rumah › Sistem brek › Dramaturgi sebagai sejenis sastera. Genre sastera epik

Dramaturgi sebagai sejenis sastera. Genre sastera epik

Drama(δρᾶμα - perbuatan, tindakan) - salah satu daripada tiga jenis sastera, bersama-sama dengan epik dan lirik, pada masa yang sama tergolong dalam dua jenis seni: sastera dan teater.

Bertujuan untuk dimainkan di atas pentas, drama berbeza secara formal daripada puisi epik dan lirik kerana teks di dalamnya dipersembahkan dalam bentuk replika watak dan ucapan pengarang dan, sebagai peraturan, dibahagikan kepada aksi dan fenomena. Mana-mana karya sastera yang dibina dalam bentuk dialog, termasuk komedi, tragedi, drama (sebagai genre), sandiwara, vaudeville, dll., merujuk kepada drama dalam satu cara atau yang lain.

Sejak zaman dahulu, ia telah wujud dalam cerita rakyat atau bentuk sastera di kalangan pelbagai bangsa; secara bebas antara satu sama lain, orang Yunani purba, India purba, Cina, Jepun, dan India Amerika mencipta tradisi dramatik mereka sendiri.

Secara harfiah diterjemahkan dari bahasa Yunani kuno, drama bermaksud "tindakan".

Jenis drama (genre dramatik)

tragedi
drama jenayah
drama dalam ayat
melodrama
hierodrama
misteri
komedi
vaudeville

Sejarah drama

Asas-asas drama - dalam puisi primitif, di mana unsur-unsur lirik, epik dan drama yang muncul kemudiannya bergabung dalam kaitan dengan muzik dan gerakan meniru. Terdahulu daripada kalangan orang lain, drama sebagai jenis puisi yang istimewa telah dibentuk di kalangan orang Hindu dan Yunani.

Drama Yunani, yang mengembangkan plot agama dan mitologi yang serius (tragedi) dan lucu yang diambil dari kehidupan moden (komedi), mencapai kesempurnaan yang tinggi dan pada abad ke-16 adalah model untuk drama Eropah, yang sehingga masa itu tanpa seni memproses plot sekular agama dan naratif. (misteri, drama sekolah dan selingan, fastnachtspiel, sottises).

Penulis drama Perancis, meniru orang Yunani, dengan tegas mematuhi peruntukan tertentu yang dianggap tidak berubah-ubah untuk martabat estetik drama, seperti: perpaduan masa dan tempat; tempoh episod yang digambarkan di atas pentas tidak boleh melebihi satu hari; tindakan mesti berlaku di tempat yang sama; drama harus berkembang dengan betul dalam 3-5 lakonan, daripada plot (mencari kedudukan awal dan watak watak-watak) melalui perubahan pertengahan (perubahan dalam kedudukan dan hubungan) kepada denouement (biasanya bencana); bilangan pelakon adalah sangat terhad (biasanya 3 hingga 5); mereka secara eksklusif adalah wakil tertinggi masyarakat (raja, permaisuri, putera dan puteri) dan hamba terdekat mereka, orang kepercayaan, yang diperkenalkan ke atas pentas untuk kemudahan menjalankan dialog dan membuat ucapan. Ini adalah ciri utama drama klasik Perancis (Corneille, Racine).

Ketegasan keperluan gaya klasik sudah kurang dihormati dalam komedi (Molière, Lope de Vega, Beaumarchais), yang secara beransur-ansur beralih dari konvensional kepada gambaran kehidupan biasa (genre). Karya Shakespeare, bebas daripada konvensyen klasik, membuka laluan baharu untuk drama. Penghujung abad ke-18 dan separuh pertama abad ke-19 ditandai dengan kemunculan drama romantis dan nasional: Lessing, Schiller, Goethe, Hugo, Kleist, Grabbe.

Pada separuh kedua abad ke-19, realisme berlaku dalam drama Eropah (anak Dumas, Ogier, Sardou, Paleron, Ibsen, Zuderman, Schnitzler, Hauptmann, Beyerlein).

Pada suku terakhir abad ke-19, di bawah pengaruh Ibsen dan Maeterlinck, simbolisme mula menguasai pemandangan Eropah (Hauptmann, Przybyszewski, Bar, D'Annunzio, Hofmannsthal).

Lihat lagi Drama Asal

Drama di Rusia

Drama dibawa ke Rusia dari Barat pada akhir abad ke-17. Sastera dramatik bebas hanya muncul pada akhir abad ke-18. Sehingga suku pertama abad ke-19, arah klasik diutamakan dalam drama, baik dalam tragedi mahupun dalam komedi dan opera komedi; pengarang terbaik: Lomonosov, Knyaznin, Ozerov; Percubaan I. Lukin untuk menarik perhatian penulis drama kepada penggambaran kehidupan dan adat Rusia tetap sia-sia: semua drama mereka tidak bermaya, kaku dan asing dengan realiti Rusia, kecuali untuk "Undergrowth" dan "The Brigadier" Fonvizin yang terkenal, " The Yabeda" Kapnis dan beberapa komedi oleh I. A. Krylov .

Pada awal abad ke-19, Shakhovskoy, Khmelnitsky, Zagoskin menjadi peniru drama dan komedi Perancis ringan, dan Dollmaker adalah wakil dari drama patriotik yang kaku. Komedi Griboedov Woe from Wit, kemudian Inspektor Jeneral Gogol, Perkahwinan, menjadi asas drama harian Rusia. Selepas Gogol, walaupun di vaudeville (D. Lensky, F. Koni,

Karya dramatik (tindakan gr. lain), seperti karya epik, mencipta semula siri peristiwa, tindakan orang dan hubungan mereka. Seperti pengarang karya epik, penulis drama tertakluk kepada "undang-undang untuk membangunkan tindakan." Tetapi tidak ada imej naratif-deskriptif yang terperinci dalam drama itu.

Sebenarnya, ucapan penulis di sini bersifat bantu dan episodik. Begitulah senarai pelakon, kadangkala disertai dengan ciri-ciri ringkas, penetapan masa dan tempat tindakan; penerangan tentang situasi pentas pada permulaan lakonan dan episod, serta ulasan mengenai replika individu watak dan petunjuk pergerakan, gerak isyarat, ekspresi muka, intonasi (komentar) mereka.

Semua ini membentuk teks sampingan karya dramatik.Teks utamanya ialah rangkaian pernyataan watak, replika dan monolognya.

Oleh itu beberapa kemungkinan artistik drama yang terhad. Penulis-penulis drama hanya menggunakan sebahagian daripada cara visual yang tersedia untuk pencipta novel atau epik, cerpen atau cerpen. Dan watak-watak watak didedahkan dalam drama dengan kurang kebebasan dan kepenuhan berbanding dalam epik. "Saya menganggap drama itu," kata T. Mann, "sebagai seni bayang, dan saya merasakan hanya orang yang diberitahu sebagai imej yang besar, integral, nyata dan plastik."

Pada masa yang sama, penulis drama, tidak seperti pengarang karya epik, terpaksa mengehadkan diri mereka kepada jumlah teks lisan yang memenuhi keperluan seni teater. Masa aksi yang digambarkan dalam drama mesti sesuai dengan kerangka ketat masa pentas.

Dan persembahan dalam bentuk yang biasa dengan teater Eropah baharu berlangsung, seperti yang anda ketahui, tidak lebih daripada tiga atau empat jam. Dan ini memerlukan saiz teks dramatik yang sesuai.

Masa peristiwa yang diterbitkan semula oleh penulis drama semasa episod pentas tidak dimampatkan atau diregangkan; watak-watak drama bertukar-tukar ucapan tanpa sebarang selang masa yang ketara, dan kenyataan mereka, seperti yang dinyatakan oleh K.S. Stanislavsky, membentuk garis yang kukuh dan berterusan.

Jika dengan bantuan penceritaan aksi itu dicetak sebagai sesuatu yang lampau, maka rangkaian dialog dan monolog dalam drama itu mewujudkan ilusi masa kini. Kehidupan di sini bercakap seolah-olah dari wajahnya sendiri: antara apa yang digambarkan dan pembaca tidak ada perantara-perawi.

Aksi itu dicipta semula dalam drama dengan segera yang maksimum. Ia mengalir seolah-olah di hadapan mata pembaca. “Semua bentuk naratif,” tulis F. Schiller, “memindahkan masa kini ke masa lalu; semua dramatik menjadikan masa lalu kini."

Drama berorientasikan pentas. Dan teater adalah seni massa awam. Prestasi itu secara langsung mempengaruhi ramai orang, seolah-olah bergabung menjadi satu sebagai tindak balas kepada apa yang berlaku sebelum mereka.

Tujuan drama, menurut Pushkin, adalah untuk bertindak atas orang ramai, untuk memenuhi rasa ingin tahunya" dan untuk tujuan ini menangkap "kebenaran nafsu": "Drama dilahirkan di dataran dan merupakan hiburan orang ramai. Rakyat, seperti kanak-kanak, memerlukan hiburan, tindakan. Drama itu memberikannya kejadian yang luar biasa dan pelik. Orang mahukan perasaan yang kuat. Ketawa, kasihan dan seram adalah tiga rentetan imaginasi kita, digoncang oleh seni dramatik.

Genre kesusasteraan dramatik amat berkait rapat dengan sfera ketawa, kerana teater itu disatukan dan dibangunkan berkait rapat dengan perayaan besar-besaran, dalam suasana bermain dan menyeronokkan. "Genre komik adalah universal untuk zaman dahulu," kata O. M. Freidenberg.

Perkara yang sama adalah benar untuk mengatakan tentang teater dan drama negara dan era lain. T. Mann betul apabila dia memanggil "naluri pelawak" "prinsip asas mana-mana kemahiran dramatik."

Tidak menghairankan bahawa drama cenderung kepada persembahan luar biasa tentang apa yang digambarkan. Imejnya ternyata hiperbola, menarik, teater dan cerah. "Teater memerlukan garis lebar yang dibesar-besarkan baik dalam suara, bacaan, dan dalam gerak isyarat," tulis N. Boileau. Dan sifat seni pentas ini selalu meninggalkan kesan pada tingkah laku wira karya dramatik.

"Bagaimana dia berlakon dalam teater," Bubnov (At the Bottom oleh Gorky) mengulas tentang omelan kegilaan Klesh yang terdesak, yang, dengan pencerobohan yang tidak dijangka ke dalam perbualan umum, memberikan kesan teater.

Yang ketara (sebagai ciri jenis kesusasteraan dramatik) adalah celaan Tolstoy terhadap W. Shakespeare kerana banyaknya hiperbola, kerana itu, seolah-olah, "kemungkinan kesan artistik dilanggar." "Dari perkataan pertama," dia menulis tentang tragedi "King Lear", "seseorang dapat melihat keterlaluan: keterlaluan peristiwa, keterlaluan perasaan dan keterlaluan ekspresi."

L. Tolstoy salah dalam menilai karya Shakespeare, tetapi idea tentang komitmen penulis drama Inggeris yang hebat terhadap hiperbola teater adalah wajar sepenuhnya. Apa yang telah dikatakan tentang "King Lear" tanpa sebab yang kurang boleh dikaitkan dengan komedi dan tragedi purba, karya dramatik klasikisme, dengan lakonan F. Schiller dan V. Hugo, dsb.

Pada abad ke-19-20, apabila keinginan untuk keaslian duniawi menguasai kesusasteraan, konvensyen yang wujud dalam drama menjadi kurang jelas, selalunya ia dikurangkan kepada minimum. Pada asal-usul fenomena ini adalah apa yang dipanggil "drama borjuasi kecil" abad ke-18, pencipta dan ahli teorinya ialah D. Diderot dan G.E. Kurang.

Karya penulis drama terbesar Rusia abad XIX. dan permulaan abad ke-20 - A.N. Ostrovsky, A.P. Chekhov dan M. Gorky - dibezakan oleh kebolehpercayaan bentuk kehidupan yang dicipta semula. Tetapi walaupun pengarang drama memusatkan perhatian mereka pada kebolehpercayaan, plot, psikologi, dan hiperbola sebenarnya berterusan.

Konvensyen teater membuatkan diri mereka terasa walaupun dalam dramaturgi Chekhov, yang merupakan had maksimum "keserupaan kehidupan". Mari kita lihat adegan terakhir The Three Sisters. Seorang wanita muda berpisah dengan orang yang disayangi sepuluh atau lima belas minit yang lalu, mungkin selama-lamanya. Lagi lima minit lepas mendapat tahu tentang kematian tunangnya. Dan kini mereka, bersama-sama dengan sulung, kakak ketiga, merumuskan hasil moral dan falsafah masa lalu, memikirkan bunyi perarakan tentera tentang nasib generasi mereka, tentang masa depan umat manusia.

Tidak mustahil untuk membayangkan ini berlaku dalam realiti. Tetapi kami tidak perasan kemustahilan pengakhiran The Three Sisters, kerana kami sudah terbiasa dengan fakta bahawa drama itu secara signifikan mengubah bentuk kehidupan orang ramai.

Perkara di atas meyakinkan keadilan penghakiman A. S. Pushkin (dari artikelnya yang telah disebutkan) bahawa "intipati seni dramatik tidak termasuk kebolehpercayaan"; “Membaca sajak, novel, kita sering lupa diri dan percaya kejadian yang diterangkan bukan rekaan, tetapi kebenaran.

Dalam ode, dalam elegi, kita boleh berfikir bahawa penyair menggambarkan perasaan sebenar beliau, dalam keadaan sebenar. Tetapi di manakah kredibiliti dalam sebuah bangunan yang terbahagi kepada dua bahagian, yang mana satu dipenuhi dengan penonton yang telah bersetuju.

Peranan yang paling penting dalam karya dramatik tergolong dalam konvensyen pengungkapan diri pertuturan watak-watak, yang dialog dan monolognya, sering tepu dengan kata-kata mutiara dan pepatah, ternyata jauh lebih luas dan berkesan daripada ucapan yang boleh diucapkan dalam situasi kehidupan yang serupa.

Replika "ketepikan" adalah konvensional, yang, seolah-olah, tidak wujud untuk watak lain di atas pentas, tetapi jelas boleh didengari oleh penonton, serta monolog yang diucapkan oleh watak sahaja, bersendirian dengan diri mereka sendiri, yang merupakan pentas semata-mata teknik untuk mengeluarkan ucapan batin (terdapat banyak monolog seperti dalam tragedi purba, dan dalam dramaturgi zaman moden).

Penulis drama, menyediakan sejenis eksperimen, menunjukkan bagaimana seseorang itu akan menyatakan dirinya jika dia menyatakan perasaannya dengan penuh dan kecerahan maksimum dalam kata-kata yang diucapkan. Dan pertuturan dalam karya dramatik selalunya mempunyai persamaan dengan ucapan lirik atau pidato artistik: watak-watak di sini cenderung untuk mengekspresikan diri mereka sebagai penyair improvisasi atau mahir pengucapan awam.

Oleh itu, Hegel sebahagiannya betul, menganggap drama itu sebagai sintesis permulaan epik (kejadian) dan lirik (ungkapan ucapan).

Drama mempunyai, seolah-olah, dua kehidupan dalam seni: teater dan sastera. Mewujudkan asas dramatik persembahan, yang wujud dalam komposisi mereka, karya dramatik itu juga dilihat oleh orang ramai yang membaca.

Tetapi ini tidak selalu berlaku. Pembebasan drama dari pentas telah dijalankan secara beransur-ansur - selama beberapa abad dan berakhir secara relatif baru-baru ini: pada abad ke-18-19. Contoh-contoh drama yang terkenal di dunia (dari zaman dahulu hingga abad ke-17) pada masa penciptaannya secara praktikal tidak diiktiraf sebagai karya sastera: ia hanya wujud sebagai sebahagian daripada seni persembahan.

Baik W. Shakespeare mahupun J. B. Molière tidak dianggap oleh rakan seangkatan mereka sebagai penulis. Peranan penting dalam mengukuhkan idea drama sebagai karya yang bertujuan bukan sahaja untuk pengeluaran pentas, tetapi juga untuk membaca, dimainkan oleh "penemuan" pada separuh kedua abad ke-18 Shakespeare sebagai penyair dramatik yang hebat.

Pada abad ke-19 (terutama pada separuh masa pertamanya) kelebihan sastera drama itu sering diletakkan di atas yang indah. Jadi, Goethe percaya bahawa "karya Shakespeare bukan untuk mata badan", dan Griboyedov memanggil keinginannya untuk mendengar ayat-ayat "Woe from Wit" dari pentas "kebudak-budakan".

Apa yang dipanggil Lesedrama (drama untuk membaca), yang dicipta dengan tumpuan terutamanya pada persepsi dalam membaca, telah tersebar luas. Begitulah Faust Goethe, karya dramatik Byron, tragedi kecil Pushkin, drama Turgenev, yang penulis katakan: "Lakonan saya, tidak memuaskan di atas pentas, mungkin menarik untuk dibaca."

Tiada perbezaan asas antara Lesedrama dan drama, yang pengarangnya berorientasikan produksi pentas. Drama yang dicipta untuk dibaca selalunya merupakan drama pentas. Dan teater (termasuk yang moden) berdegil mencari dan kadang-kadang mencari kunci kepada mereka, buktinya ialah produksi berjaya "Sebulan di Negara" Turgenev (pertama sekali, ini adalah persembahan pra-revolusioner yang terkenal Teater Seni) dan banyak (walaupun jauh dari sentiasa berjaya) bacaan pentas tragedi kecil Pushkin pada abad ke-20.

Kebenaran lama tetap berkuat kuasa: yang paling penting, tujuan utama drama adalah pentas. "Hanya apabila dipersembahkan di atas pentas," A. N. Ostrovsky menyatakan, "fiksyen dramatik pengarang mengambil bentuk yang lengkap dan menghasilkan tindakan moral yang ditetapkan oleh pengarang sendiri sebagai matlamat untuk dicapai."

Penciptaan persembahan berdasarkan karya dramatik dikaitkan dengan penyiapan kreatifnya: pelakon mencipta lukisan intonasi-plastik peranan yang mereka mainkan, artis mereka bentuk ruang pentas, pengarah mengembangkan mise-en-scenes. Dalam hal ini, konsep permainan agak berubah (lebih banyak perhatian diberikan kepada beberapa aspeknya, kurang perhatian kepada yang lain), ia sering dikonkritkan dan diperkaya: pengeluaran pentas memperkenalkan warna semantik baru ke dalam drama.

Pada masa yang sama, prinsip pembacaan setia sastera adalah amat penting bagi teater. Pengarah dan pelakon diminta untuk menyampaikan karya yang dipentaskan kepada penonton dengan kesempurnaan yang maksimum. Kesetiaan pembacaan pentas berlaku apabila pengarah dan pelakon memahami karya dramatik dalam kandungan utama, genre dan ciri gayanya.

Penerbitan pentas (serta adaptasi filem) adalah sah hanya dalam kes-kes di mana terdapat persetujuan (walaupun relatif) antara pengarah dan pelakon dan bulatan idea penulis drama, apabila tokoh-tokoh pentas dengan teliti memperhatikan maksud karya berperingkat, kepada ciri-ciri genrenya, ciri-ciri gayanya dan kepada teks itu sendiri.

Dalam estetika klasik abad ke-18-19, khususnya oleh Hegel dan Belinsky, drama (terutamanya genre tragedi) dianggap sebagai bentuk kreativiti sastera tertinggi: sebagai "mahkota puisi".

Seluruh siri zaman artistik, sebenarnya, memanifestasikan dirinya terutamanya dalam seni dramatik. Aeschylus dan Sophocles pada zaman kegemilangan budaya purba, Moliere, Racine dan Corneille pada zaman klasikisme tidak ada tandingannya di kalangan pengarang karya epik.

Yang penting dalam hal ini ialah karya Goethe. Bagi penulis Jerman yang hebat, semua genre sastera tersedia, tetapi dia menobatkan hidupnya dalam seni dengan penciptaan karya dramatik - Faust yang abadi.

Pada abad yang lalu (sehingga abad ke-18), drama bukan sahaja berjaya bersaing dengan epik, tetapi sering menjadi bentuk utama pembiakan artistik kehidupan dalam ruang dan masa.

Ini disebabkan oleh beberapa sebab. Pertama, seni teater memainkan peranan yang besar, boleh diakses (tidak seperti buku tulisan tangan dan bercetak) kepada lapisan masyarakat yang paling luas. Kedua, sifat-sifat karya dramatik (penggambaran watak-watak dengan ciri-ciri yang jelas, pembiakan nafsu manusia, tarikan kepada kesedihan dan pelik) dalam era "pra-realis" sepenuhnya sepadan dengan aliran sastera umum dan artistik umum.

Dan walaupun pada abad XIX-XX. novel sosio-psikologi, genre kesusasteraan epik, berpindah ke barisan hadapan sastera; karya dramatik masih mendapat tempat penghormatan.

V.E. Teori Kesusasteraan Khalizev. 1999

Tragedi(dari Gr. Tragos - kambing dan ode - lagu) - salah satu jenis drama, yang berdasarkan konflik yang tidak dapat didamaikan dari keperibadian yang luar biasa dengan keadaan luaran yang tidak dapat diatasi. Biasanya hero mati (Romeo and Juliet, Shakespeare's Hamlet). Tragedi itu berasal dari Greece purba, nama itu berasal dari persembahan rakyat sebagai penghormatan kepada tuhan pembuat wain Dionysus. Tarian, lagu dan cerita tentang penderitaannya dipersembahkan, pada penghujungnya seekor kambing dikorbankan.

Komedi(dari Gr. comoidia. Comos - orang ramai yang ceria dan ode - lagu) - sejenis kehendak dramatik, yang menggambarkan komik dalam kehidupan sosial, tingkah laku dan watak orang. Bezakan antara komedi situasi (intrik) dan komedi watak.

Drama - sejenis dramaturgi, perantaraan antara tragedi dan komedi (Ribut petir oleh A. Ostrovsky, Stolen Happiness oleh I. Franko). Drama terutamanya menggambarkan kehidupan peribadi seseorang dan konflik akutnya dengan masyarakat. Pada masa yang sama, penekanan sering diberikan kepada percanggahan manusia sejagat yang terkandung dalam tingkah laku dan tindakan watak tertentu.

Misteri(dari Gr. mysterion - sakramen, perkhidmatan keagamaan, upacara) - genre teater keagamaan massa akhir Zaman Pertengahan (abad XIV-XV), biasa di negara-negara Nvrotta Barat.

Tayangan sampingan(dari lat. intermedius - apa yang ada di tengah) - lakonan komik kecil atau adegan yang dilakukan antara aksi drama utama. Dalam seni pop moden, ia wujud sebagai genre bebas.

Vaudeville(dari French vaudeville) sebuah drama komik ringan di mana aksi dramatik digabungkan dengan muzik dan tarian.

Melodrama - permainan dengan tipu daya yang tajam, emosi yang keterlaluan dan kecenderungan moral dan didaktik. Lazim untuk melodrama adalah "pengakhiran yang bahagia", kejayaan yang indah. Genre melodrama telah popular pada abad ke-18 dan ke-19, dan kemudiannya memperoleh reputasi negatif.

Sandiwara(dari bahasa Latin farcio saya mula, saya isi) ialah komedi rakyat Eropah Barat abad ke-14-16, yang berasal daripada permainan ritual lucu dan selingan. Lelucon itu dicirikan oleh ciri-ciri utama perwakilan popular watak massa, orientasi satira, humor kasar. Pada zaman moden, genre ini telah memasuki repertoir teater kecil.

Seperti yang dinyatakan, kaedah perwakilan sastera sering dicampur dalam jenis dan genre individu. Kekeliruan ini terdiri daripada dua jenis: dalam beberapa kes terdapat sejenis interspersing, apabila ciri generik utama dipelihara; dalam yang lain, prinsip generik adalah seimbang, dan karya itu tidak boleh dikaitkan sama ada kepada epik, atau kepada pendeta, atau kepada drama, akibatnya ia dipanggil formasi bersebelahan atau campuran. Selalunya, epik dan lirik bercampur.

Balada(dari Provence ballar - untuk menari) - karya puitis kecil dengan plot dramatik cinta yang tajam, legenda-sejarah, heroik-patriotik atau kandungan dongeng. Imej peristiwa digabungkan di dalamnya dengan perasaan pengarang yang jelas, epik digabungkan dengan lirik. Genre ini menjadi meluas dalam era romantisme (V. Zhukovsky, A. Pushkin, M. Lermontov, T. Shevchenko dan lain-lain).

Puisi epik lirik- karya puisi di mana, menurut V. Mayakovsky, penyair bercakap tentang masa dan tentang dirinya (puisi oleh V. Mayakovsky, A. Tvardovsky, S. Yesenin, dll.).

puisi dramatik- karya yang ditulis dalam bentuk dialog, tetapi tidak bertujuan untuk pementasan di atas pentas. Contoh genre ini: "Faust" oleh Goethe, "Cain" oleh Byron, "In the Catacombs" oleh L. Ukrainka dan lain-lain.

Semua ini membentuk teks sampingan karya dramatik. Teks utamanya ialah rangkaian pernyataan watak, replika dan monolog mereka.

Oleh itu beberapa kemungkinan artistik drama yang terhad. Penulis-penulis drama hanya menggunakan sebahagian daripada cara visual yang tersedia untuk pencipta novel atau epik, cerpen atau cerpen. Dan watak-watak watak didedahkan dalam drama dengan kurang kebebasan dan kepenuhan berbanding dalam epik. "Saya menganggap drama itu," kata T. Mann, "sebagai seni siluet, dan saya hanya merasakan orang yang diceritakan sebagai imej yang besar, integral, nyata dan plastik."

Drama berorientasikan pentas. Teater ialah seni massa awam. Prestasi itu secara langsung mempengaruhi ramai orang, seolah-olah bergabung menjadi satu sebagai tindak balas kepada apa yang berlaku sebelum mereka.

Genre kesusasteraan dramatik amat berkait rapat dengan sfera ketawa, kerana teater itu disatukan dan dibangunkan berkaitan rapat dengan perayaan besar-besaran, dalam suasana bermain dan menyeronokkan. "Genre komik adalah universal untuk zaman dahulu," kata O. M. Freidenberg.

Perkara yang sama adalah benar untuk mengatakan tentang teater dan drama negara dan era lain. T. Mann betul apabila dia memanggil "naluri pelawak" "prinsip asas mana-mana kemahiran dramatik."

"Bagaimana dia berlakon dalam teater," Bubnov (At the Bottom oleh Gorky) mengulas tentang omelan kegilaan Klesch yang terdesak, yang, dengan pencerobohan yang tidak dijangka ke dalam perbualan umum, memberikan kesan teater.

Oleh itu, Hegel sebahagiannya betul, menganggap drama itu sebagai sintesis permulaan epik (kejadian) dan lirik (ungkapan ucapan).

Penciptaan persembahan berdasarkan karya dramatik dikaitkan dengan penyiapan kreatifnya: pelakon mencipta lukisan intonasi-plastik peranan yang mereka mainkan, artis mereka bentuk ruang pentas, pengarah mengembangkan mise-en-scenes. Dalam hal ini, konsep permainan agak berubah (lebih banyak perhatian diberikan kepada beberapa sisinya, kurang perhatian kepada yang lain), ia sering dikonkritkan dan diperkaya: pengeluaran pentas memperkenalkan warna semantik baru ke dalam drama.

Dalam estetika klasik abad ke-18-19, khususnya oleh Hegel dan Belinsky, drama (terutamanya genre tragedi) dianggap sebagai bentuk kreativiti sastera tertinggi: sebagai "mahkota puisi".

Yang penting dalam hal ini ialah karya Goethe. Semua genre sastera tersedia untuk penulis Jerman yang hebat, tetapi dia menobatkan hidupnya dalam seni dengan penciptaan karya dramatik - Faust yang abadi.

Pada abad yang lalu (sehingga abad ke-18), drama bukan sahaja berjaya bersaing dengan epik, tetapi sering menjadi bentuk utama pembiakan artistik kehidupan dalam ruang dan masa.

Dan walaupun pada abad XIX-XX. novel sosio-psikologi, genre kesusasteraan epik, berpindah ke barisan hadapan sastera; karya dramatik masih mendapat tempat penghormatan.

V.E. Teori Kesusasteraan Khalizev. 1999

Drama (drama Yunani lain - aksi) adalah sejenis kesusasteraan yang mencerminkan kehidupan dalam tindakan yang berlaku pada masa kini.

Karya drama bertujuan untuk dipentaskan, ini menentukan ciri khusus drama:

1) ketiadaan imej naratif-deskriptif;

3) teks utama karya dramatik dipersembahkan dalam bentuk replika watak (monolog dan dialog);

4) drama sebagai sejenis sastera tidak mempunyai kepelbagaian cara artistik dan visual seperti epik: ucapan dan perbuatan adalah cara utama untuk mencipta imej seorang pahlawan;

5) kelantangan teks dan tempoh tindakan dihadkan oleh rangka kerja pentas;

6) keperluan seni persembahan menentukan ciri drama seperti keterlaluan (hiperbolisasi): "melebih-lebihkan peristiwa, melebih-lebihkan perasaan dan melebih-lebihkan ekspresi" (L.N. Tolstoy) - dengan kata lain, pertunjukan teater, meningkat ekspresif; penonton drama itu merasakan syarat apa yang berlaku, yang dikatakan dengan baik oleh A.S. Pushkin: "Intipati seni dramatik mengecualikan kebolehpercayaan... apabila membaca puisi, novel, kita sering lupa diri dan percaya bahawa kejadian yang diterangkan bukan fiksyen, tetapi kebenaran. Dalam ode, dalam elegi, kita boleh berfikir bahawa penyair menggambarkan perasaan sebenar beliau, dalam keadaan sebenar. Tetapi di manakah kredibiliti dalam sesebuah bangunan terbahagi kepada dua bahagian, yang mana satu dipenuhi dengan penonton yang telah bersetuju dsb.

Drama (Yunani kuno δρᾶμα - lakonan, tindakan) - salah satu daripada tiga jenis kesusasteraan, bersama dengan epik dan lirik, pada masa yang sama tergolong dalam dua jenis seni: kesusasteraan dan teater. Bertujuan untuk dimainkan di atas pentas, drama berbeza secara formal daripada puisi epik dan lirik kerana teks di dalamnya dipersembahkan dalam bentuk replika watak dan ucapan pengarang dan, sebagai peraturan, dibahagikan kepada aksi dan fenomena. Mana-mana karya sastera yang dibina dalam bentuk dialog, termasuk komedi, tragedi, drama (sebagai genre), sandiwara, vaudeville, dll., merujuk kepada drama dalam satu cara atau yang lain.

Secara harfiah diterjemahkan dari bahasa Yunani kuno, drama bermaksud "tindakan".

Jenis drama drama tragedi (genre) drama untuk membaca (bermain untuk membaca)

Melodrama hierodrama misteri lawak vaudeville sandiwara zaju

Sejarah drama Asas-asas drama - dalam puisi primitif, di mana unsur-unsur lirik, epik dan drama yang muncul kemudiannya bergabung dalam kaitan dengan muzik dan gerakan meniru. Terdahulu daripada kalangan orang lain, drama sebagai jenis puisi yang istimewa telah dibentuk di kalangan orang Hindu dan Yunani.

Tarian Dionysian

Pada separuh kedua abad ke-19, realisme mengambil alih dalam drama Eropah (anak Dumas, Ogier, Sardou, Paleron, Ibsen, Suderman, Schnitzler, Hauptmann, Beyerlein).

Pada suku terakhir abad ke-19, di bawah pengaruh Ibsen dan Maeterlinck, simbolisme mula menguasai pemandangan Eropah (Hauptmann, Przybyszewski, Bar, D'Annunzio, Hofmannsthal).

Reka bentuk karya dramatik Tidak seperti karya prosa dan puisi yang lain, karya dramatik mempunyai struktur yang jelas. Karya dramatik terdiri daripada blok teks yang berselang-seli, setiap satu dengan tujuannya sendiri, dan diserlahkan dengan tipografi supaya mudah dibezakan antara satu sama lain. Teks dramatik mungkin termasuk blok berikut:

Senarai watak biasanya terletak sebelum teks utama karya. Di dalamnya, jika perlu, penerangan ringkas tentang wira diberikan (umur, ciri penampilan, dll.)

Ucapan luaran - penerangan tentang tindakan, situasi, penampilan dan pemergian watak. Selalunya ditaip sama ada dalam saiz yang dikecilkan, atau dalam fon yang sama seperti replika, tetapi dalam format yang lebih besar. Dalam ucapan luaran, nama wira boleh diberikan, dan jika wira muncul buat kali pertama, namanya juga diserlahkan. Contoh:

Bilik itu, yang masih dipanggil nurseri. Salah satu pintu menghala ke bilik Anna. Subuh, sebentar lagi matahari akan terbit. Dah bulan Mei, pokok sakura berbunga, tapi sejuk kat taman, tengah malam. Tingkap di dalam bilik ditutup.

Masukkan Dunyasha dengan lilin dan Lopakhin dengan buku di tangannya.

Replika adalah perkataan yang dituturkan oleh watak-watak. Teguran mesti didahului dengan nama pelakon dan mungkin termasuk teguran dalaman. Contoh:

Dunyasha. Saya fikir awak pergi. (Mendengar.) Di sini, nampaknya, mereka sudah dalam perjalanan.

LOPAKHIN (mendengar). Tidak ... dapatkan bagasi, kemudian ya ...

Kenyataan dalaman, tidak seperti kenyataan luaran, menerangkan secara ringkas tindakan yang berlaku semasa sebutan replika oleh wira, atau ciri-ciri sebutan itu. Jika beberapa tindakan kompleks berlaku semasa sebutan isyarat, ia harus diterangkan menggunakan isyarat luaran, sambil menunjukkan sama ada dalam kenyataan itu sendiri atau dalam isyarat dengan bantuan kenyataan dalaman bahawa pelakon terus bercakap semasa tindakan itu. Nota dalam merujuk hanya kepada baris tertentu pelakon tertentu. Ia dipisahkan daripada replika dengan kurungan, ia boleh ditaip dalam huruf condong.

Yang paling biasa ialah dua cara mereka bentuk karya dramatik: buku dan pawagam. Jika dalam format buku gaya fon yang berbeza, saiz yang berbeza, dsb. boleh digunakan untuk memisahkan bahagian karya dramatik, maka dalam senario sinematografi adalah lazim untuk menggunakan hanya fon mesin taip monospace, dan untuk memisahkan bahagian karya, gunakan pelapik, menaip dalam format yang berbeza, menaip dengan semua huruf besar, pelepasan, dsb. - iaitu, hanya cara yang tersedia pada mesin taip. Ini membolehkan skrip diubah suai berkali-kali semasa ia dihasilkan, sambil mengekalkan kebolehbacaan. .

Drama di Rusia

Drama dibawa ke Rusia dari Barat pada akhir abad ke-17. Sastera dramatik bebas hanya muncul pada akhir abad ke-18. Sehingga suku pertama abad ke-19, arah klasik diutamakan dalam drama, baik dalam tragedi mahupun dalam komedi dan opera komedi; pengarang terbaik: Lomonosov, Knyaznin, Ozerov; Percubaan I. Lukin untuk menarik perhatian penulis drama kepada penggambaran kehidupan dan adat Rusia tetap sia-sia: semua drama mereka tidak bermaya, kaku dan asing dengan realiti Rusia, kecuali untuk "Undergrowth" dan "Foreman" Fonvizin yang terkenal, "Yabeda " Kapnist dan beberapa komedi oleh I. A. Krylov .

Ostrovsky memberikan beberapa kronik sejarah yang luar biasa dan komedi setiap hari. Selepas dia, drama Rusia berdiri di atas tanah yang kukuh; pengarang drama yang paling terkenal: A. Sukhovo-Kobylin, I. S. Turgenev, A. Potekhin, A. Palm, V. Dyachenko, I. Chernyshev, V. Krylov, N. Ya. Solovyov, N. Chaev, gr. A. Tolstoy, c. L. Tolstoy, D. Averkiev, P. Boborykin, Putera Sumbatov, Novezhin, N. Gnedich, Shpazhinsky, Evt. Karpov, V. Tikhonov, I. Shcheglov, Vl. Nemirovich-Danchenko, A. Chekhov, M. Gorky, L. Andreev dan lain-lain.

Popular dalam kategori: