, hier wird uns nichts Neues gezeigt – usw. Aber was wissen wir eigentlich? „Die Leute denken sich so kleine Worte aus und lassen sie wie Seifenblasen in die Luft steigen, damit man dann ruhig zu Bett gehen kann, weil sich alles so neu mahlt.“ Weil es immer einfacher wird und Sie nichts ändern müssen.
Und das alles scheint für uns alle selbstverständlich zu sein. Und die Geschichte im Stück ist im Allgemeinen trivial. Und es besteht kein Grund, sich den Kopf zu zerbrechen. Was ist mit Annas Liebe passiert? Warum ist Andreas „auferstanden“? Um zu verstehen, wer er geworden ist oder was er geworden ist? Seine Entscheidung, bei Anna zu bleiben, die ein Kind von einem ungeliebten anderen Mann erwartet – und nicht am revolutionären Pogrom teilzunehmen – Feigheit und Verrat? Oder Selbstaufopferung im Namen deiner Liebe? Denn wenn es Liebe gibt, braucht es keinen Krieg oder keine Revolution mehr, und im Allgemeinen kann alles, was um uns herum passiert, keine Bedeutung mehr haben. Schließlich war es diese Liebe, die ihn rettete und vielleicht auch jetzt rettet. Aber wie ähnlich ist es doch dem Wunsch nach einem kleinen kleinbürgerlichen Glück! Und andererseits – vielleicht – ist das auch nur eine Ernüchterung, Enttäuschung usw. gebrochene Weisheit? Und in der Inszenierung fließt eins ins andere – so unmerklich und schnell, dass keine Entscheidung, egal wie man sich entscheidet, die einzig richtige und endgültige sein wird. „Schließlich geben sich die Sterne alle Mühe, wenn wenigstens einer Person gleichgültig ist … gegenüber Gemeinheit.“ Und nach dem Abschied von der Romantik fließt der Idealismus unweigerlich in die Errichtung einer Mauer um sich selbst ein – vor all dem erdrückenden Schrecken, der Ungerechtigkeit, dem Kummer dieser Welt und dieses Lebens. Ein Leben, das fast immer nicht das ist, was man denkt.
Aber braucht sie es? Wird sie dann echt sein?
Es sind solche Pirouetten und Labyrinthe des Verstehens des Lebens, die uns die Kunst lehrt. Und insbesondere die Kunst von Y. Butusov.
Die Grenzen unserer gewohnten Optik bis ins Unendliche zerstören.
Vielen Dank an ihn und alle, die diese Leistung erbracht haben
magisch

Seit der Premiere des Stücks „Drums in the Night“ im Theater ist genug Zeit vergangen. Puschkin, aber es ist nicht möglich, Gedanken zu einem Ganzen zusammenzufassen. Yuri Nikolayevich Butusov versetzt Sie in einen solchen Zustand, indem er ein Stück mit einer einfachen Handlung inszeniert, die 3,5 Stunden lang verständlich, aber nur äußerlich verständlich ist. In der Tiefe sind so viele Geheimnisse verborgen, dass sie, wenn überhaupt möglich, nach n Aufführungen gelöst werden können. Das Hauptaugenmerk von Butusovs Inszenierungen liegt nicht in der Analyse der Handlungen der Charaktere, nicht in der Erstellung eines psychologischen Porträts, sondern darin, sich in sich selbst zu vertiefen und jede Szene zu durchkauen. Butusov wird nie alles für Sie in die Regale stellen, er wird Sie nicht in die Halle stellen und das Stück Wort für Wort zeigen, er wird Sie dazu bringen, es selbst herauszufinden, und manchmal zieht es sich über Monate hin.
Bei „Drums“ ist alles beim Alten, die Hülle der Darbietung ist klar und verständlich, und was sich darin verbirgt ... Und das ist ein wunderbarer Zustand, wenn es die Möglichkeit gibt, nachzudenken, zu argumentieren und Eindrücke zu vergleichen. Vielen Dank, Yuri Nikolayevich, dass Sie mir beigebracht haben, zu analysieren, was passiert, und nicht nur die Landschaft und die Schauspieler zu sehen und einem schönen Bild zu applaudieren.
Zwei Akte sind zwei ganze Aufführungen, Sie können sie separat ansehen, der erste Akt versetzt Sie in Wirbelsturm, lässt Sie in das Geschehen eintauchen und die Musik lenkt Ihre Aufmerksamkeit und hilft, das Geschehen zu ergänzen. Die Musik ist erstaunlich, die Fähigkeit von Yuri Nikolayevich, die ideale Komposition für diese oder jene Aktion auszuwählen, ist ein Talent, das weder addiert noch subtrahiert. Der zweite Akt hat mich verwirrt und mich nicht wirklich beeindruckt, die Szene mit dem Baby hat mich nicht berührt, der nackte Schauspieler hat sich nicht angestrengt: Da man so eine Figur vorstellt und dann alles verschleiert macht, wie sie es in Puschkins Theater gemacht haben, hat es nicht geklappt und ist nicht ekelhaft.
Neben der Musik wählt der Regisseur die Schauspieler richtig aus, alle arbeiten reibungslos und niemand versucht, sich über den anderen zu erheben. Alexandra Ursulyak, Timofei Tribuntsev, Alexei Rakhmanov, Ivan Litvinenko, Alexander Matrosov, Vera Voronkova, Anastasia Lebedeva, Alexander Dmitriev, Sergey Kudryashov, vielen Dank für Ihre Teamarbeit, Sie sind wie eine große Familie auf der Bühne.
Ich wiederhole es noch einmal: Was man über das, was Yury Nikolayevich Butusov für „Drums“ inszeniert hat, nach einer einzigen Betrachtung nicht sagen kann, selbst wenn man jetzt analysiert und die Kritiken liest, versteht man, dass es in der Produktion so viele Rätsel gibt, und man hat nur einen Teil gesehen. Um ehrlich zu sein, ist die Aufführung noch roh, man muss ausleben, an die Bühne und aneinander heranwachsen, aber es ist bereits klar, dass er noch lange leben wird und wir, das Publikum, mehr als einmal gehen werden.

Die Aufführung hat mir sehr gut gefallen, emotional, hell, spektakulär. Nun, natürlich weggespült! Drei Stunden lang denkst du über Liebe und Krieg nach und am Ende begreifst du, dass dies heute eine Warnung an uns alle ist. Das Finale ist sehr stark! Schauspieler, alle einzeln, Bravo. Timofey Tribuntsev, ich hätte nicht gedacht, dass es so sein könnte! Obwohl ich ihn in Chaika gesehen habe, aber hier ... fühlt es sich an, als ob jeder Nerv freiliegt. Danke.

Notizen eines Amateurs.

Nr. 44. Puschkin-Theater. Trommeln in der Nacht (Berthold Brecht) Regie: Yuri Butusov.

Scratch Butusov, du wirst Brecht finden.

Zigeuner-Rave mit Musik aus den 90ern auf der Bühne des Puschkin-Theaters.
Kein Krieg, es lebe die Liebe!
Die neue Wahrnehmung von Brechts von Jegor Peregudov übersetztem Text, die phänomenale Arbeit der Schauspieler und die Leichtigkeit der Erzählung werden durch den Clip-Schnitt der Szenen gewährleistet. Das Eintauchen in die Fantasiewelt des Regisseurs erfolgt augenblicklich, und in dieser Welt bleibt man tief und für lange Zeit stecken, während 4 Stunden Action völlig unbemerkt vergehen.
Unabhängig davon stelle ich fest, dass Timofey Tribuntsev ein brillanter Künstler ist.

Ich gehe zu allen Aufführungen von Butusov, weil. Es ist ein besonderes Phänomen im Theater. Starke Emotionen und Gedanken, die normalerweise in den Köpfen der Helden verborgen sind, werden nach außen visualisiert und fallen in all ihrer Schönheit und Hässlichkeit auf die Bühne, wo sie sich gleichermaßen mit Realität und Handlung vermischen. Diese Aufführungen sind nichts für Logiker und nicht für diejenigen, die wollen, dass im Moment alles klar ist – „Ich schaue zu und verstehe gerade: Diese ist in Budjonowka für die Roten, und diese ist in Offiziersuniform, also für die Weißen.“ Butusovs Chiffre ist um Größenordnungen komplizierter und man kann sie erst später verstehen, nachdem man die Produktion als Ganzes betrachtet und ein oder zwei Wochen lang nachgedacht hat, um die Bilder und Bewegungen zu entschlüsseln. Hier können obskure Bildcharaktere für einen einzigen Moment ständig 3,5 Stunden lang auf der Bühne präsent sein – plötzlich in einer Dornenkrone aus den Statisten hervorgehen und einem der Hauptcharaktere eine rote Nase aufsetzen und so alles Menschliche und Verletzliche, Unbeholfene, aber von Gott gegebene erklären.
Im Allgemeinen sind, wie immer bei Butusov, Logiker und Menschen mit rationalem Denken kontraindiziert, und Analytiker und theatralische Sherlock Holmes müssen aufpassen. Ein seltener Denkanstoß und ein üppiges Fest voller Emotionen und vielschichtiger Regiebotschaften.

Seit Kurzem bin ich ein Fan der Arbeit von Juri Nikolajewitsch. Und höchstwahrscheinlich für immer! Es war meiner Meinung nach einfach genial. Obwohl die Aufführung 3 Stunden und 30 Minuten dauert, wollte ich, dass die abgefahrenen Tänze und die ganze Action auf der Bühne kein Ende nehmen. Ich höre immer noch „Smack My Bitch Up“ (The Prodigy) und „Skip To The Bip“ (Club Des Belugas) im Kopf. Es war ein Feuerwerk aus Klang, Licht, Plastizität, dem Talent der gesamten Besetzung und natürlich der guten Arbeit von Yu.N. Butusov!
Von Wochenschauen über das besiegte Berlin und den Bau der Berliner Mauer – Gänsehaut lief durch den Körper; aus ausgewählten Musikkompositionen - Schwingungen in mir; aus dem Spiel von T. Tribuntsev (Kragler), A. Ursulyak (Anna) und allen beteiligten Schauspielern – ein voller Genuss!

Butusov in einer kreativen Krise

Langeweile ist unerträglich, denn fast alles, was auf der Bühne passiert, ist vorhersehbar. Die gleichen weiß gewordenen Gesichter, das gleiche allgemeine Schwarz und Weiß, die gleichen hysterischen Schreie der Künstler, die gleichen energischen Tänze zu moderner Musik wie in allen neuesten Auftritten von Butusov. Ich habe fast alle seiner frühen Aufführungen im Leningrader Stadtratstheater gesehen – Warten auf Godot, Woyzeck, Caligula. Das waren herausragende innovative Leistungen. Und jetzt die Zeit der endlosen Selbstwiederholungen. Leider.

„Scheiße, schlecht gespielt und lang“ – hier dreht sich alles um den ersten Akt, der völlig und in allem schrecklich war – in den ersten 10 Minuten sieht man Schauspieler, die ihre Hauptrollen nicht herausholen (später war alles ganz anständig, außer leider der Hauptfigur, die nur in zwei Szenen, in denen sie einen Mann und eine Heldin im Zweiten Weltkrieg porträtiert, anständig aussieht). Das schauspielerische Niveau der Schauspieler ist hoch (fast alle von ihnen, was offenbar darauf zurückzuführen ist, dass die Rollen nicht für sie gemacht und kalibriert wurden, sondern sie bekamen ihre Verwirklichung), es gibt überhaupt kein Drama, die Handlung ist verschmiert und mit Tricks durchsetzt (und, sehr zum Leidwesen, banaler und vulgärer Szenen und Humor). Helfen Sie, diesen Teil zu meistern, weil ich wirklich schlafen wollte. Der zweite Teil der Aufführung ist viel besser, ich war sogar froh, dass ich mich zurückgehalten habe und nicht weggelaufen bin , denn es wird deutlich, dass die Akteure handeln können und es einen Sinn hat. Aber auch hier ist es nicht so schick - die Handlung ist immer noch in die Länge gezogen, die Handlung ähnelt stellenweise einem Clip und nicht einer Aufführung, obwohl sie viel strukturierter ist (anscheinend ist dieses Material dem Regisseur immer besser bekannt und verständlich), mit Wochenschauen verwässert, die Rollen sind angemessener verteilt und die Schauspielerei ist besser gespielt (die Hauptfigur selbst ist gut). Infolgedessen ist dies in meiner Praxis in den letzten drei Jahren die schlechteste Leistung, bei der ich von den ersten 15 Minuten an einfach bereut habe, dass ich gekommen bin, und es geht überhaupt nicht um die „Avantgarde-Leistung oder den Regisseur“. Und leider wird mich das auch noch lange nicht ins Puschkin-Theater locken (

Geschichte von „Trommeln in der Nacht“.

Teil eins. Kammergeschichte
Dies ist Dezember. Sie kennen diesen Monat, wenn weiße Zweige auf den Twerskoi-Boulevard fallen und eine Elster, neidisch auf den Himmel, abhebt. Wenn Gaslampen die Luft um sie herum erhitzen, erfüllen sie sie mit Zittern und Anschwellen der sichtbaren Welt. In dieser Nacht wandern wir hinauf, das Passionskloster beiseite, zwei – Er und Sie. Eine Flasche Wein natürlich gefesselt – wozu sonst all diese vorweihnachtlichen Feierlichkeiten.
- Alisa Georgievna, ich schaue in deine Augen und verstehe, dass ich das Theater brauche. Gerade jetzt.
- Dann lasst uns, Alexander Jakowlewitsch, an alle Türen hintereinander klopfen - es kann nicht passieren, dass so etwas ohne Reaktion passiert.
Sie überqueren die Straßenbahngleise, dort in den Fenstern der Fremden schimmert kaum noch Licht. Bis zum siebten Mal auf Glas – der alte Mann öffnet den Fensterladen in einem Schlafrock mit indischer Malerei, mit einem roten Tilaka auf der Stirn. Und das folgende Gespräch findet zwischen ihnen statt.
Alexander: Hallo, guter Mann. Gibt es in diesem Gebäude ein Theater?
Alter Mann: (Nach einer Pause, fast flüsternd vom Ufer) Hören Sie ihr zu. Hören Sie, wie Stille in Wünschen von jetzt und für immer kommt? Die Bewegungen hörten auf, der Geist hörte auf zu schwanken – es gibt kein Pendel für dich, was bedeutet, dass es kein Drama gibt.
Alexander: Opa, bist du ein Altgläubiger? Ich stelle dir eine einfache Frage. Wie fühlst du dich, Großvater?
Und Großvater holt einen Fingerhut mit zerstoßenem Phenazepam aus seinem Schlafrock, streut ihn kaum auf seinen Finger und denkt ...
Alter Mann: Waren Sie schon in Odessa?
Alexander: Und was ist, alter Mann. Alles ist für sich. Sie antworten mir – gibt es hier ein Theater? Nur irgendwie klarer.. Die Stunde ist schon spät, das ist ungleichmäßig..
Alter Mann: Sehen Sie, junger Mann. Ich lehne solche Schlachten ab – ich halte meine Streitwagen mitten auf den Feldern von Kurukshetra an, starte Papppferde hinter der Bühne des Standes, ich halte mein Schwert den Requisiten hin. Na ja, und so weiter..
Alexander: Sie sind frei denkend, das heißt ... Ja, dafür können sie vom Generalgouverneur ausgepeitscht werden. Ich sage Ihnen das als Person mit einer juristischen Ausbildung.
Alter Mann: In dieser Woche gab es bereits sieben Sekleys – sie wurden tagsüber immer noch nicht durch Feuer gefunden.
Alexander grinst über die Festigkeit der Philosophie seines Gesprächspartners, Alexander wäscht sich umsonst mit Schnee. Der alte Mann bläst das Pulver von seinem Finger und es verschmilzt mit dem schwarz-weißen Moskau. Pause.
Alter Mann: Erlauben Sie mir, junger Mann, Frau Koonen diesen Ring zu überreichen. Ich habe es heute Morgen im Bauch eines gefangenen Fisches gefunden – es wird dir Glück bringen..
In der ausgestreckten Hand - Silber mit Malachit.
Alice setzt den Ring auf den Ring, küsst die Hand des alten Mannes – der Schnee fällt wie himmlische Flocken auf ihre Wimpern. Der alte Mann schließt das Fenster – Und dann gehen diese beiden, vorbei am Taxi, das in der Strahlung döst, vorbei am Schild „Colonial Goods“, vorbei an den Atlantiern, ungebeugt unter der Last.. Hinter ihnen vorbei – der Herr steht auf der Veranda, es muss ein pensionierter Staatsrat sein: Sein Biberpelzmantel ist umgekrempelt, seine Uhr läuft auf Zehenspitzen, er blickt verwirrt irgendwo hin.
Alexander: Sag mir, gibt es hinter diesen Mauern ein Theater?
Berater: Sind Sie verrückt, mein Freund? Warum Menschen mit Steinen umgeben, wenn ihnen die statische Aufladung entzogen werden kann?
Alexander: Es wird immer rechtzeitig sein. Erstens – die Bühne, die Nägel, die Auferstehung. Hier gibt es also ein Theater. Ich frage Sie bitte noch einmal?
Berater: Das Theatergebäude ist eine Ansammlung des Verschlossenen, und Sie müssen in Ihren jugendlichen Jahren tiefer durchatmen. Schauen Sie sich an und Ihre Lippen sind blass, Ihre Handflächen zittern. Gehen Sie besser mit Ihrem Begleiter nach Paris und schleppen Sie einen Reifen – im Handumdrehen verschwindet die Jagd in der Abgeschiedenheit.
Alexander: Wir kommen zu Besuch, Papa. Und deinem Ton nach zu urteilen, komme ich zu dem Schluss, dass du entweder ein Symbolist bist oder ein Mensch, der sich in der Polemik verirrt hat.
Beraterin: Ah, Jugend. Sie muss immer in einen Dialog eintreten, sie muss nur ihren Flügel ausprobieren. Zhu-zhu-zhu, meine Yacht..
Bei diesen Worten reißt seine Uhr das Kettenhemd ab und fällt in den Schnee – ich wünsche Ihnen viel Gleichgewicht, meine Herren – der Shilovsky-Gyrocar fährt an den Straßenrand und bringt den Berater zum Nikitsky-Tor.
Aus subjektiver Wahrnehmung entsteht Moral. In diesen Texten fehlt es. Oder strebt danach.
Aus dem Hals – die letzten beiden Schlucke, Moskau rast am Kragen.
Alice: Wenn ich nicht geschwiegen hätte, Alexander Jakowlewitsch, hätte ich gesagt, dass ich dich jetzt küssen möchte.
Alexander: Wenn ich das Theater jetzt nicht bräuchte, Alisa Georgievna, würde ich selbst kein Wort zu dir sagen.
Ideenauszug. Feuersteinmann.
Sehen Sie das Herrenhaus auf der anderen Seite des Boulevards? Dort brennt kein Feuer, an manchen Stellen sind Glasstücke bereits mit Brettern vernagelt, als wären sie von einer Einöde umschlossen – und eine Tür von erstaunlicher Schönheit, aus Ebenholz geschnitzt.
Zwei Menschen gehen durch die Kronen auf die andere Seite. Ein Klopfen mit einem geschmiedeten Ring. Ein erneutes Klopfen. Keine Antwort, keine Antwort. Bild fünfundzwanzig: Manchmal hört er, dass das Theater schwer zu fassen ist. Er ist ein Reh aus Zyrene, das irgendwo in den Bergen rennt, und wenn du nicht der Sohn Gottes bist, dann wehe dir, wenn du rennst. Dein Atem wird aus deinem Körper kommen und fallen, und es wird keinen Platz mehr für die Heldentaten der Zwölf für den Helden von Hellas geben. Pizdet – keine Taschen werfen. Deshalb werden Ohrringe ins Ohr gesteckt, mitten im fernen Leben geschminkt und – geht es nach Terra Incognita. Umherwandern – das ist das Prinzip der ungestraften Anarchie, in der bewussten Ablehnung derselben. Nur der Sohn Gottes wird das Theater einholen – um es später für immer aufzugeben. Verlassen Sie den Rahmen.
Von einem rauchen zwei Menschen im Wind, und in ihren Blitzen bemerken sie, wie aus der Ferne ein Fremder auf sie zukommt, der auf einem riesigen Rad eines Hochrads sitzt. Das sind die künstlerischen Details des Lebens. Er hat einen Zylinder auf dem Kopf, in seinen Augen wie immer - Rebellion und Trotz. Selbstanruf. Abholen. Optionen ... Er bleibt in der Nähe stehen, zieht seine Handschuhe aus und klopft mit einem geschmiedeten Ring an die Tür.. Klopft erneut. Weißliche Baumwolle fällt vom Himmel, Stille ist zu hören.
Alexander: Gibt es in diesem Haus ein Theater?
Zwölf: Sie werden in diesem Haus gefunden. Ist Ihr Nachname Kornblit?
Alexander: Bis zu einem gewissen Grad ..
Zwölf: Bitte folgen Sie mir.
Sie betreten den Kirchhof von Johannes dem Theologen – ein blasses Pferd steht am Brunnen, es riecht nach faulem Heu und Rost. Eine kleine Blaskapelle – sieben Trompeter im Chorrock, die in Synkopen Wärme auf ihre Finger hauchen, leise ihr Leben spielen. Eine unauffällige Tür irgendwo am Ende, umrankt von einem Winter-Cheder.
Zwölf: .. meine Brüder sind heute anscheinend nicht zu Hause, aber ich erinnere mich, ich hatte einen Schlüssel zum Hintereingang, - den Schlüssel klirrend umdrehen, Sägemehl an den Ärmeln, - Pass auf, Alisa Georgievna, schlag dir nicht den Kopf, es ist so schön bei dir - Streichholzskizze, Feuer eines brennenden Petroleumofens ..
Durch die Dämmerung gehen sie nacheinander den Korridor entlang, an dessen Wänden Kohlenummern, Karten von Militäroperationen während der Schlacht an der Marne und andere Fetzen aus Jahren hängen, die von jeder Erinnerung unbefleckt sind. Sie bleiben an einem aus Fichtenholz geschnitzten Schrank stehen. Die Lampe raucht am Haken. Zwölf, holt ein Messer aus der Tasche und steht da und schaut in die Flamme.
Alexander: Wenn Sie ein mystischer Anarchist sind, dann warne ich Sie, dass ich einen Browning in meiner Tasche habe und alle Freiheiten Ihrerseits gemäß den Geboten Ihrer eigenen Lehren verfolgt werden.
Zwölf: Keine Mystik, nur Konzentration und klarer Wille.
Er schneidet mit einem Messer eine Haarsträhne ab, die sich unter dem Zylinder kräuselt – wirft Kerosin ins Feuer und atmet langsam aus. Die Schranktür ist offen – ich flehe Sie an, meine Herren.
Vor ihnen liegt eine riesige, himmelhohe Halle voller Rot, die sich auf unbekannte Weise in das winzige Herrenhaus einfügt, das sie betraten. Über der Bühne – Gold, es ist noch nicht klar warum – sind ein Hammer und eine Sichel in die Ohren gewickelt. Ein Kronleuchter aus tausend Sonnen ergießt sein Licht in Ampere über Zuschauer aller Couleur. Die dritte Posaune erklingt, der Wermutstern fällt vom Gitter – ein großer Durst nach einem Wunder beginnt.
Und damit beginnen Brüche in den Gedanken des Publikums.
Zweiter Teil. Klippen
Zwölf: Bertolt Brechts Stück beginnt mit einem roten Vorhang, wie sich ein Feld für Getreide öffnet.
Wenn du Drachenzähne wirfst, werden die Krieger erwachsen,
Und wenn mindestens einer den Kampf überlebt –
Er wird nach Hause zurückkehren – in sein Heimatland.
Also kehrt der Soldat in sein Deutschland zurück. Er sitzt im Ballett-Tutu auf einem Stuhl, bewegt sich nicht – seine Lippen sind zusammengepresst, und er selbst kommt seiner lieben Mutter näher. Ich war in Afrika in Gefangenschaft – es wird immer noch schwarz auf dem nackten Körper herumkommen, und jetzt – fragt er – Wo ist meine Braut? Fräulein Anna hieß sie vor vier Jahren. Und sie ist, wie Sie wissen, keine einfache junge Dame. Ein solches Herz ist wie ein Strudel, am Hals ist ein Faden. Heute hat sie beschlossen, ihr Leben im Haus ihrer Eltern zu ändern, von ihrem Verlobten, der weggegangen war. Das ganze Stück ist nur eine Nacht, an manchen Stellen rein polar. Anna hat schon eine andere. Sie ist ständig krank, sehen Sie - jemand anderes wird auftauchen.
Alexander: Ich höre die metrische Einteilung der Aufführungsakte, ihre Platzierung in der Partitur der Ereignisse. Jeder hat seinen eigenen Zweck:
Afrika.
Pfeffer.
Flug der Walküren.
Der Himmel ist mit der Morgendämmerung bemalt.
Bett..
Diese Worte sind das Pendel des Metronoms, die exakten Schwingungen der Teilung des Dramatikers selbst. Wie heißt er? Brecht.. Ich werde in Deutschland sein - ich werde ihn sicherlich finden. Ich höre den Regisseur – wie heißt er? - Butusov - spürt das Prinzip der metrischen Teilung richtig - indem er ihr Gleichgewicht stört, schafft er einen subjektiven Rhythmus, der von dieser ersten Realität des Dramas selbst abweicht. Er gerät in Lücken der Reinheit – der Glanz eines anderen, bereits inszenierten Textes beginnt. Darin durchlaufen die Akteure die kollektive Erfahrung des Unbewussten – es gibt eine „zweite Realität“, das sogenannte „Pulsieren der Schnittmenge“. Daraus resultiert die unaufhörliche Selbsterneuerung des Geistes. Eines der Grundprinzipien des anarchistisch-revolutionären Theaters. Wem erzähle ich das alles?
Alice: Der Boden, bedeckt mit einem schlammigen Spiegel, Scheinwerfer davon, wie das Beben des Meeres – ich sehe, wie die Wände von Reflexionen der Zeit beleuchtet werden. Mein Haus ist Zukunft, mein Verlobter heißt...
Zwölf: Im dreißigsten Jahr inszenierte Tairov – zum ersten Mal in Sowjetrussland – Brechts „Die Bettleroper“, nachdem er ihm das Stück zuvor in Berlin persönlich abgenommen hatte. Er bringt es zum Ausdruck – genau hier, im Kammertheater. Bis heute ist Butusov der letzte, der Brecht in Russland freigelassen hat, und zwar nicht irgendwo, sondern hier, auf dem Twerskoi-Boulevard, dem heutigen Puschkin. Bis der nächste Regisseur Berthold anzieht – für ein paar Monate, glaube ich, wird es einen gewissen goldenen Kreis geben, der sich im Falle der Apokalypse in diesem Haus schließen wird. Alpha und omega. Ziemlich bedeutungslos und daher nah an der Herzensreflexion.
Alice: Braut Anna, als ein Bild jenseits aller Logik. Es ist offen für beide Männer in den Armen, dabei ohne jede Hurerei, ohne die letzte Gewissheit zuzulassen – das Prinzip jeder Spielstruktur. Sie bleibt ihnen gegenüber ehrlich, auch wenn sie es verleugnet. Sie ist der Krieg! Diese schöne Frau, von der man nicht weiterkommen kann. Gott bewahre, dieses kluge Mädchen wird sich in Alexander verlieben - sie muss vergiftet werden. Leider. Leider.. Aber keine normale Frau ist ohne Eifersucht denkbar.. Oder nicht.. Oder ja?
Zwölf: Eine wenig untersuchte Tatsache.
Heute gibt es im russischen Theater zwei objektiv bedeutsame Juri Nikolajewitsch – das sind Butusow und Pogrebnitschko. Beide äußerten ihre Einstellung zum Theater in den St. Petersburger Durchgangshöfen, unweit von Mokhovaya, mit seiner gotischen Burg in der Mitte. Beide tragen coole Pullover mit einem Kater, und nicht nur mit einem Kater – und auch ihre Theater spiegeln sich gewissermaßen gegenseitig und sind zugleich durch ihre Ausdrucksweise ein komplettes Gegenteil. Zum einen handelt es sich um ein Piratenschiffswrack am Silvesterabend, zum anderen um die Seeoberfläche mit einem am Wasser sitzenden Kind. Beide sind ungefähr gleich. Und deshalb wird der dritte Juri Nikolajewitsch nicht bald in Russland sein.
Alice: Ich bin eine Frau, ich kann nicht über mich selbst schweigen. Manchmal habe ich das Gefühl, dass das Theater mich auslacht, und ich fühle mich in diesen Sekunden meines Lebens unglaublich langweilig. Theater als eine Kunst, die danach strebt, nicht mehr eins zu sein. Ich habe den ständigen Wunsch, das Kunsttheater zu verlassen und nach Swobodny zu gehen. Eine solche Biografie ist passiert. In dem, was ich jetzt auf der Bühne sehe, sehe ich Kinetik – eine Bereitschaft, mich meinen Ängsten zu stellen, eine Abkehr von dem Wunsch, es allen recht zu machen.
Alexander: Alice, hör auf so laut zu flüstern – wenn du anfängst nachzudenken, murmelst du alles laut.. Es wird für deinen Mann schwierig sein, mit so einer Frau zusammenzuleben.
Alice: Machst du mir einen Heiratsantrag? Direktor... Bezüglich meines Flüsterns...
Tairov: Ich mache eine Vorhersage für Sie.
Nota Bene: Andreas Kragler sitzt nach der Probe auf der Bühne, er ist übersät mit Flecken, Prellungen, rußverschmiert am ganzen Timotheus, wie man sagt, und insgesamt ähnelt sein Aussehen einem Mann, der nach einem heidnischen Feiertag nur mit Mühe abreisen kann. Die Scheinwerfer gehen aus, die Requisiten verschwinden in ihren Ecken für die Nachtruhe. Andreas rückt seinen hochgerutschten Rock zurecht und sagt: Verstehen Sie, dass in solchen Proben, mit dieser Person, der ganze Sinn des Berufs liegt? Es ist nicht einmal notwendig, eine Aufführung zu produzieren – und das geschieht bereits. Es gibt einen Betrachter, nein. Darum geht es nicht. Hier geht es vor allem darum, sich aufzurütteln, Jungs, die Segel nicht zu schonen, bis zu den Knöcheln, bis zum Gipfel des Ärgers. Schlagen Sie die Tocsins härter – denn wie zum Teufel wird die Auferstehung ohne Tod kommen!
Alexander: „Die Geburt der Tragödie aus dem Geiste der Musik“, wie ein Friedrich mit Schnurrbart schrieb, aber nicht der, der jetzt auf der Bühne steht. 1908 Tairov probt „Onkel Wanja“ im Mobile Theatre. Er ist besessen von der Idee eines gemeinsamen Klangs – er findet Musiker, und während der gesamten Probe sind sie irgendwo in der Nähe, sie spielen Tschaikowsky und Chopin Schauspieler suchen nach der Kinetik ihrer Handlungen, sie ziehen lustige Kostüme an und lauschen den Überlegungen des Regisseurs. Es gibt keinen Strom, der Saal wurde schon seit einer Woche nicht mehr geheizt und die Musik hört nicht auf. Musik gibt den denkenden Menschen eine Richtung vor, und wenn nicht Berliner, dann bleibt doch das Ensemble hinter diesen Treffen zurück. Eine Methode, die ihre verzweifelten, in der Freude am Klang befindlichen Anhänger hat.
Zwölf: Thunderbolt-Telegramm! Zu Beginn des Jahrtausends geht Butusov auf Einladung von Konstantin Raikin nach Moskau – große Ehrfurcht, das Lesen neuer Formen, leichte Hysterie, Gedanken über seine Heimatstadt und drei Theaterstücke in der Tasche.
Raikin sitzt in karierten Hosen und mit einem Schmetterling auf der Schulter. Im Büro des Satyricon:
Raikin: Juri Nikolajewitsch, was möchten Sie sagen?
Butusow: „Einundvierzigster“ Lawrenjow.
Raikin: Wie viele Leute?
Butusov: Dreiundvierzig.
Raikin: Warum nicht zweiundvierzig?
Butusov: Dann Brechts „Trommeln in der Nacht“ ..
Raikin: Ich denke, dass es fünfzehn Jahre dauern wird.
Butusov: Macbeth.
Raikin: Was?
Butusov: Macbeth.
Raikin: Und warum sprichst du den Buchstaben – T – so seltsam aus, als stünden am Ende zwei davon?
Butusov: Weil es am Ende zwei davon sind.
Raikin: Dann haben sie sich dafür entschieden.. (Sie schütteln sich schweigend die Hände. Klingt 4 „33““)
Butusov: (steht schon an der Tür, steht schon) Nur eine Frage, Konstantin Arkadjewitsch. Was für ein Trolleybus fährt hier vom Theater zur U-Bahn?
Raikin: (nach einer Pause) Und warum bist du hierher gekommen?
Butusov: Und ich bin zu Fuß hierher gekommen.
Raikin: Aus Petersburg...?
An diesem Punkt fällt der Vorhang zur Geschichte. Der Schmetterling fliegt aus dem Fenster. Die Leute schweigen.
Die Stille wird durch einen weiteren Ruf von der Bühne in den Saal unterbrochen: Friedrichstraße!! Tänze für den vom Krieg geernteten Feiertag. Hier ist eine Liste ihrer Mitglieder:
Marie – Natürliche Fähigkeit zur „Travestie“ – ihr Kleid sitzt mit eingegossenem Krenoline – man kann es vom Zwischengeschoss aus verwechseln – eine harte Gabe, um mit der Zeit Ironie über sich selbst zu finden – Marie tanzt auf Absätzen wie in Lautrecs Gemälden, sie fühlt sich wie eine Frau – ein unvollendetes Porträt, das die Klippen der Leinwand hinterlässt.
Laar ist mein Faun-Nachmittag. Verleiht der Bar „Piccadilly“ mit ihrer Dornenkrone einen besonderen Chic – wenn man diesen unerschütterlichen Schritt aus nackter Haut betrachtet, mit Bändern an der rechten und auch an der linken Hand, versteht man, dass man jedes Abendessen, wenn man möchte, fortsetzen kann – es würde nur Pervitin und ein wenig Liebe jenseits der Außenbezirke geben. Dieser Typ wird immer noch sein Licht geben.
Manke ist der netteste Kobold in dieser Unterwelt, er weigert sich, seine Nachbarn auch nur anzubrüllen. Wenn es jedoch an der Zeit ist, sich zu den Rhythmen zu bewegen, schaltet sich der gnadenlose Firestarter ein, der harsche Dominant der Tanzfläche, und dann möchte ich nicht unter dem Auspuff hängen bleiben. Das Geräusch von Äxten ist zu hören, die Segel werden festgezurrt, sie – die Galeonenfigur dieses Segelschiffs – empfängt die ersten Wellen wunderbaren Nichtstuns.
Babush – in ihm wird Einsamkeit zu einer Form menschlicher Existenz. Ein bodenloser Held mit einer Blume im Knopfloch und einem Stock im Ärmel – er möchte mit allen zusammen sein, aber der Tag war heute bewölkt. Auf den Straßen sind Schüsse zu hören – das ist die neue Jugend einer müden Frau. Er springt auf und rennt kopfüber auf die Menschen zu, in seinen Handflächen raschelt ein Banner – um ihnen etwas Wichtiges zu sagen. Und was? Sie erwartet eine Antwort vom Regisseur, doch dieser schweigt. Sie braucht seine Worte so sehr, aber er schweigt. Eine Krippe mit einem Baby segelt vom Ufer – überwinde dich, Menschensohn – Das ist seine alttestamentarische Grausamkeit und Liebe für diese Schauspielerin.
Ich muss sagen, Friedrich Murk ist ein äußerst gefährlicher Mensch. Breter und ein harter Arbeiter. Kann zu zweit in den Saal hinuntergehen, wenn die Party es braucht. Ich schließe nicht aus, dass er einen Specht im Busen trägt.. Beim Verlassen der Bühne schaut er in die Loge – wie in die Seele: Ich sitze hoch, ich wickle die Skipiste weit weg. Und zwölf für ihn – eine Schleife im Zylinder wiegt. Solche Menschen spüren überraschenderweise den Dialog, dass sie am Rande eines Sakrilegs stehen, es aber gleichzeitig nie zulassen. Mr. Murk – Im Geiste den Prinzipien der ungestraften Anarchie, denen sich die Wanderers verschrieben haben, äußerst nahe. Großzügig für spirituelle Pausen, wo es nötig ist – mäßig sentimental. Um dies zu feiern, lädt er anlässlich seiner Verlobung zu einem nächtlichen Spaziergang zum Wirtshaus in Berlin ein, und wem eine Muschel die Beine abgerissen hat, dem wird er diese im Kinderwagen übergeben. Die Fähigkeit zur letzten Stufe des Zynismus im Namen der Figur geht niemals in den persönlichen Besitz der Seele des Schauspielers über. Kinder lieben solche Menschen wegen ihres Mutes, und selbst verschiedene Waldtiere bringen ihnen Pilze und allerlei Beeren auf ihren Hörnern.
Amalia Balike ist ein blonder Zopf, wenn sie bis zum Knie geht. Ein Korsar in Mädchengestalt – er hätte aus einem Glas ins Gesicht gespritzt, aber er war ganz leer – das würde nicht klappen. Es gibt keinen Wein, aber es gibt in ihr Bedauern über die vergangenen Jahre der älteren Frau – die Entdeckungen in dieser Figur, mit dem richtigen Fluss, werden diese tapfere Mutter immer noch zum Nachdenken anregen. Sie selbst hat nicht gekämpft, aber ihr Herz ist in Stücke gerissen! Jetzt in ihren Händen – zufällige Musik. In der Küche erklingt der Gitarrenblues, alle setzen sich in tiefe Sessel, auf einem Silbertablett liegen neun Räder mit dem Pacific-Schild auf beiden. Sie streckten ihre Hände zur Fayence aus, atmeten tief durch und – nun beginnt es in den Ecken zu schmieren.. Alles wird blendend klar und, als ob man es schon immer wüsste – Glühbirnen, Boote, Déjà-vu fallen vom Himmel – wenn der Tod kommt, wird es am schönsten sein, denn – zum ersten Mal. Und während die Luminaries ihre höchste Spannung nicht verloren haben und kaum den Boden berühren, wird Mutter neben der Musik sein.
Karl Balike ist der intelligenteste Mann der Steinzeit. Sich umsonst im Dunkeln rasieren, der Riese von jedem, der unter den Arm fällt. Mit einem solchen Künstler ist es gut, Jubiläen irgendwo in der Nähe von Rjasan zu feiern – es ist irgendwie ruhiger oder so, der Tag morgen wird. Düsterer Fluss, räuberisches Temperament – Hallo, Xenia! Wo ist die Herbstmotte!? Die hinteren und hinteren Wachen sind mit einem Försterpelzmantel bedeckt. In einem roten Sanddornkleid für Frauen stellt sie eine ernsthafte politische Bedrohung für jedes staatliche System dar und behandelt sie als Gegner der Likhodey. Wie es im Dossier eines Deutschen heißt - ein hartnäckiger Charakter. Praktisch..
Andreas Kragler – um ein anständiges beschreibendes Äquivalent für diesen Schauspieler zu finden, wenden wir uns der Kosmologie zu. Es gibt sogenannte „Weiße Zwerge“. Es handelt sich um entwickelte Sterne, die ihre eigenen thermonuklearen Energiequellen verloren haben. Die Masse des „Weißen Zwergs“ entspricht der Masse der Sonne, die Abmessungen betragen jedoch nur ein Hundertstel seines Radius. Bei einer solchen Dichte der Aktorsubstanz beginnen die Elektronenhüllen der Atome zu kollabieren. Genau das passiert mit Kragler. Wenn er in den Krieg zieht, ist er die Sonne. Jeder sagt, dass er so gutaussehend ist wie ein Gott. Als er zurückkommt, ist er ein „weißer Zwerg“, seine Strahlkraft ist nun vergleichbar mit den Wellen eines ungeregelten Fernsehempfängers.. Ein Weg, der enorme Kosten und die Fähigkeit erfordert, den Nachbarn zu hören.
Nota Bene: Im vorletzten Sommer wurde im Kirillo-Belozersky-Kloster ein Film gedreht, in dem Tribuntsev den heiligen Narren spielte, der ständig von den Bes in Versuchung geführt wird. Während einer technischen Pause erlaubte sich ein Graf im Beisein von Timofey Vladimirovich eine offensichtlich wenig schmeichelhafte Aussage zu Butusovs Werk. Es begann eine sofortige Metamorphose der Einstellung zur Persönlichkeit. Tribuntsev begann häufig zu atmen, begann mit schnellen Schritten zu gehen – seine Augen, bereits die Augen eines unruhigen Menschen, waren voller aufrichtiger Wut – die Vertikale flammte in ihrer bewussten Lautstärke auf. Sie versuchten ihn zu beruhigen, aber er rannte vom Wohnwagen weg, entwurzelte die Bäume der Oblast Wologda und warf sie dem Täter zu. Das hatte etwas Episches, eine Art Hexameter des Denkens und Handelns.
- Ja, versteht dieser Graf überhaupt, von wem er spricht? Weiß er, was für ein Mann es ist? Wo wären wir alle ohne sein Theater!
Den Grafen rettete nur ein natürlicher Sinn für Lebhaftigkeit – er versteckte sich unter einem Baumstumpf und kam erst am Ende des Drehtages wieder heraus. Wenn sich ein Mensch mit einer solchen Mauer für einen anderen Menschen einsetzt, haben keine Mauern in Filmen Angst.
Anna Balike - na ja, was gibt es, meine Herren, Husaren, sagen Sie ... Dame nackt !! Ja, es war nicht da – ein Feuermädchen, und es ist noch nicht bekannt, wer wen am Morgen mit einer Fesselschleppe ziehen wird. Ich habe viel Temperament in ihr, laut Domostroy wird man damit nicht überleben, aber das ist das Interesse an der Kommunikation mit einer solchen Frau. (Letzten Sommer verkaufte Prinz K. seine Villa auf Ordynka, kaufte mit dem ganzen Geld Salz, Tonnen von Pfund – er bedeckte den Boulevardring mit diesem Salz und rollte Anna Balike auf einer Troika mit einer Pfeife durch Moskau, wie im Schnee im Juli). Oh, du bist hübsch, Mädchen – AU.. Ich schreie dich an, mitten im bemalten Wald! Ja, Mädchen, wo sind deine Vornamen und Buchstaben? Und sie selbst schleppt die ganze Aufführung zweier Kinder – eines in einem Matrosen mit einem Zwicker, das andere mit einem Dreizack an einer Schnur – hallo an euch, Heldenjungen! Deine Anna versteht es, das Heute zu lieben, und dieses „Heute“ hat immer gedauert. Die Kommunikation dieser Schauspielerin mit dem Regisseur ist zweifellos ein „Saigon“ der Seele – ein Treffen zweier Künstler, das den Lebensverlauf beider beeinflusst hat.
Wenn die Vorstellung vorbei ist und die Verbeugungen kommen, springt Zwölf aus der Regieloge auf die Bühne. Er wird Anna mit Baumwollblumen bewerfen und ihr auf Deutsch zurufen:
- Anna, ich liebe dich!! Sein meine Braut Anna!!
Und sie umarmt zwei Jungen zu ihm:
- Aber ich habe Kinder! Andreas und Friedrich!
Und er sagte ihr, indem er den Zylinder in die Halle warf:
- Anya, ganz Russland sind unsere Kinder!
Dann schaltet jemand die Nebelmaschine ein, die alte Frau bricht von der Stufe in Ohnmacht auf dem Dragonerkavalier zusammen, der Herr mit einem kaputten Monokel im Auge beginnt zu schreien – Alles – zum slawischen Basar!! Alle zusammen - auf den Basar!! Hier zerfällt der Faden der Erinnerungen, wie ein Morgentraum, den man bei einer Tasse Tee vergessen hat.
Drei stehen auf dem Twerskoi-Boulevard. Sie leuchten von einem, schweigen für eine Minute.
Alice: Deine Texte, Zwölf, laufen Gefahr, nicht gehört zu werden. Sie sind in Ihrer Erzählung und in der Wahl der nebeneinander stehenden Wörter zu nichtlinear. Wir begannen mit einem Märchen und wechselten am Ende ohne sachlichen Grund zu einem Theaterstück.
Zwölf: Sehen Sie, Alisa Georgievna, ich bin lieber allein, aber mit mir selbst, als in Gesellschaft, aber schon ohne mich selbst hinter meiner Seele. Hörst du die Glocke läuten? Dieses Weihnachten ist da..

Alexei Rakhmanov entschloss sich nicht sofort, sein Leben der Theaterkunst zu widmen – nach Erhalt eines Schulzeugnisses trat er in die Moskauer Staatliche Technische Universität Bauman ein. Zwei Jahre später entschloss er sich jedoch, die Dokumente anzunehmen und wurde 1999 Schüler von GITIS, wo M. Zakharov sein Lehrer war. Im Jahr 2003 landete Rakhmanov im Rahmen von R. Kozak und D. Brusnikin an der Moskauer Kunsttheaterschule. Die Diplomarbeiten des Künstlers waren die Rollen von Bugrov in Platonov, Torlak im Januar, Apollo in Notes from the Underground und der Orgelspieler aus The Mandate. Ein Jahr nach Erhalt des Diploms wurde der Künstler in die Truppe aufgenommen.

Alexei Igorevich begann seine künstlerische Karriere als Anton aus „Die Scharlachrote Blume“, Oreste aus „Die große Magie“, Dobchinsky aus „Der Generalinspekteur“ und Kannibale aus dem Märchen „Der gestiefelte Kater“. Jetzt ist er in Repertoireproduktionen wie „Treasure Island“ beschäftigt, wo er Crooked Morgan und Billy Bones spielt – die Rolle von Antonio, „Three Ivans“ – Miller, „Office“ – Kruse.

Die erste Arbeit im Kino war die Rolle von Mischa in einer der Detektivserien „Law and Order“, die 2007 gedreht wurde. Später spielte er einen stellvertretenden Ermittler in der Fernsehserie „Ich bin ein Leibwächter“, Young in „Bus“, Gichko in „Zagradotryad“, Sanya in „Tender Meetings“, Kostya in „Interns“, Kesha in der „Group of Happiness“ usw.

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Der Künstler zeigte sofort sein Talent und spielte auf dieser Bühne mehr als zwei Dutzend Rollen. Dies sind Gavrilo in „Die Mitgift“, „Der gestiefelte Kater“ aus dem gleichnamigen Märchen, Charles Bovary aus dem Theaterstück „Madame Bovary“, Aubin aus „Der Damenschneider“, Mario aus „Nächte von Cabiria“, Tybalt aus „Romeo und Julia“, Bobchinsky und Derzhimorda aus „Der Generalinspekteur“, der Bischof aus „Jeanne d’Arc“ usw.

Jetzt können Fans von Alexander Valerievich ihn in Auftritten sehen, in denen er Friedrich spielt, „Hedda Gabler“ – die Rolle des Eilert, – Metcalf, „Die Schatzinsel“ – Billy Bones, „O. Henry's Christmas“ – Berman, – Kuvykin. In der Produktion von „Three Ivans“ spielt Matrosov die Rolle von Babadur und in „Die Hochzeit des Figaro“ die Rolle von Basil.

Der Künstler verbindet erfolgreich die Arbeit auf der dramatischen Bühne mit dem Filmen. Bis heute umfasst seine Filmografie mehr als 36 Filme und Fernsehserien. Im Jahr 2004 spielte Matrosov in dem Detektivfilm MUR is MUR. Später spielte er Lepa in „Liquidation“, den Gentleman in „The Most Beautiful“, Mishan in „Law and Order“, Lekha in „Turkish March“, Uramanov im Actionfilm „Paid for by Death“, Andron in „Atlantis“ und andere Filmfiguren.

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Hier waren ihre ersten Rollen Dzaira in „The Great Magic“, Maria in dem Stück „Borrow the Tenor!“, Dada in „The Locust“ und Priscilla in „The Black Prince“. Jetzt spielt Voronkova auf dieser Bühne Babusch, Alla Wassiljewna in der Inszenierung, Dorina, Baba Jaga in Drei Iwan und Charlotte Iwanowna sowie Madam Young in dem Stück.

Das Talent von Vera Alexandrowna wurde mit dem Filmpreis „Goldener Widder“ und einem Preis bei der Baltic Pearl-98 in der Debüt-Nominierung in Lettland ausgezeichnet.

Aufgrund von Voronkova mehr als dreißig Filmarbeiten, von denen die Hauptrollen Natasha im Film „Das Recht auf Verteidigung“, Mutter im Melodram „Contact“, Nina im Detektivroman „Ich bin ein Detektiv“, Alexandra im Melodram „Without Men“, Inga in „Premonition“, Daria in der Komödie „It Doesn’t Happen“ und andere sind.

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Das vielseitige Talent von Anastasia gibt ihr die Möglichkeit, nicht auf eine Rolle beschränkt zu sein. In dem beliebten Stück „Die Kameliendame“ glänzte die kluge Schauspielerin in der Rolle der Blanche, in „Der Regierungsinspektor“ spielte sie perfekt Marya Antonowna, in „Die Heuschrecke“ erschien sie als Alegra. In der Produktion von Treasure Island spielte die Schauspielerin die Rolle der Bloody Mary.

In den Produktionen, die zum aktuellen Repertoire des Teams gehören, spielt Anastasia wunderbar Manke aus dem Stück und Kikimora aus dem Märchen „Die Scharlachrote Blume“, Sorel Bliss aus und Yulinka aus. Fans können Anastasia Lebedeva in den Bildern von Madame Sofroni und Sue in und Inga in sehen, sie ist auch in anderen Auftritten beschäftigt.

Die Schauspielerin versuchte sich erstmals am Set des Melodramas „Happiness by Prescription“ in der Rolle der Rose. Insgesamt gibt es heute neun Projekte in der Filmografie von Anastasia Lebedeva.

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Im vierten Jahr war sie an dem Stück „Der Schwarze Prinz“ beteiligt, wo sie A. Feklistov kennenlernte – ein Monat Proben mit ihm wurde für sie zu einem Jahr im Theater.

Es folgten Arbeiten mit und Alla Sigalova sowie die Teilnahme an Produktionen und anderen.

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Die Heimatstadt von Alexander Dmitriev ist Dubna. Während seiner Schulzeit besuchte er das Schauspielstudio Ecopolis und war dort Mitglied. Als sich die Frage nach der Berufswahl stellte, trat er in das Moskauer Kunsttheater-Schulstudio ein. Abschlussarbeiten dieses Künstlers waren Khlestakov in „Der Generalinspekteur“ und Baron in dem Stück „At the Bottom“. Er nahm auch an der plastischen Produktion von „MP3 Ravel“ teil, die auf dem Musikmaterial „Bolero“ inszeniert wurde.

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