Ahli romantik sekolah romantik. Apa itu romantisme? Era romantisme

1.1 Ciri-ciri utama romantisme

Romantikisme - (Romantisme Perancis, dari roman Perancis zaman pertengahan - novel) - arah dalam seni, dibentuk dalam gerakan sastera umum pada pergantian abad ke-18-19. di German. Ia telah tersebar luas di semua negara Eropah dan Amerika. Kemuncak romantisme tertinggi jatuh pada suku pertama abad ke-19.

Perkataan romantisme Perancis kembali kepada percintaan Sepanyol (pada Zaman Pertengahan, percintaan Sepanyol dipanggil begitu, dan kemudian percintaan yang sopan), romantik Inggeris, yang bertukar menjadi abad ke-18. dalam romantik dan kemudian bermaksud "pelik", "hebat", "bergambar". Pada awal abad XIX. romantisme menjadi sebutan arah baru, bertentangan dengan klasikisme.

Memasuki antitesis "klasikisme" - "romantikisme", arahan itu menganggap penentangan keperluan klasikis peraturan kepada kebebasan romantis daripada peraturan. Pusat sistem artistik romantisme adalah individu, dan konflik utamanya adalah antara individu dan masyarakat. Prasyarat yang menentukan untuk perkembangan romantisme adalah peristiwa Revolusi Perancis. Kemunculan romantisme dikaitkan dengan gerakan anti-pencerahan, punca-puncanya terletak pada kekecewaan dalam tamadun, dalam kemajuan sosial, perindustrian, politik dan saintifik, yang mengakibatkan kontras dan percanggahan baru, meratakan dan kemusnahan rohani individu.

Pencerahan memberitakan masyarakat baru sebagai yang paling "semulajadi" dan "munasabah". Fikiran terbaik Eropah menyokong dan meramalkan masyarakat masa depan ini, tetapi realitinya ternyata di luar kawalan "alasan", masa depan - tidak dapat diramalkan, tidak rasional, dan tatanan sosial moden mula mengancam sifat manusia dan dirinya. kebebasan peribadi. Penolakan masyarakat ini, protes terhadap kekurangan kerohanian dan mementingkan diri sudah tercermin dalam sentimentalisme dan pra-romantik. Romantikisme menyatakan penolakan ini dengan paling teruk. Romantikisme juga menentang Pencerahan pada tahap lisan: bahasa karya romantis, berusaha untuk menjadi semula jadi, "mudah", boleh diakses oleh semua pembaca, adalah sesuatu yang bertentangan dengan klasik dengan tema mulia, "luhur", tipikal, sebagai contoh, untuk tragedi klasik.

Antara romantik Eropah Barat yang kemudiannya, pesimisme berhubung dengan masyarakat memperoleh perkadaran kosmik, menjadi "penyakit abad ini." Wira banyak karya romantis dicirikan oleh perasaan putus asa, putus asa, yang memperoleh watak universal. Kesempurnaan hilang selama-lamanya, dunia dikuasai oleh kejahatan, huru-hara purba membangkitkan. Tema "dunia yang dahsyat", ciri semua kesusasteraan romantis, paling jelas terkandung dalam apa yang dipanggil "genre hitam" (dalam "novel Gothic" pra-romantik - A. Radcliffe, C. Maturin, dalam " drama rock", atau "tragedi rock", - Z. Werner, G. Kleist, F. Grillparzer), serta dalam karya Byron, C. Brentano, E. T. A. Hoffmann, E. Poe dan N. Hawthorne.

Pada masa yang sama, romantisme adalah berdasarkan idea-idea yang mencabar "dunia yang dahsyat" - terutamanya idea-idea kebebasan. Kekecewaan romantisme adalah kekecewaan dalam realiti, tetapi kemajuan dan tamadun hanya satu sisi. Penolakan pihak ini, kekurangan kepercayaan terhadap kemungkinan tamadun menyediakan jalan lain, jalan ke ideal, ke abadi, ke mutlak. Jalan ini mesti menyelesaikan semua percanggahan, mengubah kehidupan sepenuhnya. Ini adalah jalan menuju kesempurnaan, "ke arah matlamat, yang penjelasannya mesti dicari di sisi lain yang kelihatan" (A. De Vigny). Bagi sesetengah orang romantis, kuasa yang tidak dapat difahami dan misteri menguasai dunia, yang mesti dipatuhi dan tidak cuba mengubah nasib (Chateaubriand, V.A. Zhukovsky). Bagi yang lain, "kejahatan global" menimbulkan protes, menuntut balas dendam, perjuangan (awal A.S. Pushkin). Perkara biasa adalah bahawa mereka semua melihat dalam manusia satu entiti, yang tugasnya sama sekali tidak dikurangkan untuk menyelesaikan masalah biasa. Sebaliknya, tanpa menafikan kehidupan seharian, golongan romantik berusaha merungkai misteri kewujudan manusia, beralih kepada alam semula jadi, mempercayai perasaan keagamaan dan puitis mereka.

Wira romantis ialah orang yang kompleks, bersemangat, yang dunia dalamannya luar biasa dalam, tidak berkesudahan; ia adalah seluruh alam semesta yang penuh dengan percanggahan. Romantik berminat dengan semua nafsu, baik yang tinggi dan rendah, yang bertentangan antara satu sama lain. Semangat yang tinggi - cinta dalam semua manifestasinya, rendah - tamak, cita-cita, iri hati. Amalan percintaan material yang rendah bertentangan dengan kehidupan roh, terutamanya agama, seni, dan falsafah. Minat pada perasaan yang kuat dan terang, nafsu yang memakan semua, dalam pergerakan rahsia jiwa adalah ciri ciri romantisme.

Anda boleh bercakap tentang percintaan sebagai jenis keperibadian istimewa - seseorang yang mempunyai semangat yang kuat dan aspirasi yang tinggi, tidak serasi dengan dunia seharian. Keadaan yang luar biasa mengiringi sifat ini. Fantasi, muzik rakyat, puisi, legenda menjadi menarik kepada romantik - segala-galanya yang selama satu setengah abad dianggap sebagai genre kecil, tidak patut diberi perhatian. Romantikisme dicirikan oleh penegasan kebebasan, kedaulatan individu, peningkatan perhatian kepada individu, unik dalam manusia, pemujaan individu. Keyakinan terhadap nilai diri seseorang berubah menjadi protes terhadap nasib sejarah. Selalunya wira karya romantis menjadi seorang artis yang mampu melihat realiti secara kreatif. "Tiruan alam" klasik bertentangan dengan tenaga kreatif artis yang mengubah realiti. Ia mencipta dunianya sendiri yang istimewa, lebih indah dan nyata daripada realiti yang dirasakan secara empirik. Kreativiti itulah makna kewujudan, ia mewakili nilai tertinggi alam semesta. Romantik dengan penuh semangat mempertahankan kebebasan kreatif artis, imaginasinya, mempercayai bahawa genius artis tidak mematuhi peraturan, tetapi menciptanya.

Romantik bertukar kepada era sejarah yang berbeza, mereka tertarik dengan keasliannya, tertarik dengan negara dan keadaan yang eksotik dan misteri. Minat dalam sejarah menjadi salah satu penaklukan yang kekal dalam sistem artistik romantisme. Dia menyatakan dirinya dalam penciptaan genre novel sejarah, pengasasnya ialah W. Scott, dan secara umum novel itu, yang memperoleh kedudukan utama dalam era yang sedang dipertimbangkan. Romantik dengan tepat dan tepat menghasilkan semula butiran sejarah, latar belakang, warna era tertentu, tetapi watak romantis diberikan di luar sejarah, mereka, sebagai peraturan, berada di atas keadaan dan tidak bergantung pada mereka. Pada masa yang sama, romantik menganggap novel itu sebagai cara untuk memahami sejarah, dan dari sejarah mereka pergi untuk menembusi rahsia psikologi, dan, dengan itu, kemodenan. Minat dalam sejarah juga dicerminkan dalam karya ahli sejarah sekolah romantik Perancis (O. Thierry, F. Guizot, F. O. Meunier).

Ia adalah dalam era Romantisisme bahawa penemuan budaya Zaman Pertengahan berlaku, dan kekaguman terhadap zaman kuno, ciri-ciri era lalu, juga tidak melemah pada akhir XVIII - permulaan. abad ke-19 Kepelbagaian ciri-ciri kebangsaan, sejarah, individu juga mempunyai makna falsafah: kekayaan satu keseluruhan dunia terdiri daripada keseluruhan ciri-ciri individu ini, dan kajian sejarah setiap orang secara berasingan memungkinkan untuk mengesan, dengan kata-kata. dari Burke, kehidupan tanpa gangguan melalui generasi baru yang mengikuti satu demi satu.

Era Romantikisme ditandai dengan berkembangnya kesusasteraan, salah satu ciri yang membezakannya ialah keghairahan terhadap masalah sosial dan politik. Cuba untuk memahami peranan manusia dalam peristiwa sejarah yang berterusan, penulis romantik cenderung kepada ketepatan, kekonkretan, dan kebolehpercayaan. Pada masa yang sama, tindakan kerja mereka sering berlaku dalam persekitaran yang luar biasa untuk orang Eropah - contohnya, di Timur dan Amerika, atau, untuk Rusia, di Caucasus atau di Crimea. Oleh itu, penyair romantis kebanyakannya adalah penyair lirik dan penyair alam, dan oleh itu dalam karya mereka (bagaimanapun, seperti dalam banyak penulis prosa) tempat yang penting diduduki oleh landskap - pertama sekali, laut, gunung, langit, unsur ribut. , yang mana wira dikaitkan dengan hubungan yang kompleks. Alam semula jadi boleh serupa dengan sifat ghairah seorang wira romantis, tetapi ia juga boleh menentangnya, berubah menjadi kuasa bermusuhan yang terpaksa dia lawan.

Gambar yang luar biasa dan jelas tentang alam semula jadi, kehidupan, kehidupan dan adat resam negara dan orang yang jauh juga mengilhamkan romantik. Mereka mencari ciri-ciri yang membentuk asas asas semangat kebangsaan. Identiti kebangsaan dimanifestasikan terutamanya dalam seni rakyat lisan. Justeru minat terhadap cerita rakyat, olahan karya cerita rakyat, penciptaan karya sendiri berdasarkan seni rakyat.

Perkembangan genre novel sejarah, cerita fantasi, puisi lirik-epik, balada adalah merit golongan romantik. Inovasi mereka juga memanifestasikan dirinya dalam lirik, khususnya, dalam penggunaan polisemi perkataan, perkembangan persekutuan, metafora, penemuan dalam bidang versifikasi, meter, dan irama.

Romantikisme dicirikan oleh sintesis genera dan genre, interpenetrasi mereka. Sistem seni romantik adalah berdasarkan sintesis seni, falsafah, dan agama. Sebagai contoh, bagi pemikir seperti Herder, penyelidikan linguistik, doktrin falsafah, dan nota perjalanan berfungsi sebagai pencarian cara pembaharuan budaya yang revolusioner. Kebanyakan pencapaian romantisme diwarisi oleh realisme abad kesembilan belas. - kegemaran untuk fantasi, aneh, campuran tinggi dan rendah, tragis dan komik, penemuan "lelaki subjektif".

Dalam era romantisme, bukan sahaja sastera berkembang, tetapi juga banyak sains: sosiologi, sejarah, sains politik, kimia, biologi, doktrin evolusi, falsafah (Hegel, D. Hume, I. Kant, Fichte, falsafah semula jadi, intipati yang berpunca daripada hakikat bahawa alam semula jadi - salah satu pakaian Tuhan, "pakaian hidup Dewa").

Romantikisme adalah fenomena budaya di Eropah dan Amerika. Di negara yang berbeza, nasibnya mempunyai ciri tersendiri.

1.2 Romantik di Rusia

Menjelang permulaan dekad kedua abad ke-19, romantisme menduduki tempat penting dalam seni Rusia, mendedahkan lebih kurang sepenuhnya identiti kebangsaannya. Adalah amat berisiko untuk mengurangkan keaslian ini kepada beberapa ciri atau malah jumlah ciri; Apa yang ada di hadapan kita adalah arah proses, serta kepantasannya, keterpaksaannya - jika kita membandingkan romantisisme Rusia dengan "romantikisme" kesusasteraan Eropah yang lebih tua.

Kami telah memerhatikan perkembangan paksa ini dalam prasejarah romantisme Rusia - dalam dekad terakhir abad ke-18. - pada tahun-tahun pertama abad ke-19, apabila terdapat jalinan yang luar biasa antara kecenderungan pra-romantik dan sentimental dengan kecenderungan klasikisme.

Keterlaluan terhadap akal, hipertrofi kepekaan, pemujaan alam dan manusia semula jadi, melankolis elegiak dan epikureanisme digabungkan dengan unsur-unsur sistematik dan rasional, yang amat ketara dalam bidang puisi. Gaya dan genre telah diselaraskan (terutamanya oleh usaha Karamzin dan pengikutnya), terdapat perjuangan menentang metafora yang berlebihan dan hiasan ucapan demi "ketepatan harmoni" (takrifan Pushkin tentang ciri tersendiri sekolah yang diasaskan oleh Zhukovsky dan Batyushkov).

Kepesatan pembangunan meninggalkan tandanya pada peringkat romantisisme Rusia yang lebih matang. Ketumpatan evolusi artistik juga menjelaskan hakikat bahawa sukar untuk mengenali peringkat kronologi yang jelas dalam romantisme Rusia. Ahli sejarah sastera membahagikan romantisme Rusia ke dalam tempoh berikut: tempoh awal (1801 - 1815), tempoh kematangan (1816 - 1825) dan tempoh perkembangan selepas Oktober. Ini adalah skim teladan, kerana. sekurang-kurangnya dua daripada tempoh ini (yang pertama dan ketiga) adalah heterogen secara kualitatif dan tidak mempunyai sekurang-kurangnya kesatuan relatif prinsip yang membezakan, sebagai contoh, tempoh romantisme Jena dan Heidelberg di Jerman.

Pergerakan Romantik di Eropah Barat - terutamanya dalam kesusasteraan Jerman - bermula di bawah tanda kesempurnaan dan keutuhan. Segala sesuatu yang tidak bersatu berusaha untuk sintesis: dalam falsafah semula jadi, dan dalam sosiologi, dan dalam teori pengetahuan, dan dalam psikologi - peribadi dan sosial, dan, tentu saja, dalam pemikiran artistik, yang menyatukan semua impuls ini dan, seolah-olah. , memberi mereka kehidupan baru. .

Manusia berusaha untuk bergabung dengan alam semula jadi; personaliti, individu - dengan keseluruhan, dengan orang ramai; pengetahuan intuitif - dengan logik; unsur-unsur bawah sedar roh manusia - dengan sfera refleksi dan sebab yang tertinggi. Walaupun nisbah detik-detik yang bertentangan kelihatan kadang-kadang bercanggah, kecenderungan ke arah penyatuan menimbulkan spektrum emosi istimewa romantisme, pelbagai warna dan beraneka ragam, dengan dominasi nada utama yang cerah.

Hanya secara beransur-ansur sifat konflik unsur-unsur berkembang menjadi antinomi mereka; idea sintesis yang dikehendaki dibubarkan ke dalam idea pengasingan dan konfrontasi, mood utama yang optimis memberi laluan kepada perasaan kecewa dan pesimisme.

Romantikisme Rusia sudah biasa dengan kedua-dua peringkat proses - kedua-dua awal dan akhir; namun, dengan berbuat demikian, dia memaksa pergerakan umum. Bentuk akhir muncul sebelum bentuk awal berkembang; yang pertengahan renyuk atau jatuh. Dengan latar belakang kesusasteraan Eropah Barat, romantisme Rusia memandang pada masa yang sama kurang dan lebih romantis: ia adalah lebih rendah daripada mereka dalam kekayaan, percabangan, keluasan gambaran keseluruhan, tetapi melepasi kepastian beberapa keputusan akhir.

Faktor sosio-politik terpenting yang mempengaruhi pembentukan romantisme ialah Desembrisme. Pembiasan ideologi Decembrist ke dalam bidang penciptaan artistik adalah proses yang sangat kompleks dan panjang. Walau bagaimanapun, janganlah kita melupakan hakikat bahawa ia memperoleh ekspresi artistik dengan tepat; bahawa impuls Decembrist telah berpakaian dalam bentuk sastera yang agak konkrit.

Selalunya, "Desembrisme sastera" dikenal pasti dengan keharusan tertentu di luar kreativiti artistik, apabila semua cara artistik ditaklukkan kepada matlamat luar sastera, yang seterusnya, berpunca daripada ideologi Decembrist. Matlamat ini, "tugas" ini didakwa diratakan atau diketepikan oleh "tanda suku kata atau tanda genre." Pada hakikatnya, segala-galanya adalah lebih rumit.

Sifat khusus romantisisme Rusia jelas kelihatan dalam lirik kali ini, i.e. dalam hubungan lirik dengan dunia, dalam nada utama dan perspektif kedudukan pengarang, dalam apa yang biasa dipanggil "imej pengarang". Mari kita lihat puisi Rusia dari sudut pandangan ini, untuk membentuk sekurang-kurangnya idea sepintas lalu tentang kepelbagaian dan kesatuannya.

Puisi romantis Rusia telah mendedahkan "imej pengarang" yang agak luas, kadang-kadang mendekati, kadang-kadang, sebaliknya, berpolemik dan berbeza antara satu sama lain. Tetapi selalunya "imej pengarang" adalah pemeluwapan emosi, perasaan, pemikiran, atau butiran harian dan biografi ("serpihan" garis pengasingan pengarang, lebih diwakili sepenuhnya dalam puisi, masuk ke dalam karya lirik) , yang berikutan daripada penentangan terhadap alam sekitar. Hubungan antara individu dan keseluruhan telah terputus. Semangat konfrontasi dan ketidakharmonian menyelubungi penampilan pengarang walaupun dengan sendirinya ia kelihatan jelas dan utuh.

Pra-romantik pada dasarnya mengetahui dua bentuk ekspresi konflik dalam lirik, yang boleh dipanggil pertentangan lirik - bentuk elegiac dan epikurean. Puisi romantis telah mengembangkannya menjadi satu siri yang lebih kompleks, mendalam dan dibezakan secara individu.

Tetapi, tidak kira betapa pentingnya bentuk yang disebutkan di atas dalam diri mereka, mereka, tentu saja, tidak menghabiskan semua kekayaan romantisme Rusia.

Romantikisme dalam seni visual sebahagian besarnya berdasarkan idea ahli falsafah dan penulis. Dalam lukisan, seperti dalam bentuk seni lain, romantik tertarik dengan segala yang luar biasa, tidak diketahui, sama ada negara yang jauh dengan adat dan kostum eksotik mereka (Delacroix), dunia penglihatan mistik (Blake, Friedrich, Pra-Raphaelites) dan ajaib. mimpi (Runge) atau kedalaman suram bawah sedar (Goya, Fusli). Sumber inspirasi untuk ramai artis adalah warisan seni masa lalu: Timur Purba, Zaman Pertengahan dan Proto-Renaissance (Nazarene, Pra-Raphaelite).

Berbeza dengan klasisisme, yang memuliakan kuasa minda yang jelas, golongan romantik menyanyikan perasaan ghairah dan ribut yang menawan seluruh orang. Maklum balas terawal kepada aliran baharu ialah potret dan landskap, yang menjadi genre kegemaran lukisan romantik.

zaman kegemilangan genre potret dikaitkan dengan minat orang romantis dalam keperibadian manusia yang cerah, kecantikan dan kekayaan dunia rohaninya. Kehidupan roh manusia berlaku dalam potret romantis berbanding minat pada kecantikan fizikal, dalam keplastikan sensual imej.

Dalam potret romantik (Delacroix, Géricault, Runge, Goya) keunikan setiap orang sentiasa didedahkan, dinamik, debaran sengit kehidupan dalaman, semangat memberontak disampaikan.

Orang romantis juga berminat dengan tragedi jiwa yang patah: orang yang sakit mental sering menjadi wira karya (Gericault "Gila, ketagih berjudi", "Pencuri kanak-kanak", "Gila, membayangkan dirinya seorang komander").

Pemandangan dikandung oleh romantik sebagai penjelmaan jiwa alam semesta; alam semula jadi, seperti jiwa manusia, muncul dalam dinamik, kebolehubahan yang berterusan. Landskap yang teratur dan dimuliakan dengan ciri klasikisme digantikan dengan imej yang spontan, degil, kuat, sentiasa berubah-ubah, sepadan dengan kekeliruan perasaan wira romantis. Romantik terutamanya suka menulis ribut, ribut petir, letusan gunung berapi, gempa bumi, bangkai kapal yang boleh memberi kesan emosi yang kuat kepada penonton (Gericault, Friedrich, Turner).

Puisi malam, ciri romantisisme - dunia yang aneh dan nyata yang hidup mengikut undang-undangnya sendiri - membawa kepada perkembangan "genre malam", yang menjadi kegemaran dalam lukisan romantis, terutamanya di kalangan artis Jerman.

Salah satu negara pertama dalam seni visual yang berkembang romantisisme adalahJerman .

Pengaruh yang ketara terhadap perkembangan genre landskap romantis mempunyai kreativitiCaspar David Friedrich (1774-1840). Warisan seninya didominasi oleh landskap yang menggambarkan puncak gunung, hutan, laut, pantai laut, serta runtuhan katedral lama, biara terbiar, biara ("Salib di pergunungan", "Katedral", "Abbey antara pokok oak ”). Mereka biasanya mempunyai perasaan sedih yang tidak berubah dari kesedaran kehilangan tragis seseorang di dunia.

Artis menyukai keadaan alam semula jadi yang paling sesuai dengan persepsi romantisnya: awal pagi, matahari terbenam petang, bulan terbit ("Dua merenung bulan", "Tanah perkuburan biara", "Lanskap dengan pelangi", "Bulan terbit di atas laut", " Batu kapur di pulau Rügen", "Di atas perahu layar", "Pelabuhan pada waktu malam").

Watak-watak yang berterusan dalam karyanya adalah pemimpi yang kesepian, tenggelam dalam renungan alam semula jadi. Melihat ke dalam jarak yang jauh dan ketinggian yang tidak berkesudahan, mereka bergabung dengan rahsia abadi alam semesta, mereka terbawa-bawa ke dunia mimpi yang indah. Friedrich menyampaikan dunia yang indah ini dengan bantuan cahaya yang bersinar secara ajaib.- suria berseri atau lunar misteri.

Karya Friedrich dikagumi oleh orang sezamannya, termasuk I. W. Goethe dan W. A. Zhukovsky, terima kasih kepada siapa banyak lukisannya diperoleh oleh Rusia.

Pelukis, artis grafik, penyair dan ahli teori seniPhilip Otto Runge (1777-1810), terutamanya menumpukan dirinya kepada genre potret. Dalam karyanya, dia menyajakkan imej orang biasa, selalunya orang tersayangnya ("Kami bertiga" - potret diri dengan pengantin perempuan dan saudara lelaki, tidak dipelihara; "Anak-anak keluarga Hülzenbeck", "Potret ibu bapa artis", "Potret diri"). Keagamaan Runge yang mendalam telah dinyatakan dalam lukisan seperti "Kristus di tepi Tasik Tiberias" dan "Beristirahat dalam Penerbangan ke Mesir" (belum selesai). Artis merumuskan refleksinya tentang seni dalam risalah teori "The Color Sphere".

Keinginan untuk menghidupkan semula asas agama dan moral dalam seni Jerman dikaitkan dengan aktiviti kreatif artis sekolah Nazarene (F. Overbeck, von Karlsfeld,L. Vogel, I. Gottinger, J. Sütter,P. von Cornelius). Setelah bersatu dalam sejenis persaudaraan agama ("Kesatuan St. Luke"), "Nazarene" tinggal di Rom dengan model komuniti monastik dan melukis gambar mengenai subjek agama. Mereka menganggap lukisan Itali dan Jerman sebagai model untuk pencarian kreatif mereka.XIV - XVberabad-abad (Perugino, Raphael awal, A. Durer, H. Holbein the Younger, L.Cranach). Dalam lukisan "The Triumph of Religion in Art" Overbeck secara langsung meniru "Sekolah Athenian" Raphael, dan Cornelius dalam "The Horsemen of the Apocalypse" - ukiran Durer dengan nama yang sama.

Ahli persaudaraan menganggap kebaikan utama artis itu ialah kesucian rohani dan iman yang tulus, percaya bahawa "hanya Alkitab yang menjadikan Raphael seorang yang jenius." Menjalani kehidupan bersendirian di dalam sel biara terbiar, mereka meningkatkan perkhidmatan mereka kepada seni kepada kategori perkhidmatan rohani.

"Nasrani" tertarik kepada bentuk monumental yang besar, cuba mewujudkan cita-cita tinggi dengan bantuan teknik fresco yang baru dihidupkan semula. Beberapa lukisan telah disempurnakan oleh mereka bersama-sama.

Pada tahun 1820-an dan 30-an, ahli persaudaraan tersebar di seluruh Jerman, menerima jawatan utama dalam pelbagai akademi seni. Hanya Overbeck yang tinggal di Itali sehingga kematiannya, tanpa mengubah prinsip seninya. Tradisi terbaik "Nazarene" telah dipelihara dalam lukisan sejarah untuk masa yang lama. Pencarian ideologi dan moral mereka memberi kesan kepada Pra-Raphaelite Inggeris, dan juga pada kerja tuan seperti Schwind dan Spitzweg.

Moritz Schwind (1804-1871), Austria sejak lahir, bekerja di Munich. Dalam karya kuda-kuda, dia terutamanya menggambarkan rupa dan kehidupan bandar wilayah Jerman purba dengan penduduknya. Ia dilakukan dengan puisi dan lirik yang hebat, dengan cinta kepada watak-wataknya.

Carl Spitzweg (1808-1885) - Pelukis Munich, artis grafik, pelukis yang cemerlang, kartunis, juga bukan tanpa sentimen, tetapi dengan jenaka yang hebat menceritakan tentang kehidupan bandar ("Poor Poet", "Morning Coffee").

Schwind dan Spitzweg biasanya dikaitkan dengan trend dalam budaya Jerman yang dikenali sebagai Biedermeier.Biedermeier - ini adalah salah satu gaya yang paling popular pada zaman itu (terutamanya dalam bidang kehidupan seharian, tetapi juga dalam seni) . Dia mengemukakan burghers, orang biasa di jalanan, ke hadapan. Tema utama lukisan Biedermeier ialah kehidupan seharian seseorang, mengalir dalam hubungan rapat dengan rumah dan keluarganya. Minat Biedermeier bukan pada masa lalu, tetapi pada masa kini, bukan pada yang besar, tetapi pada yang kecil, menyumbang kepada pembentukan trend realistik dalam lukisan.

Sekolah Romantik Perancis

Sekolah romantisme yang paling konsisten dalam lukisan dibangunkan di Perancis. Ia timbul sebagai penentangan terhadap klasisisme, merosot menjadi akademikisme yang dingin dan rasional, dan mengemukakan guru besar yang menentukan pengaruh dominan sekolah Perancis untuk keseluruhan abad ke-19.

Artis romantik Perancis cenderung kepada plot yang penuh dengan drama dan kesedihan, ketegangan dalaman, jauh dari "kehidupan seharian yang malap". Dalam menjelmakan mereka, mereka memperbaharui cara bergambar dan ekspresif:

Kejayaan romantisisme pertama yang cemerlang dalam lukisan Perancis dikaitkan dengan nama ituTheodora Géricault (1791-1824), yang, lebih awal daripada yang lain, dapat menyatakan perasaan romantis semata-mata konflik dunia. Sudah dalam karya pertamanya, seseorang dapat melihat keinginan untuk menunjukkan peristiwa dramatik zaman kita. Jadi, sebagai contoh, lukisan "Pegawai tentera bersenjata berkuda yang menyerang" dan "Kuirassier yang cedera" mencerminkan percintaan era Napoleon.

Lukisan Gericault "The Raft of the Medusa", yang didedikasikan untuk peristiwa kehidupan moden baru-baru ini - kematian kapal penumpang akibat kesalahan syarikat perkapalan, mempunyai resonans yang besar. . Géricault mencipta kanvas gergasi 7×5 m yang menggambarkan saat orang yang hampir mati melihat kapal penyelamat di kaki langit. Ketegangan yang melampau ditekankan oleh skema warna yang keras, suram, komposisi pepenjuru. Lukisan ini telah menjadi simbol Géricault Perancis zaman moden, yang, seperti orang yang melarikan diri dari kapal karam, mengalami harapan dan keputusasaan.

Tema lukisan besar terakhirnya - "Perlumbaan di Epsom" - artis yang ditemui di England. Ia menggambarkan kuda terbang seperti burung (imej kegemaran Géricault, yang menjadi penunggang yang sangat baik ketika remaja). Kesan kepantasan dipertingkatkan dengan teknik tertentu: kuda dan joki ditulis dengan sangat berhati-hati, dan latar belakangnya lebar.

Selepas kematian Géricault (dia meninggal secara tragis, dalam kemuncak kehidupan dan bakat), kawan mudanya menjadi ketua yang diiktiraf romantik Perancis.Eugene Delacroix (1798-1863). Delacroix berbakat secara menyeluruh, memiliki bakat muzik dan sastera. Diarinya, artikel tentang artis adalah dokumen paling menarik pada zaman itu. Kajian teorinya tentang undang-undang warna memberi impak yang besar kepada Impresionis masa depan dan terutamanya pada W. Van Gogh.

Lukisan pertama Delacroix, yang membawanya kemasyhuran, ialah "Dante and Virgil" ("Dante's Boat"), yang ditulis pada plot "Divine Comedy". Dia melanda rakan-rakan sezamannya dengan kesedihan yang ghairah, kuasa warna yang suram.

Kemuncak karya artis itu ialah "Kebebasan di Halangan" ("Kebebasan Memimpin Rakyat"). Kredibiliti fakta sebenar (gambar itu dicipta di tengah-tengah Revolusi Julai 1830 di Perancis) bergabung di sini dengan impian romantis kebebasan dan simbolisme imej. Seorang wanita muda yang cantik menjadi simbol Perancis revolusioner.

Sambutan kepada peristiwa moden adalah lukisan terdahulu "Pembunuhan Beramai-ramai di Chios", yang didedikasikan untuk perjuangan rakyat Yunani dengan pemerintahan Turki. .

Setelah melawat Maghribi, Delacroix menemui dunia eksotik Timur Arab, di mana dia menumpukan banyak lukisan dan lakaran. Dalam "Wanita Algeria" dunia harem Muslim dipersembahkan kepada penonton Eropah buat kali pertama.

Artis itu juga mencipta satu siri potret wakil cerdik pandai kreatif, yang kebanyakannya adalah kawannya (potret N. Paganini, F. Chopin, G. Berlioz, dll.)

Dalam tempoh akhir karya kreatifnya, Delacroix tertarik kepada tema sejarah, bekerja sebagai muralis (mural di Dewan Perwakilan, Senat), dan sebagai artis grafik (ilustrasi untuk karya Shakespeare, Goethe, Byron).

Nama-nama pelukis Inggeris era romantisme - R. Benington, J. Constable, W. Turner - dikaitkan dengan genre landskap. Di kawasan ini, mereka benar-benar membuka lembaran baharu: alam semula jadi yang terdapat dalam karya mereka refleksi yang luas dan penuh kasih sayang yang tidak diketahui oleh negara lain pada masa itu.

John Constable (1776-1837) salah satu yang pertama dalam sejarah landskap Eropah mula melukis lakaran sepenuhnya dari alam semula jadi, beralih kepada pemerhatian langsung alam semula jadi. Lukisannya ringkas dalam motif: kampung, ladang, gereja, jalur sungai atau pantai laut: Haycart, Lembah Detham, Katedral Salisbury dari Taman Bishop. Karya Konstabel berfungsi sebagai dorongan untuk pembangunan landskap realistik di Perancis.

William Turner (1775-1851) - pelukis laut . Dia tertarik dengan laut yang bergelora, hujan lebat, ribut petir, banjir, puting beliung: "Pelayaran terakhir kapal" Berani "," Ribut petir di atas Piazzetta. Carian berwarna yang berani, kesan pencahayaan yang jarang berlaku kadangkala mengubah lukisannya menjadi cermin mata khayal yang bersinar: "The Fire of the London Parliament", "Snowstorm. Kapal meninggalkan pelabuhan dan memberikan isyarat kecemasan, melanda air cetek. .

Turner memiliki imej lukisan pertama lokomotif wap yang berjalan di atas rel - simbol perindustrian. Dalam Rain, Steam and Speed, sebuah lokomotif wap berlumba di sepanjang Sungai Thames melalui jerebu hujan yang berkabus. Semua objek material seolah-olah bergabung menjadi imej fatamorgana, yang menyampaikan perasaan kelajuan dengan sempurna.

Kajian unik Turner tentang kesan cahaya dan warna menjangka dalam banyak cara penemuan pelukis Impresionis Perancis.

Pada tahun 1848 di England timbulPersaudaraan pra-Raphaelite (dari Latin prae - "sebelum" dan Raphael), yang menyatukan artis yang tidak menerima masyarakat kontemporari dan seni sekolah akademik. Mereka melihat cita-cita mereka dalam seni Zaman Pertengahan dan Renaissance Awal (oleh itu namanya). Ahli utama persaudaraan -William Holman Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti. Dalam karya awal mereka, artis ini menggunakan singkatan RV dan bukannya tandatangan. .

Dengan romantik Pra-Raphaelite, cinta akan zaman dahulu dikaitkan. Mereka beralih kepada subjek alkitabiah (“The Light of the World” dan “The Unfaithful Shepherd” oleh W. H. Hunt; “The Childhood of Mary” dan “The Annunciation” oleh D. G. Rossetti), plot dari sejarah Zaman Pertengahan dan lakonan oleh W. Shakespeare (“Ophelia” oleh Millais ).

Untuk melukis figura dan objek manusia dalam saiz semula jadi mereka, Pra-Raphaelite meningkatkan saiz kanvas, lakaran landskap dibuat daripada kehidupan. Watak-watak dalam lukisan mereka mempunyai prototaip di kalangan orang sebenar. Sebagai contoh, D. G. Rossetti menggambarkan Elizabeth Siddal yang dicintainya dalam hampir semua karyanya, meneruskan, seperti seorang kesatria zaman pertengahan, untuk tetap setia kepada kekasihnya walaupun selepas kematiannya yang terlalu awal ("Blue Silk Dress", 1866).

Ahli ideologi Pra-Raphaelite ialahJohn Ruskin (1819-1900) - Penulis Inggeris, pengkritik seni dan ahli teori seni, pengarang siri buku terkenal "Artis Moden".

Karya Pra-Raphaelite mempengaruhi banyak artis dan menjadi pertanda simbolisme dalam kesusasteraan (W. Pater, O. Wilde) dan seni halus (O. Beardsley, G. Moreau, dll.).

nama panggilan "Nazarene" mungkin berasal dari nama kota Nazareth di Galilea, tempat Yesus Kristus dilahirkan. Menurut versi lain, ia timbul dengan analogi dengan nama komuniti agama Yahudi kuno Nazirit. Mungkin juga nama kumpulan itu berasal dari nama tradisional gaya rambut "Alla Nazarena", biasa pada Zaman Pertengahan dan dikenali dari potret diri A. Dürer: cara memakai rambut panjang, berpisah dalam tengah, telah diperkenalkan semula oleh Overbeck.

Biedermeier(Jerman "Meyer yang berani", philistine) - nama keluarga watak fiksyen dari koleksi puisi penyair Jerman Ludwig Eichrodt. Eichrodt mencipta parodi orang sebenar - Samuel Friedrich Sauter, seorang guru lama yang menulis puisi naif. Eichrodt, dalam karikaturnya, menekankan primitif philistine pemikiran Biedermeier, yang menjadi sejenis simbol parodi era itu. sapuan warna hitam, coklat dan kehijauan menyampaikan kemarahan ribut. Pandangan penonton seolah-olah berada di tengah-tengah pusaran air, kapal itu seolah-olah menjadi mainan ombak dan angin.

Permulaan abad XIX - masa kebangkitan budaya dan rohani di Rusia. Jika dalam pembangunan ekonomi dan sosio-politik Rusia ketinggalan di belakang negara-negara Eropah yang maju, maka dalam pencapaian budaya ia bukan sahaja seiring dengan mereka, tetapi sering mengatasi mereka. Perkembangan budaya Rusia pada separuh pertama abad ke-19 adalah berdasarkan transformasi masa sebelumnya. Penembusan unsur-unsur hubungan kapitalis ke dalam ekonomi meningkatkan keperluan untuk orang yang celik huruf dan berpendidikan. Bandar menjadi pusat kebudayaan utama.

Strata sosial baru telah ditarik ke dalam proses sosial. Budaya berkembang dengan latar belakang kesedaran diri nasional yang semakin meningkat dari rakyat Rusia dan, dalam hal ini, mempunyai watak kebangsaan yang jelas. Pengaruh yang ketara terhadap sastera, teater, muzik, seni visual telah Perang Patriotik 1812 yang pada tahap yang tidak pernah berlaku sebelum ini mempercepatkan pertumbuhan kesedaran diri nasional rakyat Rusia, penyatuannya. Terdapat hubungan rapat dengan orang Rusia dari orang lain di Rusia.

Permulaan abad ke-19 betul-betul dipanggil zaman keemasan lukisan Rusia. Pada masa itulah artis Rusia mencapai tahap kemahiran yang meletakkan karya mereka setanding dengan contoh terbaik seni Eropah.

Tiga nama membuka lukisan Rusia abad ke-19 - Kiprensky , Tropinin , Venetsianov. Setiap orang mempunyai asal usul yang berbeza: pemilik tanah tidak sah, hamba dan keturunan pedagang. Setiap orang mempunyai aspirasi kreatif mereka sendiri - seorang yang romantis, seorang realis dan "ahli lirik kampung".

Walaupun minat awalnya untuk lukisan sejarah, Kiprensky dikenali terutamanya sebagai pelukis potret yang cemerlang. Kita boleh mengatakan bahawa pada awal abad XIX. dia menjadi pelukis potret Rusia pertama. Tuan-tuan lama, yang menjadi terkenal pada abad ke-18, tidak lagi dapat bersaing dengannya: Rokotov meninggal dunia pada tahun 1808, Levitsky, yang selamat darinya selama 14 tahun, tidak lagi dicat kerana penyakit mata, dan Borovikovsky, yang tidak hidup sedikit. bulan sebelum pemberontakan Decembrist, bekerja sangat sedikit.

Kiprensky cukup bernasib baik untuk menjadi penulis sejarah artistik pada zamannya. "Sejarah di muka" boleh dianggap sebagai potretnya, yang menggambarkan ramai peserta dalam peristiwa bersejarah itu, yang mana dia adalah kontemporari: wira perang 1812, wakil pergerakan Decembrist. Teknik lukisan pensil sangat berguna, latihan yang diberikan perhatian serius di Akademi Seni. Kiprensky mencipta, pada dasarnya, genre baru - potret bergambar.

Kiprensky mencipta banyak potret tokoh budaya Rusia, dan, tentu saja, yang paling terkenal di antara mereka ialah Pushkin. Ia telah ditauliahkan Delviga, rakan lyceum penyair, pada tahun 1827. Orang sezaman mencatatkan persamaan menakjubkan potret itu dengan yang asli. Imej penyair dibebaskan oleh artis dari ciri-ciri sehari-hari yang wujud dalam potret Pushkin oleh Tropinin, dicat pada tahun yang sama. Alexander Sergeevich ditangkap oleh artis pada saat inspirasi, ketika dia dikunjungi oleh muse puitis.

Kematian menimpa artis itu semasa lawatan keduanya ke Itali. Dalam beberapa tahun kebelakangan ini, banyak yang tidak berjalan lancar dengan pelukis terkenal itu. Kemerosotan kreatif bermula. Tidak lama sebelum kematiannya, hidupnya dibayangi oleh peristiwa tragis: menurut orang sezaman, artis itu dituduh membunuh dan takut meninggalkan rumah. Malah berkahwin dengan murid Italinya tidak menceriakan hari-hari terakhirnya.

Sedikit yang meratapi pelukis Rusia yang meninggal dunia di tanah asing. Di antara segelintir yang benar-benar memahami jenis penguasa budaya kebangsaan yang telah hilang ialah artis Alexander Ivanov, yang berada di Itali pada masa itu. Pada hari-hari yang menyedihkan itu, dia menulis: Kiprensky "adalah yang pertama membuat nama Rusia dikenali di Eropah."

Tropinin memasuki sejarah seni Rusia sebagai pelukis potret yang cemerlang. Dia berkata: "Sebuah potret seseorang dilukis untuk ingatan orang yang rapat dengannya, yang mencintainya." Menurut orang sezaman, Tropinin melukis kira-kira 3,000 potret. Sama ada ini begitu sukar untuk dikatakan. Dalam salah satu buku tentang artis, terdapat senarai 212 wajah yang dikenal pasti dengan tepat yang digambarkan oleh Tropinin. Beliau juga mempunyai banyak karya yang dipanggil "Portrait of an Unknown (Unknown)". Tropinin dibawakan oleh pembesar negara, bangsawan, pahlawan, ahli perniagaan, pegawai kecil, hamba, intelektual, dan tokoh budaya Rusia. Antaranya: ahli sejarah Karamzin, penulis Zagoskin, pengkritik seni Odoevsky, pelukis Bryullov dan Aivazovsky, pengukir Vitali, arkitek Gilardi, komposer Alyabyev, pelakon Shchepkin dan Mo-chalov, penulis drama Sukhovo-Kobylin.

Salah satu karya terbaik Tropinin ialah potret anaknya. Saya mesti mengatakan bahawa salah satu "penemuan" seni Rusia abad XIX. terdapat potret seorang kanak-kanak. Pada Zaman Pertengahan, kanak-kanak itu dilihat sebagai orang dewasa kecil yang belum dewasa. Kanak-kanak juga memakai pakaian yang tidak berbeza dengan orang dewasa: pada pertengahan abad ke-18. perempuan memakai korset ketat dan skirt lebar dengan fijma. Hanya pada awal abad XIX. mereka melihat seorang kanak-kanak dalam kanak-kanak. Artis adalah antara yang pertama melakukan ini. Terdapat banyak kesederhanaan dan keaslian dalam potret Tropinin. Budak itu tidak bergambar. Tertarik dengan sesuatu, dia berpaling seketika: mulutnya terbuka, matanya bersinar. Penampilan kanak-kanak itu sangat menawan dan puitis. Rambut kusut emas, muka tembam seperti kanak-kanak yang terbuka, pandangan mata yang bijak. Seseorang dapat merasakan dengan kasih sayang artis itu melukis potret anaknya.

Tropinin menulis potret diri dua kali. Pada yang kemudian, bertarikh 1846, artis itu berumur 70 tahun. Dia menggambarkan dirinya dengan palet dan berus di tangannya, bersandar pada mastabl - kayu khas yang digunakan oleh pelukis. Di belakangnya adalah panorama indah Kremlin. Pada masa mudanya, Tropinin memiliki kekuatan heroik dan semangat yang baik. Dilihat dari potret diri, dia mengekalkan kekuatan tubuhnya walaupun pada usia tua. Wajah bulat dengan cermin mata memancarkan sifat yang baik. Artis itu meninggal dunia 10 tahun kemudian, tetapi imejnya kekal dalam ingatan keturunannya - seorang lelaki yang hebat dan baik yang memperkaya seni Rusia dengan bakatnya.

Venetsianov menemui tema petani dalam lukisan Rusia. Dia adalah yang pertama dalam kalangan artis Rusia yang menunjukkan keindahan alam semula jadinya pada kanvasnya. Genre landskap tidak digemari di Akademi Seni. Dia menduduki tempat kedua dalam kepentingan, meninggalkan yang lebih hina - setiap hari. Hanya beberapa pakar yang melukis alam semula jadi, lebih suka landskap Itali atau khayalan.

Dalam kebanyakan karya Venetsianov, alam semula jadi dan manusia tidak dapat dipisahkan. Mereka berkait rapat seperti petani dengan tanah, pemberiannya. Karyanya yang paling terkenal - "Haymaking", "Di tanah pertanian. Musim bunga", "Pada musim menuai. Musim panas" - artis mencipta pada tahun 20-an. Ia adalah kemuncak kreativitinya. Tiada seorang pun dalam seni Rusia yang dapat menunjukkan kehidupan petani dan kerja petani dengan cinta dan puitis seperti Venetsianov. Dalam lukisan "Di tanah pertanian. Musim bunga" seorang wanita sedang meragut ladang. Kerja keras dan meletihkan ini kelihatan hebat pada kanvas Venetsianov: seorang wanita petani dalam gaun malam yang elegan dan kokoshnik. Dengan wajah yang cantik dan badan yang fleksibel, dia menyerupai dewi purba. Dipimpin oleh kekang dua ekor kuda yang patuh yang diikat pada garu, dia tidak berjalan, tetapi kelihatan berlegar di atas padang. Kehidupan di sekeliling mengalir dengan tenang, terukur, damai. Pokok-pokok jarang bertukar hijau, awan putih terapung di langit, padang kelihatan tidak berkesudahan, di pinggirnya duduk seorang bayi menunggu ibunya.

Lukisan "In the Harvest. Summer" nampaknya meneruskan lukisan sebelumnya. Tuaian sudah masak, ladang adalah telinga tunggul emas - sudah tiba masanya untuk menuai. Di latar depan, mengetepikan sabit, seorang wanita petani sedang menyusukan anak. Langit, padang, orang yang bekerja di atasnya tidak dapat dipisahkan untuk artis. Tetapi tetap, subjek utama perhatiannya sentiasa seseorang.

Venetsianov mencipta galeri keseluruhan potret petani. Ini baru untuk lukisan Rusia. Pada abad XVIII. orang daripada rakyat, dan lebih-lebih lagi hamba, kurang menarik minat artis. Menurut ahli sejarah seni, Venetsianov adalah yang pertama dalam sejarah lukisan Rusia untuk "menangkap dan mencipta semula jenis rakyat Rusia." "Reapers", "Gadis dengan bunga jagung", "Gadis dengan anak lembu", "Gembala tidur" adalah imej indah petani yang diabadikan oleh Venetsianov. Tempat istimewa dalam karya artis diduduki oleh potret kanak-kanak petani. Betapa baiknya "Zakharka" - seorang budak lelaki bermata besar, hidung mancung, berbibir besar dengan kapak di bahunya! Zakharka nampaknya mempersonifikasikan sifat petani yang bertenaga, terbiasa bekerja sejak kecil.

Alexey Gavrilovich meninggalkan ingatan yang baik tentang dirinya bukan sahaja sebagai seorang artis, tetapi juga sebagai seorang guru yang cemerlang. Semasa salah satu lawatannya ke St. Petersburg, dia mengambil seorang artis baru sebagai pelajar, kemudian yang lain, yang ketiga ... Oleh itu, seluruh sekolah seni timbul, yang memasuki sejarah seni di bawah nama Venetian. Selama suku abad, kira-kira 70 lelaki muda berbakat telah melaluinya. Venetsianov cuba menebus artis hamba daripada kurungan dan sangat bimbang jika ini tidak berjaya. Pelajar yang paling berbakat - Grigory Soroka - tidak pernah mendapat kebebasan daripada pemilik tanahnya. Dia hidup untuk melihat penghapusan perhambaan, tetapi, didorong untuk berputus asa oleh kemahakuasaan bekas pemilik, membunuh diri.

Ramai pelajar Venetsianov tinggal di rumahnya dengan gaji penuh. Mereka memahami rahsia lukisan Venice: pematuhan teguh kepada undang-undang perspektif, perhatian yang teliti terhadap alam semula jadi. Di antara muridnya terdapat banyak tuan berbakat yang meninggalkan tanda yang ketara dalam seni Rusia: Grigory Soroka, Alexei Tyranov, Alexander Alekseev, Nikifor Krylov. "Venetianians" - dengan penuh kasih sayang memanggil haiwan peliharaannya.

Oleh itu, boleh dikatakan bahawa pada sepertiga pertama abad ke-19 terdapat peningkatan pesat dalam perkembangan budaya Rusia dan kali ini dipanggil zaman keemasan lukisan Rusia.

Artis Rusia telah mencapai tahap kemahiran yang meletakkan karya mereka setanding dengan contoh terbaik seni Eropah.

Pemuliaan pencapaian rakyat, idea kebangkitan rohani mereka, kecaman terhadap wabak feudal Rusia - ini adalah tema utama seni halus abad ke-19.

Dalam potret, ciri-ciri romantisme - kebebasan keperibadian manusia, keperibadiannya, kebebasan untuk meluahkan perasaan - sangat berbeza.

Banyak potret tokoh budaya Rusia, potret kanak-kanak telah dicipta. Tema petani, landskap, yang menunjukkan keindahan alam semula jadi, menjadi fesyen.

Abstrak peperiksaan

Subjek: "Romantisisme sebagai trend dalam seni".

Dilaksanakan pelajar 11 kelas "B" sekolah menengah No

Boiprav Anna

Guru seni dunia

budaya Butsu T.N.

Brest, 2002

1. pengenalan

2. Punca Romantik

3. Ciri-ciri utama romantisme

4. hero romantik

5. Romantik di Rusia

a) Kesusasteraan

b) Lukisan

c) Muzik

6. Romantik Eropah Barat

sebuah lukisan

b) Muzik

7. Kesimpulan

8. Rujukan

1. PENGENALAN

Jika anda melihat ke dalam kamus penjelasan bahasa Rusia, anda boleh menemui beberapa makna perkataan "romantik": 1. Trend dalam kesusasteraan dan seni suku pertama abad ke-19, yang dicirikan oleh idealisasi masa lalu, pengasingan dari realiti, pemujaan keperibadian dan manusia. 2. Satu hala tuju dalam kesusasteraan dan seni, dipenuhi dengan keyakinan dan keinginan untuk menunjukkan dalam imej yang jelas tujuan tinggi manusia. 3. Keadaan fikiran yang dipenuhi dengan idealisasi realiti, renungan mimpi.

Seperti yang dapat dilihat dari definisi, romantisme adalah fenomena yang menampakkan dirinya bukan sahaja dalam seni, tetapi juga dalam tingkah laku, pakaian, gaya hidup, psikologi manusia dan berlaku pada saat-saat kritikal dalam kehidupan, jadi tema romantisisme masih relevan hari ini. . Kita hidup pada pergantian abad, kita berada di peringkat peralihan. Dalam hal ini, dalam masyarakat terdapat ketidakpercayaan pada masa depan, ketidakpercayaan pada cita-cita, terdapat keinginan untuk melarikan diri dari realiti sekeliling ke dunia pengalaman sendiri dan pada masa yang sama memahaminya. Ciri-ciri inilah yang menjadi ciri seni romantik. Itulah sebabnya saya memilih topik "Romantisisme sebagai trend dalam seni" untuk penyelidikan.

Romantikisme adalah lapisan yang sangat besar dari pelbagai jenis seni. Tujuan kerja saya adalah untuk mengesan keadaan kemunculan dan punca kemunculan romantisme di negara yang berbeza, untuk menyiasat perkembangan romantisisme dalam bentuk seni seperti kesusasteraan, lukisan dan muzik, dan membandingkannya. Tugas utama bagi saya adalah untuk menyerlahkan ciri-ciri utama romantisme, ciri semua jenis seni, untuk menentukan pengaruh romantisisme terhadap perkembangan trend lain dalam seni.

Semasa membangunkan tema, saya menggunakan buku teks mengenai seni, pengarang seperti Filimonova, Vorotnikov, dan lain-lain, penerbitan ensiklopedia, monograf yang didedikasikan untuk pelbagai pengarang era romantisme, bahan biografi pengarang seperti Aminskaya, Atsarkina, Nekrasova, dan lain-lain.

2. SEBAB ASAL USUL ROMANTISME

Semakin dekat kita dengan kemodenan, semakin pendek tempoh masa penguasaan satu atau gaya lain. Tempoh masa penghujung 18-1 sepertiga abad ke-19. dianggap sebagai era romantisme (dari Romantik Perancis; sesuatu yang misteri, pelik, tidak nyata)

Apakah yang mempengaruhi kemunculan gaya baharu?

Ini adalah tiga peristiwa utama: Revolusi Perancis Besar, Perang Napoleon, kebangkitan gerakan pembebasan negara di Eropah.

Guruh Paris bergema di seluruh Eropah. Slogan "Kebebasan, Persamaan, Persaudaraan!" mempunyai tarikan yang luar biasa untuk semua orang Eropah. Dengan pembentukan masyarakat borjuasi, kelas pekerja mula bertindak menentang sistem feudal sebagai kuasa bebas. Perjuangan menentang tiga kelas - golongan bangsawan, borjuasi dan proletariat - membentuk asas perkembangan sejarah abad ke-19.

Nasib Napoleon dan peranannya dalam sejarah Eropah selama 2 dekad, 1796-1815, menduduki fikiran sezaman. "Penguasa pemikiran" - A.S. bercakap tentang dia. Pushkin.

Bagi Perancis, ini adalah tahun kebesaran dan kemuliaan, walaupun dengan mengorbankan nyawa ribuan rakyat Perancis. Itali melihat Napoleon sebagai pembebasnya. Orang Poland menaruh harapan yang tinggi kepadanya.

Napoleon bertindak sebagai penakluk yang bertindak demi kepentingan borjuasi Perancis. Bagi raja-raja Eropah, dia bukan sahaja lawan tentera, tetapi juga wakil dunia asing borjuasi. Mereka membencinya. Pada permulaan Perang Napoleon, terdapat ramai peserta langsung dalam revolusi dalam "Tentera Besar"nya.

Keperibadian Napoleon sendiri juga luar biasa. Lelaki muda Lermontov menjawab ulang tahun ke-10 kematian Napoleon:

Dia adalah orang asing kepada dunia. Semua tentang dia adalah misteri.

Hari kemuliaan - dan kejatuhan jam!

Misteri ini amat menarik perhatian golongan romantik.

Sehubungan dengan perang Napoleon dan kematangan kesedaran diri nasional, tempoh ini dicirikan oleh kebangkitan gerakan pembebasan nasional. Jerman, Austria, Sepanyol berperang melawan pendudukan Napoleon, Itali - menentang kuk Austria, Greece - menentang Turki, di Poland mereka berperang melawan tsarisme Rusia, Ireland - menentang British.

Perubahan yang menakjubkan berlaku di hadapan mata satu generasi.

Perancis menggembirakan paling penting: ulang tahun kelima Revolusi Perancis yang bergelora, kebangkitan dan kejatuhan Robespierre, kempen Napoleon, pengunduran diri pertama Napoleon, kepulangannya dari pulau Elba ("seratus hari") dan yang terakhir.

kekalahan di Waterloo, ulang tahun ke-15 rejim pemulihan yang suram, Revolusi Julai 1860, Revolusi Februari 1848 di Paris, yang menyebabkan gelombang revolusioner di negara lain.

Di England, akibat revolusi perindustrian pada separuh kedua abad XIX. pengeluaran mesin dan hubungan kapitalis telah diwujudkan. Pembaharuan parlimen pada tahun 1832 membuka jalan bagi borjuasi untuk berkuasa negara.

Di tanah Jerman dan Austria, pemerintah feudal mengekalkan kuasa. Selepas kejatuhan Napoleon, mereka bertindak kasar dengan pembangkang. Tetapi walaupun di tanah Jerman, lokomotif wap, yang dibawa dari England pada tahun 1831, menjadi faktor kemajuan borjuasi.

Revolusi industri, revolusi politik mengubah wajah Eropah. "Kaum borjuasi, dalam masa kurang dari seratus tahun penguasaan kelasnya, mencipta lebih banyak kuasa produktif yang lebih besar daripada semua generasi sebelumnya yang digabungkan," tulis sarjana Jerman Marx dan Engels pada tahun 1848.

Jadi, Revolusi Perancis Besar (1789-1794) menandakan satu peristiwa penting yang memisahkan era baru dari Zaman Pencerahan. Bukan sahaja bentuk negara, struktur sosial masyarakat, penjajaran kelas berubah. Seluruh sistem idea, diterangi selama berabad-abad, digoncang. Para pencerahan secara ideologi menyediakan revolusi. Tetapi mereka tidak dapat meramalkan semua akibatnya. "Kerajaan akal" tidak berlaku. Revolusi, yang mengisytiharkan kebebasan individu, menimbulkan perintah borjuasi, semangat akuisisi dan mementingkan diri sendiri. Begitulah asas sejarah untuk perkembangan budaya seni, yang mengemukakan arah baru - romantisme.

3. CIRI-CIRI UTAMA ROMANTISME

Romantikisme sebagai kaedah dan hala tuju dalam budaya seni adalah fenomena yang kompleks dan kontroversi. Di setiap negara dia mempunyai ekspresi kebangsaan yang cerah. Bukan mudah untuk mencari ciri dalam sastera, muzik, lukisan dan teater yang menyatukan Chateaubriand dan Delacroix, Mickiewicz dan Chopin, Lermontov dan Kiprensky.

Romantik menduduki pelbagai kedudukan sosial dan politik dalam masyarakat. Mereka semua memberontak terhadap hasil revolusi borjuasi, tetapi mereka memberontak dengan cara yang berbeza, kerana masing-masing mempunyai cita-cita sendiri. Tetapi dengan pelbagai wajah dan kepelbagaian, romantisme mempunyai ciri yang stabil.

Kekecewaan pada zaman moden menimbulkan keistimewaan minat pada masa lalu: kepada pembentukan sosial pra-borjuasi, kepada zaman patriarki. Banyak orang romantis dicirikan oleh idea bahawa eksotisme indah negara-negara selatan dan timur - Itali, Sepanyol, Greece, Turki - adalah kontras puitis dengan kehidupan seharian borjuasi yang membosankan. Di negara-negara ini, ketika itu masih sedikit dipengaruhi oleh tamadun, golongan romantik mencari watak-watak yang terang, kuat, cara hidup yang asli dan berwarna-warni. Minat terhadap masa lampau negara menimbulkan banyak karya sejarah.

Dalam usaha untuk entah bagaimana bangkit di atas prosa menjadi, untuk membebaskan kebolehan individu yang pelbagai, untuk akhirnya merealisasikan diri dalam kreativiti, golongan romantik menentang pemformalkan seni dan pendekatan yang lurus dan bijaksana terhadapnya, ciri klasikisme. Mereka semua datang dari penafian terhadap Pencerahan dan kanun rasionalistik klasikisme, yang membelenggu inisiatif kreatif artis.Dan jika klasikisme membahagikan segala-galanya dalam garis lurus, kepada baik dan buruk, kepada hitam dan putih, maka romantisme tidak membahagikan apa-apa dalam garis lurus. Klasikisme adalah satu sistem, tetapi romantisisme tidak. Romantikisme memajukan kemajuan zaman moden daripada klasikisme kepada sentimentalisme, yang menunjukkan kehidupan dalaman seseorang selaras dengan dunia yang luas. Dan romantisme menentang keharmonian kepada dunia dalaman. Dengan romantisme inilah psikologi sebenar mula muncul.

Tugas utama romantisme ialah imej dunia dalaman, kehidupan rohani, dan ini boleh dilakukan pada bahan cerita, mistik, dll. Ia adalah perlu untuk menunjukkan paradoks kehidupan dalaman ini, ketidakrasionalannya.

Dalam imaginasi mereka, orang romantis mengubah realiti yang tidak menarik atau pergi ke dunia pengalaman mereka. Jurang antara impian dan realiti, penentangan fiksyen yang indah kepada realiti objektif, terletak di tengah-tengah keseluruhan pergerakan romantis.

Romantisisme buat pertama kali menimbulkan masalah bahasa seni. “Seni adalah bahasa yang sangat berbeza daripada alam semula jadi; tetapi ia juga mengandungi kuasa ajaib yang sama yang secara rahsia dan tidak dapat difahami mempengaruhi jiwa manusia ”(Wackenroder dan Tieck). Artis adalah penterjemah bahasa alam, perantara antara dunia roh dan manusia. “Terima kasih kepada artis, kemanusiaan muncul sebagai satu keperibadian keseluruhan. Seniman melalui kemodenan menyatukan dunia masa lalu dengan dunia masa depan. Mereka adalah organ rohani tertinggi di mana kuasa-kuasa penting kemanusiaan luar mereka bertemu satu sama lain, dan di mana kemanusiaan dalaman menampakkan dirinya pertama sekali” (F. Schlegel).

Walau bagaimanapun, romantisme bukanlah satu trend homogen: perkembangan ideologinya pergi ke arah yang berbeza. Antara yang romantis ialah penulis reaksioner, penganut rejim lama, yang menyanyikan tentang monarki feudal dan agama Kristian. Sebaliknya, golongan romantik yang berpandangan progresif menyatakan protes demokrasi terhadap feudal dan semua jenis penindasan, menjelmakan dorongan revolusioner rakyat untuk masa depan yang lebih baik.

Romantikisme meninggalkan seluruh era dalam budaya seni dunia, wakilnya adalah: dalam kesusasteraan V. Scott, J. Byron, Shelley, V. Hugo, A. Mickiewicz, dan lain-lain; dalam seni halus E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky dan lain-lain; dalam muzik F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin dan lain-lain. Mereka menemui dan mengembangkan genre baru, memberi perhatian kepada nasib keperibadian manusia, mendedahkan dialektik baik dan jahat, nafsu manusia yang didedahkan dengan mahir, dsb.

Bentuk seni lebih kurang sama dalam kepentingannya dan menghasilkan karya seni yang mengagumkan, walaupun golongan romantik memberi keutamaan kepada muzik dalam tangga seni.

4. WIRA ROMANTIK

Siapa hero romantik dan bagaimana dia?

Ini adalah seorang individu. Seorang superman yang telah melalui dua peringkat: sebelum perlanggaran dengan realiti, dia hidup dalam keadaan 'merah jambu', dia dikuasai oleh keinginan untuk pencapaian, perubahan dunia; selepas bertembung dengan realiti, dia terus menganggap dunia ini kesat dan membosankan, tetapi dia tidak menjadi seorang yang skeptik, pesimis. Dengan pemahaman yang jelas bahawa tiada apa yang boleh diubah, keinginan untuk kejayaan merosot menjadi keinginan untuk bahaya.

Romantik boleh memberikan nilai yang kekal dan berkekalan kepada setiap perkara kecil, kepada setiap fakta konkrit, kepada segala yang tunggal. Joseph de Maistre menyebutnya "jalan Providence", Germaine de Stael - "dada buah alam semesta abadi." Chateaubriand dalam "Genius of Christianity", dalam buku yang dikhaskan untuk sejarah, secara langsung menunjuk kepada Tuhan sebagai permulaan masa sejarah. Masyarakat muncul sebagai ikatan yang tidak tergoyahkan, "benang kehidupan yang menghubungkan kita dengan nenek moyang kita dan yang mesti kita panjangkan kepada keturunan kita." Hanya hati seseorang, dan bukan fikirannya, dapat memahami dan mendengar suara Pencipta, melalui keindahan alam, melalui perasaan yang mendalam. Alam semula jadi adalah ilahi, ia adalah sumber keharmonian dan daya kreatif, metaforanya sering dipindahkan oleh romantik ke dalam leksikon politik. Untuk romantis, pokok itu menjadi simbol keluarga, pembangunan spontan, persepsi jus tanah asal, simbol perpaduan negara. Semakin innocent dan sensitif sifat seseorang, semakin mudah dia mendengar suara Tuhan. Seorang kanak-kanak, seorang wanita, seorang pemuda yang mulia lebih kerap daripada yang lain melihat keabadian jiwa dan nilai kehidupan kekal. Kehausan Romantik untuk kebahagiaan tidak terhad kepada keinginan idealistik untuk Kerajaan Tuhan selepas kematian.

Sebagai tambahan kepada cinta mistik kepada Tuhan, seseorang memerlukan cinta duniawi yang sebenar. Tidak dapat memiliki objek keghairahannya, wira romantik itu menjadi syahid abadi, ditakdirkan untuk menunggu pertemuan dengan kekasihnya di akhirat, "kerana cinta yang besar adalah layak untuk keabadian apabila ia mengorbankan nyawa seseorang."

Tempat istimewa dalam karya romantik diduduki oleh masalah perkembangan dan pendidikan individu. Zaman kanak-kanak tidak mempunyai undang-undang, dorongan sesaatnya melanggar moral awam, mematuhi peraturan permainan kanak-kanaknya sendiri. Pada orang dewasa, tindak balas yang sama membawa kepada kematian, kepada kutukan jiwa. Dalam mencari kerajaan syurga, seseorang mesti memahami undang-undang kewajipan dan moral, barulah dia boleh berharap untuk kehidupan kekal. Oleh kerana kewajipan ditentukan oleh orang romantis oleh keinginan mereka untuk memperoleh kehidupan kekal, pemenuhan kewajipan memberikan kebahagiaan peribadi dalam manifestasinya yang paling dalam dan paling berkuasa. Kewajipan moral ditambah kewajipan perasaan yang mendalam dan kepentingan yang tinggi. Tanpa mencampurkan merit jantina yang berbeza, romantik menyokong kesaksamaan pembangunan rohani lelaki dan wanita. Dengan cara yang sama, cinta kepada Tuhan dan institusinya menentukan kewajipan sivik. Perjuangan peribadi menemui penyelesaiannya dalam tujuan bersama, dalam usaha seluruh negara, semua umat manusia, seluruh dunia.

Setiap budaya mempunyai wira romantiknya sendiri, tetapi Byron, dalam karyanya Charld Harold, memberikan gambaran tipikal wira romantik itu. Dia memakai topeng wiranya (dia mengatakan bahawa tidak ada jarak antara wira dan pengarang) dan berjaya mematuhi kanun romantis.

Semua karya romantis dicirikan oleh ciri ciri:

Pertama, dalam setiap karya romantis tidak ada jarak antara wira dan pengarang.

Kedua, pengarang wira tidak menilai, tetapi walaupun sesuatu yang buruk dikatakan tentangnya, plot itu dibina sedemikian rupa sehingga wira tidak boleh dipersalahkan. Plot dalam karya romantis biasanya romantis. Romantik juga membina hubungan istimewa dengan alam semula jadi, mereka suka ribut, ribut petir, bencana.

5. ROMANTISME DI RUSIA.

Romantikisme di Rusia berbeza daripada Eropah Barat yang memihak kepada latar sejarah yang berbeza dan tradisi budaya yang berbeza. Revolusi Perancis tidak boleh dikira sebagai salah satu punca kejadiannya; bulatan orang yang sangat sempit mempunyai harapan untuk perubahan dalam perjalanannya. Dan keputusan revolusi itu benar-benar mengecewakan. Persoalan kapitalisme di Rusia pada awal abad ke-19. tidak berdiri. Oleh itu, tidak ada alasan sedemikian. Sebab sebenar ialah Perang Patriotik 1812, di mana semua kuasa inisiatif rakyat telah ditunjukkan. Tetapi selepas perang, rakyat tidak mendapat kehendak. Bangsawan terbaik, tidak berpuas hati dengan realiti, pergi ke Dataran Senat pada Disember 1825. Perbuatan ini juga meninggalkan kesan pada cerdik pandai kreatif. Tahun-tahun selepas perang yang bergelora menjadi persekitaran di mana romantisme Rusia terbentuk.

Romantikisme, dan, lebih-lebih lagi, kita, Rusia, berkembang dan dibentuk ke dalam bentuk asal kita, romantisme bukanlah sastera yang mudah, tetapi fenomena kehidupan, seluruh era pembangunan moral, era yang mempunyai warna khasnya sendiri, melaksanakan satu yang istimewa. pandangan dalam kehidupan ... Biarkan trend romantis datang dari luar, dari kehidupan Barat dan kesusasteraan Barat, ia mendapati dalam alam Rusia tanah yang sedia untuk persepsinya, dan oleh itu dicerminkan dalam fenomena asli sepenuhnya, sebagai penyair dan pengkritik Apollon Grigoriev dinilai - ini adalah fenomena budaya yang unik, dan penciriannya menunjukkan kerumitan penting romantisme , dari perut yang Gogol muda keluar dan dengan siapa dia dikaitkan bukan sahaja pada permulaan kerjaya penulisannya, tetapi sepanjang hidupnya.

Apollon Grigoriev dengan tepat menentukan sifat kesan sekolah romantis terhadap kesusasteraan dan kehidupan, termasuk prosa pada masa itu: bukan pengaruh atau peminjaman yang mudah, tetapi kehidupan dan aliran sastera yang ciri dan berkuasa yang memberikan fenomena asli sepenuhnya dalam kesusasteraan Rusia muda.

a) Kesusasteraan

Romantikisme Rusia biasanya dibahagikan kepada beberapa tempoh: awal (1801-1815), matang (1815-1825) dan tempoh perkembangan pasca-Decembrist. Walau bagaimanapun, berhubung dengan tempoh awal, konvensional skim ini adalah menarik. Untuk fajar romantisme Rusia dikaitkan dengan nama Zhukovsky dan Batyushkov, penyair yang karya dan pandangan dunianya sukar untuk disatukan dan dibandingkan dalam tempoh yang sama, matlamat, aspirasi, dan perangai mereka sangat berbeza. Dalam puisi kedua-dua penyair, pengaruh angkuh masa lalu, era sentimentalisme, masih dirasakan, tetapi jika Zhukovsky masih berakar umbi di dalamnya, maka Batyushkov lebih dekat dengan trend baru.

Belinsky betul-betul menyatakan bahawa karya Zhukovsky dicirikan oleh "aduan tentang harapan yang tidak sempurna yang tidak mempunyai nama, kesedihan untuk kebahagiaan yang hilang, yang Tuhan tahu apa yang terkandung di dalamnya." Sesungguhnya, dalam diri Zhukovsky, romantisme masih mengambil langkah pertama yang malu-malu, memberi penghormatan kepada kerinduan sentimental dan melankolik, kerinduan hati yang samar-samar, hampir tidak dapat dilihat, dalam satu perkataan, kepada set perasaan yang kompleks yang dalam kritikan Rusia adalah dipanggil "romantik pada Zaman Pertengahan."

Suasana yang sama sekali berbeza memerintah dalam puisi Batyushkov: kegembiraan menjadi, keghairahan yang jujur, lagu untuk kesenangan.

Zhukovsky berhak dianggap sebagai wakil terkemuka humanisme estetik Rusia. Asing kepada nafsu yang kuat, leka dan lemah lembut Zhukovsky berada di bawah pengaruh ketara idea Rousseau dan romantik Jerman. Mengikuti mereka, dia sangat mementingkan sisi estetika dalam agama, moral, dan hubungan sosial. Seni memperoleh makna keagamaan dari Zhukovsky, dia berusaha untuk melihat dalam seni sebagai "wahyu" kebenaran yang lebih tinggi, ia adalah "suci" untuknya. Ia adalah tipikal untuk romantik Jerman untuk mengenal pasti puisi dan agama. Kami mendapati perkara yang sama dalam Zhukovsky, yang menulis: "Puisi adalah Tuhan dalam mimpi suci bumi." Dalam romantisme Jerman, dia sangat dekat dengan tarikan kepada segala-galanya di luar, kepada "sebelah malam jiwa", kepada "tidak dapat diungkapkan" dalam alam semula jadi dan manusia. Alam semula jadi dalam puisi Zhukovsky dikelilingi oleh misteri, landskapnya hantu dan hampir tidak nyata, seperti pantulan di dalam air:

Betapa kemenyan bercantum dengan kesejukan tumbuhan!

Betapa manisnya dalam kesunyian di pantai jet yang memercik!

Betapa tenangnya angin marshmallow di atas air

Dan willow yang fleksibel berkibar!

Jiwa Zhukovsky yang sensitif, lembut dan termenung nampaknya membeku dengan manis di ambang "cahaya misteri ini." Penyair, dalam ungkapan yang tepat Belinsky, "mencintai dan merpati penderitaannya," tetapi penderitaan ini tidak menyengat hatinya dengan luka yang kejam, kerana walaupun dalam kesedihan dan kesedihan kehidupan batinnya tenang dan tenang. Oleh itu, apabila dalam mesej kepada Batyushkov, "anak kebahagiaan dan keseronokan," dia memanggil penyair Epicurean "relatif kepada Muse," sukar untuk mempercayai hubungan ini. Sebaliknya, kami percaya Zhukovsky yang mulia, yang ramah menasihati penyanyi keseronokan duniawi: "Tolak kegilaan, mimpi membawa maut!"

Batyushkov adalah tokoh dalam segala hal yang bertentangan dengan Zhukovsky. Dia seorang yang mempunyai semangat yang kuat, dan kehidupan kreatifnya telah dipotong 35 tahun lebih awal daripada kewujudan fizikalnya: sebagai seorang lelaki yang sangat muda, dia terjun ke jurang kegilaan. Dia mengabdikan dirinya dengan kekuatan dan semangat yang sama untuk kedua-dua kegembiraan dan kesedihan: dalam kehidupan, serta dalam pemahaman puitisnya, dia - tidak seperti Zhukovsky - asing dengan "maksud emas". Walaupun puisinya juga dicirikan oleh pujian persahabatan yang murni, kegembiraan "sudut yang rendah hati", tetapi idyllnya sama sekali tidak sederhana dan tenang, kerana Batiushkov tidak dapat membayangkannya tanpa kebahagiaan lesu dari keseronokan ghairah dan mabuk dengan kehidupan. Kadang-kadang, penyair begitu terbawa-bawa oleh kegembiraan sensual sehingga dia bersedia untuk menolak kebijaksanaan sains yang menindas secara melulu:

Adakah ia dalam kebenaran sedih

Orang yang suram dan orang bijak yang membosankan,

Duduk dalam pakaian pengebumian,

Antara runtuhan dan keranda

Adakah kita akan menemui kemanisan hidup kita?

Dari mereka, saya nampak kegembiraan

Ia terbang seperti rama-rama dari semak duri.

Bagi mereka tiada pesona dalam pesona alam,

Gadis-gadis tidak menyanyi kepada mereka, berjalin dalam tarian bulat;

Bagi mereka, adapun orang buta,

Musim bunga tanpa kegembiraan dan musim panas tanpa bunga.

Tragedi tulen jarang kedengaran dalam puisinya. Hanya pada penghujung kehidupan kreatifnya, apabila dia mula menunjukkan tanda-tanda penyakit mental, adalah salah satu puisi terakhirnya direkodkan di bawah imlak, di mana motif kesia-siaan kewujudan duniawi jelas terdengar:

Adakah anda ingat apa yang anda katakan

Mengucapkan selamat tinggal kepada kehidupan, Melkisedek yang beruban?

Manusia dilahirkan sebagai hamba

Akan berbaring sebagai hamba di dalam kubur,

Dan kematian tidak akan memberitahunya

Mengapa dia berjalan melalui lembah air mata yang menakjubkan,

Menderita, menangis, bertahan,

Di Rusia, romantisme sebagai aliran sastera berkembang pada dua puluhan abad kesembilan belas. Asal-usulnya adalah penyair, penulis prosa, penulis, dan mereka mencipta romantisme Rusia, yang berbeza daripada "Eropah Barat" dalam watak aslinya. Romantikisme Rusia dikembangkan oleh penyair pada separuh pertama abad kesembilan belas, dan setiap penyair membawa sesuatu yang baru. Romantikisme Rusia dikembangkan secara meluas, memperoleh ciri ciri, dan menjadi trend bebas dalam kesusasteraan. Dalam "Ruslan dan Lyudmila" A.S. Pushkin ada baris: "Ada semangat Rusia, di sana ia berbau Rusia." Perkara yang sama boleh dikatakan mengenai romantisme Rusia. Wira karya romantis adalah jiwa puitis yang berusaha untuk "tinggi" dan cantik. Tetapi ada dunia yang bermusuhan yang tidak membenarkan anda merasakan kebebasan, yang menyebabkan jiwa-jiwa ini tidak dapat difahami. Dunia ini kasar, jadi jiwa puitis melarikan diri ke yang lain, di mana terdapat ideal, ia berusaha untuk "kekal". Romantikisme adalah berdasarkan konflik ini. Tetapi para penyair bertindak balas secara berbeza terhadap situasi ini. Zhukovsky, Pushkin, Lermontov, meneruskan dari satu perkara, membina hubungan wira mereka dan dunia di sekeliling mereka dengan cara yang berbeza, oleh itu wira mereka mempunyai laluan yang berbeza untuk ideal.

Realiti adalah dahsyat, kasar, kurang ajar dan mementingkan diri sendiri, tidak ada tempat di dalamnya untuk perasaan, impian dan keinginan penyair, pahlawannya. "Benar" dan kekal - di dunia lain. Oleh itu konsep dua dunia, penyair berusaha untuk salah satu dunia ini untuk mencari yang ideal.

Kedudukan Zhukovsky bukanlah kedudukan seseorang yang bergelut dengan dunia luar, yang mencabarnya. Ia adalah jalan melalui perpaduan dengan alam semula jadi, jalan keharmonian dengan alam semula jadi, dalam dunia yang kekal dan indah. Zhukovsky, pada pendapat ramai penyelidik (termasuk Yu.V. Mann), menyatakan pemahamannya tentang proses perpaduan ini dalam The Inexpressible. Perpaduan adalah penerbangan jiwa. Keindahan yang mengelilingi anda memenuhi jiwa anda, ia ada di dalam anda, dan anda berada di dalamnya, jiwa terbang, tidak ada masa atau ruang, tetapi anda wujud dalam alam semula jadi, dan pada masa ini anda hidup, anda ingin menyanyi tentang keindahan ini , tetapi tiada kata untuk menyatakan keadaan anda, yang ada hanya perasaan harmoni. Anda tidak diganggu oleh orang di sekeliling anda, jiwa prosaik, lebih banyak terbuka kepada anda, anda bebas.

Pushkin dan Lermontov mendekati masalah romantisisme ini secara berbeza. Tidak syak lagi bahawa pengaruh yang dikenakan oleh Zhukovsky terhadap Pushkin tidak dapat tidak dapat dicerminkan dalam karya yang terakhir. Kerja awal Pushkin dicirikan oleh romantisme "sivil". Di bawah pengaruh "Penyanyi di Kem Pahlawan Rusia" Zhukovsky dan karya Griboyedov, Pushkin menulis pujian kepada "Liberty", "Kepada Chaadaev". Dalam yang terakhir, dia memanggil:

"Kawan saya! Marilah kita mendedikasikan jiwa kita kepada Tanah Air dengan impuls yang indah ...". Ini adalah keinginan yang sama untuk cita-cita yang dimiliki Zhukovsky, hanya Pushkin yang memahami ideal dengan caranya sendiri, oleh itu jalan menuju ideal adalah berbeza untuk penyair. Dia tidak mahu dan tidak boleh berusaha untuk ideal sahaja, penyair memanggilnya. Pushkin melihat realiti dan ideal secara berbeza. Anda tidak boleh memanggilnya sebagai pemberontakan, ini adalah refleksi kepada unsur-unsur yang memberontak. Ini tercermin dalam ode "Laut". Inilah kekuatan dan kekuatan laut, laut bebas, ia telah mencapai idealnya. Manusia juga mesti bebas, rohnya mesti bebas.

Pencarian untuk ideal adalah ciri ciri utama romantisme. Ia menunjukkan dirinya dalam karya Zhukovsky, dan Pushkin, dan Lermontov. Ketiga-tiga penyair mencari kebebasan, tetapi mereka mencarinya dengan cara yang berbeza, mereka memahaminya secara berbeza. Zhukovsky sedang mencari kebebasan yang dihantar oleh "pencipta". Setelah menemui keharmonian, seseorang menjadi bebas. Bagi Pushkin, kebebasan semangat adalah penting, yang sepatutnya nyata dalam diri seseorang. Bagi Lermontov, hanya wira yang memberontak yang bebas. Pemberontakan untuk kebebasan, apa yang lebih indah? Sikap terhadap cita-cita ini dipelihara dalam lirik cinta penyair. Pada pendapat saya, hubungan ini disebabkan oleh masa. Walaupun mereka semua bekerja hampir dalam tempoh yang sama, masa kerja mereka berbeza, peristiwa berkembang dengan kelajuan yang luar biasa. Watak penyair juga banyak mempengaruhi hubungan mereka. Zhukovsky yang tenang dan Lermontov yang memberontak adalah bertentangan sama sekali. Tetapi romantisme Rusia berkembang dengan tepat kerana sifat penyair ini berbeza. Mereka memperkenalkan konsep baru, watak baru, cita-cita baru, memberikan gambaran lengkap tentang apa itu kebebasan, apa itu kehidupan sebenar. Setiap daripada mereka mewakili jalannya sendiri ke arah ideal, ini adalah hak pilihan untuk setiap individu.

Kemunculan romantisme sangat mengganggu. Keperibadian manusia kini berdiri di tengah-tengah seluruh dunia. "Saya" manusia mula ditafsirkan sebagai asas dan makna semua kewujudan. Kehidupan manusia mula dianggap sebagai karya seni, seni. Romantikisme sangat meluas pada abad ke-19. Tetapi tidak semua penyair yang menggelarkan diri mereka romantik menyampaikan intipati aliran ini.

Sekarang, pada penghujung abad ke-20, kita sudah boleh mengklasifikasikan romantik abad yang lalu berdasarkan ini kepada dua kumpulan. Satu dan mungkin kumpulan yang paling luas ialah kumpulan yang menyatukan golongan romantik "formal". Sukar untuk mengesyaki mereka tidak ikhlas, sebaliknya, mereka menyampaikan perasaan mereka dengan sangat tepat. Antaranya ialah Dmitry Venevitinov (1805-1827) dan Alexander Polezhaev (1804-1838). Penyair ini menggunakan bentuk romantis, menganggap ia paling sesuai untuk mencapai matlamat artistik mereka. Jadi, D. Venevitinov menulis:

Saya rasa ia terbakar dalam diri saya

Api suci inspirasi

Tetapi semangat melambung ke arah matlamat yang gelap...

Adakah saya akan menemui tebing yang boleh dipercayai,

Di mana saya boleh berehat kaki saya yang teguh?

Ini adalah puisi romantis biasa. Ia menggunakan perbendaharaan kata romantis tradisional - ini adalah "api inspirasi" dan "semangat yang melonjak". Oleh itu, penyair menggambarkan perasaannya. Tetapi tidak lagi. Penyair terikat dengan kerangka romantisme, "penampilan lisannya". Segala-galanya dipermudahkan kepada beberapa setem.

Wakil-wakil kumpulan romantik lain pada abad ke-19, tentu saja, adalah A.S. Pushkin dan M. Lermontov. Penyair ini, sebaliknya, mengisi bentuk romantis dengan kandungan mereka sendiri. Tempoh romantis dalam kehidupan A. Pushkin adalah pendek, jadi dia mempunyai beberapa karya romantis. "Tawanan Caucasus" (1820-1821) adalah salah satu puisi romantis terawal oleh A.S. Pushkin. Di hadapan kita adalah versi klasik karya romantis. Penulis tidak memberikan kita potret heronya, kita tidak tahu namanya. Dan ini tidak menghairankan - semua wira romantis adalah serupa antara satu sama lain. Mereka masih muda, cantik... dan tidak bahagia. Plot karya itu juga romantis secara klasik. Seorang tahanan Rusia dengan Circassians, seorang wanita Circassian muda jatuh cinta dengannya dan membantunya melarikan diri. Tetapi dia tanpa harapan mencintai yang lain... Puisi itu berakhir dengan tragis - wanita Circassian melemparkan dirinya ke dalam air dan mati, dan orang Rusia, dibebaskan dari kurungan "fizikal", jatuh ke dalam kurungan lain yang lebih menyakitkan - penawanan jiwa. Apa yang kita tahu tentang masa lalu hero?

Jauh menuju ke Rusia...

.....................................

Di mana dia menerima penderitaan yang dahsyat,

Di mana kehidupan sibuk rosak

Harapan, kegembiraan dan keinginan.

Dia datang ke padang rumput untuk mencari kebebasan, cuba melarikan diri dari kehidupan masa lalunya. Dan kini, apabila kebahagiaan kelihatan begitu dekat, dia sekali lagi terpaksa berlari. Tapi mana? Kembali ke dunia di mana dia "menerima penderitaan yang dahsyat."

Pembangkang cahaya, kawan alam,

Dia meninggalkan tanah kelahirannya

Dan terbang ke negeri yang jauh

Dengan hantu kebebasan yang ceria.

Tetapi "hantu kebebasan" kekal hanya hantu. Dia akan sentiasa menghantui hero romantik itu. Satu lagi puisi romantis ialah "Gypsies". Di dalamnya, penulis sekali lagi tidak memberikan pembaca potret wira, kita hanya tahu namanya - Aleko. Dia datang ke kem untuk mengetahui keseronokan sebenar, kebebasan sebenar. Demi dia, dia meninggalkan semua yang mengelilinginya. Adakah dia bebas dan gembira? Nampaknya Aleko suka, tetapi dengan perasaan ini hanya kemalangan dan penghinaan yang datang kepadanya. Aleko, yang sangat mendambakan kebebasan, tidak dapat mengenali kehendak orang lain. Dalam puisi ini, satu lagi ciri ciri pandangan dunia wira romantik itu ditunjukkan - mementingkan diri sendiri dan ketidakserasian sepenuhnya dengan dunia luar. Aleko tidak dihukum mati, tetapi lebih teruk - dengan kesepian dan perdebatan. Dia bersendirian di dunia tempat dia melarikan diri, tetapi di dunia lain, sangat diingini, dia ditinggalkan sendirian lagi.

Sebelum menulis The Prisoner of the Caucasus, Pushkin pernah berkata: "Saya tidak layak menjadi wira puisi romantis"; Walau bagaimanapun, pada masa yang sama, pada tahun 1820, Pushkin menulis puisinya "Cahaya hari padam ...". Di dalamnya anda boleh menemui semua perbendaharaan kata yang wujud dalam romantisme. Ini adalah "pantai terpencil", dan "lautan yang suram", dan "keseronokan dan kerinduan", yang menyeksa penulis. Refrain berjalan sepanjang puisi:

Lambai di bawah saya, lautan yang merajuk.

Ia hadir bukan sahaja dalam perihalan alam semula jadi, tetapi juga dalam perihalan perasaan wira.

... Tetapi hati yang dahulu terluka,

Luka cinta yang mendalam, tiada yang terubat...

Kebisingan, kebisingan, layar yang patuh,

Bimbang di bawahku, lautan yang suram...

Iaitu, alam menjadi satu lagi watak, satu lagi wira lirik pantun. Kemudian, pada tahun 1824, Pushkin menulis puisi "Ke Laut". Wira romantis di dalamnya, seperti dalam "Cahaya hari padam ...", sekali lagi menjadi pengarang sendiri. Di sini Pushkin merujuk kepada laut sebagai simbol kebebasan tradisional. Laut adalah unsur, yang bermaksud kebebasan dan kebahagiaan. Walau bagaimanapun, Pushkin membina puisi ini tanpa diduga:

Awak tunggu, awak panggil... saya dirantai;

Di sini jiwa saya terkoyak:

Terpesona oleh semangat yang kuat,

Saya tinggal di pantai ...

Kita boleh mengatakan bahawa puisi ini melengkapkan tempoh romantis kehidupan Pushkin. Ia ditulis oleh seorang lelaki yang tahu bahawa selepas mencapai kebebasan "fizikal" yang dipanggil, wira romantis itu tidak menjadi gembira.

Di hutan, di padang pasir sunyi

Saya akan memindahkan, penuh dengan awak,

Batumu, telukmu...

Pada masa ini, Pushkin membuat kesimpulan bahawa kebebasan sebenar hanya boleh wujud dalam diri seseorang dan hanya ia boleh membuatnya benar-benar bahagia.

Varian romantisme Byron hidup dan dirasakan dalam karyanya yang pertama dalam budaya Rusia Pushkin, kemudian Lermontov. Pushkin mempunyai hadiah untuk memberi perhatian kepada orang ramai, namun puisi romantis yang paling romantis dalam karya penyair dan penulis prosa yang hebat tidak diragukan lagi adalah The Fountain of Bakhchisarai.

Puisi "The Fountain of Bakhchisaray" masih hanya meneruskan pencarian Pushkin dalam genre puisi romantis. Dan sudah pasti kematian penulis besar Rusia itu menghalangnya.

Tema romantis dalam karya Pushkin menerima dua pilihan yang berbeza: terdapat wira romantis heroik ("tawanan", "perompak", "pelarian"), dibezakan oleh kehendak yang kuat, yang melalui ujian kejam nafsu ganas, dan terdapat wira yang menderita di mana pengalaman emosi yang halus tidak sesuai dengan kekejaman dunia luar ("buangan", "banduan"). Permulaan pasif dalam watak romantis kini memperoleh samaran feminin dalam Pushkin. Air Pancut Bakhchisaray mengembangkan dengan tepat aspek wira romantik ini.

Dalam "Tawanan Caucasus" semua perhatian diberikan kepada "banduan" dan sangat sedikit kepada "Circassian", kini sebaliknya - Khan Girey tidak lebih daripada seorang tokoh yang tidak dramatik, dan sememangnya watak utama adalah seorang wanita, walaupun dua - Zarema dan Maria. Penyelesaian kepada dualitas pahlawan yang terdapat dalam puisi sebelumnya (melalui imej saudara-saudara yang dirantai) juga digunakan oleh Pushkin di sini: permulaan pasif digambarkan dalam menghadapi dua watak - yang cemburu, bersemangat cinta Zarema dan sedih. , hilang harapan dan cinta Mary. Kedua-duanya adalah dua nafsu yang bercanggah yang bersifat romantis: kekecewaan, keputusasaan, keputusasaan dan pada masa yang sama semangat rohani, keamatan perasaan; percanggahan diselesaikan secara tragis dalam puisi - kematian Mary juga tidak membawa kebahagiaan kepada Zarema, kerana mereka dihubungkan oleh hubungan misteri. Jadi dalam The Robber Brothers, kematian salah seorang saudara selama-lamanya membayangi kehidupan yang lain.

Walau bagaimanapun, B.V. Tomashevsky dengan betul menyatakan, "pengasingan lirik puisi itu juga menentukan beberapa kekurangan kandungan ... Kemenangan moral ke atas Zarema tidak membawa kepada kesimpulan dan renungan selanjutnya ... "Tawanan Caucasus" mempunyai kesinambungan yang jelas dalam Kerja Pushkin: kedua-dua Aleko dan Eugene Onegin membenarkan ... soalan yang dikemukakan dalam puisi selatan pertama. "Air Pancut Bakhchisarai" tidak mempunyai kesinambungan seperti itu ... "

Pushkin meraba-raba dan mengenal pasti tempat yang paling terdedah dalam kedudukan romantik seseorang: dia mahukan segala-galanya untuk dirinya sendiri.

Puisi Lermontov "Mtsyri" juga tidak sepenuhnya mencerminkan ciri-ciri romantisisme.

Terdapat dua wira romantik dalam puisi ini, oleh itu, jika ini adalah puisi romantis, maka ia sangat pelik: pertama, wira kedua disampaikan oleh pengarang melalui epigraf; kedua, pengarang tidak berhubung dengan Mtsyri, wira menyelesaikan masalah kemahuan diri dengan caranya sendiri, dan Lermontov sepanjang puisi hanya berfikir tentang menyelesaikan masalah ini. Dia tidak menilai wiranya, tetapi dia juga tidak membenarkannya, tetapi dia mengambil kedudukan tertentu - pemahaman. Ternyata romantisme dalam budaya Rusia berubah menjadi refleksi. Ternyata romantisisme dari segi realisme.

Boleh dikatakan bahawa Pushkin dan Lermontov tidak berjaya menjadi romantis (walaupun Lermontov pernah berjaya mematuhi undang-undang romantis - dalam drama 'Masquerade'). Dengan eksperimen mereka, para penyair menunjukkan bahawa di England kedudukan seorang individu boleh membuahkan hasil, tetapi tidak di Rusia. Walaupun Pushkin dan Lermontov gagal menjadi romantis, mereka membuka jalan untuk perkembangan realisme. Pada tahun 1825, karya realistik pertama diterbitkan: "Boris Godunov", kemudian "The Captain's Daughter", "Eugene Onegin", "A Hero of Our Time" dan banyak lagi.

b) Lukisan

Dalam seni visual, romantisme menjelma paling jelas dalam lukisan dan grafik, kurang ekspresif dalam arca dan seni bina. Pelukis romantis Rusia adalah wakil romantisisme yang terkenal dalam seni visual. Dalam kanvas mereka, mereka menyatakan semangat cintakan kebebasan, tindakan aktif, bersemangat dan temperamental merayu kepada manifestasi humanisme. Kanvas harian pelukis Rusia dibezakan oleh kaitan dan psikologi, ungkapan yang belum pernah terjadi sebelumnya. Landskap kerohanian dan melankolik sekali lagi merupakan percubaan romantis yang sama untuk menembusi dunia manusia, untuk menunjukkan bagaimana seseorang hidup dan bermimpi di dunia sublunar. Lukisan romantik Rusia berbeza daripada asing. Ini ditentukan oleh keadaan sejarah dan tradisi.

Ciri-ciri lukisan romantis Rusia:

Ideologi pencerahan menjadi lemah tetapi tidak runtuh, seperti di Eropah. Oleh itu, romantisisme tidak dinyatakan.

Romantikisme berkembang selari dengan klasikisme, sering berkait dengannya.

Lukisan akademik di Rusia masih belum habis.

Romantikisme di Rusia bukanlah fenomena yang stabil, romantik tertarik kepada akademik. Menjelang pertengahan abad XIX. tradisi percintaan hampir pupus.

Kerja-kerja yang berkaitan dengan romantisme mula muncul di Rusia pada tahun 1790-an (karya Feodosy Yanenko "Pengembara Terperangkap dalam Ribut" (1796), "Potret Diri dalam Topi Keledar" (1792). Prototaip itu jelas di dalamnya - Salvator Rosa, sangat popular pada pergantian abad ke-18 dan ke-19. Kemudian, pengaruh artis proto-romantik ini akan ketara dalam karya Alexander Orlovsky. Perompak, adegan api unggun, pertempuran mengiringi seluruh kerjayanya. Seperti di negara lain , artis yang tergolong dalam romantik Rusia memperkenalkan potret, pemandangan landskap dan genre suasana emosi yang sama sekali baru.

Di Rusia, romantisme mula menjelma pertama kali dalam lukisan potret. Pada sepertiga pertama abad ke-19, sebahagian besarnya, dia terputus hubungan dengan golongan bangsawan berpangkat tinggi. Tempat yang penting mula diduduki oleh potret penyair, artis, pelanggan seni, imej petani biasa. Trend ini amat ketara dalam karya O.A. Kiprensky (1782 - 1836) dan V.A. Tropinin (1776 - 1857).

Vasily Andreevich Tropinin berusaha untuk perwatakan seseorang yang meriah dan santai, yang dinyatakan melalui potretnya. Potret anak lelaki (1818), "Potret A.S. Pushkin" (1827), "Potret diri" (1846) memukau bukan dengan persamaan potret dengan asal, tetapi dengan penembusan halus yang luar biasa ke dalam dunia dalaman seseorang.

Potret seorang anak lelaki- Arsenia Tropinina adalah salah satu yang terbaik dalam kerja tuan. Warna keemasan yang indah dan lembut mengingatkan lukisan valerie pada abad XVIII. Walau bagaimanapun, berbanding dengan potret kanak-kanak tipikal dalam romantisme abad XVIII. di sini reka bentuk yang tidak berat sebelah adalah menarik perhatian - kanak-kanak ini berpose pada tahap yang sangat kecil. Pandangan Arseny meluncur melepasi penonton, dia berpakaian kasual, pintu pagar seperti tercampak secara tidak sengaja. Kekurangan perwakilan adalah dalam pemecahan komposisi yang luar biasa: kepala memenuhi hampir seluruh permukaan kanvas, imej dipotong ke tulang selangka, dan dengan itu wajah budak lelaki itu secara automatik bergerak ke arah penonton.

Sejarah penciptaan yang luar biasa menarik "Potret Pushkin". Seperti biasa, untuk kenalan pertama dengan Pushkin, Tropinin datang ke rumah Sobolevsky di taman permainan anjing, tempat penyair itu tinggal. Artis mendapati dia di pejabatnya bermain-main dengan anak anjing. Pada masa yang sama, nampaknya, ia ditulis mengikut tanggapan pertama, yang sangat dihargai Tropinin, kajian kecil. Untuk masa yang lama dia tidak dapat dilihat oleh pengejarnya. Hanya hampir seratus tahun kemudian, menjelang 1914, ia diterbitkan oleh P.M. Shchekotov, yang menulis bahawa dari semua potret Alexander Sergeevich, dia "kebanyakan menyampaikan ciri-cirinya ... mata biru penyair dipenuhi dengan kecemerlangan istimewa di sini, pusingan kepala cepat, dan ciri-ciri wajah ekspresif dan mudah alih. . Tidak dinafikan, di sini ditangkap ciri-ciri sebenar wajah Pushkin, yang kita temui secara individu dalam satu atau lain potret yang telah diturunkan kepada kita. Ia masih menjadi hairan," tambah Shchekotov, "mengapa lakaran yang menarik ini tidak mendapat perhatian yang sewajarnya daripada penerbit dan ahli penyair." Ini dijelaskan oleh kualiti lakaran kecil itu: tiada kecemerlangan warna, mahupun keindahan sapuan berus, mahupun "bulatan" yang ditulis dengan mahir di dalamnya. Dan Pushkin di sini bukanlah "vitia" yang popular, bukan "genius", tetapi, di atas semua, seorang lelaki. Dan adalah sukar untuk dianalisis mengapa kandungan manusia yang begitu hebat terkandung dalam skala hijau kelabu kelabu, zaitun, secara tergesa-gesa, seolah-olah sapuan rawak dari berus yang hampir tidak jelas kelihatan. Mengingati sepanjang hayat dan potret Pushkin yang seterusnya, kajian ini, dari segi kekuatan kemanusiaan, hanya boleh diletakkan di sebelah sosok Pushkin, yang diukir oleh pengukir Soviet A. Matveev. Tetapi ini bukan tugas yang Tropinin tetapkan sendiri, ini bukan jenis Pushkin yang kawannya mahu lihat, walaupun dia mengarahkan untuk menggambarkan penyair dalam bentuk yang sederhana dan sederhana.

Dalam penilaian artis, Pushkin adalah "penyair tsar". Tetapi dia juga seorang penyair rakyat, dia sendiri dan rapat dengan semua orang. "Persamaan potret dengan yang asal sangat menarik," tulis Polevoy pada penghujungnya, walaupun dia menyatakan kekurangan "kecepatan penglihatan" dan "ekspresi wajah yang meriah," yang mengubah dan menghidupkan semula Pushkin dengan setiap kesan baru .

Dalam potret, segala-galanya difikirkan dan disahkan kepada butiran terkecil, dan pada masa yang sama tidak ada yang disengajakan, tidak ada yang diperkenalkan oleh artis. Malah cincin yang menghiasi jari penyair diserlahkan sehingga Pushkin sendiri mementingkan mereka dalam kehidupan. Di antara pendedahan Tropinin yang indah, potret Pushkin menyerang dengan kehebatan julatnya.

Romantikisme Tropinin telah jelas menyatakan asal-usul sentimentalistik. Tropininlah yang merupakan pengasas genre, potret yang agak ideal seorang lelaki daripada orang ramai ("The Lacemaker" (1823)). "Kedua-dua ahli dan bukan ahli," tulis Svinin tentang "Pembuat renda" -- menjadi kagum apabila melihat gambar ini, yang benar-benar menghubungkan semua keindahan seni bergambar: keseronokan berus, betul, pencahayaan gembira, warna yang jelas, semula jadi, lebih-lebih lagi, potret ini mendedahkan jiwa keindahan dan itu pandangan licik rasa ingin tahu yang dia lemparkan kepada seseorang yang masuk ketika itu. Lengannya, terbuka pada siku, berhenti dengan pandangannya, kerjanya terhenti, keluhan terbang keluar dari payudara dara, ditutup dengan selendang muslin - dan semua ini digambarkan dengan kebenaran dan kesederhanaan sehingga gambar ini boleh disalah anggap dengan mudah. untuk kerja yang paling berjaya dari Impian yang mulia. Barangan sekunder, seperti bantal renda dan tuala, disusun dengan seni yang hebat dan diolah dengan muktamad ... ”

Pada awal abad ke-19, Tver adalah pusat budaya penting Rusia. Semua orang terkemuka Moscow telah berada di sini untuk malam sastera. Di sini, Orest Kiprensky muda bertemu dengan A.S. Pushkin, yang potretnya, dicat kemudian, menjadi mutiara seni potret dunia, dan A.S. Pushkin akan mendedikasikan puisi kepadanya, di mana dia akan memanggilnya "kegemaran fesyen bersayap ringan." Potret Pushkin berus O. Kiprensky adalah personifikasi hidup seorang genius puitis. Dalam pusingan kepala yang tegas, dalam pelukan bersilang kuat di dada, seluruh penampilan penyair mendedahkan rasa kemerdekaan dan kebebasan. Mengenai dia, Pushkin berkata: "Saya melihat diri saya seperti dalam cermin, tetapi cermin ini menyanjung saya." Dalam kerja pada potret Pushkin, Tropinin dan Kiprensky bertemu untuk kali terakhir, walaupun pertemuan ini tidak berlaku secara peribadi, tetapi bertahun-tahun kemudian dalam sejarah seni, di mana, sebagai peraturan, dua potret penyair terbesar Rusia. dibandingkan, dicipta secara serentak, tetapi di tempat yang berbeza - satu di Moscow. Satu lagi di St. Petersburg. Sekarang ini adalah pertemuan tuan yang sama besar dalam kepentingan mereka untuk seni Rusia. Walaupun pengagum Kiprensky mendakwa bahawa kelebihan artistik berada di sisi potret romantisnya, di mana penyair dibentangkan dalam pemikirannya sendiri, bersendirian dengan muse, kewarganegaraan dan demokrasi imej itu pasti berada di sisi Pushkin Tropininsky.

Oleh itu, kedua-dua potret mencerminkan dua bidang seni Rusia, tertumpu di dua ibu kota. Dan kemudian pengkritik akan menulis bahawa Tropinin adalah untuk Moscow seperti Kiprensky untuk St. Petersburg.

Ciri tersendiri potret Kiprensky ialah ia menunjukkan daya tarikan rohani dan kemuliaan dalaman seseorang. Potret seorang wira, berani dan kuat perasaan, sepatutnya menjelmakan kesedihan perasaan cintakan kebebasan dan patriotik orang Rusia yang maju.

di hadapan "Potret E.V. Davydov"(1809) menunjukkan sosok seorang pegawai, yang secara langsung menunjukkan ekspresi kultus keperibadian yang kuat dan berani, yang begitu tipikal untuk romantisme pada tahun-tahun itu. Landskap yang ditunjukkan secara berpecah-belah, di mana sinaran cahaya bergelut dengan kegelapan, membayangkan kebimbangan rohani wira, tetapi pada wajahnya terdapat pantulan sensitiviti yang melamun. Kiprensky sedang mencari "manusia" dalam diri seseorang, dan cita-cita itu tidak mengaburkan sifat peribadi watak model daripadanya.

Potret Kiprensky, jika anda melihatnya dengan mata fikiran anda, tunjukkan kekayaan rohani dan semula jadi seseorang, kekuatan inteleknya. Ya, dia mempunyai cita-cita keperibadian yang harmoni, seperti yang diperkatakan oleh orang sezamannya, tetapi Kiprensky tidak berusaha untuk menonjolkan ideal ini pada imej artistik. Dalam mencipta imej artistik, dia pergi dari alam semula jadi, seolah-olah mengukur sejauh atau dekatnya dengan ideal seperti itu. Sebenarnya, banyak daripada mereka yang digambarkan olehnya berada pada malam yang ideal, diarahkan ke arahnya, manakala ideal itu sendiri, mengikut idea-idea estetika romantis, hampir tidak dapat dicapai, dan semua seni romantis hanyalah jalan ke sana.

Memperhatikan percanggahan dalam jiwa pahlawannya, menunjukkan mereka dalam detik-detik kehidupan yang cemas, apabila nasib berubah, idea-idea lama rosak, pergi belia, dll., Kiprensky nampaknya sedang mengalami bersama dengan modelnya. Oleh itu penglibatan istimewa pelukis potret dalam tafsiran imej artistik, yang memberikan potret sentuhan intim.

Dalam tempoh awal kreativiti di Kiprensky anda tidak akan melihat wajah yang dijangkiti keraguan, analisis yang menghakis jiwa. Ini akan datang kemudian, apabila masa romantis akan bertahan pada musim luruhnya, memberi laluan kepada perasaan dan perasaan lain, apabila harapan untuk kejayaan cita-cita personaliti yang harmoni runtuh. Dalam semua potret tahun 1800-an dan potret yang dilaksanakan di Tver, Kiprensky menunjukkan berus tebal, dengan mudah dan bebas membina borang. Kerumitan teknik, sifat figura berubah dari kerja ke kerja.

Perlu diperhatikan bahawa anda tidak akan melihat kegembiraan heroik pada wajah pahlawannya, sebaliknya, kebanyakan wajah agak sedih, mereka menikmati renungan. Nampaknya orang-orang ini mengambil berat tentang nasib Rusia, mereka memikirkan masa depan lebih daripada masa kini. Dalam imej wanita yang mewakili isteri, saudara perempuan peserta dalam acara penting, Kiprensky juga tidak berusaha untuk kegembiraan heroik yang disengajakan. Perasaan mudah, semula jadi berlaku. Pada masa yang sama, dalam semua potret terdapat begitu banyak keluhuran jiwa yang sebenar. Imej wanita menarik dengan maruah sederhana mereka, integriti alam semula jadi; di wajah lelaki seseorang dapat meneka pemikiran yang ingin tahu, kesediaan untuk pertapaan. Imej-imej ini bertepatan dengan idea-idea etika dan estetik yang matang dari Decembrist. Pemikiran dan aspirasi mereka kemudiannya dikongsi oleh ramai (penciptaan kongsi gelap dengan program sosial dan politik tertentu jatuh pada tempoh 1816-1821), artis itu tahu tentang mereka, dan oleh itu kita boleh mengatakan bahawa potretnya peserta dalam peristiwa 1812-1814, imej petani, dicipta pada tahun yang sama - sejenis seni yang selari dengan konsep Decembrism yang baru muncul.

Meterai terang ideal romantis ditandakan "Potret V.A. Zhukovsky"(1816). Artis, mencipta potret yang ditugaskan oleh S.S. Uvarov, memutuskan untuk menunjukkan orang sezamannya bukan sahaja imej penyair, yang terkenal dalam kalangan sastera, tetapi juga untuk menunjukkan pemahaman tertentu tentang keperibadian penyair romantis. Di hadapan kita adalah sejenis penyair yang menyatakan aliran falsafah dan impian romantisisme Rusia. Kiprensky memperkenalkan Zhukovsky pada saat inspirasi kreatif. Angin telah meraba-raba rambut penyair, pokok-pokok mengganggu dahannya pada waktu malam, runtuhan bangunan purba hampir tidak kelihatan. Beginilah rupa pencipta balada romantik. Warna gelap memburukkan lagi suasana misteri. Atas nasihat Uvarov, Kiprensky tidak menyelesaikan lukisan serpihan individu potret, supaya "kesempurnaan yang berlebihan" tidak memadamkan semangat, perangai, dan emosi.

Banyak potret telah dilukis oleh Kiprensky di Tver. Lebih-lebih lagi, apabila dia melukis Ivan Petrovich Vulf, seorang pemilik tanah dari Tver, dia memandang dengan penuh emosi pada gadis yang berdiri di hadapannya, cucunya, masa depan Anna Petrovna Kern, yang kepadanya salah satu karya lirik yang paling menawan didedikasikan - A.S. Pushkin. puisi "Saya ingat detik indah... Persatuan penyair, artis, pemuzik seperti itu menjadi manifestasi trend baru dalam seni - romantisme.

"Young Gardener" (1817) oleh Kiprensky, "Italian Noon" (1827) oleh Bryullov, "Reapers" atau "Reaper" (1820s) oleh Venetsianov ialah karya daripada siri tipologi yang sama. Ia tertumpu pada alam semula jadi dan ditulis dengan jelas menggunakan Walau bagaimanapun, tugas setiap artis - untuk mewujudkan kesempurnaan estetik sifat sederhana - membawa kepada idealisasi penampilan, pakaian, situasi tertentu demi mencipta metafora imej. Memerhati kehidupan, alam semula jadi, artis memikirkannya semula , menyajak yang boleh dilihat. Dalam gabungan alam semula jadi dan imaginasi yang kualitatif baru ini dengan pengalaman sarjana purba dan Renaissance, menimbulkan imej yang tidak diketahui seni sebelum ini, dan merupakan salah satu ciri romantisme pada separuh pertama abad ke-19. Sifat metafora, secara amnya ciri-ciri karya Venetsianov dan Bryullov ini, adalah salah satu ciri yang paling penting dalam romantis apabila artis Rusia masih kurang mengenali potret romantis Eropah Barat. "Potret seorang bapa (A. K. Schwalbe)"(1804) telah ditulis oleh Orest Kiprensky seni dan genre potret khususnya.

Pencapaian romantisisme Rusia yang paling ketara adalah karya dalam genre potret. Contoh paling terang dan terbaik Romantikisme adalah dari zaman awal. Jauh sebelum perjalanannya ke Itali, pada tahun 1816, Kiprensky, secara dalaman bersedia untuk penjelmaan romantis, melihat dengan mata baru lukisan-lukisan tuan lama. Warna gelap, angka yang diserlahkan oleh cahaya, warna yang menyala, dramaturgi yang sengit mempunyai kesan yang kuat kepadanya. "Potret Seorang Bapa" sudah pasti dicipta di bawah tanggapan Rembrandt. Tetapi artis Rusia hanya mengambil teknik luaran dari orang Belanda yang hebat. "Potret Seorang Bapa" ialah karya yang benar-benar bebas, mempunyai tenaga dalaman dan kuasa ekspresi artistiknya sendiri. Ciri tersendiri potret landskap ialah kemeriahan persembahan mereka. Tiada keindahan di sini - pemindahan serta-merta apa yang dilihatnya ke kertas mencipta kesegaran unik ekspresi grafik. Oleh itu, orang yang digambarkan dalam lukisan kelihatan rapat dan mudah difahami oleh kami.

Orang asing yang dipanggil Kiprensky the Russian Van Dyck, potretnya terdapat di banyak muzium di seluruh dunia. Pengganti karya Levitsky dan Borovikovsky, pendahulu L. Ivanov dan K. Bryullov, Kiprensky, dengan karyanya, memberikan sekolah seni Rusia kemasyhuran Eropah. Dalam kata-kata Alexander Ivanov, "dia adalah orang pertama yang membawa nama Rusia ke Eropah ...".

Peningkatan minat dalam keperibadian seseorang, ciri romantisme, telah menentukan pembungaan genre potret pada separuh pertama abad ke-19, di mana potret diri menjadi ciri dominan. Sebagai peraturan, penciptaan potret diri bukanlah episod rawak. Seniman berulang kali menulis dan melukis diri mereka sendiri, dan karya-karya ini menjadi sejenis diari yang mencerminkan pelbagai keadaan minda dan peringkat kehidupan, dan pada masa yang sama ia adalah manifesto yang ditujukan kepada orang sezaman. potret diri bukan genre tersuai, artis itu menulis untuk dirinya sendiri, dan di sini, tidak pernah sebelum ini, dia menjadi bebas dalam ekspresi diri. Pada abad ke-18, artis Rusia jarang melukis imej asli, hanya romantisme, dengan pemujaan individu, yang luar biasa, menyumbang kepada kebangkitan genre ini. Kepelbagaian jenis potret diri mencerminkan persepsi artis terhadap diri mereka sebagai personaliti yang kaya dan pelbagai rupa. Mereka sama ada muncul dalam peranan pencipta yang biasa dan semula jadi (“Potret diri dalam beret baldu” oleh A. G. Varnek, 1810-an), kemudian mereka terjun ke masa lalu, seolah-olah mencubanya sendiri (“Potret diri dalam topi keledar dan perisai” oleh F. I. Yanenko , 1792), atau, paling kerap, muncul tanpa sebarang sifat profesional, menegaskan kepentingan dan nilai diri setiap orang, dibebaskan dan terbuka kepada dunia, mencari dan bergegas, seperti, sebagai contoh, F. A. Bruni dan O. A. Orlovsky dalam potret diri 1810-an. Kesediaan untuk dialog dan keterbukaan, ciri penyelesaian kiasan karya-karya 1810-1820-an, secara beransur-ansur digantikan oleh keletihan dan kekecewaan, rendaman, penarikan diri ke dalam diri sendiri ("Potret diri" oleh M. I. Terebenev). Trend ini dicerminkan dalam perkembangan genre potret secara keseluruhan.

Potret diri Kiprensky muncul, yang perlu diperhatikan, pada saat-saat kritikal kehidupan, mereka memberi kesaksian tentang kebangkitan atau kejatuhan kekuatan mental. Melalui seninya, artis itu melihat dirinya sendiri. Walau bagaimanapun, dia tidak menggunakan, seperti kebanyakan pelukis, cermin; dia melukis dirinya terutamanya mengikut ideanya, dia ingin menyatakan semangatnya, tetapi bukan penampilannya.

“Potret diri dengan berus di belakang telinga” dibina atas keengganan, dan yang jelas menunjukkan, dalam pemuliaan luaran imej, normativiti klasik dan pembinaan yang ideal. Ciri-ciri wajah digariskan lebih kurang, secara umum. Cahaya sisi jatuh pada muka, menyerlahkan hanya ciri sampingan. Pantulan cahaya yang berasingan jatuh pada sosok artis, dipadamkan pada langsir yang hampir tidak kelihatan, mewakili latar belakang potret. Segala-galanya di sini adalah tertakluk kepada ekspresi kehidupan, perasaan, perasaan. Ini adalah melihat seni romantik melalui seni potret diri. Penglibatan artis dalam rahsia kreativiti dinyatakan dalam misteri romantis "sfumato abad ke-19". Nada kehijauan yang pelik mencipta suasana istimewa dunia seni, di tengah-tengahnya adalah artis itu sendiri.

Hampir serentak dengan potret diri ini, dan ditulis “Potret diri dalam selendang merah jambu”, di mana imej lain dijelmakan. Tanpa petunjuk langsung tentang profesion seorang pelukis. Imej seorang lelaki muda dicipta semula, berasa tenang, secara semula jadi, bebas. Permukaan bergambar kanvas dibina dengan halus. Berus artis dengan yakin menggunakan cat. Meninggalkan pukulan besar dan kecil. Pewarnaan dibangunkan dengan hebat, warna-warna tidak cerah, mereka digabungkan secara harmoni antara satu sama lain, pencahayaannya tenang: cahaya perlahan-lahan mencurah ke wajah lelaki muda itu, menggariskan ciri-cirinya, tanpa ekspresi dan ubah bentuk yang tidak perlu.

Seorang lagi pelukis cemerlang ialah Venetsianov. Pada tahun 1811, beliau menerima gelaran ahli akademik dari Akademi, dilantik untuk "Potret diri" dan "Potret K.I. Golovachevsky dengan tiga murid Akademi Seni." Ini adalah karya yang luar biasa.

Venetsianov mengisytiharkan dirinya sebagai penguasaan sebenar dalam "Potret diri" 1811. Ia ditulis secara berbeza daripada artis lain yang melukis diri mereka pada masa itu - A. Orlovsky, O. Kiprensky, E. Varnek dan juga budak V. Tropinin. Ia adalah perkara biasa bagi mereka semua untuk membayangkan diri mereka dalam halo romantis, potret diri mereka adalah sejenis konfrontasi puitis berhubung dengan persekitaran. Eksklusiviti sifat artistik ditunjukkan dalam pose, gerak isyarat, dalam kehebatan kostum yang dicipta khas. Dalam "Potret diri" oleh Venetsianov, para penyelidik mencatat, pertama sekali, ekspresi ketat dan sengit orang yang sibuk ... Kecekapan yang betul, yang berbeza daripada "kecuaian artistik" yang megah itu, yang ditunjukkan oleh gaun berpakaian atau coquettishly bertukar topi artis lain. Venitsianov memandang dirinya dengan tenang. Seni baginya bukanlah dorongan yang diilhamkan, tetapi di atas semua perkara yang memerlukan tumpuan dan perhatian. Bersaiz kecil, hampir monokrom dalam pewarnaan ton zaitun, ditulis dengan sangat tepat, ia ringkas dan kompleks pada masa yang sama. Tidak menarik dengan bahagian luar lukisan itu, dia berhenti dengan pandangannya. Rim nipis yang ideal dari bingkai emas nipis cermin mata tidak bersembunyi, tetapi lebih menekankan ketajaman mata yang tajam, tidak begitu tertumpu pada alam semula jadi (artis menggambarkan dirinya dengan palet dan berus di tangannya), tetapi dalam kedalaman pemikirannya sendiri. Dahi lebar yang besar, bahagian kanan muka, diterangi oleh cahaya langsung, dan bahagian depan baju putih membentuk segi tiga ringan, pertama sekali menarik mata penonton, yang pada saat berikutnya, mengikuti pergerakan kanan. tangan memegang berus nipis, meluncur turun ke palet. Helaian rambut bergelombang, bingkai berkilat, tali leher yang longgar di kolar, garis bahu yang lembut dan, akhirnya, separuh bulatan palet yang luas membentuk sistem bergerak garisan licin dan mengalir, di dalamnya terdapat tiga titik utama : silau kecil murid, dan hujung tajam di hadapan baju, hampir ditutup dengan palet dan berus. Pengiraan hampir matematik sedemikian dalam pembinaan komposisi potret memberikan imej ketenangan dalaman separa dan memberi alasan untuk menganggap bahawa pengarang mempunyai minda analitikal, terdedah kepada pemikiran saintifik. Dalam "Potret diri" tidak ada kesan romantisme, yang kemudiannya begitu kerap dalam penggambaran artis itu sendiri. Ini adalah potret diri seorang pengkaji artis, pemikir artis dan pekerja keras.

Kerja lain - potret Golovachevsky- diilhamkan sebagai sejenis komposisi plot: generasi lama tuan Akademi dalam diri pemeriksa lama memberi arahan kepada bakat yang semakin meningkat: pelukis (dengan folder lukisan. Arkitek dan pengukir. Tetapi Venetsianov tidak membenarkan walaupun bayangan apa-apa kepalsuan atau didaktisisme dalam gambar ini: lelaki tua yang baik Golovachevsky mesra menafsirkan kepada remaja beberapa halaman yang dibaca dalam sebuah buku. Keikhlasan ekspresi mendapat sokongan dalam struktur gambar yang indah: yang tenang, halus dan indah harmoni ton berwarna-warni mewujudkan kesan kedamaian dan kesungguhan. Wajah-wajah dilukis dengan indah, penuh dengan kepentingan dalaman. Potret itu adalah salah satu pencapaian tertinggi lukisan potret Rusia.

Dan dalam karya Orlovsky pada tahun 1800-an, karya potret muncul, kebanyakannya dalam bentuk lukisan. Menjelang 1809, helaian potret penuh emosi seperti "Potret diri". Dilaksanakan dengan sapuan segar segar dan arang (dengan penyerlahan kapur), "Potret diri" Orlovsky menarik dengan integriti artistik, pencirian imej dan kesenian pelaksanaannya. Pada masa yang sama, ia membolehkan seseorang untuk membezakan beberapa aspek pelik seni Orlovsky. "Potret diri" Orlovsky, tentu saja, tidak bertujuan untuk menghasilkan semula penampilan tipikal artis tahun-tahun itu dengan tepat. Sebelum kita - dalam banyak aspek sengaja. Penampilan "artis" yang dibesar-besarkan, menentang "Saya" sendiri dengan realiti sekeliling, dia tidak mengambil berat tentang "kesopanan" penampilannya: sikat dan berus tidak menyentuh rambutnya yang subur, di bahunya adalah tepi baju hujan berkotak-kotak tepat di atas baju rumah dengan kolar terbuka. Pusingan tajam kepala dengan pandangan "suram" dari bawah kening yang beralih, potongan potret yang rapat, di mana wajah digambarkan dari dekat, kontras cahaya - semua ini bertujuan untuk mencapai kesan utama menentang orang yang digambarkan kepada persekitaran (dan dengan itu kepada penonton).

Kesakitan untuk menegaskan keperibadian - salah satu ciri paling progresif dalam seni pada masa itu - membentuk nada ideologi dan emosi utama potret, tetapi muncul dalam aspek pelik yang hampir tidak pernah ditemui dalam seni Rusia pada zaman itu. Penegasan keperibadian tidak begitu banyak dengan mendedahkan kekayaan dunia dalamannya, tetapi dengan cara yang lebih luaran untuk menolak segala yang ada di sekelilingnya. Imej pada masa yang sama, sudah tentu, kelihatan habis, terhad.

Penyelesaian sedemikian sukar ditemui dalam seni potret Rusia pada masa itu, di mana sudah pada pertengahan abad ke-18 motif sivik dan kemanusiaan terdengar kuat dan keperibadian orang itu tidak pernah memutuskan hubungan yang kuat dengan alam sekitar. Memimpikan tatanan sosial yang lebih baik dan demokratik, rakyat terbaik Rusia pada zaman itu sama sekali tidak terlepas daripada realiti, mereka secara sedar menolak kultus individualistik "kebebasan peribadi" yang berkembang di bumi Eropah Barat, yang dilonggarkan oleh revolusi borjuasi . Ini jelas ditunjukkan sebagai cerminan faktor sebenar dalam seni potret Rusia. Kita hanya perlu membandingkan "Potret diri" Orlovsky dengan yang serentak "Potret diri" Kiprensky (contohnya, 1809), supaya perbezaan dalaman yang serius antara dua pelukis potret segera menarik perhatian.

Kiprensky juga "heroik" keperibadian seseorang, tetapi dia menunjukkan nilai dalaman yang sebenar. Di hadapan artis, penonton membezakan ciri-ciri minda yang kuat, watak, kesucian moral.

Keseluruhan penampilan Kiprensky diliputi oleh bangsawan dan kemanusiaan yang menakjubkan. Dia dapat membezakan antara "baik" dan "jahat" di dunia sekeliling dan, menolak yang kedua, mencintai dan menghargai yang pertama, mengasihi dan menghargai orang yang berfikiran sama. Pada masa yang sama, kita ada di hadapan kita, sudah pasti, keperibadian yang kuat, bangga dengan kesedaran nilai kualiti peribadinya. Konsep imej potret yang sama mendasari potret heroik terkenal D. Davydov oleh Kiprensky.

Orlovsky, berbanding dengan Kiprensky, serta beberapa pelukis potret Rusia yang lain pada masa itu, lebih terhad, lebih lugas dan luaran menyelesaikan imej "personaliti yang kuat", sambil dengan jelas memfokuskan pada seni borjuasi Perancis. Apabila anda melihat "Potret diri" beliau, potret A. Gro, Gericault secara tidak sengaja terlintas di fikiran. Profil Orlovsky "Potret diri" tahun 1810, dengan pemujaan "kekuatan dalaman" individualistiknya, bagaimanapun, sudah tidak mempunyai bentuk "lakaran" tajam "Potret diri" 1809 atau "Potret Duport". Dalam yang terakhir, Orlovsky, seperti dalam Potret Diri, menggunakan pose "heroik" yang menakjubkan dengan pergerakan kepala dan bahu yang tajam dan hampir bersilang. Dia menekankan struktur wajah Duport yang tidak teratur, rambutnya yang serabai, dengan tujuan untuk mencipta imej potret yang berdikari dalam watak rawaknya yang unik.

"Lanskap haruslah potret," tulis K. N. Batyushkov. Kebanyakan artis yang beralih kepada genre mematuhi tetapan ini dalam kerja mereka. landskap. Antara pengecualian yang jelas, tertarik ke arah landskap yang hebat, ialah A. O. Orlovsky ("Sea View", 1809); A. G. Varnek ("Pemandangan di sekitar Rom", 1809); P. V. Basin ("Langit di Matahari Terbenam di Pinggir Rom", "Lanskap Petang", kedua-duanya - 1820-an). Mencipta jenis tertentu, mereka mengekalkan kedekatan sensasi, kekayaan emosi, mencapai bunyi monumental dengan teknik gubahan.

Orlrovsky muda melihat dalam alam semula jadi hanya kuasa raksasa, tidak tertakluk kepada kehendak manusia, yang mampu menyebabkan malapetaka, bencana. Perjuangan seorang lelaki dengan unsur laut yang mengamuk adalah salah satu tema kegemaran artis zaman romantiknya yang "memberontak". Ia menjadi kandungan lukisan, cat air dan lukisan minyaknya pada 1809-1810. adegan tragis ditunjukkan dalam gambar "Kapal karam"(1809(?)). Dalam gelap gulita yang telah jatuh ke tanah, di antara ombak yang mengamuk, nelayan yang lemas terkapai-kapai memanjat batu-batu pantai di mana kapal mereka terhempas. Berkekalan dalam rona merah yang teruk, warna itu meningkatkan rasa kebimbangan. Mengerikan adalah serbuan ombak yang kuat, membayangkan ribut, dan dalam gambar lain - “Di tepi laut”(1809). Ia juga memainkan peranan emosi yang besar di langit yang bergelora, yang menduduki kebanyakan komposisi. Walaupun Orlovsky tidak menguasai seni perspektif udara, peralihan pelan secara beransur-ansur diselesaikan di sini dengan lebih harmoni dan lembut. Warna telah menjadi lebih cerah. Cantik bermain di latar belakang coklat kemerah-merahan, bintik-bintik merah pakaian para nelayan. Unsur laut resah dan cemas dalam cat air "Perahu layar"(c.1812). Dan walaupun angin tidak menggoncang layar dan tidak bergelora permukaan air, seperti dalam cat air “Pemandangan laut dengan kapal”(c. 1810), penonton tidak meninggalkan firasat bahawa badai akan mengikuti ketenangan.

Dengan semua drama dan emosi perasaan, pemandangan laut Orlovsky bukanlah buah pemerhatian fenomena atmosfera, tetapi hasil tiruan langsung seni klasik. Khususnya, J. Vernet.

Landskap S. F. Shchedrin mempunyai watak yang berbeza. Mereka dipenuhi dengan keharmonian kewujudan bersama manusia dan alam semula jadi ("Teres di tepi pantai. Cappuccini berhampiran Sorrento", 1827). Banyak pemandangan Naples dan persekitaran berusnya menikmati kejayaan dan populariti yang luar biasa.

Penciptaan imej romantis St. Petersburg dalam lukisan Rusia dikaitkan dengan karya M. N. Vorobyov. Pada kanvasnya, bandar itu kelihatan diselubungi kabus misteri St. Petersburg, jerebu lembut malam putih dan suasana tepu dengan kelembapan laut, di mana kontur bangunan dipadamkan, dan cahaya bulan melengkapkan sakramen. Permulaan lirik yang sama membezakan pandangan persekitaran St. Petersburg yang dilakukan olehnya ("Sunset in the Outskirts of St. Petersburg", 1832). Tetapi ibu kota utara juga dilihat oleh artis dalam nada yang berbeza dan dramatik, sebagai arena untuk perlanggaran dan perjuangan unsur-unsur semula jadi (V. E. Raev, Alexander Column semasa Ribut Petir, 1834).

Lukisan-lukisan cemerlang I. K. Aivazovsky dengan jelas merangkumi cita-cita romantis mabuk dengan perjuangan dan kuasa kuasa semula jadi, stamina semangat manusia dan keupayaan untuk berjuang hingga akhir. Walau bagaimanapun, tempat yang besar dalam warisan tuan diduduki oleh pemandangan laut malam yang didedikasikan untuk tempat-tempat tertentu di mana ribut memberi laluan kepada keajaiban malam, masa yang, menurut pandangan orang romantis, dipenuhi dengan kehidupan dalaman yang misterius, dan di mana pencarian bergambar artis ditujukan ke arah mengekstrak kesan pencahayaan yang luar biasa ( "Pemandangan Odessa pada malam cahaya bulan", "Pemandangan Constantinople dalam cahaya bulan", kedua-duanya - 1846).

Tema unsur semula jadi dan seorang lelaki yang terkejut, tema kegemaran seni romantik, ditafsir secara berbeza oleh artis tahun 1800-1850-an. Karya-karya itu berdasarkan peristiwa sebenar, tetapi makna imej tidak dalam penceritaan semula objektifnya. Contoh biasa ialah lukisan oleh Pyotr Basin "Gempa bumi di Rocca di Papa dekat Rom"(1830). Ia tidak menumpukan kepada perihalan peristiwa tertentu seperti gambaran ketakutan dan kengerian seseorang yang berhadapan dengan manifestasi unsur-unsur.

Tokoh-tokoh lukisan Rusia era ini ialah K.P. Bryullov (1799-1852) dan A.A. Ivanov (1806 - 1858). Pelukis dan pelukis Rusia K.P. Bryullov, semasa masih pelajar Akademi Seni, menguasai kemahiran lukisan yang tiada tandingannya. Karya Bryullov biasanya dibahagikan kepada sebelum "Hari Terakhir Pompeii" dan selepas. Apa yang dicipta sebelum ini....?!

"Pagi Itali" (1823), "Ermilia dengan Gembala" (1824) berdasarkan puisi oleh Torquatto Tasso "The Liberation of Jerusalem", "Italian Noon" ("Wanita Itali Menuai Anggur", 1827), "Wanita Kuda" ( 1830), "Bathsheba" (1832) - semua lukisan ini dipenuhi dengan kegembiraan hidup yang terang dan tidak terselindung. Kerja-kerja sedemikian selaras dengan puisi epikurean awal Pushkin, Batyushkov, Vyazemsky, Delvig. Cara lama, berdasarkan tiruan tuan besar, tidak memuaskan Bryullov, dan dia menulis "Pagi Itali", "Siang Itali", "Bathsheba" di udara terbuka.

Semasa mengerjakan potret itu, Bryullov hanya melukis kepala dari alam semula jadi. Segala-galanya sering ditentukan kepadanya oleh imaginasinya. Hasil daripada penambahbaikan kreatif percuma itu ialah "Penunggang". Perkara utama dalam potret adalah kontras haiwan yang dipanaskan, melonjak dengan hidung bengkak dan mata berkilauan dan penunggang kuda yang anggun dengan tenang menahan tenaga kuda yang gila (menjinakkan haiwan adalah tema kegemaran pengukir klasik, Bryullov menyelesaikannya dalam lukisan) .

DALAM "Bathsheba" artis menggunakan cerita alkitabiah sebagai alasan untuk menunjukkan tubuh telanjang di udara terbuka dan menyampaikan permainan cahaya dan refleks pada kulit cerah. Dalam "Bathsheba" dia mencipta imej seorang wanita muda, penuh kegembiraan dan kebahagiaan. Tubuh telanjang bersinar dan bersinar dikelilingi oleh sayur-sayuran zaitun, pakaian ceri, takungan lutsinar. Bentuk badan yang anjal lembut digabungkan dengan kain pemutih dan warna coklat wanita Arab yang menghidangkan Bathsheba. Garisan badan, kolam, dan fabrik yang mengalir memberikan komposisi gambar dengan irama yang lancar.

Lukisan telah menjadi perkataan baru dalam lukisan "Hari terakhir Pompeii"(1827-1833). Dia menjadikan nama artis itu abadi dan sangat terkenal semasa hayatnya.

Plotnya, nampaknya, dipilih di bawah pengaruh saudaranya Alexander, yang secara intensif mengkaji runtuhan Pompeian. Tetapi alasan untuk menulis gambar itu lebih mendalam. Gogol menyedari ini, dan Herzen mengatakan secara langsung bahawa dalam Hari Terakhir Pompeii mereka mendapati tempat mereka, mungkin, refleksi tidak sedar tentang pemikiran dan perasaan artis, yang disebabkan oleh kekalahan pemberontakan Decembrist di Rusia. Bukan tanpa sebab, di kalangan mangsa unsur-unsur yang mengamuk di Pompeii yang hampir mati, Bryullov meletakkan potret dirinya dan memberikan ciri kenalan Rusianya kepada watak lain dalam gambar itu.

Rombongan Itali Bryullov juga memainkan peranan, yang boleh memberitahunya tentang ribut revolusioner yang melanda tanah Itali pada tahun-tahun sebelumnya, tentang nasib menyedihkan Carbonari selama bertahun-tahun reaksi.

Gambaran hebat kematian Pompeii dipenuhi dengan semangat historisisme, ia menunjukkan perubahan satu era sejarah ke era sejarah yang lain, penindasan paganisme kuno dan permulaan kepercayaan Kristian yang baru.

Seniman melihat perjalanan sejarah secara dramatik, perubahan era sebagai kejutan kepada manusia. Di tengah-tengah komposisi, seorang wanita yang jatuh dari kereta kuda dan dihempas hingga mati mempersonifikasikan, nampaknya, kematian dunia purba. Tetapi berhampiran mayat ibu, artis meletakkan bayi yang masih hidup. Menggambarkan kanak-kanak dan ibu bapa, seorang lelaki muda dan seorang ibu tua, anak-anak lelaki dan bapa yang uzur, artis itu menunjukkan generasi lama memudar ke dalam sejarah dan generasi baru akan menggantikan mereka. Kelahiran era baru di atas runtuhan dunia lama yang runtuh adalah tema sebenar lukisan Bryullov. Apa sahaja perubahan yang dibawa oleh sejarah, kewujudan manusia tidak berhenti, dan kehausannya untuk hidup tetap tidak pudar. Ini adalah idea utama di sebalik Hari Terakhir Pompeii. Gambar ini adalah pujian kepada keindahan manusia, yang kekal abadi dalam semua kitaran sejarah.

Kanvas itu dipamerkan pada tahun 1833 di Pameran Seni Milan, ia menyebabkan tindak balas yang bersemangat. Itali yang lapuk telah ditakluki. Pelajar Bryullov G. G. Gagarin memberi keterangan: “Kerja hebat ini membangkitkan semangat yang tidak terhingga di Itali. Bandar-bandar di mana lukisan itu dipamerkan mengatur resepsi khidmat untuk artis, puisi didedikasikan kepadanya, dia dibawa melalui jalan-jalan dengan muzik, bunga dan obor ... Di mana-mana dia diterima dengan penghormatan sebagai seorang jenius yang terkenal dan berjaya, difahami dan dihargai oleh semua orang.

Penulis Inggeris Walter Scott (wakil kesusasteraan romantis, terkenal dengan novel sejarahnya) menghabiskan satu jam di studio Bryullov, di mana dia mengatakan bahawa ini bukan gambar, tetapi keseluruhan puisi. Akademi seni Milan, Florence, Bologna dan Parma memilih pelukis Rusia sebagai ahli kehormat mereka.

Kanvas Bryullov membangkitkan respons bersemangat daripada Pushkin dan Gogol.

Vesuvius zev terbuka - asap menyembur dalam nyalaan kayu

Dibangunkan secara meluas seperti sepanduk pertempuran.

Bumi bimbang - dari lajur yang mengejutkan

Berhala jatuh!..

Pushkin menulis di bawah kesan lukisan itu.

Bermula dengan Bryullov, titik perubahan dalam sejarah telah menjadi subjek utama lukisan sejarah Rusia, menggambarkan adegan rakyat yang megah, di mana setiap orang adalah peserta dalam drama sejarah, di mana tidak ada utama dan menengah.

"Pompeii" tergolong, secara umum, kepada klasikisme. Artis dengan mahir mendedahkan keplastikan tubuh manusia pada kanvas. Semua pergerakan rohani orang dihantar oleh Bryullov, terutamanya dalam bahasa keplastikan. Angka yang berasingan, diberikan dalam pergerakan ribut, dikumpulkan dalam kumpulan yang seimbang dan beku. Kilatan cahaya menekankan bentuk badan dan tidak menghasilkan kesan bergambar yang kuat. Walau bagaimanapun, komposisi lukisan itu, yang mempunyai terobosan yang kuat di tengah secara mendalam, menggambarkan peristiwa luar biasa dalam kehidupan Pompeii, diilhamkan oleh romantisme.

Romantikisme sebagai pandangan dunia wujud di Rusia dalam gelombang pertama dari akhir abad ke-18 hingga 1850-an. Garis romantis dalam seni Rusia tidak berhenti pada tahun 1850-an. Tema keadaan makhluk, yang ditemui oleh Romantik untuk seni, kemudiannya dibangunkan oleh artis Blue Rose. Pewaris langsung Romantik tidak diragukan lagi adalah Simbolis. Tema romantis, motif, peranti ekspresif memasuki seni gaya yang berbeza, arah, persatuan kreatif. Pandangan dunia atau pandangan dunia yang romantis ternyata menjadi salah satu yang paling meriah, tabah, membuahkan hasil.

Romantisisme sebagai sikap umum, ciri terutamanya orang muda, sebagai keinginan untuk kebebasan yang ideal dan kreatif, masih terus hidup dalam seni dunia.

c) Muzik

Romantik dalam bentuk yang paling murni adalah fenomena seni Eropah Barat. Muzik Rusia abad ke-19. dari Glinka hingga Tchaikovsky, ciri-ciri klasikisme digabungkan dengan ciri romantisisme, unsur utama adalah prinsip kebangsaan yang terang dan asli. Romantikisme di Rusia memberikan peningkatan yang tidak dijangka apabila trend ini seolah-olah menjadi perkara yang sudah berlalu. Dua komposer abad ke-20, Scriabin dan Rachmaninov, membangkitkan ciri-ciri romantisisme seperti penerbangan fantasi yang tidak terkawal dan kemerduan lirik. Oleh itu, abad ke-19 dipanggil zaman muzik klasik.

Masa (1812, pemberontakan Decembrist, reaksi yang diikuti) meninggalkan kesannya pada muzik. Apa sahaja genre yang kita ambil - percintaan, opera, balet, muzik bilik - di mana-mana komposer Rusia telah menyebut perkataan baharu mereka.

Muzik Rusia, dengan semua keanggunan salunnya dan pematuhan ketat kepada tradisi penulisan instrumental profesional, termasuk penulisan sonata-simfoni, adalah berdasarkan pewarnaan ragam unik dan struktur berirama cerita rakyat Rusia. Ada yang bergantung secara meluas pada lagu harian, yang lain pada bentuk asli pembuatan muzik, dan yang lain lagi pada modaliti kuno mod petani Rusia kuno.

Awal abad ke-19 - ini adalah tahun-tahun berbunga pertama dan terang dalam genre percintaan. Lirik ikhlas yang sederhana masih kedengaran dan menggembirakan pendengar. Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851). Dia menulis roman kepada ayat-ayat banyak penyair, tetapi yang abadi "Nightingale" kepada ayat-ayat Delvig, "Jalan musim sejuk", "Saya sayang awak" pada puisi Pushkin.

Alexander Egorovich Varlamov (1801-1848) menulis muzik untuk persembahan dramatik, tetapi kami lebih mengenalinya daripada percintaan terkenal "Pakaian matahari merah", "Jangan kejutkan saya pada waktu subuh", "Satu layar menjadi putih".

Alexander Lvovich Gurilev (1803-1858)- komposer, pemain piano, pemain biola dan guru, dia memiliki percintaan seperti "Loceng berbunyi membosankan", "Pada fajar pemuda berkabus" dan lain-lain.

Tempat yang paling menonjol di sini diduduki oleh percintaan Glinka. Tidak ada orang lain yang mencapai gabungan semula jadi muzik dengan puisi Pushkin, Zhukovsky.

Mikhail Ivanovich Glinka (1804-1857)- kontemporari Pushkin (5 tahun lebih muda daripada Alexander Sergeevich), klasik kesusasteraan Rusia, menjadi pengasas klasik muzik. Karya beliau adalah salah satu puncak budaya muzik Rusia dan dunia. Ia secara harmoni menggabungkan kekayaan muzik rakyat dan pencapaian tertinggi kemahiran komposer. Karya realistik rakyat Glinka yang mendalam mencerminkan pembungaan budaya Rusia yang kuat pada separuh pertama abad ke-19, yang dikaitkan dengan Perang Patriotik 1812 dan pergerakan Decembrist. Perwatakan yang ringan, meneguhkan kehidupan, keharmonian bentuk, keindahan melodi yang ekspresif dan merdu, kepelbagaian, kecemerlangan dan kehalusan harmoni adalah kualiti muzik Glinka yang paling berharga. Di opera terkenal "Ivan Susanin"(1836) menerima ungkapan cemerlang idea patriotisme popular; Kehebatan moral rakyat Rusia juga dimuliakan dalam opera dongeng " Ruslan dan Ludmila". Karya orkestra oleh Glinka: “Fantasi Waltz”, “Malam di Madrid” dan terutamanya "Kamarinskaya", membentuk asas simfonisme klasik Rusia. Luar biasa dari segi kuasa ekspresi dramatik dan kecerahan ciri-ciri muzik untuk tragedi itu "Putera Kholmsky". Lirik vokal Glinka (percintaan “Saya masih ingat detik indah”, “Ragu-ragu”) adalah penjelmaan puisi Rusia yang tiada tandingannya dalam muzik.

6. ROMANTISME EROPAH BARAT

sebuah lukisan

Jika Perancis adalah nenek moyang klasikisme, maka "untuk mencari akar ... sekolah romantis," tulis salah seorang sezamannya, "kita harus pergi ke Jerman. Dia dilahirkan di sana, dan di sana romantik Itali dan Perancis moden membentuk citarasa mereka.

berpecah belah Jerman tidak mengetahui kebangkitan revolusioner. Ramai orang romantik Jerman asing dengan penderitaan idea sosial yang maju. Mereka idealkan Zaman Pertengahan. Mereka menyerah kepada dorongan rohani yang tidak dapat dipertanggungjawabkan, bercakap tentang pengabaian kehidupan manusia. Seni kebanyakan mereka adalah pasif dan kontemplatif. Mereka mencipta karya terbaik mereka dalam bidang lukisan potret dan landskap.

Seorang pelukis potret yang cemerlang ialah Otto Runge (1777-1810). Potret tuan ini, dengan ketenangan lahiriah, memukau dengan kehidupan dalaman yang sengit dan sengit.

Imej penyair romantis dilihat oleh Runge dalam "Potret diri". Dia memeriksa dirinya dengan teliti dan melihat seorang lelaki muda berambut gelap, bermata gelap, serius, penuh tenaga, pemikir, introspektif dan kuat semangat. Artis romantik ingin mengenali dirinya. Cara pelaksanaan potret adalah pantas dan menyapu, seolah-olah tenaga rohani pencipta harus disampaikan sudah dalam tekstur karya; dalam julat berwarna-warni gelap, kontras terang dan gelap muncul. Kontras ialah teknik bergambar ciri master romantik.

Untuk menangkap permainan mood seseorang yang berubah-ubah, untuk melihat ke dalam jiwanya, seorang artis gudang romantis akan sentiasa mencuba. Dan dalam hal ini, potret kanak-kanak akan berfungsi sebagai bahan yang subur untuknya. DALAM potret kanak-kanak Hülsenbeck(1805) Runge bukan sahaja menyampaikan keceriaan dan kemesraan watak kanak-kanak, tetapi juga mendapat sambutan istimewa untuk suasana yang cerah, yang menggembirakan bukaan plein-air di tingkat 2. abad ke-19 Latar belakang dalam gambar adalah landskap, yang memberi kesaksian bukan sahaja kepada hadiah berwarna artis, mengagumi sikap terhadap alam semula jadi, tetapi juga kepada kemunculan masalah baru dalam pembiakan mahir hubungan spatial, warna cahaya objek di udara terbuka. Seorang master romantik, yang ingin menggabungkan "I"nya dengan hamparan Alam Semesta, berusaha untuk menangkap rupa alam yang nyata secara berahi. Tetapi dengan imej sensual ini, dia lebih suka melihat simbol dunia besar, "idea artis."

Runge, salah seorang artis Romantik pertama, menetapkan sendiri tugas mensintesis seni: lukisan, arca, seni bina, muzik. Bunyi ensembel seni sepatutnya menyatakan kesatuan kuasa ilahi dunia, setiap zarah yang melambangkan kosmos secara keseluruhan. Artis berkhayal, mengukuhkan konsep falsafahnya dengan idea pemikir Jerman terkenal di tingkat 1. kurun ke 17 Jacob Boehme. Dunia adalah sejenis keseluruhan mistik, setiap zarahnya menyatakan keseluruhannya. Idea ini berkaitan dengan romantik seluruh benua Eropah. Dalam bentuk puisi, penyair dan pelukis Inggeris William Blake menyatakannya begini:

Lihat keabadian dalam satu saat

Dunia yang besar - dalam cermin pasir,

Dalam segelintir - infiniti

Dan langit berada dalam secawan bunga.

Kitaran Runge, atau, seperti yang dia panggil, "puisi muzik yang hebat" "Masa dalam sehari"- pagi, tengah hari, malam - ungkapan konsep ini. Dia meninggalkan dalam puisi dan prosa penjelasan tentang model konseptualnya tentang dunia. Imej seseorang, landskap, cahaya dan warna adalah simbol kepada kitaran semula jadi dan kehidupan manusia yang sentiasa berubah.

Seorang lagi pelukis romantik Jerman yang luar biasa, Caspar David Friedrich (1774-1840), lebih suka landskap daripada semua genre lain dan hanya melukis gambar alam semula jadi semasa hidupnya selama tujuh puluh tahun. Motif utama karya Friedrich adalah idea perpaduan manusia dan alam semula jadi.

"Dengar suara alam yang bercakap dalam diri kita," artis itu mengarahkan pelajarnya. Dunia dalaman seseorang mempersonifikasikan infiniti Alam Semesta, oleh itu, setelah mendengar dirinya sendiri, seseorang dapat memahami kedalaman rohani dunia.

Kedudukan mendengar menentukan bentuk utama "komunikasi" seseorang dengan alam semula jadi dan imejnya. Inilah kehebatan, misteri atau pencerahan alam dan keadaan sedar pemerhati. Benar, selalunya Friedrich tidak membenarkan sosok itu "memasuki" ruang landskap lukisannya, tetapi dalam penembusan halus struktur kiasan hamparan yang luas, kehadiran perasaan, pengalaman seseorang dirasai. Subjektivisme dalam penggambaran landskap datang kepada seni hanya dengan karya romantis, meramalkan pendedahan lirik alam semula jadi oleh tuan di tingkat 2. abad ke-19 Penyelidik mencatatkan dalam karya Friedrich "pengembangan repertoir" motif landskap. Penulis berminat dengan laut, gunung, hutan dan pelbagai warna keadaan alam pada masa yang berbeza dalam tahun dan hari.

1811-1812 ditandai dengan terciptanya rangkaian landskap gunung hasil perjalanan artis ke pergunungan. “Pagi di pergunungan” indah mewakili realiti semula jadi yang baru, lahir dalam sinar matahari terbit. Nada merah jambu-ungu menyelubungi dan menghilangkan kelantangan dan graviti bahan. Tahun-tahun pertempuran dengan Napoleon (1812-1813) menjadikan Friedrich kepada tema patriotik. Menggambarkan, diilhamkan oleh drama Kleist, dia menulis "Makam Arminius"- landskap dengan kubur pahlawan Jerman kuno.

Friedrich adalah pakar landskap laut yang halus: "Zaman", "Moonrise over the Sea", "Kematian "Nadezhda" di dalam ais".

Karya terakhir artis - "Rehat di padang", "Paya besar" dan "Memories of the Giant mountains", "Giant mountains" - satu siri banjaran gunung dan batu di latar depan menjadi gelap. Ini, nampaknya, adalah kembali kepada perasaan yang berpengalaman tentang kemenangan seseorang terhadap dirinya sendiri, kegembiraan kenaikan ke "puncak dunia", keinginan untuk ketinggian yang tidak terkalahkan yang terang. Perasaan artis dengan cara yang istimewa menyusun jisim gunung ini, dan sekali lagi pergerakan dari kegelapan langkah pertama ke cahaya masa depan dibaca. Puncak gunung di latar belakang diserlahkan sebagai pusat aspirasi rohani tuan. Gambar itu sangat berpersatuan, seperti mana-mana karya romantik, dan melibatkan tahap bacaan dan tafsiran yang berbeza.

Friedrich sangat tepat dalam lukisan, harmoni muzik dalam pembinaan berirama lukisannya, di mana dia cuba bercakap melalui emosi warna dan kesan cahaya. “Ramai yang diberi sedikit, sedikit yang diberi banyak. Setiap orang membuka jiwa alam dengan cara yang berbeza. Oleh itu, tiada siapa yang berani memindahkan pengalaman dan peraturannya kepada orang lain sebagai undang-undang tanpa syarat yang mengikat. Tiada siapa yang menjadi ukuran untuk semua. Setiap orang membawa dalam dirinya ukuran hanya untuk dirinya sendiri dan untuk sifat yang lebih kurang sama dengan dirinya sendiri, "cerminan tuan ini membuktikan integriti kehidupan dalaman dan kreativitinya yang menakjubkan. Keunikan artis itu dapat dilihat hanya dalam kebebasan karyanya - Friedrich yang romantis berdiri di atasnya.

Lebih formal nampaknya pemisahan daripada artis - "klasik" - wakil klasikisme cabang lain lukisan romantis di Jerman - Nazarenes. Ditubuhkan di Vienna dan menetap di Rom (1809-1810), "Kesatuan St. Luke" menyatukan para sarjana dengan idea menghidupkan semula seni monumental isu agama. Zaman Pertengahan adalah tempoh sejarah kegemaran bagi Romantik. Tetapi dalam usaha seni mereka, Nazarenes beralih kepada tradisi lukisan Renaissance awal di Itali dan Jerman. Overbeck dan Geforr adalah pemula perikatan baru, yang kemudiannya disertai oleh Cornelius, J. Schnoff von Karolsfeld, Veit Fürich.

Pergerakan Nazarene ini sepadan dengan bentuk penentangan mereka sendiri terhadap ahli akademik klasik di Perancis, Itali, dan England. Sebagai contoh, di Perancis, artis yang dipanggil "primitif" muncul dari bengkel David, dan di England, Pra-Raphaelite. Dalam semangat tradisi romantis, mereka menganggap seni sebagai "ekspresi masa", "semangat rakyat", tetapi pilihan tematik atau formal mereka, yang pada mulanya terdengar seperti slogan penyatuan, selepas beberapa ketika berubah. ke dalam prinsip doktrin yang sama seperti yang dimiliki oleh Akademi, yang mereka nafikan.

Seni Romantik di Perancis dibangunkan dengan cara tertentu. Perkara pertama yang membezakannya daripada gerakan serupa di negara lain ialah watak serangannya yang aktif (“revolusioner”). Penyair, penulis, pemuzik, artis mempertahankan kedudukan mereka bukan sahaja dengan mencipta karya baru, tetapi juga dengan mengambil bahagian dalam kontroversi majalah dan akhbar, yang dicirikan oleh penyelidik sebagai "pertempuran romantis". V. Hugo, Stendhal, George Sand, Berlioz dan banyak lagi penulis, komposer dan wartawan Perancis yang terkenal "mengasah bulu mereka" dalam kontroversi romantis.

Lukisan romantis di Perancis timbul sebagai penentangan kepada sekolah klasik David, seni akademik, yang disebut sebagai "sekolah" secara umum. Tetapi ini mesti difahami dalam erti kata yang lebih luas: ia adalah penentangan terhadap ideologi rasmi zaman reaksioner, satu protes terhadap batasan borjuasi kecilnya. Oleh itu sifat menyedihkan karya romantis, keseronokan saraf mereka, tarikan kepada motif eksotik, plot sejarah dan sastera, kepada segala yang boleh membawa jauh dari "kehidupan seharian yang malap", maka permainan imaginasi ini, dan kadang-kadang, sebaliknya, berkhayal dan kurang aktiviti.

Wakil-wakil "sekolah", ahli akademik, memberontak terutamanya terhadap bahasa orang romantik: pewarna panas mereka yang teruja, pemodelan bentuk mereka, bukan yang biasa dengan "klasik", plastik patung, tetapi dibina berdasarkan kontras yang kuat bintik-bintik warna; reka bentuk ekspresif mereka, dengan sengaja menolak ketepatan dan klasikisme; komposisi berani mereka, kadang-kadang huru-hara, tanpa keagungan dan ketenangan yang tidak tergoyahkan. Ingres, musuh ketat golongan romantik, sehingga akhir hayatnya berkata bahawa Delacroix "menulis dengan penyapu gila", dan Delacroix menuduh Ingres dan semua artis "sekolah" kedinginan, rasional, kurang pergerakan, bahawa mereka jangan menulis, tetapi "melukis" lukisan mereka. Tetapi ini bukan pertembungan mudah dua personaliti yang cerah dan berbeza sama sekali, ia adalah perjuangan antara dua pandangan dunia artistik yang berbeza.

Perjuangan ini berlangsung selama hampir setengah abad, romantisme dalam seni tidak menang dengan mudah dan tidak serta-merta, dan artis pertama trend ini ialah Theodore Gericault (1791-1824) - seorang ahli bentuk monumental heroik, yang digabungkan dalam karyanya kedua-dua klasik. ciri dan ciri romantisisme itu sendiri, dan, akhirnya, permulaan realistik yang kuat, yang mempunyai kesan besar pada seni realisme pada pertengahan abad ke-19. Tetapi semasa hayatnya dia hanya dihargai oleh beberapa kawan rapat.

Nama Theodore Zhariko dikaitkan dengan kejayaan pertama romantisme yang cemerlang. Sudah dalam lukisan awalnya (potret tentera, imej kuda), cita-cita kuno surut sebelum persepsi langsung tentang kehidupan.

Di salon pada tahun 1812 Géricault menunjukkan gambar "Pegawai renjer kuda diraja semasa serangan." Ia adalah tahun puncak kegemilangan Napoleon dan kuasa tentera Perancis.

Komposisi gambar membentangkan penunggang dalam perspektif yang luar biasa tentang detik "tiba-tiba" apabila kuda itu naik, dan penunggang, memegang kedudukan hampir menegak kuda, berpaling kepada penonton. Imej seperti saat ketidakstabilan, ketidakmungkinan postur meningkatkan kesan pergerakan. Kuda mempunyai satu titik sokongan, ia mesti jatuh ke tanah, skru ke dalam pertarungan yang membawanya ke keadaan sedemikian. Banyak yang tertumpu dalam karya ini: Kepercayaan tanpa syarat Gericault dalam kemungkinan seseorang memiliki kuasa sendiri, kecintaan yang ghairah untuk menggambarkan kuda dan keberanian seorang tuan baru dalam menunjukkan apa yang hanya boleh disampaikan oleh muzik atau bahasa puisi sebelum ini - keseronokan pertempuran, permulaan serangan, ketegangan utama makhluk hidup. Pengarang muda membina imejnya pada penghantaran dinamik pergerakan, dan penting baginya untuk menetapkan penonton untuk "berfikir", melukis dengan "penglihatan dalaman" dan rasa apa yang ingin digambarkannya.

Perancis boleh dikatakan tidak mempunyai tradisi dinamik seperti naratif percintaan bergambar, kecuali mungkin dalam relief kuil Gothic, kerana apabila Gericault mula-mula datang ke Itali, dia terpegun dengan kuasa tersembunyi gubahan Michelangelo. "Saya menggeletar," dia menulis, "Saya meragui diri saya sendiri dan untuk masa yang lama tidak dapat pulih daripada pengalaman ini." Tetapi Stendhal menunjuk kepada Michelangelo sebagai pelopor aliran gaya baru dalam seni lebih awal lagi dalam artikel polemiknya.

Lukisan Gericault mengumumkan bukan sahaja kelahiran bakat seni baru, tetapi juga memberi penghormatan kepada keghairahan dan kekecewaan pengarang dengan idea Napoleon. Terdapat beberapa karya lain yang berkaitan dengan topik ini: Pegawai Carabinieri", "Pegawai Cuirassier sebelum serangan", "Potret carabinieri", "Cuirassier cedera".

Dalam risalah "Refleksi tentang keadaan lukisan di Perancis", dia menulis bahawa "kemewahan dan seni telah menjadi ... satu keperluan dan, seolah-olah, makanan untuk imaginasi, yang merupakan kehidupan kedua orang yang bertamadun . .. Bukan perkara keperluan utama, seni muncul hanya apabila keperluan penting dipenuhi dan apabila kelimpahan datang. Seorang lelaki, dibebaskan dari kebimbangan setiap hari, mula mencari kesenangan untuk menghilangkan kebosanan, yang pasti akan menimpanya di tengah-tengah kepuasan.

Pemahaman sedemikian tentang peranan pendidikan dan kemanusiaan seni telah ditunjukkan oleh Gericault selepas kembali dari Itali pada tahun 1818 - dia mula terlibat dalam litografi, mereplikasi pelbagai topik, termasuk kekalahan Napoleon ( “Kembali dari Rusia”).

Pada masa yang sama, artis beralih kepada gambaran tenggelamnya kapal frigat Meduza di luar pantai Afrika, yang menggembirakan masyarakat pada masa itu. Bencana itu berlaku kerana kesalahan kapten yang tidak berpengalaman, dilantik ke jawatan di bawah naungan. Penumpang kapal yang terselamat, pakar bedah Savigny dan jurutera Correar, bercakap secara terperinci mengenai kemalangan itu.

Kapal yang hampir mati itu berjaya mencampakkan rakit, di mana segelintir orang yang diselamatkan mendapat. Selama dua belas hari mereka dibawa di sepanjang laut yang mengamuk sehingga mereka menemui keselamatan - kapal "Argus".

Gericault berminat dengan situasi ketegangan muktamad kekuatan rohani dan fizikal manusia. Lukisan itu menggambarkan 15 penumpang yang terselamat di atas rakit apabila mereka melihat Argus di kaki langit. “Rakit Medusa” adalah hasil kerja persediaan lama artis. Dia membuat banyak lakaran laut yang mengamuk, potret orang yang diselamatkan di hospital. Pada mulanya, Gericault ingin menunjukkan perjuangan orang di atas rakit antara satu sama lain, tetapi kemudian dia menyelesaikan tingkah laku heroik pemenang unsur laut dan kecuaian negara. Orang-orang dengan berani menanggung kemalangan, dan harapan keselamatan tidak meninggalkan mereka: setiap kumpulan di atas rakit mempunyai ciri-ciri sendiri. Dalam pembinaan komposisi, Gericault memilih sudut pandangan dari atas, yang membolehkannya menggabungkan liputan panorama ruang (jarak laut dapat dilihat) dan menggambarkan, membawa semua penduduk rakit sangat dekat ke latar depan. Pergerakan ini dibina berdasarkan kontras dengan figura yang terbaring tidak berdaya di latar depan dan terburu-buru dalam kumpulan yang memberi isyarat kepada kapal yang lalu. Kejelasan irama pertumbuhan dinamik dari kumpulan ke kumpulan, keindahan badan telanjang, warna gelap gambar menetapkan nota tertentu tentang konvensional imej. Tetapi ini bukan perkara untuk penonton yang memahami, yang kepada siapa konvensional bahasa membantu memahami dan merasakan perkara utama: keupayaan seseorang untuk melawan dan menang. Laut mengaum. Layar mengerang. Tali berdering. Rakit berderak. Angin memacu ombak dan merobek awan hitam menjadi hancur.

Bukankah Perancis sendiri, didorong oleh badai sejarah? fikir Eugene Delacroix, berdiri di tepi lukisan itu. “Rakit Medusa mengejutkan Delacroix, dia menangis dan, seperti orang gila, melompat keluar dari bengkel Gericault, yang sering dikunjunginya.

Keghairahan seperti itu tidak mengetahui seni Daud.

Tetapi kehidupan Gericault berakhir dengan tragis awal (dia sakit tenat selepas jatuh dari kuda), dan banyak rancangannya masih belum selesai.

Inovasi Géricault membuka peluang baharu untuk menyampaikan pergerakan yang membimbangkan orang romantis, perasaan asas seseorang, ekspresi tekstur berwarna pada gambar.

Pewaris Géricault dalam pencariannya ialah Eugene Delacroix. Benar, Delacroix dibenarkan dua kali lebih lama daripada jangka hayatnya, dan dia berjaya bukan sahaja untuk membuktikan kebenaran romantisme, tetapi juga untuk memberkati arah baru dalam lukisan tingkat 2. abad ke-19 - impresionisme.

Sebelum mula menulis sendiri, Eugene belajar di sekolah Lerain: dia melukis dari kehidupan, menyalin Rubens yang hebat, Rembrandt, Veronese, Titian di Louvre ... Artis muda itu bekerja 10-12 jam sehari. Dia teringat kata-kata Michelangelo yang hebat: "Melukis adalah perempuan simpanan yang cemburu, ia menuntut seluruh orang ..."

Delacroix, selepas persembahan demonstrasi oleh Géricault, sangat menyedari bahawa masa pergolakan emosi yang kuat telah datang dalam seni. Pertama, dia cuba memahami era baru untuknya melalui plot sastera yang terkenal. Lukisan beliau "Dante dan Virgil", yang dibentangkan di salon 1822, adalah percubaan melalui imej bersekutu sejarah dua penyair: zaman purba - Virgil dan Renaissance - Dante - untuk melihat kawah mendidih, "neraka" era moden. Sekali dalam "Divine Comedy" Dante mengambil tanah Virgil sebagai pengiring dalam semua bidang (syurga, neraka, api penyucian). Dalam karya Dante, dunia kebangkitan baru muncul dengan mengalami ingatan zaman purba pada Zaman Pertengahan. Simbol romantis sebagai sintesis zaman dahulu, Renaissance dan Zaman Pertengahan timbul dalam "kengerian" penglihatan Dante dan Virgil. Tetapi alegori falsafah yang kompleks ternyata menjadi ilustrasi emosi yang baik tentang era pra-Renaissance dan karya sastera abadi.

Delacroix akan cuba mencari tindak balas langsung dalam hati rakan seangkatannya melalui kepedihan hatinya sendiri. Orang muda pada masa itu, terbakar dengan kebebasan dan kebencian terhadap penindas, bersimpati dengan perang pembebasan Yunani. Bard romantik England, Byron, akan pergi ke sana untuk bertarung. Delacroix melihat makna era baru dalam penggambaran peristiwa sejarah yang lebih spesifik - perjuangan dan penderitaan Greece yang cintakan kebebasan. Dia bercerita tentang plot kematian penduduk pulau Chios Yunani, yang ditawan oleh orang Turki. Di Salon 1824, Delacroix menunjukkan lukisan "Pembunuhan beramai-ramai di pulau Chios". berlatarbelakangkan kawasan berbukit yang tidak berkesudahan. Yang masih menjerit dari asap api dan pertempuran tanpa henti, artis menunjukkan beberapa kumpulan wanita dan kanak-kanak yang cedera, keletihan. Mereka mempunyai minit-minit terakhir kebebasan sebelum menghampiri musuh. Orang Turki yang menunggang kuda di sebelah kanan kelihatan menggantung di seluruh latar depan dan ramai penghidap yang berada di sana. Badan cantik, muka orang terpikat. Ngomong-ngomong, Delacroix kemudiannya akan menulis bahawa arca Yunani telah diubah oleh artis menjadi hieroglif yang menyembunyikan kecantikan wajah dan figura Yunani yang sebenar. Tetapi, mendedahkan "keindahan jiwa" di wajah orang-orang Yunani yang dikalahkan, pelukis mendramatkan peristiwa-peristiwa itu sehingga untuk mengekalkan satu kadar ketegangan dinamik, dia pergi ke ubah bentuk sudut angka itu. "Kesilapan" ini telah "diselesaikan" oleh karya Gericault, tetapi Delacroix sekali lagi menunjukkan kepercayaan romantis bahawa lukisan "bukan kebenaran situasi, tetapi kebenaran perasaan."

Pada tahun 1824, Delacroix kehilangan rakan dan gurunya, Géricault. Dan dia menjadi ketua lukisan baru.

Tahun berlalu. Satu persatu gambar terpapar: “Greece di atas runtuhan Missalunga”, “Kematian Sardanapalus” dan lain-lain.Pelukis menjadi orang buangan dalam kalangan rasmi lukisan. Tetapi Revolusi Julai 1830 mengubah keadaan. Dia menyalakan artis dengan romantik kemenangan dan pencapaian. Dia melukis gambar "Kebebasan di Benteng".

Pada tahun 1831, di Salon Paris, orang Perancis pertama kali melihat lukisan oleh Eugene Delacroix "Freedom on the Barricades", yang didedikasikan untuk "tiga hari kegemilangan" Revolusi Julai 1830. Kanvas itu memberi kesan yang menakjubkan pada orang sezaman dengan kuasa, demokrasi dan keberanian keputusan artistik. Menurut legenda, seorang borjuasi yang dihormati berseru: "Kamu berkata - ketua sekolah? Beritahu saya lebih baik - ketua pemberontakan! Selepas penutupan Salon, kerajaan, yang takut dengan rayuan mengancam dan inspirasi yang terpancar daripada gambar itu, bergegas untuk mengembalikannya kepada pengarang. Semasa revolusi 1848, ia sekali lagi dipamerkan di Istana Luxembourg. Dan sekali lagi kembali kepada artis. Hanya selepas kanvas itu dipamerkan di Pameran Dunia di Paris pada tahun 1855, ia berakhir di Louvre. Salah satu ciptaan romantisisme Perancis yang terbaik disimpan di sini sehingga hari ini - akaun saksi mata yang diilhamkan dan monumen abadi kepada perjuangan rakyat untuk kebebasan mereka.

Apakah bahasa artistik yang ditemui oleh romantik muda Perancis untuk menggabungkan dua prinsip yang kelihatan bertentangan ini - generalisasi yang luas dan menyeluruh dan realiti konkrit yang kejam dalam kebogelannya?

Paris pada zaman Julai yang terkenal 1830. Udara tepu dengan asap kelabu dan habuk. Kota yang indah dan megah, hilang dalam jerebu serbuk. Di kejauhan, hampir tidak kelihatan, tetapi dengan bangganya menjulang menara Katedral Notre Dame - simbol sejarah, budaya, dan semangat orang Perancis. Dari sana, dari bandar berasap, di atas runtuhan penghadang, di atas mayat rakan seperjuangan yang mati, para pemberontak dengan degil dan tegas tampil ke hadapan. Setiap daripada mereka boleh mati, tetapi langkah para pemberontak tidak tergoyahkan - mereka diilhamkan oleh kehendak untuk menang, kepada kebebasan.

Kekuatan inspirasi ini terkandung dalam imej seorang wanita muda yang cantik, dalam cetusan ghairah yang memanggilnya. Dengan tenaga yang tidak habis-habis, kepantasan pergerakan yang bebas dan muda, dia seperti dewi Yunani

Nick menang. Susuk tubuhnya yang tegap memakai gaun chiton, wajahnya dengan ciri-ciri sempurna, dengan mata yang membara, beralih kepada pemberontak. Di satu tangan dia memegang sepanduk tiga warna Perancis, di tangan yang lain - pistol. Di kepala adalah topi Phrygian - simbol pembebasan kuno dari perhambaan. Langkahnya pantas dan ringan - beginilah langkah dewi. Pada masa yang sama, imej seorang wanita adalah nyata - dia adalah anak perempuan orang Perancis. Dia adalah kuasa penuntun di sebalik pergerakan kumpulan di penghadang. Darinya, seperti dari sumber cahaya di pusat tenaga, sinar memancar, mengisi dengan dahaga dan keinginan untuk menang. Mereka yang berada berdekatan dengannya, masing-masing dengan cara mereka sendiri, menyatakan penglibatan mereka dalam panggilan yang memberi inspirasi dan inspirasi ini.

Di sebelah kanan ialah seorang budak lelaki, seorang gamen Paris, mengacungkan pistol. Dia paling dekat dengan Kebebasan dan, seolah-olah, dinyalakan oleh semangat dan kegembiraannya atas dorongan bebas. Dalam pergerakan yang pantas dan tidak sabar seperti budak lelaki, dia mendahului sedikit daripada inspirasinya. Ini adalah pendahulu Gavroche yang legenda, yang digambarkan dua puluh tahun kemudian oleh Victor Hugo dalam Les Misérables: "Gavroche, penuh inspirasi, berseri-seri, memikul tugas untuk menggerakkan semuanya. Dia bergegas ke sana ke mari, dia naik, dia turun

turun, bangkit semula, berdesir, berkilauan dengan kegembiraan. Nampaknya dia datang ke sini untuk menghiburkan semua orang. Adakah dia mempunyai motif untuk ini? Ya, tentu saja, kemiskinannya. Adakah dia mempunyai sayap? Ya, tentu saja, keceriaannya. Ia seperti angin puyuh. Ia seolah-olah memenuhi udara dengan dirinya sendiri, hadir di mana-mana pada masa yang sama ... Penghalang yang besar merasakannya pada tulang belakangnya.

Gavroche dalam lukisan Delacroix adalah personifikasi pemuda, "dorongan yang indah", penerimaan yang menggembirakan terhadap idea cerah Kebebasan. Dua imej - Gavroche dan Liberty - nampaknya saling melengkapi: satu adalah api, satu lagi adalah obor yang dinyalakan daripadanya. Heinrich Heine memberitahu sambutan meriah yang ditimbulkan oleh tokoh Gavroche di kalangan orang Paris. "Tak guna! jerit seorang penjual runcit.“Budak lelaki itu bergaduh seperti gergasi!”

Di sebelah kiri adalah seorang pelajar dengan pistol. Sebelum ini, ia dilihat sebagai potret diri artis. Pemberontak ini tidak sepantas Gavroche. Pergerakannya lebih terkawal, lebih pekat, bermakna. Tangan dengan yakin memerah laras pistol, wajah menyatakan keberanian, keazaman teguh untuk berdiri hingga akhir. Ini adalah imej yang sangat tragis. Pelajar itu sedar tentang kerugian yang tidak dapat dielakkan yang akan dialami oleh pemberontak, tetapi mangsa tidak menakutkannya - keinginan untuk kebebasan lebih kuat. Di belakangnya berdiri seorang pekerja yang sama berani dan tegas dengan pedang. Terluka di kaki Kebebasan. Dia bangkit dengan susah payah untuk sekali lagi memandang ke atas Kebebasan, untuk melihat dan merasakan dengan sepenuh hati keindahan yang dia sedang mati. Angka ini membawa permulaan yang dramatik kepada bunyi kanvas Delacroix. Jika imej Gavroche, Liberty, pelajar, pekerja - hampir simbol, penjelmaan kehendak pejuang kemerdekaan yang tidak dapat dielakkan - memberi inspirasi dan memanggil penonton, maka lelaki yang cedera itu meminta belas kasihan. Manusia mengucapkan selamat tinggal kepada Kebebasan, mengucapkan selamat tinggal kepada kehidupan. Dia masih merupakan dorongan, pergerakan, tetapi sudah menjadi dorongan yang semakin pudar.

Sosoknya adalah peralihan. Pandangan penonton, yang masih terpesona dan terbawa-bawa oleh keazaman revolusioner pemberontak, turun ke kaki benteng, ditutup dengan mayat tentera yang mati gemilang. Kematian dipersembahkan oleh artis dalam semua ketelanjangan dan bukti fakta. Kita melihat wajah biru orang mati, tubuh telanjang mereka: perjuangan tanpa belas kasihan, dan kematian adalah sahabat pemberontak yang tidak dapat dielakkan seperti pengilham Kebebasan yang cantik.

Tetapi tidak sama! Dari pemandangan yang mengerikan di tepi bawah gambar, kami sekali lagi mengangkat mata kami dan melihat sosok muda yang cantik - tidak! hidup menang! Idea kebebasan, yang diwujudkan dengan jelas dan nyata, sangat tertumpu pada masa depan sehingga kematian atas namanya tidak mengerikan.

Artis itu menggambarkan hanya sekumpulan kecil pemberontak, hidup dan mati. Tetapi pembela penghadang kelihatan luar biasa ramai. Komposisi itu dibina sedemikian rupa sehingga kumpulan pejuang tidak terhad, tidak tertutup sendiri. Dia hanya sebahagian daripada runtuhan salji yang tidak berkesudahan. Artis memberikan, seolah-olah, serpihan kumpulan: bingkai gambar memotong angka dari kiri, kanan, dan bawah.

Biasanya warna dalam karya Delacroix memperoleh bunyi emosi, memainkan peranan dominan dalam mencipta kesan dramatik. Warna-warna, kadang-kadang mengamuk, kadang-kadang pudar, teredam, mewujudkan suasana tegang. Di Liberty at the Barricades, Delacroix meninggalkan prinsip ini. Sangat tepat, tidak salah memilih cat, menerapkannya dengan pukulan lebar, artis menyampaikan suasana pertempuran.

Tetapi julat warna dihalang. Delacroix memfokuskan pada pemodelan pelepasan borang. Ini diperlukan oleh penyelesaian kiasan gambar. Lagipun, menggambarkan acara semalam tertentu, artis itu juga mencipta monumen untuk acara ini. Oleh itu, angka-angka itu hampir berbentuk arca. Oleh itu, setiap watak, sebagai sebahagian daripada keseluruhan gambar, juga merupakan sesuatu yang tertutup dengan sendirinya, mewakili simbol yang dilemparkan ke dalam bentuk yang lengkap. Oleh itu, warna bukan sahaja mempengaruhi perasaan penonton, tetapi membawa beban simbolik. Di sana sini, tiga serangkai merah, biru, putih berkelip-kelip di ruang kelabu coklat - warna panji-panji Revolusi Perancis 1789. Pengulangan berulang warna ini menyokong kord kuat bendera tiga warna yang terbang di atas penghadang.

Lukisan Delacroix "Freedom on the Barricades" adalah karya yang kompleks dan hebat dalam skopnya. Di sini ketulenan fakta yang dilihat secara langsung dan simbolisme imej digabungkan; realisme, mencapai naturalisme yang kejam, dan kecantikan ideal; kasar, dahsyat dan luhur, murni.

Lukisan "Liberty at the Barricades" menyatukan kemenangan romantisme dalam lukisan Perancis. Pada tahun 30-an, dua lagi lukisan bersejarah: "Pertempuran Poitiers" Dan "Pembunuhan Uskup Liege".

Pada tahun 1822 artis melawat Afrika Utara, Maghribi, Algeria. Perjalanan itu memberi kesan yang tidak dapat dilupakan kepadanya. Pada tahun 50-an, lukisan muncul dalam karyanya, diilhamkan oleh kenangan perjalanan ini: "Memburu singa", "Moroccan melaena kuda" dan lain-lain. Warna kontras yang terang menghasilkan bunyi yang romantik pada lukisan ini. Di dalamnya, teknik pukulan lebar muncul.

Delacroix, sebagai seorang romantis, merekodkan keadaan jiwanya bukan sahaja dalam bahasa imej bergambar, tetapi juga dalam bentuk sastera pemikirannya. Dia menerangkan dengan baik proses kerja kreatif artis romantis, eksperimennya dalam warna, refleksi tentang hubungan antara muzik dan bentuk seni lain. Diarinya menjadi bacaan kegemaran artis generasi berikutnya.

Sekolah romantik Perancis membuat kemajuan yang ketara dalam bidang arca (Rud dan bantuan Marseillaisenya), lukisan landskap (Camille Corot dengan imej cahayanya tentang alam semula jadi Perancis).

Terima kasih kepada romantisme, visi subjektif peribadi artis mengambil bentuk undang-undang. Impresionisme akan memusnahkan sepenuhnya penghalang antara artis dan alam semula jadi, mengisytiharkan seni sebagai kesan. Romantik bercakap tentang fantasi artis, "suara perasaannya", yang membolehkannya berhenti kerja apabila tuan menganggapnya perlu, dan bukan seperti yang dikehendaki oleh standard kesempurnaan akademik.

Jika fantasi Gericault tertumpu pada penghantaran pergerakan, Delacroix pada kuasa ajaib warna, dan orang Jerman menambah kepada ini "semangat lukisan", maka bahasa Sepanyol Romantik dalam diri Francisco Goya (1746-1828) menunjukkan asal-usul cerita rakyat gaya, wataknya yang fantastik dan aneh. Goya sendiri dan karyanya kelihatan jauh dari mana-mana rangka kerja gaya, terutamanya kerana artis sering terpaksa mengikut undang-undang bahan persembahan (apabila, sebagai contoh, dia membuat lukisan untuk permaidani trellis tenunan) atau keperluan pelanggan.

Phantasmagorianya terserlah dalam siri etsa “Caprichos” (1797-1799),"Bencana Perang" (1810-1820),“Disparantes (“Kebodohan”)(1815-1820), mural "House of the Deaf" dan Gereja San Antonio de la Florida di Madrid (1798). Penyakit serius pada tahun 1792. membawa kepada pekak lengkap artis. Seni tuan selepas mengalami trauma fizikal dan rohani menjadi lebih tertumpu, bertimbang rasa, dinamik dalaman. Dunia luar, ditutup kerana pekak, mengaktifkan kehidupan rohani dalaman Goya.

Dalam goresan “Caprichos” Goya mencapai kekuatan yang luar biasa dalam pemindahan reaksi serta-merta, perasaan terburu-buru. Prestasi hitam-putih, terima kasih kepada gabungan bintik-bintik besar yang berani, ketiadaan ciri lineariti grafik, memperoleh semua sifat lukisan.

Mural Gereja St. Anthony di Madrid Goya mencipta, nampaknya, dalam satu nafas. Perangai pukulan, laconism komposisi, ekspresi ciri-ciri watak, yang jenisnya diambil oleh Goya secara langsung dari orang ramai, sangat mengagumkan. Artis itu menggambarkan keajaiban Anthony dari Florida, yang membuat lelaki yang dibunuh itu bangkit dan bercakap, yang menamakan pembunuh itu dan dengan itu menyelamatkan orang yang dikutuk secara tidak bersalah daripada hukuman mati. Kedinamikan orang ramai yang memberi reaksi terang disampaikan oleh Goya dalam gerak isyarat dan dalam ekspresi wajah wajah yang digambarkan. Dalam skema komposisi pengedaran lukisan di ruang gereja, pelukis mengikuti Tiepolo, tetapi reaksi yang ditimbulkannya dalam penonton bukanlah barok, tetapi semata-mata romantis, mempengaruhi perasaan setiap penonton, memanggilnya untuk beralih ke dirinya sendiri.

Paling penting, matlamat ini dicapai dalam lukisan Conto del Sordo ("Rumah Orang Pekak"), di mana Goya tinggal dari tahun 1819. Dinding bilik ditutup dengan lima belas komposisi yang hebat dan alegori. Memahami mereka memerlukan empati yang mendalam. Imej timbul sebagai beberapa jenis penglihatan bandar, wanita, lelaki, dll. Warna, berkelip, menarik keluar satu angka, kemudian yang lain. Lukisan secara keseluruhannya gelap, ia dikuasai oleh bintik putih, kuning, merah jambu-merah jambu, kilatan perasaan yang mengganggu. Goresan siri ini "Disparantes" .

Goya menghabiskan 4 tahun terakhir di Perancis. Tidak mungkin dia tahu bahawa Delacroix tidak berpisah dengan "Caprichos"nya. Dan dia tidak dapat meramalkan bagaimana Hugo dan Baudelaire akan terbawa-bawa oleh goresan ini, betapa besar pengaruh lukisannya pada Manet, dan bagaimana pada tahun 80-an abad XIX. V. Stasov akan menjemput artis Rusia untuk mengkaji "Bencana Perang" beliau

Tetapi kami, memandangkan ini, tahu betapa besar impak seni "tanpa gaya" seorang realis yang berani dan romantis yang diilhamkan ini terhadap budaya seni abad ke-19 dan ke-20.

Dunia impian yang hebat juga direalisasikan dalam karyanya oleh artis romantik Inggeris William Blake (1757-1827). England adalah sebuah negara klasik kesusasteraan romantik. Byron. Shelley menjadi panji pergerakan ini jauh melangkaui "Albion yang berkabus". Di Perancis, dalam kritikan majalah pada masa "pertempuran romantis", Romantik dipanggil "Shakespeareans". Ciri utama lukisan Inggeris sentiasa menjadi minat dalam keperibadian manusia, yang membolehkan genre potret berkembang dengan baik. Romantik dalam seni lukis sangat berkait rapat dengan sentimentalisme. Minat Romantik pada Zaman Pertengahan melahirkan kesusasteraan sejarah yang besar. Sarjana yang diiktiraf ialah V. Scott. Dalam lukisan, tema Zaman Pertengahan menentukan penampilan yang dipanggil Peraphaelites.

William Blake ialah jenis romantik yang menakjubkan dalam latar budaya Inggeris. Dia menulis puisi, menggambarkan bukunya sendiri dan buku lain. Bakatnya berusaha untuk memeluk dan mengekspresikan dunia dalam perpaduan holistik. Karya beliau yang paling terkenal ialah ilustrasi untuk "Book of Job" alkitabiah, "The Divine Comedy" oleh Dante, "Paradise Lost" oleh Milton. Dia mengisi gubahannya dengan tokoh-tokoh pahlawan yang hebat, yang sesuai dengan persekitaran mereka tentang dunia pencerahan atau fantasi yang tidak nyata. Perasaan bangga atau harmoni yang memberontak, sukar dicipta daripada percanggahan, mengatasi ilustrasinya.

Ukiran landskap untuk "Pastorals" penyair Rom Virgil kelihatan agak berbeza - mereka lebih romantis daripada karya mereka sebelum ini.

Romantikisme Blake cuba mencari formula artistik dan bentuk kewujudan dunianya sendiri.

William Blake, setelah menjalani kehidupan dalam kemiskinan dan kekaburan yang melampau, selepas kematiannya disenaraikan di antara tuan rumah seni klasik Inggeris.

Dalam karya pelukis landskap Inggeris pada awal abad XIX. hobi romantis digabungkan dengan pandangan alam yang lebih objektif dan tenang.

Landskap bertingkat secara romantik dicipta oleh William Turner (1775-1851). Dia suka menggambarkan ribut petir, hujan lebat, ribut di laut, matahari terbenam yang terang dan berapi-api. Turner sering membesar-besarkan kesan pencahayaan dan memperhebatkan bunyi warna walaupun ketika dia melukis keadaan alam yang tenang. Untuk kesan yang lebih besar, dia menggunakan teknik cat air dan menggunakan cat minyak dalam lapisan yang sangat nipis dan melukis terus di atas tanah, mencapai limpahan berwarna-warni. Contohnya ialah gambar “Hujan, wap dan kelajuan”(1844). Tetapi pengkritik terkenal pada masa itu, Thackeray, tidak dapat memahami dengan betul, mungkin, gambar yang paling inovatif dalam reka bentuk dan pelaksanaan. “Hujan ditunjukkan oleh kesan dempul kotor,” tulisnya, “terpercik ke atas kanvas dengan pisau palet, cahaya matahari dengan kilauan kusam menembusi ketulan krom kuning kotor yang sangat tebal. Bayang-bayang disampaikan oleh rona sejuk kraplak merah dan bintik cinnabar dengan nada yang diredam. Dan walaupun api dalam relau lokomotif kelihatan merah, saya tidak menganggap untuk menegaskan bahawa ia tidak dicat dengan warna cabalt atau kacang. Seorang lagi pengkritik ditemui dalam pewarnaan Turner warna "telur hancur dan bayam." Warna-warna mendiang Turner secara amnya kelihatan tidak dapat difikirkan dan hebat kepada orang sezaman. Ia mengambil masa lebih daripada satu abad untuk melihat dalam mereka butiran pemerhatian sebenar. Tetapi seperti dalam kes lain, ia berada di sini. Kisah ingin tahu tentang saksi mata, atau lebih tepatnya, saksi kelahiran "Hujan, wap dan kelajuan", telah dipelihara. Seorang Puan Simone sedang menaiki petak Western Express dengan seorang lelaki tua duduk di hadapannya. Dia meminta izin untuk membuka tingkap, menjulurkan kepalanya ke dalam hujan yang lebat, dan kekal dalam kedudukan itu untuk beberapa lama. Apabila dia akhirnya menutup tingkap. Air menitis daripadanya di sungai, tetapi dia menutup matanya dengan gembira dan bersandar, jelas menikmati apa yang baru dilihatnya. Seorang wanita muda yang ingin tahu memutuskan untuk mengalami perasaannya sendiri - dia juga menjulurkan kepalanya ke luar tingkap. Turut basah. Tetapi saya mendapat kesan yang tidak dapat dilupakan. Bayangkan dia terkejut apabila, setahun kemudian, di pameran di London, dia melihat Rain, Steam and Speed. Seseorang di belakangnya berkata dengan kritis, "Amat tipikal Turner, betul. Tiada siapa yang pernah melihat campuran yang tidak masuk akal seperti itu." Dan dia, tidak dapat menahan dirinya, berkata: "Saya melihat."

Mungkin ini adalah imej pertama kereta api dalam lukisan. sudut pandangan diambil dari suatu tempat di atas, yang memungkinkan untuk memberikan liputan panorama yang luas. Western Express terbang di atas jambatan pada kelajuan yang sangat luar biasa pada masa itu (melebihi 150 km sejam). Di samping itu, ini mungkin percubaan pertama untuk menggambarkan cahaya melalui hujan.

Seni Inggeris pertengahan abad ke-19. dikembangkan dalam arah yang sama sekali berbeza daripada lukisan Turner. Walaupun kemahirannya diketahui umum, tiada seorang pun daripada pemuda yang mengikutinya.

Turner telah lama dianggap sebagai pelopor Impresionisme. Nampaknya artis Perancis yang sepatutnya mengembangkan lagi pencariannya untuk warna dari cahaya. Tetapi itu tidak berlaku sama sekali. Pada asasnya, pengaruh Turner terhadap Impresionis kembali kepada Paul Signac Dari Delacroix ke Neo-Impresionisme, yang diterbitkan pada tahun 1899, di mana beliau menerangkan bagaimana "pada tahun 1871, semasa tinggal lama mereka di London, Claude Manet dan Camille Pissarro menemui Turner. Mereka kagum dengan kualiti warnanya yang yakin dan ajaib, mereka mengkaji karyanya, mereka menganalisis tekniknya. Pada mulanya mereka kagum dengan gambarannya tentang salji dan ais, terkejut dengan cara dia dapat menyampaikan rasa putih salji, yang mereka sendiri tidak dapat, dengan tompok besar putih keperakan diletakkan rata dengan sapuan luas berus. . Mereka melihat bahawa kesan ini tidak dicapai dengan kapur sahaja. Dan jisim sapuan pelbagai warna. Ditimbulkan satu di sebelah yang lain, yang menghasilkan kesan ini, jika anda melihat mereka dari jauh.

Pada tahun-tahun ini, Signac mencari di mana-mana untuk pengesahan teori pointilismenya. Tetapi dalam satu pun lukisan Turner yang dapat dilihat oleh seniman Perancis di Galeri Nasional pada tahun 1871, terdapat teknik pointillism yang diterangkan oleh Signac, dan juga tidak terdapat "bintik-bintik kapur yang luas". Malah, pengaruh Turner terhadap Perancis tidak lebih kuat dalam 1870 -e, dan pada tahun 1890-an.

Turner dikaji dengan sangat teliti oleh Paul Signac - bukan sahaja sebagai pelopor impresionisme, yang ditulisnya dalam bukunya, tetapi juga sebagai artis inovatif yang hebat. Mengenai lukisan lewat Turner "Hujan, Wap dan Kelajuan", "Pengasingan", "Pagi" dan "Petang Banjir", Signac menulis kepada rakannya Angrand: erti kata yang indah."

Penilaian penuh semangat Signac menandakan permulaan pemahaman moden tentang pencarian bergambar Turner. Tetapi dalam beberapa tahun kebelakangan ini, kadang-kadang berlaku bahawa mereka tidak mengambil kira subteks dan kerumitan arah pencariannya, memilih contoh secara berat sebelah daripada "lukisan bawah" Turner yang benar-benar belum selesai, cuba mencari dalam dirinya pendahulu impresionisme.

Daripada artis terbaharu, semuanya secara semula jadi mencadangkan perbandingan dengan Monet, yang sendiri mengenali pengaruh Turner kepadanya. Malah terdapat satu plot yang hampir sama dalam kedua-duanya - iaitu, portal barat Katedral Rouen. Tetapi jika Monet memberi kita kajian tentang pencahayaan solar bangunan, dia tidak memberi kita Gothic, tetapi beberapa jenis model telanjang, di Turner anda memahami mengapa artis, yang sepenuhnya diserap dalam alam semula jadi, menjadi tertarik dengan topik ini - dalam karyanya. imej ia adalah tepat gabungan kemegahan yang luar biasa dari keseluruhan dan yang tidak terhingga yang menyerang pelbagai butiran yang membawa ciptaan seni Gothic lebih dekat dengan karya alam semula jadi.

Sifat istimewa budaya Inggeris dan seni romantik membuka kemungkinan kemunculan artis plein air pertama, yang meletakkan asas untuk imej cahaya-udara alam pada abad ke-19, John Constable (1776-1837). Konstabel Inggeris memilih landskap sebagai genre utama lukisannya: “Dunia ini hebat; tiada dua hari yang sama, bahkan dua jam yang sama; Sejak penciptaan dunia, tiada dua daun yang sama pada satu pokok, dan semua karya seni tulen, seperti ciptaan alam, berbeza antara satu sama lain,” katanya.

Konstabel itu melukis lakaran minyak yang besar di udara terbuka dengan pemerhatian halus tentang keadaan alam yang berbeza. Di dalamnya, dia dapat menyampaikan kerumitan kehidupan dalaman alam semula jadi dan kehidupan sehariannya. (“Pemandangan Highgate dari Bukit Hempstead”, OKEY. 1834; "Kereta jerami" 1821; "Lembah Detham", kira-kira 1828) mencapai ini dengan bantuan teknik penulisan. Dia melukis dengan pukulan bergerak, kadang-kadang tebal dan kasar, kadang-kadang lebih licin dan lebih telus. Kaum Impresionis akan mencapai ini hanya pada akhir abad ini. Lukisan inovatif Constable mempengaruhi karya Delacroix, serta keseluruhan pembangunan landskap Perancis.

Seni Konstabel, serta banyak aspek kerja Gericault, menandakan kemunculan trend realistik dalam seni Eropah pada abad ke-19, yang pada mulanya berkembang selari dengan romantisme. Kemudian, jalan mereka menyimpang.

Romantik membuka dunia jiwa manusia, individu, tidak seperti orang lain, tetapi ikhlas dan oleh itu dekat dengan semua penglihatan sensual dunia. Kekerapan imej dalam lukisan, seperti yang dikatakan Gelacroix, dan bukan konsistensinya dalam persembahan sastera, menentukan tumpuan artis pada penghantaran pergerakan yang paling kompleks, demi penyelesaian formal dan berwarna baru ditemui. Romantikisme meninggalkan warisan pada separuh kedua abad XIX. semua masalah dan keperibadian artistik ini dibebaskan daripada peraturan akademik. Simbol, yang di kalangan Romantik sepatutnya menyatakan gabungan penting idea dan kehidupan, dalam seni separuh kedua abad ke-19. larut dalam polifoni imej artistik, menangkap kepelbagaian idea dan dunia sekeliling.

b) Muzik

Idea sintesis seni ditemui dalam ideologi dan amalan romantisme. Romantikisme dalam muzik terbentuk pada 20-an abad ke-19 di bawah pengaruh kesusasteraan romantisme dan berkembang rapat dengannya, dengan kesusasteraan secara umum (berpaling kepada genre sintetik, terutamanya opera, lagu, miniatur instrumental dan pengaturcaraan muzik). Rayuan kepada dunia dalaman seseorang, ciri romantisme, dinyatakan dalam kultus subjektif, keinginan untuk sengit secara emosi, yang menentukan keutamaan muzik dan lirik dalam romantisme.

Muzik separuh pertama abad ke-19. berkembang pesat. Bahasa muzik baru muncul; dalam muzik instrumental dan chamber-vocal, miniatur itu mendapat tempat istimewa; orkestra dibunyikan dengan spektrum warna yang pelbagai; kemungkinan piano dan biola didedahkan dengan cara yang baru; muzik golongan romantik adalah sangat virtuoso.

Romantikisme muzik memanifestasikan dirinya dalam banyak cabang berbeza yang dikaitkan dengan budaya kebangsaan yang berbeza dan dengan pergerakan sosial yang berbeza. Jadi, sebagai contoh, gaya intim, lirik romantis Jerman dan kesedihan sivil "oratorikal", ciri-ciri karya komposer Perancis, berbeza dengan ketara. Sebaliknya, wakil-wakil sekolah kebangsaan baru yang timbul atas dasar gerakan pembebasan nasional yang luas (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), serta wakil-wakil sekolah opera Itali, yang berkait rapat dengan gerakan Risorgimento (Verdi, Bellini), dalam banyak cara berbeza daripada sezaman di Jerman, Austria atau Perancis, khususnya, kecenderungan untuk mengekalkan tradisi klasik.

Namun begitu, kesemuanya ditandakan oleh beberapa prinsip artistik umum yang membolehkan kita bercakap tentang satu struktur pemikiran romantis.

Oleh kerana keupayaan istimewa muzik untuk mendedahkan dunia pengalaman manusia yang kaya dan mendalam, ia diletakkan di tempat pertama antara seni lain oleh estetika romantis. Ramai orang romantik menekankan permulaan muzik yang intuitif, mengaitkannya dengan sifat menyatakan "tidak dapat diketahui". Karya komposer romantik yang luar biasa mempunyai asas realistik yang kuat. Minat dalam kehidupan orang biasa, kepenuhan hidup dan kebenaran perasaan, pergantungan pada muzik kehidupan seharian menentukan realisme karya wakil terbaik romantisisme muzik. Kecenderungan reaksi (mistisisme, melarikan diri dari realiti) hanya wujud dalam sebilangan kecil karya romantik. Mereka muncul sebahagiannya dalam opera Euryanta oleh Weber (1823), dalam beberapa drama muzik oleh Wagner, oratorio Christ oleh Liszt (1862), dll.

Menjelang awal abad ke-19, kajian asas cerita rakyat, sejarah, kesusasteraan kuno muncul, legenda zaman pertengahan, seni gothic, dan budaya Renaissance yang telah dilupakan telah dibangkitkan. Pada masa inilah banyak sekolah kebangsaan jenis khas dibangunkan dalam karya komposer Eropah, yang ditakdirkan untuk meluaskan sempadan budaya Eropah yang sama. Rusia, yang tidak lama lagi mengambil, jika bukan yang pertama, maka salah satu tempat pertama dalam kreativiti budaya dunia (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tchaikovsky), Poland (Chopin, Moniuszko), Czech (Krim Masam, Dvorak), Hungary ( Senarai), kemudian Norway (Grieg), Sepanyol (Pedrel), Finland (Sibelius), Inggeris (Elgar) - semuanya, bergabung ke dalam arus perdana umum kreativiti komposer di Eropah, sama sekali tidak menentang tradisi kuno yang telah ditetapkan . Satu bulatan imej baru muncul, menyatakan ciri kebangsaan unik budaya kebangsaan yang menjadi milik komposer. Struktur intonasi karya membolehkan anda mengenali serta-merta dengan telinga kepunyaan sekolah kebangsaan tertentu.

Komposer melibatkan dalam bahasa muzik Eropah biasa giliran intonasi cerita rakyat lama, terutamanya petani di negara mereka. Mereka, seolah-olah, membersihkan lagu rakyat Rusia daripada opera lacquered, mereka memperkenalkan ke dalam sistem intonasi kosmopolitan daripada giliran lagu abad ke-18 genre rakyat-setiap hari. Fenomena yang paling menarik dalam muzik romantisme, yang sangat jelas dilihat apabila dibandingkan dengan sfera kiasan klasikisme, adalah penguasaan prinsip lirik-psikologi. Sudah tentu, ciri tersendiri seni muzik secara amnya ialah pembiasan sebarang fenomena melalui sfera perasaan. Muzik dari semua era tertakluk kepada corak ini. Tetapi golongan romantik mengatasi semua pendahulu mereka dalam nilai permulaan lirik dalam muzik mereka, dalam kekuatan dan kesempurnaan dalam menyampaikan kedalaman dunia dalaman seseorang, nuansa perasaan yang paling halus.

Tema cinta menduduki tempat yang dominan di dalamnya, kerana keadaan fikiran inilah yang paling komprehensif dan sepenuhnya mencerminkan semua kedalaman dan nuansa jiwa manusia. Tetapi adalah sangat ciri bahawa tema ini tidak terhad kepada motif cinta dalam erti kata literal, tetapi dikenal pasti dengan julat fenomena yang paling luas. Pengalaman penuh lirik watak-watak didedahkan dengan latar panorama sejarah yang luas. Cinta seseorang untuk rumahnya, untuk tanah airnya, untuk rakyatnya berjalan seperti benang melalui karya semua komposer romantis.

Tempat yang besar diberikan dalam karya muzik dalam bentuk kecil dan besar kepada imej alam semula jadi, berkait rapat dan tidak dapat dipisahkan dengan tema pengakuan lirik. Seperti imej cinta, imej alam semula jadi mempersonifikasikan keadaan minda pahlawan, yang sering diwarnai oleh rasa tidak harmoni dengan realiti.

Tema fantasi sering bersaing dengan imej alam semula jadi, yang mungkin dijana oleh keinginan untuk melarikan diri dari kurungan kehidupan sebenar. Lazim untuk romantik adalah mencari yang indah, berkilauan dengan kekayaan warna dunia, bertentangan dengan kehidupan seharian kelabu. Pada tahun-tahun inilah kesusasteraan diperkaya dengan cerita dongeng, balada penulis Rusia. Antara komposer sekolah romantis, imej yang hebat dan hebat memperoleh pewarna unik kebangsaan. Balada diilhamkan oleh penulis Rusia, dan terima kasih kepada ini, karya-karya rancangan aneh yang hebat dicipta, melambangkan, seolah-olah, sisi iman yang salah, berusaha untuk membalikkan idea-idea ketakutan terhadap kuasa jahat.

Banyak komposer romantik juga bertindak sebagai penulis dan pengkritik muzik (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt, dll.). Kerja-kerja teori perwakilan romantisme progresif memberikan sumbangan yang sangat penting kepada perkembangan isu-isu seni muzik yang paling penting. Romantisisme juga ditemui dalam seni persembahan (pemain biola Paganini, penyanyi A. Nurri, dan lain-lain).

Makna progresif Romantikisme dalam tempoh ini terletak terutamanya pada aktiviti Franz Liszt. Kerja Liszt, walaupun pandangan dunia yang bercanggah, pada dasarnya adalah progresif, realistik. Salah seorang pengasas dan klasik muzik Hungary, seorang artis negara yang cemerlang.

Tema kebangsaan Hungary dicerminkan secara meluas dalam kebanyakan karya Liszt. Gubahan romantik dan virtuoso Liszt mengembangkan kemungkinan teknikal dan ekspresif bermain piano (konserto, sonata). Penting ialah hubungan Liszt dengan wakil muzik Rusia, yang karya-karyanya dipromosikan secara aktif.

Pada masa yang sama, Liszt memainkan peranan besar dalam pembangunan seni muzik dunia. Selepas Liszt, "semuanya menjadi mungkin untuk pianoforte." Ciri ciri muziknya ialah improvisasi, kegembiraan perasaan romantis, melodi ekspresif. Liszt dihargai sebagai komposer, penghibur, tokoh muzik. Karya utama komposer: opera " Don Sancho atau istana cinta"(1825), 13 puisi simfoni" Tasso ”, ” Prometheus ”, “Dusun” dan lain-lain, karya untuk orkestra, 2 konserto untuk piano dan orkestra, 75 roman, koir dan karya lain yang sama terkenal.

Salah satu manifestasi pertama romantisme dalam muzik ialah kreativiti Franz Schubert(1797-1828). Schubert memasuki sejarah muzik sebagai pengasas romantisisme muzik terbesar dan pencipta beberapa genre baru: simfoni romantis, miniatur piano, lagu lirik-romantik (percintaan). Paling penting dalam kerjanya ialah lagu, di mana beliau menunjukkan terutamanya banyak kecenderungan inovatif. Dalam lagu-lagu Schubert, dunia dalaman seseorang paling mendalam didedahkan, hubungan cirinya dengan muzik rakyat paling ketara, salah satu ciri yang paling penting dalam bakatnya paling jelas - kepelbagaian, keindahan, pesona melodi yang menakjubkan. Lagu-lagu terbaik zaman awal ialah “ Margarita di roda berputar ”(1814) , “raja hutan". Kedua-dua lagu ditulis dengan kata-kata Goethe. Pada yang pertama, gadis yang ditinggalkan mengingati kekasihnya. Dia kesepian dan sangat menderita, lagunya sedih. Melodi yang ringkas dan ikhlas hanya bergema dengan dengungan angin yang membosankan. "Raja Hutan" adalah karya yang kompleks. Ini bukan lagu, tetapi adegan dramatik di mana tiga watak muncul di hadapan kita: seorang bapa menunggang kuda melalui hutan, seorang kanak-kanak yang sakit yang dibawa bersamanya, dan seorang raja hutan yang menggerunkan yang muncul kepada seorang budak lelaki dalam keadaan demam. mengigau. Setiap daripada mereka mempunyai bahasa melodinya sendiri. Lagu-lagu Schubert "Trout", "Barcarolle", "Morning Serenade" tidak kurang terkenal dan disayangi. Ditulis pada tahun-tahun kemudian, lagu-lagu ini luar biasa kerana melodinya yang ringkas dan ekspresif serta warna-warna segar.

Schubert juga menulis dua kitaran lagu - " pengilang yang cantik"(1823), dan" laluan musim sejuk”(1872) - kepada kata-kata penyair Jerman Wilhelm Müller. Dalam setiap daripada mereka, lagu-lagu disatukan oleh satu plot. Lagu-lagu kitaran "The Beautiful Miller's Woman" menceritakan tentang seorang budak lelaki. Mengikuti arus sungai itu, dia memulakan perjalanan untuk mencari kebahagiaannya. Kebanyakan lagu dalam kitaran ini mempunyai watak yang ringan. Suasana kitaran "Cara Musim Sejuk" berbeza sama sekali. Seorang pemuda miskin ditolak oleh pengantin perempuan yang kaya. Dalam keadaan terdesak, dia meninggalkan kota asalnya dan pergi menjelajah dunia. Rakan-rakannya adalah angin, ribut salji, burung gagak yang menggigil.

Beberapa contoh yang diberikan di sini membolehkan kita bercakap tentang ciri-ciri penulisan lagu Schubert.

Schubert suka menulis muzik piano. Untuk instrumen ini, dia menulis sejumlah besar karya. Seperti lagu, karya pianonya hampir dengan muzik harian dan sama mudah dan mudah difahami. Genre kegemaran gubahannya adalah tarian, perarakan, dan pada tahun-tahun terakhir hidupnya - dadakan.

Waltz dan tarian lain biasanya muncul di bola Schubert, dalam berjalan-jalan desa. Di sana dia membuat improvisasi, dan merakamnya di rumah.

Jika kita membandingkan kepingan piano Schubert dengan lagu-lagunya, kita boleh menemui banyak persamaan. Pertama sekali, ia adalah ekspresi melodi yang hebat, keanggunan, penjajaran berwarna-warni major dan minor.

Salah satu yang terbesar Perancis komposer separuh kedua abad ke-19 Georges Bizet, pencipta ciptaan abadi untuk teater muzikal - opera “Carmen"dan muzik yang indah untuk drama oleh Alphonse Daudet" Arlesian ”.

Karya Bizet dicirikan oleh ketepatan dan kejelasan pemikiran, kebaharuan dan kesegaran cara ekspresif, kesempurnaan dan keanggunan bentuk. Bizet dicirikan oleh ketajaman analisis psikologi dalam memahami perasaan dan tindakan manusia, yang merupakan ciri karya rakan senegara yang hebat komposer - penulis Balzac, Flaubert, Maupassant. Tempat utama dalam karya Bizet, pelbagai dalam genre, adalah milik opera. Seni opera komposer muncul di bumi negara dan dipupuk oleh tradisi rumah opera Perancis. Bizet menganggap tugas pertama dalam kerjanya untuk mengatasi sekatan genre yang ada dalam opera Perancis, yang menghalang perkembangannya. Opera "besar" seolah-olah dia genre mati, opera lirik menjengkelkan dengan air mata dan pemikiran sempit borjuasi kecil, komik itu patut mendapat perhatian lebih daripada yang lain. Buat pertama kali dalam opera Bizet, adegan domestik dan massa yang berair dan meriah muncul, menjangka kehidupan dan adegan yang jelas.

Muzik Bizet untuk drama Alphonse Daudet “Arlesia” dikenali terutamanya untuk dua suite konsert yang terdiri daripada nombor terbaiknya. Bizet menggunakan beberapa melodi Provençal asli : “Perarakan Tiga Raja” Dan "Tarian kuda lincah".

opera Bizet Carmen” ialah drama muzikal yang dibentangkan di hadapan penonton dengan kebenaran yang meyakinkan dan dengan kuasa artistik yang menawan kisah cinta dan kematian wiranya: askar Jose dan Carmen gipsi. Opera Carmen dicipta berdasarkan tradisi teater muzikal Perancis, tetapi pada masa yang sama ia juga memperkenalkan banyak perkara baru. Berdasarkan pencapaian terbaik opera negara dan memperbaharui elemen terpentingnya, Bizet mencipta genre baharu - drama muzikal yang realistik.

Dalam sejarah gedung opera abad ke-19, opera Carmen menduduki salah satu tempat pertama. Sejak 1876, perarakan kemenangannya bermula di pentas gedung opera Vienna, Brussels, dan London.

Manifestasi hubungan peribadi dengan alam sekitar diungkapkan oleh penyair dan pemuzik, pertama sekali, secara segera, "keterbukaan" emosi dan keghairahan ekspresi, dalam usaha untuk meyakinkan pendengar dengan bantuan intensiti nada yang tidak henti-henti. pengiktirafan atau pengakuan.

Trend baru dalam seni ini mempunyai pengaruh yang menentukan pada kemunculan opera lirik. Ia timbul sebagai antitesis "grand" dan opera komik, tetapi ia tidak dapat melepasi penaklukan dan pencapaian mereka dalam bidang dramaturgi opera dan cara ekspresi muzik.

Ciri tersendiri genre opera baharu ialah tafsiran lirik mana-mana plot sastera - pada tema sejarah, falsafah atau moden. Wira opera lirik dikurniakan ciri-ciri orang biasa, tanpa eksklusiviti dan beberapa hiperbolisasi, ciri opera romantik. Artis paling penting dalam bidang opera lirik ialah Charles Gounod.

Di antara warisan opera Gounod yang agak banyak, opera “ Faust" menduduki tempat yang istimewa dan, boleh dikatakan, tempat yang luar biasa. Kemasyhuran dan popularitinya di seluruh dunia tidak dapat ditandingi oleh opera Gounod yang lain. Kepentingan sejarah opera Faust sangat hebat kerana ia bukan sahaja yang terbaik, tetapi pada dasarnya yang pertama di antara opera arah baru, yang Tchaikovsky menulis: "Tidak mungkin untuk menafikan bahawa Faust ditulis, jika tidak dengan genius, kemudian dengan kemahiran yang luar biasa dan tanpa identiti yang ketara.” Dalam imej Faust, ketidakkonsistenan yang tajam dan "perpecahan" kesedarannya, ketidakpuasan abadi yang disebabkan oleh keinginan untuk mengetahui dunia, terlicin. Gounod tidak dapat menyampaikan semua fleksibiliti dan kerumitan imej Mephistopheles Goethe, yang merangkumi semangat kritikan militan pada era itu.

Salah satu sebab utama populariti "Faust" adalah kerana ia menumpukan ciri-ciri terbaik dan asas baru dalam genre opera lirik muda: pemindahan individu secara langsung dan jelas secara emosi terhadap dunia dalaman watak opera. Makna falsafah mendalam Goethe's Faust, yang berusaha untuk mendedahkan takdir sejarah dan sosial semua manusia pada contoh konflik watak utama, dijelmakan oleh Gounod dalam bentuk drama lirik berperikemanusiaan Marguerite dan Faust.

Komposer Perancis, konduktor, pengkritik muzik Hector Berlioz memasuki sejarah muzik sebagai komposer romantik terbesar, pencipta simfoni program, inovator dalam bidang bentuk muzik, harmoni dan terutamanya instrumentasi. Dalam karyanya, mereka mendapati penjelmaan jelas ciri-ciri kesedihan dan kepahlawanan revolusioner. Berlioz kenal dengan M. Glinka, yang muziknya sangat dia hargai. Dia beramah mesra dengan pemimpin "Perkasa Handful", yang dengan penuh semangat menerima tulisan dan prinsip kreatifnya.

Dia mencipta 5 karya pentas muzik, termasuk opera " Benvenuto Cillini ”(1838), “ Trojan ”,”Beatrice dan Benedict(berdasarkan komedi Shakespeare Much Ado About Nothing, 1862); 23 karya vokal dan simfoni, 31 percintaan, koir, dia menulis buku "Great Treatise on Modern Instrumentation and Orchestration" (1844), "Evenings in the Orchestra" (1853), "Through Songs" (1862), "Musical Curiosities" ( 1859), "Memoir" (1870), artikel, ulasan.

Jerman komposer, konduktor, penulis drama, publisiti Richard Wagner memasuki sejarah budaya muzik dunia sebagai salah satu pencipta muzik terhebat dan pembaharu utama seni opera. Matlamat pembaharuannya adalah untuk mencipta karya vokal-simfoni programmatik yang monumental dalam bentuk dramatik, direka untuk menggantikan semua jenis opera dan muzik simfoni. Karya sedemikian adalah drama muzikal, di mana muzik mengalir dalam aliran berterusan, menggabungkan semua pautan dramatik. Menolak nyanyian selesai, Wagner menggantikannya dengan sejenis bacaan yang kaya dengan emosi. Tempat yang besar dalam opera Wagner diduduki oleh episod orkestra bebas, yang merupakan sumbangan berharga kepada muzik simfoni dunia.

Tangan Wagner milik 13 opera: “ The Flying Dutchman"(1843), "Tannhäuser"(1845), "Tristan and Isolde"(1865), "Gold of the Rhine"(1869) dan lain-lain; koir, keping piano, percintaan.

Seorang lagi komposer, konduktor, pemain piano, guru dan tokoh muzik terkenal Jerman ialah Felix Mendelssohn-Bartholdy. Dari usia 9 tahun dia mula beraksi sebagai pemain piano, pada usia 17 tahun dia mencipta salah satu karya agung - satu rancangan untuk komedi " C dia pada malam musim panas" Shakespeare. Pada tahun 1843 beliau mengasaskan konservatori pertama di Jerman di Leipzig. Dalam karya Mendelssohn, "klasik di kalangan orang romantis", ciri-ciri romantis digabungkan dengan sistem pemikiran klasik. Muziknya dicirikan oleh melodi yang cerah, ekspresi demokrasi, kesederhanaan perasaan, ketenangan fikiran, penguasaan emosi yang cerah, mood lirik, bukan tanpa sedikit sentuhan sentimentaliti, bentuk yang sempurna, ketukangan yang cemerlang. R. Schumann memanggilnya "Mozart abad ke-19", G. Heine - "keajaiban muzik".

Pengarang simfoni romantik landskap (“Skotlandia”, “Itali”), rancangan konsert konsert, konserto biola popular, kitaran keping untuk pianoforte “Lagu Tanpa Perkataan”; opera Camacho's Marriage.Beliau menulis muzik untuk dramatik drama Antigone (1841), Oedipus in Colon (1845) oleh Sophocles, Atalia oleh Racine (1845), Shakespeare's A Midsummer Night's Dream (1843) dan lain-lain; oratorios "Paul" (1836), "Elijah" (1846); 2 konserto untuk piano dan 2 untuk biola.

DALAM Itali budaya muzik tempat istimewa adalah milik Giuseppe Verdi - komposer, konduktor, organis yang cemerlang. Bidang utama kerja Verdi ialah opera. Beliau bertindak terutamanya sebagai jurucakap untuk perasaan heroik-patriotik dan idea-idea pembebasan kebangsaan rakyat Itali. Pada tahun-tahun berikutnya, dia memberi perhatian kepada konflik dramatik yang dihasilkan oleh ketidaksamaan sosial, keganasan, penindasan, dan mengecam kejahatan dalam operanya. Ciri ciri karya Verdi: muzik rakyat, perangai dramatik, kecerahan melodi, pemahaman tentang undang-undang pentas.

Dia menulis 26 opera: “ Nabucco”, “Macbeth”, “Troubadour”, “La Traviata”, “Othello”, “Aida"dan lain-lain . , 20 roman, ensembel vokal .

Muda bahasa Norway komposer Edvard Grieg (1843-1907) bercita-cita untuk pembangunan muzik negara. Ini dinyatakan bukan sahaja dalam karyanya, tetapi juga dalam promosi muzik Norway.

Selama bertahun-tahun di Copenhagen, Grieg menulis banyak muzik: “ Gambar Puisi” Dan "Humoresque", sonata untuk piano dan sonata biola pertama, lagu. Dengan setiap karya baharu, imej Grieg sebagai komposer Norway terserlah dengan lebih jelas. Dalam lirik halus "Poetic Pictures" (1863), ciri-ciri negara masih malu-malu menembusi. Tokoh berirama sering dijumpai dalam muzik rakyat Norway; ia menjadi ciri bagi kebanyakan melodi Grieg.

Kerja Grieg sangat luas dan pelbagai rupa. Grieg menulis karya pelbagai genre. Konsert Piano dan Ballades, tiga sonata untuk biola dan piano dan sonata untuk cello dan piano, kuartet itu membuktikan keinginan berterusan Grieg untuk bentuk yang besar. Pada masa yang sama, minat komposer dalam miniatur instrumental kekal tidak berubah. Pada tahap yang sama seperti pianoforte, komposer tertarik dengan miniatur vokal bilik - percintaan, lagu. Jangan menjadi yang utama dengan Grieg, bidang kreativiti simfoni ditandai dengan karya agung seperti suite " Per Gounod ”, “Dari zaman Holberg". Salah satu jenis ciri karya Grieg ialah pemprosesan lagu dan tarian rakyat: dalam bentuk kepingan piano mudah, kitaran suite untuk piano empat tangan.

Bahasa muzik Grieg sangat asli. Keperibadian gaya komposer kebanyakannya ditentukan oleh hubungan mendalamnya dengan muzik rakyat Norway. Grieg banyak menggunakan ciri-ciri genre, struktur intonasi, formula berirama lagu rakyat dan melodi tarian.

Penguasaan luar biasa Grieg dalam perkembangan variasi dan variasi melodi berakar umbi dalam tradisi rakyat pengulangan melodi berulang dengan perubahannya. "Saya merakam muzik rakyat negara saya." Di sebalik kata-kata ini terletak sikap hormat Grieg terhadap seni rakyat dan pengiktirafan peranannya yang menentukan untuk kreativitinya sendiri.

7. KESIMPULAN

Berdasarkan perkara di atas, kesimpulan berikut boleh dibuat:

Kemunculan romantisme dipengaruhi oleh tiga peristiwa utama: Revolusi Perancis, Perang Napoleon, kebangkitan gerakan pembebasan nasional di Eropah.

Romantikisme sebagai kaedah dan hala tuju dalam budaya seni adalah fenomena yang kompleks dan kontroversi. Di setiap negara dia mempunyai ekspresi kebangsaan yang cerah. Romantik menduduki pelbagai kedudukan sosial dan politik dalam masyarakat. Mereka semua memberontak terhadap hasil revolusi borjuasi, tetapi mereka memberontak dengan cara yang berbeza, kerana masing-masing mempunyai cita-cita sendiri. Tetapi dengan pelbagai wajah dan kepelbagaian, romantisme mempunyai ciri yang stabil:

Kesemuanya datang dari penafian Pencerahan dan kanun rasionalistik klasikisme, yang membelenggu inisiatif kreatif artis.

Mereka menemui prinsip historisisme (pencerahan menilai masa lalu secara anti-sejarah bagi mereka terdapat "munasabah" dan "tidak munasabah"). Kami melihat watak manusia pada masa lalu, dibentuk oleh zaman mereka. Minat terhadap masa lampau negara menimbulkan banyak karya sejarah.

Minat pada personaliti yang kuat yang menentang dirinya kepada seluruh dunia di sekelilingnya dan hanya bergantung pada dirinya sendiri.

Perhatian kepada dunia dalaman manusia.

Romantikisme berkembang secara meluas di negara-negara Eropah Barat dan di Rusia. Walau bagaimanapun, romantisme di Rusia berbeza daripada Eropah Barat yang memihak kepada latar sejarah yang berbeza dan tradisi budaya yang berbeza. Sebab sebenar kemunculan romantisme di Rusia ialah Perang Patriotik 1812, di mana semua kuasa inisiatif popular ditunjukkan.

Ciri-ciri romantisme Rusia:

Romantikisme tidak menentang Pencerahan. Ideologi pencerahan menjadi lemah, tetapi tidak runtuh, seperti di Eropah. Cita-cita seorang raja yang tercerahkan belum meletihkan dirinya sendiri.

Romantikisme berkembang selari dengan klasikisme, sering berkait dengannya.

Romantisme di Rusia menampakkan dirinya dengan cara yang berbeza dalam pelbagai jenis seni. Dalam seni bina, ia tidak dibaca sama sekali. Dalam lukisan, ia mengering pada pertengahan abad ke-19. Dia hanya muncul sebahagiannya dalam muzik. Mungkin hanya dalam kesusasteraan romantisme memanifestasikan dirinya secara konsisten.

Dalam seni visual, romantisme menjelma paling jelas dalam lukisan dan grafik, kurang ekspresif dalam arca dan seni bina.

Romantik membuka dunia jiwa manusia, individu, tidak seperti orang lain, tetapi ikhlas dan oleh itu dekat dengan semua penglihatan sensual dunia. Kekekalan imej dalam lukisan, seperti yang dikatakan oleh Delacroix, dan bukan konsistensinya dalam persembahan sastera, menentukan tumpuan artis pada penghantaran pergerakan yang paling kompleks, demi penyelesaian formal dan berwarna baru ditemui. Romantikisme meninggalkan warisan pada separuh kedua abad XIX. semua masalah dan keperibadian artistik ini dibebaskan daripada peraturan akademik. Simbol, yang di kalangan Romantik sepatutnya menyatakan gabungan penting idea dan kehidupan, dalam seni separuh kedua abad ke-19. larut dalam polifoni imej artistik, menangkap kepelbagaian idea dan dunia sekeliling. Romantik dalam seni lukis berkait rapat dengan sentimentalisme.

Terima kasih kepada romantisme, visi subjektif peribadi artis mengambil bentuk undang-undang. Impresionisme akan memusnahkan sepenuhnya penghalang antara artis dan alam semula jadi, mengisytiharkan seni sebagai kesan. Romantik bercakap tentang fantasi artis, "suara perasaannya", yang membolehkannya berhenti kerja apabila tuan menganggapnya perlu, dan bukan seperti yang dikehendaki oleh standard kesempurnaan akademik.

Romantikisme meninggalkan seluruh era dalam budaya seni dunia, wakilnya adalah: dalam kesusasteraan Rusia Zhukovsky, A. Pushkin, M. Lermontov dan lain-lain; dalam seni halus E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky, A. Venetsianov, A. Orlorsky, V. Tropinin dan lain-lain; dalam muzik F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin dan lain-lain. Mereka menemui dan mengembangkan genre baru, memberi perhatian kepada nasib keperibadian manusia, mendedahkan dialektik baik dan jahat, nafsu manusia yang didedahkan dengan mahir, dsb.

Bentuk seni lebih kurang sama dalam kepentingannya dan menghasilkan karya seni yang mengagumkan, walaupun golongan romantik memberi keutamaan kepada muzik dalam tangga seni.

Romantikisme sebagai pandangan dunia wujud di Rusia dalam gelombang pertama dari akhir abad ke-18 hingga 1850-an. Garis romantis dalam seni Rusia tidak berhenti pada tahun 1850-an. Tema keadaan makhluk, yang ditemui oleh Romantik untuk seni, kemudiannya dibangunkan oleh artis Blue Rose. Pewaris langsung Romantik tidak diragukan lagi adalah Simbolis. Tema romantis, motif, peranti ekspresif memasuki seni gaya yang berbeza, arah, persatuan kreatif. Pandangan dunia atau pandangan dunia yang romantis ternyata menjadi salah satu yang paling meriah, tabah, membuahkan hasil.

Romantisisme sebagai sikap umum, ciri terutamanya orang muda, sebagai keinginan untuk kebebasan yang ideal dan kreatif, masih terus hidup dalam seni dunia.

8. RUJUKAN

1. Amminskaya A.M. Alexey Gavrilovich Vnetsianov. -- M: Pengetahuan, 1980

2. Atsarkina E.N. Alexander Osipovich Orlovsky. -- M: Seni, 1971.

3. Belinsky V.G. Berfungsi. A. Pushkin. - M: 1976.

4. Ensiklopedia Soviet Hebat (Ketua editor Prokhorov A.M.).- M: Ensiklopedia Soviet, 1977.

5. Vainkop Yu., Gusin I. Kamus biografi ringkas komposer. - L: Muzik, 1983.

6. Vasily Andreevich Tropiin (di bawah pengarang M.M. Rakovskaya). -- M: Seni visual, 1982.

7. Vorotnikov A.A., Gorshkovoz O.D., Yorkina O.A. Sejarah Seni. - Mn: Sastera, 1997.

8. Zimenko V. Alexander Osipovich Orlovsky. -- M: Pusat Penerbitan Seni Halus Negeri, 1951.

9. Ivanov S.V. M.Yu.Lermontov. Kehidupan dan seni. - M: 1989.

10. Kesusasteraan muzik negara luar (di bawah pengarang B. Levik).- M: Muzik, 1984.

11. Nekrasova E.A. Turner. -- M: Seni Halus, 1976.

12. Ozhegov S.I. Kamus bahasa Rusia. - M: Rumah penerbitan negeri kamus asing dan Rusia, 1953.

13. Orlova M. J. Konstabel. -- M: Seni, 1946.

14. Artis Rusia. A.G. Venetsianov. - M: Pusat Penerbitan Seni Halus Negeri, 1963.

15. Sokolov A.N. Sejarah kesusasteraan Rusia abad ke-19 (separuh pertama). - M: Sekolah Tinggi, 1976.

16. Turchin V.S. Orest Kiprensky. -- M: Pengetahuan, 1982.

17. Turchin V.S. Theodore Géricault. -- M: Seni visual, 1982.

18. Filimonova S.V. Sejarah budaya seni dunia.-- Mozyr: White wind, 1997.

Romantikisme sebagai aliran dalam lukisan telah terbentuk di Eropah Barat pada akhir abad ke-18. Romantikisme mencapai kemuncaknya dalam seni kebanyakan negara Eropah Barat pada tahun 1920-an dan 1930-an. abad ke-19.

Istilah "romantik" sendiri berasal dari perkataan "novel" (pada abad ke-17, karya sastera yang ditulis bukan dalam bahasa Latin, tetapi dalam bahasa yang berasal darinya - Perancis, Inggeris, dll.) dipanggil novel. Kemudian, segala-galanya yang tidak dapat difahami dan misteri mula dipanggil romantis.

Sebagai fenomena budaya, romantisisme terbentuk daripada pandangan dunia istimewa yang dihasilkan oleh hasil Revolusi Perancis. Kecewa dengan cita-cita Pencerahan, Romantik, berusaha untuk keharmonian dan integriti, mencipta cita-cita estetika dan nilai artistik baharu. Objek utama perhatian mereka adalah watak-watak yang luar biasa dengan semua pengalaman dan keinginan mereka untuk kebebasan. Wira karya romantis adalah orang yang luar biasa yang, atas kehendak takdir, mendapati dirinya dalam keadaan hidup yang sukar.

Walaupun romantisisme timbul sebagai protes terhadap seni klasikisme, ia dalam banyak cara dekat dengan yang terakhir. Romantik sebahagiannya merupakan wakil klasikisme seperti N. Poussin, C. Lorrain, J. O. D. Ingres.

Romantik diperkenalkan ke dalam lukisan ciri kebangsaan asli, iaitu sesuatu yang kurang dalam seni klasik.
Wakil terbesar romantisisme Perancis ialah T. Gericault.

Theodore Géricault

Theodore Gericault, pelukis, pengukir dan artis grafik Perancis yang hebat, dilahirkan pada tahun 1791 di Rouen dalam keluarga kaya. Bakat artis itu nyata dalam dirinya agak awal. Selalunya, daripada menghadiri kelas di sekolah, Géricault duduk di kandang dan menarik kuda. Walaupun begitu, dia berusaha bukan sahaja untuk memindahkan ciri luaran haiwan ke kertas, tetapi juga untuk menyampaikan perangai dan watak mereka.

Selepas menamatkan pengajian dari Lyceum pada tahun 1808, Géricault menjadi pelajar pelukis terkenal ketika itu Carl Vernet, yang terkenal dengan keupayaannya untuk menggambarkan kuda di atas kanvas. Bagaimanapun, artis muda itu tidak menyukai gaya Vernet. Tidak lama kemudian dia meninggalkan bengkel dan pergi belajar dengan pelukis lain, tidak kurang berbakat daripada Vernet, P. N. Guerin. Semasa belajar dengan dua artis terkenal, Gericault bagaimanapun tidak meneruskan tradisi mereka dalam seni lukis. J. A. Gros dan J. L. David mungkin harus dianggap sebagai guru sebenar beliau.

Karya-karya awal Gericault dibezakan oleh fakta bahawa mereka sedekat mungkin dengan kehidupan. Lukisan sedemikian sangat ekspresif dan menyedihkan. Mereka menunjukkan mood pengarang yang bersemangat ketika menilai dunia di sekelilingnya. Contohnya ialah lukisan yang dipanggil "Officer of the Imperial Horse Rangers during an Attack", yang dicipta pada tahun 1812. Kanvas ini mula-mula dilihat oleh pelawat ke Salon Paris. Mereka menerima karya artis muda dengan kagum, menghargai bakat tuan muda.

Kerja itu dicipta semasa tempoh sejarah Perancis, ketika Napoleon berada di puncak kegemilangannya. Orang sezaman mengidolakannya, maharaja besar, yang berjaya menakluki sebahagian besar Eropah. Dengan perasaan yang sedemikian, di bawah kesan kemenangan tentera Napoleon, gambar itu dicat. Kanvas itu menunjukkan seorang askar berlari menaiki kuda. Wajahnya menunjukkan keazaman, keberanian dan keberanian menghadapi kematian. Komposisi keseluruhan
dinamik dan emosi yang luar biasa. Penonton mendapat perasaan bahawa dia sendiri menjadi peserta sebenar dalam acara yang digambarkan di kanvas.

Sosok askar yang berani akan muncul lebih daripada sekali dalam karya Géricault. Antara imej sedemikian, yang menarik minat khusus ialah wira lukisan "Pegawai Carabinieri", "Pegawai Cuirassier sebelum serangan", "Potret Carabinieri", "Cuirassier Terluka", dicipta pada tahun 1812-1814. Kerja terakhir adalah luar biasa kerana ia telah dibentangkan pada pameran seterusnya yang diadakan di Salon pada tahun yang sama. Walau bagaimanapun, ini bukan kelebihan utama komposisi. Lebih penting, ia menunjukkan perubahan yang berlaku dalam gaya kreatif artis. Sekiranya perasaan patriotik yang tulus tercermin dalam kanvas pertamanya, maka dalam karya sejak tahun 1814, kesedihan dalam penggambaran pahlawan digantikan oleh drama.

Perubahan serupa dalam mood artis sekali lagi dikaitkan dengan peristiwa yang berlaku pada masa itu di Perancis. Pada tahun 1812, Napoleon dikalahkan di Rusia, sehubungan dengannya dia, yang pernah menjadi wira yang cemerlang, memperoleh kemuliaan seorang pemimpin tentera yang tidak berjaya dan seorang lelaki yang sombong yang angkuh dari sezamannya. Géricault merangkumi kekecewaannya dalam cita-cita dalam lukisan "The Wounded Cuirassier". Kanvas itu menggambarkan seorang pahlawan yang cedera cuba meninggalkan medan perang secepat mungkin. Dia bersandar pada pedang - senjata yang, mungkin, hanya beberapa minit yang lalu dia pegang, mengangkatnya tinggi.

Ia adalah ketidakpuasan hati Géricault dengan dasar Napoleon yang menentukan kemasukannya ke dalam perkhidmatan Louis XVIII, yang mengambil takhta Perancis pada tahun 1814. Hakikat bahawa selepas rampasan kedua kuasa di Perancis oleh Napoleon (tempoh Seratus Hari) artis muda meninggalkannya. negara asal bersama-sama dengan Bourbons. Tetapi di sini juga, kekecewaan menantinya. Pemuda itu tidak dapat dengan tenang menonton bagaimana raja memusnahkan segala yang dicapai semasa pemerintahan Napoleon. Di samping itu, di bawah Louis XVIII terdapat peningkatan reaksi feudal-Katolik, negara itu berguling lebih cepat dan lebih cepat, kembali kepada sistem negara lama. Ini tidak boleh diterima oleh orang muda yang berfikiran progresif. Tidak lama kemudian, lelaki muda itu, yang hilang kepercayaan pada cita-citanya, meninggalkan tentera yang dipimpin oleh Louis XVIII, dan sekali lagi mengambil berus dan cat. Tahun-tahun ini tidak boleh dipanggil cerah dan sesuatu yang luar biasa dalam karya artis.

Pada tahun 1816, Gericault pergi ke Itali. Setelah melawat Rom dan Florence dan telah mempelajari karya agung tuan terkenal, artis itu gemar lukisan monumental. Lukisan dinding Michelangelo, yang menghiasi Kapel Sistine, terutama menarik perhatiannya. Pada masa ini, karya telah dicipta oleh Géricault, dalam skala dan keagungan mereka, dalam banyak aspek mengingatkan kanvas pelukis Zaman Renaissance Tinggi. Antaranya, yang paling menarik ialah "The Abduction of the Nymph by the Centaur" dan "The Man Throwing the Bull."

Ciri-ciri yang sama dari gaya tuan lama juga boleh dilihat dalam lukisan "Berlari kuda percuma di Rom", dicat sekitar tahun 1817 dan mewakili pertandingan penunggang kuda di salah satu karnival yang berlangsung di Rom. Ciri komposisi ini ialah ia disusun oleh artis daripada lukisan semula jadi yang dibuat sebelum ini. Selain itu, sifat lakaran berbeza dengan ketara daripada gaya keseluruhan kerja. Jika yang pertama adalah adegan yang menggambarkan kehidupan orang Rom - sezaman dengan artis, maka dalam komposisi keseluruhan terdapat imej pahlawan purba yang berani, seolah-olah mereka telah keluar dari naratif kuno. Dalam hal ini, Gericault mengikuti jalan J. L. David, yang, untuk memberikan gambaran kesedihan heroik, memakaikan pahlawannya dalam bentuk kuno.

Tidak lama selepas lukisan gambar ini, Gericault kembali ke Perancis, di mana dia menjadi ahli bulatan pembangkang yang dibentuk di sekeliling pelukis Horace Vernet. Apabila tiba di Paris, artis itu sangat berminat dengan grafik. Pada tahun 1818, beliau mencipta satu siri litograf pada tema ketenteraan, di antaranya yang paling penting ialah "Kembali dari Rusia". Litograf mewakili tentera yang kalah tentera Perancis yang mengembara melalui padang yang dilitupi salji. Sosok-sosok orang yang lumpuh dan letih berperang digambarkan dengan cara yang seperti hidup dan jujur. Tiada kesedihan dan kepahlawanan dalam gubahan, yang merupakan tipikal untuk karya awal Gericault. Artis itu berusaha untuk mencerminkan keadaan sebenar, semua bencana yang terpaksa ditanggung oleh askar Perancis yang ditinggalkan oleh komander mereka di tanah asing.

Dalam karya "Kembali dari Rusia" buat pertama kalinya tema perjuangan manusia dengan kematian didengari. Walau bagaimanapun, di sini motif ini belum lagi dinyatakan dengan jelas seperti dalam karya Géricault yang kemudiannya. Contoh kanvas sedemikian boleh menjadi lukisan yang dipanggil "The Raft of the Medusa". Ia ditulis pada tahun 1819 dan dipamerkan di Salon Paris pada tahun yang sama. Kanvas itu menggambarkan orang yang bergelut dengan unsur air yang mengamuk. Artis menunjukkan bukan sahaja penderitaan dan siksaan mereka, tetapi juga keinginan untuk muncul sebagai pemenang dalam perjuangan menentang kematian di semua kos.

Plot komposisi ditentukan oleh peristiwa yang berlaku pada musim panas 1816 dan menggembirakan seluruh Perancis. Frigat yang terkenal ketika itu "Medusa" terserempak ke dalam terumbu dan tenggelam di luar pantai Afrika. Daripada 149 orang yang berada di dalam kapal itu, hanya 15 orang yang dapat melarikan diri, antaranya ialah pakar bedah Savigny dan jurutera Correard. Setibanya di tanah air mereka, mereka menerbitkan sebuah buku kecil yang menceritakan tentang pengembaraan mereka dan selamat menyelamat. Dari kenangan inilah orang Perancis mengetahui bahawa malang itu berlaku kerana kesalahan kapten kapal yang tidak berpengalaman, yang naik ke atas kapal berkat naungan seorang kawan yang mulia.

Imej yang dicipta oleh Gericault adalah luar biasa dinamik, plastik dan ekspresif, yang dicapai oleh artis melalui kerja yang panjang dan teliti. Untuk benar-benar menggambarkan peristiwa dahsyat di atas kanvas, untuk menyampaikan perasaan orang yang mati di laut, artis itu bertemu dengan saksi mata tragedi itu, untuk masa yang lama dia mengkaji wajah pesakit yang kurus kering yang dirawat di salah satu hospital di Paris , serta kelasi yang berjaya menyelamatkan diri daripada bangkai kapal. Pada masa ini, pelukis mencipta sejumlah besar karya potret.

Laut yang bergelora juga dipenuhi makna yang mendalam, bagaikan cuba menelan rakit kayu yang rapuh bersama manusia. Imej ini luar biasa ekspresif dan dinamik. Ia, seperti tokoh manusia, diambil dari alam semula jadi: artis membuat beberapa lakaran yang menggambarkan laut semasa ribut. Mengusahakan gubahan monumental, Gericault berulang kali beralih kepada lakaran yang disediakan sebelum ini untuk mencerminkan sepenuhnya sifat unsur-unsur itu. Itulah sebabnya gambar itu memberi kesan yang besar kepada penonton, meyakinkannya tentang realisme dan kebenaran apa yang sedang berlaku.

"The Raft of the Medusa" mempersembahkan Géricault sebagai ahli gubahan yang luar biasa. Untuk masa yang lama, artis berfikir tentang cara menyusun angka dalam gambar untuk menyatakan hasrat penulis sepenuhnya. Beberapa perubahan telah dibuat semasa menjalankan kerja. Lakaran sebelum lukisan itu menunjukkan bahawa pada mulanya Gericault ingin menggambarkan perjuangan rakyat di atas rakit antara satu sama lain, tetapi kemudiannya meninggalkan tafsiran peristiwa tersebut. Dalam versi terakhir, kanvas mewakili saat orang yang sudah terdesak melihat kapal Argus di kaki langit dan menghulurkan tangan mereka kepadanya. Tambahan terakhir pada gambar itu ialah figura manusia yang diletakkan di bawah, di sebelah kanan kanvas. Dialah yang menjadi sentuhan terakhir komposisi, yang selepas itu memperoleh watak yang sangat tragis. Perlu diperhatikan bahawa perubahan ini dibuat apabila lukisan itu sudah dipamerkan di Salon.

Dengan monumentaliti dan emosi yang lebih tinggi, lukisan Gericault dalam banyak cara mengingatkan karya sarjana Renaissance Tinggi (kebanyakannya The Last Judgment karya Michelangelo), yang ditemui artis semasa mengembara di Itali.

Lukisan "The Raft of the Medusa", yang menjadi karya lukisan Perancis, adalah kejayaan besar dalam kalangan pembangkang, yang melihatnya sebagai cerminan cita-cita revolusioner. Atas sebab yang sama, karya itu tidak diterima di kalangan bangsawan tertinggi dan wakil rasmi seni halus Perancis. Sebab itu pada masa itu kanvas itu tidak dibeli oleh negara daripada penulis.

Kecewa dengan sambutan yang diberikan kepada ciptaannya di rumah, Gericault pergi ke England, di mana dia membentangkan karya kegemarannya kepada mahkamah British. Di London, ahli seni menerima kanvas terkenal dengan penuh semangat.

Gericault mendekati artis Inggeris, yang memenanginya dengan keupayaan mereka untuk menggambarkan realiti dengan ikhlas dan jujur. Gericault menumpukan kitaran litograf kepada kehidupan dan kehidupan ibu kota England, antaranya karya-karya yang menerima gelaran "The Great English Suite" (1821) dan "The Old Beggar Dying at the Doors of the Bakery" (1821) adalah kepentingan terbesar. Dalam yang terakhir, artis itu menggambarkan seorang gelandangan London, yang mencerminkan kesan yang diterima oleh pelukis dalam proses mengkaji kehidupan orang di kawasan kelas pekerja di bandar itu.

Kitaran yang sama termasuk litograf seperti "The Flanders Smith" dan "At the Gates of the Adelphin Shipyard", mempersembahkan kepada penonton gambaran kehidupan orang biasa di London. Menarik dalam karya ini ialah imej kuda, berat dan berat badan berlebihan. Mereka nyata berbeza daripada haiwan anggun dan anggun yang dilukis oleh artis lain - sezaman dengan Géricault.

Berada di ibu negara England, Gericault terlibat dalam penciptaan bukan sahaja litograf, tetapi juga lukisan. Salah satu karya yang paling menarik dalam tempoh ini ialah kanvas "Race at Epsom", yang dicipta pada tahun 1821. Dalam gambar itu, artis menggambarkan kuda bergegas dengan kelajuan penuh, dan kaki mereka tidak menyentuh tanah sama sekali. Teknik licik ini (gambar membuktikan bahawa kuda tidak boleh mempunyai kedudukan kaki seperti itu semasa berlari, ini adalah fantasi artis) digunakan oleh tuan untuk memberikan dinamisme kepada komposisi, untuk memberikan penonton gambaran kilat- pergerakan kuda yang pantas. Perasaan ini dipertingkatkan dengan pemindahan tepat keplastikan (pose, gerak isyarat) figura manusia, serta penggunaan kombinasi warna yang terang dan kaya (merah, teluk, kuda putih; biru tua, merah tua, putih-biru dan emas- jaket kuning joki) .

Tema lumba kuda, yang telah lama menarik perhatian pelukis dengan ekspresi istimewanya, diulang lebih daripada sekali dalam karya yang dicipta oleh Géricault selepas selesai kerja Lumba Kuda di Epsom.

Menjelang 1822 artis itu meninggalkan England dan kembali ke negara asalnya Perancis. Di sini dia terlibat dalam penciptaan kanvas besar, serupa dengan karya-karya tuan Renaissance. Antaranya ialah "perdagangan Negro", "Membuka pintu penjara Inkuisisi di Sepanyol". Lukisan-lukisan ini masih belum selesai - kematian menghalang Gericault daripada menyiapkan kerja.

Kepentingan khusus adalah potret, penciptaan yang disifatkan oleh ahli sejarah seni untuk tempoh dari 1822 hingga 1823. Sejarah penulisan mereka patut diberi perhatian khusus. Hakikatnya ialah potret ini ditugaskan oleh rakan artis, yang bekerja sebagai pakar psikiatri di sebuah klinik di Paris. Mereka sepatutnya menjadi sejenis ilustrasi yang menunjukkan pelbagai penyakit mental seseorang. Maka potret "Wanita tua yang gila", "Gila", "Gila, membayangkan dirinya seorang komander" dilukis. Bagi tuan lukisan, adalah penting bukan untuk menunjukkan tanda-tanda dan gejala luaran penyakit, tetapi untuk menyampaikan keadaan batin, mental orang yang sakit. Imej tragis orang muncul pada kanvas di hadapan penonton, yang matanya dipenuhi dengan kesakitan dan kesedihan.

Di antara potret Géricault, tempat istimewa diduduki oleh potret seorang Negro, yang kini berada dalam koleksi Muzium Rouen. Seorang yang berazam dan berkemauan kuat melihat penonton dari kanvas, bersedia untuk bertarung hingga akhir dengan kekuatan yang memusuhinya. Imej itu luar biasa cerah, emosi dan ekspresif. Lelaki dalam gambar ini sangat mirip dengan wira yang kuat semangat yang pernah ditunjukkan oleh Gericault dalam gubahan besar (contohnya, pada kanvas "The Raft of the Medusa").

Gericault bukan sahaja mahir dalam lukisan, tetapi juga seorang pengukir yang sangat baik. Karya-karya beliau dalam bentuk seni ini pada awal abad ke-19 adalah contoh pertama arca romantis. Di antara karya sedemikian, komposisi ekspresif yang luar biasa "Nymph dan Satyr" sangat diminati. Imej beku dalam gerakan dengan tepat menyampaikan keplastikan tubuh manusia.

Théodore Gericault meninggal dunia secara tragis pada tahun 1824 di Paris, terhempas dalam kejatuhan dari kuda. Kematian awalnya adalah kejutan kepada semua sezaman artis terkenal itu.

Kerja Gericault menandakan peringkat baru dalam pembangunan lukisan bukan sahaja di Perancis, tetapi juga dalam seni dunia - tempoh romantisme. Dalam karyanya, tuan mengatasi pengaruh tradisi klasik. Karya-karyanya luar biasa berwarna-warni dan mencerminkan kepelbagaian dunia semula jadi. Dengan memperkenalkan figura manusia ke dalam komposisi, artis berusaha untuk mendedahkan perasaan dan emosi dalaman seseorang selengkap dan sejelas mungkin.

Selepas kematian Gericault, tradisi seni romantiknya telah diambil oleh artis kontemporari yang lebih muda, E. Delacroix.

Eugene Delacroix

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, artis Perancis yang terkenal dan artis grafik, penerus tradisi romantisme yang telah berkembang dalam karya Géricault, dilahirkan pada tahun 1798. Tanpa menamatkan pendidikannya di Imperial Lyceum, pada tahun 1815 Delacroix pergi belajar dengan guru terkenal Guerin. Walau bagaimanapun, kaedah artistik pelukis muda tidak memenuhi keperluan guru, jadi selepas tujuh tahun pemuda itu meninggalkannya.

Belajar dengan Guerin, Delacroix menumpukan banyak masa untuk mengkaji karya David dan sarjana lukisan Renaissance. Dia menganggap budaya zaman dahulu, tradisi yang turut diikuti oleh David, sebagai asas untuk perkembangan seni dunia. Oleh itu, cita-cita estetik untuk Delacroix adalah karya penyair dan pemikir Yunani purba, antaranya artis sangat menghargai karya Homer, Horace dan Marcus Aurelius.

Karya pertama Delacroix adalah kanvas yang belum selesai, di mana pelukis muda berusaha untuk mencerminkan perjuangan orang Yunani dengan orang Turki. Walau bagaimanapun, artis tidak mempunyai kemahiran dan pengalaman untuk mencipta gambar yang ekspresif.

Pada tahun 1822, Delacroix mempamerkan karyanya di Salon Paris di bawah tajuk Dante dan Virgil. Kanvas ini, luar biasa emosi dan berwarna cerah, dalam banyak cara menyerupai karya Géricault "The Raft of the Medusa".

Dua tahun kemudian, lukisan lain oleh Delacroix, The Massacre at Chios, telah dipersembahkan kepada penonton Salon. Di dalamnya rancangan lama artis itu diwujudkan untuk menunjukkan perjuangan orang Yunani dengan orang Turki. Komposisi keseluruhan gambar terdiri daripada beberapa bahagian, yang membentuk kumpulan orang yang diletakkan secara berasingan, setiap daripada mereka mempunyai konflik dramatik sendiri. Secara umum, karya itu memberikan gambaran tragedi yang mendalam. Perasaan ketegangan dan dinamisme dipertingkatkan dengan gabungan garis halus dan tajam yang membentuk figura watak, yang membawa kepada perubahan dalam perkadaran orang yang digambarkan oleh artis. Walau bagaimanapun, ia adalah tepat kerana ini bahawa gambar memperoleh watak yang realistik dan kredibiliti kehidupan.

Kaedah kreatif Delacroix, yang dinyatakan sepenuhnya dalam "Pembunuhan Beramai-ramai Chios", jauh dari gaya klasik yang kemudian diterima dalam kalangan rasmi Perancis dan di kalangan wakil-wakil seni halus. Oleh itu, gambar artis muda itu mendapat kritikan tajam di Salon.

Walaupun gagal, pelukis itu tetap berpegang pada cita-citanya. Pada tahun 1827, satu lagi karya muncul dikhaskan untuk tema perjuangan rakyat Yunani untuk kemerdekaan - "Greece on the ruins of Missolonghi". Sosok wanita Yunani yang tegas dan bangga yang digambarkan pada kanvas menggambarkan Greece yang belum ditakluki di sini.

Pada tahun 1827, Delacroix melakukan dua karya yang mencerminkan pencarian kreatif tuan dalam bidang cara dan kaedah ekspresi artistik. Ini adalah kanvas "Kematian Sardanapalus" dan "Marino Faliero". Pada yang pertama, tragedi keadaan itu disampaikan dalam pergerakan figura manusia. Hanya imej Sardanapal sendiri yang statik dan tenang di sini. Dalam gubahan "Marino Faliero" hanya tokoh watak utama yang dinamik. Selebihnya hero-hero seolah-olah membeku dalam ketakutan apabila memikirkan apa yang akan berlaku.

Dalam 20-an. abad ke-19 Delacroix melakukan beberapa karya, plot yang diambil dari karya sastera terkenal. Pada tahun 1825 artis itu melawat England, tempat kelahiran William Shakespeare. Pada tahun yang sama, di bawah kesan perjalanan ini dan tragedi penulis drama terkenal Delacroix, litograf "Macbeth" telah dibuat. Dalam tempoh dari 1827 hingga 1828, dia mencipta litograf "Faust", yang didedikasikan untuk karya dengan nama yang sama oleh Goethe.

Sehubungan dengan peristiwa yang berlaku di Perancis pada tahun 1830, Delacroix mempersembahkan lukisan "Liberty Leading the People". Perancis Revolusioner dipersembahkan dalam imej seorang wanita muda, kuat, angkuh, tegas dan bebas, dengan berani memimpin orang ramai, di mana tokoh pekerja, pelajar, tentera yang cedera, gamen Paris menonjol (imej yang dijangkakan. Gavroche, yang kemudiannya muncul dalam Les Misérables oleh V. Hugo ).

Karya ini nyata berbeza daripada karya serupa oleh artis lain yang hanya berminat dengan penyampaian sebenar sesuatu acara. Kanvas yang dicipta oleh Delacroix dicirikan oleh kepahlawanan yang tinggi. Imej-imej di sini adalah simbol umum kebebasan dan kemerdekaan rakyat Perancis.

Dengan berkuasanya Louis Philippe - kepahlawanan raja-borjuasi dan perasaan tinggi yang disampaikan oleh Delacroix, tidak ada tempat dalam kehidupan moden. Pada tahun 1831 artis membuat perjalanan ke negara-negara Afrika. Dia mengembara ke Tangier, Meknes, Oran dan Algiers. Pada masa yang sama, Delacroix melawat Sepanyol. Kehidupan Timur benar-benar mempesonakan artis dengan alirannya yang pesat. Dia mencipta lakaran, lukisan dan beberapa karya cat air.

Setelah melawat Maghribi, Delacroix melukis kanvas yang didedikasikan untuk Timur. Lukisan, di mana artis menunjukkan perlumbaan kuda atau pertempuran Moors, adalah luar biasa dinamik dan ekspresif. Berbanding dengan mereka, komposisi "wanita Algeria di dalam bilik mereka", yang dicipta pada tahun 1834, kelihatan tenang dan statik. Ia tidak mempunyai kedinamikan dan ketegangan yang wujud dalam karya artis terdahulu. Delacroix muncul di sini sebagai ahli warna. Skema warna yang digunakan oleh pelukis secara keseluruhannya mencerminkan kepelbagaian palet yang terang, yang penonton kaitkan dengan warna Timur.

Kanvas "Perkahwinan Yahudi di Maghribi", yang ditulis kira-kira pada tahun 1841, dicirikan oleh kelambatan dan ukuran yang sama. Suasana oriental yang misteri tercipta di sini berkat rendering tepat artis tentang keaslian pedalaman negara. Komposisi itu kelihatan sangat dinamik: pelukis menunjukkan cara orang bergerak menaiki tangga dan memasuki bilik. Cahaya yang masuk ke dalam bilik menjadikan imej itu realistik dan meyakinkan.

Motif timur masih terdapat dalam karya Delacroix untuk masa yang lama. Jadi, pada pameran yang dianjurkan di Salon pada tahun 1847, daripada enam karya yang dibentangkan olehnya, lima dikhaskan untuk kehidupan dan kehidupan Timur.

Dalam 30-40an. Pada abad ke-19, tema baharu muncul dalam karya Delacroix. Pada masa ini, tuan mencipta karya tema sejarah. Antaranya, kanvas "Protes Mirabeau menentang pembubaran Jeneral Negeri" dan "Boissy d'Angles" patut diberi perhatian khusus. Lakaran yang terakhir, yang ditunjukkan pada tahun 1831 di Salon, adalah contoh jelas komposisi bertemakan kebangkitan rakyat.

Lukisan "The Battle of Poitiers" (1830) dan "The Battle of Taybur" (1837) dikhaskan untuk imej rakyat. Dengan semua realisme, dinamik pertempuran, pergerakan manusia, kemarahan, kemarahan dan penderitaan mereka ditunjukkan di sini. Artis berusaha untuk menyampaikan emosi dan keghairahan seseorang yang dirampas oleh keinginan untuk menang di semua kos. Tokoh-tokoh manusialah yang menjadi orang utama dalam menyampaikan sifat dramatik peristiwa itu.

Selalunya dalam karya Delacroix, pemenang dan yang dikalahkan bertentangan dengan satu sama lain. Ini terutama dilihat dengan jelas pada kanvas "The Capture of Constantinople by the Crusaders", yang ditulis pada tahun 1840. Sekumpulan orang yang diatasi oleh kesedihan ditunjukkan di latar depan. Di belakang mereka adalah landskap yang menarik dan mempesonakan dengan keindahannya. Tokoh penunggang yang menang juga diletakkan di sini, yang siluet menggerunkan berbeza dengan figura sedih di latar depan.

"The Capture of Constantinople by the Crusaders" mempersembahkan Delacroix sebagai seorang pewarna yang luar biasa. Warna-warna terang dan tepu, bagaimanapun, tidak meningkatkan permulaan yang tragis, yang dinyatakan oleh angka-angka sedih yang terletak berhampiran dengan penonton. Sebaliknya, palet yang kaya mencipta perasaan percutian yang diatur untuk menghormati pemenang.

Tidak kurang berwarna-warni ialah gubahan "Justice of Trajan", yang dicipta pada tahun 1840 yang sama. Orang sezaman artis mengiktiraf gambar ini sebagai salah satu yang terbaik di antara semua kanvas pelukis. Kepentingan khusus adalah hakikat bahawa dalam perjalanan kerja eksperimen induk dalam bidang warna. Malah bayang-bayang itu mengambil pelbagai warna daripadanya. Semua warna komposisi sesuai dengan alam semula jadi. Pelaksanaan kerja itu didahului oleh pemerhatian panjang pelukis untuk perubahan warna dalam alam semula jadi. Artis memasukkan mereka dalam diarinya. Kemudian, menurut nota, saintis mengesahkan bahawa penemuan yang dibuat oleh Delacroix dalam bidang tonaliti sepenuhnya konsisten dengan doktrin warna yang lahir pada masa itu, pengasasnya adalah E. Chevreul. Di samping itu, artis membandingkan penemuannya dengan palet yang digunakan oleh sekolah Venice, yang merupakan contoh kemahiran melukis untuknya.

Potret menduduki tempat istimewa di kalangan lukisan Delacroix. Tuannya jarang beralih kepada genre ini. Dia hanya melukis orang-orang yang telah lama dia kenali, yang perkembangan rohaninya berlaku di hadapan artis. Oleh itu, imej dalam potret adalah sangat ekspresif dan mendalam. Ini adalah potret Chopin dan George Sand. Kanvas yang didedikasikan untuk penulis terkenal (1834) menggambarkan seorang wanita yang mulia dan berkemauan keras yang menggembirakan orang sezamannya. Potret Chopin, yang dilukis empat tahun kemudian, pada tahun 1838, mewakili imej puitis dan rohani komposer yang hebat.

Potret yang menarik dan luar biasa ekspresif pemain biola dan komposer terkenal Paganini, dilukis oleh Delacroix sekitar tahun 1831. Gaya muzik Paganini dalam banyak cara serupa dengan kaedah lukisan artis. Karya Paganini dicirikan oleh ekspresi yang sama dan emosi yang sengit yang menjadi ciri karya pelukis.

Landskap menduduki tempat yang kecil dalam kerja Delacroix. Walau bagaimanapun, mereka ternyata sangat penting untuk perkembangan lukisan Perancis pada separuh kedua abad ke-19. Landskap Delacroix ditandai dengan keinginan untuk menyampaikan secara tepat cahaya dan kehidupan alam semula jadi. Contoh yang jelas tentang ini ialah lukisan "Langit", di mana rasa dinamik tercipta berkat awan seputih salji yang terapung di langit, dan "Laut, kelihatan dari pantai Dieppe" (1854), di mana pelukis itu mahir. menyampaikan luncuran perahu layar ringan di permukaan laut.

Pada tahun 1833, artis itu menerima perintah daripada raja Perancis untuk mengecat dewan di Istana Bourbon. Kerja-kerja penciptaan karya monumental berlangsung selama empat tahun. Apabila memenuhi pesanan, pelukis dibimbing terutamanya oleh fakta bahawa imej-imej itu sangat mudah dan ringkas, boleh difahami oleh penonton.
Karya terakhir Delacroix ialah lukisan kapel Malaikat Suci di gereja Saint-Sulpice di Paris. Ia dibuat dalam tempoh dari 1849 hingga 1861. Menggunakan warna-warna cerah dan kaya (merah jambu, biru terang, ungu, diletakkan pada latar belakang abu-biru dan kuning-coklat), artis mencipta suasana gembira dalam gubahan, menyebabkan penonton untuk merasai kegembiraan yang meriah. Landskap, termasuk dalam lukisan "Pengusiran Iliodor dari Kuil" sebagai sejenis latar belakang, secara visual meningkatkan ruang komposisi dan premis kapel. Sebaliknya, seolah-olah cuba menekankan pengasingan ruang, Delacroix memperkenalkan tangga dan langkan ke dalam komposisi. Sosok orang yang diletakkan di belakangnya kelihatan seperti siluet yang hampir rata.

Eugene Delacroix meninggal dunia pada tahun 1863 di Paris.

Delacroix adalah yang paling berpendidikan di kalangan pelukis pada separuh pertama abad ke-19. Banyak subjek lukisannya diambil dari karya sastera tuan terkenal pena. Fakta menarik ialah selalunya artis melukis wataknya tanpa menggunakan model. Inilah yang ingin diajarkannya kepada pengikutnya. Menurut Delacroix, lukisan adalah sesuatu yang lebih kompleks daripada penyalinan garisan primitif. Artis percaya bahawa seni terutamanya terletak pada keupayaan untuk menyatakan mood dan niat kreatif tuan.

Delacroix adalah pengarang beberapa karya teori mengenai isu warna, kaedah dan gaya artis. Karya-karya ini berfungsi sebagai suar untuk pelukis generasi berikutnya dalam mencari cara artistik mereka sendiri yang digunakan untuk mencipta gubahan.