› › Apakah opera dalam muzik: kemunculan genre. Opera

Apakah opera dalam muzik: kemunculan genre. Opera

Sebelum mempertimbangkan genre opera dan cara menggunakannya dalam pelajaran muzik, saya ingin mentakrifkan apa itu opera.

"Opera dan hanya opera yang membawa anda lebih dekat dengan orang, menjadikan muzik anda berkaitan dengan penonton sebenar, menjadikan anda milik bukan sahaja kalangan individu, tetapi dalam keadaan yang menggalakkan - seluruh orang." Kata-kata ini adalah milik Pyotr Ilyich Tchaikovsky, komposer Rusia yang hebat.

Ini adalah karya dramatik muzikal (selalunya dengan kemasukan adegan balet), bertujuan untuk persembahan pentas, teks yang dinyanyikan sepenuhnya atau sebahagiannya, biasanya diiringi oleh orkestra. Opera ditulis untuk teks sastera tertentu. Kesan kerja dramatik dan prestasi pelakon dalam opera meningkat secara tidak terhingga oleh kuasa ekspresif muzik. Dan sebaliknya: muzik memperoleh konkrit dan kiasan yang luar biasa dalam opera.

Keinginan untuk meningkatkan impak karya teater dengan bantuan muzik telah timbul pada masa yang sangat jauh, pada awal kewujudan seni dramatik. Di udara terbuka, di kaki gunung, lereng yang, diproses dalam bentuk langkah, berfungsi sebagai tempat untuk penonton, persembahan perayaan berlaku di Yunani Kuno. Pelakon bertopeng, memakai kasut khas yang meningkatkan ketinggian mereka, membaca dengan suara nyanyian, melakukan tragedi yang mengagungkan kekuatan roh manusia. Tragedi Aeschylus, Sophocles, Euripides, yang dicipta pada zaman yang jauh ini, tidak kehilangan kepentingan artistiknya sehingga hari ini. Karya teater dengan muzik juga dikenali pada Zaman Pertengahan. Tetapi semua "nenek moyang" opera moden ini berbeza daripadanya kerana di dalamnya menyanyi berselang-seli dengan ucapan sehari-hari biasa, manakala ciri khas opera ialah teks di dalamnya dinyanyikan dari awal hingga akhir.

Opera dalam erti kata moden kita berasal pada permulaan abad ke-16 dan ke-18 di Itali. Pencipta genre baru ini adalah penyair dan pemuzik yang menyembah seni purba dan berusaha untuk menghidupkan semula tragedi Yunani kuno. Tetapi walaupun mereka menggunakan plot dari mitologi Yunani kuno dalam eksperimen muzik dan pentas mereka, mereka tidak menghidupkan semula tragedi, tetapi mencipta jenis seni yang sama sekali baru - opera.

Opera dengan cepat mendapat populariti dan tersebar ke semua negara. Di setiap negara, ia memperoleh watak kebangsaan yang istimewa - ini juga dicerminkan dalam pilihan plot (selalunya dari sejarah negara tertentu, dari legenda dan legendanya), dan dalam sifat muzik. Opera dengan cepat menakluki bandar-bandar utama Itali (Rom, Paris, Venice, Florence).

Opera dan komponennya

Apakah cara muzik dalam opera untuk meningkatkan kesan artistik drama? Untuk menjawab soalan ini, mari kita berkenalan dengan elemen utama yang membentuk opera.

Salah satu bahagian utama opera ialah aria. Makna perkataan itu dekat dengan "lagu", "nyanyian". Sesungguhnya, aria dari opera pertama dalam bentuknya (kebanyakannya berpasangan), dalam sifat melodinya hampir dengan lagu, dan dalam opera klasik kita akan menemui banyak lagu aria (lagu Vanya dalam Ivan Susanin, lagu Martha dalam Khovanshchina).

Tetapi biasanya aria lebih kompleks dalam bentuk daripada lagu, dan ini ditentukan oleh tujuannya dalam opera. Aria, seperti monolog dalam drama, berfungsi sebagai ciri seorang atau wira lain. Ciri ini boleh digeneralisasikan - sejenis "potret muzik" wira - atau dikaitkan dengan keadaan tertentu, tertentu tindakan kerja.

Tetapi aksi opera tidak boleh disampaikan hanya dengan selang-seli aria yang telah siap, sebagaimana aksi drama tidak boleh terdiri daripada monolog semata-mata. Pada saat-saat opera di mana watak-watak sebenarnya bertindak - dalam komunikasi langsung antara satu sama lain, dalam perbualan, pertikaian, perlanggaran - kesempurnaan bentuk sedemikian tidak diperlukan, yang agak sesuai dalam aria. Ia akan menghalang perkembangan tindakan. Momen sedemikian biasanya tidak mempunyai komposisi muzik yang lengkap, frasa individu watak-watak berselang-seli dengan seruan koir dengan episod orkestra.

Recitatif, iaitu nyanyian deklamasi, digunakan secara meluas.

Banyak perhatian diberikan kepada recitatif oleh banyak komposer Rusia, terutamanya A.S. Dargomyzhsky dan M.P. Mussorgsky. Berusaha untuk realisme dalam muzik, untuk kebenaran terbesar ciri-ciri muzik, mereka melihat cara utama untuk mencapai matlamat ini dalam pelaksanaan muzik intonasi pertuturan yang paling ciri watak tertentu.

Kumpulan opera juga merupakan bahagian penting. Ensemble boleh sangat berbeza dalam komposisi kuantitatif: dari dua suara hingga sepuluh. Dalam kes ini, suara julat dan timbre biasanya digabungkan dalam ensembel. Ia menyampaikan satu perasaan melalui ensembel, memeluk beberapa wira, dalam hal ini bahagian individu ensemble tidak bertentangan, tetapi, seolah-olah, saling melengkapi, dan sering mempunyai corak melodi yang serupa. Tetapi selalunya ensemble itu menggabungkan ciri-ciri muzik watak-watak, yang perasaannya berbeza dan bertentangan.

Orkestra simfoni adalah sebahagian daripada persembahan opera. Dia bukan sahaja mengiringi bahagian vokal dan koral, bukan sahaja "melukis" potret atau landskap muzik. Menggunakan cara ekspresinya sendiri, dia mengambil bahagian dalam pembinaan unsur-unsur pementasan "pada permulaan" tindakan, gelombang perkembangannya, klimaks dan denouement. Ia juga menunjukkan sisi konflik dramatik. Kemungkinan orkestra direalisasikan dalam persembahan opera secara eksklusif melalui figura konduktor. Di samping menyelaraskan ensembel muzik dan mengambil bahagian, bersama-sama dengan penyanyi-pelakon, dalam mencipta watak, konduktor mengawal keseluruhan aksi pentas, kerana irama tempo persembahan berada di tangannya.

Oleh itu, semua bahagian konstituen opera digabungkan menjadi satu. Konduktor sedang mengerjakannya, pemain solo koir sedang mempelajari bahagian mereka, pengarah sedang membuat pementasan, artis melukis pemandangan. Hanya sebagai hasil kerja biasa semua orang ini, persembahan opera timbul.

Sejarah genre

Jacopo Peri

Asal usul opera boleh dianggap sebagai tragedi kuno. Sebagai genre bebas, opera berasal dari Itali pada pergantian abad ke-16 dan ke-17 dalam kalangan pemuzik, ahli falsafah, dan penyair di bandar Florence. Bulatan pencinta seni dipanggil "kamerata". Para peserta "kamerata" bermimpi untuk menghidupkan semula tragedi Yunani kuno, menggabungkan drama, muzik dan tarian dalam satu persembahan. Persembahan pertama sedemikian telah diberikan di Florence pada tahun 1600 dan menceritakan tentang Orpheus dan Eurydice. Terdapat versi bahawa persembahan muzik pertama dengan nyanyian dipentaskan pada tahun 1594 pada plot mitos Yunani kuno tentang perjuangan dewa Apollo dengan Python ular. Secara beransur-ansur, sekolah opera mula muncul di Itali di Rom, Venice, dan Naples. Kemudian opera dengan cepat tersebar ke seluruh Eropah. Pada akhir abad ke-17 dan permulaan abad ke-18, jenis utama opera telah dibentuk: opera - seria (opera serius besar) dan opera - buffa (opera komik).

Pada akhir abad ke-18, teater Rusia dibuka di St. Pada mulanya hanya ada opera luar negara. Opera Rusia pertama adalah komik. Fomin dianggap sebagai salah seorang pencipta. Pada tahun 1836, tayangan perdana opera Glinka A Life for the Tsar berlangsung di St. Petersburg. Opera di Rusia telah memperoleh bentuk yang sempurna, ciri-cirinya telah ditentukan: ciri-ciri muzik yang terang bagi watak-watak utama, ketiadaan dialog bahasa sehari-hari. Pada abad ke-19, semua komposer terbaik Rusia beralih kepada opera.

Pelbagai jenis opera

Dari segi sejarah, beberapa bentuk muzik opera telah berkembang. Dengan adanya beberapa corak umum dramaturgi opera, semua komponennya ditafsir secara berbeza bergantung pada jenis opera.

  • opera besar ( opera seria- ital., lirik tragedi, nanti opera besar- Perancis)
  • separuh komik ( separuh seri),
  • opera komik ( opera buffa- ital., opera-komik- Perancis, Spieloper- Jerman.),
  • opera romantis, pada plot romantis.
  • separa opera, separa opera, suku opera ( separuh- lat. separuh) - satu bentuk opera barok Inggeris, yang menggabungkan drama lisan (genre) drama, vokal mise-en-scenes, howek dan karya simfoni. Salah seorang penganut semi-opera ialah komposer Inggeris Henry Purcell /

Dalam opera komik, Jerman dan Perancis, dialog dibenarkan antara nombor muzik. Terdapat juga opera yang serius di mana dialog disisipkan, sebagai contoh. "Fidelio" oleh Beethoven, "Medea" oleh Cherubini, "Magic Shooter" oleh Weber.

  • Dari opera komik muncul operetta, yang mendapat populariti tertentu pada separuh kedua abad ke-19.
  • Opera untuk persembahan kanak-kanak (contohnya, opera Benjamin Britten - The Little Chimney Sweep, Noah's Ark, opera Lev Konov - King Matt the First, Asgard, The Ugly Duckling, Kokinvakashu).

Unsur-unsur opera

Ini adalah genre sintetik yang menggabungkan pelbagai jenis seni dalam satu aksi teater: dramaturgi, muzik, seni halus (hiasan, pakaian), koreografi (balet).

Komposisi kumpulan opera termasuk: pemain solo, koir, orkestra, kumpulan tentera, organ. Suara opera: (perempuan: soprano, mezzo-soprano, contralto; lelaki: countertenor, tenor, bariton, bass).

Karya opera dibahagikan kepada lakonan, gambar, adegan, nombor. Terdapat prolog sebelum lakonan, dan epilog di penghujung opera.

Bahagian karya opera - recitatif, arioso, lagu, aria, duet, trio, kuartet, ensembel, dll. Daripada bentuk simfoni - overture, pengenalan, selingan, pantomim, melodrama, perarakan, muzik balet.

Watak watak paling banyak didedahkan dalam nombor solo(aria, arioso, arietta, cavatina, monolog, balada, lagu). Pelbagai fungsi dalam opera ada bercerita- intonasi muzikal dan pembiakan berirama pertuturan manusia. Selalunya dia menghubungkan (dalam istilah plot dan muzik) nombor yang telah dilengkapkan berasingan; selalunya merupakan faktor yang berkesan dalam dramaturgi muzik. Dalam beberapa genre opera, kebanyakannya komedi, bukannya recitatif, Bercakap, biasanya dalam dialog.

Dialog pentas, adegan persembahan dramatik dalam opera sepadan dengan ensembel muzik(duet, trio, kuartet, kuintet, dll.), kekhususan yang memungkinkan untuk mewujudkan situasi konflik, menunjukkan bukan sahaja perkembangan tindakan, tetapi juga pertembungan watak dan idea. Oleh itu, ensembel sering muncul pada kemuncak atau saat akhir aksi opera.

koir Opera ditafsirkan dengan cara yang berbeza. Ia mungkin latar belakang yang tidak berkaitan dengan jalan cerita utama; kadang-kadang semacam pengulas apa yang berlaku; kemungkinan artistiknya memungkinkan untuk menunjukkan gambar monumental kehidupan rakyat, untuk mendedahkan hubungan antara wira dan orang ramai (contohnya, peranan koir dalam drama muzik rakyat MP Mussorgsky "Boris Godunov" dan "Khovanshchina").

Dalam dramaturgi muzikal opera, peranan besar diberikan kepada orkestra, cara ekspresi simfoni berfungsi untuk mendedahkan imej dengan lebih lengkap. Opera ini juga termasuk episod orkestra bebas - overture, intermission (pengenalan kepada tindakan individu). Satu lagi komponen prestasi opera - balet, adegan koreografi, di mana imej plastik digabungkan dengan imej muzik.

Teater opera

Rumah opera ialah bangunan teater muzikal yang direka khas untuk menayangkan produksi opera. Tidak seperti teater terbuka, gedung opera dilengkapi dengan pentas besar dengan peralatan teknikal yang mahal, termasuk lubang orkestra dan auditorium dalam satu atau lebih peringkat, terletak satu di atas yang lain atau direka bentuk dalam bentuk kotak. Model seni bina rumah opera ini adalah yang utama. Rumah opera terbesar di dunia dari segi bilangan tempat duduk untuk penonton ialah Opera Metropolitan di New York (3,800 tempat duduk), Opera San Francisco (3,146 tempat duduk) dan La Scala di Itali (2,800 tempat duduk).

Di kebanyakan negara, penyelenggaraan gedung opera tidak menguntungkan dan memerlukan subsidi kerajaan atau derma daripada pelanggan. Sebagai contoh, belanjawan tahunan Teater La Scala (Milan, Itali) pada 2010 berjumlah 115 juta euro (40% - subsidi negara dan 60% - derma daripada individu dan jualan tiket), dan pada tahun 2005, Teater La Scala menerima 25 % daripada 464 juta euro - jumlah yang diperuntukkan oleh bajet Itali untuk pembangunan seni halus. Dan Opera Kebangsaan Estonia pada tahun 2001 menerima 7 juta euro (112 juta kroon), yang berjumlah 5.4% daripada dana Kementerian Kebudayaan Estonia.

suara opera

Pada masa kelahiran opera, apabila amplifikasi bunyi elektronik belum lagi dicipta, teknik nyanyian opera berkembang ke arah mengeluarkan bunyi yang cukup kuat untuk menutup bunyi orkestra simfoni yang mengiringi. Kuasa suara opera kerana kerja terkoordinasi tiga komponen (pernafasan, kerja laring dan peraturan rongga resonans) mencapai 120 dB pada jarak satu meter.

Penyanyi, mengikut bahagian opera, dikelaskan mengikut jenis suara (tekstur, timbre dan watak). Antara suara opera lelaki, terdapat:

  • tenor kaunter,

dan di kalangan wanita:

  • Komposer opera paling popular dalam tempoh yang sama ialah Verdi, Mozart dan Puccini - masing-masing persembahan 3020, 2410 dan 2294.

kesusasteraan

  • Keldysh Yu. V. Opera // Ensiklopedia muzik dalam 6 jilid, TSB, M., 1973-1982, jilid 4, ss. 20-45.
  • Serov A. N., Nasib opera di Rusia, "Russian Stage", 1864, No. 2 dan 7, sama, dalam bukunya: Artikel Terpilih, jilid 1, M.-L., 1950.
  • Serov A. N., Opera di Rusia dan Opera Rusia, "Musical Light", 1870, No. 9, sama, dalam bukunya: Critical Articles, vol. 4, St. Petersburg, 1895.
  • Cheshikhin V., Sejarah Opera Rusia, St. Petersburg, 1902, 1905.
  • Engel Yu., Dalam opera, M., 1911.
  • Igor Glebov [Asafiev B.V.], Kajian simfoni, P., 1922, L., 1970.
  • Igor Glebov [Asafiev B.V.], Surat mengenai opera dan balet Rusia, “Jurnal mingguan negeri Petrograd. teater akademik", 1922, No. 3-7, 9-10, 12-13.
  • Igor Glebov [Asafiev B.V.], Opera, dalam buku: Esei tentang kreativiti muzik Soviet, jilid 1, M.-L., 1947.
  • Bogdanov-Berezovsky V. M., opera Soviet, L.-M., 1940.
  • Druskin M., Soalan dramaturgi muzikal opera, L., 1952.
  • Yarustovsky B., Dramaturgi opera klasik Rusia, M., 1953.
  • Yarustovsky B., Esei mengenai dramaturgi opera abad XX, buku. 1, M., 1971.
  • opera Soviet. Koleksi artikel kritikal, M., 1953.
  • Tigranov G., Teater Muzikal Armenia. Esei dan bahan, jilid 1-3, E., 1956-75.
  • Tigranov G., Opera dan balet Armenia, M., 1966.
  • Archimovich L., opera klasik Ukraine, K., 1957.
  • Gozenpud A., Teater muzikal di Rusia. Dari asal-usul kepada Glinka, L., 1959.
  • Gozenpud A., Teater Opera Soviet Rusia, L., 1963.
  • Gozenpud A., Teater opera Rusia abad XIX, jilid 1-3, L., 1969-73.
  • Gozenpud A., Teater Opera Rusia pada permulaan abad ke-19 dan ke-20 dan F. I. Chaliapin, L., 1974.
  • Gozenpud A., teater opera Rusia antara dua revolusi, 1905-1917, L., 1975.
  • Ferman V. E., Teater Opera, M., 1961.
  • Bernand G., Kamus opera pertama kali dipentaskan atau diterbitkan di Rusia pra-revolusi dan di USSR (1736-1959), M., 1962.
  • Khokhlovkina A., Opera Eropah Barat. Lewat ke-18 - separuh pertama abad ke-19. Esei, M., 1962.
  • Smolsky B.S., Teater Muzikal Belarus, Minsk, 1963.
  • Livanova T. N., kritikan Opera di Rusia, jilid 1-2, no. 1-4 (isu 1 bersama V. V. Protopopov), M., 1966-73.
  • Konen W., Teater dan Simfoni, M., 1968, 1975.
  • Soalan dramaturgi opera, [sat.], ed.-comp. Yu. Tyulin, M., 1975.
  • Danko L., Opera komik pada abad XX, L.-M., 1976.
  • Arteaga E., Le rivoluzioni del teatro musicale italiano, v. 1-3, Bologna, 1783-88.
  • Clement F., Larousse P., Dictionnaire lyrique, ou histoire des operas, P., 1867, 1905.
  • Dietz M., Geschichte des musikalischen Dramas in Frankreich während der Revolution bis zum Directorium, W.-Lpz., 1885, 1893.
  • Riemann H., Opern-Handbuch, Lpz., 1887.
  • Bullhaupt H., Dramaturgie der Oper, v. 1-2, Lpz., 1887, 1902.
  • Soubies A., Malherbe Ch. Th., Histoire de l'opera comique, v. 1-2, P., 1892-93.
  • Pfohl F., Die moderne Oper, Lpz., 1894.
  • Rolland R., Les origines du theater lyrique moderne. L'histoire de l'opera avant Lulli et Scarlatti, P., 1895, 1931.
  • Rolland R., L'opéra au XVII siècle en Italie, dalam: Encyclopédie de la musique et dictionnaire…, fondateur A. Lavignac, pt. 1, , P., 1913 (terjemahan Rusia - Rolland R., Opera pada abad ke-17, M., 1931).
  • Goldschmidt H., Studien zur Geschichte der italienischen Oper in 17. Jahrhundert, Bd 1-2, Lpz., 1901-04.
  • Soleri A., Le origini del melodrama, Torino, 1903.
  • Soleri A., Gli albori del melodrama, v. 1-3, Palermo, 1904.
  • Dassori C., Operasi dan operasti. Dizionario lirico. Genua, 1903.
  • Hirschberg E., Die Enzyklopädisten und die französische Oper im 18. Jahrhundert, Lpz., 1903.
  • Sonneck O., Katalog skor opera, 1908.
  • Sonneck O., Katalog libretto opera yang dicetak sebelum 1800, v. 1-2, Wash., 1914.
  • Sonneck O., Katalog libretto abad ke-19, Wash., 1914.
  • Menara J., Kamus-katalog opera dan operetta yang telah dipersembahkan di pentas awam, Morgantown,.
  • La Laurencie L., L'opéra comique française en XVIII siècle, dalam buku: Encyclopédie de la musique et dictionnaire de con-cervatoire, , P., 1913 (terjemahan Rusia - La Laurencie L., opera komik Perancis abad XVIII, M., 1937).
  • Bie O., Die Oper, B., 1913, 1923.
  • Kretzschmar H., Geschichte der Oper, Lpz., 1919 (terjemahan Rusia - G. Krechmar, Sejarah Opera, L., 1925).
  • Kapp J., Die Oper der Gegenwart, B., 1922.
  • Delia Corte A., L'opéra comica Italiana nel" 700. Studi ed appunti, v. 1-2, Bari, 1923.
  • Delia Corte A., Tre secoli di opera italiana, Torino, 1938.
  • Bucken E., Der heroische Stil in der Oper, Lpz., 1924 (terjemahan Rusia - Byukken E., Gaya heroik dalam opera, M., 1936).
  • Bouvet Ch., L'opera, P., 1924.
  • Prodhomme J.G., L'opera (1669-1925), P., 1925.
  • Albert H., Grundprobleme der Operngeschichte, Lpz., 1926.
  • Dandelot A., L "évolution de la musique de théâtre depuis Meyerbeer Jusqu"à nos Jours, P., 1927.
  • Bonaventure A., L'opera italiana, Firenze, 1928.
  • Schiedermair L., Die deutsche Oper, Lpz., 1930, Bonn, 1943.
  • Baker P., Wandlungen der Oper, Z., 1934.
  • Capri A., Il melodrama dalle origini ai nostri giorni, Modena, 1938.
  • Dent E.J., Opera, N. Y., 1940.
  • Gregor J., Kulturgeschichte der Oper, W., 1941, 1950.
  • Brockway W., Weinstock H., Opera, sejarah penciptaan dan persembahannya, 1600-1941, N. Y., 1941 (ed. tambahan: The world of opera, N. Y., 1966).
  • Skraup S., Teater Die Oper als lebendiges, Würzburg, 1942.
  • Mooser R.A., L opera comique française en Russie durant le XVIIIe siècle, Bale, 1945, 1964.
  • Grout D.J., Sejarah singkat opera, v. 1-2, N. Y., 1947, Oxf., 1948, N. Y., 1965.
  • Cooper M., Opéra comique, N.Y., 1949.
  • Cooper M., opera Rusia, L., 1951.
  • Wellesz E., Esei dalam opera, L., 1950.
  • Oper im XX. Jahrhundert, Bonn, 1954.
  • Paul D., De, L'opera italiana dalle origini all'opera verista, Roma, 1954.
  • Sip J., Opera di Czechoslovakia, Prague, 1955.
  • Bauer R., Die Oper, B., 1955, 1958.
  • Leibowitz R. L'histoire de l'opera, P., 1957.
  • Serafin T., Tony A., Stile, tradizioni e con-venzioni del melodrama italiano del settecento e dell'ottocento, v. 1-2, Mil., 1958-64.
  • Schmidt Garre H., Oper, Koln, 1963.
  • Stuckenschmidt H., Oper in diezer Zeit, Hannover, 1964.
  • Szabolcsi B., Die Anfänge der nationalen Oper im 19. Jahrhundert, dalam: Bericht über den Neunten Internationalen Kongreß Salzburg 1964, Lfg. 1, Kassel, 1964.
  • Die moderne Oper: Autoren, Teater, Publikum, ibid., Lfg. 2, Kassel, 1966.

lihat juga

Nota

Pautan

  • Tapak berbahasa Rusia yang paling lengkap khusus untuk acara opera dan opera
  • Buku rujukan "100 opera" disunting oleh M. S. Druskin. Kandungan ringkas (sinopsis) opera
bentuk muzik
Bentuk vokal Couplet form Chorus-chorus form
bentuk yang ringkas Tempoh Bentuk dua bahagian mudah Bentuk tiga bahagian mudah
bentuk kompleks Bentuk lagu majmuk Rondo Bentuk variasi Sonata bentuk Rondo sonata
Bentuk kitaran Suite Sonata-Symphonic Cycle Cantata Oratorio
Bentuk polifonik Canon Fugue
Bentuk khusus Eropah
Zaman Pertengahan dan Renaissance		 Bar Virelet ́ Ballata ́ Estampi ́ La Madrigal
Bentuk khusus era Baroque Bentuk ringkas zaman Baroque Bentuk sonata kuno Bentuk komposit zaman Baroque Bentuk konsert kuno Susunan paduan suara
Bentuk khusus era romantisme Bentuk bebas Bentuk campuran Bentuk kitaran satu bahagian
Bentuk teater muzikal Balet Operetta
Muzik Teori muzik
Opera syarat

Kandungan artikel

OPERA, drama atau komedi berlatarbelakangkan muzik. Teks dramatik dalam opera dinyanyikan; nyanyian dan aksi pentas hampir selalu diiringi dengan iringan instrumental (biasanya orkestra). Banyak opera juga dicirikan oleh kehadiran selingan orkestra (pengenalan, kesimpulan, selang, dll.) dan rehat plot yang dipenuhi dengan adegan balet.

Opera dilahirkan sebagai hobi bangsawan, tetapi tidak lama kemudian menjadi hiburan untuk orang awam. Rumah opera awam pertama dibuka di Venice pada tahun 1637, hanya empat dekad selepas genre itu sendiri dilahirkan. Kemudian opera dengan cepat tersebar ke seluruh Eropah. Sebagai hiburan awam, ia mencapai perkembangan tertinggi pada abad ke-19 dan awal abad ke-20.

Sepanjang sejarahnya, opera mempunyai pengaruh yang kuat pada genre muzik lain. Simfoni ini berkembang daripada pengenalan instrumental kepada opera Itali pada abad ke-18. Petikan virtuoso dan kadenza konserto piano sebahagian besarnya adalah hasil percubaan untuk mencerminkan kehebatan opera-vokal dalam tekstur alat papan kekunci. Pada abad ke-19 tulisan harmonik dan orkestra R. Wagner, yang dicipta olehnya untuk "drama muzikal" yang hebat, menentukan perkembangan selanjutnya beberapa bentuk muzik, dan juga pada abad ke-20. ramai pemuzik menganggap pembebasan daripada pengaruh Wagner sebagai arus perdana pergerakan ke arah muzik baharu.

borang opera.

Dalam yang dipanggil. dalam opera besar, bentuk genre opera yang paling meluas hari ini, keseluruhan teks dinyanyikan. Dalam opera komik, nyanyian biasanya bergantian dengan adegan perbualan. Nama "opera komik" (opéra comique di Perancis, opera buffa di Itali, Singspiel di Jerman) sebahagian besarnya bersyarat, kerana tidak semua karya jenis ini mempunyai kandungan komik (ciri ciri "opera komik" ialah kehadiran pertuturan. dialog). Sejenis opera komik yang ringan dan sentimental, yang tersebar luas di Paris dan Vienna, mula dipanggil operetta; di Amerika ia dipanggil komedi muzikal. Permainan dengan muzik (muzikal) yang telah mendapat kemasyhuran di Broadway biasanya lebih serius dalam kandungan berbanding operetta Eropah.

Semua jenis opera ini adalah berdasarkan kepercayaan bahawa muzik, dan terutamanya nyanyian, meningkatkan ekspresi dramatik teks. Benar, ada kalanya unsur-unsur lain memainkan peranan yang sama penting dalam opera. Oleh itu, dalam opera Perancis dalam tempoh tertentu (dan dalam opera Rusia pada abad ke-19), tarian dan sisi yang menakjubkan memperoleh kepentingan yang sangat penting; Pengarang Jerman sering menganggap bahagian orkestra bukan sebagai iringan, tetapi sebagai bahagian vokal yang setara. Tetapi sepanjang sejarah opera, nyanyian masih memainkan peranan yang dominan.

Jika penyanyi memimpin dalam persembahan opera, maka bahagian orkestra membentuk bingkai, asas aksi, menggerakkannya ke hadapan dan menyediakan penonton untuk acara masa depan. Orkestra menyokong penyanyi, menekankan klimaks, mengisi kekosongan dalam libretto atau detik perubahan adegan dengan bunyinya, dan akhirnya membuat persembahan pada penghujung opera apabila tirainya jatuh.

Kebanyakan opera mempunyai pengenalan instrumental untuk membantu menetapkan persepsi pendengar. Pada abad ke-17–19 perkenalan sebegitu dipanggil perkenalan. Overtures adalah karya konsert yang singkat dan bebas, secara tematik tidak berkaitan dengan opera dan oleh itu mudah diganti. Sebagai contoh, tawaran kepada tragedi Aurelian di Palmyra Rossini kemudiannya bertukar menjadi aksi komedi tukang gunting rambut seville. Tetapi pada separuh kedua abad ke-19. komposer mula memberi pengaruh yang lebih besar pada perpaduan mood dan hubungan tematik antara overture dan opera. Satu bentuk pengenalan (Vorspiel) timbul, yang, sebagai contoh, dalam drama muzik Wagner kemudiannya, termasuk tema utama (leitmotifs) opera dan secara langsung dimasukkan ke dalam tindakan. Bentuk pertunjukan opera "autonomi" semakin merosot, dan pada masa itu rindu Puccini (1900) overture boleh digantikan dengan hanya beberapa kord pembukaan. Dalam beberapa opera abad ke-20. secara umum, tiada persiapan muzik untuk aksi pentas.

Jadi, aksi opera berkembang di dalam bingkai orkestra. Tetapi oleh kerana intipati opera ialah nyanyian, detik-detik tertinggi drama dicerminkan dalam bentuk lengkap aria, duet dan bentuk konvensional lain di mana muzik menjadi keutamaan. Aria adalah seperti monolog, duet seperti dialog; dalam trio, perasaan konflik salah satu watak terhadap dua peserta yang lain biasanya dijelmakan. Dengan komplikasi lanjut, pelbagai bentuk ensemble timbul - seperti kuartet dalam Rigoletto Verdi atau sextet masuk Lucia de Lammermoor Donizetti. Pengenalan bentuk sedemikian biasanya menghentikan tindakan untuk memberi ruang kepada perkembangan satu (atau beberapa) emosi. Hanya sekumpulan penyanyi, bersatu dalam ensemble, boleh menyatakan beberapa pandangan mengenai acara yang sedang berlangsung sekaligus. Kadangkala koir bertindak sebagai pengulas tentang tindakan wira opera. Secara umum, teks dalam koir opera disebut agak perlahan, frasa sering diulang untuk menjadikan kandungannya dapat difahami oleh pendengar.

Arias itu sendiri tidak membentuk opera. Dalam jenis opera klasik, cara utama untuk menyampaikan plot kepada orang ramai dan mengembangkan aksi adalah recitatif: bacaan melodi pantas dalam meter bebas, disokong oleh kord mudah dan berdasarkan intonasi pertuturan semula jadi. Dalam opera komik, recitatif sering digantikan dengan dialog. Recitatif mungkin kelihatan membosankan kepada pendengar yang tidak memahami maksud teks yang dituturkan, tetapi ia sering diperlukan dalam struktur kandungan opera.

Tidak dalam semua opera adalah mungkin untuk membuat garis yang jelas antara recitative dan aria. Wagner, sebagai contoh, meninggalkan bentuk vokal yang lengkap, bertujuan untuk perkembangan berterusan aksi muzik. Inovasi ini telah diambil, dengan pelbagai pengubahsuaian, oleh beberapa komposer. Di tanah Rusia, idea "drama muzik" yang berterusan, secara bebas daripada Wagner, pertama kali diuji oleh A.S. Dargomyzhsky dalam tetamu batu dan M.P. Mussorgsky dalam akan berkahwin- mereka memanggil bentuk ini "opera perbualan", dialog opera.

Opera sebagai drama.

Kandungan dramatik opera terkandung bukan sahaja dalam libretto, tetapi juga dalam muzik itu sendiri. Pencipta genre opera memanggil karya mereka dramma per musica - "drama yang dinyatakan dalam muzik." Opera adalah lebih daripada permainan dengan lagu dan tarian yang diinterpolasi. Permainan dramatik adalah berdikari; opera tanpa muzik hanyalah sebahagian daripada perpaduan dramatik. Ini terpakai walaupun kepada opera dengan adegan pertuturan. Dalam karya jenis ini, sebagai contoh, dalam Manon Lesko J. Massenet - nombor muzik masih mengekalkan peranan penting.

Jarang sekali opera libretto dipentaskan sebagai karya dramatik. Walaupun kandungan drama diungkapkan dengan kata-kata dan terdapat ciri-ciri alat pentas, namun, tanpa muzik, sesuatu yang penting hilang - sesuatu yang hanya boleh diungkapkan oleh muzik. Atas sebab yang sama, hanya jarang dramatik boleh digunakan sebagai libretto, tanpa terlebih dahulu mengurangkan bilangan watak, memudahkan plot dan watak utama. Ia perlu meninggalkan ruang untuk muzik bernafas, ia mesti diulang, membentuk episod orkestra, menukar mood dan warna bergantung pada situasi dramatik. Dan oleh kerana nyanyian masih menyukarkan untuk memahami maksud perkataan, teks libretto mestilah begitu jelas sehingga dapat dirasakan semasa menyanyi.

Dengan cara ini, opera menundukkan kepada dirinya sendiri kekayaan leksikal dan bentuk yang digilap dari permainan dramatik yang baik, tetapi mengimbangi kerosakan ini dengan kemungkinan bahasanya sendiri, yang menarik secara langsung kepada perasaan pendengar. Ya, sumber sastera Madama Butterfly Puccini - Drama D. Belasco tentang seorang geisha dan seorang pegawai tentera laut Amerika sudah ketinggalan zaman, dan tragedi cinta dan pengkhianatan yang dinyatakan dalam muzik Puccini tidak pudar ditelan zaman.

Semasa mengarang muzik opera, kebanyakan komposer mematuhi konvensyen tertentu. Sebagai contoh, penggunaan daftar suara atau instrumen tinggi bermaksud "ghairah", harmoni sumbang menyatakan "ketakutan". Konvensyen sedemikian tidak sewenang-wenangnya: orang ramai biasanya meninggikan suara mereka apabila mereka teruja, dan sensasi fizikal ketakutan adalah tidak harmoni. Tetapi komposer opera berpengalaman menggunakan cara yang lebih halus untuk menyatakan kandungan dramatik dalam muzik. Baris melodi harus secara organik sesuai dengan kata-kata di mana ia jatuh; tulisan harmonik terpaksa mencerminkan pasang surut emosi. Ia adalah perlu untuk mencipta model berirama yang berbeza untuk adegan deklamasi yang tergesa-gesa, ensembel khidmat, duet cinta dan aria. Kemungkinan ekspresif orkestra, termasuk timbre dan ciri-ciri lain yang dikaitkan dengan pelbagai instrumen, juga diletakkan pada perkhidmatan matlamat dramatik.

Walau bagaimanapun, ekspresif dramatik bukanlah satu-satunya fungsi muzik dalam opera. Komposer opera menyelesaikan dua tugas yang bercanggah: untuk menyatakan kandungan drama dan memberi keseronokan kepada pendengar. Menurut tugas pertama, muzik menyajikan drama; mengikut yang kedua, muzik adalah berdikari. Banyak komposer opera yang hebat - Gluck, Wagner, Mussorgsky, R. Strauss, Puccini, Debussy, Berg - menekankan permulaan ekspresif dan dramatik dalam opera. Daripada pengarang lain, opera itu memperoleh rupa ruang yang lebih puitis, terkawal. Seni mereka ditandai dengan kehalusan halftones dan kurang bergantung pada perubahan dalam citarasa orang ramai. Komposer lirik disayangi oleh penyanyi, kerana, walaupun penyanyi opera mesti menjadi pelakon pada tahap tertentu, tugas utamanya adalah muzik semata-mata: dia mesti mengeluarkan semula teks muzik dengan tepat, memberikan bunyi pewarnaan yang diperlukan, dan frasa dengan indah. Pengarang lirik termasuk Neapolitans abad ke-18, Handel, Haydn, Rossini, Donizetti, Bellini, Weber, Gounod, Masnet, Tchaikovsky dan Rimsky-Korsakov. Beberapa pengarang telah mencapai keseimbangan hampir mutlak unsur dramatik dan lirik, antaranya Monteverdi, Mozart, Bizet, Verdi, Janacek dan Britten.

repertoir opera.

Repertoir opera tradisional kebanyakannya terdiri daripada karya dari abad ke-19. dan beberapa opera pada akhir abad ke-18 dan awal abad ke-20. Romantikisme, dengan tarikannya kepada perbuatan yang tinggi dan tanah yang jauh, menyumbang kepada perkembangan kreativiti opera di seluruh Eropah; pertumbuhan kelas pertengahan membawa kepada penembusan unsur-unsur rakyat ke dalam bahasa opera dan menyediakan opera dengan penonton yang ramai dan bersyukur.

Repertoir tradisional cenderung untuk mengurangkan keseluruhan kepelbagaian genre opera kepada dua kategori yang sangat luas - "tragedi" dan "komedi". Yang pertama biasanya dibentangkan lebih luas daripada yang kedua. Asas repertoir hari ini adalah opera Itali dan Jerman, terutamanya "tragedi". Dalam bidang "komedi", opera Itali, atau sekurang-kurangnya dalam bahasa Itali (contohnya, opera Mozart), mendominasi. Terdapat beberapa opera Perancis dalam repertoir tradisional, dan ia biasanya dipersembahkan mengikut cara orang Itali. Beberapa opera Rusia dan Czech menduduki tempat mereka dalam himpunan, hampir selalu dilakukan dalam terjemahan. Secara umumnya, kumpulan opera utama mematuhi tradisi persembahan karya dalam bahasa asal.

Pengawal selia utama repertoir adalah populariti dan fesyen. Peranan tertentu dimainkan oleh kelaziman dan penanaman jenis suara tertentu, walaupun beberapa opera (seperti pembantu Verdi) sering dilakukan tanpa mengira sama ada suara yang diperlukan tersedia atau tidak (yang terakhir adalah lebih biasa). Dalam era apabila opera dengan bahagian virtuoso coloratura dan plot alegoris menjadi ketinggalan zaman, hanya sedikit orang yang mengambil berat tentang gaya produksi yang sesuai. Opera Handel, misalnya, diabaikan sehingga penyanyi terkenal Joan Sutherland dan lain-lain mula mempersembahkannya. Dan perkara di sini bukan sahaja pada penonton "baru", yang menemui keindahan opera ini, tetapi juga dalam penampilan sejumlah besar penyanyi dengan budaya vokal tinggi yang dapat mengatasi bahagian opera yang canggih. Dengan cara yang sama, kebangkitan karya Cherubini dan Bellini telah diilhamkan oleh persembahan cemerlang opera mereka dan penemuan "kebaharuan" karya lama. Komposer barok awal, terutamanya Monteverdi, tetapi juga Peri dan Scarlatti, juga dibawa keluar dari kelalaian.

Semua kebangkitan itu memerlukan edisi ulasan, terutamanya karya pengarang abad ke-17, yang instrumen dan prinsip dinamiknya kami tidak mempunyai maklumat yang tepat. Pengulangan yang tidak berkesudahan dalam apa yang dipanggil. da capo arias dalam opera sekolah Neapolitan dan di Handel agak membosankan pada zaman kita - zaman penghadaman. Pendengar moden hampir tidak dapat berkongsi keghairahan pendengar walaupun Opera Besar Perancis pada abad ke-19. (Rossini, Spontini, Meyerbeer, Halevi) kepada hiburan yang mengisi sepanjang malam (oleh itu, skor penuh opera Fernando Cortes Spontini berbunyi selama 5 jam, tidak termasuk selingan). Tidak jarang tempat gelap dalam skor dan dimensinya menggoda konduktor atau pengarah pentas untuk memotong, menyusun semula nombor, memasukkan dan juga memasukkan kepingan baharu, selalunya kekok sehingga hanya saudara jauh kerja yang muncul dalam program itu. di hadapan orang ramai.

Penyanyi.

Mengikut julat suara, penyanyi opera biasanya dibahagikan kepada enam jenis. Tiga jenis suara wanita, dari tinggi ke rendah - soprano, mezzo-soprano, contralto (yang terakhir jarang berlaku pada hari ini); tiga lelaki - tenor, bariton, bes. Dalam setiap jenis, mungkin terdapat beberapa subspesies, bergantung pada kualiti suara dan gaya nyanyian. Soprano lirik-coloratura mempunyai suara yang ringan dan sangat mudah alih; penyanyi sebegitu boleh mempersembahkan petikan virtuoso, skala cepat, getaran dan perhiasan lain. Soprano lirik-dramatik (lirico spinto) - suara yang sangat cerah dan cantik. Timbre soprano dramatik itu kaya dan kuat. Perbezaan antara suara lirik dan dramatik juga terpakai pada tenor. Terdapat dua jenis bes utama: "nyanyian bass" (basso cantante) untuk pesta "serius" dan komik (basso buffo).

Secara beransur-ansur, peraturan untuk memilih timbre nyanyian untuk peranan tertentu dibentuk. Bahagian-bahagian watak utama dan heroin biasanya diamanahkan kepada tenor dan soprano. Secara umum, watak yang lebih tua dan lebih berpengalaman, lebih rendah suaranya. Seorang gadis muda yang tidak bersalah - contohnya, Gilda masuk Rigoletto Verdi ialah seorang soprano lirik, dan penggoda khianat Delilah dalam opera Saint-Saens Simson dan Delila- mezzo-soprano. Sebahagian daripada Figaro, wira Mozart yang bertenaga dan cerdik Perkahwinan Figaro dan Rossini Tukang Gunting Rambut Seville ditulis oleh kedua-dua komposer untuk bariton, walaupun sebagai sebahagian daripada protagonis, bahagian Figaro sepatutnya dimaksudkan untuk tenor pertama. Sebahagian daripada petani, ahli sihir, orang dewasa, penguasa dan orang tua biasanya dicipta untuk bass-bariton (contohnya, Don Giovanni dalam opera Mozart) atau bes (Boris Godunov untuk Mussorgsky).

Perubahan dalam cita rasa orang ramai memainkan peranan tertentu dalam membentuk gaya vokal opera. Teknik penghasilan bunyi, teknik vibrato (“sebak”) telah berubah selama berabad-abad. J. Peri (1561–1633), penyanyi dan pengarang opera terawal yang dipelihara sebahagiannya ( Daphne) kononnya menyanyi dalam apa yang dikenali sebagai suara putih—dengan gaya yang agak rata, tidak berubah, dengan sedikit atau tiada vibrato—sesuai dengan tafsiran suara sebagai alat yang popular sehingga akhir zaman Renaissance.

Semasa abad ke-18 kultus penyanyi virtuoso berkembang - pertama di Naples, kemudian di seluruh Eropah. Pada masa itu, bahagian protagonis dalam opera dilakukan oleh soprano lelaki - castrato, iaitu timbre, perubahan semula jadi yang dihentikan oleh pengebirian. Penyanyi-castrati membawa julat dan mobiliti suara mereka ke had yang mungkin. Bintang opera seperti castrato Farinelli (C. Broschi, 1705–1782), yang sopranonya, menurut cerita, mengatasi kekuatan bunyi sangkakala, atau mezzo-soprano F. Bordoni, yang dikatakan boleh Tarik bunyi lebih lama daripada semua penyanyi di dunia, sepenuhnya tunduk kepada kemahiran mereka komposer yang muzik mereka tampilkan. Sebahagian daripada mereka sendiri mengarang opera dan mengarahkan syarikat opera (Farinelli). Sudah tentu penyanyi menghiasi melodi yang digubah oleh komposer dengan hiasan improvisasi mereka sendiri, tidak kira sama ada hiasan tersebut sesuai dengan situasi plot opera atau tidak. Pemilik mana-mana jenis suara mesti dilatih dalam prestasi petikan dan getaran pantas. Dalam opera Rossini, misalnya, tenor mesti menguasai teknik coloratura dan juga soprano. Kebangkitan seni sedemikian pada abad ke-20. dibenarkan untuk memberi nafas baru kepada pelbagai karya opera Rossini.

Hanya satu gaya nyanyian abad ke-18. hampir tidak berubah hingga ke hari ini - gaya bass komik, kerana kesan mudah dan perbualan pantas meninggalkan sedikit ruang untuk tafsiran individu, muzik atau pentas; mungkin, komedi kawasan D. Pergolesi (1749–1801) dipersembahkan hari ini tidak kurang daripada 200 tahun yang lalu. Lelaki tua yang cerewet dan cepat marah adalah tokoh yang sangat dihormati dalam tradisi opera, peranan kegemaran untuk bass yang terdedah kepada badut vokal.

Gaya nyanyian bel canto (bel canto) yang tulen dan penuh warna-warni, sangat digemari oleh Mozart, Rossini dan komposer opera lain pada penghujung abad ke-18 dan separuh pertama abad ke-19, pada separuh kedua abad ke-19. beransur-ansur memberi laluan kepada gaya nyanyian yang lebih berkuasa dan dramatik. Perkembangan penulisan harmonik dan orkestra moden secara beransur-ansur mengubah fungsi orkestra dalam opera, daripada menjadi pengiring kepada protagonis, dan akibatnya penyanyi perlu menyanyi dengan lebih kuat supaya suara mereka tidak tenggelam oleh instrumen. Aliran ini berasal dari Jerman, tetapi telah mempengaruhi semua opera Eropah, termasuk Itali. "Tenor heroik" Jerman (Heldentenor) jelas dihasilkan oleh keperluan untuk suara yang mampu terlibat dalam pertarungan dengan orkestra Wagner. Gubahan Verdi kemudiannya dan opera pengikutnya memerlukan tenor "kuat" (di forza) dan soprano dramatik (spinto) yang bertenaga. Tuntutan opera romantik kadangkala membawa kepada tafsiran yang seolah-olah bertentangan dengan niat yang diluahkan oleh komposer itu sendiri. Jadi, R. Strauss memikirkan Salome dalam operanya dengan nama yang sama sebagai "seorang gadis berusia 16 tahun dengan suara Isolde." Walau bagaimanapun, instrumentasi opera sangat padat sehingga penyanyi matron yang matang diperlukan untuk melakukan bahagian utama.

Antara bintang opera legenda masa lalu ialah E. Caruso (1873–1921, mungkin penyanyi paling popular dalam sejarah), J. Farrar (1882–1967, yang sentiasa diikuti oleh rombongan peminat di New York), F. I. Chaliapin (1873 –1938, bass kuat, mahir realisme Rusia), K. Flagstad (1895–1962, soprano heroik dari Norway) dan ramai lagi. Pada generasi seterusnya, mereka digantikan oleh M. Callas (1923–1977), B. Nilson (b. 1918), R. Tebaldi (1922–2004), J. Sutherland (b. 1926), L. Price (b. . 1927) ), B. Sills (b. 1929), C. Bartoli (1966), R. Tucker (1913–1975), T. Gobbi (1913–1984), F. Corelli (b. 1921), C. Siepi (b. 1923), J. Vickers (b. 1926), L. Pavarotti (b. 1935), S. Milnes (b. 1935), P. Domingo (b. 1941), J. Carreras (b. 1946).

teater opera.

Sesetengah bangunan rumah opera dikaitkan dengan jenis opera tertentu, dan dalam beberapa kes, sememangnya, seni bina teater itu disebabkan oleh satu atau lain jenis persembahan opera. Oleh itu, Opera Paris (nama Grand Opera telah ditetapkan di Rusia) bertujuan untuk tontonan yang cerah lama sebelum bangunan semasanya dibina pada 1862–1874 (arkitek Ch. Garnier): tangga dan ruang legar istana telah direka bentuk seperti yang akan bersaing dengan pemandangan balet dan perarakan megah yang berlangsung di atas pentas. "House of Solemn Performances" (Festspielhaus) di bandar Bayreuth, Bavaria telah dicipta oleh Wagner pada tahun 1876 untuk mementaskan "drama muzikal" epiknya. Pentasnya, yang dimodelkan pada adegan amfiteater Yunani kuno, mempunyai kedalaman yang besar, dan orkestra terletak di lubang orkestra dan tersembunyi daripada penonton, supaya bunyi itu hilang dan penyanyi tidak perlu terlalu memaksa suaranya. Metropolitan Opera House yang asal di New York (1883) telah direka bentuk sebagai pameran untuk penyanyi terbaik dunia dan pelanggan pondok yang dihormati. Dewan ini sangat dalam sehingga kotak "ladam kuda berlian" memberi pengunjung lebih banyak peluang untuk melihat satu sama lain daripada pentas yang agak cetek.

Penampilan rumah opera, seperti cermin, mencerminkan sejarah opera sebagai fenomena kehidupan awam. Asal-usulnya adalah dalam kebangkitan teater Yunani kuno dalam kalangan bangsawan: tempoh ini sepadan dengan rumah opera tertua yang masih hidup - Olimpico (1583), yang dibina oleh A. Palladio di Vicenza. Seni binanya, cerminan mikrokosmos masyarakat Baroque, adalah berdasarkan pelan berbentuk ladam yang bercirikan, di mana tingkatan kotak bertiup keluar dari tengah - kotak diraja. Pelan serupa dipelihara di bangunan teater La Scala (1788, Milan), La Fenice (1792, dibakar pada tahun 1992, Venice), San Carlo (1737, Naples), Covent Garden (1858, London). ). Dengan kotak yang lebih sedikit, tetapi dengan tingkat yang lebih dalam terima kasih kepada sokongan keluli, pelan ini digunakan di rumah opera Amerika seperti Brooklyn Academy of Music (1908), rumah opera di San Francisco (1932) dan Chicago (1920). Penyelesaian yang lebih moden menunjukkan bangunan baru Metropolitan Opera di Pusat Lincoln New York (1966) dan Sydney Opera House (1973, Australia).

Pendekatan demokrasi adalah ciri Wagner. Dia menuntut penumpuan maksimum daripada penonton dan membina teater di mana tidak ada kotak sama sekali, dan tempat duduk disusun dalam barisan berterusan yang membosankan. Pedalaman Bayreuth yang keras diulang hanya di Teater Utama Munich (1909); malah teater Jerman yang dibina selepas Perang Dunia II bertarikh kembali kepada contoh terdahulu. Walau bagaimanapun, idea Wagnerian nampaknya telah menyumbang kepada pergerakan ke arah konsep arena, i.e. teater tanpa proscenium, yang dicadangkan oleh beberapa arkitek moden (prototaip ialah sarkas Rom purba): opera dibiarkan menyesuaikan diri dengan keadaan baru ini. Amfiteater Rom di Verona sangat sesuai untuk mengadakan persembahan opera monumental seperti Aida Verdi dan William Tell Rossini.


perayaan opera.

Elemen penting dalam konsep opera Wagnerian ialah ziarah musim panas ke Bayreuth. Idea itu diambil: pada tahun 1920-an, bandar Salzburg di Austria menganjurkan festival yang didedikasikan terutamanya untuk opera Mozart dan menjemput orang yang berbakat seperti pengarah M. Reinhardt dan konduktor A. Toscanini untuk melaksanakan projek itu. Sejak pertengahan 1930-an, kerja opera Mozart telah membentuk Pesta Glyndebourne Inggeris. Selepas Perang Dunia Kedua, perayaan muncul di Munich, yang didedikasikan terutamanya untuk karya R. Strauss. Florence menganjurkan "Florence Musical May", di mana repertoir yang sangat luas dipersembahkan, meliputi kedua-dua opera awal dan moden.

KISAH

Asal usul opera.

Contoh pertama genre opera yang turun kepada kita ialah Eurydice J. Peri (1600) ialah karya sederhana yang dicipta di Florence sempena majlis perkahwinan Raja Perancis Henry IV dan Maria Medici. Seperti yang dijangka, penyanyi muda dan madrigalist, yang dekat dengan mahkamah, telah diperintahkan muzik untuk acara khidmat ini. Tetapi Peri tidak mempersembahkan kitaran madrigal biasa pada tema pastoral, tetapi sesuatu yang sama sekali berbeza. Pemuzik itu adalah ahli Florentine Camerata - kumpulan saintis, penyair dan pencinta muzik. Selama dua puluh tahun ahli Camerata telah menyiasat persoalan bagaimana tragedi Yunani kuno dilakukan. Mereka sampai pada kesimpulan bahawa pelakon Yunani membacakan teks itu dengan cara deklamasi yang istimewa, iaitu sesuatu antara ucapan dan nyanyian sebenar. Tetapi hasil sebenar eksperimen ini dalam menghidupkan semula seni yang terlupa adalah jenis nyanyian solo baharu, yang dipanggil "monodi": monodi dilakukan dalam irama bebas dengan iringan yang paling mudah. Oleh itu, Peri dan librettistnya O. Rinuccini membentangkan kisah Orpheus dan Eurydice dalam recitatif, yang disokong oleh kord orkestra kecil, bukannya ensembel tujuh instrumen, dan mempersembahkan permainan dalam Palazzo Pitti Florentine. Ini adalah opera kedua Camerata; markah pertama, Daphne Peri (1598), tidak dipelihara.

Opera awal mempunyai pendahulu. Selama tujuh abad gereja telah memupuk drama liturgi seperti Permainan tentang Daniel dimana nyanyian solo diiringi dengan iringan pelbagai alat. Pada abad ke-16 komposer lain, khususnya A. Gabrieli dan O. Vecchi, menggabungkan koir sekular atau madrigal ke dalam kitaran cerita. Namun begitu, sebelum Peri dan Rinuccini, tidak ada bentuk dramatik muzik sekular yang monodik. Kerja mereka tidak menjadi kebangkitan tragedi Yunani kuno. Ia membawa sesuatu yang lebih - genre teater baru yang berdaya maju telah dilahirkan.

Walau bagaimanapun, pendedahan penuh kemungkinan drama setiap genre muzik, yang dikemukakan oleh Florentine camerata, berlaku dalam karya pemuzik lain. Seperti Peri, C. Monteverdi (1567-1643) adalah seorang yang berpendidikan dari keluarga bangsawan, tetapi tidak seperti Peri, dia seorang pemuzik profesional. Berasal dari Cremona, Monteverdi menjadi terkenal di mahkamah Vincenzo Gonzaga di Mantua dan mengarahkan koir Katedral St. Mark di Venice. Tujuh tahun selepas itu Eurydice Peri, dia mengarang versi sendiri legenda Orpheus - Legenda Orpheus. Kerja-kerja ini berbeza antara satu sama lain dengan cara yang sama seperti eksperimen yang menarik berbeza daripada karya agung. Monteverdi meningkatkan komposisi orkestra lima kali, memberikan setiap watak kumpulan instrumennya sendiri, dan mendahului opera dengan pembukaan. Lafaznya bukan sahaja membunyikan teks A. Strigio, tetapi menjalani kehidupan seninya sendiri. Bahasa harmonik Monteverdi penuh dengan kontras yang dramatik dan bahkan hari ini mengagumkan dengan keberanian dan keindahannya.

Opera Monteverdi seterusnya yang masih hidup termasuk Duel of Tancred dan Clorinda(1624), berdasarkan adegan dari Baitulmuqaddis yang dibebaskan Torquato Tasso - puisi epik tentang tentera salib; Kembalinya Ulysses(1641) mengenai plot sejak legenda Yunani kuno Odysseus; Pertabalan Poppea(1642), dari zaman Maharaja Rom Nero. Karya terakhir dicipta oleh komposer hanya setahun sebelum kematiannya. Opera ini adalah kemuncak karyanya - sebahagiannya disebabkan oleh kehebatan bahagian vokal, sebahagiannya disebabkan oleh kemegahan penulisan instrumental.

pengedaran opera.

Pada era Monteverdi, opera dengan cepat menakluki bandar-bandar utama Itali. Rom memberikan pengarang opera L. Rossi (1598–1653), yang mementaskan operanya di Paris pada 1647 Orpheus dan Eurydice menakluki dunia Perancis. F. Cavalli (1602–1676), yang menyanyi di Monteverdi's di Venice, mencipta kira-kira 30 opera; Bersama M.A. Chesti (1623–1669), Cavalli menjadi pengasas sekolah Venetian, yang memainkan peranan utama dalam opera Itali pada separuh kedua abad ke-17. Di sekolah Venetian, gaya monodik, yang berasal dari Florence, membuka jalan untuk perkembangan recitatif dan aria. Arias secara beransur-ansur menjadi lebih panjang dan lebih kompleks, dan penyanyi virtuoso, biasanya castrati, mula mendominasi pentas opera. Plot opera Venetian masih berdasarkan mitologi atau episod sejarah yang romantis, tetapi kini dihiasi dengan selingan olok-olok yang tidak ada kena mengena dengan aksi utama dan episod hebat di mana penyanyi menunjukkan kehebatan mereka. Di Opera of Honor Epal Emas(1668), salah satu yang paling kompleks pada era itu, terdapat 50 pelakon, serta 67 adegan dan 23 perubahan adegan.

Pengaruh Itali bahkan sampai ke England. Pada akhir pemerintahan Elizabeth I, komposer dan librettists mula mencipta apa yang dipanggil. topeng - persembahan mahkamah yang menggabungkan bacaan, nyanyian, tarian dan berdasarkan cerita yang hebat. Genre baru ini menduduki tempat yang besar dalam karya G. Lowes, yang pada tahun 1643 menetapkan muzik Comus Milton, dan pada tahun 1656 mencipta opera Inggeris sebenar yang pertama - Pengepungan Rhodes. Selepas pemulihan Stuarts, opera secara beransur-ansur mula bertapak di bumi Inggeris. J. Blow (1649–1708), ahli organ di Katedral Westminster, mengarang opera pada tahun 1684 Venus dan Adonis, tetapi komposisi itu masih dipanggil topeng. Satu-satunya opera yang benar-benar hebat yang dicipta oleh orang Inggeris ialah Dido dan Aeneas G. Purcell (1659–1695), murid dan pengganti Blow. Mula-mula dipersembahkan di kolej wanita sekitar tahun 1689, opera kecil ini terkenal dengan keindahannya yang menakjubkan. Purcell memiliki kedua-dua teknik Perancis dan Itali, tetapi operanya biasanya karya Inggeris. Libretto Dido, dimiliki oleh N. Tate, tetapi komposer itu dihidupkan semula dengan muziknya, ditandai dengan penguasaan ciri-ciri dramatik, rahmat yang luar biasa dan kekayaan aria dan koir.

Opera Perancis awal.

Seperti opera Itali awal, opera Perancis pada pertengahan abad ke-16 bermula dari keinginan untuk menghidupkan semula estetika teater Yunani kuno. Perbezaannya ialah opera Itali menekankan nyanyian, manakala opera Perancis berkembang daripada balet, genre teater kegemaran di mahkamah Perancis pada masa itu. Seorang penari yang berkebolehan dan bercita-cita tinggi yang berasal dari Itali, J. B. Lully (1632-1687) menjadi pengasas opera Perancis. Beliau menerima pendidikan muzik, termasuk mempelajari asas teknik mengarang, di mahkamah Louis XIV dan kemudian dilantik sebagai komposer mahkamah. Dia mempunyai pemahaman yang sangat baik tentang pentas, yang terbukti dalam muziknya untuk beberapa komedi Molière, terutamanya untuk Pedagang dalam golongan bangsawan(1670). Kagum dengan kejayaan syarikat opera yang datang ke Perancis, Lully memutuskan untuk mencipta rombongannya sendiri. Opera Lully, yang dipanggilnya "tragedi lirik" (lirik tragédi) , menunjukkan gaya muzik dan teater Perancis secara khusus. Plot diambil dari mitologi kuno atau dari puisi Itali, dan libretto, dengan ayat-ayat khidmat mereka dalam saiz yang jelas, dipandu oleh gaya kontemporari hebat Lully, penulis drama J. Racine. Lully menyelitkan perkembangan plot dengan perbincangan panjang tentang cinta dan kemasyhuran, dan dia memasukkan penyimpangan ke dalam prolog dan perkara lain plot - adegan dengan tarian, koir dan pemandangan yang indah. Skala sebenar karya komposer menjadi jelas hari ini, apabila produksi operanya disambung semula - Alceste (1674), Atisa(1676) dan Armides (1686).

"Opera Czech" ialah istilah konvensional yang merujuk kepada dua aliran artistik yang berbeza: pro-Rusia di Slovakia dan pro-Jerman di Republik Czech. Tokoh yang diiktiraf dalam muzik Czech ialah Antonín Dvořák (1841–1904), walaupun hanya satu daripada operanya yang dipenuhi dengan kesedihan yang mendalam. ikan duyung- mengukuhkan dirinya dalam repertoir dunia. Di Prague, ibu kota budaya Czech, tokoh utama dalam dunia opera ialah Bedřich Smetana (1824–1884), yang Pengantin Ditukar(1866) dengan cepat memasuki repertoir, biasanya diterjemahkan ke dalam bahasa Jerman. Plot komik dan tidak rumit menjadikan karya ini paling mudah diakses dalam warisan Smetana, walaupun dia adalah pengarang dua lagi opera patriotik yang berapi-api - "opera keselamatan" yang dinamik Dalibor(1868) dan gambar-epik Libusha(1872, dipentaskan pada tahun 1881), yang menggambarkan penyatuan rakyat Czech di bawah pemerintahan seorang ratu yang bijak.

Pusat tidak rasmi sekolah Slovakia ialah bandar Brno, di mana Leos Janacek (1854–1928), seorang lagi penyokong gigih penghasilan semula intonasi recitatif semula jadi dalam muzik, dalam semangat Mussorgsky dan Debussy, tinggal dan bekerja. Diari Janacek mengandungi banyak nota pertuturan dan irama bunyi semula jadi. Selepas beberapa pengalaman awal dan tidak berjaya dalam genre opera, Janáček mula-mula bertukar kepada tragedi yang menakjubkan dari kehidupan petani Moravia dalam opera. Enufa(1904, opera paling popular komposer). Dalam opera berikutnya, dia mengembangkan plot yang berbeza: drama seorang wanita muda yang, kerana protes terhadap penindasan keluarga, menjalin hubungan cinta yang tidak sah ( Katya Kabanova, 1921), kehidupan alam semula jadi ( Chanterelle yang licik, 1924), kejadian ghaib ( Ubat Makropulos, 1926) dan catatan Dostoevsky tentang tahun-tahun yang dia habiskan dalam kerja keras ( Nota dari Rumah Orang Mati, 1930).

Janacek mengimpikan kejayaan di Prague, tetapi rakan-rakannya yang "tercerahkan" memperlakukan operanya dengan penghinaan - baik semasa hayat komposer dan selepas kematiannya. Seperti Rimsky-Korsakov, yang menyunting Mussorgsky, rakan sekerja Janáček berpendapat mereka lebih tahu daripada pengarang bagaimana markahnya sepatutnya berbunyi. Pengiktirafan antarabangsa Janáček datang kemudian hasil daripada usaha pemulihan John Tyrrell dan konduktor Australia Charles Mackeras.

Opera abad ke-20

Perang Dunia Pertama menamatkan era romantis: keluhuran perasaan yang wujud dalam romantisisme tidak dapat bertahan dalam pergolakan tahun-tahun perang. Bentuk opera yang ditubuhkan juga mengalami kemerosotan, ia adalah masa ketidakpastian dan percubaan. Keinginan untuk Zaman Pertengahan, dinyatakan dengan kekuatan tertentu dalam parsifal Dan Pelléas, memberikan kilatan terakhir dalam kerja-kerja seperti Tiga raja suka(1913) Italo Montemezzi (1875–1952), Kesatria Ekebu(1925) Riccardo Zandonai (1883–1944), Semirama(1910) dan nyala api(1934) Ottorino Respighi (1879–1936). Pasca-romantik Austria dalam diri Franz Schrekker (1878–1933; bunyi jauh, 1912; mendapat stigma, 1918), Alexander von Zemlinsky (1871–1942; Tragedi Florentine;kerdil– 1922) dan Erik Wolfgang Korngold (1897–1957; bandar mati, 1920; Keajaiban Heliana, 1927) menggunakan motif zaman pertengahan untuk penerokaan artistik idea kerohanian atau fenomena psikik patologi.

Warisan Wagner, diambil oleh Richard Strauss, kemudian diserahkan kepada yang dipanggil. sekolah baru Vienna, khususnya kepada A. Schoenberg (1874–1951) dan A. Berg (1885–1935), yang operanya adalah sejenis reaksi anti-romantik: ini dinyatakan kedua-duanya dalam pemergian secara sedar daripada bahasa muzik tradisional, terutamanya harmonik, dan dalam pilihan adegan "ganas". Opera pertama Berg Wozzeck(1925) - kisah seorang askar yang malang dan tertindas - adalah sebuah drama yang sangat berkuasa, walaupun bentuknya yang luar biasa kompleks, sangat intelek; opera kedua komposer, Lulu(1937, disiapkan selepas kematian pengarang F. Tserhoy), adalah drama muzikal yang tidak kurang ekspresif tentang seorang wanita yang kurang ajar. Selepas beberapa siri opera psikologi akut kecil, antara yang paling terkenal ialah Jangkaan(1909), Schoenberg menghabiskan seluruh hidupnya bekerja di plot Musa dan Harun(1954, opera masih belum selesai) - berdasarkan kisah alkitabiah tentang konflik antara nabi Musa yang terikat lidah dan Harun yang fasih, yang menggoda orang Israel untuk tunduk kepada anak lembu emas. Adegan pesta pora, kemusnahan dan pengorbanan manusia, yang mampu menimbulkan kemarahan mana-mana penapisan teater, serta kerumitan melampau komposisi, menghalang popularitinya di gedung opera.

Komposer dari sekolah kebangsaan yang berbeza mula muncul dari pengaruh Wagner. Oleh itu, simbolisme Debussy berfungsi sebagai dorongan untuk komposer Hungary B. Bartok (1881–1945) untuk mencipta perumpamaan psikologinya Istana Duke Bluebeard(1918); seorang lagi pengarang Hungary, Z. Kodály, dalam opera Hari Janos(1926) beralih kepada sumber cerita rakyat. Di Berlin, F. Busoni memikirkan semula plot lama dalam opera Harlequin(1917) dan Doktor Faust(1928, masih belum selesai). Dalam semua karya yang disebutkan, simfonisme Wagner dan pengikutnya yang meluas memberi laluan kepada gaya yang lebih ringkas, sehingga ke tahap monodi mendominasi. Walau bagaimanapun, warisan opera generasi komposer ini agak kecil, dan keadaan ini, bersama-sama dengan senarai karya yang belum selesai, membuktikan kesukaran yang dialami oleh genre opera dalam era ekspresionisme dan fasisme yang akan datang.

Pada masa yang sama, arus baru mula muncul di Eropah yang dilanda peperangan. Opera komik Itali memberikan pelarian terakhirnya dalam karya kecil oleh G. Puccini Gianni Schicchi(1918). Tetapi di Paris, M. Ravel menaikkan obor yang pudar dan mencipta keindahannya sendiri jam Sepanyol(1911) dan kemudian kanak-kanak dan sihir(1925, kepada libretto oleh Collet). Opera muncul di Sepanyol - hidup yang singkat(1913) dan Gerai Maestro Pedro(1923) Manuel de Falla.

Di England, opera mengalami kebangkitan sebenar - buat kali pertama dalam beberapa abad. Spesimen terawal jam abadi(1914) Rutland Baughton (1878–1960) mengenai subjek dari mitologi Celtic, Pengkhianat(1906) dan isteri boatswain(1916) Ethel Smith (1858–1944). Yang pertama adalah kisah cinta kaum bucolic, manakala yang kedua adalah tentang lanun yang membuat rumah mereka di sebuah perkampungan pantai Inggeris yang miskin. Opera Smith juga menikmati populariti di Eropah, seperti juga opera Frederic Delius (1862–1934), terutamanya Kampung Romeo dan Juliet(1907). Delius, bagaimanapun, secara semula jadinya tidak mampu mewujudkan dramaturgi konflik (baik dalam teks mahupun dalam muzik), dan oleh itu drama muzik statiknya jarang muncul di atas pentas.

Masalah yang membara untuk komposer Inggeris ialah mencari plot yang kompetitif. Savitri Gustav Holst ditulis berdasarkan salah satu episod epik India Mahabharata(1916) dan Hugh the Drover R. Vaughan-Williams (1924) ialah sebuah pastoral yang kaya dengan lagu-lagu rakyat; perkara yang sama berlaku dalam opera Vaughan Williams Tuan John jatuh cinta menurut Shakespeare Falstaff.

B. Britten (1913–1976) berjaya meningkatkan opera Inggeris ke tahap baharu; opera pertamanya ternyata berjaya Peter Grimes(1945) - drama yang berlaku di pantai, di mana watak utamanya adalah seorang nelayan yang ditolak oleh orang ramai, yang berada dalam cengkaman pengalaman mistik. Sumber komedi-sindiran Albert Herring(1947) menjadi cerpen oleh Maupassant, dan dalam Billy Budde Kisah alegori Melville digunakan, yang memperkatakan kebaikan dan kejahatan (latar belakang sejarah ialah era perang Napoleon). Opera ini biasanya diiktiraf sebagai karya agung Britten, walaupun dia kemudiannya berjaya bekerja dalam genre "opera besar" - contohnya adalah Gloriana(1951), yang menceritakan tentang peristiwa bergolak pemerintahan Elizabeth I, dan Mimpi di malam musim panas(1960; libretto Shakespeare dicipta oleh rakan karib komposer dan kolaborator, penyanyi P. Pierce). Pada tahun 1960-an, Britten banyak memberi perhatian kepada opera perumpamaan ( sungai woodcock – 1964, Aksi gua – 1966, anak yang hilang- 1968); dia juga mencipta opera televisyen Owen Wingrave(1971) dan opera dewan pusing skru Dan Penodaan Lucretia. Puncak mutlak karya opera komposer ialah karya terakhirnya dalam genre ini - Kematian di Venice(1973), di mana kepintaran yang luar biasa digabungkan dengan keikhlasan yang tinggi.

Warisan opera Britten adalah begitu penting sehingga beberapa pengarang Inggeris generasi seterusnya dapat muncul dari bayang-bayangnya, walaupun kejayaan terkenal opera Peter Maxwell Davies (b. 1934) patut disebut. kedai makan(1972) dan opera oleh Harrison Birtwhistle (b. 1934) gavan(1991). Bagi komposer negara lain, kita boleh perhatikan karya seperti Aniara(1951) oleh Sweden Karl-Birger Blomdahl (1916–1968), di mana tindakan itu berlaku di atas kapal antara planet dan menggunakan bunyi elektronik, atau kitaran operatik Biar ada cahaya(1978–1979) oleh Karlheinz Stockhausen Jerman (kitaran ini diberi sarikata Tujuh Hari Penciptaan dan dijangka siap dalam masa seminggu). Tetapi, sudah tentu, inovasi sedemikian adalah sekejap. Opera komposer Jerman Carl Orff (1895-1982) lebih penting - contohnya, Antigone(1949), yang dibina berdasarkan model tragedi Yunani kuno menggunakan bacaan berirama dengan latar belakang iringan pertapa (terutamanya alat perkusi). Komposer Perancis yang cemerlang F. Poulenc (1899–1963) bermula dengan opera lucu payudara Tiresia(1947), dan kemudian beralih kepada estetika, yang meletakkan intonasi dan irama pertuturan semula jadi di barisan hadapan. Dua opera terbaiknya telah ditulis dalam nada ini: mono-opera suara manusia selepas Jean Cocteau (1959; libretto dibina seperti perbualan telefon heroin) dan opera Dialog kaum Karmelit, yang menggambarkan penderitaan biarawati tarekat Katolik semasa Revolusi Perancis. Keharmonian Poulenc sangat mudah dan pada masa yang sama mengekspresikan emosi. Populariti antarabangsa karya Poulenc juga difasilitasi oleh permintaan komposer supaya operanya dipersembahkan apabila boleh dalam bahasa tempatan.

Menyulap seperti ahli silap mata dengan gaya yang berbeza, I.F. Stravinsky (1882-1971) mencipta sejumlah opera yang mengagumkan; antaranya - ditulis untuk romantis keusahawanan Diaghilev Nightingale berdasarkan kisah dongeng oleh H.H. Andersen (1914), Mozartian Pengembaraan The Rake berdasarkan ukiran oleh Hogarth (1951), serta statik, mengingatkan hiasan antik Oedipus Rex(1927), yang bertujuan sama untuk teater dan untuk pentas konsert. Semasa Republik Weimar Jerman, K. Weil (1900–1950) dan B. Brecht (1898–1950), yang membuat semula Opera pengemis John Gay menjadi lebih popular Opera Threepenny(1928), mengarang sebuah opera yang kini dilupakan pada plot satira yang tajam Kebangkitan dan Kejatuhan Kota Mahagonny(1930). Kebangkitan Nazi menamatkan kerjasama yang membuahkan hasil ini, dan Vail, yang berhijrah ke Amerika, mula bekerja dalam genre muzik Amerika.

Komposer Argentina Alberto Ginastera (1916–1983) sangat popular pada tahun 1960-an dan 1970-an apabila opera ekspresif dan erotiknya muncul. Don Rodrigo (1964), Bomarzo(1967) dan Beatrice Cenci(1971). Hans Werner Henze Jerman (b. 1926) menjadi terkenal pada tahun 1951 apabila operanya Boulevard Loneliness kepada libretto oleh Greta Weill berdasarkan kisah Manon Lescaut; bahasa muzik karya itu menggabungkan teknik jazz, blues dan 12-tone. Opera Henze seterusnya termasuk: Elegi untuk pencinta muda(1961; aksi itu berlaku di Alps bersalji; skor didominasi oleh bunyi gambang, vibrafon, kecapi dan celesta), tuan muda, ditembak dengan humor hitam (1965), bassaridae(1966; selepas bacchae Euripides, libretto Inggeris oleh C. Cullman dan W. H. Auden), anti-militaris Kami akan datang ke sungai(1976), opera dongeng kanak-kanak pollicino Dan Laut yang dikhianati(1990). Di UK, Michael Tippett (1905–1998) bekerja dalam genre opera. ) : Perkahwinan pada Malam Pertengahan Musim Panas(1955), labirin taman (1970), Ais telah pecah(1977) dan opera fiksyen sains Tahun Baru(1989) - semuanya kepada libretto komposer. Komposer Inggeris avant-garde Peter Maxwell Davies ialah pengarang opera yang disebutkan di atas. kedai makan(1972; plot dari kehidupan komposer abad ke-16 John Taverner) dan Kebangkitan (1987).

Penyanyi opera terkenal

Björling, Jussi (Johan Jonathan)(Björling, Jussi) (1911–1960), penyanyi Sweden (tenor). Dia belajar di Sekolah Opera Diraja Stockholm dan membuat debutnya di sana pada tahun 1930 dalam peranan kecil Manon Lesko. Sebulan kemudian, Ottavio menyanyi Don Juan. Dari 1938 hingga 1960, dengan pengecualian tahun perang, dia menyanyi di Opera Metropolitan dan menikmati kejayaan tertentu dalam himpunan Itali dan Perancis.
Galli-Curci Amelita .
Gobbi, Tito(Gobbi, Tito) (1915-1984), penyanyi Itali (bariton). Dia belajar di Rom dan membuat debutnya di sana sebagai Germont La Traviate. Dia banyak membuat persembahan di London dan selepas 1950 di New York, Chicago dan San Francisco - terutamanya dalam opera Verdi; terus menyanyi di teater utama di Itali. Gobbi dianggap sebagai pemain terbaik bahagian Scarpia, yang dia nyanyikan kira-kira 500 kali. Dia telah berlakon dalam filem opera berkali-kali.
Domingo, Placido .
Callas, Maria .
Caruso, Enrico .
Corelli, Franco- (Corelli, Franco) (b. 1921–2003), penyanyi Itali (tenor). Pada usia 23 tahun dia belajar untuk beberapa waktu di Konservatori Pesaro. Pada tahun 1952, beliau mengambil bahagian dalam pertandingan vokal festival Florentine Musical Mei, di mana pengarah Opera Rom menjemputnya untuk lulus ujian di Teater Eksperimen Spoletto. Tidak lama kemudian dia tampil di teater ini dalam peranan Don José dalam Carmen. Pada pembukaan musim La Scala pada tahun 1954, dia menyanyi bersama Maria Callas Vestal Spontini. Pada tahun 1961 beliau membuat debut Opera Metropolitan sebagai Manrico dalam Troubadour. Antara partinya yang paling terkenal ialah Cavaradossi in Tosca.
London, George(London, George) (1920-1985), penyanyi Kanada (bass-baritone), nama sebenarnya George Bernstein. Dia belajar di Los Angeles dan membuat debutnya di Hollywood pada tahun 1942. Pada tahun 1949 dia dijemput ke Opera Vienna, di mana dia membuat debutnya sebagai Amonasro dalam pembantu. Dia menyanyi di Metropolitan Opera (1951-1966), dan juga membuat persembahan di Bayreuth dari 1951 hingga 1959 sebagai Amfortas dan Flying Dutchman. Dia hebat melakukan bahagian Don Giovanni, Scarpia dan Boris Godunov.
Milnes, Cheryl .
Nilson, Birgit(Nilsson, Birgit) (1918–2005), penyanyi Sweden (soprano). Dia belajar di Stockholm dan membuat debutnya di sana sebagai Agatha penembak gaya bebas Weber. Kemasyhurannya di peringkat antarabangsa bermula pada tahun 1951 apabila dia menyanyikan lagu Elektra Idomeneo Mozart di Festival Glyndebourne. Pada musim 1954/1955 dia menyanyikan Brunnhilde dan Salome di Munich Opera. Dia membuat debutnya sebagai Brunnhilde di London's Covent Garden (1957) dan sebagai Isolde di Metropolitan Opera (1959). Dia juga berjaya dalam peranan lain, terutamanya Turandot, Tosca dan Aida. Meninggal dunia pada 25 Disember 2005 di Stockholm.
Pavarotti, Luciano .
Patti, Adeline(Patti, Adelina) (1843-1919), penyanyi Itali (coloratura soprano). Dia membuat debutnya di New York pada tahun 1859 sebagai Lucia di Lammermoor, di London pada tahun 1861 (sebagai Amina dalam Sleepwalker). Dia menyanyi di Covent Garden selama 23 tahun. Dengan suara yang hebat dan teknik yang cemerlang, Patti adalah salah seorang wakil terakhir gaya bel canto sebenar, tetapi sebagai seorang pemuzik dan sebagai pelakon dia jauh lebih lemah.
Harga, Leontina .
Sutherland, Joan .
Skipa, Tito(Schipa, Tito) (1888-1965), penyanyi Itali (tenor). Dia belajar di Milan dan membuat debutnya di Vercelli pada tahun 1911 sebagai Alfred ( La Traviata). Sentiasa membuat persembahan di Milan dan Rom. Pada tahun 1920–1932 dia mengadakan pertunangan di Chicago Opera, dan menyanyi secara berterusan di San Francisco dari 1925 dan di Metropolitan Opera (1932–1935 dan 1940–1941). Dia hebat mempersembahkan bahagian Don Ottavio, Almaviva, Nemorino, Werther dan Wilhelm Meister dalam Mignone.
Scotto, Renata(Scotto, Renata) (b. 1935), penyanyi Itali (soprano). Dia membuat debutnya pada tahun 1954 di Teater Baru Naples sebagai Violetta ( La Traviata), pada tahun yang sama dia menyanyi buat kali pertama di La Scala. Beliau pakar dalam himpunan bel canto: Gilda, Amina, Norina, Linda de Chamouni, Lucia di Lammermoor, Gilda dan Violetta. Debut Amerikanya sebagai Mimi dari bohemia berlangsung di Lyric Opera of Chicago pada tahun 1960, pertama kali dipersembahkan di Opera Metropolitan sebagai Cio-Cio-San pada tahun 1965. Hipertoirnya juga termasuk peranan Norma, Gioconda, Tosca, Manon Lescaut dan Francesca da Rimini.
Siepi, Cesare(Siepi, Cesare) (b. 1923), penyanyi Itali (bass). Dia membuat penampilan sulungnya pada tahun 1941 di Venice sebagai Sparafucillo dalam Rigoletto. Selepas perang, dia mula membuat persembahan di La Scala dan rumah opera Itali yang lain. Dari 1950 hingga 1973 beliau adalah pemain bass utama di Metropolitan Opera, di mana beliau menyanyi, antara lain, Don Giovanni, Figaro, Boris, Gurnemanz dan Philipp dalam Don Carlos.
Tebaldi, Renata(Tebaldi, Renata) (b. 1922), penyanyi Itali (soprano). Dia belajar di Parma dan membuat debutnya pada tahun 1944 di Rovigo sebagai Elena ( Mephistopheles). Toscanini memilih Tebaldi untuk membuat persembahan pada pembukaan La Scala (1946) selepas perang. Pada tahun 1950 dan 1955 dia membuat persembahan di London, pada tahun 1955 dia membuat debutnya di Opera Metropolitan sebagai Desdemona dan menyanyi di teater ini sehingga persaraannya pada tahun 1975. Antara peranan terbaiknya ialah Tosca, Adriana Lecouvreur, Violetta, Leonora, Aida dan dramatik lain. peranan dari opera oleh Verdi.
Farrar, Geraldine .
Chaliapin, Fedor Ivanovich .
Schwarzkopf, Elizabeth(Schwarzkopf, Elisabeth) (b. 1915), penyanyi Jerman (soprano). Dia belajar dengan di Berlin dan membuat debutnya di Opera Berlin pada tahun 1938 sebagai salah seorang Gadis Bunga di parsifal Wagner. Selepas beberapa persembahan di Opera Vienna, dia telah dijemput untuk memainkan peranan utama. Kemudian dia juga menyanyi di Covent Garden dan La Scala. Pada tahun 1951 di Venice pada tayangan perdana opera Stravinsky Pengembaraan The Rake menyanyikan bahagian Anna, pada tahun 1953 di La Scala dia mengambil bahagian dalam tayangan perdana cantata pentas Orff Kemenangan Aphrodite. Pada tahun 1964 dia membuat persembahan buat kali pertama di Metropolitan Opera. Dia meninggalkan pentas opera pada tahun 1973.

kesusasteraan:

Makhrova E.V. Rumah Opera dalam Budaya Jerman pada Separuh Kedua Abad ke-20. St. Petersburg, 1998
Simon G.W. Seratus opera hebat dan plot mereka. M., 1998



Kandungan artikel

OPERA COMIC, dalam maksud asal istilah: satu set jenis kebangsaan genre opera yang timbul pada tahun 1730-an dan berlangsung sehingga awal abad ke-19. Pada masa hadapan, istilah itu kehilangan kesamarannya; hari ini ia sering digunakan berhubung dengan pelbagai jenis persembahan muzik dan hiburan kandungan komedi (farce, buffoonery, vaudeville, operetta, muzikal, dll.).

Asal-usul dan ciri-ciri genre.

Opera komik dibangunkan di negara-negara yang mempunyai budaya opera yang maju sebagai alternatif kepada opera seria mahkamah (ia. opera seria - opera serius), yang prinsipnya telah dibangunkan pada abad ke-17. Komposer Itali sekolah Neapolitan (khususnya, A. Scarlatti). Menjelang abad ke-18 Opera mahkamah Itali memasuki tempoh krisis dalam perkembangannya, bertukar menjadi "konsert kostum" - yang cemerlang, tepu dengan kesan vokal virtuoso, tetapi tontonan statik. Sebaliknya, opera komik mempunyai lebih fleksibiliti, yang merupakan ciri bentuk seni muda yang baru, dan oleh itu mempunyai dinamik dan potensi pembangunan yang lebih besar. Genre teater baharu menjadi meluas di seluruh Eropah, dengan setiap negara membangunkan pelbagai opera komiknya sendiri.

Walau bagaimanapun, di sebalik semua keanehan negara, laluan pembangunan umum opera komik adalah serupa. Pembentukannya ditentukan oleh prinsip demokrasi Pencerahan. Terima kasih kepada mereka, trend baru dalam muzik dan drama opera muncul dalam opera komik: kedekatan dengan kehidupan seharian, melodi rakyat (kedua-duanya dalam episod vokal dan tarian), parodi, asli, "bertopeng", pencirian watak. Dalam pembinaan plot opera komik, garis antik dan legenda sejarah yang khusyuk, yang kekal sebagai ciri genre opera seria, tidak dibangunkan secara konsisten. Kecenderungan demokratik juga dilihat dalam ciri formal opera komik: dialog sehari-hari, recitatif, dinamisme tindakan.

Jenis opera komik kebangsaan.

Itali dianggap sebagai tempat kelahiran opera komik, di mana genre ini dipanggil opera buffa (opera buffa Itali - opera komik). Sumbernya ialah opera komedi sekolah Rom abad ke-17. dan commedia dell'arte. Pada mulanya, ini adalah selingan lucu yang diselitkan untuk pelepasan emosi antara aksi opera seria. Buffa opera pertama ialah Puan Pembantu Rumah G. B. Pergolesi, yang ditulis oleh komposer sebagai selingan kepada opera serianya sendiri Banduan yang bangga(1733). Pada masa hadapan, opera buffa mula dipersembahkan secara bebas. Mereka dibezakan oleh skala kecil mereka, sebilangan kecil watak, aria jenis buffoon, patter dalam bahagian vokal, pengukuhan dan perkembangan ensembel (berbanding dengan opera seria, di mana bahagian solo adalah asas, dan ensembel dan koir hampir tidak pernah digunakan). Genre rakyat lagu dan tarian berfungsi sebagai asas untuk dramaturgi muzik. Kemudian, ciri lirik dan sentimental menembusi opera buffa, mengalihkannya daripada commedia dell'arte yang kasar kepada masalah aneh dan prinsip plot C. Gozzi. Perkembangan opera buffa dikaitkan dengan nama komposer N. Picchini, G. Paisiello, D. Cimarosa.

Opera komik versi Sepanyol tonadilla(Tonadilla Sepanyol - lagu, kurangkan daripada tonada - lagu). Seperti opera buffa, tonadilla lahir daripada lagu dan nombor tarian yang membuka persembahan teater atau dipersembahkan di antara lakonan. Kemudian dibentuk menjadi genre yang berasingan. Tonadilla pertama Pemilik penginapan dan pemandu(komposer L. Mison, 1757). Wakil genre lain ialah M. Pla, A. Guerrero, A. Esteve i Grimau, B. de Lacerna, J. Valledor. Dalam kebanyakan kes, komposer sendiri menulis libretto untuk tonadilla.

Di Perancis, genre berkembang di bawah nama opera komik(fr. - opera komik). Ia berasal sebagai parodi satira "opera besar". Berbeza dengan garis perkembangan Itali, di Perancis genre itu pada mulanya dibentuk oleh penulis drama, yang membawa kepada gabungan nombor muzik dengan dialog bahasa sehari-hari. Oleh itu, J.J. Rousseau dianggap sebagai pengarang komik opéra Perancis pertama ( ahli sihir kampung, 1752). Dramaturgi muzik opéra comique dikembangkan dalam karya komposer E. Duny, F. Philidor. Dalam era pra-revolusi, opéra comique memperoleh orientasi romantis, tepu dengan perasaan serius dan kandungan topikal (komposer P. Monsigny, A. Gretry).

Di England, opera komik kebangsaan dipanggil opera balada dan dibangunkan terutamanya dalam genre satira sosial. Corak klasik - Opera Pengemis(1728) oleh komposer J. Pepush dan penulis drama J. Gay, yang menjadi parodi lucu tentang adat istiadat bangsawan Inggeris. Antara komposer Inggeris lain yang bekerja dalam genre opera balada, yang paling terkenal ialah Ch. Coffey, yang karyanya mempunyai pengaruh yang serius terhadap perkembangan genre di Jerman. .

Jenis opera komik Jerman dan Austria mempunyai nama yang sama singspiel(Jerman Singspiel, dari singen - untuk menyanyi dan Spiel - permainan). Walau bagaimanapun, Singspiel Jerman dan Austria mempunyai ciri-ciri mereka sendiri. Jika di Jerman genre itu dibentuk di bawah pengaruh opera balada Inggeris, di Austria ia berada di bawah pengaruh commedia dell'arte Itali dan komik opéra Perancis. Ini disebabkan oleh keaslian budaya ibu kota Austria, Vienna, yang menjelang abad ke-18 telah menjadi ibu kota Austria. pusat antarabangsa di mana seni muzik pelbagai kaum disintesis. Singspiel Austria, tidak seperti yang Jerman, bersama-sama dengan nombor koplet dan balada, termasuk bentuk opera yang besar: aria, ensembel, perlawanan akhir yang dibangunkan dengan baik. Bahagian orkestra juga menerima lebih banyak perkembangan dalam singspiel Austria. Komposer Singspiel yang paling terkenal ialah J. Shtandfuss, J. A. Giller, V. Müller, K. Dietersdorf dan lain-lain.

Transformasi genre.

Menjelang akhir abad ke-18 perkembangan opera komik genre kebangsaan dalam bentuk "tulen" mula merosot. Walau bagaimanapun, atas dasar mereka, prinsip baru beberapa jenis seni muzik dan hiburan telah dibentuk sekaligus. Dan di sini peranan utama sekali lagi dimiliki oleh sekolah muzik Vienna.

Di satu pihak, opera komik secara umum dan singspiel khususnya menyumbang kepada reformasi seni opera klasik, di mana W. A. ​​​​Mozart memainkan peranan yang besar. Mengikuti laluan pembaharuan dalaman dan sintesis bentuk muzik terdahulu, Mozart mencipta konsep operanya sendiri, memperkayakan skema singspiel dan opera buffa yang agak mudah, memperkenalkan persuasif psikologi, motif realistik ke dalamnya, dan juga menambahnya dengan muzikal. bentuk opera yang serius. Jadi, Perkahwinan Figaro(1786) secara organik menggabungkan bentuk opera buffa dengan kandungan realistik; Don Juan(1787) menggabungkan komedi dengan bunyi tragis sebenar; seruling ajaib(1791) termasuk pelbagai genre muzik dalam singspiel klasik: extravaganza, chorale, fugue, dll.

Selari dengan Mozart dan pada prinsip yang sama di Austria, semakan inovatif opera telah dijalankan oleh J. Haydn ( Keteguhan sebenar, 1776; Dunia bulan, 1977; Jiwa seorang ahli falsafah, 1791). Gema singspiel jelas boleh didengari dalam satu-satunya opera oleh L. van Beethoven Fidelio (1805).

Tradisi Mozart dan Haydn telah difahami dan diteruskan dalam karya komposer Itali G.A. Rossini (dari Nota janji untuk perkahwinan, 1810, sebelum Tukang Gunting Rambut Seville, 1816, dan Cinderella, 1817).

Satu lagi cabang perkembangan opera komik dikaitkan dengan kemunculan dan pembentukan sekolah operetta klasik Vienna. Jika pada abad ke-18 jenis opera komik sering dipanggil operetta (operetta Itali, opéret Perancis, lit. - opera kecil), kemudian pada abad ke-19. ia telah menjadi genre bebas yang berasingan. Prinsipnya dibentuk di Perancis, oleh komposer J. Offenbach, dan mendapat pembentukannya dalam teater Bouffe-Parisiennya.

Operetta klasik Vienna dikaitkan terutamanya dengan nama I. Strauss (anak lelaki), yang datang ke genre ini lewat, pada dekad kelima hidupnya, ketika dia sudah menjadi pengarang terkenal di dunia banyak waltz klasik. Operetta Strauss dicirikan oleh kekayaan melodi dan kepelbagaian bentuk muzik, orkestrasi yang indah, motif simfoni terperinci episod tarian, dan pergantungan yang mantap pada muzik rakyat Austro-Hungary. Dalam semua ini, tidak syak lagi, tradisi opera komik dibaca. Walau bagaimanapun, dalam pembangunan operetta sebagai genre, penekanan utama diberikan pada kemahiran muzik dan persembahan (kedua-dua orkestra dan vokal-koreografi). Barisan teks dramaturgi, yang berjaya dikembangkan dalam opera balada Inggeris dan komik opéra Perancis, menjadi sia-sia dan merosot menjadi kraf dramatik primitif - libretto. Dalam hal ini, daripada 16 operetta yang ditulis oleh Strauss, hanya tiga yang terselamat dalam himpunan teater pada masa-masa berikutnya: Kelawar, Malam di Venice Dan Baron gipsi. Dengan libretto skematik, atribusi tradisional operetta kepada genre hiburan ringan juga disambungkan.

Keinginan untuk mengembalikan kedalaman dan kelantangan kepada teater muzikal dan spektakuler sintetik menyebabkan pembentukan dan perkembangan lanjut genre muzik, di mana dramaturgi tekstual, plastik dan muzik wujud dalam kesatuan yang tidak dapat dipisahkan, tanpa tekanan yang berlaku dari mana-mana daripada mereka.

Opera komik di Rusia.

Perkembangan teater muzikal di Rusia sehingga sepertiga terakhir abad ke-18. adalah berdasarkan seni Eropah Barat. Khususnya, ini difasilitasi oleh kecenderungan khas Catherine II kepada artis "asing". Sekiranya dalam teater drama Rusia pada masa ini nama-nama penulis drama domestik A. Sumarokov, M. Kheraskov, Y. Knyaznin, D. Fonvizin dan lain-lain sudah terkenal, maka persembahan kumpulan balet dan opera hanya berdasarkan karya. daripada pengarang asing. Bersama kumpulan amatur dan profesional Rusia, komik opéra Perancis dan buffa opera Itali telah dijemput untuk melawat di teater mahkamah oleh Setiausaha Kabinet Catherine II, Ivan Elagin, yang bertanggungjawab ke atas "negeri" teater. Ini sebahagian besarnya disebabkan oleh kepentingan luar teater para istana berpengaruh Catherine II (Putera Potemkin, Count Bezborodko, dll.): Pada masa itu ia dianggap bentuk yang baik untuk mempunyai hubungan dengan pelakon asing.

Dengan latar belakang ini, pembentukan sekolah opera Rusia dan sekolah komposer sekular bermula dengan pembentukan opera komik kebangsaan. Jalan ini agak semula jadi: ia adalah opera komik, kerana sifat asasnya demokratik, yang memberikan peluang maksimum untuk manifestasi kesedaran diri nasional.

Penciptaan opera komik di Rusia dikaitkan dengan nama komposer V. Pashkevich ( Masalah dari gerabak, 1779; Kedekut, 1782), E. Fomina ( Jurulatih dalam persediaan, atau permainan secara kebetulan, 1787; orang Amerika, 1788), M. Matinsky ( Saint Petersburg Gostiny Dvor, 1782). Muzik itu berdasarkan melodi lagu-lagu Rusia; tafsiran pentas dicirikan oleh selang-seli bebas nyanyian recitatif dan melodi, perkembangan realistik yang meriah watak-watak rakyat dan kehidupan seharian, unsur-unsur sindiran sosial. Opera komik paling popular Melnik - seorang ahli sihir, penipu dan pencari jodoh kepada libretto oleh penulis drama A. Ablesimov (komposer - M. Sokolovsky, 1779; dari 1792 ia dipersembahkan kepada muzik E. Fomin). Kemudian, opera komik Rusia (serta jenis Eropahnya) ditambah dengan motif lirik dan romantis (komposer K. Kavos - Ivan Susanin,Nikitich,Burung api dan lain-lain; A. Verstovsky - Pan Tvardovsky,kubur Askold dan lain-lain).

Opera komik Rusia menandakan permulaan pembentukan pada abad ke-19. dua hala teater muzikal dan hiburan negara. Yang pertama ialah opera Rusia klasik, lonjakan pesat dalam pembangunan yang disebabkan oleh bakat M. Glinka, A. Dargomyzhsky, M. Mussorgsky, A. Borodin, N. Rimsky-Korsakov, P. Tchaikovsky dan lain-lain. Walau bagaimanapun, hanya beberapa yang dikurangkan kekal dalam cabang seni muzik ini.ciri-ciri genre asal: pergantungan pada melodi rakyat dan episod komedi individu. Secara keseluruhan, opera Rusia secara organik memasuki tradisi dunia umum opera klasik.

Arah kedua lebih jelas mengekalkan ciri-ciri khusus komedi. Ini adalah vaudeville Rusia, di mana dialog dan aksi menghiburkan, dibina berdasarkan tipu daya yang lucu, digabungkan dengan muzik, pantun dan tarian. Dalam erti kata tertentu, vaudeville Rusia boleh dianggap sebagai sejenis "genre ringan" operetta Eropah, tetapi ia mempunyai ciri tersendiri. Asas dramatik vaudeville bukanlah libretto, tetapi permainan yang direka dengan baik. Katakanlah, salah seorang pengarang Rusia pertama vaudeville ialah A. Griboyedov ( Keluarga sendiri, atau pengantin perempuan, dengan kerjasama A. Shakhovsky dan N. Khmelnitsky, 1817; Siapa abang, siapa kakak, atau Penipuan demi penipuan, dengan kerjasama P. Vyazemsky, 1923). A. Pisarev bekerja dalam genre vaudeville, kemudian - F. Koni, D. Lensky (vaudvillenya Lev Gurych Sinichkin dipentaskan hingga ke hari ini), V. Sollogub, P. Karatygin dan lain-lain. Oleh itu, asas vaudeville Rusia bukanlah muzikal, tetapi dramaturgi sastera, manakala muzik diberi peranan tambahan dalam kuplet yang disisipkan. Pada separuh kedua abad ke-19 A. Chekhov membuat sumbangannya kepada pembangunan vaudeville ( beruang,Tawaran,ulang tahun,Perkahwinan dll.), mengeluarkannya daripada kerangka statik genre dan memperkayakan watak watak.

Pada permulaan abad ke-20, percubaan untuk mengembangkan genre opera komik berdasarkan gabungan tradisi operetta dengan perkembangan psikologi watak yang terperinci telah dibuat di Rusia pada awal abad ke-20, termasuk oleh Teater Seni Moscow. . Jadi, V. Nemirovich-Danchenko pada tahun 1919 mencipta Studio Muzikal (Opera Komik) dan mengadakan Teater Seni Moscow dengan pelakonnya Anak perempuan Ango Lecoq dan perichole Offenbach, diputuskan sebagai "penggemar melodrama". Pada awal 20-an, Nemirovich-Danchenko mengadakan opera komik di sini Lysistrata Aristophanes, 1923; Carmencita dan askar itu, 1924.

Pada zaman Soviet, yang mengisytiharkan realisme sosialis sebagai prinsip utama seni, takrifan genre remeh "operetta" semakin bertopeng oleh "komedi muzik" neutral. Malah, dalam rangka istilah umum ini, terdapat banyak jenis - daripada operetta klasik kepada vaudeville yang tidak kurang klasik; daripada pendekatan jazz kepada muzikal ke opera zong Brechtian; malah "lawak yang menyedihkan", dsb.

Minat artis drama Rusia dalam teater muzik sentiasa sangat hebat: mereka tertarik dengan peluang untuk mencuba sendiri dalam genre baru, untuk mendedahkan kebolehan vokal dan plastik mereka. Pada masa yang sama, genre muzik sintetik tidak diragukan lagi sangat menarik: sekolah lakonan tradisional Rusia secara konsisten memupuk psikologi, yang tidak terlalu wajib untuk operetta atau vaudeville. Pemusnahan "Tirai Besi" dan membiasakan diri dengan aliran budaya global memberi Rusia peluang baru untuk pembangunan genre sintetik muzik, yang telah menakluki seluruh dunia pada masa itu. Dan hari ini, beberapa orang ingat bahawa sejarah genre muzik paling popular di dunia bermula pada separuh pertama abad ke-18. daripada opera komik.

Tatyana Shabalina

Opera ialah genre teater vokal bagi muzik klasik. Ia berbeza daripada teater drama klasik kerana para pelakon, yang juga membuat persembahan dikelilingi oleh pemandangan dan berpakaian, tidak bercakap, tetapi menyanyi di sepanjang jalan. Tindakan itu dibina di atas teks yang dipanggil libretto, dicipta berdasarkan karya sastera atau terutamanya untuk opera.

Itali adalah tempat kelahiran genre opera. Persembahan pertama telah dianjurkan pada tahun 1600 oleh pemerintah Florence, Medici, pada majlis perkahwinan anak perempuannya dengan raja Perancis.

Terdapat beberapa jenis genre ini. Opera serius muncul pada abad ke-17 dan ke-18. Keanehannya adalah daya tarikan kepada plot dari sejarah dan mitologi. Plot karya sebegitu sangat tepu dengan emosi dan kesedihan, arianya panjang, dan pemandangannya sangat indah.

Pada abad ke-18, penonton mula bosan dengan keangkuhan yang berlebihan, dan genre alternatif muncul, opera komik yang lebih ringan. Ia dicirikan oleh bilangan pelakon yang lebih kecil yang terlibat dan teknik "sembrono" yang digunakan dalam arias.

Pada penghujung abad yang sama, sebuah opera separa serius telah dilahirkan, yang mempunyai watak campuran antara genre serius dan komik. Karya-karya yang ditulis dalam vena ini sentiasa mempunyai pengakhiran yang bahagia, tetapi plot mereka sendiri adalah tragis dan serius.

Tidak seperti varieti sebelumnya yang muncul di Itali, opera besar yang dipanggil dilahirkan di Perancis pada 30-an abad ke-19. Karya-karya genre ini terutamanya ditujukan kepada tema sejarah. Di samping itu, struktur 5 lakonan adalah ciri, salah satunya adalah tarian dan banyak pemandangan.

Opera-ballet muncul di negara yang sama pada pergantian abad ke-17-18 di istana diraja Perancis. Persembahan dalam genre ini dibezakan oleh plot yang tidak koheren dan produksi berwarna-warni.

Perancis juga merupakan tempat kelahiran operetta. Sederhana dalam makna, menghiburkan dalam kandungan, karya dengan muzik ringan dan barisan kecil pelakon mula dipentaskan pada abad ke-19.

Opera romantik berasal dari Jerman pada abad yang sama. Ciri ciri utama genre adalah plot romantis.

Opera yang paling popular pada zaman kita termasuk La Traviata oleh Giuseppe Verdi, La bohème oleh Giacomo Puccini, Carmen oleh Georges Bizet dan, dari yang domestik, Eugene Onegin oleh P.I. Tchaikovsky.

Pilihan 2

Opera adalah bentuk seni yang merangkumi gabungan muzik, nyanyian, persembahan, lakonan yang mahir. Selain itu, pemandangan digunakan dalam opera, menghias pentas untuk menyampaikan kepada penonton suasana di mana aksi ini berlaku.

Selain itu, untuk pemahaman rohani penonton tentang babak yang dimainkan, watak utama di dalamnya adalah pelakon nyanyian, dia dibantu oleh kumpulan brass yang diketuai oleh seorang konduktor. Kreativiti jenis ini sangat mendalam dan pelbagai rupa, pertama kali muncul di Itali.

Opera telah melalui banyak perubahan sebelum ia datang kepada kita dalam imej ini, dalam beberapa karya ada saat-saat dia menyanyi, menulis puisi, tidak dapat berbuat apa-apa tanpa penyanyi yang menentukan syaratnya kepadanya.

Kemudian tiba masanya apabila tiada siapa yang mendengar teks itu sama sekali, semua penonton hanya memandang kepada pelakon nyanyian dan pada pakaian yang cantik. Dan pada peringkat ketiga, kami mendapat jenis opera yang biasa kami lihat dan dengar di dunia moden.

Dan hanya sekarang kami telah memilih keutamaan utama dalam aksi ini, namun muzik didahulukan, kemudian aria pelakon, dan hanya kemudian teks. Lagipun, dengan bantuan seorang aria, kisah hero-hero drama itu diceritakan. Sehubungan itu, aria utama pelakon adalah sama dengan monolog dalam dramaturgi.

Tetapi semasa aria, kami juga mendengar muzik yang sepadan dengan monolog ini, membolehkan kami merasakan dengan lebih jelas keseluruhan aksi yang dimainkan di atas pentas. Di samping tindakan sedemikian, terdapat juga opera yang dibina sepenuhnya berdasarkan kenyataan yang lantang dan ikhlas, digabungkan dengan muzik. Monolog sebegini dipanggil recitatif.

Sebagai tambahan kepada aria dan recitatif, terdapat paduan suara dalam opera, dengan bantuan yang mana banyak baris aktif dihantar. Terdapat juga orkestra dalam opera; tanpanya, opera tidak akan menjadi seperti sekarang.

Sesungguhnya, terima kasih kepada orkestra, muzik yang sepadan berbunyi, yang mewujudkan suasana tambahan dan membantu untuk mendedahkan keseluruhan makna permainan. Jenis seni ini berasal pada akhir abad ke-16. Opera berasal dari Itali, di bandar Florence, di mana mitos Yunani kuno dipentaskan buat kali pertama.

Dari saat pembentukannya, plot mitologi digunakan terutamanya dalam opera, kini repertoirnya sangat luas dan pelbagai. Pada abad ke-19, seni ini mula diajar di sekolah khas. Terima kasih kepada latihan ini, dunia telah melihat ramai orang terkenal.

Opera ini ditulis berdasarkan pelbagai drama, novel, cerpen dan drama yang diambil dari kesusasteraan semua negara di dunia. Selepas skrip muzik ditulis, ia dikaji oleh konduktor, orkestra, koir. Dan pelakon mengajar teks, kemudian menyediakan pemandangan, menjalankan latihan.

Dan kini, selepas kerja semua orang ini, persembahan opera dilahirkan untuk tontonan, yang ramai orang datang untuk menonton.

  • Vasily Zhukovsky - laporan mesej

    Vasily Andreevich Zhukovsky, salah seorang penyair terkenal abad ke-18 dalam arah sentimentalisme dan romantisme, cukup popular pada zaman itu.

    Pada masa ini, masalah memelihara ekologi planet kita amat meruncing. Kemajuan teknologi, pertumbuhan penduduk Bumi, peperangan berterusan dan revolusi perindustrian, transformasi alam semula jadi dan pengembangan ekumen tidak dapat dielakkan

Popular dalam kategori:
Punca lebam bawah mata Lebam abadi bawah mata
Punca lebam bawah mata Lebam abadi bawah mata
membaca
Punca pemberontakan: Pembaharuan dan transformasi Peter I dilakukan secara paksa, (perubahan dalam cara dan kadar kehidupan) Baru
Punca pemberontakan: Pembaharuan dan transformasi Peter I telah dilakukan ...
membaca
Sekolah Pemerintah Tinggi Tentera Kazan Sekolah Kereta Kebal Tentera Tinggi Kazan
Sekolah Pemerintah Tinggi Tentera Kazan Tinggi...
membaca
Peringkat utama dalam sejarah negara-negara Baltik: pembentukan tradisi politik Apa yang berlaku untuk Baltik
Peringkat utama dalam sejarah Negara Baltik: pembentukan politik...
membaca

artikel terbaru
Plat buku. Apa itu exlibris? ada apa...
membaca
Konsep, pengurusan, pembaharuan undang-undang dan...
membaca
Laluan daripada orang Varangian kepada orang Yunani dan "daripada orang Yunani kepada orang Varangian
membaca
Jawatankuasa rahsia Alexander I
membaca
Perjanjian Rusia-Byzantine Perjanjian dengan Yunani...
membaca
Makna dan asal usul perkataan
membaca
Masa penetapan mortar simen
membaca
Armada Pasifik dan Flotilla Amur di...
membaca
Atas