rumah › Casis › Karya pengkritik teater. pengkritik teater

Karya pengkritik teater. pengkritik teater

Disertasi sudah uzur, kajian kritikal kekal.

L. Grossman

Saya selalu nampak bahawa kita jarang berurusan dengan kritikan teater yang betul. Sama seperti seorang pelakon dalam hidupnya hanya beberapa kali (menurut catatan orang-orang hebat) merasakan keadaan penerbangan, tanpa berat dan ajaib ini "bukan saya", yang dipanggil penjelmaan semula, jadi seorang penulis di teater jarang boleh mengatakan bahawa dia terlibat dalam kritikan seni. Tidak berbaloi untuk mempertimbangkan kritikan teater dalam erti kata sebenar, penyataan yang lancar dan lancar tentang persembahan atau kesimpulan teater yang menunjukkan tempatnya di antara fenomena pentas lain. Teks kita, terutamanya surat khabar, adalah sejenis simbiosis pengajian teater dan kewartawanan, ia adalah nota, pertimbangan, analisis, tanggapan, apa sahaja, manakala sifat kritikan teater, yang menentukan kedaulatan profesion, adalah sesuatu yang lain. Selalunya kelihatan bahawa kritikan teater adalah pekerjaan yang lebih mendalam, lebih organik, asalnya artistik.

Apabila pengarah atau pelakon (dan ini selalu berlaku) mengatakan bahawa sifat kerja mereka adalah misteri dan tidak dapat difahami oleh pengkritik (biarkan mereka pergi dan membuat persembahan untuk memahami ...) - ini menakjubkan. Hubungan pengkritik dengan teks persembahan, proses pemahamannya menyerupai tindakan mencipta peranan atau mengarang skor pengarah. Dalam satu perkataan, kritikan teater adalah serupa pada masa yang sama dengan pengarahan dan lakonan. Persoalan ini tidak pernah dibangkitkan, malah kritikan yang sepatutnya menjadi sastera selalunya tidak jelas kepada rakan pengkritik teater.

Mari kita mulakan dengan ini.

KRITIQIS SEBAGAI SASTERA

Jangan tersinggung, saya akan ingatkan anda. Kritikan teater Rusia timbul di bawah bulu secara eksklusif dan hanya kepada penulis hebat. Mereka adalah pengasas banyak genre. N. Karamzin ialah pengarang ulasan pertama. P. Vyazemsky - feuilleton (mari kita ambil sekurang-kurangnya satu di "Lipetsk Waters"), dia juga pengarang salah satu potret pertama penulis drama (kisah hidup V. Ozerov dalam Karya Terkumpul anumerta). V. Zhukovsky mencipta genre "pelakon dalam peranan" dan menggambarkan gadis Georges di Phaedra, Dido, Semiramide. A. Pushkin melahirkan "komentar", nota, P. Pletnev menulis mungkin artikel teori pertama mengenai bertindak dengan tesis secara literal "dari Stanislavsky". N. Gnedich dan A. Shakhovskoy menerbitkan surat-menyurat ...

Kritikan teater Rusia menjadi terkenal dengan penulis yang cemerlang - dari A. Grigoriev dan A. Kugel kepada V. Doroshevich dan L. Andreev, ia ditangani oleh orang yang hadiah sasteranya, sebagai peraturan, dinyatakan bukan sahaja dalam karya kritis teater, pengkritik adalah penulis dalam pengertian yang luas, jadi ada sebab untuk menganggap kritikan teater Rusia sebagai sebahagian daripada kesusasteraan Rusia, cabang prosa artistik dan analitik tertentu, wujud dalam genre yang berbeza dan pengubahsuaian gaya yang sama seperti mana-mana jenis kesusasteraan lain. Ulasan teater, parodi, potret, esei, penipuan, artikel masalah, wawancara, dialog, risalah, pantun, dsb. - semua ini adalah kritikan teater sebagai sastera.

Kritikan domestik berkembang selari dengan perkembangan teater itu sendiri, tetapi adalah salah untuk berfikir bahawa hanya dengan kemunculan pengajian teater sebagai sains barulah ia memperoleh kualiti yang berbeza. Sudah pada masa pembentukan kritikan Rusia, definisi serius tentang kreativiti jenis ini telah diberikan. “Kritikan adalah penilaian berdasarkan peraturan rasa terpelajar, tidak berat sebelah dan bebas. Anda membaca puisi, anda melihat gambar, anda mendengar sonata, anda berasa seronok atau tidak senang, itulah rasa; menganalisis sebab untuk kedua-duanya - itulah kritikan, "tulis V. Zhukovsky. Kenyataan ini menegaskan keperluan untuk menganalisis bukan sahaja karya seni, tetapi juga persepsi sendiri tentangnya, "senang atau tidak senang". Pushkin berhujah dengan subjektivisme Zhukovsky: "Kritik ialah sains untuk menemui keindahan dan kelemahan dalam karya seni dan kesusasteraan, berdasarkan pengetahuan sempurna tentang peraturan yang membimbing seorang artis atau penulis dalam karyanya, pada kajian mendalam terhadap sampel dan pada panjang- pemerhatian istilah fenomena luar biasa moden." Iaitu, menurut Pushkin, adalah perlu untuk memahami proses perkembangan seni ("pemerhatian jangka panjang"), menurut Zhukovsky, seseorang tidak boleh melupakan kesannya sendiri. Dua abad yang lalu, sudut pandangan bertemu, menyatakan dualisme profesion kita. Pertikaian itu belum selesai hingga ke hari ini.

Adalah salah untuk berfikir bahawa hanya dengan kemunculan pengarahan dan dengan perkembangan pengajian teater, teks persembahan menjadi bahan kritikan teater. Tidak sama sekali, dari permulaannya, kritikan telah memisahkan lakonan daripada persembahan (Karamzin, dalam ulasannya tentang Emilia Galotti, menganalisis drama itu dan kemudian menilai prestasi pelakon), dengan teliti menggambarkan lakonan pelakon dalam satu peranan atau yang lain (Gnedich, Zhukovsky), menggunakan contoh ciptaan lakonan untuk polemik tentang arah seni teater, mengubah kritikan menjadi "estetika bergerak", seperti yang dipanggil V. Belinsky kemudiannya. Sudah pada awal 1820-an, contoh luar biasa analisis seni lakonan muncul, P. Pletnev, dalam artikel tentang Ekaterina Semenova, dengan cemerlang menulis tentang kaedah lakonan, mengenai struktur dalaman pelakon. Dengan perkembangan teater, bergantung kepada apa yang mendominasi pentas pada masa itu, kritikan sama ada menyelidiki ciri-ciri trend dan genre, kemudian dramaturgi menjadi perkara utama, kemudian pelakon, dan apabila asas-asas pengarahan mula muncul dalam teater, kritikan teater Rusia meraba-raba ke arah ini.

Dengan kemunculan teater pengarah dan kajian teater sebagai sains, kritikan teater memperoleh asas teori, secara organik mengasimilasikan kriteria teater. Tetapi ia sentiasa dan kekal sebagai sastera. Adalah sukar untuk mempertimbangkan kritikan yang memastikan kenyataan teater tentang persembahan, menamakan sifatnya yang menentukan arah persembahan ini. Walaupun terdapat pendapat bahawa ini juga kritikan, bahawa perniagaan pengkritik teater, setelah menangkap "rama-rama", yang merupakan persembahan langsung semalam, adalah untuk "menikam pada pin", meletakkannya dalam koleksi lain rama-rama, mengelaskan fenomena dan memberikannya sebagai "nombor pengenalan" .

Nampaknya kritikan teater, seperti mana-mana kritikan seni, "tidak menggantikan sains, tidak bertepatan dengan sains, tidak ditentukan oleh unsur-unsur watak saintifik yang termasuk di dalamnya", "sambil mengekalkan makna kreativiti artistik dan subjeknya - baik. seni, ia boleh mengambil watak estetik, sosiologi, atau kewartawanan, tanpa sama sekali menjadi estetika, sosiologi atau linguistik daripada ini ... Jadi puisi boleh menjadi saintifik atau politik, kekal pada dasarnya puisi; oleh itu novel boleh berbentuk falsafah, sosial atau eksperimen, kekal sebagai novel hingga akhir. Dalam karya N. Krymova, K. Rudnitsky, I. Solovieva, A. Svobodin, V. Gaevsky, A. Smelyansky dan pengkritik utama lain pada separuh kedua abad ke-20, kebanyakannya adalah pengkritik teater oleh pendidikan asas, kita akan menemui contoh estetika, kritikan sosiologi, kewartawanan, dsb. dengan cara yang sama seperti pada era sejarah yang lain.

* Grossman L. Genre kritikan seni // Grossman L. P. Perjuangan untuk gaya. M., 1927. S. 21.

Kritikan teater sebagai estetika yang bergerak berkembang selari dengan proses teater, kadang-kadang mendahuluinya, kadang-kadang ketinggalan, dengan perkembangan teater peralatan kategori dan sistem koordinat artistiknya berubah, tetapi setiap kali teks boleh dianggap sebagai kritikan yang benar, "di mana karya tertentu dinilai, di mana ia adalah mengenai penghasilan artistik, di mana bahan tertentu yang diproses secara kreatif dimaksudkan dan di mana pertimbangan dibuat tentang komposisinya sendiri. Sudah tentu ... kritikan dipanggil untuk menilai keseluruhan trend, sekolah dan kumpulan, tetapi di bawah syarat yang sangat diperlukan untuk meneruskan dari fenomena estetik tertentu. Hujah tidak objektif tentang klasisisme, sentimentalisme, dsb. boleh merujuk kepada mana-mana teori, puisi atau manifesto - mereka sama sekali tidak tergolong dalam bidang kritikan.

Untuk menulis puisi, seseorang memerlukan pengetahuan tentang undang-undang versifikasi, tetapi juga "pendengaran", pemikiran yang istimewa, dan lain-lain. Pengetahuan tentang asas-asas puisi tidak mengubah seorang penulis menjadi seorang penyair, sama seperti ia tidak mengubah seseorang. yang menulis tentang teater menjadi pengkritik teater, keseluruhan ilmu pengajian teater. Di sini juga, kita memerlukan "pendengaran" untuk persembahan, keupayaan untuk melihatnya secara meriah, merenung dan menghasilkan semula di atas kertas kesan artistik dan analitik mengenainya. Pada masa yang sama, peralatan teater adalah asas yang tidak diragukan: fenomena teater mesti diletakkan dalam konteks proses teater, dikaitkan dengan situasi umum masa itu, isu budaya umum. Mengenai gabungan undang-undang objektif kewujudan teater dan persepsi subjektif karya itu, seperti pada zaman Zhukovsky-Pushkin, dialog dalaman pengkritik dibina dengan subjek refleksi dan penyelidikannya - persembahan.

Penulis meneroka pada masa yang sama realiti dunia dan jiwanya. Pengkritik teater meneroka realiti persembahan, tetapi melaluinya realiti dunia (kerana persembahan yang baik adalah kenyataan tentang dunia) dan jiwanya, dan tidak boleh sebaliknya: dia meneroka objek yang hanya hidup dalam fikirannya. (lebih lanjut mengenainya di bawah). Mahu tidak mahu, dia menangkap untuk sejarah teater bukan sahaja persembahan, tetapi juga dirinya - kontemporari persembahan ini, saksi mata, tegasnya - seorang memoir yang mempunyai sistem kriteria profesional dan manusia.

Ini tidak bermakna sama sekali bahawa lirik "I" kritikan mendominasi, tidak, ia tersembunyi di sebalik "imej persembahan" dengan cara yang sama seperti "I" pelakon tersembunyi di sebalik peranan, pengarah - di belakang teks persembahan, penulis - di sebalik sistem kiasan teks sastera.

Pengkritik teater "bersembunyi" di sebalik persembahan, larut di dalamnya, tetapi untuk menulis, dia mesti memahami "apa itu Hecuba baginya", mencari benang ketegangan antara dirinya dan persembahan dan menyatakan ketegangan ini dalam kata-kata. “Perkataan itu adalah alat paling tepat yang diwarisi seseorang. Dan tidak pernah sebelum ini (yang sentiasa menghiburkan kita ...) tiada siapa yang dapat menyembunyikan apa-apa dalam satu perkataan: dan jika dia berbohong, perkataannya mengkhianatinya, dan jika dia mengetahui kebenaran dan mengatakannya, maka itu datang kepadanya. Bukan seseorang yang mencari perkataan, tetapi satu perkataan menemui seseorang "(A. Bitov" Pushkin House "). Saya sering memetik kata-kata Bitov ini, tetapi apa yang boleh saya lakukan - saya menyukainya.

Oleh kerana ramai rakan sekerja tidak bersetuju dengan saya, dan walaupun dalam monograf kolektif jabatan asal saya (benar-benar asli!) "Pengenalan Pengajian Teater" disunting oleh Yu. sifat kerja kami, maka, secara semula jadi, saya bergembira apabila saya bertemu dengan sebulat suara . Di sini dalam temu bual baru-baru ini dengan A. Smelyansky, yang diterbitkan di Internet oleh S. Yolkin, saya membaca: "Saya menganggap teater sebenar dan sebarang kritikan lain dalam erti kata yang luas sebagai sebahagian daripada sastera. Kriteria adalah sama dan tugasan adalah sama. Anda mesti menonton persembahan, anda mesti benar-benar naif pada masa menonton, membuang semua pengaruh luar pada anda, menyerap karya dan membentuk perasaan anda ke dalam bentuk artistik, iaitu, menyampaikan kesan persembahan dan menjangkiti pembaca dengan tanggapan ini - negatif atau positif. Saya tidak tahu bagaimana ini boleh diajar... Mustahil untuk terlibat dalam kritikan teater di luar bakat sastera. Jika seseorang tidak boleh menulis, jika bahasa bukan elemennya, jika dia tidak memahami bahawa ulasan teater adalah percubaan penulisan artistik anda tentang persembahan, tiada apa yang akan berjaya ... Kritikan teater Rusia yang hebat bermula dengan Belinsky, yang menggambarkan pelakon mabuk Mochalov. Mabuk, kerana dia kadang-kadang mabuk bermain Hamlet. Belinsky menonton persembahan berkali-kali, dan artikel "Mochalov memainkan Hamlet" menjadi, nampaknya saya, permulaan yang hebat dari apa yang boleh dipanggil kritikan seni di Rusia. Vygotsky, pakar dalam psikologi seni, terkenal berkata: "Pengkritik adalah penganjur akibat seni." Untuk mengatur akibat ini, anda perlu mempunyai bakat tertentu” (http://sergeyelkin.livejournal.com/12627.html).

Aktiviti kreatif pengkritik teater dalam dialognya dengan subjek penyelidikan, penciptaan teks sastera direka untuk menjadikan pembaca menjadi penonton yang tercerahkan, emosi dan analitikal, dan dalam pengertian ini, pengkritik menjadi seorang penulis yang, menurut V. Nabokov, “membangkitkan deria warna pembaca melalui bahasa, penglihatan, bunyi, pergerakan, atau apa-apa perasaan lain, membayangkan dalam imaginasinya imej kehidupan rekaan yang akan menjadi baginya sejelas kenangannya sendiri. Tugas pengkritik teater adalah untuk membangkitkan pembaca rasa warna, penampilan, bunyi, pergerakan - iaitu, mencipta semula dengan cara sastera warna, bunyi, iaitu "fiksyen" (walaupun tidak dicipta olehnya, tetapi selepas tamat). prestasi yang ditetapkan hanya dalam ingatan pengkritik subjek, hidup secara eksklusif dalam fikirannya) dunia kiasan persembahan. Hanya sebahagian daripada teks pentas yang sesuai untuk penetapan objektif: mise-en-scene, scenografi, skor cahaya. Dalam pengertian ini, rujukan kepada mana-mana realiti tentang apa yang berlaku di pentas petang ini adalah tidak bermakna, dua pengkritik teater profesional, pengkritik, pakar, profesor, profesor semula yang duduk bersebelahan kadang-kadang serentak menolak makna yang berbeza - dan pertikaian mereka akan menjadi tidak berasas: realiti yang mereka ingat daripada berbeza, hilang, dia adalah produk ingatan mereka, objek kenangan. Dua pengkritik yang duduk bersebelahan akan melihat dan mendengar monolog yang sama dengan cara yang berbeza, sesuai dengan pengalaman estetik dan manusia mereka, rasa "Zhukov" yang sama, kenangan dari sejarah, jumlah yang dilihat di teater, dll. Terdapat kes apabila artis yang berbeza diminta untuk melukis pegun yang sama pada masa yang sama - dan hasilnya adalah lukisan yang sama sekali berbeza, selalunya tidak sepadan bukan sahaja dalam teknik lukisan, malah dalam warna. Ini berlaku bukan kerana pelukis sengaja menukar warna, tetapi kerana mata artis yang berbeza melihat bilangan warna yang berbeza. Begitu juga dengan kritikan. Teks persembahan dicetak dalam minda pengkritik dengan cara yang sama seperti keperibadian pemerhati, apakah alat dalamannya, dilupuskan atau tidak dilupuskan kepada "penciptaan bersama mereka yang memahami" (M. Bakhtin).

* Nabokov V. Kuliah mengenai kesusasteraan Rusia. M., 1996. S. 279.

Pengkritik, yang seluruh badannya selaras dengan persepsi persembahan, dibangunkan, terbuka ("tiada prejudis pemikiran kegemaran anda. Kebebasan" - menurut bukti Pushkin), harus memberikan persembahan dalam ulasan kritis teater semeriah mungkin. Dalam pengertian ini, kritikan berbeza daripada kewartawanan teater, yang direka untuk memberitahu pembaca tentang acara teater tertentu dan memberi penilaian penarafan kepada fenomena teater, dan dari kajian teater yang betul. Kajian teater tidak kurang menarik, tetapi mereka menetapkan tugas menganalisis teks sastera, dan bukan rekreasi lisan plastik imej persembahan yang, idealnya, boleh menimbulkan reaksi emosi pembaca.

Ia bukan butiran huraian. Lebih-lebih lagi, dalam beberapa tahun kebelakangan ini, dengan kemunculan rakaman video, ia mula kelihatan kepada ramai bahawa persembahan itu paling objektif ditangkap pada filem. Ini adalah salah. Duduk di dalam dewan, kami menoleh, melihat secara dinamik tindakan dalam perkembangan polifoniknya. Difilemkan dari satu titik, persembahan itu kehilangan makna, jarak dekat, aksen yang wujud dalam mana-mana persembahan langsung dan yang, mengikut kehendak pengarah, menandakan kesedaran kita. Jika rakaman dibuat dari beberapa titik, kita berhadapan dengan tafsiran persembahan dalam bentuk montaj. Tetapi bukan itu maksudnya. Mendengar rakaman Yermolova atau Kachalov hari ini, sukar bagi kita untuk memahami kuasa pengaruh mereka terhadap sezaman. Teks-teks Kugel, Doroshevich, Amfiteatrov memberikan Yermolov yang hidup dalam pengaruh hidupnya pada penonton, orang, masyarakat - dan sisi sastera, kiasan kajian kritikal mereka memainkan peranan yang besar dalam hal ini.

KRITIKAN SEBAGAI PENGARAH

Hubungan pengkritik dengan teks drama adalah hampir sama dengan hubungan pengarah dengan drama. Biar saya jelaskan.

Dengan menterjemah teks lisan (lakonan) ke dalam teks spatio-temporal (peringkat), mengarang, "menyulam" mengikut kata-kata drama itu, menafsirkan penulis drama, membacanya, melihatnya mengikut optik individu, terjun ke dunia pengarang, pengarah mencipta teks berdaulat sendiri, memiliki pengetahuan profesional dalam bidang tindakan, konflik dramatik, mempunyai sistem kiasan dalaman tertentu, subjektif, yang wujud dalam dirinya sahaja, memilih satu atau kaedah latihan lain, jenis teater, dan lain-lain.

Menterjemahkan undang-undang spatio-temporal persembahan ke dalam siri lisan, ke dalam artikel, mentafsir pengarah, membaca teks pentasnya mengikut optik individu, meneka idea dan menganalisis penjelmaan, pengkritik mencipta teks sendiri, mempunyai pengetahuan profesional dalam bidang yang sama dengan pengarah (pengetahuan teori dan sejarah teater, pengarahan, dramaturgi), dan dengan cara yang sama dia mengambil berat tentang komposisi, perkembangan genre dan perubahan dalaman teksnya, berusaha untuk ekspresi sastera yang terbaik. Pengarah mencipta versi teks dramatiknya sendiri.

Kami mencipta versi teks pentas kami sendiri. Pengarah membaca drama, pengkritik membaca persembahan ("Kami dan anda sama-sama fiksyen, kami memberikan versi," seorang pengarah terkenal pernah memberitahu saya untuk mengesahkan idea ini). M. Bakhtin menulis bahawa "kreativiti yang hebat dan mendalam" sebahagian besarnya tidak sedarkan diri, dan pemahaman yang pelbagai (iaitu, dicerminkan oleh keseluruhan "pemahaman" karya oleh pengkritik yang berbeza. - M. D.), diisi semula oleh kesedaran dan didedahkan dalam pelbagai maknanya. Dia percaya bahawa "pemahaman melengkapkan teks (termasuk, tidak syak lagi, teks pentas. - M.D.): ia aktif dan mempunyai watak kreatif.

Pemahaman kreatif meneruskan kreativiti, melipatgandakan kekayaan seni umat manusia. Dalam kes teater, pemahaman kritikan bukan sahaja menambah teks kreatif, tetapi juga menghasilkan semula dalam perkataan, kerana teks itu hilang pada 22.00 dan tidak akan wujud lagi dalam versi yang ada pada hari ini. Dalam sehari atau seminggu, pelakon akan muncul di atas pentas, di mana pengalaman emosinya hari atau minggu ini akan mengubah sesuatu, cuaca akan berbeza, penonton akan datang ke dewan dengan reaksi yang berbeza, dan lain-lain, dan walaupun pada hakikatnya. bahawa makna umum persembahan akan kekal lebih kurang sama, ia akan menjadi persembahan yang berbeza, dan pengkritik akan mendapat pengalaman yang berbeza. Oleh itu, sangat penting untuk "menangkap" persembahan dan perasaan, fikiran, perasaan anda sendiri yang selari dengannya, betul-betul di dalam dewan, dengan buku nota. Ini adalah satu-satunya peluang untuk menangkap realiti pada saat kemunculan dan kewujudan realiti ini. Takrif, reaksi, perkataan yang ditulis secara spontan semasa tindakan adalah satu-satunya bukti dokumentari teks yang sukar difahami. Kritikan teater secara semula jadi dicirikan oleh dualisme persepsi profesional: Saya menonton persembahan sebagai penonton dan empati dengan tindakan sebagai manusia, sambil membaca teks pentas, menghafalnya, menganalisis dan membetulkannya secara serentak untuk pembiakan sastera selanjutnya, dan pada pada masa yang sama mengimbas diri saya, persepsi saya, melaporkan dengan teliti, mengapa dan bagaimana saya melihat / tidak melihat prestasi itu. Ini menjadikan kritikan teater benar-benar unik di kalangan pengkritik seni lain. Untuk ini kita mesti menambah keupayaan untuk mendengar penonton dan, bersatu semula dengannya, merasakan dan memahami dialog tenaga antara penonton dan pentas. Iaitu, kritikan teater secara semula jadi adalah polifonik dan serupa dengan pengarahan. Tetapi jika pengarah bercakap tentang dunia melalui drama yang ditafsirkan, maka pengkritik bercakap melalui realiti persembahan yang dilihat, disedari dan diterbitkan semula dalam artikel itu. “Anda boleh menggambarkan kehidupan secara artistik - anda mendapat novel, atau cerita, atau cerita pendek. Anda boleh menerangkan secara artistik fenomena teater. Ini termasuk segala-galanya: kehidupan, watak, takdir, keadaan negara, dunia” A. Smelyansky (http://sergeyelkin.livejournal.com/12627.html). "Pengkritik yang baik ialah seorang penulis yang, jika boleh saya katakan begitu, "di khalayak ramai", "dengan lantang", membaca dan menganalisis karya seni bukan sebagai jumlah ringkas pemikiran dan kedudukan abstrak yang hanya diliputi oleh "bentuk", tetapi sebagai organisma yang kompleks” *, tulis ahli estetik cemerlang V. Asmus. Ia dikatakan seolah-olah mengenai pengarahan: selepas semua, walaupun seorang pengarah yang baik di khalayak ramai, dengan kuat membongkar dan berubah menjadi kontinum spatio-temporal, menjadi organisma yang kompleks, asas sastera persembahan (mari kita ambil hanya jenis teater ini buat masa ini ).

* Asmus V.F. Membaca sebagai kerja dan kreativiti // Asmus V.F. Soalan teori dan sejarah estetika. M., 1968. S. 67-68.

Untuk "membaca dan menganalisis" persembahan, pengarah memerlukan semua cara ekspresif teater, dan pengkritik teater memerlukan semua cara ekspresif kesusasteraan. Hanya melaluinya teks pentas tetap dan dicetak, adalah mungkin untuk memindahkan siri artistik ke kertas, menemui makna kiasannya dan dengan itu meninggalkan persembahan untuk sejarah hanya melalui kesusasteraan sebenar, seperti yang telah disebutkan. Imej pentas, makna, metafora, simbol mesti mencari padanan sastera dalam teks kritis teater. Mari kita rujuk kepada M. Bakhtin: “Sejauh manakah seseorang boleh mendedahkan dan mengulas makna (sesuatu imej atau simbol)? Hanya dengan bantuan makna lain (isomorfik) (simbol atau imej). Tidak mustahil untuk membubarkannya dalam konsep (untuk mendedahkan kandungan persembahan, hanya menggunakan alat teater konseptual. - M. D.). Bakhtin percaya bahawa analisis saintifik biasa menyediakan "rasionalisasi relatif makna", dan pendalamannya berjalan "dengan bantuan makna lain (tafsiran falsafah dan artistik)", "dengan mengembangkan konteks yang jauh"*. "Konteks jauh" dikaitkan dengan personaliti pengkritik, pendidikan profesional dan peralatannya.

* Bakhtin M. Estetika kreativiti lisan. M., 1979. S. 362.

Genre persembahan dan genre ujaran teater-kritikal (serta genre drama dengan genre persembahan) sepatutnya sepadan, setiap persembahan memerlukan perbendaharaan kata tertentu daripada pengkritik (seperti drama daripada pengarah) , mungkin imej setara yang menterjemahkan kontinum ruang-masa ke dalam siri lisan , persembahan memberikan nafas berirama kepada teks teater-kritikal, "membaca" teks pentas. Secara umumnya, kami sering memainkan persembahan "menurut Brecht" di atas kertas: kami memasukkan imej persembahan, dan kemudian keluar darinya dan menerangkan, bercakap tentang kehidupan yang kami sendiri gambarkan ...

“Pengkritik adalah yang pertama, pembaca terbaik; baginya, lebih daripada orang lain, halaman penyair ditulis dan dimaksudkan ... Dia membaca sendiri dan mengajar orang lain membaca ... untuk melihat seorang penulis bermaksud untuk menghasilkan semula dia, untuk mengulangi selepas dia. proses inspirasi kreativiti sendiri (penekanan saya. - M. D.). Membaca adalah menulis."* Alasan Yu. Aikhenwald ini secara langsung terpakai kepada kritikan teater: setelah memahami dan merasakan persembahan, memahami undang-undang seni dalamannya, meletakkan persembahan dalam konteks proses teater, merealisasikan genesis artistiknya, pengkritik dalam proses menulis "menjelma semula " dalam persembahan ini, "kehilangan" di atas kertas, membina hubungannya dengannya mengikut undang-undang hubungan antara pelakon dan peranan - memasukkan "imej persembahan" dan "meninggalkannya" (lebih lanjut mengenai ini di bawah) . "Keluaran" boleh sama ada ulasan saintifik, "rasionalisasi makna" (menurut Bakhtin), atau "pengembangan konteks yang jauh", yang dikaitkan dengan persepsi peribadi pengkritik tentang dunia drama. Tahap sastera umum artikel, bakat atau biasa-biasa teks, imejan, pergerakan bersekutu, perbandingan yang diberikan dalam teks artikel, rujukan kepada imej dalam jenis seni lain yang boleh membawa pembaca-penonton kepada persamaan artistik tertentu, jadikan dia bersubahat dalam persepsi persembahan dikaitkan dengan personaliti pengkritik.melalui teks teater-kritikal dan konteks artistik umum, untuk membentuk penilaiannya terhadap acara seni.

* Aikhenwald Yu. Siluet penulis Rusia. M., 1994. S. 25.

“Pemahaman yang tidak ternilai adalah mustahil… Seseorang yang memahami mendekati karya dengan pandangan dunianya sendiri, yang sudah mapan, dari sudut pandangannya sendiri, dari kedudukannya sendiri. Kedudukan ini menentukan penilaiannya pada tahap tertentu, tetapi mereka sendiri tidak tetap tidak berubah: mereka terdedah kepada kerja, yang sentiasa memperkenalkan sesuatu yang baru.<…>Orang yang faham tidak boleh mengecualikan kemungkinan untuk menukar atau bahkan meninggalkan pandangan dan kedudukannya yang telah disediakan. Dalam tindakan persefahaman terdapat perjuangan, akibatnya terdapat perubahan dan pengayaan bersama. Aktiviti dalaman pengkritik dalam dialog dengan dunia artistik persembahan, dengan "kecantikan dan kekurangan" dalam proses menguasainya, memberikan teks teater-kritikal yang lengkap, dan jika pengkritik menonton persembahan berkali-kali , dia hidup dengannya, seperti dengan peranan, mencipta imejnya di atas pentas. kertas secara beransur-ansur dan bersusah payah, dia sentiasa tertakluk kepada "kesan kerja", kerana sesuatu yang baru muncul pada setiap persembahan. Hanya kerja mencipta skor persembahan di atas kertas ini, idealnya, kritikan teater bagi saya. Kami "memainkan" persembahan sebagai peranan.

* Bakhtin M. Estetika kreativiti lisan. ms 346-347.

Ini berlaku sangat jarang, tetapi perlu berusaha untuk ini jika anda benar-benar terlibat dalam kritikan, dan tidak menyatakan penghakiman di atas kertas.

TENTANG TEKNIK KRITIK.

BACAAN PANTAS OLEH MIKHAIL CHEKHOV

Malah, kami sering kelihatan seperti penghibur letih yang, setelah berlari ke teater lima belas minit sebelum naik ke pentas, melafazkan peranan secara autopilot. Kritikan teater sebenar adalah serupa dengan kreativiti artistik seorang pelakon - katakan, dalam bentuk yang difahami oleh Mikhail Chekhov. Apabila saya membaca bukunya "Teknik Pelakon", saya selalu berfikir bahawa ia boleh menjadi buku teks untuk pengkritik, bahawa adalah baik untuk kita melakukan banyak latihan untuk melatih alat psikofizikal kita sendiri.

Saya sentiasa mahu menulis tentangnya secara terperinci, panjang lebar, perlahan-lahan, tetapi sentiasa tidak cukup masa. Ia tidak ada sekarang, oleh itu, bukannya membaca Chekhov perlahan, buat masa ini saya berisiko mencadangkan bacaan laju ...

Di manakah Chekhov bermula?

Petang. Selepas hari yang panjang, selepas banyak kesan, pengalaman, perbuatan dan kata-kata, anda memberi rehat kepada saraf penat anda. Anda duduk dengan mata tertutup atau lampu di dalam bilik ditutup. Apa yang muncul dari kegelapan di hadapan mata batin anda? Wajah orang yang anda temui hari ini. Suara mereka, perbualan, tindakan, pergerakan, ciri atau ciri lucu mereka. Anda berlari lagi di jalanan, melepasi rumah-rumah yang dikenali, membaca papan tanda... anda secara pasif mengikuti imej-imej berwarna-warni kenangan hari itu.(Serpihan buku oleh M. Chekhov* diserlahkan selepas ini.)

* Chekhov M. Mengenai teknik pelakon // Chekhov M. Warisan sastera: Dalam 2 jilid M., 1986. T. 2. S. 177-402.

Ini, atau hampir ini, adalah perasaan pengkritik yang berasal dari teater. Petang. Dia perlu menulis artikel ... Jadi atau hampir seperti ini, persembahan muncul dalam fikiran anda. Anda hanya boleh mengingatinya, kerana ia tidak tinggal di mana-mana kecuali kesedaran anda, imaginasi.

Malah, kita memasuki dunia imaginasi dari minit pertama persembahan, menjalani kehidupan dalaman tertentu selari dengannya, saya telah menulis tentang ini. Dan kemudian persembahan yang berakhir petang ini ternyata hanya dicetak dalam ingatan kita, kita berhadapan dengan realiti maya, dengan produk kesedaran kita (lebih-lebih lagi, teks persembahan itu dicetak dalam fikiran pengkritik dalam apa-apa cara tentang apakah keperibadian penerima, apakah alat dalamannya dan "peralatan perceiving").

Kami mula mengingati prestasi sebagai realiti, ia datang kepada kehidupan dalam minda, imej yang hidup dalam diri anda, menjalin hubungan antara satu sama lain, bermain adegan di hadapan anda, anda mengikuti peristiwa yang baru kepada anda, anda ditangkap oleh perasaan aneh dan tidak dijangka. Imej yang tidak dikenali melibatkan anda dalam peristiwa kehidupan mereka, dan anda sudah mula aktif mengambil bahagian dalam perjuangan, persahabatan, cinta, kebahagiaan dan ketidakbahagiaan mereka ... Mereka membuat anda menangis atau ketawa, marah atau bergembira dengan lebih kuat daripada kenangan semata-mata .

Hanya realiti persembahan itu tidak dicipta oleh pengkritik, tetapi dilihat dan direkodkan dalam ingatan dan dalam buku nota. Perhatian pengkritik tertumpu kepada mengingat - menghasilkan semula imej persembahan apabila dia menulis. Dalam proses perhatian, anda secara dalaman melakukan empat tindakan serentak. Pertama, anda menyimpan objek perhatian anda secara tidak kelihatan. Kedua, anda menarik dia kepada anda. Ketiga, anda sendiri bercita-cita untuk itu. Keempat, anda menembusinya. Ini, sebenarnya, proses memahami persembahan dan kritikan teater: pengkritik memegang persembahan objek yang tidak kelihatan, menariknya kepada dirinya sendiri, seolah-olah "menetap" di dalamnya, tinggal di sudut dan celah teks pentas, lebih banyak lagi. dan lebih memperincikan dan mendalami pemahamannya tentang persembahan, bergegas ke arahnya.dengan dunia dalaman sendiri, kriteria, memasuki dialog dalaman, menembusi ke dalamnya, ke dalam undang-undang, struktur, suasananya.

Pengkritik, seperti setiap artis tahu minit sedemikian. "Saya sentiasa dikelilingi oleh imej," kata Max Reinhardt ... Michelangelo berseru dalam keputusasaan: "Imej menghantui saya dan memaksa saya untuk memahat bentuknya daripada batu!"

Imej persembahan yang dilihatnya mula menghantui pengkritik, watak-watak yang telah menetap di fikirannya benar-benar memaksa mereka untuk meluahkannya dengan kata-kata, dalam keplastikan bahasa, untuk menjelma lagi apa, menjadi material setiap detik semasa persembahan, telah bertukar menjadi bentuk ideal dan sekali lagi meminta dunia dari sel sempit kesedaran kritikan teater. (Berapa kali ia berlaku: anda menonton persembahan tanpa berniat untuk menulis tentangnya, tetapi ia sentiasa ada dalam fikiran anda, dan satu-satunya cara untuk "menghilangkan" adalah dengan duduk dan menulis.) Tidak seperti M. Chekhov, yang membuktikan kepada pelakon kewujudan bebas imej kreatif, pengkritik teater tidak perlu membuktikannya. Mereka benar-benar wujud bertentangan dengan kehendaknya, untuk beberapa waktu mereka diperhatikan oleh auditorium. Dan kemudian mereka hilang...

Chekhov bermula dengan bantahan terhadap kreativiti sebagai "hasil aktiviti otak": anda fokus pada diri sendiri. Anda menyalin emosi anda sendiri dan menggambarkan fakta kehidupan di sekeliling anda dengan ketepatan fotografi.(dalam kes kami, anda menetapkan prestasi sebagai bahan fakta, berusaha untuk ketepatan fotografi). Dia menyeru untuk mengambil kuasa ke atas imej. Dan, terjun ke dunia persembahan, sudah pasti kita menguasai dunia kiasan yang hidup di atas pentas dan hidup di dalam diri kita. Mempunyai tugas artistik tertentu, anda mesti belajar untuk menguasai mereka, mengatur dan mengarahkan mereka mengikut matlamat anda. Kemudian, tertakluk kepada kehendak anda, imej akan muncul di hadapan anda bukan sahaja dalam keheningan petang, tetapi juga pada siang hari, ketika matahari bersinar, dan di jalan yang bising, dan di khalayak ramai, dan di antara kebimbangan hari itu. .

Tetapi anda tidak sepatutnya berfikir bahawa imej akan muncul sebelum anda melengkapkan dan melengkapkan. Mereka akan memerlukan banyak masa untuk berubah dan menambah baik untuk mencapai tahap ekspresif yang anda perlukan. Anda mesti belajar untuk menunggu dengan sabar.

Apa yang anda lakukan semasa tempoh menunggu? Anda bertanya soalan tentang imej di hadapan anda, kerana anda boleh bertanya kepada rakan anda. Seluruh tempoh pertama kerja (penembusan ke dalam prestasi) lulus dalam soalan dan jawapan, anda bertanya, dan ini adalah aktiviti anda semasa tempoh menunggu.

Pengkritik teater melakukan perkara yang sama seperti seorang pelakon. Dia fikir. Dia bertanya soalan dan menunggu realiti seni persembahan yang hidup dalam ingatannya untuk mula menjawab soalannya dengan lahirnya teks.

Tetapi terdapat dua cara untuk bertanya soalan. Dalam satu kes, anda beralih kepada fikiran anda. Anda menganalisis perasaan imej dan cuba belajar sebanyak mungkin tentangnya. Tetapi semakin anda tahu tentang pengalaman watak anda, semakin kurang anda merasakan diri anda.

Cara lain adalah bertentangan dengan yang pertama. Asasnya adalah imaginasi anda. Apabila anda bertanya soalan, anda ingin melihat perkara yang anda tanyakan. Anda lihat dan tunggu. Di bawah pandangan anda yang ingin tahu, imej berubah dan muncul di hadapan anda sebagai jawapan yang boleh dilihat. Dalam kes ini, dia adalah hasil gerak hati kreatif anda. Dan tiada soalan yang anda tidak dapat jawapannya. Segala-galanya yang boleh menggembirakan anda, terutamanya pada peringkat pertama karya anda: gaya pengarang dan drama yang diberikan, komposisinya, idea utama, ciri ciri watak, tempat dan kepentingan peranan anda di kalangan mereka, ciri secara umum dan terperinci - semua yang anda boleh mengubahnya menjadi soalan. Tetapi, sudah tentu, tidak setiap soalan akan mendapat jawapan segera. Imej selalunya mengambil masa yang lama untuk menyelesaikan transformasi yang mereka perlukan.

Sebenarnya, tidak perlu mencetak semula buku M. Chekhov di sini. Semua yang dia tulis di atas adalah benar-benar memadai untuk bagaimana, secara ideal (saya biasanya menulis tentang apa yang ideal, dan bukan dalam kehidupan seharian yang tidak fokus yang mengkhianati profesion kita setiap hari!) proses artistik dan analisis menghubungkan pengkritik dengan persembahan berlaku, kerana sambungan intrastage dicari (hubungan seseorang dengan orang lain, yang Chekhov tulis...), bagaimana teks dilahirkan yang bukan sahaja menerangkan kepada pembaca bagaimana persembahan itu berfungsi, apakah undang-undangnya, tetapi membolehkan seseorang untuk rasa, untuk membiasakan diri dengan subjek - bagaimana seorang pelakon membiasakan diri dengan peranan itu.

Imej artistik yang saya perhatikan, seperti orang di sekeliling saya, mempunyai kehidupan dalaman dan manifestasi luarannya. Dengan hanya satu perbezaan: dalam kehidupan seharian, di sebalik manifestasi luaran, saya tidak dapat melihat, tidak meneka kehidupan dalaman orang yang berdiri di hadapan saya. Tetapi imej artistik yang menanti tatapan dalaman saya terbuka kepada saya hingga akhir dengan semua emosi, perasaan dan nafsu, dengan semua rancangan, matlamat dan keinginan yang paling tersembunyi. Melalui kulit luar imej, saya "melihat" kehidupan dalamannya.

Luar biasa penting dalam perniagaan kami nampaknya saya isyarat Psikologi - PZh menurut Chekhov.

Gerak isyarat psikologi membolehkan ... membuat "lakaran arang" percuma yang pertama pada kanvas besar. Anda mencurahkan dorongan kreatif pertama anda ke dalam bentuk gerak isyarat psikologi. Anda membuat, seolah-olah, rancangan yang mengikutnya anda akan melaksanakan niat artistik anda langkah demi langkah. Anda boleh membuat gerak isyarat psikologi yang tidak kelihatan secara fizikal, fizikal. Anda boleh menggabungkannya dengan warna tertentu dan menggunakannya untuk membangkitkan perasaan dan kehendak anda.

Sama seperti pelakon yang perlu memainkan peranan dengan mencari kesejahteraan dalaman yang betul, pengkritik juga memerlukan PJ.

MENDAPAT KESIMPULAN.

SENTUH masalah.

BREAK hubungan.

GRAB idea.

KELUAR TANGGUNGJAWAB.

JATUH putus asa.

TANYA soalan, dsb.

Apakah yang diperkatakan oleh semua kata kerja ini? Mengenai gerak isyarat, pasti dan jelas. Dan kami membuat gerak isyarat ini dalam jiwa, tersembunyi dalam ungkapan lisan. Apabila kita menyentuh masalah, sebagai contoh, kita menyentuhnya bukan secara fizikal, tetapi secara mental. Sifat isyarat sentuhan mental adalah sama seperti isyarat fizikal, dengan satu-satunya perbezaan bahawa satu isyarat adalah bersifat umum dan dilakukan secara tidak kelihatan dalam bidang rohani, manakala yang lain, fizikal, mempunyai watak tertentu dan nampaknya dilakukan dalam sfera fizikal.

Baru-baru ini, dalam perlumbaan yang berterusan, melakukan sesuatu seperti bukan kritikan, menghasilkan teks di sempadan pengajian teater dan kewartawanan, saya jarang memikirkan PZh. Tetapi baru-baru ini, disebabkan "keperluan pengeluaran", semasa mengumpul koleksi, saya membaca semula segunung teks lama, kira-kira seribu penerbitan saya sendiri. Membaca artikel lama saya adalah penyeksaan, tetapi ada sesuatu yang masih hidup, dan, ternyata, ini adalah teks-teks yang, seperti yang saya ingat, PZh yang saya perlukan dalam satu kes atau yang lain ditemui dengan tepat.

Katakan saya tidak dapat mendekati "Brothers and Sisters" Dodino (ulasan akhbar pertama tidak dikira, saya keluar dan keluar - adalah penting untuk menyokong persembahan, ini adalah genre yang berbeza ...). Persembahan telah ditunjukkan pada awal Mac, April telah berakhir, majalah Teater menunggu, teks tidak pergi. Dalam beberapa urusan, saya pergi ke Vologda asal saya, tinggal bersama rakan lama ibu saya. Dan pada pagi pertama, apabila kaki yang telanjang memijak lantai kayu dan papan lantai berderit (bukan parket Leningrad - papan lantai), pankreas timbul, bukan kepala, tetapi kaki, teringat perasaan kayu zaman kanak-kanak, bau sejuk. kayu api di tepi dapur, gundukan basah di bawah matahari Mac, dibasuh dalam panas lantai, rakit kayu, dari mana wanita membilas pakaian mereka pada musim panas ... Dinding kayu Kocherginskaya, pemandangan, tanpa kehilangan makna yang membina dan metafora , mendekati saya melalui PZh yang ditemui, saya secara psikofizik dapat memasuki persembahan, menariknya, menetap di dalamnya dan menjalaninya.

Atau, saya masih ingat, kami menyewa bilik, saya belum menulis ulasan mengenai "P. S." di Alexandrinka, persembahan oleh G. Kozlov berdasarkan Chrysleriana Hoffmann. Saya berlari ke pejabat di sepanjang Fontanka yang gelap, lampu menyala, keindahan Jalan Rossi dapat dilihat, angin, musim sejuk, hujan es membutakan mata saya. Disiksa oleh pengeluaran, letih, saya terlambat, tetapi saya memikirkan prestasi itu, saya menariknya kepada saya dan mengulangi: "Inspirasi, datang!" Saya berhenti: inilah, frasa pertama, pankreas ditemui, saya hampir sama saraf Chrysler, yang tidak berfungsi, salji di mata, maskara mengalir. "Inspirasi, datang!" Saya menulis dalam buku nota betul-betul di bawah salji. Ia boleh dianggap bahawa artikel itu telah ditulis, hanya penting untuk tidak kehilangan perasaan sebenar kesejahteraan ini, iramanya, dan juga untuk menganalisisnya kajian teater - ini boleh dilakukan di mana-mana negeri ...

Jika persembahan itu hidup dalam fikiran anda, anda bertanya soalan, menariknya, fikirkannya di kereta bawah tanah, di jalanan, sambil minum teh, fokus pada sifat artistiknya - PJ akan ditemui. Kadang-kadang pakaian juga membantu pankreas yang betul. Katakan, duduk untuk menulis, ia berguna untuk memakai topi kadang-kadang, kadang-kadang selendang (menonton apa yang persembahan!) Atau merokok - semua ini, sudah tentu, dalam imaginasi, kerana kita berkomunikasi dengan dunia yang ideal! Saya masih ingat (maaf, itu semua tentang diri saya ...), saya tidak dapat mula menulis tentang "Tanya-Tanya" di Fomenko, sehingga pada musim panas di Shchelykovo saya tiba-tiba terjumpa sehelai kertas hijau pucat. Itu sahaja, dan ia sesuai untuk teks ini - saya fikir, dan, duduk di loggia, setelah membancuh teh dengan pudina, saya hanya menulis satu perkataan pada helaian ini: "Baik!" Pankreas dijumpai, artikel itu timbul dengan sendirinya.

Semua ini yang saya maksudkan ialah kritikan teater sebenar bukanlah aktiviti mental bagi saya, ia, pada dasarnya, adalah idealnya sangat dekat dengan pengarahan dan lakonan (dan, sebenarnya, kepada mana-mana kreativiti artistik). Yang saya ulangi, tidak menafikan pengajian teater, ilmu sejarah dan teori, keperluan konteks (lebih luas, lebih cantik).

Bahagian yang berasingan boleh dikhaskan untuk pusat khayalan yang baik untuk menentukan kritikan yang menulis teks ... Ini secara langsung berkaitan dengan penyasaran profesion.

Tetapi pada masa yang sama, teks yang ditulis dengan tangan adalah satu PJ. Pada komputer, ia adalah sesuatu yang lain. Kadang-kadang saya membuat percubaan: Saya menulis sebahagian daripada teks dengan pen, saya menaip beberapa. Saya lebih percaya pada "tenaga tangan", dan kepingan ini pasti berbeza dalam tekstur.

Di sini kita memerlukan masa lampau: Saya menulis, saya percaya, saya sedang mencari PJ ... Kami semakin kurang terlibat dalam latihan profesional kami sendiri, kerana semakin jarang pelakon datang ke bilik persalinan tiga jam sebelum persembahan dan ikuti...

DAN SEDIKIT HARI INI

Malangnya, kini semakin sedikit contoh yang ingin kami pertimbangkan dengan tepat mengenai kritikan teater. Bukan sahaja terdapat sedikit teks sastera pada halaman penerbitan kami, tetapi spektrum genre adalah sangat sempit. Seperti yang saya katakan, sesuatu yang lahir di persimpangan pengajian teater dan kewartawanan mendominasi.

Hari ini, pengkritik dengan maklumat lengkap hampir menjadi pengeluar: dia mengesyorkan persembahan untuk perayaan, mencipta reputasi untuk teater. Anda juga boleh bercakap tentang konjungtur, pertunangan, fesyen, nama persembahan dan teater - walau bagaimanapun, pada tahap yang sama seperti pada setiap masa. “Kelas kritikan diuji pada bahan apabila anda tidak menyukainya, dan anda tidak bermain-main, jangan bersembunyi, tetapi bercakap sehingga akhir. Dan jika artikel sedemikian memberi inspirasi kepada orang yang anda tulis, ia adalah kelas yang tinggi, ia diingati, kekal dalam ingatan dia dan anda. Pujian itu dilupakan keesokan harinya, dan perkara negatif kekal sebagai takuk dalam ingatan. Tetapi jika anda tidak menyukai sesuatu dan anda menulis tentangnya, bersiaplah untuk fakta bahawa orang itu akan berhenti menyapa anda, bahawa hubungan anda dengannya akan berakhir. Artis itu disusun secara fisiologi dengan cara ini - dia tidak menerima penafian. Ia seperti berkata kepada seorang gadis dengan ikhlas: "Saya tidak suka awak." Anda tidak lagi wujud untuknya. Keseriusan kritikan diuji dalam situasi ini. Bolehkah anda kekal pada tahap apabila anda tidak menerima beberapa fenomena seni dan menafikannya dengan sepenuh jiwa anda,” kata A. Smelyansky (http://sergeyelkin.livejournal.com/12627.html).

Situasi dalam kritikan kami agak rapat mengulangi keadaan pada pergantian abad yang lalu. Pada masa itu, keusahawanan berkembang, iaitu, pasaran seni berkembang, ramai wartawan teater, mendahului satu sama lain, membawa ulasan buta huruf yang tergesa-gesa ke akhbar harian, wartawan yang telah berkembang menjadi pemerhati - ke akhbar yang lebih besar (pembaca terbiasa dengan nama pemerhati yang sama - seorang pakar, seperti sekarang), "bulu emas" V. Doroshevich, A. Amfiteatrov, V. Gilyarovsky - menulis kepada akhbar terbesar, dan A.R. Kugel dengan edaran sebanyak 300 salinan. mula menerbitkan majalah teater hebat Teater dan Seni, yang wujud selama 22 tahun. Dia menciptanya pada penghujung abad ke-19, supaya seni kapitalisme yang berkembang akan merasakan mata profesional dan tidak kehilangan kriteria artistik.

Kesusasteraan teater semasa terdiri daripada gelombang pengumuman akhbar, anotasi, wawancara glamor - dan semua ini tidak boleh dianggap sebagai kritikan, kerana objek artistik tidak berada di tengah-tengah penerbitan ini. Ini adalah kewartawanan.

Pelbagai kritikan akhbar Moscow, bertindak balas dengan pantas dan bertenaga kepada semua tayangan perdana yang penting, mewujudkan tanggapan bahawa profesion itu seolah-olah wujud (seperti pada awal abad yang lalu). Benar, bulatan perhatian ditakrifkan dengan ketat, senarai orang yang berminat juga (di St. Petersburg ini ialah Alexandrinka, Mariinka, BDT dan MDT). Pengulas akhbar-akhbar utama mencelupkan pena mereka dalam tinta yang sama, gaya dan pandangan adalah bersatu, hanya beberapa pengarang mengekalkan gaya individu mereka. Walaupun objek artistik berada di tengah, maka, sebagai peraturan, bahasa penerangannya tidak sesuai dengan intipati objek dalam kesusasteraan, tidak ada pembicaraan kesusasteraan sama sekali.

Di St. Petersburg, kritikan teater akhbar menjadi sia-sia. Perbincangan kini berlaku di rangkaian sosial dan blog, ini adalah bentuk dialog dan surat-menyurat baru, tetapi kini surat tidak datang selama beberapa hari, seperti dari Gnedich ke Batyushkov dan dari Chekhov ke Suvorin ... Semua ini, sudah tentu, tiada kena mengena dengan kritikan. Tetapi blog nampaknya semacam "kalangan", serupa dengan yang wujud dalam "era penonton teater yang tercerahkan": di sana mereka akan membincangkan persembahan dengan Olenin atau Shakhovsky, di sini - di halaman Facebook NN atau AA . ..

Dan saya, sebenarnya, di sana juga.

Siapa pengkritik teater dan bagaimana anda menjadi pengkritik? Bagaimana untuk tidak membunuh dengan ulasan?

Seorang pengkritik, dalam fikiran sesetengah orang, adalah hakim yang mengeluarkan keputusan: menjadi persembahan atau tidak. Untuk menjadi lebih tepat: adakah ia karya agung atau karut lengkap. Dalam banyak cara, ini adalah pendapat buntu, kerana kritikan bukan sahaja ulasan yang mudah, bukan pro e contro mudah sesebuah produksi. Kritikan teater adalah dunia istimewa dengan perangkap besar. Tanpa mereka, kritikan sudah lama bertukar kepada format perbincangan dan siaran di rangkaian sosial. Jadi apa itu? Di manakah anda belajar seni menulis ulasan? Apakah bakat yang anda perlukan untuk menjadi pengkritik teater? Apakah cabaran dalam profesion ini?

Jika kita mengimbas kembali genre kewartawanan, maka ulasan itu tergolong dalam salah satu daripada tiga kumpulan - analisis. Ringkasnya, pengkritik teater menganalisis persembahan. Dia melihat ke dalam setiap butiran, kerana setiap perkara kecil adalah penting. Tetapi ulasan tidak selalunya "kritikan". Tiada siapa yang akan membaca bahan di mana ia ditulis secara emosi: "Persembahan anda menyebalkan."

"Damir Muratov dari Omsk di Triennial of Russian Contemporary Art di Moscow membentangkan karyanya "Tidak semua orang boleh menyinggung perasaan seorang artis" - inskripsi konseptual di atas kanvas. Seperti dalam mana-mana tindakan yang serupa, bersama-sama dengan permainan kata-kata, seseorang dapat melihat makna penting, - kata Alexey Goncharenko, pengkritik teater. - Kadang-kadang teguran tajam daripada pengkritik membolehkan, mengetepikan emosi, mengubah sesuatu dalam adegan dan menjadikannya lebih kuat, dan kadang-kadang pujian yang tidak dijangka boleh menekan pengarang (dia menjangkakan bahawa mereka akan mencatat sesuatu yang lebih disayanginya dalam karya itu). Tidak semestinya hanya memarahi pengarah dan artis, sama seperti memuji, ini boleh dilakukan oleh penonton. Proses teater adalah lebih produktif untuk menganalisis, membongkar, bertanya dan bertanya soalan, dan kemudian bersama-sama dengan hujah-hujah penilaian karya seni akan dilahirkan, tanpanya adalah mustahil, selepas semua, pengkritik bukanlah pengkritik. pengarang odes, dia tidak mengagumi secara membuta tuli, tetapi menghormati mereka yang dia tulis ".

Untuk menulis dalam genre ini, tidak cukup untuk mengetahui apa itu teater. Seorang pengkritik adalah pilihan yang serba boleh dalam erti kata yang baik. Dia mahir bukan sahaja dalam seni teater. Pengkritik sedikit ahli falsafah, sedikit ahli sosiologi, ahli psikologi, ahli sejarah. Pengarah, pelakon, penulis drama. Dan, akhirnya, seorang wartawan.

“Sebagai ahli profesion teater, pengkritik mesti sentiasa meragui, - Elizaveta Sorokina, ketua pengarang majalah "Pakar teater Badger" berkongsi pendapatnya. - Anda tidak boleh hanya menegaskan. Anda perlu terus membuat hipotesis. Dan kemudian semak sama ada ia benar atau tidak. Perkara utama ialah jangan takut kesilapan, menghargai setiap satu. Kita tidak boleh lupa bahawa pengkritik teater adalah satu profesion yang kreatif seperti semua teater yang lain. Hakikat bahawa pengkritik itu "di seberang jalan" tidak mengubah apa-apa. Unit pernyataan pengarah ialah lakonan, pelakon ialah peranan, penulis drama ialah lakonan, dan kritikan ialah teksnya.

Salah satu cabaran bagi seorang pengkritik ialah menulis bahan untuk semua orang. Sesuaikan dengan setiap pembaca yang mempunyai citarasa dan pilihan masing-masing. Penonton ulasan agak ramai. Ia termasuk bukan sahaja penonton, tetapi juga pengarah persembahan (walaupun ramai pengarah yang dihormati mendakwa bahawa mereka tidak membaca kritikan terhadap karya mereka), serta rakan sekerja di kedai. Bayangkan betapa berbezanya mereka! Masing-masing melihat teater dengan cara mereka sendiri. Bagi sesetengah orang, ini adalah "masa yang menyeronokkan", dan bagi yang lain, "jabatan yang anda boleh katakan banyak kebaikan kepada dunia" (N.V. Gogol). Bagi setiap pembaca, bahan tersebut haruslah berguna.

Dalam kebanyakan kes, ulasan ditulis oleh orang yang telah dilatih untuk memahami seni teater dari dalam - ini adalah pengkritik teater. Graduan sekolah Moscow (GITIS), St. Petersburg (RGISI) dan lain-lain. Orang yang mempunyai diploma wartawan tidak selalu jatuh ke dalam bidang budaya. Jika kita membandingkan pakar teater dan wartawan, kita mendapat analogi yang menarik: kedua-duanya mempunyai kelebihan dan kekurangan tersendiri apabila menulis ulasan persembahan. Pengkritik yang lulus dari jabatan teater tidak selalu mempunyai idea tentang genre kewartawanan. Malah berlaku bahawa, di sebalik sejumlah besar istilah, mereka lupa bahawa pembaca bukan elit akan cepat bosan dengan banyak perkataan yang tidak dapat difahami. Pengkritik dengan pendidikan kewartawanan kurang dari segi parameter mereka: mereka sering kekurangan pengetahuan ciri tentang teater, tentang ciri-cirinya, serta istilah profesional. Mereka tidak selalu memahami teater dari dalam: mereka tidak diajar ini. Sekiranya genre kewartawanan boleh dipelajari dengan cepat (walaupun bukan kali pertama), maka adalah mustahil untuk menguasai teori teater dalam beberapa bulan. Ternyata keburukan sesetengah adalah kelebihan yang lain.

Gambar dari FB Pavel Rudnev

"Teks teater telah tidak lagi menjadi alat untuk mendapatkan wang, halaman budaya dalam media telah dikurangkan menjadi mustahil, akhbar lain telah membetulkan secara mendadak., - kata Pavel Rudnev, pengkritik teater dan pengurus teater, calon sejarah seni. - Jika pada tahun 1990-an persembahan di ibu negara boleh mendapat 30-40 ulasan, hari ini setiausaha akhbar gembira apabila sekurang-kurangnya satu ulasan diterbitkan tentang persembahan. Karya yang paling bergema menyebabkan sepuluh ulasan. Sudah tentu, ini adalah akibat, di satu pihak, pasaran, memerah apa yang tidak boleh dijual, sebaliknya, ia adalah akibat daripada ketidakpercayaan dalam budaya moden, teater baru, orang baru datang dalam budaya. Jika anda boleh bersabar dengan yang pertama, maka yang kedua adalah bencana yang nyata. Ramai yang mengatakan bahawa pengkritik hari ini menjadi pengurus, penerbit. Dan ini, sayangnya, adalah perkara yang terpaksa: anda perlu menyediakan untuk diri sendiri, keluarga anda. Tetapi masalahnya ialah reputasi dan kewibawaan seorang pengkritik masih, pertama sekali, dicipta dengan tepat oleh teks dan analitik. Dan hakikat bahawa hari ini terdapat sangat sedikit peluang untuk pengkritik teater muda adalah bencana, kerana kematangan seorang pengkritik adalah proses jangka panjang. Tiada siapa yang keluar dari universiti dengan lengkap dan lengkap.

Apabila saya mula, saya diberi bantuan yang tidak ternilai oleh pakar teater kanan, yang saya berterima kasih atas kepercayaan ini - Olga Galakhova dan Gennady Demin dalam akhbar Dom Aktora, Grigory Zaslavsky di Nezavisimaya Gazeta. Dan ini mempunyai makna tersendiri: terdapat kesinambungan - anda membantu saya, saya membantu orang lain. Masalahnya ialah hari ini tiada tempat untuk meregangkan garisan ini. Hari ini, malangnya, hanya ciri percuma Internet boleh menawarkan kemungkinan mereka. Sebagai contoh, Majlis Belia STD RF mencipta blog untuk pengkritik muda "Start Up". Bidang untuk teks adalah luas, kerana ia mempengaruhi bukan sahaja budaya ibu kota, tetapi, di atas semua, wilayah. Tetapi adalah buruk bahawa kami tidak membayar apa-apa untuk teks. Itu memalukan!"

Pengkritik teater adalah profesion kreatif, ramai yang tidak berminat menumpukan seluruh hidup mereka kepadanya. Walau bagaimanapun, sebelum anda boleh menjadi seorang profesional, anda perlu bekerja keras. Seseorang pengkritik seharusnya boleh menilai secara objektif idea kreatif pengarang dan menyatakan pendapatnya dengan tepat dan jelas. Anda perlu dapat melihat butirannya, menguasai perkataan dengan mahir dan belajar untuk melihat gambaran dunia yang dipersembahkan di atas pentas. Adakah ia mudah? Tidak. Tetapi bilakah kesukaran menghalang kita? tidak pernah. ke hadapan!

"Damir Muratov dari Omsk di Triennial of Russian Contemporary Art di Moscow membentangkan karyanya" Tidak semua orang boleh menyinggung perasaan artis" - inskripsi konseptual di atas kanvas. Seperti dalam mana-mana actionism yang sama, bersama-sama dengan permainan kata-kata main-main, seseorang boleh melihat makna penting di sini, - kata Alexei Goncharenko, pengkritik teater. - Kadangkala teguran tajam daripada pengkritik membolehkan, mengetepikan emosi, mengubah sesuatu dalam adegan dan menjadikannya lebih kuat, dan kadangkala pujian yang tidak dijangka boleh membuatkan pengarang tertekan (dia menjangkakan bahawa mereka akan mencatat sesuatu yang lebih disayanginya dalam karya itu) . Tidak semestinya hanya memarahi pengarah dan artis, sama seperti memuji, ini boleh dilakukan oleh penonton. Proses teater adalah lebih produktif untuk menganalisis, membongkar, bertanya dan bertanya, dan kemudian bersama-sama dengan hujah-hujah penilaian karya seni akan dilahirkan, tanpa itu mustahil, selepas semua, pengkritik bukanlah seorang pengarang odes, dia tidak mengagumi secara membuta tuli, tetapi menghormati orang yang dia tulis ".

"Sebagai wakil profesion teater, pengkritik mesti sentiasa ragu-ragu," berkongsi pendapatnya Elizaveta Sorokina, ketua pengarang majalah "Pakar teater Badger". - Anda tidak boleh hanya berkata. Anda perlu terus membuat hipotesis. Dan kemudian semak sama ada ia benar atau tidak. Perkara utama ialah jangan takut kesilapan, menghargai setiap satu. Kita tidak boleh lupa bahawa pengkritik teater adalah satu profesion yang kreatif seperti semua bidang teater yang lain. Hakikat bahawa pengkritik itu "di seberang jalan" tidak mengubah apa-apa. Unit pernyataan pengarah ialah lakonan, pelakon ialah peranan, penulis drama ialah lakonan, dan kritikan ialah teksnya.

Dalam kebanyakan kes, ulasan ditulis oleh orang yang telah dilatih untuk memahami seni teater dari dalam - ini adalah pakar teater. Graduan sekolah Moscow (GITIS), St. Petersburg (RGISI) dan lain-lain. Orang yang mempunyai diploma wartawan tidak selalu jatuh ke dalam bidang budaya. Jika kita membandingkan pakar teater dan wartawan, kita mendapat analogi yang menarik: kedua-duanya mempunyai kelebihan dan kekurangan tersendiri apabila menulis ulasan persembahan. Pengkritik yang lulus dari jabatan teater tidak selalu mempunyai idea tentang genre kewartawanan. Malah berlaku bahawa, di sebalik sejumlah besar istilah, mereka lupa bahawa pembaca bukan elit akan cepat bosan dengan banyak perkataan yang tidak dapat difahami. Pengkritik dengan pendidikan kewartawanan kurang dari segi parameter mereka: mereka sering kekurangan pengetahuan ciri tentang teater, tentang ciri-cirinya, serta istilah profesional. Mereka tidak selalu memahami teater dari dalam: mereka tidak diajar ini. Sekiranya genre kewartawanan boleh dipelajari dengan cepat (walaupun bukan kali pertama), maka adalah mustahil untuk menguasai teori teater dalam beberapa bulan. Ternyata keburukan sesetengah adalah kelebihan yang lain.

Gambar dari FB Pavel Rudnev

"Teks teater telah tidak lagi menjadi cara untuk mendapatkan wang, halaman budaya dalam media telah dikurangkan kepada kemustahilan, seluruh akhbar telah bertambah baik dengan ketara," kata Pavel Rudnev, pengkritik teater dan pengurus teater, Ph.D. dalam sejarah seni. - Jika pada tahun 1990-an persembahan di ibu negara boleh mengumpul 30-40 ulasan, hari ini setiausaha akhbar gembira apabila sekurang-kurangnya satu ulasan diterbitkan tentang persembahan. Karya yang paling bergema menyebabkan sepuluh ulasan. Sudah tentu, ini adalah akibat, di satu pihak, pasaran, memerah apa yang tidak boleh dijual, sebaliknya, ia adalah akibat daripada ketidakpercayaan dalam budaya moden, teater baru, orang baru datang dalam budaya. Jika anda boleh bersabar dengan yang pertama, maka yang kedua adalah bencana yang nyata. Ramai yang mengatakan bahawa pengkritik hari ini menjadi pengurus, penerbit. Dan ini, sayangnya, adalah perkara yang terpaksa: anda perlu menyediakan untuk diri sendiri, keluarga anda. Tetapi masalahnya ialah reputasi dan kewibawaan seorang pengkritik masih, pertama sekali, dicipta dengan tepat oleh teks dan analitik. Dan hakikat bahawa hari ini terdapat sangat sedikit peluang untuk pengkritik teater muda adalah bencana, kerana kematangan seorang pengkritik adalah proses jangka panjang. Tiada siapa yang keluar dari universiti dengan lengkap dan lengkap.

Elizaveta Pecherkina, rewizor.ru

Rujukan ringkas

Alisa Nikolskaya adalah pengkritik teater profesional. Lulus dari GITIS, Fakulti Teater. Selama 13 tahun dia telah bekerja dalam kepakarannya, juga menghasilkan produksi teater, pameran foto dan projek lain.

Profguide: Alice, beritahu saya, mengapa kita memerlukan pengkritik teater? Siapa yang memerlukannya dalam teater: penonton, artis, pengarah?

Alisa Nikolskaya: Teater adalah seni yang fana. Persembahan berlangsung selama satu petang dan mati dengan penutupan tirai. Pengkritik pula membetulkan apa yang berlaku di atas pentas, membolehkan dia hidup lebih lama. Menyampaikan maklumat kepada pelbagai orang. Iaitu, ia melaksanakan fungsi ahli sejarah dan arkivis. Di samping itu, pengkritik mencari perkataan untuk semua yang berlaku dalam teater; merumus, menganalisis, menerangkan. Dalam satu perkataan, dalam satu proses teater, pengkritik bertanggungjawab untuk teori.

Profguide: Bagaimanakah pengkritik berfungsi? Saya mempersembahkannya seperti ini. Dia pergi ke belakang pentas dan berkata kepada pengarah: “Dengar, Petya! Anda membuat persembahan yang baik. Tetapi entah bagaimana ia tidak begitu sempurna. Saya nak pendekkan sikit scene ni, ubah sikit ending. Pengarah mendengar kritikan, perubahan dan pemotongan. Kerana pengkritik itu terkena paku di kepala dengan kenyataannya. Jadi?

Atau pengkritik menonton persembahan, pulang ke rumah, menulis ulasan dan menerbitkannya dalam akhbar Kultura atau dalam majalah Teater. Kemudian dia berterima kasih atas kerjanya, atas pemahaman dan pengagungannya.

A.N.: Ia mungkin begitu, dan begitu. Apabila perbualan langsung berlaku antara pengkritik dan pengarah-pelakon-penulis drama, ia sangat mengagumkan. Bukan tanpa alasan bahawa genre perbincangan lisan popular di festival teater Rusia. Iaitu, pengkritik datang, menonton persembahan dan menganalisisnya dalam perbualan dengan pasukan kreatif. Ini berguna untuk kedua-dua pihak: pengkritik mengasah keupayaannya untuk merumus dan belajar untuk mendengar dan menghormati mereka yang bekerja pada persembahan, dan pasukan kreatif mendengar pendapat profesional dan mengambil kiranya. Hampir tiada perkara seperti itu di Moscow, dan bercakap tentang persembahan berlaku sekali sahaja, atas inisiatif satu pihak atau pihak yang lain. Nampaknya kepada saya bahawa perbualan profesional adalah perkara yang sangat penting. Ini adalah peluang hidup untuk memajukan proses ke hadapan.

Teks bertulis tidak menjejaskan proses. Secara umum, nilai perkataan yang dicetak berkurangan dari semasa ke semasa. Di negara kita, katakan, semakan negatif terhadap prestasi tidak menjejaskan box office, seperti di Barat. Dan pengarah, yang prestasinya menerima ulasan negatif, selalunya tidak memberi perhatian kepada mereka. Mungkin kerana ramai orang bukan profesional menulis tentang teater, dan kepercayaan terhadap profesion itu sendiri telah terjejas. Dialog hari ini tidak begitu baik. Dan keperluan artis untuk kritikan, dan juga kritikan artis, adalah minimum.

Profguide: Lidah jahat berkata: sesiapa yang tidak tahu bagaimana melakukannya sendiri masuk ke dalam kritikan.

A. N.: Ya, ada pendapat seperti itu. Adalah dipercayai bahawa pengkritik adalah mereka yang gagal menjadi pelakon atau pengarah. Dan dari semasa ke semasa orang seperti itu bertemu. Tetapi ini tidak bermakna mereka menjadi pengkritik yang buruk. Begitu juga pengkritik yang telah menerima pendidikan profil tidak selalu baik. Bakat diperlukan dalam profesion kita.

Profguide: Saya berpendapat bahawa teater moden terutamanya memerlukan pengkritik. Dia mesti menjelaskan. Kerana teater moden selalunya seperti teka silang kata - tidak jelas. Anda perlu berfikir dengan kepala anda, bukan hanya dengan hati anda. Apa pendapat anda tentangnya?

A.N.: Sudah tentu perlu dijelaskan. Merumus. Menganalisis proses. Hari ini, skop tontonan teater telah berkembang dengan pesat, unsur-unsur pawagam, seni video, muzik, dan pelbagai jenis seni diperkenalkan ke dalamnya. Ia sangat menarik. Memahami karya baru, contohnya, atau tarian moden, di mana segala-galanya berubah dan diselesaikan dengan sangat cepat, dicipta di hadapan mata kita. Hanya ambil mudah dan faham. Walaupun hati tidak boleh dimatikan. Lagipun, teater hari ini mempengaruhi penonton di peringkat deria, dan tidak mungkin untuk melihatnya hanya dengan kepala.

Profguide: Apakah perasaan anda tentang teater moden secara umum? Apakah fenomena ini, dan apakah soalan yang dijawab atau cuba dijawab oleh teater moden?

A. N.: Pada masa kini, terdapat jurang yang besar antara teater, yang wujud pada model setengah abad yang lalu, dan teater, cuba menangkap masa yang berubah dengan pantas hari ini, untuk bertindak balas terhadapnya. Jenis teater pertama tidak menjawab apa-apa. Dia hanya hidup. Seseorang memerlukannya - dan demi Tuhan. Walaupun keengganan kategori untuk membenarkan masuk hari ini adalah musibah dan masalah. Dan jenis teater kedua, yang terkandung dalam kecil, sebagai peraturan, kumpulan atau individu, mencari makanan dari apa yang ada di sekeliling. Dalam fikiran dan perasaan seseorang yang datang ke auditorium dan mendambakan gema jiwanya sendiri. Ini tidak bermakna bahawa teater moden gemar sosialiti dan topikal - walaupun mustahil untuk dilakukan tanpa komponen ini sama sekali. Terdapat pendekatan kepada teater suci. Sensual, Kembali kepada asal usul fitrah manusia.

Profguide: Apa pendapat anda, Alice, apakah masalah utama teater moden di Rusia? Apa kurangnya dia?

A. N.: Banyak benda yang hilang. Masalah utama - rancangan sosial dan organisasi. Tidak ada hubungan, dialog dengan pihak berkuasa: dengan pengecualian yang jarang berlaku, pihak berkuasa dan artis tidak menghubungi, pihak berkuasa tidak berminat dengan perbualan ini. Akibatnya, teater berada di pinggir kehidupan awam, teater tidak mempunyai pengaruh kepada masyarakat. Pengecualian sekali sahaja.

Masalah lain ialah jarak antara, katakan, orang yang mempunyai bangunan dan subsidi, dan orang yang mempunyai otak dan bakat. Lihat: di semua teater utama terdapat keluhan - "di manakah darah baru?". Dan darah baru ini - dan arahan, dan lakonan, dan dramaturgi. Dan orang-orang ini ada di sini, tidak perlu terbang ke Marikh untuk mereka. Tetapi atas sebab tertentu mereka tidak dibenarkan atau diterima masuk ke tahap minimum dalam struktur ini. Dan pengurusan teater masih duduk dan mengimpikan sejenis "Efros baharu" yang akan jatuh dari langit dan menyelesaikan semua masalah. Sedih melihat semua ini. Ia adalah pahit untuk melihat bagaimana pengarah, tidak mempunyai masa untuk benar-benar mengambil tempat di teater, meninggalkan untuk penggambaran bersiri. Pahit melihat pelakon yang dikurniakan bakat yang sudah bertahun-tahun tidak mempunyai pekerjaan yang layak. Adalah pahit untuk melihat pelajar disesatkan oleh sistem pendidikan dan tidak memahami, tidak mendengar diri mereka, keperibadian mereka.

Profguide: Untuk menjadi pengkritik teater, seseorang mesti menyukai teater ("... iaitu, dengan segenap kekuatan jiwa anda, dengan segala semangat, dengan segala kegilaan yang hanya mampu ..."). Tetapi apakah kualiti yang perlu ditanam dalam diri semasa menjalani latihan dan persediaan untuk profesion ini?

A. N.: Pengkritik adalah profesion menengah. Pengkritik membetulkan dan memahami apa yang dia lihat, tetapi dia sendiri tidak mencipta apa-apa. Ini adalah detik yang sukar untuk diharungi, terutamanya bagi seorang yang bercita-cita tinggi. Anda perlu bersedia untuk menyedari perkara ini. Dan untuk menyukai teater adalah satu kemestian! Tidak semua daripada mereka, sudah tentu. Pembentukan citarasa sendiri, didikan diri juga merupakan perkara yang sangat penting. Siapa yang memerlukan pengkritik, tercekik dengan kegembiraan selepas sebarang persembahan, tidak membezakan yang baik dari yang buruk? Begitu juga orang yang pergi ke teater, seolah-olah bekerja keras, dan menggerutu melalui giginya "bagaimana-saya-benci-semua-ini" tidak diperlukan juga.

Profguide: Di manakah tempat terbaik untuk belajar menjadi pengkritik teater?

A.N.: Rektor GITIS yang tidak dapat dilupakan, Sergei Alexandrovich Isaev, berkata bahawa pengajian teater bukanlah satu profesion, tetapi satu set pengetahuan. Ini adalah benar. Di jabatan teater GITIS (yang saya lulus, dan kebanyakan rakan sekerja saya yang kini mengamalkan pengkritik) mereka memberikan pendidikan seni liberal yang sangat baik. Setelah menerimanya, anda boleh pergi, katakan, ke sains, atau, sebaliknya, ke PR, atau anda juga boleh beralih dari teater ke sesuatu yang lain. Tidak setiap orang yang lulus dari jabatan teater kita menjadi pengkritik penulisan. Tetapi - dan tidak setiap pengkritik datang ke dalam profesion dari jabatan teater.

Pada pendapat saya, bagi seseorang yang telah memilih jalan "menulis", sebaik-baik guru adalah amalan. Menulis adalah mustahil untuk diajar. Jika ini sukar bagi seseorang, maka dia tidak akan biasa dengan perniagaan ini (saya telah melihat banyak kes sebegini). Dan jika ada kecenderungan, maka pengetahuan yang diperoleh di universiti hanya akan membantu anda pergi ke mana anda mahu. Benar, hari ini kritikan teater sebahagian besarnya telah bertukar menjadi kewartawanan teater. Dan berat sebelah ini bukan di universiti. Dan orang, meninggalkan dinding GITIS yang sama, mungkin tidak bersedia untuk kewujudan selanjutnya dalam profesion. Di sini banyak bergantung pada guru dan pada orang itu sendiri.

Jabatan teater GITIS mungkin merupakan tempat paling terkenal di mana mereka mengajar "kritikan". Tetapi bukan satu-satunya. Jika kita bercakap tentang Moscow, maka arah pengajian teater ditawarkan oleh kebanyakan universiti seni liberal. RSUH misalnya di mana mutu pendidikannya tinggi.

Profguide: Apakah rupa kerjaya pengkritik teater?

A.N.: susah nak cakap. Nampaknya kerjaya seorang pengkritik adalah tahap pengaruhnya terhadap proses itu. Ini adalah perkembangan gaya individu di mana pengkritik diiktiraf. Dan saat bertuah, peluang untuk berada "pada masa yang betul di tempat yang betul" juga ada.

Profguide: Anda kini menghasilkan drama. Dari mana ia datang? Kehabisan kesabaran? Adakah sesuatu telah tumbuh ke dalam jiwa? Bagaimanakah anda memahami bahawa IA BERTUMBUH? Bagaimanakah ia memperkayakan anda?

A.N.: Terdapat banyak faktor di sini. Beberapa tahun lalu, saya mendapat perasaan bahawa saya tidak begitu berpuas hati dengan realiti teater yang sedia ada. Dia kehilangan sesuatu. Dan apabila ada sesuatu yang hilang, dan anda faham apa itu, anda boleh sama ada menunggu perubahan atau pergi dan lakukan sendiri. Saya memilih yang kedua. Kerana saya seorang yang aktif, dan saya tidak tahu bagaimana untuk duduk di satu tempat dan menunggu.

Saya sangat suka mencuba perkara baru. Lima tahun yang lalu kami menghasilkan projek "panggung foto" artis foto Olga Kuznetsova. Kami menggabungkan kerja lakonan pada kamera dan keaslian ruang. Satu projek, The Power of Open Space, telah ditunjukkan di Pusat Teater Na Strastnoy sebagai sebahagian daripada pameran besar tiga jurugambar. Yang lain ialah “Permainan Diraja. Richard the Third", jauh lebih besar - telah dibuat setahun kemudian dan ditunjukkan di Pusat Meyerhold. Pendek kata, kami mencuba - ia berkesan. Sekarang saya faham betapa menariknya arah ini, dan bagaimana ia boleh dibangunkan.

Tepat pada prinsip yang sama "menarik - saya mencubanya - ternyata" projek saya yang lain sedang dibuat. Kerja pengarah filem muda menjadi menarik - program menayangkan filem pendek di TSIM telah dilahirkan. Saya terbawa-bawa oleh ruang kelab - saya mula membuat konsert. By the way, saya sangat menyesal kerana saya meninggalkan kerja ini. Saya mahu kembali kepadanya. Dan jika esok saya suka sesuatu yang lain, saya akan pergi dan cuba melakukannya.

Setakat teater, di sini saya masih di awal perjalanan saya. Terdapat banyak idea. Dan kesemuanya tertumpu, dalam banyak cara, kepada orang - pelakon, pengarah, artis - yang saya sayangi, yang visi dunia dan teaternya bertepatan dengan saya. Kerja berpasukan amat penting bagi saya. Perasaan apabila anda tidak bersendirian, anda disokong, anda berminat adalah luar biasa. Sudah tentu, terdapat kesilapan dan kekecewaan. Dengan akibat yang menyakitkan dan pahit. Tetapi ini adalah carian, proses, ini adalah perkara biasa.

Anda tahu, ini adalah perasaan yang menggembirakan apabila anda melihat, contohnya, artis yang luar biasa, atau anda membaca drama - dan tiba-tiba sesuatu mula berdenyut di dalam, anda fikir "ini milik saya!". Dan anda mula mencipta: untuk artis - peranan, untuk drama - pengarah. Anda membina keseluruhan urutan kerja di kepala anda dan di atas kertas: bagaimana untuk mendapatkan wang, bagaimana untuk meyakinkan orang untuk bekerja dengan anda, menawan mereka dengan pembakaran anda sendiri, bagaimana untuk memasang pasukan, bagaimana untuk mempromosikan produk siap, mengaturnya nasib. Jumlah kerja, tentu saja, besar. Adalah penting untuk tidak takut, tetapi bergerak ke hadapan tanpa gangguan.

Profguide: Apakah kredo anda dalam profesion kritikan?

A.N.: Credo, tidak kira betapa basi - jadilah diri sendiri. Jangan berbohong. Jangan membunuh dengan kata-kata. Jangan masuk ke dalam pembongkaran, pertarungan. Ia berlaku bahawa watak tertentu - pelakon atau pengarah - terus terang tidak menyenangkan, dan bercakap tentang kerjanya anda secara tidak sengaja mula mencari apa yang buruk. Dan apabila anda menemuinya, anda benar-benar ingin merayau di tanah ini. Ini tidak bagus. Kita mesti sederhanakan semangat kita. Saya selalu mengatakan ini kepada diri saya sendiri. Walaupun ia berlaku bahawa saya tidak menahan diri.

Profguide: Apakah kesukaran utama profesion untuk anda? Apakah kewajipan profesion ini? Jadi saya nampak anda menghabiskan hampir sepanjang malam anda di teater. Bukankah ini kerja keras?

A.N.: Tidak, bukan kerja keras sama sekali. Saya tidak jemu mengatakan bahawa profesion, walaupun ia sangat dicintai, tidak meletihkan sepanjang hayat. Dan ia adalah mustahil untuk habis. Jika tidak, anda boleh menjadi orang yang sangat tidak berpuas hati. Dan saya mempunyai contoh sedemikian di depan mata saya. Ya, teater mengambil sebahagian besar masa saya. Tetapi ia adalah pilihan yang sedar. Ramai orang yang saya sayangi, yang saya berkomunikasi adalah orang dari kalangan teater. Dan saya sangat berminat untuk bercakap dengan mereka, termasuk tentang profesion. Tetapi saya juga mempunyai kawan yang benar-benar bukan teater, dan hobi bukan teater - dan syukur kepada Tuhan bahawa mereka adalah. Anda tidak boleh mengunci diri anda dalam kerja. Ia adalah perlu untuk menjadi orang yang hidup, bernafas dan merasa. Dan kerja tidak boleh didekati sebagai kerja keras. Jika tidak, anda tidak boleh melakukannya. Ia adalah perlu untuk memperluaskan sempadan persepsi.

Saya tidak pernah memahami mereka yang pergi ke persembahan dramatik, sebagai contoh. Sekarang semua jenis seni menembusi antara satu sama lain. Saya pergi ke opera dan balet, ke konsert dan filem. Dan bagi saya ini bukan sahaja keseronokan atau hiburan, tetapi juga sebahagian daripada kerja.

Kesukaran saya, sebagai contoh, adalah untuk tidak berbohong kepada diri sendiri dan tidak berpura-pura. Kadang-kadang anda melihat beberapa tontonan yang luar biasa - dan anda tidak tahu cara mendekatinya untuk menyampaikan dengan kata-kata apa yang anda lihat. Ia jarang berlaku, tetapi ia berlaku. Dan kemudian anda meninggalkan dewan, anda terbakar, anda terbakar, dan semasa anda duduk untuk menulis - mati syahid. Tetapi ada siksaan, dan apabila anda berhadapan dengan prestasi yang sangat buruk. Bagaimana untuk mengatakan bahawa ini tidak baik, tetapi bukan untuk memercikkan racun dan tidak membongkok untuk menyalahgunakan, tetapi dengan jelas menyatakan semua "apa" dan "mengapa". Saya telah berada dalam profesion selama tiga belas tahun. Tetapi ia sering berlaku bahawa teks baru adalah peperiksaan untuk saya. Kepada diri saya sendiri, pertama sekali.

Profguide: Apakah kemanisan utama profesion ini untuk anda?

A.N.: Dalam proses yang sangat. Anda datang ke teater, anda duduk di dalam dewan, anda lihat. Anda membuat nota. Kemudian anda menulis, berfikir, merumus. Anda sedang mencari dalam diri anda untuk persatuan, sensasi, gema apa yang telah anda lihat (atau baca). Anda membuat persamaan dengan bentuk seni lain. Semua ini adalah perasaan yang luar biasa yang tidak dapat dibandingkan dengan apa-apa.

Dan satu lagi kesenangan - temuduga. Saya tidak begitu suka melakukan temuduga, tetapi ada orang yang bertemu dengan gembira dan gembira. Yuri Lyubimov, Mark Zakharov, Tadashi Suzuki, Nina Drobysheva, Gennady Bortnikov... Ini orang angkasa lepas. Ya, dan banyak lagi yang boleh dinamakan. Setiap pertemuan adalah pengalaman, pengiktirafan, pemahaman alam, manusia dan kreatif.

Profguide: Adakah mungkin untuk mendapatkan wang sebagai pengkritik teater?

A.N.: boleh. Tetapi ia tidak mudah. Banyak bergantung pada aktiviti anda sendiri. Seperti yang dikatakan oleh seorang rakan dan rakan sekerja saya, "berapa banyak saya berlari, saya memperoleh begitu banyak." Di samping itu, perlu diingat bahawa teks tentang teater tidak diminati oleh semua media. Oleh itu, anda hidup dalam keterlaluan yang berterusan. Dalam mencari gabungan keperluan dalaman, profesional, dan kelangsungan hidup cetek. Gunakan pengetahuan dan kemahiran anda secara maksimum.

Popular dalam kategori: