Idea saintifik dan falsafah Renaissance dalam pandangan dunia Shakespeare. Idea Shakespeare dan Renaissance Shakespeare dalam Karya

Kita boleh mengatakan dengan selamat bahawa lelaki ini mengubah dunia, mentaliti, persepsi, sikap terhadap seni seperti itu. William Shakespeare, yang karyanya dipelajari dalam kurikulum sekolah, adalah seorang yang jenius. Drama dan puisinya boleh dipanggil ensiklopedia sebenar hubungan manusia, sejenis cermin kehidupan, pemantul kekurangan dan kekuatan manusia.

genius yang hebat

Karya Shakespeare adalah sumbangan yang mengagumkan kepada kesusasteraan dunia. Semasa hidupnya, warga Britain yang hebat itu mencipta tujuh belas komedi, sebelas tragedi, sedozen kronik, lima puisi dan seratus lima puluh empat soneta. Adalah menarik bahawa subjek mereka, masalah yang diterangkan di dalamnya, relevan hingga hari ini. Malah ramai penyelidik karya penulis drama tidak dapat menjawab bagaimana pada abad keenam belas seseorang boleh mencipta karya yang menggembirakan semua generasi. Malah dihipotesiskan bahawa karya itu ditulis bukan oleh seorang, tetapi oleh kumpulan pengarang tertentu, tetapi di bawah satu nama samaran. Tetapi kebenaran masih belum dapat dipastikan.

biografi ringkas

Shakespeare, yang karyanya sangat digemari ramai, meninggalkan banyak misteri di belakangnya dan sangat sedikit fakta sejarah. Adalah dipercayai bahawa dia dilahirkan berhampiran Birmingham, di bandar Stratford-upon-Avon, pada tahun 1564. Ayahnya terlibat dalam perniagaan dan merupakan seorang rakyat yang kaya. Tetapi isu-isu kesusasteraan dan budaya tidak dibincangkan dengan William kecil: pada masa itu tidak ada persekitaran di bandar yang akan kondusif untuk pembangunan bakat.

Budak itu pergi ke sekolah percuma, pada usia lapan belas tahun dia berkahwin (terpaksa) dengan seorang gadis kaya, dia lapan tahun lebih tua daripadanya. Nampaknya, Shakespeare tidak menyukai kehidupan keluarga, jadi dia menyertai kumpulan artis yang mengembara dan pergi ke London. Tetapi dia tidak bernasib baik untuk menjadi seorang pelakon, jadi dia menulis puisi untuk menghormati orang yang berpengaruh, melayani kuda pelawat teater kaya, bekerja sebagai penggerak, dan menyelesaikan penulisan drama. Karya pertama Shakespeare muncul ketika dia berumur 25 tahun. Kemudian dia menulis lebih banyak lagi. Mereka telah dihantar dan berjaya. Pada tahun 1599, dengan mengorbankan artis kumpulan itu, termasuk Shakespeare, Teater Globe yang terkenal telah dibina. Di dalamnya, penulis drama bekerja tanpa jemu.

Ciri-ciri karya

Karya-karya Shakespeare pada masa itu berbeza daripada drama dan komedi tradisional. Ciri khas mereka adalah kandungan yang mendalam, kehadiran tipu daya yang mengubah orang. William menunjukkan betapa rendahnya walaupun seorang yang mulia boleh jatuh di bawah pengaruh keadaan dan, sebaliknya, bagaimana penjahat yang terkenal melakukan perbuatan yang hebat. Penulis drama memaksa wataknya untuk mendedahkan watak mereka secara beransur-ansur, apabila plot berkembang, dan penonton untuk berempati dengan watak-watak, untuk mengikuti adegan itu. Karya-karya Shakespeare juga dicirikan oleh kesedihan moral yang tinggi.

Tidak menghairankan bahawa jenius dramaturgi yang sudah pun sepanjang hayatnya telah merampas pendapatan banyak pengarang, kerana orang ramai menuntut karyanya dengan tepat. Dan dia memenuhi keperluan permintaan - dia menulis drama baru, memainkan semula cerita kuno, menggunakan kronik sejarah. Kejayaan memberikan William kemakmuran, dan juga jata bangsawan. Dia meninggal dunia, seperti yang biasa dipercayai, selepas pesta ceria sempena hari lahirnya dalam kalangan yang mesra.

Karya Shakespeare (senarai)

Kami tidak boleh menyenaraikan semua karya penulis drama Inggeris terhebat dalam artikel ini. Tetapi mari kita tunjukkan karya Shakespeare yang paling terkenal. Senarainya adalah seperti berikut:

• "Romeo dan Juliet".
• "Hamlet".
• "Macbeth".
• "Mimpi di malam musim panas".
• "Othello".
• "Raja Lear".
• "Pedagang Venice".
• "Keterujaan yang sia-sia".
• "Ribut".
• "Dua Verona".

Drama ini boleh didapati dalam himpunan mana-mana teater yang menghargai diri sendiri. Dan, tentu saja, untuk menghuraikan pepatah terkenal, kita boleh mengatakan bahawa pelakon yang tidak bermimpi bermain Hamlet adalah buruk, pelakon yang tidak mahu bermain Juliet adalah buruk.

Akan jadi atau tidak akan jadi?

Karya Shakespeare "Hamlet" adalah salah satu yang paling terang, paling menusuk. Imej putera Denmark mengujakan sehingga ke lubuk jiwa, dan soalan abadinya membuatkan anda berfikir tentang kehidupan anda. Bagi mereka yang masih belum membaca tragedi dalam versi penuh, kami akan memberitahu ringkasan. Permainan dimulakan dengan kemunculan hantu di raja-raja. Dia bertemu dengan Hamlet dan memberitahunya bahawa raja tidak mati secara semula jadi. Ternyata jiwa bapa menuntut balas dendam - pembunuh Claudius bukan sahaja mengambil isteri mendiang raja, tetapi juga takhta. Ingin mengesahkan kebenaran kata-kata penglihatan malam, putera raja berpura-pura menjadi orang gila dan menjemput artis-artis yang mengembara ke istana untuk mengadakan tragedi itu. Reaksi Claudius menyebabkan dia pergi, dan Hamlet memutuskan untuk membalas dendam. Intrik istana, pengkhianatan terhadap kekasih dan bekas rakannya menjadikan putera pembalas tanpa hati. Dia membunuh beberapa daripada mereka untuk mempertahankan dirinya, tetapi dibunuh oleh pedang abang Ophelia yang telah mati. Pada akhirnya, semua orang mati: kedua-dua Claudius, yang mengambil takhta secara tidak jujur, dan ibu, yang meminum wain yang diracuni oleh suaminya, disediakan untuk Hamlet, dan putera itu sendiri, dan lawannya Laertes. Shakespeare, yang karyanya mengalirkan air mata, menggambarkan masalah itu bukan sahaja di Denmark. Tetapi seluruh dunia, khususnya monarki keturunan.

Tragedi dua kekasih

"Romeo dan Juliet" karya Shakespeare ialah kisah menyentuh hati tentang dua orang muda yang bersedia mengorbankan diri mereka untuk bersama orang pilihan mereka. Ini adalah kisah tentang keluarga yang berperang yang tidak membenarkan anak-anak mereka bersama, untuk bahagia. Tetapi anak-anak bangsawan yang berperang tidak peduli dengan peraturan yang ditetapkan, mereka memutuskan untuk bersama. Pertemuan mereka dipenuhi dengan kelembutan dan perasaan yang mendalam. Tetapi pengantin lelaki telah ditemui untuk gadis itu, dan ibu bapanya memberitahu dia untuk membuat persiapan untuk perkahwinan itu. Abang Juliet terbunuh dalam pergaduhan jalanan antara wakil dua keluarga yang berperang, dan Romeo dianggap pembunuh. Penguasa ingin menghantar penjenayah itu keluar dari bandar. Orang-orang muda dibantu oleh seorang sami dan seorang jururawat, tetapi mereka belum membincangkan sepenuhnya semua butiran pelarian itu. Akibatnya, Juliet meminum ramuan, dari mana dia jatuh ke dalam Romeo, tetapi menganggap kekasihnya mati dan meminum racun di dalam kuburnya. Selepas tersedar, gadis itu membunuh dirinya dengan keris lelaki itu. Keluarga Montague dan Capulet berdamai, meratapi anak-anak mereka.

Pekerjaan lain

Tetapi William Shakespeare menulis karya dan lain-lain. Ini adalah komedi lucu yang menaikkan semangat, ringan dan meriah. Mereka menceritakan tentang orang, walaupun terkenal, tetapi mereka yang tidak asing dengan cinta, semangat, berusaha untuk hidup. Permainan perkataan, salah faham, kemalangan yang menggembirakan membawa watak-watak itu ke pengakhiran yang bahagia. Seandainya kesedihan hadir dalam lakon-lakon tersebut, maka ianya sekejap sahaja, misalnya untuk menekankan kemelut ceria di atas pentas.

Soneta jenius yang hebat juga asli, dipenuhi dengan pemikiran, perasaan, pengalaman yang mendalam. Dalam ayat, pengarang berpaling kepada kawan, tercinta, berduka dalam perpisahan dan bergembira pada pertemuan, kecewa. Bahasa melodi khas, simbol dan imej mencipta gambaran yang sukar difahami. Menariknya, dalam kebanyakan soneta, Shakespeare merujuk kepada seorang lelaki, mungkin Henry Risley, Earl of Southampton, penaung penulis drama itu. Dan hanya kemudian, dalam kerja-kerja kemudian, seorang wanita berkulit gelap, seorang coquette yang kejam, muncul.

Daripada kata belakang

Setiap orang hanya diwajibkan untuk membaca sekurang-kurangnya dalam terjemahan, tetapi kandungan penuh karya Shakespeare yang paling terkenal, untuk memastikan bahawa genius yang paling hebat mempunyai keupayaan seorang nabi, kerana dia dapat mengenal pasti masalah masyarakat moden. . Beliau adalah seorang penyelidik jiwa manusia, menyedari kekurangan dan kelebihan mereka, dan mendorong perubahan. Dan bukankah itu tujuan seni dan tuan besar?

William Shakespeare

Karya penulis Inggeris yang hebat William Shakespeare adalah penting di seluruh dunia. Kejeniusan Shakespeare sangat disayangi oleh semua manusia. Dunia idea dan imej penyair humanis benar-benar besar. Kepentingan universal Shakespeare terletak pada realisme dan kewarganegaraan karyanya.

William Shakespeare dilahirkan pada 23 April 1564 di Stratford-on-Avon dalam keluarga seorang glover. Penulis drama masa depan belajar di sekolah tatabahasa, di mana mereka mengajar Latin dan Yunani, serta kesusasteraan dan sejarah. Kehidupan di sebuah bandar wilayah memberi peluang untuk hubungan rapat dengan orang ramai, dari mana Shakespeare mempelajari cerita rakyat Inggeris dan kekayaan bahasa vernakular. Untuk satu ketika, Shakespeare adalah seorang guru junior. Pada tahun 1582 dia berkahwin dengan Anna Hathaway; dia mempunyai tiga orang anak. Pada tahun 1587, Shakespeare pergi ke London dan tidak lama kemudian mula bermain di atas pentas, walaupun dia tidak mempunyai banyak kejayaan sebagai pelakon. Dari 1593 dia bekerja di Teater Burbage sebagai pelakon, pengarah dan penulis drama, dan dari 1599 dia menjadi pemegang saham Teater Globe. Drama Shakespeare sangat popular, walaupun hanya sedikit orang yang tahu namanya pada masa itu, kerana penonton memberi perhatian terutamanya kepada pelakon.

Di London, Shakespeare bertemu sekumpulan bangsawan muda. Salah seorang daripada mereka, Earl of Southampton, beliau mendedikasikan puisinya Venus dan Adonis (Venus dan Adonis, 1593) dan Lucrece (Lucrece, 1594). Sebagai tambahan kepada puisi ini, dia menulis koleksi soneta dan tiga puluh tujuh drama.

Pada 1612 Shakespeare meninggalkan teater, berhenti menulis drama dan kembali ke Stratford-on-Avon. Shakespeare meninggal dunia pada 23 April 1616 dan dikebumikan di kota asalnya.

Kekurangan maklumat tentang kehidupan Shakespeare menimbulkan apa yang dipanggil soalan Shakespeare. Bermula dari abad XVIII. beberapa penyelidik mula menyatakan idea bahawa drama Shakespeare tidak ditulis oleh Shakespeare, tetapi oleh orang lain yang ingin menyembunyikan kepengarangannya dan menerbitkan karyanya di bawah nama Shakespeare. Herbert Lawrence menyatakan pada tahun 1772 bahawa penulis drama ialah ahli falsafah Francis Bacon; Delia Bacon mendakwa pada tahun 1857 bahawa drama itu ditulis oleh ahli-ahli bulatan Walter Raleigh, yang termasuk Bacon; Carl Bleibtrey pada tahun 1907, Dumblon pada tahun 1918, F. Shipulinsky pada tahun 1924 cuba membuktikan bahawa Lord Rutland adalah pengarang drama. Sesetengah sarjana telah mengaitkan pengarang kepada Earl of Oxford, Earl of Pembroke, Earl of Derby. Di negara kita, teori ini disokong oleh V.M. Friche. I.A. Aksenov percaya bahawa banyak drama tidak ditulis oleh Shakespeare, tetapi hanya disunting olehnya.

Teori yang menafikan kepengarangan Shakespeare tidak dapat dipertahankan. Mereka timbul atas dasar ketidakpercayaan terhadap tradisi yang menjadi sumber biografi Shakespeare, dan atas dasar keengganan untuk melihat bakat genius dalam orang yang berasal dari demokrasi yang tidak lulus dari universiti. Apa yang diketahui tentang kehidupan Shakespeare mengesahkan sepenuhnya kepengarangannya. Fikiran falsafah, pandangan dunia puitis, keluasan pengetahuan, pemahaman yang mendalam tentang masalah moral dan psikologi - Shakespeare memiliki semua ini berkat peningkatan bacaan, komunikasi dengan orang ramai, penyertaan aktif dalam urusan zamannya, sikap penuh perhatian terhadap kehidupan.

Kerjaya Shakespeare dibahagikan kepada tiga tempoh. Dalam tempoh pertama (1591-1601), puisi "Venus dan Adonis" dan "Lucretia", soneta dan hampir semua kronik sejarah dicipta, kecuali "Henry VIII" (1613); tiga tragedi: "Titus Andronicus", "Romeo dan Juliet" dan "Julius Caesar". Genre yang paling bercirikan tempoh ini ialah komedi yang ceria dan cerah (“The Taming of the Shrew”, “A Midsummer Night's Dream”, “The Merchant of Venice”, “The Merry Wives of Windsor”, “Much Ado About Nothing” , “As You Like It”, “Malam Kedua Belas”).

Tempoh kedua (1601-1608) ditandai dengan minat dalam konflik tragis dan wira tragis. Shakespeare mencipta tragedi: Hamlet, Othello, King Lear, Macbeth, Antony dan Cleopatra, Coriolanus, Timon of Athens. Komedi yang ditulis dalam tempoh ini sudah membawa gambaran yang tragis; dalam komedi "Troilus and Cressida" dan "Measure for Measure" unsur satira dipergiatkan.

Tempoh ketiga (1608-1612) termasuk tragicomedi "Pericles", "Cymbeline", "The Winter's Tale", "The Tempest", di mana fantasi dan alegori muncul.

Soneta Shakespeare (1592-1598, diterbitkan pada tahun 1699) adalah kemuncak puisi Renaissance Inggeris dan peristiwa penting dalam sejarah puisi dunia. Menjelang akhir abad XVI. soneta menjadi genre utama dalam puisi Inggeris. Soneta Shakespeare, dalam kedalaman falsafah, kekuatan lirik, perasaan dramatik dan muzikalnya, menduduki tempat yang luar biasa dalam perkembangan seni soneta pada masa itu. 154 sonnet yang dicipta oleh Shakespeare disatukan oleh imej seorang wira lirik yang menyanyikan tentang persahabatan setianya dengan seorang pemuda yang hebat dan cintanya yang bersemangat dan menyakitkan untuk seorang wanita berkulit gelap (The Dark Lady of the Sonnets). Soneta Shakespeare adalah pengakuan lirik; wira menceritakan tentang kehidupan hatinya, tentang perasaannya yang bercanggah; ini adalah monolog ghairah, dengan marah mengecam kemunafikan dan kekejaman yang memerintah dalam masyarakat, dan menentang mereka dengan nilai rohani yang berkekalan - persahabatan, cinta, seni. Soneta mendedahkan dunia rohani wira lirik yang kompleks dan pelbagai rupa, yang bertindak balas dengan jelas kepada masalah zamannya. Penyair meninggikan keindahan rohani manusia dan pada masa yang sama menggambarkan tragedi kehidupan dalam keadaan masa itu.

Kesempurnaan artistik dalam menyatakan idea falsafah yang mendalam tidak dapat dipisahkan daripada bentuk soneta yang padat dan padat. Soneta Shakespeare menggunakan skema berima berikut: abab cdcd efef gg. Dalam tiga kuatrain, perkembangan dramatik tema diberikan, selalunya dengan bantuan kontras dan antitesis dan dalam bentuk imej metafora; distich akhir ialah kata mutiara yang merumuskan pemikiran falsafah topik.

Imej seorang wanita berkulit gelap dalam soneta ke-130 dibezakan oleh kemahiran potret lirik yang jujur. Shakespeare menolak perbandingan sopan dan eufemistik, cuba menggambarkan wajah sebenar seorang wanita:

Matanya tidak seperti bintang, Bibirnya tidak boleh dipanggil batu karang, Kulitnya yang terbuka tidak seputih salji, Dan untaian berpusing seperti wayar hitam. Dengan mawar damask, merah tua atau putih, Teduh pipi ini tidak dapat dibandingkan. Dan badan berbau seperti bau badan, Bukan seperti kelopak ungu yang halus. (Diterjemah oleh S. Marshak)

Di antara soneta di mana idea sosial yang paling penting dinyatakan, soneta ke-66 menonjol. Ini adalah kecaman marah masyarakat berdasarkan kebencian, kekejaman dan penipuan. Dalam frasa lapidary, semua ulser masyarakat yang tidak adil dinamakan. Wira lirik begitu bimbang tentang gambaran mengerikan kejahatan yang berjaya yang telah terbuka di hadapannya sehingga dia mula memanggil kematian. Soneta itu, bagaimanapun, berakhir dengan gambaran suasana yang cerah. Wira mengingati kekasihnya, untuk siapa dia mesti hidup:

Segala-galanya keji yang saya lihat di sekeliling, Tetapi sayang untuk meninggalkan anda, kawan yang dikasihi!

Monolog menuduhnya, yang merupakan cetusan langsung kemarahan, wira lirik itu berkata dalam satu nafas. Ini disampaikan oleh pengulangan kesatuan "dan" dalam sepuluh baris puisi. Penggunaan perkataan "tir" d dengan semua ini "(letih oleh segala-galanya ...) pada permulaan dan pada akhir soneta menekankan hubungan langsung antara pengalaman wira lirik dan masalah sosial pada masa itu. . Wira menyerap ke dalam dunia rohaninya segala yang membimbangkan seseorang di dunia awam. Pengalaman drama wira lirik diungkapkan dalam pemaksaan frasa yang bertenaga, setiap satunya adalah antitesis yang menghasilkan semula percanggahan sosial yang sebenar. Wira tidak boleh lagi melihat Ketiadaan dalam pakaian mewah, Dan kalimat palsu untuk kesempurnaan, Dan keperawanan, didera dengan kasar, Dan penghormatan yang tidak sesuai, rasa malu, Dan kuasa dalam tawanan dalam kelemahan tanpa gigi ...

Perasaan sengit wira lirik sepadan dengan pergantian asonansi dan aliterasi yang kerap dan ketat:

Dan kebodohan - seperti doktor - kemahiran mengawal... Dan tawanan yang baik menjaga kapten sakit...

Melalui bahasa dan gaya, segala kekuatan emosi hero yang teruja dapat disampaikan dengan sempurna. Sonnet 146 didedikasikan untuk kehebatan seseorang yang, berkat usaha rohaninya dan pembakaran kreatif tanpa jemu, dapat memperoleh keabadian.

Kuasailah kematian dalam kehidupan yang sekejap, Dan kematian akan mati, dan kamu akan kekal selama-lamanya.

Kepelbagaian hubungan dunia rohani wira lirik dengan pelbagai aspek kehidupan sosial pada masa itu ditekankan oleh imej metafora berdasarkan konsep politik, ekonomi, undang-undang, dan ketenteraan. Cinta dizahirkan sebagai perasaan sebenar, maka hubungan kekasih dibandingkan dengan hubungan sosio-politik pada masa itu. Dalam sonnet ke-26, konsep pergantungan vassal (vassalage) dan tugas duta (duta) muncul; dalam soneta ke-46 - istilah undang-undang: "defendan menolak tuntutan" (defendan melakukan pengakuan itu menafikan); dalam soneta ke-107, imej yang dikaitkan dengan ekonomi: "cinta adalah seperti pajakan" (pajakan cinta sejati saya); dalam sonnet ke-2 - istilah ketenteraan: "Apabila empat puluh musim sejuk akan mengepung keningmu, Dan menggali parit yang dalam di ladang keindahan" .. .).

Soneta Shakespeare adalah muzikal. Keseluruhan struktur kiasan puisinya dekat dengan muzik.

Imej puitis dalam Shakespeare juga dekat dengan imej bergambar. Dalam seni verbal soneta, penyair bergantung pada undang-undang perspektif yang ditemui oleh seniman Renaissance. Soneta ke-24 bermula dengan kata-kata: Mata saya telah menjadi pengukir dan imej anda tercetak di dada saya dengan jujur. Sejak itu saya telah berkhidmat sebagai bingkai hidup, Dan perkara terbaik dalam seni ialah perspektif.

Deria perspektif ialah cara untuk menyatakan dinamika makhluk, kepelbagaian dimensi kehidupan sebenar, keunikan keperibadian manusia*.

* Lihat: Samarin P.M. realisme Shakespeare. - M., 1964, Bab. "Masalah Estetik Soneta Shakespeare". Tragedi lirik sonnet dikembangkan dalam tragedi Shakespeare. Sonnet 127 menjangkakan tema tragis Othello:

Hitam tidak dianggap indah, Ketika kecantikan dihargai di dunia. Tetapi, nampaknya, cahaya putih telah berubah, - Yang cantik telah dihina dengan kehinaan.

Sonnet ke-66 dalam miniatur mengandungi kandungan falsafah dan ciri nada lirik tragedi "Hamlet".

Soneta Shakespeare telah diterjemahkan ke dalam bahasa Rusia oleh I. Mamun, N. Gerbel, P. Kuskov, M. Tchaikovsky, E. Ukhtomsky, N. Kholodkovsky, O. Rumer. Terjemahan oleh S.Ya. Marshak, yang diterbitkan pada tahun 1949, diiktiraf sebagai yang terbaik, kerana dia berjaya menyampaikan kedalaman falsafah dan muzikal soneta Shakespeare.

Pandangan dunia humanistik Shakespeare didedahkan dengan kekuatan khusus dalam analisis artistik konflik sosio-politik dan percanggahan tragis dalam kehidupan seseorang dan masyarakat, yang diberikan dalam kronik sejarahnya. Intipati genre kronik sejarah terdiri daripada penggambaran dramatik tentang orang sebenar dan peristiwa sejarah negara. Tidak seperti tragedi, di mana Shakespeare, demi kepentingan reka bentuk, berlepas dari gambaran tepat fakta sejarah, kronik dicirikan oleh pengeluaran semula setia peristiwa sejarah, yang, bagaimanapun, mengandaikan tekaan artistik dan penciptaan semula artistik bahan*.

* Lihat: Shvedov Yu.F. William Shakespeare: Kajian. - M., 1977; Komarova V.P. Personaliti dan Negeri dalam Drama Sejarah Shakespeare. - L., 1977.

Kronik sejarah Shakespeare termasuk sepuluh drama:

"Henry VI. Bahagian satu "(Bahagian Pertama Raja Henry VI, 1590-1592);

"Henry VI. Bahagian Kedua "(Bahagian Kedua Raja Henry VI, 1590-1592);

"Henry VI. Bahagian Tiga "(Bahagian Ketiga Raja Henry VI, 1590-1592);

"Richard III" (Tragedi Raja Richard III, 1592-1593);

"Richard II" (Tragedi Raja Richard II, 1595-1597);

"Raja John" (Kehidupan dan Kematian Raja John, 1595-1597);

"Henry IV. Bahagian satu "(Bahagian Pertama Raja Henry IV, 1597-1598);

"Henry IV. Bahagian dua "(Bahagian Kedua Raja Henry IV, 1597-1598);

"Henry V" (Kehidupan Raja Henry V, 1598-1599);

"Henry VIII" (Sejarah Terkenal Kehidupan Raja Henry VIII, 1612-1613).

Dalam kronik sejarah, Shakespeare memberikan pemahaman dan tafsirannya tentang peristiwa sejarah dan tindakan orang sejarah. Mengenai bahan masa lalu, dia menyelesaikan masalah yang membimbangkan sezaman. Sejarah dalam kroniknya berfungsi untuk mengenali keadaan masyarakat semasa. Tawarikh, serta tragedi, dicirikan oleh kesedihan etika, rumusan falsafah masalah baik dan jahat, minat kemanusiaan terhadap individu dan nasibnya. Tawarikh dalam banyak cara dekat bukan sahaja dengan tragedi Shakespeare, tetapi juga kepada komedi Shakespeare; mereka memberikan gambaran komedi "latar belakang Falstaffian".

Kemunculan genre kronik sejarah adalah disebabkan oleh percanggahan realiti Inggeris itu sendiri. V. G. Belinsky mewajarkan perkembangan kronik sejarah di England dengan cara ini: “Drama sejarah hanya mungkin jika unsur-unsur heterogen dalam perjuangan kehidupan negara. Bukan sia-sia bahawa drama telah mencapai perkembangan tertinggi di kalangan bahasa Inggeris sahaja; bukan kebetulan bahawa Shakespeare muncul di England, dan bukan di mana-mana negeri lain: tidak ada unsur-unsur kehidupan negara dalam percanggahan sedemikian, dalam perjuangan sesama mereka, seperti di England.

* Belinsky V. G. Poli. coll. cit.: Dalam 13 jilid - M, 1954.-T. 5. - S. 496.

Daya tarikan Shakespeare terhadap genre kronik sejarah juga disebabkan oleh peningkatan minat orang ramai terhadap sejarah negara semasa tempoh perjuangan untuk mengukuhkan negara kebangsaan. Sumber plot kronik sejarah adalah karya R. Holinshed "Chronicles of England, Scotland dan Ireland" yang telah disebutkan.

Dalam trilogi "Henry VI" kanvas lebar dilukis: perang Scarlet and White Roses digambarkan, apabila baron Inggeris secara kejam memusnahkan satu sama lain dalam perjuangan internecine antara Lancasters dan Yorks. Shakespeare dengan betul menunjukkan pertelingkahan berdarah tuan-tuan feudal, mengutuk kedua-dua pihak yang berperang. Penulis drama itu menyokong kuasa diraja yang kuat yang boleh menamatkan perang feudal. Oleh itu, dia mengutuk Raja Henry VI, seorang yang lemah, tidak dapat memerintah negara, tidak dapat menenangkan baron yang berperang. Henry VI tidak melakukan sebarang kekejaman, tetapi dia bersalah kerana mengelak tugas ketua negara dan bermimpi melepaskan mahkota untuk menjadi gembala. Henry VI mati tepat kerana dia gagal menggunakan kuasa yang diberikan kepadanya dengan bijak.

Kronik sejarah Shakespeare menunjukkan kekuatan rakyat. Baron dipaksa untuk mengira dengan mood orang ramai. Bahagian kedua "Henry VI" menggambarkan pemberontakan John Cad pada tahun 1450. Shakespeare mendedahkan corak protes popular yang timbul berkaitan dengan nasib petani dan artis bandar akibat perselisihan sivil feudal. Walau bagaimanapun, Shakespeare melihat bagaimana tuan-tuan feudal menggunakan pemberontakan popular untuk tujuan mementingkan diri mereka sendiri.

Trilogi "Henry VI" menggambarkan keadaan sedemikian dalam kehidupan masyarakat yang membawa kepada kemunculan seorang zalim. Persaingan berdarah bangsawan adalah prasyarat untuk naik ke kuasa Richard of Gloucester, Richard III masa depan. Pada akhir trilogi, personaliti gelap Richard Gloucester menjadi semakin berpengaruh.

Dalam drama "Richard III" watak ini menjadi pusat. Drama itu sendiri hampir dengan tragedi dalam strukturnya. Perhatian kepada perjalanan peristiwa sejarah, ciri "Henry VI", digantikan dalam "Richard III" dengan perhatian kepada watak wira dan konfliknya dengan orang lain. Richard III muncul bukan hanya sebagai watak yang merampas kuasa, tetapi sebagai personaliti yang meyakinkan secara psikologi. Shakespeare mengembangkan pencirian menuduhnya sebagai seorang zalim, yang diberikan kepadanya dalam buku Thomas More The History of Richard III (1514-1518). Richard III dikutuk oleh Shakespeare sebagai ahli politik yang menggunakan cara Machiavellian untuk mencapai kuasa, menggunakan tindakan jenayah dalam perebutan takhta. Dia menutup kezaliman dan rancangan jenayahnya dengan hujah munafik tentang kebaikan. Pada masa yang sama, bersendirian dengan dirinya sendiri, dia secara langsung bercakap tentang kelicikannya, tentang niat sedarnya untuk tidak mengira dengan hati nuraninya.

Richard III pintar dan berani, dia mempunyai kemahuan yang hebat, menakluki mereka yang memperlakukannya dengan rasa tidak percaya dan permusuhan. Tingkah lakunya adalah permainan yang mengelirukan ramai. Dia berjaya memikat Anna, mengetahui bahawa dia telah membunuh suaminya. Terdapat permulaan yang besar dalam penampilan jahat Richard III. Bukan kebetulan bahawa V. G. Belinsky menulis: "Wajah yang tragis pasti membangkitkan penyertaan. Richard III sendiri adalah raksasa penjahat, membangkitkan penyertaan dalam dirinya dengan kuasa roh yang besar. Richard III, yang membenarkan kekejamannya dengan kata-kata: "Tinju adalah hati nurani kita, dan undang-undang adalah pedang kita," akhirnya mengalami pedih hati nurani dan, dalam menghadapi kematian, mengutuk dirinya kerana melanggar sumpahnya, melakukan pembunuhan dan dengan itu. menghukum dirinya dalam kesepian.

* Belinsky V. G. Poli. coll. cit.: Dalam 13 jilid - M, 1955. - T. 7. - S. 534.

Aksi dalam drama itu adalah pelaksanaan rancangan jahat protagonis yang licik, ia menunjukkan seni tipu daya Richard III, yang sendiri bertindak sebagai pelakon dan pengarah dalam adegan keganasan dan pembunuhan. Dia bermain dengan yakin dan berani, tindakannya membawa kepada kejayaan: dia mencari takhta. Tetapi, setelah menjadi raja, zalim itu merasakan bahawa dia tidak dapat menguatkan kuasanya melalui jenayah.

Mengutuk kezaliman, Shakespeare mengemukakan idea monarki yang boleh mewujudkan keamanan dan ketenteraman di negara ini. Richard III yang zalim menentang Earl of Richmond, pengasas dinasti Tudor. Imej ini hanya digariskan di sini, tetapi kepentingan ideologi dan komposisinya sangat bagus: idea tentang keperluan untuk melawan despotisme, undang-undang kemenangan atas kezaliman, berkaitan dengannya. Tema raja, menjaga kebaikan negara, yang digariskan dalam imej Richmond, berkembang dalam kronik seterusnya - "Raja John" - menjadi tema raja patriotik. Permainan ini dicipta pada masa England berasa terancam oleh Sepanyol Katolik. Oleh itu, tema patriotisme dan tema kutukan Katolik menjadi pusat dalam kronik. Tema patriotisme didedahkan dalam imej John the Landless dan Bastard Fockenbridge.

Kedudukan patriotik Shakespeare menjadi kriteria utama dalam menilai tingkah laku watak dalam drama "Richard II". Dalam plotnya, drama ini dekat dengan "Edward II" oleh Christopher Marlowe. Dalam kedua-dua karya, keengganan raja yang bejat daripada mahkota dan kematiannya digambarkan. Walau bagaimanapun, persamaan situasi plot tidak banyak dijelaskan oleh pengaruh drama Marlo terhadap drama Shakespeare, tetapi oleh kedekatan nasib tokoh sejarah. Richard II yang cerdik merasakan masa telah berpaling menentangnya. Dalam keadaan krisis rohani yang mendalam, dia menolak mahkota.

Duke Henry Bolingbroke, antagonis Richard II, adalah ahli politik yang bijak dan halus. Keberanian dan keberanian Bolingbroke membangkitkan simpati rakyat terhadapnya. Duke dengan mahir menggunakan popularitinya di kalangan rakyat biasa untuk melaksanakan rancangannya yang bercita-cita tinggi. Shakespeare melayan patriotisme Bolingbroke dengan penuh simpati, tetapi bercakap dengan jelas permusuhan tentang kemunafikan, kebijaksanaan dan cita-citanya. Perebutan kuasa diwakili oleh perbuatan tidak bermoral yang membawa kepada jenayah - pembunuhan Richard P.

Drama sejarah terbaik Shakespeare ialah dua bahagian "Henry IV" dan "Henry V". Bolingbroke, yang menjadi Raja Henry IV, berkonflik dengan raja-raja feudal. Lawan utamanya ialah baron dari keluarga Percy. Membangkitkan pemberontakan terhadap raja, tuan-tuan feudal bertindak secara tidak konsisten, kepentingan mementingkan diri sendiri menghalang mereka daripada bersatu. Akibat perpecahan semasa pemberontakan, Henry Percy yang berani, yang digelar Hotspur (“Hot Spur”), meninggal dunia secara tragis. Dan dalam kronik ini, Shakespeare menunjukkan tidak dapat dielakkan kekalahan raja-raja feudal dalam pertembungan dengan kuasa diraja. Namun begitu, Knight of Hotspur digambarkan secara positif. Dia membangkitkan simpati atas kesetiaannya kepada cita-cita kehormatan tentera, keberanian dan keberanian. Shakespeare tertarik dengan kualiti moral seorang kesatria yang berani. Tetapi dia tidak menerima Hotsper sebagai orang yang menyatakan kepentingan tuan-tuan feudal dan dikaitkan dengan kuasa yang semakin pudar ke masa lalu. Hotspur bertindak sebagai musuh kepada Henry IV, Putera Harry dan Falstaff, dan dia jelas lebih rendah daripada wira ini, yang mewakili kuasa baharu masyarakat yang sedang berkembang. Drama itu mencerminkan ketetapan masa objektif: kematian tragis tuan-tuan feudal dan penubuhan secara beransur-ansur kuasa baru - absolutisme.

Raja Henry IV, setelah mendapati dirinya di atas takhta berkat tindakan diplomatik yang mahir, akhirnya kehilangan aktivitinya dan, seperti pendahulunya, mendapati dirinya berada dalam keadaan krisis moral. Henry IV bimbang bahawa dia gagal membersihkan negara daripada perang saudara. Sejurus sebelum kematian Henry IV yang sakit, berpindah dari kecurigaan dan kerahsiaannya dahulu, dalam perbualan dengan anaknya, dia secara langsung menyatakan kebimbangannya terhadap nasib England, memberi nasihat Putera Harry mengenai hal ehwal awam. Henry IV tidak dapat menamatkan perjuangan menentang tuan-tuan feudal kerana dia sendiri sentiasa bertindak seperti tuan feudal dan berkuasa sebagai tuan feudal, setelah merampas takhta.

Peranan yang paling penting dalam plot kedua-dua bahagian "Henry IV" dimainkan oleh imej Putera Harry, masa depan Raja Henry V. Selaras dengan legenda yang wujud dalam Renaissance, Shakespeare mempersembahkan Putera Harry sebagai rakan yang tidak setia, menikmati pengembaraan yang menyeronokkan dan lucu dalam syarikat Falstraff. Tetapi di sebalik kezalimannya, Putera Harry adalah seorang lelaki yang suci dari segi moral. Walaupun pada hakikatnya Putera Harry adalah seorang pengembara yang kejam, Shakespeare menggambarkannya sebagai seorang pemuda yang hebat. Idealisasi putera raja disebabkan oleh kepercayaan Shakespeare terhadap sifat progresif monarki mutlak yang menyatukan negara.

Watak Putera Harry adalah pelbagai rupa. Beliau bertindak tegas dan berani dalam peperangan, lincah dan langsung dalam berhadapan dengan rakyat, bijak dan berpandangan jauh dalam urusan negara. Putera Harry menghabiskan hidupnya dalam hiburan, bersama-sama dengan Falstaff, Bardolph dan Pistol, dia berseronok di Boar's Head Tavern. Tetapi walaupun dalam adegan carousing, Harry tetap seorang yang mulia. Dia menarik dengan sikap yang baik terhadap orang biasa, keupayaan untuk mencari bahasa yang sama dengan mereka. Memimpin kehidupan seorang yang tidak bermoral, putera raja pada masa yang sama memikirkan dengan serius tentang bagaimana dia akan berkuasa dan mentadbir negara. Komunikasi demokratik dengan masyarakat kelas bawah untuk Putera Harry adalah satu bentuk perkenalan yang meluas dengan mereka yang akan menjadi rakyatnya.

Kronik sejarah "Henry IV" dan "Henry V" menggambarkan lapisan masyarakat yang beraneka ragam - petani, hamba, askar, pedagang, yang dipanggil "latar belakang Falstaff". Realisme drama sejarah itu ditentukan oleh gambaran masyarakat yang pelbagai rupa dan pelbagai rupa. Membangkitkan persoalan kedudukan rakyat, hubungan raja dengan rakyat, mendapat kepentingan yang besar. "Latar belakang Falstaff" adalah gambaran realistik tentang kehidupan masyarakat kelas bawah, bukan sahaja pada masa apabila tindakan kronik itu berlaku, tetapi juga tentang England sezaman dengan Shakespeare.

Antara watak-watak "latar belakang Falstaffian", imej komik Sir John Falstaff yang terang menonjol pertama sekali. Ksatria gemuk ini menyebabkan ketawa dengan telatah dan ucapan jenakanya yang tidak berkesudahan. Terdapat banyak maksiat dalam Falstaff. Dia seorang libertine, pemabuk, pembohong dan perompak. Oleh itu sentuhan satira dalam imej ini. Tetapi perkara utama dalam Falstaff ialah unsur keseronokan, permainan artistik, kepintaran yang tidak berkesudahan. Imej ini menyampaikan daya tarikan sifat manusia yang tidak dibatasi oleh konvensyen sosial. Falstaff seorang yang baik hati dan berterus terang, ceria dan ceria, berdaya usaha dan bijak. Falstaff yang nakal dan nakal, yang kelihatan dikelilingi oleh watak-watak komik, merangkumi semangat ceria Renaissance, menentang kedua-dua moral agama pada Zaman Pertengahan dan kemunafikan puritan kalangan borjuasi. Falstaff mentertawakan ketaksuban agama. Seorang bangsawan dan kesatria yang miskin, dia hidup dari rompakan lebuh raya. Menyedari kuasa wang, dia pada masa yang sama tidak tunduk di hadapan mereka. Tidak seperti borjuasi, Falstaff dilucutkan kehausan untuk menimbun atau menimbun dan berjimat cermat. Dia memerlukan wang untuk menikmati hidup.

Falstaff menentang Hotspur dengan penolakannya terhadap penghormatan kesatria. Penghormatan kesatria tuan-tuan feudal telah dikurangkan kepada penyertaan wajib dalam perang internecine. Ksatria Falstaff mempunyai sikap negatif terhadap penghormatan kesatria dengan tepat kerana dia melihat kekejaman perang yang tidak masuk akal. Falstaff ialah imej komik pahlawan pada masa itu. Dia sangat bimbang tentang hidupnya, yang lebih dicintainya daripada apa pun di dunia, oleh itu dia tidak berkhidmat dengan keras, menutup kekurangan semangat perkhidmatannya dengan licik dan dusta.

Falstaff menawan dengan cinta hidupnya yang tidak terbatas, fantasi yang tidak terkawal, kebodohan yang suka bermain, keyakinan diri, kritikan yang berwawasan dan jenaka terhadap moral feudal. Pertimbangan sinis Falstaff adalah satu bentuk di mana intipati perhubungan yang tidak menarik dalam masyarakat feudal didedahkan dan ditekankan.

Salah satu imej paling penting yang dicipta oleh Shakespeare, Falstaff mewakili dunia komedi drama Shakespeare, manakala Hamlet menandakan dunia tragedi. Imej Falstaff adalah korespondensi komik dengan rancangan tragis kandungan utama kronik sejarah. Masalah-masalah yang didedahkan dalam jalan cerita utama dalam aspek tragis, dalam "Falstaffian background" diberikan secara komik. Ucapan Falstaff dipersembahkan dalam bentuk prosa, berbeza dengan ucapan puitis watak tragis. Ucapannya secara langsung, secara semula jadi mendedahkan budaya ketawa bahasa kebangsaan. Selalunya gurauan Falstaff adalah berdasarkan bermain pada bunyi homonim perkataan, pada parodi. Imej Falstaff yang lucu juga berdasarkan percanggahan yang digariskan antara penampilan seorang juru kempen yang gemuk dan tua dengan perbuatan dan kenyataan yang ceria, berani dan seorang pemuda yang berjiwa.

Putera Harry berkawan dengan Falstaff hedonis yang cerdik. Apabila putera raja menjadi Raja Henry V, dia menyingkirkan Falstaff daripada dirinya. Dalam hubungan watak ini, terdapat gema hubungan sebenar antara Henry V dan Sir John Oldcastle, yang dianggap sebagai prototaip Falstaff.

Hubungan antara Falstaff dan Putera Harry penuh dengan makna yang mendalam. Terima kasih kepada persahabatannya dengan Falstaff, Putera Harry menyertai semangat kritikan dan keceriaan Renaissance, berkenalan dengan kehidupan dan adat resam orang biasa. Dalam hubungan dengan Putera Harry, Falstaff mempercayai; dia menganggap putera itu kawan sejatinya. Dalam kasih sayang yang mesra ini, kemurahan rohani keperibadian Renaissance, keunggulan Falstaff berbanding "raja yang ideal" terserlah. Tetapi Falstaff adalah lebih rendah daripada Putera Harry dalam penilaian sedar keadaan baru. Perpisahan Putera Harry dengan Falstaff tidak dapat dielakkan. "Raja yang ideal" Henry V, setelah berkuasa, meninggalkan bekas orang bebas Renaissance. Baik humor mahupun kemurahan hati tidak diperlukan untuk mengukuhkan rejim mutlak.

Dalam tempoh kreativiti pertama, bersama-sama dengan kronik sejarah, Shakespeare mencipta komedi yang ceria dan optimis di mana seseorang bertindak sebagai pencipta kebahagiaannya sendiri, mengatasi situasi dramatik yang kadangkala sukar. Komedi termasuk drama berikut: The Comedy of Errors (1591), The Taming of the Shrew (1594), The Two Gentlemen of Verona (1594-1595), Usaha cinta yang sia-sia "(Love "s Labor" s Lost, 1594 -1595), "A Midsummer Night's Dream" (A Midsummer-Night "s Dream, 1594-1595), "The Merchant of Venice" (The Merchant of Venice, 1595) , "The Merry Wives of Windsor" (The Merry Wives daripada Windsor, 1597), "Banyak Ado tentang Tiada" (Banyak Ado tentang Tiada, 1598-1599), "As You Like It" (As You Like It, 1599-1600), "Twelfth Night, or Anything" (Twelfth Night ; atau What You Will, 1600).

Dalam drama lawak riang The Taming of the Shrew, watak-watak cerah Catarina dan Petruchio muncul, menonjol di kalangan penduduk bandar Padua yang berkira-kira. Katarina terkenal sebagai seorang gadis yang degil, manakala kakaknya Bianca terkenal dengan sifat lemah lembutnya. Kedegilan dan kekasaran Katarina hanyalah satu cara untuk mempertahankan maruahnya, cara menentang perhitungan kecil, despotisme bapanya dan pelamar yang mengepung rumah. Katharina berasa jengkel dengan sikap tidak berwajah Bianchi, tanah rendah pelamar. Dengan kekasarannya yang biasa, dia juga bertemu dengan Petruchio. Pertarungan panjang bermula di antara mereka, akibatnya mereka berdua merasakan bahawa mereka tidak kalah antara satu sama lain dalam tenaga, ketabahan, cinta hidup dan kecerdasan, bahawa mereka layak untuk satu sama lain dalam fikiran dan kehendak.

Idea kejayaan hidup dan cinta juga didedahkan dalam komedi A Midsummer Night's Dream. Dunia puitis komedi ini adalah dalam campuran pelik duniawi, yang nyata, dengan yang hebat, yang hebat. Dalam komedi ini Shakespeare humanis membezakan sifat konvensional moral tradisional dengan semula jadi semula jadi perasaan dan nafsu manusia. Tema cinta diliputi di sini dengan cara lirik dan jenaka. Cinta wira muda adalah perasaan yang murni dan cerah. Ia menang, walaupun semua kehendak dan kebiasaan watak manusia dan tingkah laku manusia.

Terdapat konflik yang sangat dramatik dan juga motif tragis dalam komedi Shakespeare. Dalam hal ini, komedi "The Merchant of Venice" adalah tipikal. Dengan latar belakang suasana karnival Venice yang ceria, terdapat pertembungan akut antara dunia kegembiraan, kepercayaan dan bangsawan dan dunia kepentingan diri, tamak dan kekejaman. Dalam komedi ini, Shakespeare mengembangkan motif cerpen oleh Giovanni Fiorentino, memberikan mereka kedalaman dramatik. Drama ini sangat berbeza dengan mereka yang paling menghargai persahabatan tanpa pamrih - Portia, Antonio, Bassanio, dan mereka yang menundukkan semua hubungan manusia kepada kepentingan proprietari. Antonio meminjam wang daripada penggadai Shylock untuk membantu rakannya Bassanio, yang jatuh cinta dengan Portia. Antonio, yang tidak memulangkan wang yang dipinjam tepat pada masanya, hadir di hadapan mahkamah. Shylock yang kejam, mengikut rang undang-undang, menuntut Antonio satu paun dagingnya untuk tidak membayar hutang. Portia, yang menyamar sebagai peguam, bercakap membela Antonio. Kebaikan menang atas kejahatan. Orang muda mengalahkan pemakan riba.

Imej Shylock dipersembahkan dalam komedi bukan sahaja sebagai penjelmaan kejahatan. Watak Shylock adalah kompleks. Kepelbagaian Shylock diperhatikan oleh Pushkin: "Shylock kedekut, cepat cerdik, pendendam, penyayang kanak-kanak, cerdik"*. Terdapat permulaan yang tragis dalam imej ini. Shylock ditunjukkan sebagai pemakan riba yang kejam dan pendendam, tetapi pada masa yang sama sebagai seorang lelaki yang menderita kerana kedudukannya yang terhina dalam masyarakat. Dengan rasa maruah manusia yang tinggi, Shylock mengatakan bahawa manusia adalah sama secara semula jadi, walaupun terdapat perbezaan kewarganegaraan. Shylock menyayangi anak perempuannya Jessica dan terkejut kerana dia melarikan diri dari rumahnya. Beberapa cirinya Shylock boleh menimbulkan simpati, tetapi secara umum dia dikutuk sebagai pemangsa, sebagai orang yang tidak mengenal belas kasihan, sebagai "orang yang tidak mempunyai muzik dalam jiwanya." Dunia jahat Shylock ditentang dalam komedi oleh dunia kemurahan hati dan bangsawan yang cerah dan gembira. Heinrich Heine, dalam Shakespeare's Girls and Women (1838), menulis: "Portia adalah penjelmaan yang jelas secara harmonis dari kegembiraan yang cerah, berbanding dengan kemalangan suram yang diwujudkan oleh Shylock" **.

* Pushkin-pengkritik. - M, 1950. - S. 412.

** Heine G. Sobr. cit.: Dalam 10 jilid - M; L., 1958. - T. 7. - S. 391.

Dalam komedi rumah tangga yang ceria The Merry Wives of Windsor, seluruh galeri imej komik diberikan: kebodohan Hakim Shallow, anak saudaranya Slender, diejek, paderi Hugh Evans bergurau. Sekumpulan keseluruhan watak komik dari kronik sejarah "Henry IV" memasuki komedi ini - Falstaff, Bardolph, Shallow, Pistol, Mrs. Quickly.

Imej Falstaff mengalami perubahan ketara dalam The Merry Wives of Windsor. Dia kehilangan pemikiran bebas, humor, kepintarannya. Kini Falstaff memainkan peranan sebagai pita merah yang malang, yang telah diajar oleh isteri-isteri Windsor. Apabila berada dalam persekitaran kelas pertengahan, dia menjadi penduduk yang sengsara dan membosankan, menjadi berhemah dan berjimat cermat.

Komedi "The Merry Wives of Windsor" disemai dengan suasana karnival yang menyeronokkan. Tetapi, tidak seperti komedi lain, aksi di dalamnya berlaku dalam persekitaran borjuasi, yang memberikan Shakespeare peluang untuk menyampaikan kehidupan sebenar dan adat pada masa itu ke tahap yang lebih besar, terutamanya dalam adegan yang menggambarkan kewujudan harian Pages dan Fords, kehidupan sebuah rumah penginapan, pertarungan Caius dengan Evans, peperiksaan Page.

Intrik aneh dan latar aksi dalam komedi Much Ado About Nothing diambil daripada karya Bandello dan Ariosto. Shakespeare memperkenalkan plot yang terkenal, yang juga digunakan oleh Spencer, gabungan asal tragis dan komik.

Komedi As You Like It, berdasarkan novel pastoral Thomas Lodge Rosalind, atau Golden Legacy of Euphues, pada dasarnya adalah parodi gaya pastoral. Kehidupan di pangkuan alam, di hutan Ardennes, adalah sejenis utopia, ungkapan impian kehidupan yang sederhana dan semula jadi. Warna keseluruhan komedi tidak ditentukan oleh unsur pastoral, tetapi oleh tradisi cerita rakyat balada tentang Robin Hood. Bukan sahaja penggembala Sylvius dan Phoebe tinggal di hutan Ardennes, tetapi juga orang buangan: duke yang diturunkan takhta, Rosalind, dikejar oleh bapa saudaranya yang kejam, dirompak oleh abangnya Orlando. Dunia manusia penduduk hutan Ardennes menentang masyarakat moden yang kejam dan tamak. Kritikan satira terhadap maksiat masyarakat bangsawan diberikan dalam kenyataan pelawak jenaka Touchstone dengan humor rakyatnya dan Jacques yang sayu. Jester Touchstone sangat mudah dan betul menilai kehidupan wanita petani Audrey.

Unsur jenaka dalam drama itu digabungkan dengan tema lirik perasaan lembut Orlando dan Rosalind. Hasil pelik komedi Shakespeare dalam tempoh kreativiti pertama ialah komedi Malam Kedua Belas, atau Apa-apa sahaja. Ditulis pada plot salah satu cerpen Bandello, ia mendapat namanya kerana ia dipersembahkan pada malam kedua belas selepas Krismas, apabila keseronokan cuti Krismas berakhir. Malam Kedua Belas adalah yang terakhir dari komedi karnival Shakespeare yang riang, ceria.

Dalam Malam Kedua Belas, Shakespeare menembusi ke dalam lubuk hati manusia, bercakap tentang kejutan dalam tingkah laku manusia, pergerakan rohani yang tidak dijangka, selektiviti perasaan. Asas tipu daya komedi adalah kebetulan yang tidak sengaja yang secara tiba-tiba mengubah nasib seseorang. Komedi itu mengesahkan idea bahawa, walaupun semua keanehan nasib, seseorang mesti berjuang untuk kebahagiaannya sendiri.

Adegan drama itu ialah negara eksotik Illyria. Pemerintahnya Duke Orsino hidup dalam dunia cinta dan muzik yang mempesonakan. Nilai tertinggi baginya adalah cinta. Orsino jatuh cinta dengan Olivia, yang tidak membalas perasaannya. Dia hidup sebagai seorang pertapa, menghabiskan masa dalam fikiran sedih tentang abangnya yang telah mati. Viola, yang terselamat dari kapal karam, mendapati dirinya berada dalam domain duke. Dengan menyamar sebagai seorang lelaki, dia, dengan nama Cesario, memasuki perkhidmatan duke. Viola Cesario jatuh cinta dengan Orsino, tetapi dia tanpa pamrih memenuhi permintaan Duke untuk pergi ke Olivia dan memberitahunya tentang cintanya.

Ketabahan Cesario, yang meminta kemasukan ke rumah Olivia, kefasihannya yang ditujukan kepadanya, memikat petapa itu. Olivia jatuh cinta dengan Cesario, mengaku semangatnya untuknya dan bercakap tentang cinta:

Cinta sentiasa indah dan diidamkan, Terutama apabila ia tidak dijangka. (Diterjemah oleh E. Lipetskaya)

Dengan kehendak takdir, abang Viola Sebastian, yang hilang semasa kapal karam, ternyata berada di Illyria, sangat mirip dengan kakaknya. Olivia, yang bertemu Sebastian, silap dia sebagai Cesario. Apabila rahsia itu terbongkar, perkahwinan yang bahagia berlaku.

Dalam sistem imej komedi, tempat penting adalah milik pelawak Festa. Keistimewaan Feste ialah humornya menyedihkan. Dia bercakap tentang sementara kehidupan dan kebahagiaan, tentang kematian yang tidak dapat dielakkan. Jester Feste, bersama-sama dengan sekumpulan rakan riang dan pelawak Toby Belch, mengejek pelayan Olivia, seorang puritan Malvolio yang sombong. Malvolio tidak mempunyai rasa humor. Sikap gurauan Feste membuatkan dia jengkel. Malvolio yang suram adalah musuh keseronokan dan kegembiraan. Semua yang dia katakan adalah peneguhan dan kecaman yang berterusan. Sebagai tindak balas kepada keparahan puritan Malvolio, Toby Belch berkata kepadanya kata-kata yang telah menjadi bersayap di England: "Adakah anda fikir jika anda seorang yang suci, maka tidak akan ada lagi pai atau bir mabuk di dunia?"

Dalam tempoh kreativiti pertama, Shakespeare mencipta tiga tragedi: "Titus Andronicus" (Titus Andronicus, 1594), "Romeo dan Juliet" (Romeo dan Juliet, 1595), "Julius Caesar" (Julius Caesar, 1599).

"Titus Andronicus" ditulis dalam genre "tragedi berdarah", dalam tradisi tragedi Seneca. Episod plot drama ini adalah pembunuhan yang mengikuti satu demi satu. Dua puluh anak lelaki Titus Andronicus mati, anak perempuannya dan dirinya sendiri, banyak watak lain mati. Komander Titus Andronicus setia pada tugas patriotiknya kepada Rom. Walau bagaimanapun, moral tinggi seorang patriot tidak lagi menyelamatkan Rom daripada keruntuhan. Saturninus yang licik dan kejam, Tamora dan Moor Aron memasuki perjuangan dengan Titus Andronicus. Perlanggaran tajam secara dramatik didedahkan, bagaimanapun, sebagai rantaian kekejaman berdarah, tanpa menyentuh secara mendalam intipati konflik tragis itu.

Seni tragis Shakespeare, dalam segala kesempurnaannya, pertama kali muncul dalam tragedi Romeo dan Juliet. Sebagai sumber, Shakespeare menggunakan puisi Arthur Brooke "Romeo and Juliet" (1562), yang dalam plotnya kembali kepada karya pengarang Itali. Bermula dari puisi Brooke, Shakespeare mencipta karya yang asli dari segi idea dan kemahiran seni. Dia menyanyikan di dalamnya keikhlasan dan kesucian perasaan muda, menyanyikan cinta, bebas dari belenggu moral feudal zaman pertengahan. V. G. Belinsky mengatakan ini tentang idea drama ini: "Kesedihan drama Shakespeare Romeo dan Juliet adalah idea cinta, dan oleh itu ucapan menyedihkan yang bersemangat mengalir dari bibir kekasih dalam gelombang berapi-api, berkilauan dengan cahaya terang. bintang ... Ini adalah kesedihan cinta, kerana dalam monolog lirik Romeo dan Juliet seseorang dapat melihat bukan sahaja mengagumi satu sama lain, tetapi juga pengiktirafan yang sungguh-sungguh, bangga, gembira cinta sebagai perasaan ilahi.

* Belinsky V. G. Poli. coll. cit.: Dalam 13 jilid - T. 7. - S. 313.

Dalam "Romeo dan Juliet" terdapat kaitan yang nyata dengan komedi Shakespeare. Kedekatan dengan komedi dicerminkan dalam peranan utama tema cinta, dalam watak komik jururawat, dalam kecerdasan Mercutio, dalam sandiwara dengan pelayan, dalam suasana karnival bola di rumah Capulet, dalam warna cerah dan optimistik keseluruhan permainan. Walau bagaimanapun, dalam pembangunan tema utama - cinta wira muda - Shakespeare beralih kepada tragis. Permulaan yang tragis muncul dalam drama dalam bentuk konflik kuasa sosial, dan bukan sebagai drama perjuangan rohani dalaman.

Punca kematian tragis Romeo dan Juliet adalah perseteruan keluarga keluarga Montague dan Capulet dan moral feudal. Perselisihan antara keluarga meragut nyawa anak muda lain - Tybalt dan Mercutio. Yang terakhir, sebelum kematiannya, mengutuk perselisihan ini: "Wabak pada kedua-dua rumah kamu." Baik duke mahupun penduduk bandar tidak dapat menghentikan permusuhan itu. Dan hanya selepas kematian Romeo dan Juliet datang perdamaian Montagues dan Capulets yang berperang.

Perasaan kekasih yang tinggi dan cerah menandakan kebangkitan kuasa baru dalam masyarakat pada awal era baru. Tetapi pertembungan moral lama dan baru tidak dapat dielakkan membawa wira ke penghujung yang tragis. Tragedi itu berakhir dengan penegasan moral tentang daya hidup perasaan manusia yang indah. Tragedi "Romeo dan Juliet" adalah lirik, ia diserap dengan puisi remaja, peninggian kemuliaan jiwa dan kuasa cinta yang menakluki semua. Kata-kata akhir drama itu dikipas dengan tragedi lirik:

Tetapi tiada kisah yang lebih menyedihkan di dunia selain kisah Romeo dan Juliet. (Diterjemah oleh T. Shchepkina-Kupernik)

Dalam watak-watak tragedi itu, kecantikan rohani seorang lelaki Renaissance terungkap. Romeo muda adalah orang yang bebas. Dia telah pun berpindah dari keluarga patriarki dan tidak terikat dengan moral feudal. Romeo mendapati kegembiraan dalam berkomunikasi dengan rakan-rakan: kawan baiknya ialah Mercutio yang mulia dan berani. Cinta untuk Juliet menyinari kehidupan Romeo, menjadikannya seorang yang berani dan kuat. Dalam peningkatan pesat perasaan, dalam cetusan semula jadi keghairahan muda, pembungaan keperibadian manusia bermula. Dalam cintanya, penuh kegembiraan kemenangan dan firasat masalah, Romeo bertindak sebagai sifat yang aktif dan bertenaga. Dengan keberanian apa dia menanggung kesedihan akibat berita kematian Juliet! Betapa besar keazaman dan keberanian dalam kesedaran bahawa kehidupan tanpa Juliet adalah mustahil baginya!

Bagi Juliet, cinta telah menjadi satu kejayaan. Dia berani melawan moral Domostroy bapanya dan menentang undang-undang permusuhan darah. Keberanian dan kebijaksanaan Juliet terserlah dalam fakta bahawa dia mengatasi perselisihan lama antara dua keluarga. Setelah jatuh cinta dengan Romeo, Juliet menolak konvensyen tradisi sosial yang kejam. Penghormatan dan kasih sayang terhadap seseorang adalah lebih penting baginya daripada semua peraturan yang disucikan oleh tradisi. Juliet berkata:

Lagipun, hanya nama awak musuh saya, Dan awak - awak, bukan Montague.

Dalam cinta, terserlah jiwa cantik srikandi. Juliet menawan dengan keikhlasan dan kelembutan, semangat dan pengabdian. Jatuh cinta dengan Romeo sepanjang hidupnya. Selepas kematian kekasihnya, tidak mungkin ada kehidupan untuknya, dan dia dengan berani memilih kematian.

Sami Lorenzo menduduki tempat penting dalam sistem imej tragedi itu. Saudara Lorenzo jauh dari fanatik agama. Ini adalah seorang saintis humanis, dia bersimpati dengan trend baharu dan aspirasi cintakan kebebasan yang muncul dalam masyarakat. Jadi, dia membantu, daripada yang dia boleh, Romeo dan Juliet, yang terpaksa menyembunyikan perkahwinan mereka. Lorenzo yang bijak memahami kedalaman perasaan wira muda, tetapi melihat bahawa cinta mereka boleh membawa kepada penghujung yang tragis.

Pushkin sangat menghargai tragedi ini. Dia memanggil imej Romeo dan Juliet sebagai "ciptaan yang menawan dari rahmat Shakespeare", dan Mercutio - "dimurnikan, penyayang, mulia", "wajah paling indah dari semua tragedi." Secara keseluruhannya, Pushkin bercakap tentang tragedi ini dengan cara berikut: "Ia mencerminkan Itali, kontemporari kepada penyair, dengan iklim, keghairahan, percutian, kebahagiaan, soneta, dengan bahasa mewahnya, penuh kecemerlangan dan concetti."

Tragedi "Julius Caesar" melengkapkan kitaran sejarah sejarah dan menyediakan kemunculan tragedi hebat Shakespeare. Penulis drama menggunakan bahan dari Kehidupan Perbandingan Plutarch dan mencipta tragedi sejarah yang asli, di mana dia memberikan pemahaman yang mendalam tentang masalah kuasa negara, sifat seorang ahli politik, hubungan antara pandangan falsafah seorang ahli politik dan tindakan praktikalnya, masalah moral dan politik, keperibadian dan manusia. Mengubah "Julius Caesar" kepada konflik sejarah abad ke-1. Sebelum Masihi, ketika di Rom berlaku peralihan daripada pemerintahan republik kepada rejim autokrasi, Shakespeare juga telah memikirkan konflik sosio-politik di England kontemporari, di mana kedudukan terpencil tuan-tuan feudal digantikan oleh kuasa mutlak.

Shakespeare bersimpati dengan Republikan, menunjukkan perkhidmatan berani mereka kepada masyarakat, tetapi pada masa yang sama dia sedar bahawa Caesarian bertindak mengikut keperluan masa itu. Percubaan Brutus untuk memulihkan republik itu ditakdirkan untuk gagal, kerana dia bertindak bertentangan dengan ketetapan zaman. Dia bersetuju dengan pembunuhan Caesar kerana dia melihat dalam dirinya penentang utama republik itu. Tetapi Brutus gagal meyakinkan rakyat tentang kebaikan kerajaan republik, kerana rakyat, mengikut semangat zaman, mengekalkan rejim autokrasi pada masa itu. Rakyat sudah bersedia untuk mengiktiraf Brutus sebagai pemerintah, tetapi mereka mahu melihat dalam dirinya seorang Caesar yang baru dan lebih baik. Suara rakyat secara tragis bertentangan dengan apa yang Brutus perjuangkan; orang ramai berkata: "biarkan dia menjadi Kaisar", "di dalam dia kita akan memahkotai semua yang terbaik dari Kaisar." Yakin bahawa republik itu telah ditakdirkan, Brutus membunuh diri.

Jika dalam kronik orang adalah salah satu kuasa aktif, salah satu daripada banyak wira, maka dalam "Julius Caesar" orang untuk pertama kalinya dalam drama Shakespeare menjadi watak utama. Kedua-dua Republikan dan Caesarian terpaksa berkira dengannya. Imej rakyat sangat ekspresif dalam adegan pertikaian politik antara Republikan dan Caesarian dalam forum mengenai mayat Caesar yang baru dibunuh. Pertikaian ini diselesaikan oleh orang ramai, yang memihak kepada Caesarian Mark Antony. Tragedi "Julius Caesar" membuktikan penembusan mendalam Shakespeare ke dalam percanggahan sosio-sejarah, ke dalam konflik masyarakat yang tragis.

Dalam tempoh kedua kreativiti dalam pandangan dunia Shakespeare, perubahan ketara berlaku. Mereka ditentukan oleh sikap penulis drama terhadap fenomena baru dalam kehidupan sosio-politik masyarakat Inggeris. Kuasa absolutis semakin jelas mendedahkan rasuahnya, kehilangan kepentingan progresifnya. Percanggahan muncul antara Parlimen dan Ratu Elizabeth. Dengan kuasa James I Stuart (1603), rejim feudal reaksioner telah ditubuhkan di negara ini. Percanggahan antara parlimen dan kuasa diraja semakin mendalam. Orang ramai berada dalam keadaan tertekan. Krisis sistem feudal-absolutisme dan percanggahan antara dasar Stuarts dan kepentingan borjuasi menyebabkan pertumbuhan penentangan borjuasi terhadap absolutisme. Prasyarat untuk revolusi borjuasi muncul di negara ini.

Di bawah keadaan ini, Shakespeare meninggalkan kepercayaan kepada raja yang ideal. Perasaan kritikal dalam kerjanya semakin meningkat. Shakespeare menentang kedua-dua reaksi feudal dan egoisme borjuasi.

Watak karnival yang ceria, cerah, dan banyak karya zaman kreativiti pertama digantikan dengan renungan berat tentang masalah dalam kehidupan masyarakat, tentang kekacauan dunia. Tempoh baru karya Shakespeare dicirikan oleh perumusan masalah sosial, politik, falsafah yang hebat, analisis mendalam tentang konflik tragis era dan tragedi keperibadian masa peralihan. Ini adalah tempoh penciptaan tragedi besar, di mana Shakespeare menyampaikan sifat sejarah perlanggaran dan malapetaka tragis yang timbul dalam era keruntuhan dunia patriarki-kesatria dan kemasukan ke dalam arena sejarah pemangsa sinis yang mewakili hubungan kapitalis baru.

Tempoh kedua karya Shakespeare dibuka dengan tragedi Hamlet (Hamlet, Prince of Denmark, 1600-1601). Sumber-sumber tragedi itu ialah "History of the Danes" oleh Saxo Grammaticus, "The Tragic Tales" oleh Belforet, "The Spanish Tragedy" oleh Thomas Kyd, dan drama Thomas Kyd tentang Hamlet, yang belum sampai kepada kita.

Dalam era yang berbeza, "Hamlet" Shakespeare dilihat secara berbeza. Sudut pandangan Goethe diketahui, yang dinyatakan olehnya dalam novel "Tahun-Tahun Pengajaran Wilhelm Meister" (1795-1796). Goethe melihat tragedi sebagai psikologi semata-mata. Dalam watak Hamlet, dia menekankan kelemahan kehendak, yang tidak sepadan dengan perbuatan besar yang diamanahkan kepadanya.

VG Belinsky dalam artikel “Hamlet, drama Shakespeare. Mochalov sebagai Hamlet (1838) menyatakan pandangan yang berbeza. Hamlet, menurut V. G. Belinsky, mengalahkan kelemahan kehendaknya, dan oleh itu idea utama tragedi itu bukanlah kelemahan kehendak, tetapi "idea perpecahan akibat keraguan", percanggahan antara impian hidup dan kehidupan itu sendiri, antara ideal dan realiti. Belinsky menganggap dunia dalaman Hamlet sedang dibuat. Kelemahan kehendak, oleh itu, dianggap sebagai salah satu detik perkembangan rohani Hamlet, seorang lelaki yang kuat secara semula jadi. Menggunakan imej Hamlet untuk mencirikan keadaan tragis orang berfikir di Rusia pada 30-an abad ke-19, Belinsky mengkritik refleksi, yang memusnahkan integriti personaliti yang aktif.

I.S. Turgenev pada tahun 60-an abad XIX. merujuk kepada imej Hamlet untuk memberikan penilaian sosio-psikologi dan politik tentang "Hamletisme" "orang yang berlebihan". Dalam artikel "Hamlet and Don Quixote" (1860), Turgenev mempersembahkan Hamlet sebagai seorang yang ego, seorang yang ragu-ragu yang meragui segala-galanya, tidak percaya pada apa-apa, dan oleh itu tidak mampu bertindak. Tidak seperti Hamlet, Don Quixote dalam tafsiran Turgenev adalah peminat, pelayan idea yang percaya kepada kebenaran dan memperjuangkannya. I.S. Turgenev menulis bahawa pemikiran dan kehendak berada dalam jurang yang tragis; Hamlet adalah seorang yang berfikir, tetapi lemah semangat, Don Quixote adalah seorang yang kuat semangat, tetapi separuh gila; jika Hamlet tidak berguna kepada orang ramai, maka Don Quixote memberi inspirasi kepada orang ramai untuk bertindak. Pada masa yang sama, Turgenev mengakui bahawa Hamlet rapat dengan Don Quixote dalam sikap tidak tenangnya terhadap kejahatan, bahawa orang ramai melihat benih pemikiran dari Hamlet dan menyebarkannya ke seluruh dunia.

Dalam kritikan sastera Soviet, tafsiran mendalam tentang tragedi "Hamlet" diberikan dalam karya A.A. Anikst, A.A. Smirnov, R.M. Samarin, I.E. Vertsman, L.E. Pinsky, Yu.F. .* * Lihat: Anikst A.A. Karya Shakespeare. - M., 1963; miliknya. Shakespeare: The Dramatist's Craft. - M., 1974; Smirnov A.A. Shakespeare. - L.; M., 1963; Samarin P.M. realisme Shakespeare. - M., 1964; V e r c m a n I.E. Hamlet Shakespeare. - M., 1964; Pinsky L.E. Shakespeare: Asas Dramaturgi. - M., 1971; Shvedov Yu.F. Evolusi tragedi Shakespeare. -M., 1975.

Seorang pelajar di Universiti Wittenberg, Hamlet di mahkamah raja Denmark Claudius di Elsinore berasa sunyi. Denmark kelihatan seperti penjara baginya. Sudah pada permulaan tragedi, konflik ditunjukkan antara pemikir humanis Hamlet dan dunia Claudius yang tidak bermoral, antara keperibadian yang mencintai kebebasan dan kuasa mutlak. Hamlet melihat dunia secara tragis. Putera sangat memahami apa yang berlaku di Elsinore. Konflik di mahkamah Claudius, dia fahami sebagai keadaan aman. Akal Hamlet, pertimbangan aforistiknya yang bijak mendedahkan intipati perhubungan dalam masyarakat pada masa itu. Di Hamlet, sebagai tragedi orang yang berfikir dalam masyarakat yang tidak adil, akal pahlawan dipuisi. Fikiran Hamlet menentang ketidakwajaran dan kekaburan Claudius yang zalim.

Cita-cita moral Hamlet adalah humanisme, dari kedudukan yang kejahatan sosial dikutuk. Kata-kata Hantu tentang jenayah Claudius berfungsi sebagai dorongan untuk permulaan perjuangan Hamlet menentang kejahatan sosial. Putera raja bertekad untuk membalas dendam terhadap Claudius atas pembunuhan bapanya. Claudius melihat Hamlet sebagai antagonis utamanya, jadi dia memberitahu pegawai istananya Polonius, Rosencrantz dan Guildenstern untuk mengintipnya. Dusun yang peka membongkar semua muslihat raja, yang cuba mengetahui rancangannya dan memusnahkannya. Pengkritik sastera Soviet L. E. Pinsky menyebut Hamlet sebagai tragedi ilmu kehidupan: “... Seorang wira yang aktif secara semula jadi tidak melakukan perbuatan yang diharapkan kerana dia mengetahui dunianya dengan sempurna. Ini adalah tragedi kesedaran, kesedaran ... "*

*Pinsky L.E. Shakespeare: Asas Dramaturgi. - S. 129.

Pandangan tragis Hamlet, refleksi falsafahnya bukan disebabkan oleh apa yang berlaku di Elsinore (pembunuhan bapa Hamlet dan perkahwinan ibunya Ratu Gertrude dengan Claudius), tetapi oleh kesedaran tentang ketidakadilan umum yang berlaku di dunia. Hamlet melihat lautan kejahatan dan mencerminkan dalam monolog terkenalnya "To be or not to be" tentang bagaimana seseorang harus bertindak apabila berhadapan dengan kebusukan dalam masyarakat. Monolog "To be or not to be" mendedahkan intipati tragedi Hamlet - baik berkaitan dengan dunia luar mahupun dalam dunia dalamannya. Persoalannya timbul di hadapan Hamlet: bagaimana untuk bertindak apabila melihat jurang kejahatan - untuk mendamaikan atau melawan?

Menjadi atau tidak menjadi persoalannya; Apa yang lebih mulia - dalam semangat untuk tunduk kepada Sling dan anak panah nasib yang marah Atau, mengangkat senjata melawan lautan kesusahan, untuk membunuh mereka dengan Konfrontasi? (Diterjemah oleh M. Lozinsky)

Dusun tidak boleh tunduk kepada kejahatan; dia bersedia untuk melawan kekejaman dan ketidakadilan yang memerintah di dunia, tetapi dia sedar bahawa dia akan binasa dalam perjuangan ini. Hamlet mempunyai idea bunuh diri sebagai cara untuk menamatkan "kerinduan dan seribu siksaan semula jadi", bagaimanapun, bunuh diri bukanlah pilihan, kerana kejahatan kekal di dunia dan pada hati nurani seseorang ("Itulah kesukarannya; apa mimpi akan diimpikan dalam mimpi kematian..." ). Selanjutnya, Hamlet bercakap tentang kejahatan sosial, menyebabkan kemarahan dalam orang yang jujur ​​dan berperikemanusiaan:

Siapa yang akan menanggung cambuk dan ejekan abad ini, Penindasan orang yang kuat, ejekan orang yang sombong, Pedihnya cinta yang hina, kelambatan hakim, Keangkuhan penguasa dan penghinaan, Ditimpakan atas jasa yang lemah lembut ...

Renungan tentang bencana jangka panjang umat manusia, di lautan kejahatan, membuat Hamlet meragui keberkesanan kaedah perjuangan yang mungkin pada masa itu. Dan keraguan membawa kepada hakikat bahawa keazaman untuk bertindak untuk masa yang lama tidak direalisasikan dalam tindakan itu sendiri.

Hamlet adalah seorang yang kuat semangat, bertenaga, sifat aktif. Dengan segenap kekuatan jiwanya, dia diarahkan untuk mencari kebenaran, kepada perjuangan untuk keadilan. Fikiran dan keraguan Hamlet yang menyakitkan adalah mencari cara yang lebih betul dalam memerangi kejahatan. Dia teragak-agak dalam menunaikan kewajipannya membalas dendam juga kerana dia akhirnya mesti meyakinkan dirinya sendiri dan meyakinkan orang lain tentang kesalahan Claudius. Untuk melakukan ini, dia mengatur adegan "perangkap tikus": dia meminta pelakon yang mengembara untuk memainkan drama yang boleh mendedahkan Claudius. Semasa persembahan, Claudius mengkhianati dirinya sendiri dengan kekeliruannya. Hamlet yakin akan kesalahannya, tetapi terus menangguhkan membalas dendam. Ini menyebabkan dalam dirinya perasaan tidak puas hati dengan dirinya sendiri, perselisihan mental.

Dusun terpaksa melakukan pertumpahan darah hanya dalam kes-kes yang luar biasa, apabila dia tidak boleh tidak bertindak balas terhadap kejahatan dan kebencian yang jelas. Jadi, dia membunuh Polonius, menghantar Rosencrantz dan Guildenstern mengintipnya hingga mati, dan kemudian membunuh Claudius sendiri. Dia bercakap dengan kasar dan kejam kepada Ophelia yang penyayang, yang ternyata menjadi alat di tangan musuhnya. Tetapi kejahatannya ini tidak disengajakan, ia adalah dari ketegangan kesedarannya, dari kekeliruan dalam jiwanya, dirobek oleh perasaan yang bercanggah.

Akhlak mulia Hamlet, penyair dan ahli falsafah, kelihatan lemah dari sudut pandangan mereka yang tidak berhenti untuk mencapai matlamat mereka. Malah, Hamlet seorang yang kuat. Tragedinya terletak pada hakikat bahawa dia tidak tahu bagaimana mengubah keadaan dunia yang tidak adil, bahawa dia menyedari ketidakberkesanan cara perjuangan yang dia miliki, bahawa orang yang jujur ​​dan berfikiran boleh membuktikan kesnya hanya di kos kematiannya.

Rasa sayu Hamlet timbul akibat pemahaman bahawa "masa telah keluar dari sendi-sendinya" dan berada dalam keadaan kacau dan bermasalah. Dalam komposisi tragedi itu, monolog lirik dan falsafah putera raja menduduki tempat yang besar, di mana kesedaran mendalam tentang semangat zaman dinyatakan.

Sifat falsafah umum renungan Hamlet menjadikan tragedi ini hampir dengan zaman lain juga. Hamlet menyedari bahawa dia tidak dapat mengatasi kejahatan yang memerintah di dunia; mengetahui bahawa selepas kematian Claudius, kejahatan tidak akan hilang, kerana ia terkandung dalam struktur kehidupan sosial pada masa itu. Merujuk kepada orang-orang di sekelilingnya, Hamlet berkata: "Tidak seorang pun daripada orang yang menggembirakan saya." Dan pada masa yang sama, bagi Hamlet si humanis, idealnya ialah keperibadian manusia yang cantik: “Sungguh hebat ciptaan - seorang lelaki! Betapa mulianya fikiran! Betapa tidak terbatasnya kebolehan, bentuk dan pergerakannya! Sungguh tepat dan mengagumkan dalam tindakan! Betapa seperti malaikat dia mempunyai pemahaman yang mendalam! Macam tuhan dia! Keindahan alam semesta! Mahkota semua yang hidup! Hamlet melihat penjelmaan cita-cita ini dalam diri bapanya dan rakannya Horatio.

Perkembangan plot dalam tragedi itu sebahagian besarnya ditentukan oleh kegilaan putera raja. Apakah maksud tindakan dan kenyataan Hamlet yang dianggap gila? Untuk berlakon dalam dunia Claudius yang gila, Hamlet terpaksa memakai topeng kegilaan. Dalam peranan ini, dia tidak perlu hipokrit dan berbohong, dia bercakap kebenaran yang pahit. Topeng kegilaan sepadan dengan perselisihan rohani putera raja, impulsif tindakannya, keberanian gila dalam perjuangan untuk kebenaran di bawah kezaliman Claudius.

Kemalangan tragis memainkan peranan besar dalam plot. Pada penghujung tragedi, sekumpulan kemalangan diberikan - wira yang mengambil bahagian dalam rapier pertukaran duel, gelas dengan minuman beracun jatuh kepada orang yang salah, dan sebagainya. Hasil yang tragis menghampiri dengan tidak dapat dielakkan. Tetapi ia datang dalam bentuk yang tidak dijangka dan pada masa yang tidak dijangka. Struktur sosial yang tidak munasabah mengelirukan kedua-dua rancangan yang munasabah dan melulu dan menyebabkan tidak dapat dielakkan tragis "hukuman tidak sengaja, pembunuhan yang tidak dijangka."

Hamlet lambat dalam memenuhi tugasnya, tetapi dia bersedia untuk bertindak pada bila-bila masa, dan dalam adegan terakhir baginya "kesediaan adalah segala-galanya." Hamlet adalah personaliti heroik. Dia bersedia untuk melawan kejahatan dan mengesahkan kebenaran walaupun dengan kos kematiannya sendiri. Bukan kebetulan bahawa selepas semua peristiwa tragis Hamlet yang telah meninggal dunia, atas arahan Fortinbras, mereka dikebumikan dengan penghormatan tentera. Sebelum kematiannya, Hamlet menyatakan hasratnya agar orang ramai tahu tentang kehidupan dan perjuangannya. Dia meminta Horatio mendedahkan kepada dunia punca kejadian tragis itu, untuk menceritakan kisah Putera Denmark.

Hamlet adalah tragedi realistik yang mencerminkan kerumitan masa ketika humanisme Renaissance memasuki masa krisis. Tragedi itu sendiri menyatakan idea tentang keperluan untuk gambaran objektif kehidupan. Dalam perbualan dengan pelakon, Hamlet menyatakan pandangan tentang seni yang selaras sepenuhnya dengan kedudukan estetik Shakespeare. Pertama sekali, kesan mencolok dari mereka yang bersedia untuk "menjana semula Herodes" ditolak; adalah dicadangkan untuk menyesuaikan "tindakan dengan ucapan, ucapan dengan tindakan" dan "tidak melampaui kesederhanaan alam semula jadi"; intipati seni dirumuskan; "untuk memegang, seolah-olah, cermin di hadapan alam semula jadi, untuk menunjukkan kebaikan ciri-cirinya sendiri, keangkuhan - penampilannya sendiri, dan kepada setiap umur dan harta - rupa dan kesannya."

Perlanggaran sejarah utama pada akhir abad XVI. - konflik antara dunia kepahlawanan kesatria dan jenayah kuasa mutlak - masing-masing terkandung dalam imej dua beradik, bapa Hamlet dan Claudius. Hamlet mengagumi bapa-wiranya dan membenci Claudius yang hipokrit, khianat dan segala yang berdiri di belakangnya, i.e. dunia yang penuh tipu daya keji dan rasuah umum.

Tragedi "Othello" (Othello, Moor of Venice, 1604) dicipta berdasarkan novel "The Moor of Venice" oleh Geraldi Cinthio. Kisah cinta dan kematian tragis Othello dan Desdemona ditunjukkan oleh Shakespeare dengan latar belakang sosial yang luas. Wakil-wakil kerajaan Venice muncul dalam tragedi itu - doge, senator Brabantio, Gratiano, Lodovico; persekitaran tentera digambarkan - Iago, Cassio, Montano. Dengan latar belakang ini, nasib Othello dan Desdemona memperoleh makna sosio-psikologi yang mendalam.

Moor Othello ialah personaliti yang cemerlang. Terima kasih kepada keberaniannya, dia mencapai kedudukan tinggi dalam masyarakat, menjadi komander Venetian, jeneral. Kehidupan pahlawan ini penuh dengan bahaya, dia terpaksa melihat banyak dan banyak bertahan. Daripada semua ujian, Othello muncul sebagai seorang yang berani dan berani, mengekalkan kesucian dan semangat perasaan. Ia merangkumi cita-cita Renaissance seorang yang cantik. Moor yang mulia adalah pintar dan aktif, berani dan jujur. Untuk ini, anak perempuan senator Venetian Desdemona jatuh cinta kepadanya:

Saya jatuh cinta dengannya dengan keberanian saya, Dia jatuh cinta dengan saya dengan simpatinya. (Diterjemah oleh B. Pasternak)

Cinta Othello dan Desdemona merupakan cabaran heroik kepada konvensyen tradisional. Cinta ini berdasarkan persefahaman dan kepercayaan yang mendalam.

Watak Desdemona berkaitan dengan watak Othello. Desdemona juga dicirikan oleh keberanian dan mudah tertipu. Demi kekasihnya, dia melarikan diri dari rumah dan meninggalkan Venice apabila Othello dilantik sebagai gabenor Cyprus. Othello memanggilnya "pahlawan yang cantik". Dalam penampilan Desdemona yang menawan, keberanian digabungkan dengan kelembutan. Tetapi jika Desdemona kekal sebagai orang yang harmoni dan utuh hingga akhir, maka Othello membiarkan "huru-hara" ke dalam jiwanya, dan ini menyebabkan malapetaka. Desdemona mengekalkan keyakinan terhadap Othello; tetapi keyakinannya goyah di bawah pengaruh tipu muslihat pangkalan dan Iago yang khianat.

Tidak tahu bagaimana untuk menjelaskan sebab Othello telah berubah untuknya, Desdemona faham bahawa sebab ini bukan cemburu. Dia berkata:

Othello bijak dan tidak kelihatan seperti orang kasar yang cemburu...

Dan apabila hamba Emilia bertanya kepada Desdemona jika Othello cemburu, dia dengan yakin menjawab:

Sudah tentu tidak. Matahari tropika Semua kekurangan ini terbakar dalam dirinya.

Desdemona, seperti tiada siapa, memahami jiwa Othello. Sesungguhnya, cemburu timbul dalam diri Othello bukan akibat syak wasangka, pendendam atau cita-cita, tetapi sebagai manifestasi rasa kepercayaan yang tertipu, maruah yang tersinggung. Dengan ironi yang menyedihkan, Othello menganggap ia bukan Iago, yang menipu Moor yang mudah tertipu, tetapi Desdemona yang tulen dan setia, sebagai penyebab perasaan kepercayaan yang tertipu. Othello berkata tentang dirinya:

Dia tidak mudah cemburu, tetapi dalam badai perasaan dia jatuh ke dalam kemarahan ...

Oleh itu, A.S. Pushkin mencirikan Othello: "Othello tidak cemburu secara semula jadi - sebaliknya: dia percaya."

Othello sangat menyayangi Desdemona, walaupun dia memutuskan untuk membunuhnya. Dia berfikir bahawa dia memulihkan keadilan, menjalankan tugasnya. Percaya dengan fitnah Iago, dia percaya bahawa dia tidak boleh membenarkan Desdemona menipu orang lain. Dia penuh dengan kesedaran tentang tugas yang tinggi kepada orang ramai: pembunuhan Desdemona bermakna baginya penghapusan pembohongan sebagai bahaya umum. Tragedi Othello adalah tragedi kepercayaan yang tertipu, tragedi dibutakan oleh nafsu. Cinta untuknya menentukan sikap Othello kepada orang ramai, kepada dunia. Apabila kesatuan mereka harmoni, Othello menganggap dunia sebagai indah; apabila dia percaya pada ketidakjujuran Desdemona, segala-galanya muncul di hadapannya dalam bentuk huru-hara yang suram.

Othello yang jujur ​​menjadi mangsa tipu daya jahat Iago, tidak menyedari bahawa dia menipunya. Shakespeare tidak secara langsung menunjukkan sebab Iago membenci Othello, walaupun Iago bercakap tentang keinginannya untuk mencapai kerjaya, cemburu terhadap Othello, perasaan nafsunya terhadap Desdemona. Perkara utama dalam watak Iago ialah keinginan Machiavellian untuk mencapai kelebihan berbanding orang lain pada sebarang kos. Iago, tentu saja, pintar dan aktif, tetapi kebolehannya, "keberanian"nya sepenuhnya tertakluk kepada rancangannya yang mementingkan diri sendiri. "Keberanian" Iago bersifat individualistik dan tidak bermoral. Dia merumuskan minat utamanya seperti berikut: "Simpan dompet anda ketat." Perancang Iago adalah sinis dan hipokrit. Kebenciannya terhadap Othello dijelaskan oleh perbezaan asas antara sifat mereka, pandangan mereka, sikap mereka terhadap kehidupan. Keluhuran Othello adalah penafian egosentrisme borjuasi Iago. Itulah sebabnya dia tidak boleh mendamaikan dirinya dengan penegasan prinsip etika Othello dalam kehidupan. Iago menggunakan asas bermaksud untuk menolak Othello yang terus terang dari jalan hidupnya yang mulia, untuk menjerumuskannya ke dalam kekacauan nafsu individualistik.

Shakespeare si realis menunjukkan jalan mana seseorang boleh pergi, bebas daripada belenggu feudal. Seseorang boleh menjadi cerah dan cantik dari segi moral, seperti tokoh heroik Othello, atau dasar, tidak bermoral, seperti Iago yang sinis. Inferioritas moral mengubah kebebasan individu menjadi sebaliknya, i.e. ke dalam pergantungan hamba pada nafsu gelap dan kepentingan diri sendiri. Iago bertindak terhadap Othello dan Desdemona dengan fitnah dan penipuan. Dia mengambil kesempatan daripada sikap mudah tertipu Othello, memainkan perangai hero yang bersemangat, atas kejahilannya tentang adat istiadat masyarakat. Peralihan pantas Othello yang mulia daripada heroik kepada membutakan oleh keghairahan gelap menunjukkan bahawa personaliti Renaissance yang bersemangat bebas terdedah, kerana tahap hubungan sosial pada masa itu tidak membenarkan ideal personaliti humanistik direalisasikan sepenuhnya dalam realiti. Shakespeare menunjukkan tragedi keperibadian berani yang mendapati dirinya tertarik ke dalam hubungan asas sebenar masyarakat borjuasi dan tidak dapat melindungi dirinya daripada nafsu gelap.

Episod "pengiktirafan" mendedahkan maruah manusia wira, kehebatan moralnya. Dengan kegembiraan rohani, Othello mengetahui bahawa Desdemona mencintainya dan setia kepadanya, tetapi pada masa yang sama dia terkejut bahawa perkara yang paling buruk berlaku: dia membunuh orang yang tidak bersalah dan berbakti kepadanya Desdemona. Bunuh diri Othello dalam adegan terakhir adalah hukuman terhadap dirinya sendiri kerana pemergiannya dari kepercayaan kepada manusia. Pengakhiran yang tragis, oleh itu, mengesahkan kemenangan moral bangsawan ke atas kuasa gelap kejahatan.

Konflik antara individu dan masyarakat dalam aspek baharu ditunjukkan dalam tragedi “King Lear” (King Lear, 1605-1606). Ini adalah tragedi maruah manusia dalam masyarakat yang tidak adil.

Intipati dan evolusi watak Lear ditakrifkan dengan sangat tepat oleh N.A. Dobrolyubov: "Lear mempunyai sifat yang sangat kuat, dan perhambaan umum kepadanya hanya mengembangkannya dengan cara yang berat sebelah - bukan untuk perbuatan cinta yang besar dan kebaikan bersama, tetapi hanya untuk kepuasan diri sendiri, kehendak peribadi. Ini dapat difahami dengan sempurna pada seseorang yang terbiasa menganggap dirinya sebagai sumber semua kegembiraan dan kesedihan, permulaan dan akhir semua kehidupan dalam kerajaannya. Di sini, dengan skop tindakan luaran, dengan kemudahan memenuhi semua keinginan, tidak ada apa-apa untuk menyatakan kekuatan rohaninya. Tetapi sekarang pemujaan dirinya melangkaui semua batas akal sehat: dia memindahkan terus kepada keperibadiannya semua kecemerlangan itu, semua penghormatan yang dia nikmati untuk maruahnya; dia memutuskan untuk membuang kuasa, yakin bahawa walaupun selepas itu orang tidak akan berhenti gementar kepadanya. Keyakinan gila ini membuatnya memberikan kerajaannya kepada anak-anak perempuannya dan, melalui itu, dari kedudukan biadabnya yang tidak masuk akal, beralih ke gelaran sederhana sebagai orang biasa dan mengalami semua kesedihan yang berkaitan dengan kehidupan manusia. “Melihat dia, kami mula-mula berasa benci terhadap lalim yang tidak bermoral ini; tetapi, berikutan perkembangan drama itu, kita menjadi lebih dan lebih berdamai dengannya seperti dengan seorang lelaki dan akhirnya dipenuhi dengan kemarahan dan kebencian yang membakar bukan lagi terhadapnya, tetapi untuknya dan untuk seluruh dunia - kepada situasi yang liar dan tidak berperikemanusiaan itu. yang boleh membawa kepada perbuatan tidak senonoh seperti orang seperti Lear.

*Dobrolyubov N.A. Sobr. cit.: Dalam 9 jilid - M; L., 1962. T. 5. - S. 52.

** Ibid. - S. 53.

"King Lear" adalah tragedi sosial. Ia menunjukkan persempadanan kumpulan sosial yang berbeza dalam masyarakat. Wakil-wakil kehormatan kesatria lama ialah Lear, Gloucester, Kent, Albany; dunia pemangsa borjuasi diwakili oleh Goneril, Regan, Edmond, Cornwall. Di antara dunia ini terdapat perjuangan yang tajam. Masyarakat berada dalam keadaan krisis yang mendalam. Gloucester mencirikan kemusnahan asas sosial seperti berikut: “Cinta menyejukkan, persahabatan melemah, perselisihan persaudaraan ada di mana-mana. Terdapat rusuhan di bandar-bandar, di kampung-kampung perselisihan, di istana pengkhianatan, dan ikatan keluarga antara ibu bapa dan anak-anak runtuh ... Masa terbaik kami telah berlalu. Kepahitan, pengkhianatan, pergolakan yang dahsyat akan menemani kita ke kubur ”(Diterjemahkan oleh B. Pasternak).

Dengan latar belakang sosial yang luas inilah kisah tragis Raja Lear terbongkar. Pada permulaan permainan, Lear adalah seorang raja yang berkuasa, memerintah nasib manusia. Shakespeare dalam tragedi ini (di mana dia menembusi lebih mendalam ke dalam hubungan sosial pada masa itu berbanding dalam dramanya yang lain) menunjukkan bahawa kuasa Lear bukan dalam pemerintahannya, tetapi pada hakikat bahawa dia memiliki kekayaan dan tanah. Sebaik sahaja Lear membahagikan kerajaannya antara anak perempuannya Goneril dan Regan, meninggalkan dirinya hanya sebagai raja, dia kehilangan kuasanya. Tanpa hartanya, raja mendapati dirinya dalam kedudukan seorang pengemis. Pemilikan dalam masyarakat telah memusnahkan hubungan kekerabatan patriarki sesama manusia. Goneril dan Regan bersumpah cinta mereka kepada bapa mereka semasa dia berkuasa, dan membelakanginya apabila dia kehilangan harta bendanya.

Setelah melalui ujian yang tragis, melalui ribut dalam jiwanya sendiri, Lear menjadi seorang lelaki. Dia mengenali nasib orang miskin, menyertai kehidupan orang ramai dan memahami apa yang berlaku di sekelilingnya. Raja Lear memperoleh kebijaksanaan. Dalam kemunculan pandangan baru dunia, pertemuan di padang rumput, semasa ribut, dengan gelandangan malang Poor Tom memainkan peranan yang besar. (Ia adalah Edgar Gloucester, yang bersembunyi dari penganiayaan abangnya Edmond.) Dalam fikiran terkejut Lear, masyarakat muncul dalam cahaya baru, dan dia tertakluk kepada kritikan tanpa belas kasihan. Kegilaan Lear menjadi pencerahan. Lear bersimpati dengan orang miskin dan mencela orang kaya:

Gelandangan, celaka telanjang, Di manakah anda sekarang? Bagaimana anda akan menangkis pukulan cuaca yang sengit ini - Dengan kain buruk, dengan kepala yang tidak bertudung Dan perut yang kurus? Betapa sedikit saya memikirkan perkara ini sebelum ini! Inilah pengajaran untuk anda, orang kaya yang sombong! Gantikan orang miskin, Rasai apa yang mereka rasa, Dan berikan mereka bahagian kelebihanmu Sebagai tanda keadilan tertinggi syurga. (Diterjemah oleh B. Pasternak)

Lear bercakap dengan marah tentang masyarakat yang dikuasai oleh sewenang-wenangnya. Kuasa muncul kepadanya dalam bentuk imej simbolik seekor anjing mengejar pengemis yang melarikan diri darinya. Lear menggelar hakim sebagai pencuri, ahli politik yang berpura-pura memahami apa yang orang lain tidak faham adalah bajingan.

Kent yang mulia dan pelawak itu tetap setia kepada Lear hingga akhir. Imej jester memainkan peranan yang sangat penting dalam tragedi ini. Kecerdikannya, jenaka paradoks dengan berani mendedahkan intipati hubungan antara manusia. Jester tragicomic memberitahu kebenaran pahit; kata-kata jenaka beliau menyatakan pandangan rakyat terhadap apa yang berlaku.

Jalan cerita yang berkaitan dengan nasib Earl of Gloucester, bapa kepada dua anak lelaki, mencetuskan nasib Lear, memberikannya makna umum. Gloucester juga mengalami tragedi tidak bersyukur. Dia ditentang oleh anak luar nikahnya, Edmond.

Cita-cita kemanusiaan terkandung dalam imej Cordelia. Ia tidak menerima kedua-dua dunia kesatria lama dan dunia Machiavellian baharu. Dalam wataknya, rasa maruah manusia ditekankan dengan kekuatan istimewa. Tidak seperti adik-beradik perempuannya yang munafik, dia ikhlas dan jujur, tidak takut dengan perangai lalim bapanya dan memberitahunya apa yang dia fikirkan. Walaupun terdapat kekangan dalam manifestasi perasaan, Cordelia benar-benar menyayangi bapanya dan dengan berani menerima ketidakpuasan hati ayahnya. Selepas itu, apabila Lear, setelah melalui ujian yang berat, memperoleh maruah manusia dan rasa keadilan, Cordelia berada di sebelahnya. Dua orang cantik ini mati dalam masyarakat yang kejam.

Pada penghujung tragedi, kebaikan menang atas kejahatan. Edgar yang mulia akan menjadi raja. Sebagai seorang pemerintah, dia akan beralih kepada kebijaksanaan yang ditemui oleh Lear dalam nasibnya yang tragis.

Tragedi "Macbeth" (Macbeth, 1606), yang dicipta berdasarkan bahan "Chronicles of England, Scotland dan Ireland" R. Holinshed ditumpukan kepada masalah keadaan tragis negara dan individu di bawah rejim yang zalim.

Macbeth adalah seorang zalim dan pembunuh. Tetapi dia tidak serta-merta menjadi begitu. Imej itu didedahkan dalam pembangunan, dalam dinamik, dalam semua kerumitan dan ketidakkonsistenan dunia dalamannya. Perjuangan antara penyesalan dan dorongan bercita-cita tinggi dalam jiwa Macbeth, kesedaran pada penghujung ketiadaan perbuatan berdarahnya - semua ini membezakannya daripada penjahat biasa dan menjadikannya watak yang tragis.

Dalam aksi pertama, Macbeth muncul sebagai wira dalam adegan megah kemenangan ke atas musuh Scotland. Ini adalah pahlawan yang kuat, berani, berani. Macbeth adalah baik secara semula jadi dan bukan tanpa perikemanusiaan. Dia mencapai kemasyhuran melalui eksploitasinya. Keyakinan pada kekuatannya dan kemungkinan sifatnya menyebabkan dalam dirinya keinginan untuk menjadi lebih megah, untuk mencapai kemuliaan yang lebih besar. Walau bagaimanapun, struktur sosial pada masa itu meletakkan had pada perkembangan individu, menyelewengkan kebolehan seseorang yang tidak terhad. Jadi, keberanian Macbeth bertukar menjadi cita-cita, dan cita-cita mendorongnya untuk melakukan jenayah - pembunuhan Duncan untuk mencapai kuasa tertinggi. Penyimpangan keberanian oleh cita-cita sangat tepat dicirikan oleh kata-kata ahli sihir dari adegan pertama tragedi: "Yang cantik itu keji, dan yang keji itu cantik." Dalam tindakan Macbeth, garis antara kebaikan dan kejahatan semakin kabur.

Imej ahli sihir yang menjijikkan, meramalkan nasib masa depan Macbeth, melambangkan kezaliman yang ada dalam niat dan perbuatannya. Ahli sihir tidak mewakili sebarang kuasa maut yang mengarahkan tingkah laku wira. Mereka meluahkan apa yang telah timbul dalam fikiran Macbeth. Keputusan jenayah yang dibuat oleh Macbeth ditentukan oleh kehendaknya sendiri, bukan dengan kekerasan yang membawa maut. Perbuatan jenayah semakin mendorong ke arah kelahiran semula individu. Daripada seorang lelaki yang baik hati dan berani, Macbeth menjadi seorang pembunuh dan zalim. Satu jenayah membawa kepada jenayah yang lain. Macbeth tidak lagi boleh menolak untuk membunuh, cuba mengekalkan takhta:

Saya sudah terperangkap dalam lumpur berdarah, Lebih mudah untuk saya melangkah ke hadapan, Daripada kembali melalui rawa. Dalam otak, rancangan dahsyat saya masih belum lahir, Dan tangan berusaha untuk mencapainya. (Diterjemah oleh Yu. Korneev)

Apabila kezaliman Macbeth menjadi jelas kepada semua, dia mendapati dirinya sendirian. Semua orang berundur dari kezaliman.

Melalui jenayah, Macbeth mahu mengubah nasib, campur tangan dalam perjalanan masa. Dia sudah takut terlepas sesuatu dan dengan perbuatan berdarah yang tidak putus-putus cuba mendahului tindakan lawan yang didakwa. Si zalim menuju ke "esok"nya dengan bantuan jenayah, dan "esok" mendorongnya lebih dan lebih ke arah penghujung yang tidak dapat dielakkan. Kekejaman si zalim mencetuskan tentangan. Seluruh masyarakat bangkit menentang penjajah. Nampaknya Macbeth bahawa kuasa alam juga telah menentangnya - Hutan Birnam sedang berarak ke Dunsinan. Ini adalah pahlawan Macduff dan Malcolm, bersembunyi di sebalik dahan hijau, bergerak dalam runtuhan salji yang tidak dapat dilawan menentang Macbeth dan menghancurkannya. Salah satu watak dalam tragedi itu, bangsawan Scotland Ross, bercakap tentang intipati nafsu untuk kuasa:

Oh cinta kuasa, Anda memakan apa yang anda hidup!

Setelah bercakap menentang kemanusiaan, Macbeth menghukum dirinya untuk melengkapkan pengasingan, kesunyian dan kematian. Lady Macbeth sangat fanatik kepada suaminya, yang dia anggap sebagai lelaki yang hebat. Dia juga bercita-cita tinggi seperti dia. Dia mahu Macbeth menjadi Raja Scotland. Lady Macbeth bertekad untuk mencapai kuasa dan menyokong suaminya, membantunya mengatasi keraguan moral apabila dia merancang untuk membunuh Duncan. Lady Macbeth berpendapat bahawa cukup untuk mencuci darah dari tangannya - dan jenayah itu akan dilupakan. Namun, sifat manusianya gagal dan dia menjadi gila. Dalam keadaan gila, somnambulistik, dia cuba membasuh darah dari tangannya dan tidak boleh. Pada hari kematian suaminya, Lady Macbeth membunuh diri.

Berbanding tragedi Shakespeare yang lain, suasana tragis di Macbeth sangat padat. Ia dipompa berhubung dengan perkembangan tema berkuasa melalui jenayah. Tindakan menjadi lebih mampat, tertumpu dan terburu-buru; ia biasanya berlaku pada waktu malam dan berlatar belakangkan ribut; tempat yang besar diduduki oleh unsur ghaib (ahli sihir, penglihatan), melaksanakan peranan firasat dan petanda yang tidak menyenangkan. Namun, pada akhirnya, kegelapan hilang, manusia menang atas kejahatan.

Tragedi Shakespeare dicirikan oleh pemahaman yang mendalam tentang intipati percanggahan tragis pada zaman mereka. Dalam dramaturgi Shakespeare, konflik sosio-politik Zaman Renaisans dicerminkan secara mengejutkan. Perubahan mendalam dalam kehidupan yang dikaitkan dengan pergolakan besar dalam sejarah, apabila feudalisme digantikan oleh sistem borjuasi baru - ini adalah asas kepada tragis dalam Shakespeare. Historisisme Shakespeare terletak pada memahami kecenderungan utama perjuangan sebenar yang berlaku antara yang lama dan yang baru, dalam mendedahkan makna tragis hubungan sosial pada masa itu. Dengan segala pandangan puitisnya yang naif tentang dunia, Shakespeare dapat menunjukkan kepentingan rakyat dalam kehidupan masyarakat.

Historisisme puitis Shakespeare memperkenalkan kandungan baharu ke dalam tema tragis, menyusun semula tragis sebagai masalah estetik, memberikannya kualiti baharu dan unik. Tragis dalam Shakespeare berbeza daripada tanggapan zaman pertengahan tentang tragis, daripada pandangan Chaucer tentang tragis yang dinyatakan dalam The Canterbury Tales (The Monk's Prologue and The Monk's Tale). Menurut idea zaman pertengahan, tragedi boleh berlaku kepada orang yang mempunyai kedudukan tinggi, hidup dalam kebahagiaan dan melupakan kuasa Providence. Orang-orang seperti itu tertakluk kepada kemewahan nasib, tanpa mengira watak mereka, kebaikan dan keburukan mereka. Kedudukan mereka yang sangat tinggi menjadi punca kebanggaan, maka malapetaka itu sentiasa dekat. Menurut idea zaman pertengahan, nasib menurunkan nasib malang kepada seseorang secara tidak dijangka dan tanpa sebab. Manusia tidak berdaya di hadapan kebijaksanaan ketentuan, dan tidak ada yang dapat melepaskan diri dari pukulan takdir. Konsep tragis zaman pertengahan tidak bermula dari watak seseorang dan perlanggarannya dengan nasib, tetapi dari kepercayaan pada kemahakuasaan kuasa-kuasa ghaib, oleh itu, dalam karya-karya tragis kesusasteraan zaman pertengahan, epik, permulaan naratif berlaku di atas dramatik.

Tragis dalam Shakespeare bebas daripada idea fatalisme, nasib. Dan walaupun wiranya merujuk kepada Tuhan dan kekayaan, Shakespeare menunjukkan bahawa orang bertindak atas dasar keinginan dan kehendak mereka, tetapi dalam cara mereka menghadapi keadaan hidup, i.e. dengan kehendak dan keinginan orang lain yang menyatakan kepentingan peribadi, awam dan negara. Dari pertembungan antara rakyat sendiri, yang mewakili masyarakat dan kemanusiaan, kedua-dua kemenangan dan kekalahan mengalir. Tragis adalah wujud dalam diri orang itu sendiri, dalam perjuangan mereka, dan tidak bergantung pada prapenentuan fatalistik. Nasib tragis wira, kematiannya yang tidak dapat dielakkan adalah akibat dari watak dan keadaan hidupnya. Banyak yang berlaku secara kebetulan, tetapi akhirnya semuanya tertakluk kepada keperluan - Masa.

Alam ghaib dalam tragedi Shakespeare - hantu dan ahli sihir - lebih merupakan penghormatan kepada motif cerita rakyat daripada manifestasi tahyul penulis drama itu sendiri, ia adalah konvensyen puitis dan teknik pelik dalam menggambarkan watak dan memaksa suasana tragis. Kedua-dua Hamlet dan Macbeth bertindak mengikut aspirasi dan kehendak mereka sendiri, dan bukan atas perintah kuasa ghaib. Shakespeare dan wiranya tidak selalu memahami maksud peristiwa tragis, tetapi sentiasa jelas bahawa ia berlaku mengikut undang-undang sebab akibat, mengikut undang-undang masa yang keras.

Keperluan dalam Shakespeare muncul bukan sahaja sebagai pergerakan sejarah Masa, tetapi juga sebagai kepastian dan tidak dapat dipertikaikan asas moral semula jadi kehidupan manusia. Dalam kehidupan awam, kemanusiaan sejagat diperlukan. Moral berdasarkan keadilan manusia adalah ideal yang harus diperjuangkan oleh orang ramai dan pelanggarannya membawa kepada akibat yang tragis.

Tragis dalam Shakespeare adalah dialektik. Masyarakat boleh melanggar hubungan moral semula jadi dan membawa wira kepada kematian (Romeo dan Juliet), dan wira, kerana sejumlah sifat negatifnya, boleh melakukan kejahatan dan menyebabkan kerosakan kepada masyarakat (Macbeth), dan pada masa yang sama wira dan masyarakat boleh bersalah dalam hubungan antara satu sama lain ( King Lear). Segala-galanya bergantung kepada kerumitan sebenar percanggahan sosial pada masa itu dan konflik psikologi setiap individu. Perjuangan antara kebaikan dan kejahatan berlangsung bukan sahaja di arena awam, tetapi juga dalam jiwa manusia.

Konflik dalam tragedi Shakespeare sangat tegang, tajam dan tidak dapat didamaikan, dan ia berlaku sebagai pertembungan dua kuasa antagonis. Di latar depan - perjuangan dua pahlawan yang kuat, merangkumi watak yang berbeza, prinsip dan pandangan hidup yang berbeza, nafsu yang berbeza. Hamlet dan Claudius, Othello dan Iago, Lear dan Goneril, Caesar dan Brutus - ini adalah watak berlawanan yang telah terlibat dalam pergaduhan. Tetapi wira mulia Shakespeare bukan sahaja melawan beberapa antagonis individu, dia memasuki perjuangan dengan seluruh dunia kejahatan. Perjuangan ini mendedahkan kemungkinan rohani terbaik wira, tetapi ia juga menyebabkan kejahatan. Perjuangan berjalan serentak dalam jiwa wira itu sendiri. Wira dengan susah payah mencari kebenaran, kebenaran, keadilan; sungguh tragis penderitaan mental wira apabila melihat jurang kejahatan yang terbuka di hadapannya; tetapi dia sendiri, dalam mencari kebenaran, di suatu tempat membuat kesilapan, kadang-kadang bersentuhan dengan kejahatan, bersembunyi di bawah samaran kebaikan, dan dengan itu mempercepatkan penyesalan yang tragis.

Tindakan pahlawan tragis Shakespeare, orang yang luar biasa, mempengaruhi seluruh masyarakat. Watak-wataknya sangat penting sehingga setiap daripada mereka adalah seluruh dunia. Dan kematian pahlawan ini mengejutkan semua orang. Shakespeare mencipta watak-watak besar dan kompleks orang yang aktif dan kuat, orang yang mempunyai akal dan nafsu yang besar, keberanian dan maruah yang tinggi. Tragedi Shakespeare mengesahkan nilai keperibadian manusia, keunikan dan keperibadian watak seseorang, kekayaan dunia dalamannya. Kehidupan jiwa manusia, pengalaman dan penderitaan, tragedi dalaman seseorang adalah kepentingan Shakespeare di atas segalanya. Dan ini juga menjejaskan inovasinya dalam bidang tragis. Imej dunia dalaman watak-watak itu mendedahkan kemanusiaan mereka dengan begitu mendalam sehingga menimbulkan rasa kagum dan simpati yang mendalam terhadap mereka.

Sebilangan wira Shakespeare - Macbeth, Brutus, Anthony ("Antony dan Cleopatra") - bersalah atas tragedi mereka. Tetapi tanggapan rasa bersalah tidak sesuai dengan ramai pahlawan mulia. Fakta bahawa Romeo dan Juliet muda sedang nazak adalah kesalahan masyarakat yang memusuhi perasaan manusia yang tulus dan integral. Hamlet, Othello, King Lear mempunyai kesilapan dan kesilapan yang tidak mengubah asas moral watak mulia mereka, tetapi dalam dunia kejahatan dan ketidakadilan membawa kepada akibat yang tragis. Hanya dalam pengertian ini seseorang boleh bercakap tentang "kesalahan tragis" mereka. Bersama-sama dengan wira ini, sifat murni sepenuhnya, seperti Ophelia, Cordelia, Desdemona, menderita dan mati.

Dalam malapetaka yang disebabkan, kedua-dua pelaku kejahatan yang sebenar, dan mereka yang menanggung "kesalahan yang tragis", dan mereka yang tidak bersalah sama sekali binasa. Tragedi dalam Shakespeare jauh dari "keadilan puitis", yang terdiri daripada peraturan mudah: maksiat dihukum, kebajikan menang. Kejahatan akhirnya menghukum dirinya sendiri, tetapi kebaikan menanggung penderitaan yang tragis, jauh lebih besar daripada kesilapan hero yang sepatutnya.

Wira tragis Shakespeare aktif dan mampu memilih moral. Dia rasa bertanggungjawab atas tindakannya. Jika keadaan, masyarakat bercanggah dengan cita-cita moral dan melanggarnya, maka pilihan moral watak-watak adalah dalam perjuangan melawan keadaan; dalam ketidakselarasan dengan kejahatan, walaupun ia membawa kepada kemusnahan mereka sendiri. Ini paling jelas di Hamlet.

Episod "pengiktirafan", kesedaran tentang kesilapan dan rasa bersalah, wawasan sebelum kematian tepu dalam tragedi Shakespeare dengan pengalaman paling sengit watak dan idea moral yang paling penting. Episod ini dicirikan oleh kandungan ideologi dan psikologi yang mendalam. Episod "pengiktirafan" adalah penting dalam tragedi itu sebagai kejayaan prinsip moral kebenaran dan kebaikan, hasil daripada perjuangan dan penderitaan dalaman yang ditanggung oleh wira. Episod ini menerangi seluruh kehidupan wira dengan cahaya baru, mengesahkan kehebatan semangat manusia dan kepentingan asas moral kehidupan.

Watak-watak penjahat dalam drama Shakespeare juga berbeza dalam keperibadian mereka. Mereka mempunyai kemahuan, minda yang secara aktif melayani rancangan berbahaya dan bercita-cita tinggi. Penjahat ini adalah penjelmaan fenomena sebenar era - Machiavellianism. Fikiran bebas muncul di dalamnya dalam bentuk yang sangat individualistik, sebagai usaha mengejar matlamat yang mementingkan diri sendiri. Penjahat Shakespeare sama sekali bukan tokoh kejahatan abstrak konvensional; mereka adalah kejahatan konkrit dan tipikal sistem borjuasi. Dengki, hasad dan benci adalah watak utama penjahat. Tetapi Shakespeare tidak cuba mempersembahkan mereka sebagai iblis. Penjahat juga manusia, tetapi atas pelbagai sebab mereka telah kehilangan kemanusiaan mereka. Kadang-kadang ia bangun dalam diri mereka untuk menekankan ketiadaan kewujudan mereka, tanpa prinsip moral (Edmond, Lady Macbeth).

Shakespeare menyatakan kepercayaan humanistik dalam kebaikan dan keluhuran manusia, dalam semangatnya yang gigih dan tenaga kreatif. Dia menegaskan maruah manusia dan kehebatan pencapaian manusia. Daripada semua malapetaka dan masalah, sifat manusia muncul tanpa terkalahkan. Humanisme sebenar Shakespeare ialah optimismenya. Keyakinan ini tidak adil, kerana Shakespeare menyedari kuasa kejahatan dan kemalangan yang dibawanya. Keyakinan terhadap tragedi Shakespeare adalah dalam kemenangan atas keputusasaan dan dalam kepercayaan besar dalam kemenangan manusia atas kejahatan sosial.

Kepelbagaian penggambaran kehidupan dan penggambaran watak selalu didedahkan dalam gabungan dan interpenetrasi tragis dan komik. Ini adalah inovasi Shakespeare, penemuan cara baru dalam menggambarkan manusia dan masyarakat.

Shakespeare juga seorang inovator dalam plot dan struktur komposisi tragedi. Dalam tragedinya, jalan cerita kedua muncul. Jalan cerita sampingan memberi gambaran tentang kepelbagaian kehidupan dan liputan realiti yang luas. Teknik paralelisme watak dan garis plot, digunakan untuk perbandingan dan kontras, ditambah dalam tragedi Shakespeare dengan imej alam semula jadi. Kekeliruan dalam jiwa watak-watak, perjuangan nafsu yang tragis, mencapai ketegangan tertinggi, sering disertai dengan ribut di alam semula jadi ("King Lear", "Macbeth").

Kerumitan struktur, aliran bebas peristiwa dalam tragedi Shakespeare dalam banyak aspek menjangkakan puisi novel abad ke-19 dan ke-20. Ketepuan dengan aksi, drama watak, misteri peristiwa, imej panoramik sejarah, kebebasan dalam masa dan ruang, kontras yang terang - semua ciri tragedi Shakespeare ini menemui perkembangan lanjut dalam genre novel.

Dalam tempoh terakhir, ketiga, karya Shakespeare, dia tetap berpegang pada cita-cita humanisme, walaupun dia tidak lagi mempunyai sebarang ilusi tentang humanisme tatanan kapitalis baru. Setelah tidak menemui penjelmaan dalam kehidupan, cita-cita kemanusiaan dalam fantasi kreatif Shakespeare mengambil bentuk mimpi tentang masa depan, tentang dunia baru yang indah. Mimpi ini, tanpa adanya kemungkinan untuk merealisasikannya dalam realiti, diwujudkan dalam bentuk unsur-unsur yang hebat, adegan pastoral dan alegori, ciri karya Shakespeare pada zaman terakhir. Kaedah artistik The Winter's Tale dan The Tempest sangat logik, diperlukan dari segi estetika dan merupakan langkah selanjutnya dalam evolusi karya Shakespeare.

Pericles, Cymbeline, The Winter's Tale, The Tempest mewakili kualiti estetika baharu. Mereka menggabungkan ciri-ciri genre tragicomedy, drama pastoral dan alegori. Dalam drama-drama tempoh ketiga, Shakespeare beralih kepada mencampurkan fantasi dengan realiti, kepada motif cerita rakyat, kepada cerita dongeng dan situasi utopia, kepada adegan-adegan indah yang berlatarbelakangkan alam semula jadi. Dalam tragikomedi lewat Shakespeare, prinsip lirik-heroik mendominasi, percintaan peristiwa luar biasa. Drama ini bercirikan tema masyarakat dan alam yang bertentangan, adat mahkamah yang kejam dan kehidupan luar bandar yang indah. Walau bagaimanapun, perpecahan dengan masyarakat di sini adalah satu bentuk kritikan moral dan etika terhadap masyarakat ini, dan bukan panggilan untuk melarikan diri daripadanya. Tidak semena-mena wira itu kembali kepada masyarakat untuk meneruskan perjuangan menentang kejahatan.

Tragicomedy The Winter's Tale (1610-1611) ditulis dalam semangat puisi rakyat. Karya ini mengutuk kezaliman raja-raja dan menyajakkan kebaikan penduduk kampung. Keseluruhan drama ini dibina berdasarkan kontras yang tajam antara kezaliman istana diraja dan kemanusiaan para gembala petani. Raja Sicily Leontes, yang menikmati kuasa tanpa had, memutuskan untuk berurusan dengan kejam dengan isterinya Hermione, cemburu dengan raja Bohemianya Polyxenus. dan Hermione, mencari perlindungan di Bohemia dengan seorang gembala tua yang menjadi bapanya yang dinamakan . Kehilangan jatuh cinta dengan anak Raja Polyxenes Putera Florizel. Tanpa menghiraukan perbezaan kelas, Florizel ingin berkahwin dengan Kehilangan. Apabila Polixenes enggan bersetuju dengan perkahwinan ini, Florizel dan Kehilangan meninggalkan Bohemia. Cita-cita kesamarataan orang ditegaskan dalam kata-kata Kehilangan tentang apa yang ada di atas pondok dan Orc matahari yang sama bersinar di langit.

Kebaikan dalam permainan ini menang atas kejahatan. Leontes akhirnya menyedari rasa bersalahnya dan mendapat kembali kebahagiaan bersama Hermione.

Amat penting dalam kandungan falsafah drama ialah imej koir - Masa. Dalam prolog kepada babak keempat, mengulas tentang nasib wira drama itu, Masa menyatakan idea pembangunan, idea perubahan yang tidak henti-henti dalam kehidupan masyarakat. Masa menetapkan perspektif perkembangan, meletakkan kisah sedih Hermione di tempat tertentu dalam aliran umum sejarah. Dari sudut pandangan undang-undang pembangunan yang abadi, peristiwa tragis hanya detik-detik berasingan yang diatasi, menjadi perkara masa lalu, menjadi legenda. Pada skala masa sejarah, yang baik pasti menang. Dalam The Winter's Tale, Shakespeare menyatakan kepercayaannya terhadap masa depan yang indah untuk umat manusia.

Impian Shakespeare tentang masyarakat yang adil dinyatakan dalam plot hebat tragikomedi The Tempest (The Tempest, 1611). Mendarat di pulau itu selepas kapal karam, Gonzalo bermimpi untuk mengatur segala-galanya di sini secara berbeza daripada di Kerajaan Naples. Dia mahu menghapuskan pegawai dan hakim, memusnahkan kemiskinan dan kekayaan, menghapuskan hak pusaka dan kepungan tanah. Oleh itu, Gonzalo berusaha untuk menghapuskan kejahatan yang berlaku dalam masyarakat yang tidak adil. Walau bagaimanapun, Gonzalo juga menyatakan hasrat naif: untuk menghapuskan perdagangan, sains dan buruh dan hidup hanya berdasarkan apa yang diberikan oleh alam semula jadi. Dalam monolog Gonzalo, pengaruh idea "Utopia" Thomas More dapat dirasai.

Impian utopia Gonzalo bertentangan dengan masyarakat sebenar di mana kekejaman dilakukan. Dua belas tahun yang lalu, Antonio merampas kuasa di Milan, mengusir duke yang sah, abangnya Prospero. Prospero dan anak perempuannya Miranda mendapati diri mereka berada di sebuah pulau yang didiami oleh makhluk yang hebat. Walau bagaimanapun, terdapat kejahatan juga di sini. Caliban ganas yang hodoh, raksasa yang dilahirkan oleh ahli sihir, mengambil kesempatan daripada kepercayaan Prospero, yang melakukan banyak kebaikan untuknya, memutuskan untuk tidak menghormati Miranda. Ahli sihir Prospero menakluki Caliban, yang merangkumi kuasa naluri gelap, dan melakukan perbuatan baik dengan bantuan roh udara yang baik Ariel.

Drama itu mendedahkan konflik antara kebaikan dan kejahatan. Imej saintis humanis Prospero adalah penjelmaan minda yang baik dan kesannya yang bermanfaat kepada manusia. Prospero yang bijak mengubah orang, menjadikan mereka munasabah dan cantik.

Prospero berkuasa di pulau itu, roh gunung, sungai, tasik, hutan tunduk kepadanya, tetapi dia mahu kembali ke tanah airnya, ke Itali, dan sekali lagi terjun ke dalam kehidupan masyarakat yang sibuk, melawan kejahatan. Shakespeare menyatakan dalam The Tempest cinta untuk kemanusiaan, kekaguman untuk kecantikan manusia, kepercayaan kepada kedatangan dunia baru yang indah. Penyair humanis meletakkan harapan pada minda generasi akan datang yang akan mencipta kehidupan yang bahagia.

Dalam artikel "A Ray of Light in the Dark Kingdom", N.A. Dobrolyubov mentakrifkan kepentingan global Shakespeare seperti berikut: "Banyak dramanya boleh dipanggil penemuan dalam bidang hati manusia; aktiviti sasteranya menggerakkan kesedaran umum orang ke beberapa peringkat, yang tidak pernah dipanjat oleh sesiapa pun sebelum dia dan yang hanya ditunjukkan dari jauh oleh beberapa ahli falsafah. Dan itulah sebabnya Shakespeare mempunyai kepentingan sejagat: dia menetapkan beberapa peringkat baru pembangunan manusia.

*Dobrolyubov N.A. Sobr. cit.: Dalam 9 jilid - M; L. -1963. - T. 6. - S. 309-310.

Watak-watak yang dicipta oleh Shakespeare adalah pelbagai rupa, mereka menggabungkan permulaan tragis dan komik, seperti yang berlaku dalam kehidupan itu sendiri.

Dalam realisme Renaissance dan dalam karya Shakespeare terdapat bentuk konvensional mereka sendiri. Bersyarat, sebagai contoh, tempat tindakan. Aksi drama Shakespeare boleh berlaku di Denmark, Scotland, Sicily, Bohemia, tetapi penulis drama sentiasa memikirkan England, menggambarkan konflik, watak dan adat resam tanah airnya. Drama Shakespeare adalah polifonik. Mereka menggabungkan pelbagai unsur puisi, motif plot yang berbeza, dan ia didedahkan dalam aspek dan variasi yang berbeza. Realisme Shakespeare sering memanifestasikan dirinya dalam bentuk yang luar biasa romantis, dalam imej yang hebat, alegori, dalam gaya hiperbola dan metafora, dalam suasana yang menyedihkan dan muzik, dalam bentuk pentas yang berkesan. Masalah terpenting bagi Shakespeare ialah masalah watak manusia. Di tengah-tengah plot kebanyakan drama Shakespeare adalah seseorang yang didedahkan dalam perjuangan yang berlaku pada masa kini. Shakespeare tidak memberikan sebarang latar belakang kepada wataknya. Orang dalam karya Shakespeare dikaitkan dengan kehidupan masyarakat kontemporari untuk penulis drama. A.S. Pushkin bercakap tentang fleksibiliti watak-watak Shakespeare: “Wajah-wajah yang dicipta oleh Shakespeare bukanlah, seperti orang-orang Moliere, jenis keghairahan ini dan ini, maksiat ini dan ini, tetapi makhluk hidup, penuh dengan banyak nafsu, banyak maksiat; keadaan berkembang di hadapan penonton watak mereka yang pelbagai dan pelbagai rupa.

* Pushkin-pengkritik. - S. 412.

Shakespeare menyampaikan rasa kebangsaan realiti Inggeris, watak budaya rakyat Inggeris. Tiada siapa sebelum beliau dapat menggambarkan perjalanan sejarah itu sendiri, menunjukkan pelbagai lapisan masyarakat dalam satu sistem dinamik.

Shakespeare menangkap dalam karyanya titik perubahan era, perjuangan dramatik antara yang lama dan yang baru. Karya-karyanya mencerminkan pergerakan sejarah dalam percanggahan yang tragis. Tragedi Shakespeare adalah berdasarkan bahan plot sejarah dan legenda, yang mencerminkan keadaan heroik dunia. Tetapi mengenai bahan legenda dan sejarah ini, Shakespeare menimbulkan masalah kontemporari yang teruk. Peranan rakyat dalam kehidupan masyarakat, hubungan antara personaliti heroik dan rakyat terserlah dengan kedalaman falsafah yang menakjubkan dalam tragedi Coriolanus (Coriolanus, 1608). Komander Coriolanus yang gagah berani adalah hebat apabila dia mewakili kepentingan Rom asalnya, kepentingan rakyat, memenangi kemenangan di Corioli. Rakyat mengagumi wira mereka, menghargai keberanian dan keterusterangannya. Coriolanus juga menyayangi orang ramai, tetapi tidak tahu sedikit tentang kehidupan mereka. Kesedaran patriarki Coriolanus belum mampu memahami percanggahan sosial yang berkembang dalam masyarakat; oleh itu, dia tidak memikirkan nasib rakyat, enggan memberi mereka roti. Rakyat berpaling dari pahlawan mereka. Di Coriolanus, disingkirkan daripada masyarakat, mendapati dirinya bersendirian, kebanggaan yang melampau, kebencian terhadap plebs bangun; ini membawanya kepada pengkhianatan terhadap tanah air. Dia menentang Rom, menentang rakyatnya, dan dengan ini menghukum dirinya sendiri hingga mati.

Kewarganegaraan Shakespeare adalah bahawa dia hidup dengan kepentingan zamannya, setia kepada cita-cita kemanusiaan, merangkumi prinsip etika dalam karyanya, menarik imej dari perbendaharaan seni rakyat, menggambarkan pahlawan dengan latar belakang rakyat yang luas. Dalam karya Shakespeare - asal-usul perkembangan drama, lirik dan novel zaman moden.

Watak rakyat drama Shakespeare juga ditentukan oleh bahasa. Shakespeare menggunakan kekayaan bahasa pertuturan penduduk London, memberikan perkataan warna baru, makna baru *. Ucapan rakyat yang meriah para wira drama Shakespeare penuh dengan permainan kata-kata. Imejan bahasa dalam drama Shakespeare dicapai dengan kerap menggunakan perbandingan dan metafora yang tepat, bergambar. Selalunya ucapan watak, terutamanya dalam drama tempoh pertama, menjadi menyedihkan, yang dicapai dengan penggunaan eufemisme. Selepas itu, Shakespeare menentang gaya euphuistik.

* Lihat: Morozov M. Artikel tentang Shakespeare. - M, 1964.

Dalam drama Shakespeare, ucapan ayat (ayat kosong) bergantian dengan prosa. Wira tragis terutamanya bercakap dalam ayat, dan watak komik, pelawak - dalam prosa. Tetapi kadangkala prosa juga terdapat dalam ucapan pahlawan tragis. Puisi dibezakan oleh pelbagai bentuk irama (iambik lima kaki, enam kaki dan empat kaki iambik, sempang).

Ucapan watak-watak adalah secara individu. Monolog Hamlet bersifat falsafah dan lirik; Ucapan lirik Othello dicirikan oleh imejan eksotik; Ucapan Osric ("Hamlet") adalah berlagak. Bahasa Shakespeare adalah idiomatik dan aphoristik. Banyak ungkapan Shakespeare telah menjadi kata kunci.

Kritikan sastera Soviet menganggap karya Shakespeare sebagai realistik. Teater Soviet memainkan peranan besar dalam mendedahkan intipati realistik karya Shakespeare. Penterjemah Soviet melakukan banyak perkara untuk mengembangkan warisan kreatif Shakespeare.

Dalam karya beberapa sarjana Shakespeare Soviet, masalah pandangan dunia Shakespeare, periodisasi karyanya, sejarah teater dramanya, masalah realisme dan kewarganegaraan dibangkitkan. Perhatian sosial dalam Shakespeareology Soviet diberikan kepada masalah "Shakespeare dan Kesusasteraan Rusia".

Komedi Shakespeare adalah antara contoh komedi Eropah Renaissance yang paling luar biasa. Shakespeare pertama sekali beralih kepada komedi Rom kuno dan kepada "komedi yang dipelajari" Itali pada abad ke-16, yang sangat dipengaruhi olehnya. Wira komedi, mengatasi kesukaran di jalan kehidupan, membina kebahagiaan mereka dengan keyakinan yang wujud, yang menegaskan kepercayaan kepada seseorang dan keupayaannya. Wira adalah bertenaga, ceria, bijak dan cerdik. Orang muda adalah pasangan kekasih yang berjuang untuk cinta mereka, dikelilingi oleh banyak watak - orang yang berbeza latar belakang. Tema cinta dan persahabatan sejati.; suasana hari raya, lawak ketawa. Sintesis tradisi rakyat dan komedi Renaissance-Itali. Semangat belia.

Struktur komedi: kekasih tidak boleh berhubung. Mereka aktif, mereka mencipta nasib mereka sendiri. Ia berakhir dengan perkahwinan, setelah mengatasi halangan luaran (larangan, ibu bapa) dan dalaman (watak watak). Alam berunsur / manusia. Lukis!! Wira yang penting - pelawak - bijak, hanya memakai topeng orang bodoh. Orang bodoh adalah orang bodoh.

Evolusi komedi Shakespeare: "Komedi Kesilapan" yang pertama - komedi situasi. Motif dualitas, melalui si kembar. “The Taming of the Shrew” ialah tema perpecahan personaliti, pergerakan ke arah tragedi konflik yang tidak dapat diselesaikan. Malam ke-12 adalah komedi gelap. Dunia perasaan puitis dan keseronokan wujud bersama dalam komedi dengan konflik dramatik dan juga motif tragis. Walaupun keseronokan yang cerah berjaya mengatasi kemunafikan yang suram, perasaan tidak berminat mengatasi prasangka kelas. Asas situasi komedi adalah kebetulan rawak keadaan yang secara drastik mengubah nasib orang. Di sebalik keanehan nasib, seseorang mesti berjuang sendiri untuk kebahagiaannya.

Komedi "The Taming of the Shrew" ditulis oleh Shakespeare dalam 15 (93?), tetapi buat pertama kalinya ia diterbitkan hanya selepas kematiannya - pada tahun 1623. Masih terdapat pertikaian yang belum selesai mengenai sumber komedi ini.

Pada tahun 1594, sebuah drama tanpa nama telah diterbitkan - "Cerita ciptaan lucu, dipanggil - penjinakan seekor tikus." Segala-galanya dalam drama tanpa nama - watak dengan personaliti mereka, malah "moral" utama drama itu - sepadan dengan komedi Shakespeare. Terdapat hanya perbezaan kecil. Anonymous tidak berlaku di Padua, tetapi di Athens; semua nama watak adalah berbeza: watak utama dipanggil Ferrando, heroin sentiasa disingkat sebagai Ket; dia tidak mempunyai seorang, tetapi dua saudara perempuan - Emilia dan Filena, masing-masing diminati oleh seorang lelaki muda, manakala Shakespeare mempunyai seorang kakak yang mempunyai beberapa peminat; Anonymous tidak mempunyai perkahwinan rahsia, dan keputusan keseluruhannya tidak jelas.

Pergantian episod dan perkembangan aksi dalam kedua-dua drama adalah sama, dan di beberapa tempat salah satu daripadanya secara langsung menyalin yang lain. Walau bagaimanapun, teks itu sendiri berbeza, dan terdapat hanya enam baris dalam keseluruhan permainan yang sepadan dengan tepat.

Shakespeare dicirikan oleh cara memproses drama orang lain apabila, meminjam plot dan imej, dia mencipta teks yang sama sekali baru, di mana dia menggunakan hanya dua atau tiga frasa atau ungkapan drama lama, tetapi pada masa yang sama, semua kandungan luar biasa mendalam, menghiasi dan mengisi dengan makna yang sama sekali baru. . Dalam The Taming of the Shrew, Shakespeare menunjukkan pemahaman yang halus tentang sifat manusia. Terdapat kontroversi di kalangan pengulas mengenai drama ini tentang moralnya. Ada yang cuba melihat dalam drama itu mempertahankan prinsip zaman pertengahan subordinasi tanpa syarat seorang wanita kepada seorang lelaki, yang lain menganggapnya hanya sebagai jenaka, tanpa kandungan ideologi.

Daripada semua watak dalam drama itu, hanya tiga watak yang cerah dan maju: ini ialah Katarina dan Petruchio, dan Bianca. Wira komedi Petruchio adalah lelaki tipikal zaman moden, berani, bebas dari prasangka, penuh kekuatan. Dia mendambakan perjuangan, kejayaan, kekayaan, dan bertemu lawan yang layak dalam diri Katarina. Catarina, yang ditenangkan oleh tunang pintarnya Petruchio, berubah menjadi seorang isteri yang ideal dengan akhlak yang baik. Perduaan Bianca yang kaku itu berbeza dengan keikhlasan Katarina yang degil. Di penghujung drama, apabila berlaku semacam ujian terhadap isteri, ternyata Bianca yang dahulunya lemah lembut telah bertukar menjadi seorang yang suka bergaduh, manakala Katarina sendiri menjadi penjelmaan kelembutan dan keramahan. Drama itu berakhir dengan monolognya yang terkenal, di mana dia mengesahkan kelemahan semula jadi wanita dan memanggil mereka untuk tunduk kepada suami mereka.

Semua wira lain dalam drama itu adalah tokoh bersyarat, stereotaip yang aneh. Ini sepadan dengan sifat lucu tindakan itu: semua jenis muslihat, pergaduhan, ketawa semata-mata, tanpa lirik, lembut, perasaan ideal, yang terdapat dalam "Komedi Kesilapan" yang hampir serentak dan lucu.

Shakespeare berkongsi pendapat yang diterima umum pada zamannya bahawa suami harus menjadi ketua keluarga. Tetapi pada masa yang sama, dengan menunjukkan kekayaan sifat Katarina, dia menekankan idea humanistik tentang kesetaraan dalaman wanita dan lelaki.

Pembaca moden tidak begitu memahami kaitan komposisi antara permulaan dan tema utama drama.

Walau bagaimanapun, Shakespeare ingin menunjukkan apa yang membezakan golongan bangsawan dalam masyarakat kontemporari. Dia menunjukkan ini dengan contoh yang agak menarik tentang tukang tembaga.

Tukang tembaga Christopher Sly tertidur dalam keadaan mabuk di ambang kedai. Tuan kembali dari perburuan dengan pemburu dan hamba dan, mencari lelaki yang sedang tidur, memutuskan untuk bermain helah kepadanya. Hamba-hambanya membawa Sly ke katil mewah, membasuhnya dengan air wangi, dan menukar pakaian yang mahal. Apabila Sly bangun, dia diberitahu bahawa dia adalah seorang bangsawan yang telah dikuasai oleh kegilaan dan telah tidur selama lima belas tahun, bermimpi bahawa dia adalah seorang tukang tembaga. Pada mulanya, Sly menegaskan bahawa dia adalah seorang penjaja sejak lahir, seorang penyikat oleh pendidikan, seorang penyapi kumbang dengan perubahan nasib, dan dengan perdagangannya sekarang seorang tukang tembaga, tetapi secara beransur-ansur dia membenarkan dirinya untuk yakin bahawa dia benar-benar orang penting dan berkahwin. kepada seorang wanita yang menawan (sebenarnya, ini adalah halaman tuan yang menyamar) . Tuanku dengan hormatnya menjemput rombongan lakonan yang mengembara ke istananya, memulakan ahlinya ke dalam rancangan gurauan, dan kemudian meminta mereka memainkan komedi lucu, kononnya untuk membantu bangsawan khayalan menyingkirkan penyakit.

Jadi, perlu diingatkan bahawa pengenalan sedemikian dan menunjukkan aspek yang diperlukan dalam kehidupan bangsawan adalah elemen yang sangat penting dalam karya ini.

Oleh itu, Shakespeare mendedahkan bukan sahaja idea utama, tetapi juga menunjukkan bagaimana masyarakat berseronok.

Walau bagaimanapun, perkara utama dalam drama itu boleh dipanggil satu syarat di mana keseluruhan komedi berdiri. Ini adalah syarat Baptist.

Dia mengumumkan kepada pelamar Bianca bahawa dia tidak akan berkahwin dengan Bianca sehingga dia mencari suami untuk anak sulungnya. Dia meminta bantuan untuk mencari guru muzik dan puisi untuk Bianchi, supaya orang miskin tidak bosan dalam pengasingan paksa. Hortensio dan Gremio memutuskan untuk mengetepikan persaingan mereka buat sementara waktu untuk mencari suami untuk Katarina. Ini bukan tugas yang mudah, kerana syaitan sendiri tidak dapat mengatasinya, watak utamanya sangat berniat jahat dan degil untuk semua itu.

Walau bagaimanapun, seperti yang dinyatakan di atas, pengakhirannya tidak dapat diramalkan. Katarina menggantikan Bianchi, mengejutkan semua orang dengan kelembutan dan keramahannya.

Oleh itu, perlu diperhatikan bahawa karya Shakespeare adalah pelbagai, setiap drama, komedi, tragedinya adalah unik, kerana ia meliputi, sebagai tambahan kepada masalah masa kini, aspek psikologi keperibadian. Pandangan dunia penulis drama dipengaruhi oleh peristiwa dan perubahan politik. Karya Shakespeare dari semua zaman dicirikan oleh pandangan dunia humanistik: minat yang mendalam terhadap seseorang, dalam perasaan, aspirasi dan nafsunya, kesedihan atas penderitaan dan kesilapan orang yang tidak boleh diperbaiki, impian kebahagiaan untuk seseorang dan semua manusia secara keseluruhan. .

Idea utama Renaissance adalah idea orang yang layak. Masa telah menundukkan idea ini kepada ujian yang tragis, buktinya adalah karya Shakespeare. Apabila mencipta karya-karyanya, Shakespeare sering bergantung pada warisan sastera pendahulunya, tetapi rayuan kepadanya hanya berfungsi sebagai bentuk untuk karya-karya yang dia berikan dengan kandungan yang benar-benar baru dan mendalam. Benar, perasaan adalah prinsip estetik utama Shakespeare. Tiada kepalsuan, tiada kesedihan palsu, itulah sebabnya segala yang keluar dari penanya sangat mengagumkan.

Intipati tragedi dalam Shakespeare sentiasa terletak pada pertembungan dua prinsip - perasaan kemanusiaan, iaitu kemanusiaan yang murni dan mulia, dan kekasaran atau kekejaman, berdasarkan mementingkan diri sendiri dan mementingkan diri sendiri.

Menurut Shakespeare, nasib setiap orang adalah hasil interaksi wataknya dan keadaan sekeliling. Shakespeare dengan logik besi menunjukkan bagaimana orang yang terbaik, yang paling mulia, bijak dan berbakat, binasa di bawah serangan kuasa gelap (Hamlet, Lear), betapa mudahnya kejahatan kadang-kadang menguasai jiwa seseorang dan apa akibat yang mengerikan ini membawa kepada (Macbeth ).

Di sini terdapat ungkapan perasaan hidup yang istimewa, tragis dan pada masa yang sama heroik, yang pada penghujung Renaissance timbul di kalangan humanis akibat keruntuhan cita-cita mereka di bawah serangan kuasa reaksioner. Ini, di satu pihak, adalah perasaan runtuhnya kepercayaan dan institusi zaman pertengahan, semua "hubungan suci" feudalisme, yang menimbulkan perasaan malapetaka besar, keruntuhan dunia hebat yang hidup untuk banyak orang. berabad-abad, sebaliknya, ini adalah kesedaran bahawa dunia baru, yang menggantikan yang lama, membawa bersamanya bentuk-bentuk perhambaan manusia yang lebih buruk, semangat pemangsa yang tidak terkawal, alam "chistogan", ini adalah asas. ciri-ciri kapitalisme baru muncul. Oleh itu perasaan malapetaka global, runtuhnya semua asas, perasaan bahawa orang ramai mengembara di sepanjang tepi jurang yang mana mereka boleh dan memang jatuh setiap minit. Kesetiaan kepada alam semula jadi, mengikut kecenderungan semula jadi fitrah manusia, bukan lagi kriteria yang mencukupi untuk tingkah laku dan jaminan kebahagiaan. Manusia, dibebaskan dari semua ilusi, datang kepada kesedaran bahawa dia hanya "miskin, telanjang, binatang berkaki dua" (kata-kata Lear).

Berdasarkan ini, ramai pengkritik bercakap tentang "pesimisme" tempoh kedua karya Shakespeare. Walau bagaimanapun, istilah ini memerlukan tempahan. Pesimisme kemurungan, yang membawa kepada keputusasaan dan keengganan untuk melawan, adalah asing bagi Shakespeare. Pertama sekali, tidak kira betapa dahsyatnya penderitaan dan malapetaka yang digambarkan oleh Shakespeare, mereka tidak pernah tanpa tujuan, tetapi mendedahkan makna dan keteraturan yang mendalam tentang apa yang berlaku kepada seseorang. Kematian Macbeth, Brutus atau Coriolanus menunjukkan kuasa nafsu atau khayalan yang membawa maut yang mencengkam seseorang apabila dia tidak menemui jalan yang betul. Sebaliknya, walaupun tragedi Shakespeare yang paling teruk tidak menghembuskan keputusasaan: ia membuka prospek untuk masa depan yang lebih baik dan mengesahkan kemenangan dalaman kebenaran terhadap kekejaman manusia. Kematian Romeo dan Juliet pada masa yang sama adalah kejayaan mereka, kerana perdamaian keranda mereka berlaku antara keluarga yang berperang, yang berjanji untuk mendirikan monumen untuk cinta mereka. "Hamlet" berakhir dengan kematian Claudius dan kekalahan mahkamah Denmark yang ganas; dengan penyertaan Fortinbras, era baharu mesti bermula, membolehkan harapan untuk kehidupan yang lebih baik. Begitu juga Macbeth berakhir dengan kematian zalim dan pemahkotaan pemerintah yang sah dan baik. Di Lear, raja tua itu meninggal dunia dalam keadaan tercerahkan dan disemai dengan cinta kepada kebenaran dan manusia. Dengan mengorbankan penderitaan yang ditanggungnya, Lear daripada "haiwan yang miskin, telanjang, berkaki dua" bertukar menjadi seorang Lelaki, dalam kemanusiaannya yang sederhana lebih hebat daripada bekas Lear, yang dilaburkan dengan maruah diraja. Tragedi Shakespeare memancarkan keceriaan, panggilan berani untuk berjuang, walaupun perjuangan ini tidak selalu menjanjikan kejayaan. Watak heroik pesimisme ini sangat jauh dari keputusasaan fatalistik.

Karya Shakespeare dibezakan dengan skalanya - keluasan minat dan skop pemikiran yang luar biasa. Drama beliau mencerminkan pelbagai jenis, kedudukan, era, rakyat, persekitaran sosial. Kekayaan fantasi ini, serta kepantasan aksi, kekayaan imej, kekuatan nafsu yang digambarkan dan ketegangan kehendak watak-watak, adalah tipikal zaman Renaissance. Shakespeare menggambarkan berkembangnya keperibadian manusia dan kekayaan kehidupan dengan segala kelimpahan bentuk dan warnanya, tetapi dia membawa semua ini kepada perpaduan di mana keteraturan berlaku.

Sumber dramaturgi Shakespeare adalah pelbagai, dan, bagaimanapun, dia menguasai segala yang dipinjam dengan cara yang pelik. Dia mengambil banyak dari zaman dahulu. Komedi Kesilapan awalnya adalah tiruan Manechmas Plautus. Dalam "Titus Andronicus" dan "Richard III" pengaruh Seneca sangat ketara. Tragedi "Rom" Shakespeare kembali bukan sahaja dalam plot, tetapi juga sebahagiannya secara ideologi kepada Plutarch, yang pada zaman Renaissance adalah seorang guru cinta kebebasan dan perasaan sivik. Dalam karya Shakespeare, imej mitologi purba yang ceria dan ekspresif sentiasa ditemui.

Satu lagi sumber untuk Shakespeare ialah seni Renaissance Itali. Plot "Othello", "The Merchant of Venice" dan beberapa komedi lain telah dipinjam olehnya daripada novelis Itali. Dalam The Taming of the Shrew dan beberapa komedi lain, seseorang boleh mengesan pengaruh komedi dell'arte Itali. Kami sering menjumpai pakaian Itali, nama yang betul dan semua jenis motif dalam drama Shakespeare, yang berasal dari sumber yang sama sekali berbeza. Jika dari zaman dahulu Shakespeare belajar kekonkretan dan kejelasan imej, logik artistik, perbezaan ucapan, maka pengaruh Renaissance Itali menyumbang kepada pengukuhan ciri estetik dan bergambar dalam karyanya, persepsinya tentang kehidupan sebagai angin puyuh warna dan bentuk. Lebih ketara lagi, kedua-dua sumber ini mengukuhkan asas kemanusiaan karya Shakespeare.

Tetapi pada asasnya, bersama dengan tarikan ini, Shakespeare meneruskan tradisi drama rakyat Inggeris. Ini termasuk, sebagai contoh, campuran tragis dan komik yang dia gunakan secara sistematik, yang dilarang oleh wakil-wakil aliran klasik yang dipelajari dalam dramaturgi Renaissance.

Dalam Shakespeare, kami memerhatikan campuran beraneka ragam orang dan peristiwa, rentak tindakan yang luar biasa pantas, pemindahan pantas dari satu tempat ke tempat lain. Kemeriahan, kecemerlangan, kemudahan gaya, kelimpahan pergerakan dan kesan yang menarik ini sangat bercirikan drama rakyat. Manifestasi tertingginya terletak pada fakta bahawa untuk idea-idea humanistiknya dia mendapati bentuk ekspresi yang benar-benar rakyat - konkrit, sangat jelas dan benar dalam kesederhanaannya yang tulus. Ini terpakai bukan sahaja pada ucapan pelawak dalam King Lear, yang mewakili intipati kebijaksanaan rakyat, tetapi juga kepada pernyataan watak pendidikan yang halus, seperti Hamlet.

Realisme Shakespeare berkait rapat dengan rakyat. Realisme Shakespeare didasarkan pada hubungan langsung yang hidup dengan semua fenomena kehidupan. Pada masa yang sama, Shakespeare bukan sahaja benar-benar menggambarkan realiti, tetapi juga tahu bagaimana untuk menembusi secara mendalam ke dalamnya, melihat dan mendedahkan apa yang paling penting di dalamnya. Pandangan Shakespeare sendiri tentang intipati seni yang realistik dinyatakan dalam perbualan Hamlet dengan para pelakon (akta III, adegan 2), di mana Hamlet mengutuk semua afeksi, hiperbolisme, kesan demi kesan, menuntut pematuhan ukuran dan perkadaran, sifat semula jadi, korespondensi dengan realiti.

Realisme Shakespeare dimanifestasikan dalam fakta bahawa dia menggambarkan fenomena dalam pergerakan mereka dan penyesuaian bersama, melihat semua warna dan peralihan perasaan. Ini memberinya peluang untuk menarik orang ramai dalam semua kerumitan mereka dan pada masa yang sama dalam perkembangan mereka. Dalam hal ini, pembinaan watak Shakespeare juga sangat realistik. Menekankan ciri-ciri tipikal dalam watak-wataknya, mempunyai kepentingan umum dan asas, dia pada masa yang sama mengkhususkan mereka, memberi mereka pelbagai, ciri tambahan yang menjadikan mereka benar-benar hidup. Watak Shakespeare berubah dan berkembang dalam perjuangan.

Realisme Shakespeare juga didapati dalam ketepatan analisis pengalaman emosi watak-wataknya dan motivasi tindakan dan motif mereka.

Perubahan mendadak dalam sikap dialami oleh semua wira tragedi besar. Motif peribadi mereka dan keadaan khusus untuk perkembangan krisis rohani adalah berbeza bagi mereka, tindak balas dan tingkah laku rohani mereka tidak sama, tahap kejutan moral dalam semua mereka adalah melampau, dan pengalaman menyakitkan mereka tidak terhad kepada nasib peribadi. dan menunjukkan keadaan krisis keyakinan epokal. Keraguan wira tragis adalah banyak pihak, tetapi diarahkan ke pusat tertentu, memberi tumpuan kepada keadaan masyarakat dan masalah manusia.