rumah › Penghantaran (kotak gear) › Teater sebagai bentuk seni, dan perbezaan asasnya daripada bentuk seni lain. Sejarah teater: kemunculan dan perkembangan seni teater, fakta menghiburkan Senarai sumber yang digunakan

Teater sebagai bentuk seni, dan perbezaan asasnya daripada bentuk seni lain. Sejarah teater: kemunculan dan perkembangan seni teater, fakta menghiburkan Senarai sumber yang digunakan

KLASIFIKASI KESENIAN

Seni (pantulan kreatif, pembiakan realiti dalam imej artistik.) wujud dan berkembang sebagai sistem jenis yang saling berkaitan, kepelbagaian yang disebabkan oleh kepelbagaian dirinya (dunia nyata, dipaparkan dalam proses penciptaan artistik.

Jenis seni adalah bentuk aktiviti kreatif yang ditubuhkan secara sejarah yang mempunyai keupayaan untuk merealisasikan kandungan kehidupan secara artistik dan berbeza dalam cara penjelmaan materialnya (perkataan dalam kesusasteraan, bunyi dalam muzik, bahan plastik dan warna dalam seni halus, dll.) .

Dalam kesusasteraan sejarah seni moden, skema dan sistem klasifikasi seni tertentu telah berkembang, walaupun masih tidak ada satu dan semuanya relatif. Skim yang paling biasa ialah pembahagiannya kepada tiga kumpulan.

Yang pertama termasuk seni spatial atau plastik. Untuk kumpulan seni ini, pembinaan spatial dalam pendedahan imej artistik adalah penting - Seni Halus, Seni Hiasan dan Gunaan, Seni Bina, Fotografi.

Kumpulan kedua termasuk seni sementara atau dinamik. Di dalamnya, komposisi yang terbentang dalam masa adalah penting - Muzik, Sastera. Kumpulan ketiga diwakili oleh jenis spatio-temporal, yang juga dipanggil seni sintetik atau spektakuler - Koreografi, Sastera, Seni Teater, Sinematografi.

Kewujudan pelbagai jenis seni adalah disebabkan oleh fakta bahawa tiada satu pun daripada mereka, dengan caranya sendiri, dapat memberikan gambaran menyeluruh seni tentang dunia. Gambar sedemikian hanya boleh dicipta oleh keseluruhan budaya seni manusia secara keseluruhan, yang terdiri daripada jenis seni individu.

TEATER

Teater ialah satu bentuk seni yang secara artistik menguasai dunia melalui aksi dramatik yang dilakukan oleh pasukan kreatif.

Asas teater adalah dramaturgi. Sifat sintetik seni teater menentukan sifat kolektifnya: persembahan menggabungkan usaha kreatif seorang penulis drama, pengarah, artis, komposer, koreografer, pelakon.

Persembahan teater dibahagikan kepada genre:

Tragedi;

Komedi;

Muzikal, dsb.

Seni teater berakar umbi pada zaman dahulu. Unsur-unsur terpentingnya telah wujud dalam upacara primitif, dalam tarian totemik, dalam menyalin tabiat haiwan, dll.

Teater ialah seni kolektif (Zahava)

Perkara pertama yang menghalang perhatian kita apabila kita memikirkan tentang spesifik teater ialah fakta penting bahawa karya seni teater - persembahan - dicipta bukan oleh seorang artis, seperti dalam kebanyakan seni lain, tetapi oleh ramai peserta dalam kreatif. proses. Penulis drama, pelakon, pengarah, jurusolek, penghias, pemuzik, iluminator, pereka pakaian, dsb. Setiap orang menyumbang bahagian kerja kreatif mereka untuk tujuan bersama. Oleh itu, pencipta sebenar dalam seni teater bukanlah individu, tetapi satu pasukan - ensemble kreatif. Pasukan secara keseluruhan adalah pengarang karya seni teater yang telah siap - persembahan. Sifat teater memerlukan keseluruhan persembahan disemai dengan pemikiran kreatif dan perasaan hidup. Mereka mesti tepu dengan setiap perkataan drama, setiap pergerakan pelakon, setiap mise-en-scene yang dicipta oleh pengarah. Semua ini adalah manifestasi kehidupan organisma tunggal, integral, hidup itu, yang dilahirkan melalui usaha kreatif seluruh pasukan teater, mendapat hak untuk dipanggil karya seni teater yang sebenar - persembahan. Kreativiti setiap individu artis yang terlibat dalam penciptaan persembahan itu tidak lain adalah ekspresi aspirasi ideologi dan kreatif seluruh pasukan secara keseluruhan. Tanpa pasukan yang bersatu, bersatu dari segi ideologi, bersemangat tentang tugas kreatif biasa, tidak mungkin ada prestasi sepenuhnya. Kreativiti teater sepenuhnya mengandaikan kehadiran pasukan yang mempunyai pandangan dunia yang sama, aspirasi ideologi dan artistik yang sama, kaedah kreatif yang biasa kepada semua ahlinya dan tertakluk kepada disiplin yang paling ketat. "Kreativiti kolektif," tulis K. S. Stanislavsky, "di mana seni kita berasaskan, semestinya memerlukan ensemble, dan mereka yang melanggarnya melakukan jenayah bukan sahaja terhadap rakan-rakan mereka, tetapi juga terhadap seni yang mereka layani." Tugas mendidik seorang aktor dalam semangat kolektivisme, yang timbul daripada sifat seni teater, bergabung dengan tugas pendidikan komunis, yang mengandaikan perkembangan perasaan pengabdian kepada kepentingan kolektif dalam setiap cara yang mungkin, dan perjuangan paling getir terhadap semua manifestasi individualisme borjuasi.

Teater ialah seni sintetik. Pelakon - pembawa spesifik teater

Dalam hubungan terdekat dengan prinsip kolektif dalam seni teater adalah satu lagi ciri khusus teater: sifat sintetiknya. Teater adalah sintesis banyak seni yang berinteraksi antara satu sama lain. Ini termasuk kesusasteraan, lukisan, seni bina, muzik, seni vokal, seni tari, dan lain-lain. Antara seni ini adalah yang hanya dimiliki oleh teater. Ini adalah seni pelakon. Pelakon tidak dapat dipisahkan daripada teater, dan teater tidak dapat dipisahkan daripada pelakon. Itulah sebabnya kita boleh mengatakan bahawa pelakon adalah pembawa spesifik teater. Sintesis seni dalam teater - gabungan organik mereka dalam persembahan - hanya mungkin jika setiap seni ini melaksanakan fungsi teater tertentu. Apabila melaksanakan fungsi teater ini, karya mana-mana seni memperoleh kualiti teater baharu untuknya. Bagi lukisan teater tidak sama dengan lukisan semata-mata, muzik teater tidak sama dengan muzik semata-mata, dan sebagainya. Hanya lakonan yang bersifat teater. Sudah tentu, nilai lakonan untuk persembahan itu tidak dapat dibandingkan dengan nilai pemandangan. Pemandangan dipanggil untuk memainkan peranan tambahan, manakala permainan adalah asas ideologi dan artistik persembahan masa depan. Namun drama tidak sama dengan puisi atau cerita, walaupun ditulis dalam bentuk dialog. Apakah perbezaan yang paling ketara (dalam erti kata yang menarik minat kita) antara drama dan puisi, pemandangan dari lukisan, pembinaan pentas dari struktur seni bina? Puisi, gambar mempunyai makna yang bebas. Penyair, pelukis mengalamat terus kepada pembaca atau penonton. Pengarang drama sebagai karya sastera juga boleh merujuk pembacanya secara langsung, tetapi hanya di luar teater. Dalam teater, bagaimanapun, penulis drama, pengarah, penghias, dan pemuzik bercakap kepada penonton melalui pelakon atau berkaitan dengan pelakon. Sesungguhnya, adakah perkataan penulis drama itu kedengaran di atas pentas, yang tidak diisi oleh pengarang dengan kehidupan, tidak menjadikannya perkataannya sendiri, dianggap sebagai hidup? Bolehkah arahan pengarah yang dijalankan secara rasmi atau mise-en-scene yang dicadangkan oleh pengarah tetapi tidak dialami oleh pelakon ternyata meyakinkan penonton? Sudah tentu tidak! Nampaknya keadaannya berbeza dengan hiasan dan muzik. Bayangkan bahawa persembahan bermula, tirai dibuka, dan walaupun tidak ada seorang pun pelakon di atas pentas, auditorium memuji pemandangan indah yang dicipta oleh artis. Ternyata artis menangani penonton secara langsung, dan tidak sama sekali melalui pelakon. Tetapi di sini pelakon keluar, dialog timbul. Dan anda mula merasakan bahawa apabila tindakan itu berlaku, kerengsaan yang membosankan secara beransur-ansur terbentuk di dalam diri anda terhadap pemandangan yang baru anda kagumi. Anda merasakan bahawa ia mengalihkan perhatian anda daripada aksi pentas, menghalang anda daripada melihat lakonan. Anda mula memahami bahawa terdapat beberapa jenis konflik dalaman antara set dan lakonan: sama ada pelakon tidak berkelakuan seperti yang sepatutnya mereka berkelakuan dalam keadaan yang dikaitkan dengan set ini, atau set itu salah mencirikan adegan. Satu tidak bersetuju dengan yang lain, tidak ada sintesis seni, tanpanya tidak ada teater. Ia sering berlaku bahawa penonton, dengan penuh semangat bertemu pemandangan ini atau itu pada awal perbuatan, memarahinya apabila aksi itu berakhir. Ini bermakna orang ramai secara positif menilai karya artis, tanpa mengira persembahan ini, sebagai karya seni lukisan, tetapi tidak menerimanya sebagai pemandangan teater, sebagai elemen persembahan. Ini bermakna pemandangan itu tidak memenuhi fungsi teaternya. Bagi memenuhi tujuan teaternya, ia mesti dicerminkan dalam lakonan, dalam tingkah laku watak-watak di atas pentas. Jika artis meletakkan latar belakang yang indah di bahagian belakang pentas yang menggambarkan laut dengan sempurna, dan pelakon berkelakuan di atas pentas seperti orang di dalam bilik, dan bukan di pantai, berkelakuan, latar belakang itu akan kekal mati. Mana-mana bahagian pemandangan, apa-apa objek yang diletakkan di atas pentas, tetapi tidak digerakkan oleh sikap pemadam yang diluahkan melalui aksi, kekal mati dan mesti dikeluarkan dari pentas. Sebarang bunyi yang dibunyikan mengikut kehendak pengarah atau pemuzik, tetapi tidak dilihat oleh pelakon dalam apa-apa cara dan tidak dicerminkan dalam tingkah laku pentasnya, mesti disenyapkan, kerana dia tidak memperoleh kualiti teater. Makhluk teater kepada semua yang ada di atas pentas, pelakon itu memaklumkan. Segala sesuatu yang dicipta dalam teater untuk menerima kesempurnaan hidup melalui pelakon adalah teater. Segala-galanya yang mendakwa kepentingan bebas, untuk berdikari, adalah anti-teater. Ini adalah tanda yang kita membezakan drama daripada puisi atau cerita, pemandangan daripada lukisan, pembinaan pentas daripada struktur seni bina.

Teater adalah seni kolektif

Teater ialah seni sintetik. Pelakon-pembawa spesifik teater

Aksi adalah bahan utama seni teater

Dramaturgi adalah komponen utama teater

Kreativiti pelakon adalah bahan utama seni pengarah

Penonton adalah komponen kreatif teater ZAKHAVA!!!

TEATER(dari theatron Greek - tempat untuk tontonan, tontonan), jenis seni yang menakjubkan. Konsep generik teater dibahagikan kepada jenis seni teater: teater drama, opera, balet, teater pantomim, dll. Asal istilah ini dikaitkan dengan teater antik Yunani kuno, di mana tempat-tempat di auditorium dipanggil seperti itu (dari kata kerja Yunani "teaomai" - saya lihat). Walau bagaimanapun, hari ini makna istilah ini sangat pelbagai. Ia juga digunakan dalam kes berikut:

1. Teater ialah bangunan yang dibina khas atau disesuaikan untuk menunjukkan persembahan ("Teater sudah penuh, kotaknya bersinar" A.S. Pushkin).

2. Institusi, perusahaan yang terlibat dalam persembahan persembahan, serta seluruh pasukan pekerjanya yang menyediakan penyewaan persembahan teater (Teater Mossovet; lawatan Teater Taganka, dsb.).

3. Satu set karya dramatik atau pentas yang disusun mengikut satu atau prinsip lain (teater Chekhov, teater Renaissance, teater Jepun, teater Mark Zakharov, dll.).

4. Dalam erti kata yang usang (dipelihara hanya dalam slanga profesional teater) - pentas, pentas ("Kemiskinan mulia hanya bagus di teater" A.N. Ostrovsky).

5. Dalam erti kata kiasan - tempat sebarang peristiwa yang sedang berlaku (teater operasi ketenteraan, teater anatomi).

Seni teater mempunyai ciri khusus yang menjadikan karyanya unik, tiada tandingan dalam genre dan jenis seni lain.

Pertama sekali, ia adalah sifat sintetik teater. Karya beliau dengan mudah merangkumi hampir semua seni lain: sastera, muzik, seni halus (lukisan, arca, grafik, dll.), vokal, koreografi, dll.; dan juga menggunakan pelbagai pencapaian pelbagai jenis sains dan bidang teknologi. Jadi, sebagai contoh, perkembangan saintifik psikologi membentuk asas bertindak dan mengarahkan kreativiti, serta penyelidikan dalam bidang semiotik, sejarah, sosiologi, fisiologi dan perubatan (khususnya, dalam pengajaran pertuturan pentas dan pergerakan pentas). Perkembangan pelbagai cabang teknologi memungkinkan untuk menambah baik dan bergerak ke tahap baru jentera pentas; ekonomi bunyi dan bunyi teater; peralatan pencahayaan; kemunculan kesan pentas baru (contohnya, asap di atas pentas, dsb.). Untuk menghuraikan pepatah terkenal Moliere, kita boleh mengatakan bahawa teater "mengambil kebaikan di mana ia menemuinya."

Oleh itu - ciri khusus seni teater berikut: kolektiviti proses kreatif. Walau bagaimanapun, perkara tidak begitu mudah di sini. Ini bukan sahaja mengenai kerja bersama beberapa kakitangan teater (daripada pelakon persembahan kepada wakil bengkel teknikal, yang kerja yang diselaraskan dengan baik sebahagian besarnya menentukan "kemurnian" persembahan). Dalam mana-mana karya seni teater, terdapat satu lagi pengarang bersama yang sepenuhnya dan paling penting - penonton, yang persepsinya membetulkan dan mengubah persembahan, meletakkan aksen dengan cara yang berbeza dan kadang-kadang secara radikal mengubah makna dan idea umum persembahan. . Persembahan teater tanpa penonton adalah mustahil - nama teater itu dikaitkan dengan tempat duduk penonton. Persepsi penonton terhadap sesuatu persembahan adalah karya kreatif yang serius, tidak kira sama ada penonton sedar atau tidak.

Oleh itu, ciri seni teater yang seterusnya ialah sifatnya yang seketika: setiap persembahan hanya wujud pada saat ia dihasilkan semula. Ciri ini wujud dalam semua jenis seni persembahan. Walau bagaimanapun, terdapat beberapa keanehan di sini.

Jadi, dalam sarkas, apabila kesenian peserta persembahan diperlukan, kemurnian teknikal helah masih menjadi faktor asas: pelanggarannya membawa bahaya kepada kehidupan artis sarkas, tanpa mengira kehadiran atau ketiadaan penonton. Pada dasarnya, pengarang bersama yang aktif dengan penonton, mungkin, hanya seorang artis sarkas - seorang badut. Dari sini muncul perkembangan salah satu jenis teater, badut teater, yang berkembang mengikut undang-undang yang hampir dengan sarkas, tetapi masih berbeza: teater umum.

Persembahan seni muzik dan vokal, dengan perkembangan teknologi rakaman audio, memperoleh kemungkinan penetapan dan pembiakan berganda selanjutnya, sama dengan yang asal. Tetapi rakaman video yang mencukupi bagi persembahan teater adalah mustahil pada dasarnya: aksi itu sering berkembang serentak di bahagian pentas yang berbeza, yang memberikan kelantangan kepada apa yang sedang berlaku dan membentuk gamut nada dan semiton suasana pentas. Dengan rakaman rakaman dekat, nuansa kehidupan pentas umum kekal di belakang tabir; rancangan am terlalu kecil dan tidak dapat menyampaikan semua butiran. Bukan kebetulan bahawa hanya pengarahan, televisyen pengarang atau versi sinematografi bagi persembahan teater yang dibuat mengikut undang-undang silang budaya menjadi kejayaan kreatif. Ia seperti dengan terjemahan sastera: penetapan kering persembahan teater pada filem adalah serupa dengan interlinear: semuanya nampaknya betul, tetapi keajaiban seni hilang.

Mana-mana ruang kosong boleh dipanggil pentas kosong. Lelaki sedang bergerak

di angkasa, seseorang memandangnya, dan ini sudah cukup untuk teater

tindakan. Walau bagaimanapun, apabila kita bercakap tentang teater, kita biasanya bermaksud sesuatu yang lain. merah

langsir, lampu sorot, ayat kosong, ketawa, kegelapan - semua ini bercampur secara rawak

fikiran kita dan mencipta imej kabur, yang kita tetapkan dalam semua kes

dalam satu perkataan. Kami mengatakan bahawa pawagam membunuh teater, bermakna teater itu

wujud pada masa kemunculan pawagam, iaitu teater dengan box office, ruang legar, lipatan

kerusi berlengan, lampu kaki, perubahan adegan, selingan dan muzik, seolah-olah perkataan itu sendiri

"teater" mengikut takrifan bermaksud itu sahaja dan hampir tiada yang lain.

Saya akan cuba membahagikan perkataan ini dalam empat cara dan menyerlahkan empat perkataan yang berbeza.

maksudnya, jadi saya akan bercakap tentang Teater Mati, Teater Suci, Teater Kasar.

dan tentang teater seperti itu. Kadang-kadang empat teater ini wujud di kawasan kejiranan di suatu tempat

West End di London atau berhampiran Times Square di New York. Kadang-kadang mereka dipisahkan oleh ratusan

batu, dan kadangkala bahagian ini bersyarat, kerana dua daripadanya digabungkan menjadi

satu petang atau satu perbuatan. Kadang-kadang untuk seketika keempat-empat teater -

Suci, Kasar, Tidak Bernyawa dan teater itu bergabung menjadi satu. P.Brook"Ruang kosong"

1. TEATER DAN KEBENARAN Oscar Remez "Penguasaan Pengarah"

Jika benar "theatricality" dan "truth" ituutamakomponen persembahan dramatik, sama benarDANhakikat bahawa perjuangan kedua-dua prinsip ini adalah punca pembangunanekspresifbermakna dalam seni teater. Pertarungan ini mudahmenekaapabila kita meninjau masa lalu teater, dan banyak lagilebih sukardidedahkan apabila mempertimbangkan kreatif yang hidupprosesberkembang di hadapan mata kita.

3. KITARAN SEJARAH TEATER

Membandingkan masa lalu yang terkenal dan masa kini yang baru muncul, seseorang boleh membuat kesimpulan tentang corak perubahan khas dalam aliran teater, kitaran era teater yang istimewa, diukur dengan ketat.

Puteri Turandot digantikan dengan kriteria baru kebenaran panggung - kaedah tindakan fizikal. Tradisi teater baru diteruskan dalam karya M. Kedrov. Pada masa yang sama dan dalam nada yang sama, teater A. Popov dan A. Lobanov berfungsi. Selanjutnya, peringkat "daya hidup" yang semakin ketat dan konsisten digantikan dengan teater romantis N. Okhlopkov. Sintesis dua prinsip, kemuncak teater lewat 40-an - "The Young Guard", sebuah drama oleh N. Okhlopkov, yang paling menyatakan realiti sepenuhnya melalui bahasa artistik moden. Pada pertengahan 50-an - gelombang baru - kejayaan kaedah analisis yang berkesan: karya M. Knebel, kelahiran Sovremennik, persembahan G. A. Tovstonogov.

Seperti yang anda lihat, setiap arahan teater berkembang pada mulanya, seolah-olah, secara terpendam, sering masak di dalam perut arah sebelumnya (dan, ternyata kemudiannya, kutub), timbul tanpa diduga, berkembang bertentangan dengan tradisi dan melepasi laluan yang dikondisikan oleh dialektik - pendakian, ekspresi kenyang, krisis kreatif. Setiap tempoh sejarah teater mempunyai ketuanya sendiri. Mereka mengikutinya, mereka menirunya, mereka berdebat dengannya dengan sengit, sebagai peraturan, dari dua pihak - mereka yang tertinggal, dan mereka yang berada di hadapan.

Sudah tentu, laluan pendakian ke sintesis teater adalah sangat kompleks. Titik perubahan dalam seni teater tidak semestinya dikaitkan dengan nama pengarah yang dinamakan di sini. Pembahagian pedantik pekerja teater kepada "kumpulan", "arus", "kem" hampir tidak dibenarkan sama ada. Jangan lupa - semasa tempoh sintesis teater pada tahun 20-an, tidak lain daripada K. S. Stanislavsky mencipta persembahan di mana trend kemenangan menyatakan dirinya dengan sepenuhnya dan jelas - "Hot Heart" (1926) dan "The Marriage of Figaro" ( 1927) . Dalam karya inilah teater yang cemerlang digabungkan dengan perkembangan psikologi yang mendalam.

Kesinambungan tradisi semacam ini di Teater Seni ialah persembahan seperti The Pickwick Club (1934), dipentaskan oleh pengarah V. Ya. Stanitsyn.

Seseorang mungkin mendapat tanggapan bahawa teater itu berulang, mengikut satu bulatan yang telah ditetapkan. Konsep yang sangat dekat dengan pemahaman seperti ini (dengan beberapa peralihan dan kesamaran istilah) pernah dicadangkan oleh J. Gassner dalam bukunya "Bentuk dan Idea dalam Teater Moden".

Walau bagaimanapun, konsep pembangunan kitaran tertutup teatertersilap. Gambaran objektif perkembangan sejarah teater -pergerakan, dilakukan dalam lingkaranpenting, Ada apasetiap rumahdalam giliran baharunya, teater itu mengemukakan secara asasnya baharukriteria kebenaran dan sandiwara yang menobatkan masing-masing, dari kitaran pembangunan, sintesis timbul setiap kali atas dasar yang berbeza. Pada masa yang sama, teater baru tidak boleh tidak menguasai (walaupun terdapat kontroversi) pengalaman sebelumnya, dan ini adalah prasyarat tidak dapat dielakkan pada masa hadapan keseimbangan dinamik. Oleh itu, perjuangan antara teater dan kebenaran menjadi kandungan sejarah mengarahkan cara ekspresif, sumber perkembangan bentuk teater moden yang baru.

1. Teater sebagai bentuk seni mempunyai sifat sintetik. Persembahan teater termasuk kemungkinan ekspresif, cara hampir semua jenis seni (sastera, muzik, seni halus, koreografi, dll.). Pada masa yang sama, tiada satu pun bentuk seni akan memainkan peranan utama. Pada masa kini, sintesis teater dicapai melalui penggunaan perkembangan sains dan teknologi moden (psikologi, semiotik, teknologi).

2. Teater ialah proses kreatif kolektif. Ia bukan sahaja mengenai kreativiti bersama ahli rombongan, tetapi ia adalah mengenai interaksi, pengarang bersama penonton. Persepsi penonton boleh membetulkan dan mengubahsuai persembahan. Persembahan tidak mungkin dilakukan tanpa penonton. Persepsi penonton adalah kerja yang serius, kreatif, intelektual, walaupun penonton sendiri tidak menyedarinya.

3. Teater wujud sebagai persembahan seketika. Setiap persembahan hanya wujud pada saat pengeluaran semula. Ini memberikan pemahaman tentang idea sejarah dalam persepsi teater. Di dalam teater itulah penonton mempunyai akses langsung, penglibatan dalam kerja. Tidak kira zaman apa yang dimainkan oleh pelakon.

4. Sebuah karya teater tidak dipelihara kerana momen, ia hanya wujud dalam momen semasa. Sebarang pemindahan ke filem hanya membolehkan tindakan itu diperbaiki. Dalam kes ini, keajaiban seni hilang.

5. Teater, seperti mana-mana jenis seni, tertakluk kepada masa seni tertentu, peristiwa di atas pentas (kelahiran sesebuah karya) berlaku serentak dengan tindakan persepsi oleh penonton. Dalam teater, apa yang dipanggil. masa pentas - semasa persembahan berlangsung. Pada masa ini, persembahan adalah 2.5-3 jam, tetapi beberapa produksi mencadangkan tempoh 5-10 jam. Kadang-kadang ia mengambil masa beberapa hari.

6. Pembawa utama idea teater, aksi ialah pelakon. Imej pelakon dicipta dalam rangka idea yang ditetapkan oleh drama, tafsirannya oleh pengarah, tetapi, walaupun ini, pelakon itu tetap seorang artis yang secara bebas merangkumi imej hidup di atas pentas.

7. Teater sebagai bentuk seni tertakluk kepada tafsiran. Masalah tafsiran timbul bukan berkaitan dengan teks dramaturgi moden tetapi juga dengan teks klasik. Tafsiran dalam teater adalah varian bacaan baru karya terkenal, di mana seseorang dapat mengesan kedudukan falsafah, politik, moral pengarang.

Dalam teater, tafsiran memungkinkan untuk mengaitkan masalah masa kini dengan fakta sejarah masa lalu.

Dalam analisis tafsiran teater, peranan penting dimainkan oleh pemahaman tentang sikap pengarah, pandangan dunianya, serta penjelasan beberapa masalah abadi yang berkaitan dengan intipati manusia. Penonton, melihat karya klasik di teater, memasuki dialog bukan dengan pengarang, tetapi dengan pengarah, yang membolehkan anda mendedahkan intipati konflik masyarakat moden. Tetapi pada masa yang sama, penonton sedang berdialog dengan era di mana karya itu dicipta. Pengarah beralih kepada karya klasik, mentafsirkannya, kerana. dalam mereka konflik tidak diselesaikan, ia kekal abadi. Pengarah berada dalam keadaan "rayuan tafsiran" (W. Eco). Tafsiran dalam teater adalah mungkin, ia mungkin pada peringkat penulis drama, pada peringkat pengarah, pelakon, penonton, pengkritik teater (Anatoly Smenlyansky, A.V. Protashevich).

Tulis sebuah esei tentang topik: Apakah persamaan antara teater dan arca? 1 muka surat

TEATER (Greek theatron - tempat untuk cermin mata) - bentuk seni berdasarkan refleksi artistik kehidupan, yang dilakukan melalui aksi dramatik yang dilakukan oleh pelakon di hadapan penonton. Seni teater adalah sekunder. Asas seni pentas adalah drama, yang memperoleh kualiti baru dalam penjelmaan teater - teater, imej teater. Perkembangan teater berkait rapat dengan perkembangan drama dan cara dramatik, ekspresif drama monolog dan dialog. Karya utama seni teater ialah persembahan, tersusun secara artistik, aksi yang menakjubkan dan suka bermain. Persembahan adalah hasil usaha pasukan kreatif. Pada masa yang sama, persembahan dibezakan oleh perpaduan kiasan. Struktur kiasan persembahan dicipta oleh perpaduan semua elemen aksi permainan, di bawah satu tugas artistik - "tugas super", dan matlamat peringkat tunggal yang mengatur tindakan pentas dalam masa dan ruang, "melalui tindakan. ”.

Intipati permainan teater berubah mengikut sejarah. Setelah timbul daripada ritual, sistem pengaruh yang menakjubkan secara keseluruhannya dipelihara di semua peringkat perkembangan teater - transformasi pelakon, yang menggunakan data psikofizikalnya untuk mencipta imej orang lain - watak perkataan itu. dan keplastikan adalah syarat utama untuk melibatkan penonton dalam aksi. Teater moden mengetahui pelbagai bentuk organisasi aksi permainan. Dalam teater pengalaman yang realistik dan psikologi, prinsip mencerminkan kehidupan dalam bentuk kehidupan itu sendiri membayangkan prinsip "dinding keempat", seolah-olah memisahkan penonton dari pentas dan mencipta ilusi realiti. Dalam teater persembahan - "teater epik" prinsip permainan mungkin tidak bertepatan dengan kebenaran keadaan kehidupan dan mencadangkan penyelesaian puitis, metafora, kiasan.

Teater adalah seni kolektif (lihat). Dalam proses evolusi sejarah, prinsip ensemble telah ditubuhkan. Dalam teater moden, peranan penganjur aksi pentas dan usaha kreatif pasukan adalah milik pengarah, yang bertanggungjawab untuk tafsiran pentas asas dramatik. Dengan bantuan cara kiasan dan ekspresif seperti mise-en-scene, tempo-rhythm, gubahan, pengarah mencipta imej artistik persembahan.

Dengan sifatnya, seni teater adalah sintetik (lihat). Sifat sintesis dalam sejarah seni teater berubah, balet menonjol, teater muzikal menjadi bebas. Teater kontemporari cenderung untuk menggabungkan bentuk seni yang paling pelbagai. Organisasi sintesis yang menakjubkan bergantung pada sebahagian besar daripada penyertaan komposer, pereka pakaian, pereka lampu dan, di atas semua, pereka set. Persekitaran material yang dicipta dengan cara pereka pentas mungkin mempunyai fungsi yang berbeza, tetapi selalu, sepadan dengan konteks keseluruhan, pelaku, pembawa kebenaran psikologi, mengatur perhatian penonton.

Seni teater direka untuk persepsi kolektif. Penonton, reaksinya adalah komponen tindakan. Teater tidak wujud tanpa reaksi segera penonton. Persembahan yang dilatih tetapi tidak ditunjukkan kepada penonton bukanlah sebuah karya seni. Penontonlah yang diberi hak untuk membezakan antara makna alat ekspresif yang dipilih oleh pelaku dan penggunaannya. Penonton teater moden dipengaruhi oleh banyak bentuk hebat yang mengembangkan persatuannya dan mengubah pilihannya. Teater tidak boleh tidak mengambil kira perubahan ini dalam perkembangannya, meningkatkan peranan dan kepentingan bentuk teater, mengukuhkan hubungan antara aksi pentas dan penonton.

Seni teater adalah satu bentuk kesedaran sosial, satu cara pengetahuan seni dan pendidikan. Kekhususan teater adalah dalam refleksi konflik dan watak penting yang mempengaruhi minat dan keperluan penonton moden. Keaslian teater sebagai bentuk seni adalah dalam kemodenan ini, yang menjadikannya faktor penting dalam pendidikan.

2. Seni teater

Seni teater adalah salah satu seni yang paling kompleks, paling berkesan dan tertua. Lebih-lebih lagi, ia adalah heterogen, sintetik. Sebagai komponen, seni teater termasuk seni bina, lukisan dan arca (pemandangan), dan muzik (bunyinya bukan sahaja dalam muzik, tetapi selalunya dalam persembahan dramatik), dan koreografi (sekali lagi, bukan sahaja dalam balet, tetapi juga dalam drama).) , dan kesusasteraan (teks di mana persembahan dramatik dibina), dan seni lakonan, dsb. Di antara semua perkara di atas, seni lakonan adalah yang utama, yang menentukan satu untuk teater. Pengarah Soviet terkenal A. Tairov menulis, "... dalam sejarah teater terdapat tempoh yang panjang apabila ia wujud tanpa drama, apabila ia tanpa sebarang pemandangan, tetapi tidak ada satu saat pun apabila teater itu tanpa pelakon. " Tairov A. Ya , Nota Pengarah. Artikel. Perbualan. Ucapan. surat. M., 1970, hlm. 79. .

Pelakon dalam teater adalah artis utama yang mencipta apa yang dipanggil imej pentas. Lebih tepat lagi, pelakon dalam teater pada masa yang sama adalah pencipta artis, dan bahan kreativiti, dan hasilnya adalah imej. Seni pelakon membolehkan kita melihat dengan mata kita sendiri bukan sahaja imej dalam ekspresi terakhirnya, tetapi juga proses penciptaannya, pembentukannya. Pelakon mencipta imej dari dirinya sendiri, dan pada masa yang sama menciptanya di hadapan penonton, di hadapan matanya. Ini mungkin kekhususan utama pentas, imej teater - dan inilah sumber keseronokan artistik yang istimewa dan unik yang disampaikan kepada penonton. Penonton dalam teater, lebih daripada tempat lain dalam seni, terlibat secara langsung dalam keajaiban penciptaan.

Seni teater, tidak seperti seni lain, adalah seni yang hidup. Ia berlaku hanya pada jam pertemuan dengan penonton. Ia berdasarkan hubungan emosi, rohani yang sangat diperlukan antara pentas dan penonton. Tidak ada hubungan sedemikian, yang bermaksud bahawa tidak ada cermin mata yang hidup mengikut undang-undang estetikanya sendiri.

Amat seksa untuk seorang pelakon membuat persembahan di hadapan dewan yang kosong, tanpa seorang pun penonton. Keadaan sedemikian adalah sama seperti berada dalam ruang tertutup dari seluruh dunia. Pada jam persembahan, jiwa pelakon terarah kepada penonton, sama seperti jiwa penonton ditujukan kepada pelakon. Seni teater hidup, bernafas, mengujakan dan menangkap penonton pada saat-saat gembira itu apabila, melalui wayar halimunan transmisi voltan tinggi, terdapat pertukaran aktif dua tenaga rohani, saling bercita-cita antara satu sama lain - dari pelakon kepada penonton , daripada penonton kepada pelakon.

Membaca buku, berdiri di hadapan lukisan, pembaca, penonton tidak melihat penulis, pelukis. Dan hanya di teater seseorang bertemu mata dengan artis kreatif, bertemu dengannya pada saat penciptaan. Dia meneka kemunculan dan pergerakan hatinya, hidup bersamanya semua perubahan peristiwa yang berlaku di atas pentas.

Pembaca sahaja, bersendirian dengan buku yang berharga itu, boleh mengalami detik-detik yang menggembirakan dan menggembirakan. Dan teater tidak meninggalkan penontonnya sahaja. Segala-galanya dalam teater adalah berdasarkan interaksi emosi yang aktif antara mereka yang mencipta karya seni di atas pentas pada petang itu dan mereka yang menciptanya.

Penonton datang ke persembahan teater bukan sebagai pemerhati luar. Dia tidak boleh tidak menyatakan sikapnya terhadap apa yang berlaku di atas pentas. Ledakan tepukan yang meluluskan, ketawa riang, tegang, kesunyian yang tidak terganggu, nafas lega, kemarahan senyap - keterlibatan penonton dalam proses aksi pentas dimanifestasikan dalam variasi terkaya. Suasana perayaan timbul dalam teater apabila keterlibatan sedemikian, empati sedemikian mencapai keamatan tertinggi...

Inilah maksud seni hidup. Seni, di mana degupan jantung manusia didengari, pergerakan jiwa dan minda yang paling halus ditangkap secara sensitif, di mana seluruh dunia perasaan dan pemikiran manusia, harapan, impian, keinginan tertutup.

Sudah tentu, apabila kita berfikir dan bercakap tentang seorang pelakon, kita memahami betapa pentingnya teater bukan hanya seorang pelakon, tetapi ensemble pelakon, perpaduan, interaksi kreatif pelakon. "Teater sebenar," tulis Chaliapin, "bukan sahaja kreativiti individu, tetapi juga tindakan kolektif yang memerlukan keharmonian lengkap semua bahagian."

Teater adalah, seolah-olah, seni kolektif berganda. Penonton melihat produksi teater, aksi pentas bukan sahaja, tetapi secara kolektif, "merasakan siku jiran", yang sebahagian besarnya meningkatkan kesan, penularan artistik tentang apa yang berlaku di atas pentas. Pada masa yang sama, kesan itu sendiri tidak datang dari seorang pelakon, tetapi dari sekumpulan pelakon. Kedua-dua di atas pentas dan di auditorium, di kedua-dua belah tanjakan, mereka hidup, merasa dan bertindak - bukan individu yang berasingan, tetapi orang, masyarakat orang, berhubung antara satu sama lain untuk sementara waktu dengan perhatian, tujuan, tindakan bersama. .

Untuk sebahagian besar, ia adalah tepat yang menentukan peranan sosial dan pendidikan yang besar teater. Seni, yang dicipta dan dirasakan bersama, menjadi sekolah dalam erti kata sebenar. “Teater,” tulis penyair terkenal Sepanyol Garcia Lorca, “adalah sekolah air mata dan ketawa, platform bebas yang darinya orang boleh mengecam moral usang atau palsu dan menjelaskan, menggunakan contoh hidup, undang-undang abadi hati manusia dan manusia. perasaan.”

Seseorang beralih ke teater sebagai cerminan hati nuraninya, jiwanya - dia mengenali dirinya dalam teater, masa dan hidupnya. Teater membuka di hadapannya peluang yang menakjubkan untuk pengetahuan diri rohani dan moral.

Dan biarkan teater, dengan sifat estetiknya, seni bersyarat, seperti seni lain, di atas pentas muncul di hadapan penonton bukan realiti itu sendiri, tetapi hanya refleksi artistiknya. Tetapi terdapat banyak kebenaran dalam pantulan itu sehingga ia dilihat dalam segala kemutlakannya, sebagai kehidupan yang paling tulen dan benar. Penonton mengiktiraf realiti yang lebih tinggi tentang kewujudan watak pentas. Goethe yang hebat menulis: "Apa yang boleh menjadi lebih alam daripada orang-orang Shakespeare!"

Dalam teater, dalam komuniti yang meriah orang yang telah berkumpul untuk persembahan pentas, segala-galanya mungkin: tawa dan air mata, kesedihan dan kegembiraan, kemarahan yang tidak terselindung dan kegembiraan yang ganas, kesedihan dan kebahagiaan, ironi dan ketidakpercayaan, penghinaan dan simpati, keheningan yang berjaga-jaga. dan persetujuan yang kuat - dalam satu perkataan, semua kekayaan manifestasi emosi dan pergolakan jiwa manusia.

Pengaruh Keluarga Radziwill terhadap Pembentukan Budaya Belarusia

Kehidupan kedua perkara yang tidak perlu. Pemulihan dan pemodenan perkara lama dengan mencetak bahagian untuk mereka pada pencetak 3D daripada bahan yang berbeza

Di negara kita, semakin banyak perbincangan mengenai projek pembangunan budaya masyarakat. Semua orang tahu bahawa fenomena ini mewakili semangat untuk sejenis analisis falsafah tentang kecenderungan mendalam masyarakat ...

budaya Yunani kuno

Budaya rohani dalam konteks historisisme

Orang Yunani kuno memanggil seni "keupayaan untuk mencipta sesuatu mengikut peraturan tertentu." Sebagai tambahan kepada seni bina dan arca, mereka merujuk kepada seni sebagai kraftangan, dan aritmetik, dan secara amnya sebarang perniagaan ...

Asal-usul Teater Yunani Purba

Teater itu mungkin hadiah terbesar yang ditinggalkan oleh Greece purba kepada Eropah baru. Sejak kelahirannya, ciptaan jenius Yunani yang sepenuhnya asli ini dianggap bukan hiburan, tetapi tindakan suci ...

Budaya Belarus pada separuh kedua abad ke-19 dan awal abad ke-20

budaya Rusia

Seni Rusia kuno - lukisan, arca, muzik - juga mengalami perubahan ketara dengan penerimaan agama Kristian. Pagan Rus' tahu semua jenis seni ini, tetapi dalam ekspresi kaum pagan semata-mata. Pengukir kayu kuno...

Masalah moral dan falsafah dalam karya Mark Zakharov

Pada abad ke-19, seni teater berkembang pesat disebabkan beberapa faktor: pembukaan teater baru, kreativiti generasi baru penulis drama, kemunculan profesion teater khusus, perkembangan trend sastera ...

Budaya Arab-Muslim zaman pertengahan

Seni bina Arab zaman pertengahan menyerap tradisi negara yang ditakluki - Greece, Rom, Iran, Sepanyol. Seni di negara-negara Islam juga berkembang, berinteraksi dengan agama secara kompleks. Masjid...

masyarakat zaman pertengahan

Pandangan dunia agama-Gereja mempunyai pengaruh yang menentukan terhadap perkembangan seni zaman pertengahan. Gereja melihat tugasnya dalam mengukuhkan perasaan keagamaan orang percaya...

Seni Teater Abad Ke-20: Mencari Cara Berdialog

Apabila garis ditentukan oleh perasaan - Ia menghantar hamba ke pentas Dan di sini seni berakhir Dan tanah dan nasib bernafas. B. Pasternak Idea dialog, perbualan dihubungkan dalam fikiran kita dengan bidang bahasa, dengan ucapan lisan, dengan komunikasi ...

SOALAN 1

Teater sebagai bentuk seni. Kekhususan kreativiti teater.

Teater sebagai bentuk seni.

Teater adalah seni kolektif berganda. Penonton melihat produksi teater, aksi pentas bukan sahaja, tetapi secara kolektif, "merasakan siku jiran", yang sebahagian besarnya meningkatkan kesan, penularan artistik tentang apa yang berlaku di atas pentas. Pada masa yang sama, kesan itu sendiri bukan dari seorang pelakon, tetapi dari sekumpulan pelakon. Kedua-dua di atas pentas dan di auditorium, di kedua-dua belah tanjakan, mereka hidup, merasa dan bertindak - bukan individu yang berasingan, tetapi orang, masyarakat orang, berhubung antara satu sama lain untuk sementara waktu dengan perhatian, tujuan, tindakan bersama. .

^ Kekhususan kreativiti teater.

Setiap seni, mempunyai cara pengaruh yang istimewa, boleh dan mesti memberi sumbangannya kepada sistem umum pendidikan estetik.

Teater, tidak seperti bentuk seni lain, mempunyai "kapasiti" terbesar. Dia menyerap keupayaan kesusasteraan untuk mencipta semula kehidupan dalam perkataan dalam manifestasi luaran dan dalaman, tetapi perkataan ini bukan naratif, tetapi bunyi yang meriah, secara langsung berkesan. Pada masa yang sama, tidak seperti kesusasteraan, teater mencipta semula realiti bukan dalam minda pembaca, tetapi sebagai gambaran objektif kehidupan (persembahan) yang ada di angkasa. Dan dalam hal ini, teater itu hampir dengan lukisan. Tetapi aksi teater sentiasa bergerak, ia berkembang mengikut masa - dan ini hampir dengan muzik. Penyerapan dalam dunia pengalaman penonton adalah serupa dengan keadaan yang dialami oleh pendengar muzik, tenggelam dalam dunia persepsi subjektif bunyinya sendiri.

Sudah tentu, teater bukanlah pengganti kepada bentuk seni yang lain. Keistimewaan teater adalah bahawa ia membawa "sifat" kesusasteraan, lukisan dan muzik melalui imej seorang lakonan yang hidup. Bahan manusia langsung ini untuk bentuk seni lain hanyalah titik permulaan kreativiti. Untuk teater, "alam semula jadi" berfungsi bukan sahaja sebagai bahan, tetapi juga dipelihara dalam keceriaan serta-merta. Seperti yang dinyatakan oleh ahli falsafah G. G. Shpet: “Pelakon mencipta daripada dirinya sendiri dalam erti kata dua: 1) seperti mana-mana artis, dari imaginasi kreatifnya; dan 2) khususnya mempunyai dalam dirinya sendiri bahan dari mana imej artistik dicipta.

Seni teater mempunyai keupayaan yang menakjubkan untuk bergabung dengan kehidupan. Persembahan pentas, walaupun ia berlaku di seberang tanjakan, pada saat-saat ketegangan yang tinggi mengaburkan garis antara seni dan kehidupan dan dianggap oleh penonton sebagai realiti itu sendiri. Kuasa menarik teater terletak pada fakta bahawa "kehidupan di atas pentas" secara bebas menegaskan dirinya dalam imaginasi penonton.

Giliran psikologi sedemikian berlaku kerana teater bukan sahaja dikurniakan ciri-ciri realiti, tetapi dengan sendirinya adalah realiti yang dicipta secara artistik. Realiti teater, mencipta kesan realiti, mempunyai undang-undang khasnya sendiri. Kebenaran teater tidak boleh diukur dengan kriteria kebolehpercayaan kehidupan. Beban psikologi yang diambil oleh wira drama itu sendiri tidak dapat ditanggung oleh seseorang dalam kehidupan, kerana di dalam teater terdapat pemadatan yang melampau dari keseluruhan kitaran peristiwa. Wira drama itu sering mengalami kehidupan batinnya sebagai sekumpulan nafsu dan kepekatan pemikiran yang tinggi. Dan semua ini dipandang remeh oleh penonton. "Luar biasa" mengikut norma realiti objektif sama sekali bukan tanda seni yang tidak boleh dipercayai. Dalam teater, "kebenaran" dan "ketidakbenaran" mempunyai kriteria yang berbeza dan ditentukan oleh undang-undang pemikiran kiasan. "Seni dialami sebagai realiti dengan kepenuhan "mekanisme" mental kita, tetapi pada masa yang sama ia dinilai dalam kualiti khusus sebagai permainan buatan manusia "tidak nyata", seperti yang dikatakan kanak-kanak, penggandaan realiti ilusi. ”

Pengunjung teater menjadi penonton teater apabila dia melihat aspek ganda dalam aksi pentas ini, bukan sahaja melihat aksi konkrit yang penting di hadapannya, tetapi juga memahami makna dalaman lakonan ini. Apa yang berlaku di atas pentas dirasakan sebagai kebenaran kehidupan dan sebagai rekreasi kiasannya. Pada masa yang sama, adalah penting untuk diperhatikan bahawa penonton, tanpa kehilangan rasa sebenar, mula hidup di dunia teater. Hubungan antara realiti sebenar dan teater agak rumit. Terdapat tiga fasa dalam proses ini:

1. Realiti realiti yang ditunjukkan secara objektif, diubah oleh imaginasi penulis drama menjadi karya dramatik.

2. Karya dramatik yang dijelmakan oleh teater (pengarah, pelakon) dalam kehidupan pentas - persembahan.

3. Kehidupan pentas, yang dilihat oleh penonton dan menjadi sebahagian daripada pengalaman mereka, digabungkan dengan kehidupan penonton dan, dengan itu, kembali kepada realiti.

Tetapi "pulangan" itu tidak dianalogikan dengan sumber asal, kini ia diperkaya secara rohani dan estetika. "Sebuah karya seni dibuat untuk hidup - untuk hidup hampir secara literal

Perkataan ini, i.e. masuk, seperti peristiwa yang dialami dalam kehidupan sebenar,

Dalam pengalaman rohani setiap orang dan semua manusia.

Persilangan dua jenis imaginasi aktif - pelakon dan penonton - menimbulkan apa yang dipanggil "keajaiban teater". Kelebihan seni teater terletak pada hakikat bahawa ia merangkumi khayalan ke dalam aksi langsung yang berlangsung di atas pentas dengan jelas dan konkrit. Dalam seni lain, dunia khayalan sama ada muncul dalam imaginasi manusia, seperti dalam kesusasteraan dan muzik, atau digambarkan dalam batu atau di atas kanvas, seperti dalam arca atau lukisan. Dalam teater, penonton melihat khayalan. "Setiap persembahan mengandungi beberapa elemen fizikal dan objektif yang tersedia untuk mana-mana penonton" .

Seni pentas dengan sifatnya tidak mengandaikan bukan pasif, tetapi semangat aktif untuk penonton, kerana dalam seni lain tidak terdapat pergantungan proses kreatif pada persepsinya seperti dalam teater. Di G.D. Gachev, penonton adalah "seperti langit, seperti Argus yang bermata seribu<...>menyalakan aksi di atas pentas<...>kerana dunia pentas itu sendiri timbul, muncul, tetapi pada tahap yang sama adalah kerja penonton.

Undang-undang asas teater - keterlibatan dalaman penonton dalam acara yang berlaku di atas pentas - melibatkan keterujaan imaginasi, bebas, kreativiti dalaman dalam setiap penonton. Ketertarikan dengan aksi ini membezakan penonton daripada pemerhati acuh tak acuh, yang juga terdapat di dewan teater. Penonton, tidak seperti pelakon, artis aktif, adalah artis kontemplatif.

Imaginasi aktif penonton sama sekali bukan harta rohani khas pencinta seni yang dipilih. Sudah tentu, rasa artistik yang dibangunkan adalah sangat penting, tetapi ini adalah soal pembangunan prinsip emosi yang wujud dalam setiap orang. “Cita rasa artistik membuka jalan kepada pembaca, pendengar, penonton daripada bentuk luaran kepada dalaman dan daripadanya kepada isi karya. Untuk laluan ini berjaya dilalui, penyertaan imaginasi dan ingatan, daya emosi dan intelektual jiwa, kehendak dan perhatian, dan akhirnya, iman dan cinta, iaitu, kompleks mental integral yang sama dari kekuatan rohani yang melaksanakan tindakan kreatif, adalah perlu.

Kesedaran realiti artistik dalam proses persepsi adalah lebih mendalam, lebih sepenuhnya penonton tenggelam dalam sfera pengalaman, lebih banyak seni berlapis-lapis memasuki jiwa manusia. Di persimpangan dua sfera ini - pengalaman tidak sedarkan diri dan persepsi sedar seni inilah wujudnya imaginasi. Ia wujud dalam jiwa manusia pada mulanya, secara organik, boleh diakses oleh setiap orang dan boleh dikembangkan dengan ketara dalam perjalanan pengumpulan pengalaman estetik.

Persepsi estetik ialah kreativiti penonton, dan ia boleh mencapai keamatan yang hebat. Semakin kaya sifat penonton itu sendiri, semakin berkembang deria estetiknya, semakin lengkap pengalaman artistiknya, semakin aktif imaginasinya dan semakin kaya kesan teaternya.

Estetika persepsi sebahagian besarnya menjurus kepada penonton yang ideal. Realitinya, proses sedar untuk mendidik budaya teater mungkin akan memajukan penonton untuk mendapatkan pengetahuan tentang seni dan menguasai kemahiran persepsi tertentu. Penonton yang berpendidikan mungkin:

Ketahui teater dalam undang-undangnya sendiri;

Ketahui teater dalam proses modennya;

Kenali teater dalam perkembangan sejarahnya.

Pada masa yang sama, seseorang harus sedar bahawa pengetahuan yang dilipat secara mekanikal di kepala penonton bukanlah jaminan persepsi sepenuhnya. Proses pembentukan budaya penonton, pada tahap tertentu, mempunyai sifat "kotak hitam", di mana momen kuantitatif tidak selalu digabungkan dalam garis lurus ke dalam fenomena kualitatif tertentu.

Teater adalah seni yang menakjubkan. Jika hanya kerana sepanjang abad yang lalu dia telah diramalkan beberapa kali kematian yang akan berlaku. Dia diancam oleh Great Silent, yang telah menemui ucapan - nampaknya pawagam bunyi akan menghilangkan semua penonton dari teater. Kemudian ancaman datang dari televisyen, apabila cermin mata itu datang terus ke rumah, kemudian penyebaran video dan Internet yang kuat mula digeruni.

Walau bagaimanapun, jika kita memberi tumpuan kepada trend umum dalam kewujudan seni teater di dunia, maka tidak ada yang mengejutkan dalam fakta bahawa pada awal abad ke-21 teater bukan sahaja mengekalkan dirinya, tetapi mula dengan jelas menekankan bukan- watak massa dan, dalam erti kata tertentu, "elitisme" seninya. Tetapi dalam erti kata yang sama, seseorang boleh bercakap tentang elitisme seni halus atau muzik klasik, jika kita membandingkan penonton berjuta-juta yang penghibur popular berkumpul dengan bilangan orang yang terhad di konservatori.

Dalam teater sintetik zaman moden, korelasi tradisional prinsip dominan - kebenaran dan fiksyen - muncul dalam sejenis perpaduan yang tidak dapat dipisahkan. Sintesis ini berlaku baik sebagai tindakan pengalaman (persepsi tentang kebenaran hidup) dan sebagai tindakan keseronokan estetik (persepsi puisi teater). Kemudian penonton menjadi bukan sahaja peserta psikologi dalam tindakan itu, iaitu, orang yang "menyerap" nasib pahlawan dan memperkayakan dirinya secara rohani, tetapi juga seorang pencipta yang melakukan tindakan kreatif dalam imaginasinya, serentak dengan apa yang sedang berlaku. di atas pentas. Momen terakhir ini sangat penting, dan dalam pendidikan estetika penonton ia menduduki tempat utama.

Sudah tentu, setiap penonton boleh mempunyai idea mereka sendiri tentang prestasi yang ideal. Tetapi dalam semua kes ia adalah berdasarkan "program" tertentu keperluan untuk seni. "Pengetahuan" semacam ini mengandaikan kematangan tertentu budaya penonton.

Budaya penonton sebahagian besarnya bergantung kepada sifat seni yang ditawarkan kepada penonton. Semakin sukar tugas yang ditetapkan di hadapannya - estetik, etika, falsafah, semakin tegang pemikiran, semakin tajam pengalaman, semakin halus manifestasi rasa penonton. Untuk apa yang kita panggil budaya pembaca, pendengar, penonton secara langsung berkaitan dengan perkembangan keperibadian seseorang, bergantung pada pertumbuhan rohaninya dan mempengaruhi pertumbuhan rohaninya.

Kepentingan tugas yang diberikan oleh teater kepada penonton dari segi psikologi terletak pada fakta bahawa imej artistik, yang diberikan dalam semua kerumitan dan ketidakkonsistenannya, dilihat oleh penonton pada mulanya sebagai watak sebenar yang wujud secara objektif, dan kemudian, apabila mereka membiasakan diri dengan imej dan merenungnya, tindakan, mendedahkan (seolah-olah secara bebas) intipati dalamannya, maksud generalisasinya.

Dari segi estetika, kerumitan tugas itu terletak pada hakikat bahawa penonton melihat imej pentas bukan sahaja mengikut kriteria kebenaran, tetapi juga tahu bagaimana (dipelajari) untuk menguraikan makna metafora puitisnya.

Jadi, kekhususan seni teater ialah orang yang hidup, sebagai wira yang berpengalaman secara langsung dan sebagai artis-artis yang mencipta secara langsung, dan undang-undang yang paling penting dalam teater adalah kesan langsung kepada penonton.

"Kesan teater", kejelasannya ditentukan bukan sahaja oleh maruah seni itu sendiri, tetapi juga oleh maruah, budaya estetik auditorium. Penonton sebagai pencipta bersama yang wajib bagi persembahan itu paling kerap ditulis dan diperkatakan oleh pengamal teater sendiri (pengarah dan pelakon): "Tiada persembahan teater tanpa penyertaan orang ramai, dan drama itu hanya mempunyai peluang untuk berjaya. jika penonton sendiri "kalah" permainan, iaitu ... menerima peraturannya dan memainkan peranan sebagai orang yang berempati atau menarik diri.

Walau bagaimanapun, kebangkitan artis dalam penonton berlaku hanya jika penonton dapat melihat sepenuhnya kandungan yang wujud dalam persembahan, jika dia dapat mengembangkan julat estetiknya dan belajar melihat yang baru dalam seni, jika, kekal setia kepada gaya artistik kegemarannya, dia tidak menjadi pekak dan ke arah kreatif lain, jika dia dapat melihat bacaan baru karya klasik dan dapat memisahkan idea pengarah daripada pelaksanaannya oleh pelakon ... Di sana banyak lagi yang "jika" seperti itu. Akibatnya, agar penonton terlibat dalam kreativiti, supaya artis terjaga dalam dirinya, pada tahap perkembangan teater kita sekarang, peningkatan umum dalam budaya artistik penonton adalah perlu.

Popular dalam kategori: