Penulis drama Inggeris salah seorang pelopor Shakespeare. William Shakespeare - Penulis drama yang cemerlang

BENGKEL 1 Topik: “Teater Inggeris era Adrazhennia. Kreativiti W. Shakespeare” 1. Ciri-ciri tangkas perkembangan seni teater Inggeris era Adragen. 2. Kreativiti W. Shakespeare. Periyadyzatsyya penulis drama kreatif (aptymystychny, tragis, romantis). 3. Drama Shakespeare adalah seni yang paling berani dan berani. Lakonan Shakespeare Pastanov di pentas teater Eropah. 4. Fenomena Shakespeare dalam kemahiran teater sebenar. Mencuba ab aўtarstvo creatў. 5. Teater "Globe": sejarah dan masa kini. Adegan Pabudova, peralatan pentas, master lakonan.

Teater Zaman Renaissance. teater Inggeris

Teater Renaissance Inggeris dilahirkan dan dibangunkan di dataran pasar, yang menentukan citarasa dan demokrasi kebangsaan British. Genre yang paling popular di pentas kawasan adalah moral dan sandiwara. Semasa pemerintahan Elizabeth Tudor, misteri telah diharamkan. Dari awal abad ke-16, seni teater Inggeris menghampiri peringkat baru - permulaan perkembangan drama humanistik, yang mula terbentuk dengan latar belakang perjuangan politik antara kuasa diraja dan Gereja Katolik.

Kritikan tajam dan propaganda ideologi humanistik baru kedengaran dari pentas, berpakaian dalam pakaian selingan kebiasaan dan moral. Dalam drama oleh humanis John Rastell "Interlude on the Nature of the Four Elements" (1519), sebagai tambahan kepada tokoh-tokoh tradisional untuk moral, terdapat watak-watak berikut: Dahagakan Pengetahuan, Alam Wanita, Pengalaman, dan sebagai pembangkang kepada mereka - syaitan Kejahilan dan pelacur Dahagakan kesenangan. Perjuangan yang tidak dapat didamaikan oleh watak-watak ini dalam drama berakhir dengan kemenangan pencerahan ke atas kekaburan dan kejahilan.

John Bale - seorang tokoh terkemuka dalam Reformasi Inggeris dan seorang penulis terkenal, pengarang drama "King John". Dengan menambahkan tema sosial kepada moral, beliau meletakkan asas untuk dramaturgi dalam genre kronik sejarah.

Teater baru lahir daripada sandiwara zaman pertengahan. Penyair mahkamah, pemuzik dan penganjur cermin mata berwarna-warni, John Gaywood, mengembangkan sandiwara itu dengan menulis selingan satira. Di dalamnya, dia mengejek penipuan para bhikkhu dan penjual indulgensi, tipu muslihat pendeta, rakus keuntungan, tipu muslihat para imam, yang menutupi dosa mereka dengan ketakwaan yang megah. Sebagai tambahan kepada watak utama - penyangak - dan watak negatif - ahli gereja - orang biasa yang berfikiran sederhana dan baik hati mengambil bahagian dalam adegan pendek setiap hari. Selingan satira pada awal abad ke-16 menjadi penghubung antara teater lawak zaman pertengahan dan teater dramatik yang muncul.

Pengenalan orang Inggeris kepada budaya dan seni Itali menyumbang kepada persepsi aktif dan mempopularkan budaya kuno dan pencapaian tamadun purba. Kajian intensif bahasa Latin dan karya Seneca dan Plautus membawa kepada terjemahan tragedi dan komedi purba ke dalam bahasa Inggeris. Persembahan berdasarkan terjemahan ini menjadi sangat popular di kalangan golongan bangsawan dan universiti.

Pada masa yang sama, golongan bangsawan dan orang ramai yang tercerahkan mengagumi soneta Petrarch dan puisi Ariosto. Novel Boccaccio dan Bandello dikenali dalam masyarakat raznochin. Di mahkamah diraja, penyamaran diperkenalkan sebagai acara hiburan yang menghiburkan, di mana adegan dari pastoral Itali dimainkan.

Contoh pertama komedi dan tragedi kebangsaan muncul di pentas pada pertengahan abad ke-16. Nicholas Udol, pengarang komedi Inggeris pertama, Ralph Royster Doyster (c. 1551), adalah penganjur hiburan mahkamah yang berpendidikan dan cuba mengajar orang "peraturan hidup yang baik" melalui karyanya.

Drama Gorboduk (1562) oleh Thomas Norton dan Thomas Sequile pertama kali dipersembahkan di mahkamah Ratu Elizabeth dan dianggap sebagai tragedi Inggeris pertama. Ia jelas menunjukkan tiruan tragedi Rom: pembahagian drama kepada 5 aksi, nyanyian paduan suara dan monolog utusan, jenayah berdarah, tetapi plotnya berdasarkan fakta sejarah dari sejarah zaman pertengahan. Moral tragedi itu adalah dalam pantomim alegori dan selingan yang dilakukan oleh pelakon di antara lakonan, menerangkan kelainan plot yang tidak dijangka.

Selepas misteri lucu dan sandiwara primitif, berdasarkan dramaturgi purba dan Itali, dramaturgi Inggeris baru lahir, di mana terdapat asas komposisi, perkadaran bahagian, logik dalam pembangunan aksi dan watak.

Penulis drama generasi baru hampir semuanya berpendidikan universiti dan datang dari persekitaran yang demokratik. Setelah bersatu dalam kumpulan kreatif yang dipanggil "University Minds", dalam karya mereka, mereka cuba mensintesis budaya humanistik tinggi bangsawan dan kebijaksanaan rakyat dengan cerita rakyatnya.

Pendahulu W. Shakespeare - penulis drama Inggeris terkenal John Lily (c. 1554-1606) - ialah seorang penyair istana. Dalam komedinya yang paling menarik "Alexander and Campaspe" (1584), yang ditulis mengikut kisah ahli sejarah Yunani Pliny, dia menunjukkan kemurahan hati Alexander the Great, yang, melihat cinta rakannya, artis Apelles, untuk tawanan. Campaspe, mengalah kepada rakannya. Oleh itu, dalam perjuangan antara tugas dan perasaan, tugas menang. Imej ideal Alexander dalam drama itu ditentang oleh tokoh ahli falsafah Diogenes yang ragu-ragu, yang kebijaksanaan rakyat dan akal sehatnya mengatasi keyakinan diri dan keangkuhan raja dan rombongannya.

John Lily meletakkan asas untuk apa yang dipanggil komedi romantis. Dia memperkenalkan unsur lirik ke dalam aksi dramatik, memberikan ucapan prosa rasa puitis yang cerah. Dia menunjukkan jalan untuk gabungan masa depan dua genre komedi - romantis dan lucu.

Nenek moyang sebenar drama Renaissance Inggeris ialah Christopher Marlowe (1564-1593), seorang penulis drama terkenal, pengarang karya kandungan falsafah dan ateistik. Anak seorang pembuat kasut, yang mencapai ijazah Sarjana Sains dengan kegigihannya, dia dibezakan oleh keberanian dan pemikiran bebas. K. Marlo lebih suka kerja seorang pelakon dalam kumpulan teater daripada kerjaya seorang paderi yang dibuka di hadapannya selepas menamatkan pengajian dari universiti di Cambridge. Karya dramatik pertamanya, Tamerlane the Great, penuh dengan idea ateistik. Karya monumental ini ditulis dalam dua bahagian dalam tempoh dua tahun (bahagian I pada 1587 dan bahagian II pada 1588). "Tamerlane the Great" adalah biografi dramatik penakluk Timur yang terkenal pada akhir abad XIV, Timur. Marlo memberikan heronya kekuatan dan penampilan hero legenda. Dan, apa yang paling penting, dia menjadikan tuan feudal yang mulia, yang Timur sebenarnya, seorang "gembala yang rendah hati", yang hanya dengan kuasa kehendaknya, tenaga dan fikirannya naik di atas penguasa yang sah.

Drama oleh K. Marlo "Kisah tragis Doktor Faust" (1588) mendedahkan sisi lain kehidupan manusia. Penolakan terhadap prinsip pertapa dan penyerahan tanpa syarat kepada pihak berkuasa tertinggi demi kehausan akan ilmu dan kegembiraan hidup disarungkan olehnya dalam imej ateis Dr. Faust. Drama kesedaran Dr. Faust yang dibebaskan dan kesepian yang mengikutinya membawanya kepada pertaubatan, sambil menonjolkan tenaga besar perjuangan untuk kebebasan berfikir.

Tragedi terakhir K. Marlo "Edward II", yang ditulis pada bahan kronik sejarah, menjadi asas drama Inggeris, yang berjaya dikembangkan oleh W. Shakespeare dalam karyanya.

Serentak dengan lakonan K. Marlowe, lakonan oleh penulis drama lain dari kumpulan University Minds dipentaskan di atas pentas: Thomas Kyd - "The Spanish Tragedy" (1587) dan Robert Greene - "Monk Bacon and Monk Bongay", "James IV " dan "George Green , penjaga lapangan Weckfield "(1592).

Komuniti kreatif penulis drama dari kumpulan University Minds mendahului peringkat baharu dalam pembangunan drama kebangsaan - kelahiran tragedi dan komedi Renaissance. Secara beransur-ansur, imej pahlawan baru muncul - berani dan berani, menumpukan kepada cita-cita kemanusiaan.

Pada akhir abad ke-16, teater rakyat Inggeris mengumpulkan ramai orang untuk persembahan mereka, menyerap semua idea revolusioner dan meniru wira berani yang mempertahankan maruah manusia mereka dalam perjuangan. Bilangan kumpulan teater semakin meningkat, persembahan dari kawasan hotel dan dataran bandar berpindah ke teater yang dibina khas untuk tujuan ini.

Pada tahun 1576, di London, James Burbage membina teater pertama, yang dipanggil "The Theatre". Ia diikuti dengan pembinaan beberapa bangunan teater sekaligus: "Curtain", "Blackfriars", "Rose" dan "Swan". Walaupun majlis bandar raya bersama dengan perintahnya melarang persembahan teater di London sendiri pada tahun 1576, teater itu terletak di tebing selatan Thames, di kawasan yang berada di luar kuasa majlis rakyat.

Pelakon teater London sebahagian besar, tidak termasuk yang terkenal, yang menikmati naungan golongan bangsawan, adalah orang yang berpendapatan rendah dan kehilangan haknya. Dekri diraja menyamakan artis dengan gelandangan gelandangan dan memperuntukkan hukuman kepada kumpulan yang tidak mempunyai pelanggan kaya. Walaupun sikap keras terhadap teater di pihak pihak berkuasa, populariti mereka meningkat dari tahun ke tahun dan bilangannya meningkat.

Bentuk organisasi kumpulan teater pada masa itu adalah dua jenis: perkongsian perkongsian pelakon dengan kerajaan sendiri dan perusahaan swasta yang diketuai oleh seorang usahawan yang memiliki prop dan membeli hak untuk mementaskan drama daripada penulis drama. Seorang usahawan swasta boleh mengupah mana-mana kumpulan, meletakkan pelakon dalam ikatan dengan kehendaknya.

Komposisi kuantitatif rombongan itu tidak lebih daripada 10-14 orang, yang dalam himpunan teater terpaksa memainkan beberapa peranan. Peranan wanita dimainkan oleh lelaki muda yang cantik, mencapai persembahan yang boleh dipercayai dengan keplastikan pergerakan dan lirik suara. Cara umum lakonan oleh pelakon telah melalui peringkat peralihan daripada gaya epik dan kesedihan yang luhur kepada bentuk drama dalaman yang terkawal. Pelakon utama genre tragis dalam era W. Shakespeare ialah Richard Burbage dan Edward Alleyn.

William Shakespeare dilahirkan pada 23 April 1564 di bandar kecil Stratford-upon-Avon (Bahasa Inggeris Stratford-upon-Avon). Bapanya, John Shakespeare, adalah seorang pembuat sarung tangan, dan pada tahun 1568 beliau telah dipilih sebagai datuk bandar. Ibunya, Mary Shakespeare dari keluarga Arden, tergolong dalam salah satu keluarga Inggeris tertua. Adalah dipercayai bahawa Shakespeare belajar di "sekolah tatabahasa" Stratford, di mana dia mempelajari bahasa Latin, asas-asas bahasa Yunani dan menerima pengetahuan tentang mitologi, sejarah dan kesusasteraan kuno, yang dicerminkan dalam karyanya. Pada usia 18 tahun, Shakespeare berkahwin dengan Anne Hathaway, dari mana seorang anak perempuan Susanna dan anak kembar Hamnet dan Judith dilahirkan. Antara 1579 dan 1588 biasa dipanggil "tahun hilang", kerana. tiada maklumat yang tepat tentang apa yang dilakukan oleh Shakespeare. Sekitar tahun 1587, Shakespeare meninggalkan keluarganya dan berpindah ke London, di mana beliau mengambil bahagian dalam aktiviti teater.

Kami mendapati sebutan pertama Shakespeare sebagai seorang penulis pada tahun 1592 dalam risalah nazak penulis drama Robert Greene "Untuk satu sen fikiran yang dibeli untuk sejuta penyesalan", di mana Greene bercakap tentang dia sebagai pesaing berbahaya ("pemula", " burung gagak berterbangan di bulu kami). Pada tahun 1594, Shakespeare telah disenaraikan sebagai salah seorang pemegang saham rombongan Richard Burbage "Servants of the Lord Chamberlain" (ChamberlainЂЂЂs Men), dan pada tahun 1599 Shakespeare menjadi salah seorang pemilik bersama Teater Globe yang baharu. Pada masa ini, Shakespeare menjadi seorang yang cukup kaya, membeli rumah kedua terbesar di Stratford, menerima hak untuk jata keluarga dan gelaran mulia seorang lelaki. Selama bertahun-tahun Shakespeare terlibat dalam riba, dan pada tahun 1605 dia menjadi petani persepuluhan gereja. Pada tahun 1612 Shakespeare meninggalkan London dan kembali ke tempat asalnya Stratford. Pada 25 Mac 1616, wasiat telah dibuat oleh seorang notari dan pada 23 April 1616, pada hari lahirnya, Shakespeare meninggal dunia.

Kekurangan maklumat biografi dan banyak fakta yang tidak dapat dijelaskan menimbulkan sejumlah besar orang yang dicalonkan untuk peranan pengarang karya Shakespeare. Sehingga kini, terdapat banyak hipotesis (pertama kali dikemukakan pada akhir abad ke-18) bahawa drama Shakespeare ditulis oleh orang yang sama sekali berbeza. Selama lebih daripada dua abad kewujudan versi ini, pelbagai pemohon telah dikemukakan untuk "peranan" pengarang drama ini - daripada Francis Bacon dan Christopher Marlo kepada lanun Francis Drake dan Ratu Elizabeth. Terdapat versi yang disembunyikan oleh seluruh pasukan pengarang di bawah nama Shakespeare. Pada masa ini, sudah ada 77 calon untuk kepengarangan. Walau bagaimanapun, siapa pun dia - dan dalam banyak pertikaian tentang keperibadian penulis drama dan penyair yang hebat, perkara itu tidak akan dikemukakan tidak lama lagi, mungkin tidak pernah - ciptaan genius Renaissance hari ini masih memberi inspirasi kepada pengarah dan pelakon di seluruh dunia.

Seluruh kerjaya Shakespeare - tempoh dari 1590 hingga 1612. biasanya dibahagikan kepada tiga atau empat tempoh.

Dari penghujung 80-an abad ke-16, dramaturgi Renaissance Inggeris memasuki masa kemahiran matang. Setiap pengarang baharu, hampir setiap karya baharu memperkayakan drama dengan idea baharu dan bentuk artistik.

Kreativiti dramaturgi menjadi profesional. Galaksi penulis drama, yang digelar "minda universiti", muncul. Seperti yang ditunjukkan oleh nama samaran, mereka adalah orang yang mempunyai pendidikan universiti dan ijazah lanjutan. Mereka menerima pendidikan liberal klasik, membaca dengan baik dalam kesusasteraan Yunani dan Rom, dan mengetahui tulisan humanis Itali dan Perancis. Robert Greene dan Christopher Marlo menerima ijazah BA dan MA mereka dari Cambridge. John Lily, Thomas Lodge, George Peel menerima ijazah dari Oxford. Hanya Thomas Kidd yang tidak menamatkan universiti, tetapi dia belajar di salah satu sekolah terbaik di London. Pada masa ini, humanisme adalah doktrin yang terbentuk sepenuhnya, dan mereka hanya perlu menerimanya.

Tetapi Oxford dan Cambridge menyediakan pelajar mereka hanya untuk kerjaya imam. Sebaik-baiknya, mereka boleh menjadi guru. Tetapi itu bukan sebab mereka membaca Plautus dan Seneca, Boccaccio dan

Aristo untuk mengikuti jalan ini. Selepas menerima diploma, mereka bergegas ke London. Setiap daripada mereka penuh dengan idea baru dan aspirasi kreatif. Tidak lama kemudian mesin cetak ibu kota mula bekerja pada mereka. Tetapi sukar untuk hidup dengan pendapatan sastera. Puisi, novel, risalah membawa lebih kemasyhuran daripada wang. "Para jenius yang ribut" pada zaman itu, yang mencipta jejak baru dalam kesusasteraan dan teater, hidup kelaparan di bahagian paling bawah London, bergaul dengan orang biasa kedai dan pencuri, berkerumun di rumah penginapan dan melarikan diri dari sana apabila tiada apa yang perlu dibayar kepada pemilik. . Mereka juga kebetulan masuk ke salon beberapa penaung puisi yang mulia dan kaya, tetapi di sini mereka tidak berakar.

Mereka didorong ke teater oleh kecintaan mereka terhadap seni dan mencari pekerjaan. Dengan Robert Green, sebagai contoh, ia berlaku seperti ini. Suatu hari dia merayau-rayau di jalanan tanpa sesen pun di dalam poketnya dan bertemu dengan seorang kenalan lama yang memukulnya dengan sut mewahnya. Ingin tahu di mana rakannya menjadi kaya, Green mendengar bahawa dia telah menjadi seorang pelakon. Pelakon itu, setelah mengetahui bahawa Green menulis puisi, menjemputnya untuk menulis untuk teater.

Lily datang untuk menulis drama dengan cara yang berbeza. Dia mengajar bahasa Latin kepada budak-budak koir. Apabila koir lain mempersembahkan persembahan pelakon lelaki dengan jayanya, dia memutuskan untuk menulis drama dan melakonkannya bersama pelajarnya.

Tetapi, tidak kira betapa tidak sengaja sebab-sebab yang menarik "minda universiti" ke teater, kedatangan mereka ke sana, pada dasarnya, semulajadi. Teater itu ternyata menjadi platform terbaik untuk idea mereka, bidang di mana mereka boleh menunjukkan bakat seni mereka.

Kebanyakan "minda universiti" menulis untuk teater rakyat. Hanya Lily dari awal lagi dibimbing oleh orang awam yang "terpilih" golongan bangsawan.

Peru John Lily (1553 - 1606) memiliki lapan drama: "Alexander and Campaspe" (1584), "Sappho and Phaon" (1584), "Galatea" (1588), "Endymion, atau Man in the Moon" (1588), " Midas" (1589 - 1590), "Mother Bomby" (c. 1590), "Metamorphoses of Love" (c. 1590), "Wanita di Bulan" (c. 1594).

Bukan sia-sia Lily mempelajari pengarang purba. Dia ketagih dengan cerita dan mitos kuno. Tetapi lakonannya bukanlah latihan akademik yang meniru pengarang purba. Dramaturgi Lili agak moden, walaupun nama Yunani wira dan wirawati. Meminjam plot dari sejarah dan mitologi purba, mengisinya dengan unsur-unsur pastoral dalam semangat humanisme Itali, Lily memberikan dalam komedinya gambaran alegori tentang masyarakat istana Elizabeth. Dalam hampir setiap komedinya, di bawah satu nama atau yang lain, Ratu Elizabeth dibawa keluar, dimuliakan sebagai model semua kebaikan. Lily's Athens mengingatkan London, dan padang rumput Arcadian bersifat Inggeris.

Komedi Lily didominasi oleh tema cinta, hanya dalam "Midas" terdapat unsur-unsur sindiran politik pada Raja Sepanyol Philip II dan dalam "Mother Bombie" - ciri sindiran setiap hari. Sebagai peraturan, tindakan Lily berlaku dalam keadaan bersyarat. Wataknya separuh rekaan, separuh nyata. Mereka bercakap dalam jargon sekular yang sangat pelik.

Lily adalah pencipta gaya khas "eufuism", yang mendapat namanya daripada novel Lily "Euphues, atau Anatomy of wit" (1579). Gaya pertuturan yang dikembangkan oleh Lili berkait rapat dengan konsep ideologi yang mendasari semua karyanya.

Lily adalah wakil dari humanisme bangsawan istana. Menyokong sepenuhnya sistem sedia ada, beliau percaya bahawa humanisme harus dihadkan kepada tugas mendidik lelaki yang ideal, dikurniakan budaya luaran dan dalaman. Berdasarkan risalah penulis Itali Castiglione "The Courtier", Lily, dalam imej wira novelnya, Eufues, berusaha untuk membentangkan penjelmaan konkrit idealnya. Kecerdasan tinggi dan kepekaan halus mesti seiring dengan adab yang halus. Dengan novelnya, Lily ingin memberikan contoh kegagahan kepada golongan bangsawan pada zaman Elizabeth. Malah, novelnya berada di tanah Inggeris salah satu contoh terawal gaya "tepat" itu, yang kemudiannya menerima perkembangan yang begitu ketara dalam bahasa Perancis kesusasteraan mulia abad ke-17 dan diejek dengan kejam oleh Molière.

Ciri ciri gaya eufhuistik: retorik, banyak metafora dan perbandingan, antitesis, paralelisme, rujukan kepada mitologi kuno. Bukan sahaja novel Lily ditulis dalam bahasa yang sama, tetapi juga lakonannya. Dalam komedi Lily Endymion, wira bercakap tentang kekasihnya: "Wahai Cynthia yang cantik! Mengapa orang lain memanggil anda berubah-ubah apabila saya mendapati anda tidak berubah? Masa yang merosakkan, moral yang kejam, orang yang tidak baik, melihat keteguhan yang tiada tandingan dari kekasih saya yang cantik, menggelarnya berubah-ubah, tidak setia Adakah mungkin untuk memanggil orang yang tidak stabil yang sentiasa mengikut caranya sendiri, sejak lahir tanpa mengubah arahnya sesaat? tunas tidak bernilai sehingga mereka memberi warna, dan warna - sehingga ia memberi buah masak, dan adakah kita akan memanggil mereka boleh berubah-ubah kerana dari sebiji benih tumbuhnya tunas, dari setumbar tunas, dari sekuntum bunga?"

Eufhuisme mempunyai kesan yang besar terhadap bahasa sastera pada zaman itu, termasuk bahasa karya dramatik. Pada peringkat tertentu, beliau memainkan peranan positif, menyumbang kepada pengayaan dan pemartabat bahasa. Walau bagaimanapun, bangsawan yang ditekankan dan artificiality gaya ini tidak boleh tidak menyebabkan reaksi di pihak penulis yang dipandu oleh bahasa rakyat yang hidup. Shakespeare, yang mula-mula memberi penghormatan tertentu kepada eufhuisme, kemudian berulang kali memparodikan gaya ini. Apabila Falstaff dan Putera Henry (Henry IV, Bahagian 1) mengadakan pertemuan antara raja dan putera raja, kesatria gemuk, yang sepanjang adegan ini memparodikan beberapa karya dramatik pada zaman itu, meniru gaya eufuistik seperti berikut:

"Harry, saya terkejut bukan sahaja dengan hobi awak, tetapi juga dengan masyarakat di mana awak tinggal. Walaupun chamomile tumbuh lebih cepat semakin diinjak-injak, masa muda semakin haus semakin cepat ia didera. Bahawa awak anak saya , ini sebahagiannya saya Saya yakin dengan jaminan ibu awak, sebahagiannya pendapat saya sendiri, tetapi terutamanya pandangan nakal di mata awak dan bibir bawah awak yang terkulai bodoh ... Syarikat awak mengotorkan seseorang. Saya beritahu awak ini, Harry, bukan dari mata mabuk, tetapi dengan air mata saya, bukan bergurau tetapi berduka, bukan sahaja dengan kata-kata, tetapi dengan hati yang sakit." Ucapan Polonius di Hamlet juga bersifat eufhuistik. Tetapi di sini ia adalah parodi dan pencirian watak: begitulah citarasa persekitaran mahkamah.

Seiring dengan kepalsuan, bagaimanapun, dalam komedi Lily terdapat kecerdasan yang nyata. Contohnya ialah dialog Plato, Aristotle dan Diogenes dalam "Alexander and Campaspe", perbualan hamba dalam komedi lain. Hanya ada satu langkah dari sini ke kecerdasan komedi Shakespeare.

Lily ialah pencipta komedi "tinggi". Dia adalah orang pertama yang membawa komedi melampaui sandiwara. Dengan kemungkinan pengecualian "Mother Bombie", di mana terdapat unsur-unsur sandiwara, dia melukis situasi romantik di mana-mana, membina aksi di atas pertembungan nafsu yang tinggi. Dalam hal ini juga, dia adalah pendahulu langsung Shakespeare. Tetapi moraliti yang terkandung dalam komedinya adalah bertentangan sama sekali dengan Shakespeare dan, secara amnya, dengan prinsip etika drama rakyat. Dalam komedi Lily, konflik sangat kerap berlaku, timbul daripada fakta bahawa dua orang mencintai seorang wanita ("Alexander dan Campaspe", "Sappho dan Faon", dll.). Salah seorang daripada mereka perlu melepaskan cintanya. Lily menegaskan disiplin moral yang ketat, menegaskan keperluan untuk menekan nafsunya, dan dalam pengertian ini puritanisme tidak asing baginya. Drama rakyat sama sekali tidak memupuk penindasan yang tabah terhadap nafsu, perasaan dan keinginan. Sebaliknya, keseluruhan kesedihannya adalah dalam menggambarkan kekuatan dan keindahan nafsu yang kuat, dalam mengesahkan kesahihan hak seseorang untuk memenuhi aspirasinya, dalam perjuangan prinsip-prinsip yang baik sifat manusia melawan yang buruk.

Wakil utama drama rakyat sebelum Shakespeare ialah Green, Kid dan Marlo.

Robert Green (1558 - 1592) berasal dari Norwich. Beliau belajar di Universiti Cambridge, di mana beliau menerima ijazah sarjana muda pada tahun 1578 dan ijazah sarjana pada tahun 1583. Sebagai seorang bujang, dia mengembara ke Sepanyol dan Itali. Aktiviti sastera Green bermula di Cambridge, ia menjadi sumber utama rezekinya selepas 1583, ketika dia menetap di London. Lapan-sembilan tahun yang dilalui oleh Green di ibu negara adalah tempoh paling ribut dan membuahkan hasil dalam hidupnya. Green menulis dalam pelbagai genre: puisi, puisi, novel, risalah satira dan drama. Kerja yang sengit, bergaji rendah, tempoh keperluan yang lengkap, apabila Green benar-benar kelaparan, dan bulan-bulan kemakmuran yang berjaya, apabila dia tidak berpuas hati, mensia-siakan yurannya - semua ini menjejaskan kesihatannya. Dia jatuh sakit dan meninggal dunia di beberapa rumah penginapan, berhutang kepada pemiliknya dan tidak meninggalkan wang untuk pengebumian.

Pengalaman dramatik pertama Greene, "Alphonse, King of Aragon" (1587), ialah drama yang menggambarkan pencapaian luar biasa dan kemenangan besar seorang wira yang memenangi mahkota dan cinta seorang gadis cantik. Dramatisasi "Furious Roland" (1588) juga mempunyai asas romantis. Plot puisi Ariosto memberi Green peluang untuk memuaskan kecintaan orang ramai terhadap aksi yang cerah, menghiburkan dan mengeluarkan wira yang dikurniakan semangat yang hebat.

Monk Bacon dan Monk Bongay (1589), seperti Marlowe's Faust, mencerminkan fenomena ciri era - keinginan untuk mengetahui rahsia alam dan menundukkannya dengan bantuan sains. Seperti Marlo, Green tidak memisahkan sains daripada sihir. Wiranya, sami Bacon, adalah seorang penyihir yang mempunyai keupayaan untuk melakukan keajaiban. Walau bagaimanapun, permainan Greene sama sekali tidak mempunyai rasa tragis yang dimiliki oleh permainan Marlowe. Tiada titanisme dalam watak-watak Green, dan keseluruhan plot diberi pewarnaan romantis. Putera Wales dan pegawai istananya, Lacey, mencari cinta anak perempuan hutan, Marguerite yang cantik. Persaingan antara dua ahli silap mata, Bacon dan Bongay, adalah, seolah-olah, latar belakang komik kisah cinta ini.

Elemen penting dalam drama adalah kaitannya dengan cerita rakyat. Plotnya berakar umbi dalam legenda rakyat Inggeris tentang ahli sains zaman pertengahan Roger Bacon (abad XIII), yang mencipta cermin mata dan menyokong prinsip membina teleskop. Dalam drama itu, dia memiliki "kaca ajaib" yang membolehkannya melihat jauh. Beberapa adegan dibina berdasarkan fakta bahawa Bacon melihat melalui kaca ini, dan apa yang dilihatnya, penonton melihat.

Monk Bacon dan Monk Bongay ialah salah satu drama paling popular dalam teater rakyat. Ia dipenuhi dengan demokrasi yang tidak dapat dinafikan. Heroin drama Margarita adalah seorang gadis dari orang-orang yang bertindak sebagai penjelmaan ideal kecantikan, kesetiaan dan cinta, sebagai pembawa perasaan bebas. "Baik raja England, mahupun pemerintah seluruh Eropah," dia menyatakan, "tidak akan membuat saya berhenti mencintai orang yang saya cintai."

Sikap Green terhadap sains juga disemai dengan demokrasi. Monk Bacon menggunakan kuasa ajaibnya bukan untuk tujuan peribadi, tetapi untuk membantu orang ramai. Pada akhir drama, dia mengucapkan nubuatan tentang masa depan England, yang, setelah melalui salib peperangan, akan mencapai kehidupan yang damai:

Mula-mula Marikh akan menguasai ladang, Kemudian berakhirnya ribut tentera akan datang: Kuda akan merumput tanpa rasa takut di padang, Kekayaan akan mekar di tebing, Yang pandangannya Brutus pernah kagumi, Dan kedamaian akan turun dari syurga ke semak belukar. ...

Dalam "James IV" (1591) Green, seperti penulis drama lain pada era itu, menggunakan plot sejarah untuk mentafsir masalah politik. Green ialah penyokong "enlightened monarchy". Seperti Shakespeare kemudian, dia menimbulkan persoalan tentang keperibadian raja, percaya bahawa ia bergantung kepada sama ada kerajaan akan adil atau tidak adil. Raja Scotland James IV digambarkan dalam drama itu sebagai penjelmaan tipikal kesewenang-wenangan beraja. Kerana cintanya kepada Ida, anak perempuan Countess of Arran, bertindak atas hasutan istana Atekin yang khianat, James IV memerintahkan pembunuhan isterinya Dorothea, anak perempuan raja Inggeris. Diberi amaran tentang konspirasi, ratu pergi bersembunyi. Berita tentang kematiannya yang sepatutnya sampai kepada bapanya, Henry VII, yang menyerang Scotland dengan tentera. Dorothea muncul dalam persembunyian. James IV bertaubat, dan semuanya berakhir dengan damai.

Drama ini, seperti karya lain oleh Green, dicirikan oleh gabungan tema sosio-politik dengan konflik peribadi. Raja James yang jahat menentang Raja Inggeris Henry VII, yang bertindak sebagai penjaga keadilan dan kesahihan. Untuk memahami semangat umum drama ini, episod di mana peguam, saudagar dan paderi bercakap tentang punca bencana sosial adalah sangat penting. Hijau menjadikan imam sebagai jurucakap untuk pandangan yang paling adil. "Apakah nama perintah sedemikian di mana orang miskin selalu kalah, tidak kira betapa adilnya itu?" imam itu marah. dan mereka akan meminta bantuan anda, anda akan mengeluarkan benang terakhir dari mereka dan biarkan mereka mengelilingi dunia bersama anak-anak mereka. Sekarang perang telah bermula; orang yang dirompak bimbang; kita dirompak walaupun tanpa musuh; kita sendiri merosakkan kita dan hukuman pada masa yang sama: pada masa aman, undang-undang tidak menyelamatkan kita, kini kita akan memusnahkannya pula."

Wira drama "George Greene, Weckfield Field Watchman" (1592) ialah seorang lelaki rakyat, seorang yeoman, bangga menjadi rakyat biasa, dan menolak gelaran bangsawan, yang raja mahu dia terima. George Green memusuhi tuan-tuan feudal, dia menangkap tuan-tuan yang memberontak yang memberontak terhadap Edward III. Arah politik drama itu sepadan dengan kedudukan kaum humanis borjuasi, yang melihat dalam pengukuhan monarki mutlak sebagai cara untuk menindas kehendak diri baron feudal. Idea perpaduan rakyat dan raja dalam perjuangan menentang tuan-tuan feudal berjalan melalui keseluruhan permainan. Pandangan Greene seperti itu, sudah tentu, adalah ilusi yang timbul pada peringkat perkembangan sosial England, apabila monarki mutlak bergantung pada perjuangannya menentang tuan-tuan feudal pada sokongan borjuasi dan rakyat.

Seperti dalam "The Monk Bacon", dalam "Weckfield Field Watchman" seseorang dapat merasakan dengan jelas hubungan antara dramaturgi Greene dan cerita rakyat. Apatah lagi salah satu watak dalam drama itu ialah hero balada rakyat Robin Hood, imej George Green turut dipinjam oleh pengarang daripada lagu-lagu rakyat. Simpati demokrasi penulis juga tercermin dalam imej penduduk bandar Weckfield, dalam gambaran penuh kasih sayang tentang kehidupan orang biasa dan dalam humor rakyat yang mewarnai beberapa episod drama itu.

Grin benar-benar bukan ciri kesedihan yang tragis. Sebagai peraturan, drama beliau mempunyai pengakhiran yang bahagia. Elemen komik di dalamnya sangat penting, yang Green dihubungkan secara organik dengan garis utama plot. Green suka membina tipu daya yang kompleks dan mengetuai tindakan selari.

Ciri-ciri dramaturgi Green ini telah memasuki amalan teater Renaissance Inggeris.

Thomas Kidd adalah salah seorang yang paling menarik dan pada masa yang sama tokoh paling misteri Renaissance Inggeris. Malah tarikh kelahiran dan kematiannya tidak diketahui dengan tepat: diandaikan bahawa dia dilahirkan pada tahun 1557 dan meninggal dunia pada tahun 1595. Kita hanya tahu bahawa sebelum menjadi penulis drama, dia adalah seorang jurutulis. Beberapa dramanya diterbitkan tanpa nama pengarang, yang lain hanya ditandakan dengan huruf awal. Sumber utama untuk menentukan kepengarangan Kid ialah buku akaun usahawan teater Philip Genslo, yang menyatakan pembayaran royalti kepada pengarang drama.

Menurut penyelidik, Kid adalah pengarang lima drama. Yang pertama dalam masa ialah "Tragedi Sepanyol", yang popularitinya boleh dinilai oleh fakta bahawa selama sedekad ia diterbitkan empat kali (edisi pertama - tiada tarikh, 2 - 1594, 3 - 1599, 4 - 1602). Walaupun nama pengarang tidak dinyatakan pada mana-mana edisi, semua penyelidik menganggap kaitan drama ini dengan Kid sebagai tidak boleh dipertikaikan. Diandaikan bahawa Kid menulis bahagian pertama tragedi "Jeronimo", yang menggambarkan peristiwa sebelum "tragedi Sepanyol".

Kid lebih dikreditkan dengan pengarang drama itu, tajuk panjangnya berbunyi: "Tragedi Soliman dan Persis, di mana keteguhan dalam cinta digambarkan, ketidaktetapan nasib dan tawar-menawar kematian." Dengan pasti, seseorang boleh bercakap tentang kepengarangan Kid berhubung dengan tragedi "Pompeii the Great and the Beautiful Cornelia", kerana namanya tertera pada halaman tajuk. Ia juga menyatakan bahawa drama itu adalah terjemahan tragedi oleh penyair Perancis Robert Garnier. Akhirnya, dipercayai bahawa Kyd adalah pengarang tragedi Hamlet pra-Shakespearean, yang diketahui telah dipersembahkan di atas pentas pada 1587-1588, walaupun teksnya tidak diturunkan kepada kita.

Yang paling luar biasa daripada semua drama ini ialah "Tragedi Sepanyol", yang menandakan permulaan genre "drama berdarah". Ia bermula dengan kemunculan hantu Andrea, menangis untuk membalas dendam atas kematiannya di tangan Balthazar Portugis. Tugas ini diambil alih oleh rakan si mati, Horatio, yang menangkap Balthazar dan membawanya ke Sepanyol. Tetapi di sini Balthazar berjaya berkawan dengan anak lelaki Duke of Castile - Lorenzo. Dengan bantuannya, Balthazar akan mengahwini pengantin perempuan mendiang Andrea, Belimperia yang cantik. Tetapi Belimperia suka Horatio. Untuk menghapuskan saingan itu, Balthazar dan rakannya Lorenzo membunuh Horatio. Mereka menggantung mayat lelaki yang dibunuh di atas pokok di hadapan rumahnya. Bapa Horatio, Hieronimo, menemui mayat itu dan bersumpah untuk mencari pembunuh untuk membalas dendam terhadap mereka. Ibu Horatio, terkejut dengan kesedihan, membunuh diri. Selepas mengetahui siapa punca semua kemalangannya, Jeronimo membuat rancangan untuk membalas dendam. Dia menjemput pembunuh anaknya untuk mengambil bahagian dalam persembahan drama pada perayaan perkahwinan sempena perkahwinan Balthazar dan Belimperia. Semua watak utama terlibat dalam drama ini. Semasa permainan ini, Hieronimo mesti membunuh Lorenzo dan Balthazar, yang dia lakukan. Belimperia membunuh diri, bapa Lorenzo mati, dan dengan itu dendam Jeronimo dilakukan. Apabila raja memerintahkan penangkapan Hieronimo, dia menggigit lidahnya dan meludahkannya supaya tidak mendedahkan rahsianya. Hieronimo kemudian menikam dirinya dengan keris.

"Tragedi Sepanyol" - drama komplot mahkamah dan dendam yang kejam - amat menarik minat kedua-dua ciri seni dan orientasi ideologinya.

Menolak plot siap sedia yang berasal dari zaman purba atau zaman pertengahan, Kid sendiri mencipta plot tragedinya, yang berlaku di Sepanyol kontemporari, pada tahun 80-an abad ke-16. Dia mengisi permainan itu dengan nafsu ganas, peristiwa yang berkembang pesat dan ucapan yang menyedihkan. Dengan mahir membina aksi, dia mengetuai beberapa intrik selari pada masa yang sama, menarik perhatian penonton dengan kebetulan yang tidak dijangka dan perubahan tajam dalam nasib watak-watak. Watak-watak digariskan dengan pukulan yang tajam dan ekspresif. Perangai digabungkan di dalamnya dengan tujuan, dengan tekanan kemahuan yang besar. Dia mencipta imej penjahat yang tidak mengenal batasan penipuan dan kekejaman. Kehausan Jeronimo untuk membalas dendam bertukar menjadi obsesi yang bersempadan dengan kegilaan.

Untuk memadankan keseluruhan warna tragedi dan imej wanita, khususnya heroin drama Belimperiya, yang tidak kalah dengan lelaki dalam semangat, tenaga, keazaman. Watak kanak-kanak mencurahkan perasaan mereka dalam ucapan yang penuh dengan emosi yang sengit, seruan ribut, hiperbola yang berani. Dalam hal ini, tragedi Kid adalah serupa dengan banyak karya dramatik lain pada zaman itu. Tetapi terdapat ciri dalam "Tragedi Sepanyol" yang membezakan drama ini daripada pengeluaran dramatik moden. Ini adalah persembahan teater dan pentas yang luar biasa. Tidak seperti kebanyakan drama, di mana kebanyakan aksi berlaku di luar pentas, dalam Kid semuanya berlaku di atas pentas, di hadapan penonton. Setelah mengatasi skema sastera, drama "akademik", Kid, seolah-olah, menghidupkan semula unsur-unsur visualisasi dan tontonan yang berkesan, ciri teater misteri secara baru. Permainan kanak-kanak mencipta tontonan yang menarik, peristiwa yang dipersembahkan di dalamnya menyebabkan sama ada kasihan dan belas kasihan, atau ketakutan dan seram. Sepanjang tindakan "Tragedi Sepanyol" terdapat lapan pembunuhan dan bunuh diri, setiap satunya dilakukan dengan caranya sendiri; di samping itu, penonton ditunjukkan tergantung, gila, menggigit lidah dan perkara-perkara lain yang mengerikan. Wira Kid bukan sahaja membuat ucapan, tetapi melakukan banyak perbuatan yang berbeza, dan semua ini memerlukan teknik lakonan baru untuk masa itu, perkembangan ekspresi muka, gerak isyarat, dan pergerakan pentas. Antara elemen inovatif dramaturgi Kid, seseorang juga harus perhatikan pengenalannya tentang "pentas di atas pentas" - peranti yang mengandungi kemungkinan pentas yang kaya dan kemudiannya digunakan oleh Shakespeare berulang kali.

Inovasi dramatik kanak-kanak bukanlah satu penghujungnya. Mereka berkait rapat dengan orientasi ideologi karyanya. Seram dan kejahatan, dipersembahkan dengan banyaknya dalam "Tragedi Sepanyol", mencerminkan persepsi tragis ciri Kidu terhadap realiti.

Timbunan kengerian dan kekejaman dalam drama berdarah itu adalah gambaran kemeriahan kemahuan diri individualistik dan keruntuhan semua hubungan feudal dalam keadaan masyarakat borjuasi yang baru muncul. Pelanggaran norma moral lama telah dinyatakan dalam kehilangan prinsip penahanan. Kemarahan, penipuan, pengkhianatan, pemangsa, keganasan, pembunuhan dan fenomena serupa lain yang ditangkap dalam drama berdarah itu bukanlah ciptaan penulis drama, tetapi cerminan fakta realiti. Bukan tanpa sebab, ia adalah dalam genre drama berdarah bahawa sejumlah besar karya dicipta berdasarkan bahan moden, dan bukan pada plot sastera atau sejarah yang dipinjam.

Sebahagian besar tragedi berdarah menggambarkan kehidupan lapisan atasan masyarakat, mahkamah dan golongan bangsawan. Orientasi demokrasi genre itu tercermin dalam fakta bahawa, pada dasarnya, drama berdarah sentiasa mengutuk maksiat dan kekejaman masyarakat tinggi.

Tempat istimewa di antara drama berdarah diduduki oleh karya pengarang yang tidak dikenali "Arden from Feversham" (c. 1590). Perbezaan penting drama ini daripada karya lain dalam genre ini ialah tindakan di dalamnya tidak berlaku di mahkamah dan bukan di kalangan bangsawan, tetapi dalam kehidupan orang yang berpangkat sederhana. Ini adalah drama keluarga borjuasi pertama dalam teater Inggeris. Sumber plotnya adalah peristiwa sebenar yang berlaku pada tahun 1551.

Drama ini menggambarkan kisah pembunuhan burgess Arden oleh isterinya Alice dan kekasihnya Mosby. Tidak dapat menahan nafsunya, Alice memutuskan untuk menyingkirkan suaminya yang tidak disayangi, tetapi pelaksanaan rancangannya sentiasa menghadapi halangan, dan Arden berjaya mengelakkan perangkap yang disediakan untuknya berulang kali.

Mengetuai aksi dengan kemahiran yang hebat, penulis drama membentangkan di hadapan penonton gambar kehidupan wilayah dan metropolitan orang kelas pertengahan, pekerja dan sampah masyarakat. Kemahiran dramatik yang digunakan dalam cerita itu telah menyebabkan penyelidik membuat spekulasi bahawa Shakespeare atau The Kid mungkin menjadi pengarang drama tanpa nama ini. Andaian ini, bagaimanapun, tidak mempunyai sebarang alasan yang serius.

Yang paling hebat daripada pendahulu Shakespeare ialah Christopher Marlowe (1564-1593). Anak lelaki pembuat kasut Canterbury, yang menamatkan kursus penuh sains di Universiti Cambridge, Marlow menerima ijazah sarjana seni liberal pada tahun 1587. Selepas menetap di London, dia terlibat dalam aktiviti puisi dan dramatik, pementasan drama untuk teater awam.

Semasa tinggal di London, Marlowe menyertai kumpulan pemikir bebas, diketuai oleh Walter Raleigh, salah seorang tokoh paling cemerlang dalam Renaissance Inggeris; Raleigh ialah seorang pahlawan, pelayar, penyair, ahli falsafah, ahli sejarah. Secara ideologi berkaitan dengan Raleigh, Marlo secara terbuka mengaku ateisme dan pandangan republik. Banyak kecaman terhadap Marlo telah dipelihara, yang difailkan oleh ejen polis rahsia. Siasatan telah dijalankan terhadap kes pemikiran bebasnya. Tetapi pihak berkuasa memutuskan untuk melakukan tanpa prosedur undang-undang biasa: Marlo dibunuh oleh ejen kerajaan di sebuah rumah penginapan di bandar Deptford, dan kemudian versi telah disusun bahawa punca kematian penyair adalah pergaduhan terhadap seorang gadis kedai minuman. Malah, seperti yang telah didokumentasikan oleh penyelidik, penulis drama itu menjadi mangsa keganasan polis kerajaan Elizabeth.

Permainan pertama Marlo muncul pada tahun 1587, dan lima tahun kemudian dia sudah mati. Walaupun tempoh aktivitinya yang singkat, Marlo meninggalkan legasi dramatik yang sangat penting.

Tragedi pertama Marlowe benar-benar mengejutkan rakan seangkatannya. Tidak satu pun karya adegan sehingga masa itu berjaya seperti yang jatuh ke lot "Tamerlane" (bahagian 1 - 1587, bahagian ke-2 - 1588). Wira tragedi itu ialah seorang gembala sederhana yang menjadi komander dan menakluki banyak kerajaan di Timur.

Tamerlane ialah personaliti raksasa: dia berusaha untuk menguasai dunia tanpa had. Ini adalah seorang yang bercita-cita tinggi, haus kuasa yang tidak kenal lelah, tenaga yang tidak terkalahkan. Dia tidak percaya kepada takdir dan kepada Tuhan, dia adalah takdirnya sendiri dan tuhannya sendiri. Dia tidak goyah yakin bahawa semua yang diingini boleh dicapai, anda hanya perlu benar-benar mahu dan mencapainya.

Iman kepada kuasa minda dan kehendak manusia diungkapkan oleh Marlo dalam monolog Tamerlane:

Kita dicipta daripada empat unsur, Berperang secara degil sesama sendiri. Alam semula jadi mengajar minda kita untuk melambung Dan untuk mengenali dengan jiwa yang tidak pernah puas seni bina dunia yang Hebat, Untuk mengukur laluan kompleks badan-badan syurga Dan berusaha untuk pengetahuan yang tidak terhingga...

Setelah mencapai satu daripada kemenangan tentera pertamanya, Tamerlane menawan Zenocrate yang cantik, anak perempuan Sultan Mesir. Dia jatuh cinta dengannya dengan semua kekuatan ghairah yang wujud dalam sifatnya. Zenocrate pada mulanya takut akan ketabahan Tamerlane, dan kemudian, dikuasai oleh tenaga heroiknya, dia memberikan hatinya kepadanya. Tamerlane membuat penaklukannya, mahu meletakkan seluruh dunia di kaki wanita tercintanya. Pada akhir bahagian pertama, Tamerlane memasuki pertempuran dengan bapa Zenocrates, sultan Mesir. Zenocrate sedang mengalami perpecahan perasaan antara cinta kepada Tamerlane dan bapanya. Tamerlane menangkap Sultan, tetapi mengembalikan kebebasannya, dan dia memberkati perkahwinannya dengan Zenocrates.

Jika bahagian pertama menggambarkan penaklukan Timur oleh Tamerlane, maka pada bahagian kedua kita melihat Tamerlane menyebarkan penaklukannya ke Barat. Dia mengalahkan raja Hungary Sigismund.

Zenocrate, yang berjaya memberikan Tamerlane tiga anak lelaki, meninggal dunia. Kesedihan Tamerlane tidak terhingga. Dia membakar kota tempat Zenocrate mati. Diiringi oleh tiga anak lelakinya, Tamerlane, seperti angin puyuh kematian, menyapu dengan tenteranya melalui semua negara baru yang ditaklukinya. Dia menakluk Babylon dan Turki. Di sini dia memerintahkan agar Al-Quran dibakar. Episod ini adalah cabaran kepada agama Marlo yang atheis, tidak sukar untuk orang sezaman untuk meneka bahawa dia juga merujuk kepada kitab suci agama Kristian. Tamerlane meninggal dunia, memerintahkan untuk dikebumikan di sebelah Zenocrates dan mewariskan kepada anak-anaknya untuk meneruskan penaklukan tanah baru.

"Tamerlane" oleh Marlo ialah apotheosis keperibadian yang kuat, lagu pujian kepada tenaga manusia. Wira tragedi itu menjelmakan semangat era ketika pembebasan individu daripada belenggu feudal berlaku. Tamerlane sudah pasti mempunyai ciri-ciri individualisme borjuasi. Aspirasi tertinggi beliau ialah kuasa tanpa had ke atas dunia dan manusia. Dia membuang prinsip moral lama dan percaya bahawa satu-satunya undang-undang adalah kehendaknya.

Tetapi terdapat juga asas yang sangat demokratik dalam imej Tamerlane. Marlo memilih sebagai wira drama seorang lelaki yang meningkat dari bawah ke puncak kuasa dan keperkasaan. Penonton rakyat pada masa itu sepatutnya kagum dengan gembala ini, yang mengalahkan raja-raja dan membuat mereka berkhidmat kepadanya. Tamerlane memaksa salah seorang raja yang ditangkap untuk menggambarkan langkah di kaki takhtanya, dia memanfaatkan raja-raja lain ke kereta dan menunggang di atasnya, meletakkan raja lain dalam sangkar dan membawanya di belakangnya untuk menunjukkan kuasanya.

Penonton demokrasi, tentu saja, dengan gembira bertepuk tangan dengan tontonan banyak raja yang digulingkan ini, dikalahkan oleh seorang gembala yang sederhana. "Tamerlane" adalah cabaran kepada dunia lama, penguasanya. Marlowe, seolah-olah, mengisytiharkan dalam permainannya bahawa penguasa baru dunia akan datang; dia tidak mempunyai gelaran, tidak ada nenek moyang, tetapi dia berkuasa, pintar, bertenaga, dan di hadapan kehendaknya, takhta dan mezbah akan jatuh menjadi debu. Itulah, pada dasarnya, idea permainan, dan ini adalah kesedihannya, yang sangat memikat orang sezaman.

Cabaran yang sama terkandung dalam The Tragic History of Doctor Faust (1588 - 1589). Di sini wira juga merupakan personaliti titanic. Tetapi jika Tamerlane ingin mencapai kuasa tanpa had ke atas dunia melalui eksploitasi ketenteraan, maka Faust berusaha untuk matlamat yang sama melalui pengetahuan. Meminjam plot daripada buku rakyat Jerman tentang ahli sihir Dr. Faust, Marlo mencipta karya Renaissance tipikal yang mencerminkan ciri terpenting era itu - kemunculan sains baharu.

Faust menolak skolastik dan teologi zaman pertengahan, yang tidak berkuasa untuk memahami alam semula jadi dan menemui undang-undangnya; mereka hanya mengikat orang itu. Pemberontakan terhadap teologi zaman pertengahan dan penolakan agama terkandung dalam pakatan yang dibuat Faust dengan syaitan. Marlo yang tidak bertuhan dan ateis di sini meluahkan rasa bencinya terhadap agama. Wiranya mendapat lebih banyak manfaat untuk dirinya dalam persekutuan dengan syaitan - Mephistopheles daripada ketaatan kepada dogma agama.

Dalam tragedi Marlowe seseorang merasakan dorongan yang kuat untuk pengetahuan, keinginan yang ghairah untuk menakluki alam semula jadi dan menjadikannya berkhidmat kepada manusia. Dalam Faust, keinginan untuk pengetahuan ini dijelmakan. Pencari jalan baru dalam sains adalah orang-orang yang berani yang memberontak secara heroik terhadap prasangka agama zaman pertengahan, dengan berani menanggung penganiayaan gereja dan penganiayaan orang-orang kabur, yang mempertaruhkan nyawa mereka atas nama mencapai matlamat besar mereka.

Orang yang begitu heroik ialah Faust, malah bersetuju untuk menjual jiwanya kepada syaitan untuk menguasai rahsia alam dan menaklukinya. Faust mengarang lagu pujian yang bersemangat untuk pengetahuan:

Oh, betapa dunia, dunia kebijaksanaan dan manfaat, Kehormatan, kemahakuasaan dan kuasa Terbuka kepada mereka yang telah menyerahkan diri kepada sains! Segala yang terletak di antara kutub senyap tunduk kepada saya.

Pengetahuan bukanlah satu penghujung bagi Faust. Baginya cara yang sama untuk menakluki seluruh dunia untuk dirinya sendiri, yang bagi Tamerlane adalah pedangnya. Sains harus memberinya kekayaan dan kuasa.

Walau bagaimanapun, terdapat perbezaan antara Faust dan Tamerlane. Tamerlane adalah seorang yang utuh. Dia tidak tahu keraguan dan keraguan. Lakon mengenainya sebenarnya bukanlah sebuah tragedi, sebaliknya sebuah drama kepahlawanan, kerana dari awal hingga akhir penonton melihat kejayaan padu hero tersebut. Faust berbeza. Di sini, dari awal lagi, kami merasakan dualitas wira. Dia mempunyai dua jiwa. Faust mendambakan, walaupun jangka pendek, tetapi masih kuasa sebenar ke atas dunia dan bersedia untuk mengorbankan jiwa "abadi"nya untuk ini. Tetapi ketakutan juga tinggal di dalam dirinya, ketakutan untuk "jiwa" ini, yang pada akhirnya perlu membayar untuk pelanggaran perintah kekal perkara.

Pada penghujung tragedi itu, Faust bersedia untuk melepaskan dirinya, "untuk membakar bukunya." Apakah itu - pengiktirafan pengarang terhadap kekalahan wiranya? Penolakan keinginan untuk kebebasan dan kuasa tanpa had ke atas dunia, perdamaian dengan segala yang Faust mula-mula tinggalkan?

Tidak boleh dilupakan bahawa dalam mencipta tragedi Marlowe bergantung pada sumbernya dan terpaksa mengikuti perjalanan peristiwa dalam legenda Faust. Di samping itu, Marlowe terpaksa berkira dengan sudut pandangan yang berlaku dan tidak boleh mementaskan drama itu jika Faust tidak dihukum kerana meninggalkan agama. Tetapi selain keadaan luaran yang memainkan peranan mereka, terdapat juga sebab dalaman yang mendorong Marlo untuk menulis pengakhiran tragedi itu. Faust mencerminkan dualitas cita-cita seorang yang bebas, yang Marlowe perjuangkan. Wiranya adalah orang kuat yang telah membebaskan dirinya daripada kuasa Tuhan dan negara feudal, tetapi dia juga seorang yang egosentrik, menginjak-injak institusi sosial dan undang-undang moral.

"Faust" adalah ciptaan Marlowe yang paling tragis, kerana ia mendedahkan kebuntuan yang dimasuki seseorang, menolak semua norma moral dalam usahanya untuk kebebasan.

"The Maltese Jew" (1592) menandakan peringkat baru dalam perkembangan pandangan dunia Marlo. Tidak seperti dua drama pertama, yang mengagungkan individu, di sini Marlo mengkritik individualisme.

Tragedi itu berlaku di Malta. Apabila sultan Turki menuntut penghormatan daripada kesatria Malta, komander perintah itu mencari jalan keluar yang mudah. Dia mengambil wang daripada orang Yahudi yang tinggal di pulau itu dan membayar orang Turki. Sewenang-wenangnya ini menimbulkan kemarahan Barabas Yahudi yang kaya, yang enggan memberikan wang dan menyembunyikannya di dalam rumahnya. Kemudian mereka merampas hartanya dan menjadikan rumahnya sebagai biarawati. Untuk menyimpan wang yang tersembunyi di sana, Barabas memaksa anak perempuannya untuk mengisytiharkan penukaran agamanya kepada Kristian dan menjadi seorang biarawati. Tetapi bukannya membantu bapanya, Abigail, anak perempuan Barabas, menjadi seorang Kristian yang ikhlas. Kemudian Barabas meracuninya. Sementara itu, Malta dikepung oleh orang Turki. Barabas pergi ke sisi mereka dan membantu mereka mengambil alih kubu itu. Sebagai ganjaran untuk ini, orang Turki melantiknya gabenor dan menyerahkan ke tangannya kesatria yang dibenci. Ingin mengekalkan jawatan gabenor, tetapi menyedari bahawa untuk ini dia perlu mendapat sokongan penduduk, Barabas menawarkan kebebasan kepada kesatria yang ditangkap dan berjanji untuk memusnahkan orang Turki dengan syarat bahawa kesatria kemudian menyerahkan pengurusan pulau itu di tangannya dan bayar dia seratus ribu pound. Barabas menyusun palka, di bawahnya dia meletakkan kawah dengan damar mendidih. Pemimpin tentera Turki yang dijemput olehnya harus jatuh ke dalam lubang ini. Tetapi bekas gabenor pulau itu, berdedikasi untuk perkara itu, mengatur supaya Barabas jatuh ke dalam palka, yang terbakar dalam tar mendidih.

Dalam imej Barabas, Marlo, sebagai seorang humanis, menjenamakan sifat acquisitiveness dan ketamakan borjuasi. Marlowe adalah orang pertama yang mencipta jenis borjuasi pemangsa dalam drama Renaissance Inggeris.

Jika dalam dua drama pertamanya kekayaan digambarkan oleh Marlo sebagai salah satu cara untuk memenuhi keperluan manusia, maka dalam The Maltese Jew penulis drama menunjukkan kesan buruk emas pada watak apabila kekayaan menjadi penghujungnya. Imej Barabas merangkumi ciri-ciri tipikal borjuasi era pengumpulan modal primitif. Dia mengasaskan hartanya dengan riba. Sekarang dia seorang saudagar, menghantar kapalnya dengan barangan ke negara yang berbeza. Dia menukar hasilnya menjadi perhiasan. Dengan keghairahan seorang pemburu harta karun, tercekik dengan kegembiraan, dia bercakap tentang khazanahnya:

Beg opal, nilam dan kecubung, Topaz, zamrud dan gondok, Ruby, berlian berkilauan, Batu permata, besar, Dan setiap satu seberat banyak karat. Bagi mereka, saya akan dapat, sekiranya diperlukan, untuk menebus raja-raja besar dari tawanan, - Inilah yang terdiri daripada kekayaan saya Dan inilah yang, saya percaya, adalah perlu untuk mengubah Pendapatan daripada perdagangan; Harga mereka akan meningkat sepanjang masa, Dan dalam kotak kecil anda akan menyimpan sejumlah harta karun yang tidak terhingga.

Semua alam, menurut Barabas, harus memenuhi tujuan meningkatkan kekayaan, di mana dia melihat kebaikan tertinggi, kerana, seperti yang dia katakan: "Orang dinilai hanya untuk kekayaan." Mengenai hati nurani dan kehormatan, Barabas mempunyai pendapat sendiri tentang perkara ini:

Mereka yang malang yang mempunyai hati nurani, Ditakdirkan untuk hidup dalam kemiskinan selama-lamanya.

Oleh itu, apabila hartanya dirampas daripada Barabas, dalam keadaan terdesak dia mengucapkan monolog penuh ghairah:

Saya kehilangan semua emas, semua kekayaan! Oh syurga, adakah saya layak ini? Mengapa kamu memutuskan, bintang, untuk menjerumuskan Aku ke dalam keputusasaan dan kemiskinan?

Selepas menjadi gabenor, Barabas berusaha menggunakan kuasa untuk keuntungannya; pada masa yang sama, beliau menyatakan sikap borjuasi terhadap kuasa:

Saya akan mengekalkan kuasa yang diperoleh melalui pengkhianatan dengan tangan yang tegas. Tanpa keuntungan, saya tidak akan berpisah dengannya. Dia yang, mempunyai kuasa, tidak memperoleh Rakan atau karung berisi emas, adalah seperti Keldai dalam dongeng Aesop: Dia membuang barang-barang dengan roti dan wain Dan mula menggigit duri kering.

Mengutuk pemusnahan Barabas yang kejam, Marlo ateis bagaimanapun tidak gagal memasukkan kata-kata ke dalam mulutnya yang mendedahkan agama Kristian yang munafik:

Buah iman mereka yang saya tahu ialah: Penipuan dan kedengkian, kesombongan yang tidak terkira, - Dan ini tidak selaras dengan ajaran mereka.

Barabas ditentang sebagai watak positif oleh pemerintah Malta, Farnese. Dalam ucapannya kita mendengar kecaman terhadap riba dan kaedah pengumpulan borjuasi yang lain. Apabila Barabas menyebut ufti kewangan yang dikenakan ke atasnya oleh pemerintah sebagai kecurian, Farnese membantah:

Tidak, kami mengambil harta anda, Untuk menyelamatkan ramai orang dengan ini. Untuk kebaikan semua, biarkan seseorang menderita, Daripada semua yang lain bertahan untuk satu.

Oleh itu, Marlo menentang prinsip kebaikan bersama kepada individualisme.

Dari segi kedalaman wawasan sosial, "The Jew of Malta" Marlo mendekati "Merchant of Venice" dan "Timon of Athens" oleh Shakespeare.

"Edward II" (1593) adalah kronik sejarah yang tepu dengan kandungan politik. Edward II adalah raja yang lemah semangat, dimanjakan, hamba kepada nafsu, kemahuan, kemahuan. Kuasa melayani dia hanya sebagai cara untuk memuaskan kehendaknya sendiri. Berjiwa lemah dan berbadan lembut, dia patuh kepada pengikutnya, terutamanya salah seorang daripada mereka, Gaveston, yang tingkah laku kurang ajarnya menyebabkan kemarahan umum.

Raja yang lemah ditentang oleh Mortimer yang bertenaga dan bercita-cita tinggi, yang membangkitkan pemberontakan untuk merebut kuasa di tangannya sendiri. Dia berpura-pura menjadi penjaga kepentingan bersama. Pada dasarnya, dia melihat dalam kuasa hanya kepuasan egoismenya. Setelah menghapuskan raja dengan membunuh dan menjadi pemerintah de facto negara, dia juga menyebabkan rasa tidak puas hati dengan pemerintahannya dan menjadi mangsa pemberontakan yang mulia.

"Edward II" adalah drama anti-monarki dan anti-bangsawan. Marlo menafikan ketuhanan kuasa diraja dan menunjukkan gambar negeri di mana sewenang-wenang dan keganasan memerintah. Drama ini meneruskan kritikan terhadap individualisme yang berlaku dalam The Maltese Jew. Kelemahan Edward dan kekuatan Mortimer bertentangan antara satu sama lain seperti dua sisi mementingkan diri sendiri. Edward Epicurean dan Mortimer yang bercita-cita tinggi hanyalah dua sisi individualisme.

Pembunuhan Beramai-ramai Paris (1593) mempunyai sebagai plot peristiwa Malam Bartholomew. Marlo menunjukkan di sini akibat dari sikap tidak bertoleransi agama dan menggunakan ini untuk kritikan berterusannya terhadap agama. Karya terakhir Marlo - "Tragedi Dido, Ratu Carthage" (1593) - masih belum selesai. Ditulis oleh Thomas Nash.

Dramaturgi Marlowe adalah salah satu perkembangan paling ketara dalam perkembangan drama Renaissance Inggeris. Daripada semua pendahulu Shakespeare, dia adalah yang paling berbakat. Kematian awal telah mengganggu aktivitinya di kemuncaknya, tetapi apa yang berjaya dilakukan oleh Marlowe memperkayakan teater pada zamannya.

Dalam tragedi itu, Marlo meluahkan kesedihan kerana menegaskan keperibadian yang dibebaskan daripada hubungan dan sekatan feudal zaman pertengahan. Pemuliaan kuasa manusia, keinginannya untuk pengetahuan dan kuasa ke atas dunia, penolakan agama dan moral patriarki digabungkan dalam wira Marlowe dengan penafian mana-mana asas etika. Individualisme pahlawan perkasanya mempunyai watak anarkis.

Bermula dengan idea untuk mengesahkan keperibadian di Tamerlane, Marlo sudah berada di Faust mendapat pemahaman separa tentang percanggahan individualisme, yang kritikannya menjadi motif utama The Maltese Jew. Pada masa yang sama, tentu saja, seseorang juga harus mengambil kira perbezaan dalam matlamat pahlawan: untuk Tamerlane - ini adalah kuasa, untuk Faust - pengetahuan, untuk Barabas - kekayaan. Oleh itu, Faust menonjol sebagai wira dengan aspirasi yang benar-benar positif untuk semua individualismenya. Walaupun dalam lakonan Marlo terdapat percubaan untuk mencipta watak positif (Zenocrates dalam Tamerlane, Farnese dalam The Maltese Jew), namun Marlo tidak mencipta imej yang secara ideologi dan artistik dapat menentang sepenuhnya wira individualistiknya. Oleh itu ketidakkonsistenan dan beberapa berat sebelah yang menjadi ciri dramaturgi Marlowe. Tugas mencipta watak-watak raksasa yang membawa aspirasi sosial positif dilaksanakan oleh Shakespeare, yang menggantikan Marlo, yang banyak berhutang kepada pendahulunya.

Marlo memberi sumbangan besar kepada perkembangan drama, meningkatkan bentuk seninya ke tahap yang tinggi. Dia memberikan contoh pembinaan tindakan dramatik yang lebih sempurna, yang mana dia memberikan perpaduan dalaman, membina perkembangan plot di sekitar keperibadian dan nasib watak utama. Dalam karyanya, konsep tragis juga mendapat perkembangan yang lebih mendalam. Sebelum Marlowe, tragis itu difahami secara luaran sebagai imej semua jenis kejahatan, menyebabkan ketakutan dan seram. Marlo sendiri berdiri pada kedudukan ini, mencipta "Tamerlane" dan "Yahudi Malta". "Faust" Marlowe mengatasi kedua-dua drama ini dalam pemahaman yang lebih mendalam tentang tragis, yang dinyatakan di sini tidak begitu banyak dalam luaran tetapi dalam konflik dalaman dalam jiwa wira, yang memuncak pada akhir drama. Imej Faust, sesuai dengan pemahaman Aristotle tentang tragis, menimbulkan ketakutan dan belas kasihan. Pada masa yang sama, perlu diperhatikan bahawa realisme Marlowe semakin mendalam dari satu permainan ke satu permainan, mencapai kebenaran psikologi terbesar dalam Edward II.

Kelebihan Marlo juga ialah pengenalan ayat kosong ke dalam drama. Ayat putih mempunyai kebebasan yang diperlukan untuk memberikan keaslian kepada ucapan watak. Daripada semua pendahulu Shakespeare, Marlowe adalah penyair yang paling berbakat. Gayanya dibezakan oleh kesedihan, perbandingan yang berani, metafora yang jelas, banyak hiperbola, dan dengan cara terbaik sepadan dengan perasaan pahlawan raksasa Marlowe. Tenaga dan kuasa emosi yang hebat daripada ucapan dramatik Marlowe seterusnya memberikan alasan penuh kepada Ben Jonson untuk bercakap tentang "ayat yang berkuasa" Marlowe.

Rencana utama:Drama Elizabeth

Pada era Shakespeare, bersama dengan Teater Globe yang berjaya ketika itu di London, terdapat beberapa teater terkenal lain yang bersaing antara satu sama lain. Teater "Rose" (The Rose, 1587-1605), dibina oleh ahli perniagaan Philip Henslowe (Philipp Henslowe, 1550-1616). Teater Swan (The Swan, 1595-1632), yang dibina oleh tukang emas dan pedagang Francis Langley (Francis Langley, 1548-1602), Teater Fortune, yang pembinaannya bermula pada 1600, dan lain-lain. Salah seorang penulis drama Shakespeare yang paling terkenal ialah penyair berbakat Christopher Marlowe (1564-1593), yang di bawah pengaruhnya sudah pasti Shakespeare jatuh pada awal karyanya, dan kesemua dramanya kemudiannya dipentaskan di Teater Rose. Dia adalah salah seorang penulis drama - "akademik" yang mempunyai diploma Oxford atau Cambridge, yang juga termasuk Robert Greene (Robert Greene, 1558-1592), John Lyly (John Lyly, 1554-1606), Thomas Nashe (Thomas Nashe, 1567- 1601 ), George Peele (1556-1596) dan Thomas Lodge (Thomas Lodge, 1558-1625). Bersama mereka, penulis lain, yang tidak mempunyai pendidikan universiti, bekerja, yang tulisannya dalam satu atau lain cara mempengaruhi karya Shakespeare. Ini ialah Thomas Kyd (Thomas Kyd, 1558-1594), yang menulis drama terdahulu tentang Hamlet, John Day (John Day, 1574-1638?), Henry Porter (Henry Porter, d. 1599), pengarang drama "Two shrews from Abingdon" (The Two Angry Women of Abingdon), atas dasar komedi Shakespeare "The Merry Wives of Windsor" (The Merry Wives of Windsor, 1597-1602) telah dicipta.

[sunting] Teknik teater pada era William Shakespeare

Rencana utama:Teknik teater pada zaman Shakespeare

Teknik teater pada era Shakespeare - Teater Shakespeare sudah pasti sepadan dengan sistem drama, yang pada asalnya dipentaskan oleh kumpulan pelawak jelajah di rumah penginapan dan kawasan hotel; halaman hotel ini biasanya terdiri daripada sebuah bangunan yang dikelilingi di tingkat dua oleh balkoni bertingkat terbuka, di mana bilik dan pintu masuk ke dalamnya terletak. Rombongan pengembara, setelah memasuki halaman sedemikian, mengadakan adegan berhampiran salah satu segi empat tepat dindingnya; penonton duduk di halaman dan di balkoni. Pentas itu disusun dalam bentuk platform kayu di atas kambing, sebahagian daripadanya keluar ke halaman terbuka, dan satu lagi, bahagian belakang, kekal di bawah balkoni. Tirai jatuh dari balkoni. Oleh itu, tiga platform segera dibentuk: yang depan - di hadapan balkoni, yang belakang - di bawah balkoni di belakang tirai, dan yang atas - yang sangat balkoni di atas pentas. Prinsip yang sama mendasari bentuk peralihan teater Inggeris pada abad ke-16 dan awal abad ke-17. Teater pegun awam yang pertama dibina di London (atau lebih tepat di luar London, di luar had bandar, kerana teater tidak dibenarkan di dalam bandar) pada tahun 1576 oleh keluarga pelakon Burbage. Pada tahun 1599, Teater Globe telah dicipta, yang mana kebanyakan karya Shakespeare dikaitkan. Teater Shakespeare belum lagi mengenali auditorium, tetapi mengenali halaman sebagai kenangan halaman hotel. Auditorium yang terbuka dan tanpa bumbung itu dikelilingi oleh galeri atau dua galeri. Pentas ditutup dengan bumbung dan mewakili tiga platform yang sama di halaman hotel. Bahagian hadapan pentas terjepit hampir satu pertiga ke dalam auditorium - sebuah parterre berdiri (dengan itu secara literal membawa namanya "par terre" - di atas tanah). Bahagian demokratik penonton, yang memenuhi parterre, juga mengelilingi pentas dalam cincin padat. Bahagian penonton yang lebih istimewa dan bangsawan duduk - berbaring dan di atas najis - di atas pentas itu sendiri di sepanjang tepinya. Sejarah teater pada masa ini mencatatkan permusuhan dan pertengkaran yang berterusan, kadang-kadang bertukar menjadi pergaduhan, antara dua kumpulan penonton ini. Permusuhan kelas para tukang dan pekerja terhadap golongan bangsawan mempunyai kesan yang agak bising di sini. Secara umum, kesunyian itu, yang auditorium kami tahu, tidak ada dalam teater Shakespeare. Bahagian belakang pentas dipisahkan oleh tirai gelongsor. Adegan intim biasanya dilakukan di sana (contohnya, di bilik tidur Desdemona), mereka juga bermain di sana apabila perlu untuk memindahkan aksi dengan cepat ke tempat lain dan menunjukkan watak dalam kedudukan baru (contohnya, dalam drama Marlo "Tamerlane" di sana ialah nota: "tirai ditarik ke belakang, dan Zenocrate berbaring di atas katil, Tamerlane duduk di sebelahnya", atau dalam "The Winter's Tale" karya Shakespeare: "Pauline menarik balik tirai dan mendedahkan Hermione, berdiri dalam bentuk patung" ). Platform hadapan adalah pentas utama, ia juga digunakan untuk perarakan, kemudian kegemaran dalam teater, untuk menunjukkan pagar, yang sangat popular pada masa itu (adegan dalam aksi terakhir Hamlet). Badut, juggler, akrobat juga membuat persembahan di sini, menghiburkan penonton di antara adegan drama utama (tiada selingan dalam teater Shakespeare). Selepas itu, semasa pemprosesan sastera drama Shakespeare kemudian, beberapa selingan badut dan kenyataan badut ini dimasukkan ke dalam teks bercetak. Setiap persembahan semestinya diakhiri dengan "jiga" - sejenis lagu istimewa dengan tarian yang dipersembahkan oleh badut; adegan penggali kubur di Hamlet pada zaman Shakespeare adalah badut, ia dipenuhi dengan kesedihan kemudiannya. Dalam teater Shakespeare masih tiada perbezaan yang ketara antara pelakon dramatik dan akrobat, seorang jester. Benar, perbezaan ini sudah dibangunkan, ia dirasai, ia sedang dibuat. Tetapi bahagian tepi masih belum dipadamkan. Pautan yang menghubungkan pelakon Shakespeare dengan buffoon, histrion, juggler, badut "syaitan" misteri zaman pertengahan, dengan badut lawak, masih belum putus. Ia agak difahami mengapa pembuat dandang dari "The Taming of the Shrew" pada perkataan "comedy" pertama sekali mengimbas kembali helah para juggler. Adegan atas digunakan apabila tindakan itu harus digambarkan oleh logik peristiwa di atas, sebagai contoh, di dinding kubu ("Coriolanus"), di balkoni Juliet ("Romeo dan Juliet"). Dalam kes sedemikian, skrip mempunyai catatan "di atas". Sebagai contoh, susun atur sedemikian telah diamalkan - bahagian atas menggambarkan dinding kubu, dan tirai platform belakang ditarik ke belakang di bahagian bawah bermakna pada masa yang sama pintu bandar dibuka di hadapan pemenang. Sistem teater sedemikian juga menerangkan struktur drama Shakespeare, yang masih tidak mengetahui apa-apa pembahagian kepada lakonan (pembahagian ini dibuat selepas kematian Shakespeare, dalam edisi 1623), bukan historisisme tepat, mahupun realisme bergambar. Keselarian plot dalam satu dan drama yang sama, begitu ciri penulis drama Elizabethan, baru-baru ini dijelaskan oleh struktur pentas yang pelik, terbuka kepada penonton dari tiga pihak. Apa yang dipanggil undang-undang "kesinambungan sementara" mendominasi adegan ini. Perkembangan satu plot membolehkan yang lain meneruskan, seolah-olah, "di belakang tabir", yang mengisi selang "masa teater" yang sepadan antara segmen plot ini. Dibina pada episod pendek bermain aktif, tindakan itu dipindahkan dari satu tempat ke satu tempat dengan kelajuan relatif. Ini juga tercermin dalam tradisi adegan misteri. Oleh itu, keluar baru orang yang sama, atau bahkan hanya beberapa langkah di sepanjang pentas dengan penjelasan teks yang sepadan, sudah menunjukkan tempat baru. Contohnya, dalam Much Ado About Nothing, Benedict memberitahu budak lelaki itu: "Saya ada buku di tingkap di bilik saya, bawa ke sini ke taman" - ini bermakna tindakan itu berlaku di taman. Kadang-kadang dalam karya-karya Shakespeare, tempat atau masa ditunjukkan tidak begitu mudah, tetapi dengan keseluruhan penerangan puitis mengenainya. Ini adalah salah satu helah kegemarannya. Sebagai contoh, dalam "Romeo dan Juliet", dalam gambar berikutan adegan malam yang diterangi cahaya bulan, Lorenzo masuk berkata: "Senyuman yang jelas dari kelabu bermata Suram yang menyingsing sudah memandu malam dan menyepuh awan di timur dengan jalur cahaya ..." Atau kata-kata prolog kepada tindakan pertama "Henry V": " ... Bayangkan bahawa dataran dua kerajaan terbentang luas di sini, yang pantainya, Bersandar sangat dekat antara satu sama lain, Memisahkan lautan Perkasa yang sempit tetapi berbahaya. Beberapa langkah Romeo dengan kawan-kawan bermakna dia berpindah dari jalan ke rumah. Untuk menetapkan tempat, "tajuk" juga digunakan - tablet dengan tulisan. Kadangkala adegan itu menggambarkan beberapa bandar sekaligus, dan inskripsi dengan nama mereka sudah cukup untuk mengarahkan penonton beraksi. Dengan berakhirnya adegan, watak-watak meninggalkan pentas, kadang-kadang masih kekal - sebagai contoh, tetamu yang menyamar berjalan di jalan ke rumah Capulet ("Romeo dan Juliet") tidak meninggalkan pentas, dan penampilan antek dengan serbet. bermakna mereka telah pun tiba dan berada di dalam bilik Capulets. Drama pada masa ini tidak dilihat sebagai "sastera". Penulis drama tidak mengejar pengarang, dan ia tidak selalu mungkin. Tradisi drama tanpa nama datang dari Zaman Pertengahan melalui rombongan keliling dan terus beroperasi. Jadi nama Shakespeare muncul di bawah tajuk dramanya hanya pada tahun 1593. Apa yang ditulis oleh penulis drama teater itu, dia tidak berniat untuk diterbitkan, tetapi hanya memikirkan teater itu. Sebahagian penting daripada penulis drama era Elizabethan telah dilampirkan pada teater tertentu dan berusaha untuk menyampaikan repertoir kepada teater ini. Persaingan rombongan menuntut sejumlah besar permainan. Untuk tempoh dari 1558 hingga 1643, bilangan mereka di England dianggarkan lebih 2,000 nama. Selalunya permainan yang sama digunakan oleh beberapa kumpulan, mengolah semula masing-masing dengan caranya sendiri, menyesuaikannya dengan rombongan. Pengarang tanpa nama menolak plagiarisme sastera, dan kita hanya boleh bercakap tentang kaedah persaingan "lanun", apabila drama dicuri oleh telinga, mengikut anggaran rakaman, dll. Dan dalam karya Shakespeare kita tahu beberapa drama yang digunakan plot daripada drama sedia ada. Contohnya, Hamlet, King Lear dan lain-lain. Orang ramai tidak menuntut nama pengarang drama itu. Ini, seterusnya, membawa kepada fakta bahawa drama bertulis hanyalah "asas" untuk persembahan, teks pengarang telah diubah semasa latihan dalam apa jua cara. Persembahan pelawak sering dilambangkan dengan kata-kata "kata pelawak", memberikan kandungan adegan pelawak kepada teater atau improvisasi pelawak itu sendiri. Penulis menjual manuskripnya kepada teater dan seterusnya tidak menuntut sebarang tuntutan hak cipta atau hak ke atasnya. Kerja bersama dan dengan itu sangat pantas beberapa pengarang dalam satu drama adalah sangat biasa, sebagai contoh, ada yang mengembangkan tipu muslihat dramatik, yang lain - bahagian komik, telatah pelawak, yang lain menggambarkan semua jenis kesan "mengerikan", yang sangat popular ketika itu, dsb. e. Menjelang penghujung era, pada awal abad ke-17, drama sastera sudah mula naik ke pentas. Pengasingan antara pengarang "terpelajar", "amatur" sekular dan penulis drama profesional semakin berkurangan. Pengarang sastera (contohnya, Ben Jonson) mula bekerja untuk teater, penulis drama teater, seterusnya, semakin mula diterbitkan.

[sunting] Persoalan periodisasi

Penyelidik karya Shakespeare (pengkritik sastera Denmark G. Brandes, penerbit karya lengkap Rusia Shakespeare S. A. Vengerov) pada penghujung abad ke-19 - permulaan abad ke-20, berdasarkan kronologi karya itu, membentangkan evolusi rohaninya dari a "suasana ceria", kepercayaan kepada kejayaan keadilan, cita-cita kemanusiaan pada permulaan jalan menuju kekecewaan dan kemusnahan semua ilusi pada akhirnya. Namun, sejak beberapa tahun kebelakangan ini terdapat pendapat bahawa kesimpulan tentang keperibadian pengarang berdasarkan karyanya adalah satu kesilapan.

Pada tahun 1930, sarjana Shakespeare E. K. Chambers mencadangkan kronologi karya Shakespeare mengikut genre, kemudian ia diperbetulkan oleh J. McManway. Terdapat empat tempoh: yang pertama (1590-1594) - awal: kronik, komedi Renaissance, "tragedi seram" ("Titus Andronicus"), dua puisi; yang kedua (1594-1600) - komedi Renaissance, tragedi matang pertama ("Romeo dan Juliet"), kronik dengan unsur tragedi, tragedi purba ("Julius Caesar"), soneta; yang ketiga (1601-1608) - tragedi hebat, tragedi purba, "lawak gelap"; yang keempat (1609-1613) - drama dongeng dengan permulaan yang tragis dan pengakhiran yang menggembirakan. Beberapa sarjana Shakespeare, termasuk A. A. Smirnov, menggabungkan tempoh pertama dan kedua menjadi satu tempoh awal.

[sunting] Tempoh pertama (1590-1594)

Tempoh pertama adalah lebih kurang 1590-1594 tahun.

Mengikut kaedah sastera ia boleh dipanggil tempoh peniruan: Shakespeare masih sepenuhnya di bawah belas kasihan pendahulunya. Mengikut mood tempoh ini ditakrifkan oleh penyokong pendekatan biografi untuk mengkaji karya Shakespeare sebagai tempoh kepercayaan idealistik dalam aspek kehidupan terbaik: "Shakespeare muda dengan penuh semangat menghukum maksiat dalam tragedi sejarahnya dan dengan penuh semangat menyanyikan perasaan yang tinggi dan puitis - persahabatan. , pengorbanan diri, dan terutamanya cinta" (Vengerov).

Dalam tragedi itu Titus Andronicus» Shakespeare memberi penghormatan sepenuhnya kepada tradisi penulis drama kontemporarinya untuk mengekalkan perhatian penonton dengan memaksa nafsu, kekejaman dan naturalisme. Kengerian "Titus Andronicus" adalah gambaran langsung dan segera tentang kengerian drama oleh Kid dan Marlowe.

Mungkin drama pertama Shakespeare adalah tiga bahagian Henry VI. Tawarikh Holinshed berfungsi sebagai sumber untuk ini dan kronik sejarah berikutnya. Tema yang menyatukan semua kronik Shakespeare ialah perubahan siri pemerintah yang lemah dan tidak berkemampuan yang membawa negara itu kepada perselisihan saudara dan perang saudara dan pemulihan ketenteraman dengan kesertaan dinasti Tudor. Seperti Marlowe dalam Edward II, Shakespeare tidak hanya menerangkan peristiwa sejarah, tetapi meneroka motif di sebalik tindakan watak-watak.

« Komedi Kesilapan"- komedi awal, "pelajar", komedi jawatan. Mengikut adat pada masa itu, pengolah semula drama oleh pengarang Inggeris moden, sumbernya ialah komedi Plautus Menechmas, yang menggambarkan pengembaraan saudara kembar. Tindakan itu berlaku di Ephesus, yang mempunyai sedikit persamaan dengan bandar Yunani purba: pengarang memindahkan tanda-tanda England kontemporari ke persekitaran antik. Shakespeare menambah jalan cerita pelayan berganda, dengan itu mengelirukan lagi tindakan itu. Ia adalah ciri bahawa sudah dalam karya ini terdapat campuran komik dan tragis, yang biasa bagi Shakespeare: lelaki tua Egeon, yang tanpa disedari melanggar undang-undang Efesus, diancam dengan pelaksanaan, dan hanya melalui rantaian kebetulan yang luar biasa. , kesilapan yang tidak masuk akal, pada akhirnya, keselamatan datang kepadanya. Mengganggu plot tragis dengan adegan komik, walaupun dalam karya paling gelap Shakespeare, adalah peringatan, berakar umbi dalam tradisi zaman pertengahan, tentang kedekatan kematian dan, pada masa yang sama, aliran kehidupan yang tidak berhenti-henti dan pembaharuannya yang berterusan.

drama itu" Menjinakkan perempuan jahat”, dicipta dalam tradisi komedi lawak. Ini adalah variasi pada plot, yang popular di teater London pada tahun 1590-an, mengenai penenang seorang isteri oleh suaminya. Dalam pertarungan yang menarik, dua personaliti cemerlang bertemu dan wanita itu dikalahkan. Pengarang mengisytiharkan tidak boleh dilanggar perintah yang ditetapkan, di mana ketua keluarga adalah seorang lelaki.

Dalam drama berikutnya, Shakespeare beralih daripada peranti komedi luaran. " Usaha cinta yang sia-sia"- komedi yang dicipta di bawah pengaruh drama Lily, yang dia tulis untuk pementasan di teater topeng di istana diraja dan di rumah bangsawan. Dengan plot yang agak mudah, drama itu adalah kejohanan yang berterusan, pertandingan watak dalam dialog lucu, permainan lisan yang kompleks, mengarang puisi dan soneta (pada masa ini Shakespeare sudah menguasai bentuk puisi yang sukar). Bahasa "Love's Labour's Lost" - berlagak, berbunga-bunga, apa yang dipanggil euphuism - adalah bahasa elit bangsawan Inggeris pada masa itu, yang menjadi popular selepas penerbitan novel Lily "Euphues, or the Anatomy of Wit."

[sunting] Tempoh kedua (1594-1600)

Romeo dan Juliet. Lukisan oleh F. Dixie (1884)

Sekitar tahun 1595, Shakespeare mencipta salah satu tragedinya yang paling terkenal - "Romeo dan Juliet", - sejarah perkembangan keperibadian manusia dalam perjuangan dengan keadaan luaran untuk hak cinta. "Untuk versi Romeo dan Julietnya, Shakespeare mungkin telah menggunakan kerja semula teks lama yang ditinggalkan oleh 'akademik' (kalangan penulis drama yang mempunyai ijazah universiti)." tentang nasib menyedihkan Romeo dan Juliet (1524) telah dipilih oleh pengarang Itali lain (Bandello, Bolderi, Groto) dan seterusnya disebarkan dalam kesusasteraan Eropah. Di England, plot yang terkenal telah diletakkan oleh Arthur Brooke sebagai asas puisi "The Tragic Story of Romeus and Juliet" (Arthur Brooke). . Sejarah tragis Romeus dan Juliet, 1562). Mungkin, karya Brooke berfungsi sebagai sumber untuk Shakespeare. Dia menguatkan lirik dan drama aksi, memikirkan semula dan memperkaya watak watak, mencipta monolog puitis yang mendedahkan pengalaman dalaman watak utama, sekali gus mengubah karya biasa menjadi Renaissance. puisi cinta.Ini adalah tragedi jenis istimewa, lirik , optimis, walaupun kematian watak utama dalam akhir. Nama mereka telah menjadi nama rumah untuk puisi keghairahan tertinggi.

Kira-kira 1596, satu lagi karya Shakespeare yang paling terkenal bermula - "Pedagang Venice". Shylock, sama seperti seorang lagi Yahudi terkenal dalam drama Elizabethan - Barabbas ("Jew of Malta" oleh Marlo), merindukan untuk membalas dendam. Tetapi, tidak seperti Barabas, Shylock, yang kekal sebagai watak negatif, jauh lebih sukar. Di satu pihak, ini adalah pemakan riba yang tamak, licik, malah kejam, sebaliknya, orang yang tersinggung yang kesalahannya menimbulkan simpati. Monolog terkenal Shylock mengenai identiti Yahudi dan mana-mana orang lain “Tetapi bukankah orang Yahudi itu mempunyai mata?..”(akta III, babak 1) dianggap oleh beberapa pengkritik sebagai ucapan terbaik dalam mempertahankan kesaksamaan Yahudi dalam semua kesusasteraan. Drama itu membezakan kuasa wang terhadap seseorang dan kultus persahabatan - bahagian penting dalam keharmonian hidup.

Walaupun terdapat "masalah" drama dan drama jalan cerita Antonio dan Shylock, dalam suasananya "The Merchant of Venice" adalah dekat dengan drama dongeng seperti " Tidur pada malam musim panas"(1596). Drama ajaib itu mungkin ditulis untuk perayaan pada majlis perkahwinan salah seorang bangsawan Elizabeth. Buat pertama kalinya dalam kesusasteraan, Shakespeare menganugerahkan makhluk yang hebat dengan kelemahan dan percanggahan manusia, mencipta watak. Seperti biasa, dia melapisi adegan dramatik dengan adegan komik: artis Athens, sangat mirip dengan pekerja Inggeris, dengan tekun dan kekok membuat persiapan untuk perkahwinan Theseus dan Hippolyta drama "Pyramus and Thisbe", yang merupakan kisah cinta yang tidak bahagia, yang diceritakan dalam sebuah bentuk parodik. Para penyelidik terkejut dengan pilihan plot untuk drama "perkahwinan": plot luarannya - salah faham antara dua pasangan kekasih, diselesaikan hanya terima kasih kepada niat baik Oberon dan sihir, ejekan terhadap hawa nafsu wanita (keghairahan tiba-tiba Titania untuk Yayasan ) - menyatakan pandangan yang amat skeptikal tentang cinta. Walau bagaimanapun, "salah satu karya paling puitis" ini mempunyai konotasi yang serius - pengagungan perasaan ikhlas, yang mempunyai asas moral.

Falstaff dengan jag besar wain dan piala. Lukisan oleh E. von Grützner (1896)

S. A. Vengerov melihat peralihan kepada tempoh kedua "dalam ketiadaan mainan puisi remaja, yang begitu ciri bagi tempoh pertama. Wira masih muda, tetapi mereka telah menjalani kehidupan yang baik dan perkara utama bagi mereka dalam hidup adalah keseronokan. Bahagiannya menarik, meriah, tetapi sudah pun daya tarikan lembut gadis-gadis Dua Veronian, dan lebih-lebih lagi Juliet, tidak ada di dalamnya sama sekali.

Pada masa yang sama, Shakespeare mencipta jenis yang abadi dan paling menarik, yang sehingga kini tidak mempunyai analog dalam kesusasteraan dunia - Sir John Falstaff. Kejayaan kedua-dua bahagian Henry IV”Tidak kurang dari semua adalah merit watak paling menonjol dalam kronik ini, yang segera menjadi popular. Watak itu tidak dinafikan negatif, tetapi dengan watak yang kompleks. Seorang materialis, seorang yang egois, seorang lelaki tanpa cita-cita: kehormatan bukanlah apa-apa baginya, seorang skeptik yang memerhati dan berwawasan. Dia menafikan kehormatan, kuasa dan kekayaan: dia memerlukan wang hanya sebagai cara untuk mendapatkan makanan, wain dan wanita. Tetapi intipati komik, butiran imej Falstaff bukan sahaja kecerdasannya, tetapi juga ketawa ceria pada dirinya dan dunia di sekelilingnya. Kekuatannya terletak pada pengetahuan tentang sifat manusia, segala yang mengikat seseorang itu menjijikkan baginya, dia adalah personifikasi kebebasan roh dan ketidakjujuran. Seorang lelaki zaman yang berlalu, dia tidak diperlukan di mana negeri itu berkuasa. Menyedari bahawa watak sebegitu tidak kena pada tempatnya dalam drama tentang penguasa yang ideal, dalam " Henry V Shakespeare membuangnya: penonton hanya dimaklumkan tentang kematian Falstaff. Menurut tradisi, dipercayai bahawa atas permintaan Ratu Elizabeth, yang ingin melihat Falstaff di atas pentas lagi, Shakespeare membangkitkannya dalam " Isteri-isteri Windsor yang Meriah". Tetapi ini hanyalah salinan pucat dari bekas Falstaff. Dia kehilangan pengetahuan tentang dunia di sekelilingnya, tidak ada lagi ironi yang sihat, ketawa pada dirinya sendiri. Hanya tinggal penyangak yang berpuas hati.

Jauh lebih berjaya ialah percubaan untuk kembali kepada jenis Falstaff dalam perlawanan akhir bagi tempoh kedua - "Malam keduabelas". Di sini, secara peribadi Sir Toby dan rombongannya, kami mempunyai, seolah-olah, edisi kedua Sir John, walaupun tanpa kecerdasannya yang berkilauan, tetapi dengan kesatria yang baik berjangkit yang sama. Ia juga sangat sesuai dengan rangka kerja tempoh "Falstaffian", untuk sebahagian besar, ejekan kasar wanita dalam "Menjinakkan perempuan jahat".

[sunting] Tempoh ketiga (1600-1609)

Dusun dan Horatio di tanah perkuburan. Lukisan oleh E. Delacroix (1839)

Tempoh ketiga aktiviti seninya, kira-kira meliputi 1600-1609 tahun, penyokong pendekatan biografi subjektivis terhadap karya Shakespeare memanggil tempoh "kegelapan rohani yang mendalam", memandangkan penampilan watak melankolik Jacques dalam komedi sebagai tanda pandangan dunia yang berubah. "Seperti yang awak suka" dan memanggilnya hampir pendahulu Hamlet. Walau bagaimanapun, sesetengah penyelidik percaya bahawa Shakespeare, dalam imej Jacques, hanya mengejek melankolis, dan tempoh kekecewaan yang didakwa dalam hidup (menurut penyokong kaedah biografi) sebenarnya tidak disahkan oleh fakta biografi Shakespeare. Masa ketika penulis drama mencipta tragedi terbesar bertepatan dengan mekarnya kuasa kreatifnya, penyelesaian kesukaran material dan pencapaian kedudukan tinggi dalam masyarakat.

Sekitar 1600 Shakespeare mencipta "Hamlet", menurut ramai pengkritik, adalah karya terdalamnya. Shakespeare menyimpan plot tragedi balas dendam yang terkenal, tetapi mengalihkan semua perhatiannya kepada perselisihan rohani, drama dalaman protagonis. Satu jenis wira baharu telah diperkenalkan ke dalam drama dendam tradisional. Shakespeare mendahului zamannya - Hamlet bukanlah wira tragis biasa, melakukan pembalasan demi keadilan Ilahi. Sampai pada kesimpulan bahawa adalah mustahil untuk memulihkan keharmonian dengan satu pukulan, dia mengalami tragedi pengasingan dari dunia dan menghukum dirinya sendiri dengan kesepian. Menurut definisi L. E. Pinsky, Hamlet adalah wira "reflektif" pertama kesusasteraan dunia.

Cordelia. Lukisan oleh William F. Yemens (1888)

Wira "tragedi hebat" Shakespeare adalah orang yang cemerlang di mana kebaikan dan kejahatan bercampur. Menghadapi ketidakharmonian dunia di sekeliling mereka, mereka membuat pilihan yang sukar - bagaimana untuk wujud di dalamnya, mereka mencipta nasib mereka sendiri dan memikul tanggungjawab penuh untuknya.

Pada masa yang sama, Shakespeare mencipta drama " Ukur untuk ukuran". Walaupun fakta bahawa dalam Folio Pertama 1623 ia diklasifikasikan sebagai komedi, hampir tidak ada komik dalam karya serius ini tentang hakim yang tidak adil. Namanya merujuk kepada ajaran Kristus tentang belas kasihan, dalam perjalanan tindakan salah seorang pahlawan berada dalam bahaya fana, dan pengakhirannya boleh dianggap bahagia bersyarat. Karya bermasalah ini tidak sesuai dengan genre tertentu, tetapi wujud di ambang genre: kembali kepada moral, ia ditujukan kepada tragicomedy.

Misanthropy sejati muncul hanya dalam "Timon dari Athens"- kisah seorang lelaki yang dermawan dan baik hati, dimusnahkan oleh orang yang dia tolong dan menjadi orang yang tidak senonoh. Drama itu meninggalkan kesan yang menyakitkan, walaupun pada hakikatnya Athens yang tidak bersyukur selepas kematian Timon mengalami hukuman. Menurut penyelidik, Shakespeare mengalami kegagalan: drama itu ditulis dalam bahasa yang tidak sekata dan, bersama dengan kelebihannya, mempunyai kelemahan yang lebih besar. Ia tidak dikecualikan bahawa lebih daripada satu Shakespeare mengerjakannya. Watak Timon sendiri gagal, kadang-kadang memberi gambaran karikatur, watak lain pucat belaka. Peralihan kepada jalur baru kreativiti Shakespeare boleh dipertimbangkan "Antony dan Cleopatra". Dalam "Antony dan Cleopatra" yang berbakat, tetapi tidak mempunyai asas moral, pemangsa dari "Julius Caesar" dikelilingi oleh lingkaran cahaya yang benar-benar puitis, dan Cleopatra yang separuh pengkhianat sebahagian besarnya menebus dosanya dengan kematian heroik.

[sunting] Tempoh keempat (1609-1612)

Prospero dan Ariel. Lukisan oleh William Hamilton (1797)

Tempoh keempat, dengan pengecualian drama "Henry VIII" (sesetengah penyelidik percaya bahawa ia ditulis dengan kerjasama John Fletcher), termasuk hanya tiga atau empat tahun dan empat drama - yang dipanggil "drama romantik" atau tragikomedi. Dalam drama tempoh terakhir, ujian berat menekankan kegembiraan pembebasan daripada bencana. Fitnah ditangkap, tidak bersalah dibenarkan, kesetiaan diberi ganjaran, kegilaan cemburu tidak mempunyai akibat yang tragis, kekasih bersatu dalam perkahwinan yang bahagia. Keyakinan karya-karya ini dilihat oleh pengkritik sebagai tanda perdamaian pengarang mereka. "Pericles", sebuah drama yang jauh berbeza daripada semua yang ditulis sebelum ini, menandakan kemunculan karya baharu. Naif yang bersempadan dengan primitif, ketiadaan watak dan masalah yang kompleks, kembali kepada pembinaan ciri aksi drama Renaissance awal Inggeris - semuanya menunjukkan bahawa Shakespeare sedang mencari bentuk baru. "Winter's Tale" adalah fantasi aneh, sebuah cerita "tentang yang luar biasa, di mana segala-galanya mungkin." Kisah seorang lelaki yang cemburu yang tunduk kepada kejahatan, menderita penderitaan mental dan patut diampuni dengan taubatnya. Pada akhirnya, kebaikan menakluki kejahatan, menurut beberapa penyelidik, mengesahkan iman dalam cita-cita kemanusiaan, menurut yang lain, kejayaan moral Kristian. The Tempest adalah yang paling berjaya dalam drama terakhir dan, dalam erti kata lain, kesudahan karya Shakespeare. Daripada perjuangan, semangat kemanusiaan dan kemaafan memerintah di sini. Gadis puitis dicipta sekarang - Marina daripada "Pericles", Loss daripada "The Winter's Tale", Miranda daripada "The Tempest" - ini adalah imej anak perempuan yang cantik dalam kebaikan mereka. Penyelidik cenderung melihat dalam adegan terakhir The Tempest, di mana Prospero meninggalkan sihirnya dan bersara, perpisahan Shakespeare ke dunia teater.

[sunting] Sajak dan syair

Rencana utama:Puisi dan Puisi William Shakespeare

Edisi pertama Sonnets (1609)

Secara umum, puisi Shakespeare, tentu saja, tidak dapat dibandingkan dengan drama cemerlangnya. Tetapi jika diambil sendiri, mereka mempunyai kesan bakat yang luar biasa, dan jika mereka tidak tenggelam dalam kegemilangan penulis drama Shakespeare, mereka mungkin telah menyampaikan dan sememangnya memberikan kemasyhuran besar kepada pengarang: kita tahu bahawa sarjana Mires melihat dalam Shakespeare penyair Ovid kedua. Tetapi, sebagai tambahan, terdapat beberapa ulasan orang sezaman lain yang bercakap tentang "Catullus baru" dengan semangat yang paling besar.

[sunting] pantun

Puisi "Venus dan Adonis" telah diterbitkan pada tahun 1593, ketika Shakespeare sudah dikenali sebagai penulis drama, tetapi pengarang sendiri menyebutnya sebagai anak sulung sasteranya, dan oleh itu sangat mungkin ia sama ada dikandung, atau sebahagiannya ditulis kembali. di Stretford. Terdapat juga cadangan bahawa Shakespeare menganggap puisi (berbanding dengan drama untuk teater awam) sebagai genre yang layak mendapat perhatian penaung yang mulia dan karya seni yang tinggi. Gema tanah air jelas membuatkan diri mereka terasa. Rasa tempatan Inggeris Pertengahan jelas dirasai dalam landskap, tiada apa-apa bahagian selatan di dalamnya, seperti yang dikehendaki oleh plot, sebelum pandangan rohani penyair, sudah pasti ada gambar asli padang Warwickshire yang damai dengan nada lembut dan tenang. kecantikan. Seseorang juga merasakan dalam puisi itu seorang pakar kuda yang sangat baik dan seorang pemburu yang sangat baik. Plot sebahagian besarnya diambil daripada Ovid's Metamorphoses; di samping itu, banyak yang dipinjam daripada Metamorfosis Scillaes Lodge. Puisi itu dibangunkan dengan semua keangkuhan Renaissance, tetapi masih tanpa sebarang kelalaian. Dan inilah yang mempengaruhi bakat pengarang muda, sebagai tambahan kepada fakta bahawa puisi itu ditulis dalam ayat yang nyaring dan indah. Jika usaha Venus untuk menyalakan keinginan dalam Adonis menyerang pembaca kemudian dengan kejujuran mereka, maka pada masa yang sama mereka tidak memberikan kesan sesuatu yang sinis dan tidak layak untuk penerangan artistik. Di hadapan kita adalah keghairahan, nyata, kegilaan, menggelapkan fikiran dan oleh itu sah secara puitis, seperti segala-galanya yang terang dan kuat.

Lebih bersopan lagi ialah puisi kedua, Lucretia, diterbitkan pada tahun berikutnya (1594) dan didedikasikan, seperti yang pertama, kepada Earl of Southampton. Dalam puisi baru, bukan sahaja tidak ada yang tidak terkawal, tetapi, sebaliknya, segala-galanya, seperti dalam legenda kuno, berkisar pada pemahaman yang paling halus tentang konsep kehormatan wanita yang sepenuhnya konvensional. Dihina oleh Sextus Tarquinius, Lucretia tidak menganggap ia mungkin untuk hidup selepas penculikan kehormatan perkahwinannya dan meluahkan perasaannya dalam monolog terpanjang. Metafora, alegori dan antitesis yang cemerlang, tetapi agak tegang, menghilangkan monolog ini daripada perasaan sebenar dan menjadikan keseluruhan puisi itu retorik. Walau bagaimanapun, keangkuhan seperti ini semasa menulis puisi sangat popular di kalangan orang ramai, dan Lucretia berjaya seperti Venus dan Adonis. Penjual buku, yang pada masa itu sendirian mendapat keuntungan daripada kejayaan sastera, kerana harta sastera untuk pengarang ketika itu belum wujud, edisi demi edisi bercetak. Semasa hayat Shakespeare, "Venus dan Adonis" melalui 7 edisi, "Lucretia" - 5.

Dua lagi puisi dikaitkan dengan Shakespeare, salah satunya, "The Complaint of a Lover", mungkin telah ditulis oleh Shakespeare pada masa mudanya. Puisi "The Passionate Pilgrim" diterbitkan pada tahun 1599, ketika Shakespeare sudah dikenali. Kepengarangannya telah dipersoalkan: ada kemungkinan bahawa tiga belas daripada sembilan belas puisi itu tidak ditulis oleh Shakespeare. Pada tahun 1601, dalam koleksi "Love's Martyr, or Rosalind's Complaint", yang disediakan di bawah arahan penyair yang kurang dikenali Robert Chester, puisi alegori Shakespeare "The Phoenix and the Dove" diterbitkan, yang merupakan sebahagian daripada kitaran karya oleh penyair lain dengan watak yang sama.

[sunting] Sonnet

Rencana utama:Soneta oleh William Shakespeare

Apa yang dipanggil "potret Chandos" orang yang tidak dikenali, di mana Shakespeare secara tradisinya dilihat

Soneta ialah puisi yang mengandungi 14 baris. Dalam soneta Shakespeare, rima berikut diterima pakai: abab cdcd efef gg, iaitu tiga kuatrain untuk sajak silang, dan satu bait (sejenis yang diperkenalkan oleh penyair Earl of Surrey, yang telah dihukum mati di bawah Henry VIII).

Secara keseluruhan, Shakespeare menulis 154 sonnet, dan kebanyakannya dicipta pada tahun 1592-1599. Ia pertama kali dicetak tanpa pengetahuan penulis pada tahun 1609. Dua daripadanya telah diterbitkan seawal tahun 1599 dalam koleksi The Passionate Pilgrim. Ini adalah soneta 138 Dan 144 .

Keseluruhan kitaran soneta dibahagikan kepada kumpulan tematik yang berasingan:

Soneta yang didedikasikan untuk rakan: 1 -126

Melaungkan kawan: 1 -26

Ujian Persahabatan: 27 -99

Kepahitan perpisahan: 27 -32

Kekecewaan pertama dalam diri seorang kawan: 33 -42

Rindu dan ketakutan: 43 -55

Keterasingan dan kemurungan yang semakin meningkat: 56 -75

Persaingan dan cemburu terhadap penyair lain: 76 -96

"Musim sejuk" pemisahan: 97 -99

Perayaan persahabatan yang diperbaharui: 100 -126

Soneta yang didedikasikan untuk kekasih berkulit gelap: 127 -152

Kesimpulan - kegembiraan dan keindahan cinta: 153 -154

Soneta 126 melanggar kanun - ia hanya mempunyai 12 baris dan corak rima yang berbeza. Kadang-kadang ia dianggap sebagai bahagian antara dua bahagian bersyarat kitaran - soneta yang didedikasikan untuk persahabatan (1-126) dan ditujukan kepada "wanita gelap" (127-154). Soneta 145 ditulis dalam tetrameter iambik dan bukannya pentameter dan berbeza dalam gaya daripada yang lain; kadangkala ia dikaitkan dengan tempoh awal dan heroinnya dikenal pasti dengan isteri Shakespeare Anna Hathaway (yang nama belakangnya, mungkin sebagai kata-kata "benci pergi" dibentangkan dalam sonnet).

Penerbitan pertama

Dianggarkan separuh (18) daripada drama Shakespeare telah diterbitkan dalam satu cara atau yang lain semasa hayat penulis drama. Penerbitan warisan Shakespeare yang paling penting dianggap sebagai folio 1623 (yang dipanggil "Folio Pertama"), diterbitkan oleh Edward Blount dan William Jaggard sebagai sebahagian daripada apa yang dipanggil. "Koleksi Chester"; pencetak Worrall dan Kol. Edisi ini termasuk 36 drama Shakespeare - semuanya kecuali "Pericles" dan "Two Noble Kinsmen". Edisi inilah yang mendasari semua penyelidikan dalam bidang Shakespeare.

Projek ini dijayakan melalui usaha John Heminge dan Henry Condell (1556-1630 dan Henry Condell, d.1627), rakan dan rakan sekerja Shakespeare. Buku ini didahului dengan mesej kepada pembaca bagi pihak Heminge dan Condell, serta dedikasi puitis kepada Shakespeare - Untuk ingatan kekasih saya, Pengarang - oleh penulis drama Ben Jonson (Benjamin Jonson, 1572-1637), yang pada masa yang sama adalah lawan sastera, pengkritik dan rakannya yang menyumbang kepada penerbitan Folio Pertama, atau seperti yang dipanggil - "The Great Folio" (The Great Folio of 1623).

VIII. PRECURSORS

Dramaturgi baru, yang menggantikan teater Zaman Pertengahan - misteri, moral alegori dan sandiwara rakyat primitif, berkembang secara beransur-ansur.

Kembali pada tahun tiga puluhan abad keenam belas, Bishop Bayle, seorang Protestan yang bersemangat, menulis drama yang ditujukan menentang Katolik. Dia menggambarkan pemikirannya dengan contoh dari sejarah England - perjuangan Raja John the Landless (memerintah dari 1199 hingga 1216) menentang Pope. Pada hakikatnya, raja ini adalah seorang yang tidak penting, tetapi dia sangat disayangi oleh uskup Protestan kerana dia bermusuhan dengan paus. Bayle menulis moral di mana kebaikan dan keburukan yang dipersonifikasikan bertindak. Tokoh utama drama itu dipanggil Virtue. Tetapi pada masa yang sama ia dipanggil King John. Di antara tokoh-tokoh yang suram mempersonifikasikan maksiat, nama seseorang adalah Kuasa Dirampas Secara Haram, dia juga Paus; nama yang lain adalah Hasutan untuk Pemberontakan, dia juga merupakan wali Pope. "King John" Bayle ialah sejenis permainan di mana alegori moral zaman pertengahan lama digabungkan dengan genre sejarah baru, yang kemudiannya berkembang dalam drama sejarah Shakespeare. "King John" Bayle telah dibandingkan oleh ahli sejarah sastera dengan kepompong: ia bukan lagi ulat, tetapi belum lagi seekor rama-rama.

Pada masa yang sama, pada tahun tiga puluhan abad ke-16, drama yang dipanggil "sekolah" mula berkembang di England. Ia dipanggil demikian kerana ia dicipta di dalam dinding universiti dan sekolah: drama itu ditulis oleh profesor dan guru, dilakukan oleh pelajar dan pelajar sekolah. Tetapi ia juga boleh dipanggil drama "sekolah" dalam erti kata bahawa penulis drama yang menciptanya sendiri masih belajar cara menulis drama dengan mengkaji pengarang kuno dan meniru mereka. Pada tahun tiga puluhan abad keenam belas komedi pertama dalam bahasa Inggeris, Ralph Royster-Deuster, telah ditulis; pengarangnya ialah seorang guru yang terkenal pada masa itu, Nicholas Youdl, pengarah Sekolah Eton. Pada tahun lima puluhan, peguam terpelajar Sackville dan Norton menulis tragedi pertama dalam bahasa Inggeris - Gorboduk.

Tetapi semua ini hanyalah "sekolah". Karya dramatik yang nyata dan penuh dengan kehidupan hanya muncul apabila orang dari universiti - "minda universiti" - mula memberikan lakonan mereka kepada pelakon profesional. Ini berlaku pada tahun lapan puluhan abad XVI.

Pada tahun 1586, dua drama muncul yang patut diberi perhatian khusus. Pengarang yang pertama ialah Thomas Kidd (yang juga menulis drama pertama tentang Hamlet, yang, malangnya, belum sampai kepada kami).

Permainan kanak-kanak adalah "tragedi guruh dan darah" tipikal, seperti yang mereka katakan ketika itu. Tajuk itu sendiri adalah fasih - "Tragedi Sepanyol". Ini adalah percubaan, masih primitif, untuk menggambarkan kuasa perasaan manusia. Sosok Revenge yang dahsyat muncul di atas pentas, mengingatkan imej moral lama. Serta-merta Roh Andrea yang dibunuh keluar, yang, mengadu tentang pembunuh keji, memanggil temannya yang dahsyat. Tindakan bermula. Lelaki muda Horatio mencintai gadis cantik Belimperia, dan dia mencintainya. Tetapi Belimperia juga disayangi oleh Balthazar, anak raja Portugis. Balthasar dibawa untuk membantu abang Belimperia - penjenayah Lorenzo. Pada malam cahaya bulan, apabila orang muda, duduk di taman, mengisytiharkan cinta mereka antara satu sama lain, pembunuh bertopeng datang ke atas pentas dan membunuh Horatio dengan belati. Di pentas Inggeris pada masa itu, mereka suka menggambarkan pembunuhan dan "kengerian" lain: seorang pelakon diletakkan sebotol cuka merah di bawah jubah putih; keris menembusi gelembung, dan bintik-bintik merah muncul pada jubah putih. Setelah menikam Horatio dengan belati, pembunuh menggantung mayatnya di atas pokok - nampaknya, untuk menunjukkan dengan lebih jelas kepada penonton mayat yang berlumuran darah. Pembunuh upahan kemudiannya secara paksa membawa pergi Belimperia. Bapa Horatio, Jeronimo tua, berlari keluar untuk menjerit - dalam satu baju, dengan pedang di tangannya. Melihat mayat anaknya yang tergantung di atas pokok, dia mengucapkan monolog gemuruh, menyeru untuk membalas dendam ... Semua yang berlaku di atas pentas diperhatikan oleh Dendam dan Semangat Andrea yang dibunuh, yang, bergembira, sedang menunggu untuk membalas dendam, kerana pembunuh Horatio juga pembunuhnya. Tetapi Jeronimo tua teragak-agak: bukan mudah untuk membalas dendam terhadap anak raja. Lelaki tua malang itu memikirkan kehidupan. "Wahai dunia! dia berseru. “Tidak, bukan dunia, tetapi koleksi jenayah!” Dia membandingkan dirinya dengan seorang pengembara yang kesepian yang tersesat di malam bersalji... Semangat Andrea dicekam kebimbangan. Dia beralih kepada Vengeance, tetapi melihat bahawa dia sedang tidur. "Bangun, Dendam!" dia berseru dalam keputusasaan. Dendam sedang membangkitkan. Dan kemudian satu pemikiran menyerang Jeronimo tua. Untuk mencapai matlamatnya, dia merancang untuk mengadakan drama di gelanggang (pembaca telah melihat beberapa persamaan antara tragedi ini dan Hamlet Shakespeare; kami ingat sekali lagi bahawa Kidd adalah pengarang drama pertama tentang Hamlet). Dalam persembahan yang dipentaskan oleh Jeronimo, Belimperia, memulakan rancangannya, serta Balthazar dan Lorenzo mengambil bahagian. Dalam perjalanan drama, watak mesti membunuh satu sama lain. Jeronimo lama membuatnya supaya bukannya pembunuhan "teater", pembunuhan sebenar berlaku. Persembahan berakhir, tetapi pelakon tidak bangun dari tanah. Raja Sepanyol menuntut penjelasan daripada Jeronimo. Hieronimo enggan menjawab dan, sebagai pengesahan penolakannya, menggigit lidahnya sendiri dan meludahkannya. Kemudian raja memerintahkan untuk memberinya pena supaya dia menulis penjelasan. Hieronimo meminta dengan tanda untuk memberinya pisau untuk mengasah pennya, dan menikam dirinya sendiri dengan pisau ini. Dendam yang menggembirakan muncul di atas timbunan mayat berlumuran darah, yang menunjukkan bahawa pembalasan sebenar masih belum datang: ia bermula di neraka.

Segala-galanya dalam drama ini adalah teater, bersyarat, melodramatik melalui dan melalui. "Tragedi Sepanyol" Thomas Kidd ialah nenek moyang aliran "romantik" dalam dramaturgi era Shakespeare, yang menimbulkan tragedi seperti, sebagai contoh, "The White Devil" atau "The Duchess of Malfi" oleh kontemporari Shakespeare - Webster.

Pada tahun yang sama, 1586, sebuah drama yang sama sekali berbeza telah ditulis. Tajuknya ialah "Arden dari bandar Feversham" (penulisnya tidak diketahui oleh kami). Ini adalah drama keluarga. Ia menceritakan bagaimana seorang wanita muda, Alice Arden, dan kekasihnya Moseby membunuh suami Alice. Pembunuhan itu sendiri digambarkan dengan kekuatan yang hebat, apabila Alice cuba sia-sia untuk membasuh noda darah (motif ini dibangunkan dengan kekuatan yang hebat oleh Shakespeare dalam adegan terkenal di mana Lady Macbeth mengembara separuh tidur, diatasi oleh kenangan). Segala-galanya dalam drama ini adalah penting, realistik. Dan plot itu sendiri dipinjam oleh pengarang dari kehidupan sebenar. Dalam epilog, penulis meminta penonton memaafkannya kerana tiada "hiasan" dalam drama itu. Menurut pengarang, "kebenaran mudah" sudah cukup untuk seni. Drama ini boleh dipanggil nenek moyang aliran itu dalam dramaturgi era Shakespeare, yang berusaha untuk menggambarkan kehidupan seharian, seperti drama indah Thomas Heywood "A Woman Killed by Kindness." Karya Shakespeare menggabungkan kedua-dua arus - romantis dan realistik.

Itu adalah prolog. Peristiwa sebenar bermula dengan penampilan di pentas London lakonan Christopher Marlowe. Marlowe dilahirkan, seperti Shakespeare, pada tahun 1564 dan hanya dua bulan lebih tua daripadanya. Tanah air Marlo ialah bandar purba Canterbury. Bapa Christopher Marlo memiliki kedai kasut. Ibu bapa menghantar anak mereka ke Universiti Cambridge, berharap untuk menjadikannya seorang imam. Walau bagaimanapun, selepas menamatkan pengajian dari universiti, bukannya mezbah gereja, Marlo berakhir di pentas pentas London. Tetapi dia tidak ditakdirkan untuk menjadi seorang pelakon. Menurut legenda, dia patah kaki dan terpaksa berhenti berlakon. Kemudian dia mengambil bahagian menulis drama. Epik hebatnya dalam dua bahagian dan sepuluh lakonan "Tamerlane the Great" muncul pada 1587-1588. Dalam epik ini, Marlo menceritakan tentang kehidupan, peperangan dan kematian komander terkenal abad XIV.

"Gembala Scythian", "perompak dari Volga" dipanggil Tamerlane dalam permainan Marlo oleh raja-raja timur, yang dia tumbangkan dari takhta, menawan kerajaan mereka. Tentera Tamerlane, menurut Marlo, terdiri daripada "budak desa yang sederhana". Marlo menggambarkan Tamerlane sebagai gergasi berotot. Ini adalah lelaki yang mempunyai kekuatan fizikal yang luar biasa, kehendak yang tidak dapat dihancurkan dan perangai unsur. Ia menyerupai figura perkasa yang dicipta oleh pahat Michelangelo. Motif kemuliaan kehidupan duniawi, begitu tipikal Renaissance, bergema dengan kuat dalam epik dramatik yang megah ini; kata-kata kedengaran dari pentas: "Saya fikir keseronokan syurga tidak dapat dibandingkan dengan kegembiraan raja di bumi!"

Tamerlane, seperti Marlo sendiri, adalah seorang pemikir bebas yang bersemangat. Dalam salah satu monolog gemuruh ributnya, dia mengatakan bahawa matlamat manusia adalah "untuk selama-lamanya meningkat kepada pengetahuan yang tidak terhingga dan untuk selama-lamanya bergerak, seperti sfera cakerawala yang tidak mengenal rehat." Wira hebat ini penuh dengan kekuatan yang berlebihan. Dia naik ke atas pentas dengan kereta kuda, yang bukannya kuda, raja-raja yang telah ditawannya digunakan. "Hei awak orang Asia yang manja!" dia menjerit, mendesak mereka dengan cambuknya.

Drama seterusnya Marlo ialah The Tragic History of Doctor Faust. Ia merupakan adaptasi dramatik pertama legenda terkenal itu. Permainan Marlo mencerminkan keinginan manusia untuk menakluk kuasa alam semula jadi, yang menjadi ciri Renaissance. Faust menjual jiwanya kepada Mephistopheles untuk "mendapatkan hadiah emas pengetahuan" dan "menembusi perbendaharaan alam." Dia bermimpi untuk menutup kampung halamannya dengan tembok tembaga dan menjadikannya tidak dapat diakses oleh musuh, mengubah aliran sungai, melemparkan jambatan merentasi Lautan Atlantik, mengisi Gibraltar dan menghubungkan Eropah dan Afrika menjadi satu benua ... "Betapa megahnya semuanya adalah!" - kata Goethe, yang menggunakan beberapa ciri tragedi Marlo untuk Faustnya.

Skop fantasi yang hebat, tekanan kuasa yang kuat, seolah-olah dengan kesukaran, mencirikan karya Marlo. "Ayat kuat Marlo," tulis Ben Jonson. Shakespeare juga bercakap tentang "perkataan berkuasa" Marlowe.

Golongan Puritan, yang mencipta kod moral borjuasi baru, sangat marah kepada pemikir bebas yang bersemangat yang secara terbuka mengkhutbahkan pandangannya. Satu demi satu, kecaman datang kepada Majlis Privy Ratu. Malah orang biasa, walaupun drama Marlowe adalah satu kejayaan besar di kalangan mereka, kadang-kadang melihat apa yang berlaku di atas pentas bukan tanpa rasa takut karut. Malah ada khabar angin sedemikian di London. Suatu ketika, selepas persembahan Faust, ternyata pelakon yang memegang watak Mephistopheles itu sakit dan tidak pergi ke teater. Siapa, kemudian, memainkan Mephistopheles pada hari itu? Para pelakon bergegas ke bilik persalinan, dan hanya kemudian, dengan bau sulfur, mereka meneka bahawa syaitan itu sendiri sedang membuat persembahan di pentas London pada hari itu.

Marlo menulis beberapa lagi drama (lakonan terbaiknya dari segi kemeriahan potret manusia yang diciptanya ialah kronik sejarah "King Edward II"). Tetapi bakatnya yang menakjubkan tidak ditakdirkan untuk didedahkan sepenuhnya. Pada 30 Mei 1593, Christopher Marlowe, dalam tahun ketiga puluhnya, telah dibunuh di sebuah kedai minuman. Orang Puritan bergembira. “Tuhan menanam anjing yang menyalak ini pada mata kail balas dendam,” tulis salah seorang daripada mereka.

Banyak legenda telah berkembang sekitar kematian Marlo. Beberapa legenda memberitahu bahawa Marlo mati dalam pergaduhan mabuk, setelah bergaduh dengan pembunuhnya kerana pelacur; yang lain bahawa dia jatuh mempertahankan kehormatan seorang gadis yang tidak bersalah. Legenda ini didengari dengan serius sehingga baru-baru ini. Dan hanya pada tahun 1925, profesor Amerika Leslie Hotson berjaya mencari dokumen dalam arkib Inggeris yang memberi penerangan baru tentang keadaan kematian Marlo (penemuan Hotson dinyatakan dalam buku: Leslie Hotson. The Death of Cristopher Marlowe, 1925). Dan ternyata pembunuhan Marlo adalah kerja Majlis Privy Queen Elizabeth; semasa pembunuhan Marlo, Field tertentu hadir - ejen Majlis Privy.

Oleh itu meninggal dunia, tanpa mendedahkan sepenuhnya kuasa kreatifnya, "bapa drama Inggeris" Christopher Marlowe. Dan hanya pada tahun itu, apabila bintangnya, menyala dengan kecemerlangan yang terang, bersemangat dan tidak sekata, ditetapkan, bintang William Shakespeare mula naik di langit teater London. Tidak seperti pendahulunya, yang berpendidikan universiti, "minda universiti," penulis drama baru ini hanyalah seorang pelakon.

Kami telah menyebut hanya beberapa orang terdahulu Shakespeare. Pada hakikatnya, Shakespeare menggunakan secara meluas seluruh masa lalu sastera tanah airnya. Dia banyak meminjam daripada Chaucer (contohnya, puisi Shakespeare "Lucretia" dengan akar plotnya membawa kita ke "Legends of Good Women" Chaucer; imej Theseus dan Hippolyta dalam komedi "A Midsummer Night's Dream" mungkin diilhamkan oleh " The Knight's Tale" dari Canterbury Tales Chaucer yang terkenal, puisi Chaucer Troilus dan Cressida mempengaruhi komedi Shakespeare dengan nama yang sama, dsb.). Shakespeare berhutang banyak kepada Edmund Spenser, pengarang The Faerie Queene, dan kepada penyair lain di sekolahnya. Dari "Arcadia" oleh Philip Sidney, Shakespeare meminjam plot, yang dia wujudkan dalam imej Gloucester, yang dikhianati oleh anaknya Edmund ("King Lear") - Shakespeare juga memberi penghormatan kepada eufhuisme. Akhirnya, di kalangan pendahulu Shakespeare, perawi tanpa nama balada rakyat Inggeris harus disebut. Dalam balada rakyat Inggeris, drama aksi tragis dilahirkan, yang begitu tipikal karya Shakespeare dan sezamannya. Banyak pemikiran dan perasaan yang telah lama wujud di kalangan rakyat dan tercermin dalam balada dan lagu rakyat telah menemui penjelmaan artistik yang cemerlang dalam karya Shakespeare. Akar kreativiti ini masuk jauh ke dalam tanah rakyat.

Daripada karya kesusasteraan asing, Shakespeare terutamanya dipengaruhi oleh cerita pendek Itali Boccaccio dan Bandello, dari mana Shakespeare meminjam beberapa plot untuk dramanya. Koleksi cerpen Itali dan Perancis yang diterjemahkan ke dalam bahasa Inggeris, bertajuk The Hall of Delights, adalah buku panduan Shakespeare. Untuk "tragedi Rom"nya ("Julius Caesar", "Coriolanus", "Antony dan Cleopatra"), Shakespeare mengambil plot daripada Plutarch's Lives of Famous People, yang dia baca dalam terjemahan Inggeris Utara. Antara buku kegemarannya juga ialah Metamorphoses Ovid dalam terjemahan bahasa Inggeris oleh Golding.

Karya Shakespeare telah disediakan oleh ramai penyair, penulis dan penterjemah.

Dari buku Charlemagne pengarang Levandovsky Anatoly Petrovich

Bab pertama. Pendahulu Di bawah serangan "orang gasar" Anda harus bermula dari jauh, dan untuk mendekati maharaja abad ke-9, anda perlu mengingati empayar lain, jauh lebih kuno. Selama lebih daripada dua belas abad, Rom purba mendominasi, pada mulanya dalam masa yang kecil

Dari buku Master of serf Rusia pengarang Safonov Vadim Andreevich

FORESESOR DAN FROLOV Kuzma Frolov menghabiskan seluruh hidupnya yang panjang di lombong Zmeinogorsk. Di sinilah bakat mendalamnya sebagai seorang mekanik terserlah secara keseluruhannya. Dipaksa oleh keadaan untuk membuat penggantian luas tenaga kerja manusia dengan tenaga air

Dari buku oleh William Harvey. Kehidupan dan aktiviti saintifiknya pengarang Engelgardt Mikhail Alexandrovich

Bab II. Pendahulu Harvey Fisiologi zaman dahulu. - Erazistrat. - Galen. - Kesimpulan akhir fisiologi purba. - Kejatuhan sains pagan. - Doktrin "ilmu palsu dunia" dan pengaruhnya. - Pertengahan umur. - Kebangkitan sains. - Kehambaan sains Eropah sebelum ini

Dari buku oleh James Watt. Kehidupannya dan aktiviti saintifik dan praktikal pengarang Kamensky Andrey Vasilievich

BAB IV. PENDAHULUAN WATT Orang telah mengetahui kuasa wap sejak sekian lama. Malah dalam buku mereka menulis tentangnya pada zaman dahulu. Ahli sains Alexandria Heron, 120 tahun SM, menggambarkan apa yang dipanggil bola Aeolian, yang berputar apabila dipanaskan pada paksi mendatarnya.

Dari buku Nechaev: Pencipta Kemusnahan pengarang Lurie Felix Moiseevich

PRECURSORS Semasa Nechaev merentasi lautan dan negara yang jauh, marilah kita tinggalkan wira kita untuk sementara waktu dan beralih kepada mereka yang membuka jalan baginya dalam gerakan revolusioner. Nechaev tidak muncul dari awal - mari kita berkenalan dengan pendahulunya. Novel oleh F. M. Dostoevsky

Dari buku Passion for Tchaikovsky. Perbualan dengan George Balanchine pengarang Volkov Solomon Moiseevich

Pendahulu dan sezaman Balanchine: Tchaikovsky dipuja. Mozart. Orang ramai

Dari kitab Herodotus pengarang Surikov Igor Evgenievich

Pendahulu Tidak setiap orang purba mempunyai sains sejarah (orang Yunani dengan tegas memegang telapak tangan di sini), tetapi mereka semua memiliki satu atau lain bentuk kesedaran sejarah, ingatan sejarah. Lagipun, kehidupan pada masa kini adalah mustahil

Dari buku Alexander the Great pengarang Fort Paul

Orang Yunani - pendahulu Alexander Boleh dikatakan bahawa jika pencerobohan Empayar Parsi ternyata menjadi perkara yang agak mudah, maka ini bukan sahaja disebabkan oleh fakta bahawa pengembara, diplomat, doktor dan pedagang dari sekurang-kurangnya

Dari buku MATISSE pengarang Alpatov Mikhail Vladimirovich

Dari kitab Jan Hus pengarang Kratochvil Milos Vaclav

BAB 4 PENDAHULUAN DAN GURU HUS Kami cuba membentangkan kepada mata pembaca gambaran masyarakat Czech dan Prague pada awal abad ke-15, berkenalan dengan bahagian konstituennya, menentukan minat dan kekuatan ekonomi mereka; dan sebelum kami percanggahan telah didedahkan dan

Dari kitab Arafah pengarang Konzelman Gerhard

10. Pendahulu Arafat dalam kepimpinan PLO

Daripada buku The Hanssen Case. "Moles" di Amerika Syarikat pengarang Kolpakidi Alexander Ivanovich

BAB LIMA Pendahulu Hanssen Merekrut ejen di NSA, CIA, dan dalam perkhidmatan khas Tentera Darat dan Tentera Laut AS, perisikan Soviet tidak pernah melupakan perkhidmatan khas tertua Amerika, Biro Penyiasatan Persekutuan. Menyusup FBI, yang bertanggungjawab ke atas dalaman

Daripada Luther Burbank pengarang Molodchikov A.I.

I. MUKA SURAT DARI MASA LALU (Pelopor Burbank.) 1. "Rahsia Alam" oleh Konrad Sprengel Man telah mengusahakan tanaman sejak dahulu lagi. Dan, tidak syak lagi, walaupun petani primitif, yang dahan hangus menggantikan semua peralatan pertanian, mencapai

Daripada buku The Mandelstam Code pengarang Lifshits Galina Markovna

Pendahulu Tidak dinafikan bahawa sesebuah karya seni mempunyai kesan keperibadian dan aktiviti penciptanya.Selain itu, dalam setiap kes dengan cara tersendiri, pengaruh penyair terdahulu turut mengambil bahagian dalam pembinaan karya puisi.

Dari buku First circumnavigation of the world oleh James Cook

Daripada buku American Scientists and Inventors oleh Wilson Mitchell

Pendahulu Wright Pelopor sebenar penerbangan yang lebih berat daripada udara ialah Sir George Cayley (1773–1857), yang, dalam kata-kata Orville Wright, "mengetahui lebih banyak prinsip aeronautik daripada mana-mana pendahulunya, dan sama banyak sebagai mana-mana penggantinya." ". Dalam mereka

William Shakespeare dianggap sebagai penyair dan penulis drama yang cemerlang bukan sahaja di Britain, tetapi di seluruh dunia. Secara umum diterima bahawa karyanya adalah sejenis ensiklopedia hubungan manusia, mereka seperti cermin di mana orang, hebat dan tidak penting, dibentangkan dalam intipati mereka. Dia menulis 17 komedi, 11 tragedi, 10 kronik, 5 puisi dan 154 soneta. Mereka belajar di sekolah, institusi pendidikan tinggi. Tiada penulis drama yang mampu mencapai kehebatan seperti Shakespeare dianugerahkan selepas kematiannya. Sehingga kini, saintis dari negara yang berbeza cuba menyelesaikan persoalan bagaimana pencipta seperti itu boleh muncul pada abad ke-16, yang karyanya 400 tahun kemudian masih relevan.

Tiada konsensus mengenai asal usul Shakespeare. Tarikh sebenar kelahirannya tidak diketahui. Menurut maklumat yang diterima umum, dia dilahirkan di Stratford-upon-Avon, dekat Birmingham, dan dibaptiskan di sana pada 26 April 1564. Bapanya seorang peniaga daging, mempunyai dua rumah, dan dipilih sebagai datuk bandar. Tetapi dalam keluarga Shakespeare, tiada siapa yang berurusan dengan isu kesusasteraan, sejarah, dan, lebih-lebih lagi, tidak menyukai teater. Tiada persekitaran di Stratford yang boleh melahirkan seorang penulis drama masa depan.

William muda pergi ke sekolah untuk kanak-kanak yang tidak begitu kaya, yang mengajar secara percuma. Pada usia 14 tahun dia menamatkan pengajiannya, dan pada usia 18 tahun dia terpaksa berkahwin dengan anak perempuan seorang petani kaya - kononnya keluarganya mempunyai keadaan kewangan yang sukar. Isterinya, Anne Hathaway, berusia 8 tahun lebih tua daripada William.

Shakespeare, nampaknya, kecewa dengan perkahwinannya dan pergi ke London untuk bekerja. Terdapat bukti bahawa dia menyertai kumpulan pelakon jelajah. Di London dia mula menulis puisi, puisi, mendedikasikannya kepada orang yang berpengaruh. Berkemungkinan dengan berbuat demikian dia menarik perhatian orang kaya. Dia disyorkan untuk pergi ke teater. Benar, dia tidak diterima sebagai pelakon, tetapi ditawarkan untuk melayani kuda pelawat. Dia bersetuju. Kemudian dia mencuba dirinya sebagai penggerak. Dia menunjukkan kebolehan sastera, dan pelbagai drama mula diberikan kepadanya untuk semakan: drama, komedi. Mungkin berkenalan dengan karya-karya ini, persembahan pelakon di atas pentas membuatkan dia ingin mencuba dirinya sebagai seorang pengarang. Dan pada usia 25 tahun dia menulis drama pertamanya tentang perang antara dua dinasti. Di belakangnya, lain dan lain. Ada yang diterima untuk pengeluaran, dan mereka berjaya dengan orang ramai.

Shakespeare menulis untuk Teater Globe, yang dibina pada tahun 1599 dengan mengorbankan pelakon, termasuk Shakespeare. Pada pedimen bangunan itu terdapat kata-kata pengarang Rom Petronius the Arbiter: "Seluruh dunia adalah teater, semua orang di dalamnya adalah pelakon." Bangunan itu musnah akibat kebakaran pada 29 Jun 1613.

Drama Shakespeare berbeza daripada drama tradisional dalam kandungannya yang mendalam. Dia, seperti tiada siapa sebelum dia, memperkenalkan tipu daya yang menarik dan menunjukkan bagaimana keadaan berubah mengubah orang. Dia menunjukkan bahawa orang yang hebat dalam situasi baru boleh bertindak rendah dan, sebaliknya, orang yang tidak penting boleh meningkat kepada perbuatan yang besar. Dia mendedahkan intipati moral watak-watak, apabila plot berkembang, masing-masing menunjukkan wataknya sendiri, dan penonton berempati dengan apa yang berlaku di atas pentas. Kerja-kerja dramatik Shakespeare ternyata mempunyai kesedihan moral yang tinggi.

Tetapi dia tidak boleh melakukannya tanpa kesukaran: dengan dramanya dia merampas pendapatan pengarang lain, orang ramai mahukan Shakespeare, mereka pergi ke dramanya. Dia meminjam cerita dari pengarang kuno, menggunakan kronik sejarah. Untuk pinjaman ini, dia digelar "gagak di bulu orang lain."

Drama membawa pendapatan yang baik kepada teater, dan Shakespeare sendiri menjadi kaya. Dia membeli sebuah rumah di tanah airnya di Stratford, kemudian membeli sebuah rumah di London, memberi wang dengan faedah. Beliau adalah seorang pengarang yang makmur dan bahkan dianugerahkan jata bangsawan yang menggambarkan burung elang dengan lembing.

Shakespeare hidup untuk kesenangan, dan dipercayai bahawa dia meninggal dunia selepas pesta riang dengan rakan-rakan.

Orang yang rapat dengan Shakespeare, sezamannya, menghargai karya kegemaran mereka - mereka meramalkan kehidupan abadinya di dunia teater. Dan begitulah ia berlaku. Kejeniusan Shakespeare juga diperkatakan kira-kira bertahun-tahun selepas kematiannya, apabila dramanya memasuki repertoir teater terkemuka dunia.

Wiranya telah menjadi simbol situasi kehidupan yang tragis: Romeo dan Juliet - cinta tanpa pamrih, Lady Macbeth - jenayah, Iago dan Othello - penipuan dan mudah tertipu, Falstaff - pengecut dan bermegah, Hamlet - membuang antara perasaan dan tugas.

Shakespeare adalah seorang penulis drama yang dilahirkan, dia membantu penonton melihat semula dirinya dan dunia.