Rokotov, Fedor Stepanovich. Porträtt av A.P. Struyskaya. 1772. Tretjakovgalleriet
Canvas, olja. 59,8 x 47,5

Kvinnan på porträttet verkar komma ur mörkret, han är halvt uppslukad av diset. Endast uttrycksfulla ögon är tydligt definierade - ljusa, iögonfallande. Särskilt framgångsrik i porträttet av Struyskaya är ögonen alltid intressanta i Rokotovs porträtt. De uttrycker en rad känslor, de är alltid särskilt ljusa och utgör mitten av porträttet. De talar till och med om "Rokotovs ögon" som en speciell "know-how".
Porträttet beställdes av Nikolai Struysky, Alexandra Petrovnas make. Samtidigt målade Rokotov också ett porträtt av Nikolai Struysky själv. Utförd på samma sätt är Nikolai Struysky fortfarande mycket mindre känd. Detta porträtt kan också ses i Tretjakovgalleriet, i ett annat rum.
Förmodligen beställdes parporträtt till bröllopet, och i det här fallet är Alexandra Struyskaya inte mer än 18 år gammal i porträttet.
Rokotov förblev i många år en vän till familjen Struysky, och Nikolai Struysky var nästan den enda beundraren av Rokotovs talang, och han var den första som samlade en samling av sina verk.
Många motstridiga historier berättas om Nikolai Struysky. Eftersom han var förtjust i målning och litteratur, ägnade sig åt publicering, förblev han ändå en tyrann i sitt hushåll, för livegna - en småtyrann.
Den "konstiga herren", förresten, föreställde sig själv som poet och ägnade mängder av klumpiga krångliga verser åt sin älskade hustru. Ironiskt nog gick ingen av dem till historien, men dikten tillägnad inte skönheten själv, utan till Rokotovs porträtt, blev en lärobok.
Detta är det berömda "porträttet" av Nikolai Zabolotsky, målat på 1900-talet, efter alla tre karaktärernas död: konstnären och båda hans modeller.
Älskar att måla, poeter!
Bara hon, den enda, är given
Själar av föränderliga tecken
Överför till canvas.
Kommer du ihåg hur från det förflutnas mörker,
Knappt inlindad i satin
Från porträttet av Rokotov igen
Såg Struyskaya på oss?
Hennes ögon är som två moln
Hälften le, hälften gråta
Hennes ögon är som två lögner
Täckt i dimma av misslyckanden.
Kombination av två mysterier
Hälften glädje, hälften skräck
Ett anfall av vansinnig ömhet,
Förväntan på dödsplågor.
När mörkret kommer
Och stormen kommer
Från botten av min själ flimmer
Hennes vackra ögon.

Borovikovsky Vladimir Lukich
Porträtt av M.I. Lopukhina
1797
Canvas, olja
72 x 53,5

"Hon har gått bort för länge sedan, och det finns inte längre de där ögonen
Och det finns inget leende som uttrycktes tyst
Lidande är skuggan av kärlek, och tankar är skuggan av sorg,
Men Borovikovsky räddade hennes skönhet.
Så en del av hennes själ flög inte ifrån oss,
Och det kommer att finnas det här utseendet och den här skönheten i kroppen
För att locka likgiltiga avkommor till henne,
Att lära honom att älska, lida, förlåta, vara tyst"
(Y. Polonsky)

Borovikovsky har en mystisk sak - ett porträtt av M. I. Lopukhina, utan tvekan, hans bästa verk, hans mästerverk. Först och främst är ljuset som en kvinnas figur översvämmas med slående, som T. Alekseeva träffande noterade, det "absorberar färgens ljusstyrka" och färgfläckar (vi kommer att använda hennes anmärkning, som dock relaterar, men till ett annat porträtt av Borovikovsky) uppstår "som från djupet av luftens bakgrund". Lopukhina är nedsänkt i denna luftström.
Som alltid med Borovikovsky är hon i en vit klänning och en färgad halsduk, som alltid är hon något flyttad åt höger så att vi kan se landskapet. Hon är lite flirtig i en sväng, extremt självständig och suverän, ser ut med visst trots. Men detta ljus som glider över ett ungt ansikte, dessa flygande lockar, dessa läppar så ömt konturerade (de darrar bara inte) - allt i detta fängslande ansikte är fullt av mjukhet och lyrik - själva godtrogenheten som inger perfekt förtroende. Men känslan av lätthet, lyrik och godtrogenhet försvinner på en gång, man behöver bara se henne i ögonen - de har den hårda gröna av en druva. Nej, ännu mer: de är alienerade, nästan fientliga. I vilket fall som helst är barriären ännu mer distinkt och skarp än den för Rokotovs modeller. Med vilken realistisk skicklighet skrivs Lopukhinas ansikte ut, och ändå visar sig den högsta verkligheten vara en okänd djup upplevelse som vi gissar om (som vi, mer exakt, försöker reda ut). Oavsett hur olika de två konstnärerna kan vara, även polära, i sättet att skriva, i stil, i förhållande till modellen, i världsbilden, närmar sig Borovikovsky fortfarande Rokotov i sitt bästa arbete, och den gemensamma grunden för närmande är närhet till det okända och känslan av en slöja.
Chaikovskaya O.G. "Like a Curious Scythian...": Ryska porträtt och memoarer från andra hälften av 1700-talet. - M.: Bok, 1990. S.267.
(

Valentin Alexandrovich Serov
Flicka upplyst av solen (Porträtt av M.Ya.Simonovich)
Canvas, olja. 89,5x71 cm.
Statens Tretjakovgalleri, Moskva.

Maria Yakovlevna Simonovich (1864-1955), hans kusin, poserade för konstnären. Kompositionens originalitet uttrycktes i det faktum att modellen placeras under trädkronorna. Med bråkslag förmedlar Serov solstrålarnas spel, flimrandet av färgade skuggor. Varma, milda strålar stör inte den unga hjältinnans trollbundna tillstånd. Hennes avslappnade hållning förstärker intrycket av upplösning i ljusreflektioner och iriserande blixtar. Endast ansiktet, den vita blusen och flickans händer är täckta med färgimpressionistiska reflexer, och detaljerna som ramar in hennes figur är målade i mörka färger. Konstnärens skicklighet att avbilda modellens ögon, från vilka ett tyst ljus tycks flöda, är slående. Således uppstår en bild av solljusets inträngning och den mänskliga själens ljus.

Somov Konstantin Andreevich
(1869-1939)
Porträtt av E.P. Nosova. 1911
Canvas, olja. 138,5 x 88 cm
Statens Tretjakovgalleri

1910, de dagar då Somov anlände till Moskva och började arbeta på ett porträtt av Evfemia Pavlovna Nosova, skrev han i brev: "Blond, smal, med ett blekt ansikte, en stolt blick och mycket smart, god smak på samma gång .”
Evfimiya Pavlovna är känd för att ha varit dotter till en av Ryabushinskys, berömda köpmän och industrimän i tredje generationen, direkta deltagare, ledd av arkitekten Shekhtel, i utvecklingen av rysk jugend. Hon föddes 1883 (de anger också 1881, men dödsåret är osäkert). I alla fall i boken "K.A. Somov. Konstnärens värld. Brev. Dagböcker. Samtida domar. Moskva, 1979, som jag höll i mina händer samma 1979, rapporterades att E.P. Nosova bor i Rom.
Porträttet beställdes av Somov, som kom till Moskva för att måla ett porträtt av G. L. Girshman, uppenbarligen i samband med ett kommande eller tidigare bröllop samma 1910. Med födelse- och dödsdatum råder det fortfarande fullständig oenighet. Om Evfimiya Pavlovna (namn från en mormor från en gammal troende familj) föddes 1883, är det konstigt att hon gifter sig först vid 27 års ålder. Hon studerade musik och målning, var förtjust i teatern, kanske drömde hon om en scen? Och enligt andra källor föddes hon 1881, hon dog 1970. Så hon gifte sig först 29 år gammal? Är detta en vacker och rik brud?
Det finns även uppgifter om födelse och död: 1886-1976. Även dagar och månader är listade. Det verkar som om dessa är de mest trogna. Hon gifter sig vid 24, och vi ser en ung kvinna vid en vändpunkt i hennes liv, stolt och envis i sin ungdom. Boken jag nämnde var klar för publicering två eller tre år innan den publicerades, om inte tidigare, enligt planen, böcker publicerades vid den tiden, och Evfemia Pavlovna kunde fortfarande bo i Rom.
Och hennes porträtt av Somov hamnade i Tretjakovgalleriet tillsammans med hennes samling, dit hon överförde det 1917 för förvaring. Hennes samling inkluderade målningar av Rokotov, helt bortglömda vid den tiden, Borovikovsky, Kiprensky, Venetsianov. Konstigt, jag minns inte om jag såg ett porträtt av E.P. Nosova i Tretjakovgalleriets väggar? Jag kanske inte vet något om artisten ännu, men typen av skönhet hos hans modell skulle säkert ha fångat min uppmärksamhet.
Somov skrev: "Hon sitter i en vit satinklänning, dekorerad med svart spets och koraller, den är från Lamanova, hon har 4 pärlsnören runt halsen, hennes hår är hisnande ... som någon slags stor skalbagge på huvudet .” Det kan också ses av reproduktionen i boken: Evfimiya Pavlovna är faktiskt en extraordinär modell. Och detta är inte bara i rikedom, utan i stil, ett barn av rysk modernitet, dess levande modell, även om det inte är en skugga av dekadens, utan skönhet och kraften i livsbekräftelse.
Somov skrev: "Jag var i lådan med Nosova, som var hisnande klädd, en klarblå satinklänning, broderad med pärlemorsilke med rosa tyllaxlar, på hennes hals en riviera med långa hängande ändar av diamantstor trefl, sammankopplade med diamanter...”
Evfimiya Pavlovna, socialist och samlare av målningar av ryska konstnärer från 1700- och början av 1800-talet, 27 år gammal. Vi kommer att överväga 24. Den bästa åldern för kvinnlig skönhet, när ungdomen fortfarande tittar genom mogen kvinnlighet, men inte en skugga av lättsinne och fåfänga, utan eftertänksamt allvar och den mest naturliga stoltheten hos en enastående personlighet.
"Hon är mycket vacker. Men vilken plåga hennes klänning är, ingenting kommer ut ... ”- konstnären faller direkt i förtvivlan. Men att posera för en lysande skönhet dag efter dag är ingen lätt uppgift. Det bör också noteras att klänningen från Lamanova inte var lätt för henne. Inte på grund av priset. Nadezhda Pavlovna Lamanova (1861-1941) skapade klänningar som ett konstverk och inte i allmänhet, utan under en modell, som flyttade från en skyltdocka till en levande modell, förändringar och bearbetning, som en målare, som ofta förde henne till att svimma. Damerna höll ut, för de visste: hon skulle slitas ut, men klänningen skulle komma ut som från Paris. Ur ett historiskt perspektiv är det tydligt – bättre än från Paris.
Somov gör en anteckning: "Jag erkände mitt misslyckande, hon stärker mig, säger att hon är envis och tålmodig."
Med konstnärlig smak visste hon att både klänningen av Lamanova och hennes porträtt av Somov skulle vara mästerverk, och hon sökte envist och tålmodigt för sin del detsamma som dessa konstnärer, var och en i sin sfär, och hennes egen sfär var livet självt i dess högsta manifestationer.
Somov, alltid missnöjd med sig själv, alltid förtvivlad under arbetets gång, arbetade mödosamt där andra inte skulle ha hittat vad annat kunde göras och skapade något unikt. Porträttet blev färdigt 1911. En intressant bedömning av Mikhail Nesterov, som verkade inte ha sett den välkända skönheten i Moskva, en deltagare i mötena i Society of Free Aesthetics.
Från ett brev från M. Nesterov daterat den 3 mars 1911 (Moskva):
"Tja, för att avsluta mitt skrivande med värdighet, ska jag berätta om det nya stora porträttet av Somov med en viss Nosova som ställs ut här på World of Art - här, bror, är ett sant mästerverk! - ett efterlängtat arbete, som du kopplar av. Så den är genomträngande, återhållen-ädel, mästerligt avslutad. Detta är inte Levitsky och inte Kramskoy, utan något som i skönhet är nära den första och på allvar den andra. Mannen växte genast till en mycket stor mästare.
Konstnären ser först och främst konstnärens arbete, samtidigt är det tydligt: ​​grunden för framgång är en extraordinär modell med sitt intresse för konst, särskilt i rysk målning från 1700- och början av 1800-talet. Och till renässansen i Italien.
Evfimia Pavlovna, efter att ha gift sig med V.V. Nosov, son till en textiltillverkare, bosatte sig i en herrgård på Vvedenskaya-torget, vars interiörer omedelbart ändrades till hennes smak. Hon lockade kända arkitekter och konstnärer till sin idé, till och med Valentin Serov, som, de säger, hon inte kom överens med, men troligen dog han snart, och skickade till och med Mstislav Dobuzhinsky till Italien, förmodligen för att besöka där hon redan hade varit, och han På sin återkomst skapade han en fresk i andan av dem som ses i Cosimo Medicis palats: på en koboltbakgrund med förgyllning återges en mytologisk handling med inkluderandet av porträtt av herrgårdens ägare. De pratar om nyklassicism när det finns samma renässansestetik som Sandro Botticellis.
Förändringar i det inre av herrgården, skapandet av en fresk i renässansens anda gick hand i hand med Somovs arbete med porträttet av E.P. Verkligen ett mästerverk, ett världsmästerverk av rysk konst. Somov har inget sådant. En ren klassiker bland hans romantiska fantasier.
Petr Kile

Serebryakova Zinaida Evgenievna. Bakom toaletten. Självporträtt. 1909.
Statens Tretjakovgalleri, Moskva
Duk på kartong, olja.
75x65 cm

Kompositionen presenteras som en spegling i en spegel, vilket är traditionellt för självporträttgenren. Denna teknik ger en touch av intimitet och skapar samtidigt den nödvändiga avskildheten. Konstnären bakom morgontoaletten verkar titta på sig själv från sidan, som på en poserande modell. Motivet "genom glaset" väcker inte en känsla av mystik. Även ljus, som vanligtvis symboliserar tidens förgänglighet i målning, verkar glömma sin mening i bildens ljusa atmosfär. Rummets utrymme är fyllt med nyanser av vitt. Från de enorma glänsande bruna ögonen utstrålar hjältinnans vänliga ansikte värme. Händer och hår skapar en ram för ansiktet. Istället för målningens attribut finns det attribut för kvinnlig skönhet på sminkbordet. Serebryakova visar inte på något sätt att hon tillhör sina artistkollegor. Det finns en känsla av att självporträttet skrevs för nära personer i familjekretsen.

ALTMAN Natan Isaevich (1889-1970)

"... Altman slogs av hennes utseende, hennes magnifika förmåga att bära bördan av hennes plötsliga berömmelse, vilket redan gav denna unga kvinna, hans ålder, något kungligt. När Altman bad Akhmatova att posera för honom gick hon med på, även om hon var redan ägare till en fantastisk teckning av Modigliani, som dock Altman inte kunde se: Anna Andreevna, Lev Gumilyovs unga fru, kunde inte visa den för någon. Först gjorde N. Altman en vänlig karikatyr med ett slag , föga känt idag. Det berömda porträttet dök upp senare, när långa sessioner började i loftstudion på Vasilyevsky Island, där Anna Akhmatova bodde i en studenthem. Natan Altman bodde i närheten, antingen i det "möblerade huset New York", som Akhmatova senare minns, eller i de möblerade rummen "Knyazhy Dvor", som han själv mindes. Altman målade en kvinna av den futuristiska eran, som är besläktad med urban rytm, skrev han i det självförtroende, hälsa, nästan akrobatisk flexibilitet av figuren. Varje porträtt har sin egen undertext och dold dramaturgi. Och man kan bara gissa om motiven som tvingade Altman att tänka om bilden av Akhmatova. När detta porträtt målades bodde Anna Andreevna ensam i St. Petersburg, efter att ha lämnat Tsarskoje Selo och Gumilevs hus. Hennes sista brytning med Gumilyov kom, och det var som om ett annat liv började, hon upplevde en känsla av en ny födelse, och förmodligen hade hon själv ingen aning om hur hon skulle se ut. Åtminstone kan en sådan slutsats dras från Akhmatovs dikter om detta porträtt av sig själv:

Som i en spegel tittade jag oroligt
På en grå duk, och varje vecka
Desto bitterare och märkligare var likheten
Min med min nya bild...

Det här är ett av Altmans finaste porträtt, ett där hans passion för att koppla ihop det oanslutna har haft en oväntad effekt. Om vi ​​utelämnar de lyriska övertonerna så är porträttet av Akhmatova ett typiskt sekulärt porträtt och samtidigt ett avantgardeporträtt. Det finns både skärpa och estetiskt berättigande i en sådan blandning av stilar. Porträttet av Akhmatova blev en sensation på en av konstutställningarna i St. Petersburg 1915. Den välkände kritikern L. Bruni skrev att "det här är inte en sak, utan en milstolpe i konsten" ... Kraften i Altmans porträtt fixerade inte bara bilden av Akhmatova i samtidens medvetande, utan visade sig vara hypnotisk många år senare, när andra porträtt av henne redan fanns, och Akhmatova själv var redan annorlunda. Porträttet kom ihåg till och med fem år efter dess utseende: "Jag känner dig och älskar dig från den dag jag såg ditt porträtt av Akhmatova," skrev Vyach. Ivanov i artistens album 1920. Kom ihåg tjugo år senare. M.V. Alpatov, som först såg Akhmatova på 1930-talet, mindes samma porträtt: "I det ögonblicket öppnades dörren och hon själv kom in i rummet, ohörbart och lätt, som om hon hade klivit av Altmans porträtt." Det är intressant att Akhmatova själv aldrig gillade Altmans porträtt, och upprepade gång på gång att hon inte gillar Altmans porträtt "som vilken stilisering som helst inom konsten." Hon var intolerant mot den mytologiska bild som hade tagit form redan på 1910-talet och som hade följt Akhmatova hela hennes liv, även om hennes eget öde inte alls var enligt detta porträtt.
(

Marina Tsvetaeva "Anna Akhmatova"
Smalt, icke-ryskt läger -
Ovanför folios.
Sjal från turkiska länder
Föll som en mantel.

Du kommer att överlämnas till en
Bruten svart linje.
Kyla - i kul, värme -
I din förtvivlan.

Hela ditt liv är en kyla
Och det kommer att ta slut - vad är det?
Molnigt - mörkt - panna
Ung demon.

Var och en av de jordiska
Du spelar - en bagatell!
Och en obeväpnad vers
Siktar på vårt hjärta.

På morgonen sömnig timme
- Jag tror att klockan är kvart över fem, -
jag älskade dig
Anna Akhmatova.

Rysk målning särskiljs med rätta från världskonst. Faktum är att fram till 1600-talet förknippades inhemsk målning uteslutande med ett religiöst tema. Situationen förändrades när tsarreformatorn - Peter den store kom till makten. Tack vare hans reformer började ryska mästare engagera sig i sekulär målning, och ikonmålning separerade som en separat riktning. Det sjuttonde århundradet är tiden för sådana konstnärer som Simon Ushakov och Iosif Vladimirov. Sedan, i den ryska konstvärlden, föddes porträttet och blev snabbt populärt. På 1700-talet dök de första konstnärerna upp som bytte från porträtt till landskapsmåleri. Mästarnas uttalade sympati för vinterpanorama är märkbar. 1700-talet kom också ihåg för födelsen av vardagsmåleriet. Under artonhundratalet blev tre trender populära i Ryssland: romantik, realism och klassicism. Som tidigare fortsatte ryska konstnärer att vända sig till porträttgenren. Det var då som världsberömda porträtt och självporträtt av O. Kiprensky och V. Tropinin dök upp. Under andra hälften av artonhundratalet skildrar konstnärer allt oftare det enkla ryska folket i deras förtryckta tillstånd. Realism blir den centrala trenden i måleriet under denna period. Det var då som Vandrarna dök upp, som endast föreställde det verkliga, verkliga livet. Jo, nittonhundratalet är förstås avantgardet. Den tidens konstnärer påverkade avsevärt både sina anhängare i Ryssland och runt om i världen. Deras målningar blev föregångare till abstraktionismen. Rysk målning är en enorm underbar värld av begåvade konstnärer som förhärligade Ryssland med sina skapelser

Killar, vi lägger vår själ i sajten. Tack för det
för att upptäcka denna skönhet. Tack för inspirationen och gåshuden.
Häng med oss ​​kl Facebook Och I kontakt med

Först och främst vet vi två saker om målningen: dess författare och, möjligen, dukens historia. Men om ödet för dem som tittar på oss från dukar vet vi inte så mycket.

hemsida Jag bestämde mig för att prata om kvinnor vars ansikten är bekanta för oss, men deras berättelser är det inte.

Jeanne Samary
Auguste Renoir, Porträtt av skådespelerskan Jeanne Samary, 1877

Skådespelerskan Jeanne Samary, även om hon inte kunde bli en scenstjärna (hon spelade huvudsakligen hembiträden), hade tur i något annat: under en tid bodde hon inte långt från Renoirs verkstad, som målade fyra porträtt av henne 1877-1878, och glorifierar därmed mycket mer än hennes skådespelarkarriär kunde ha gjort. Zhanna spelade i föreställningar från 18 års ålder, vid 25 gifte hon sig och fick tre barn, och skrev sedan till och med en barnbok. Men den här charmiga damen levde tyvärr inte länge: vid 33 års ålder insjuknade hon i tyfoidfeber och dog.

Cecilia Gallerani
Leonardo da Vinci, Dam med en hermelin
1489-1490

Cecilia Gallerani var en tjej från en adlig italiensk familj som redan var förlovad vid 10 (!) års ålder. Men när flickan var 14 år avbröts förlovningen av okända anledningar, och Cecilia skickades till ett kloster, där hon träffade (eller allt var uppbyggt) hertigen av Milano, Ludovico Sforza. En affär började, Cecilia blev gravid och hertigen bosatte flickan i sitt slott, men sedan var det dags att ingå ett dynastiskt äktenskap med en annan kvinna, som naturligtvis inte gillade närvaron av sin älskarinna i deras hus. Sedan, efter Galleranis födelse, tog hertigen sin son för sig själv och gifte henne med en fattig greve.

I detta äktenskap födde Cecilia fyra barn, höll nästan den allra första litterära salongen i Europa, besökte hertigen och lekte med nöje med sitt barn från en ny älskarinna. Efter ett tag dog Cecilias man, kriget bröt ut, hon förlorade sitt välbefinnande och fann skydd i huset hos systern till samma fru till hertigen - i ett så underbart förhållande lyckades hon vara med människor. Efter kriget återvände Gallerani till sin egendom, där hon bodde till sin död vid 63 års ålder.

Zinaida Yusupova
V.A. Serov, "Porträtt av prinsessan Zinaida Yusupova", 1902

Den rikaste ryska arvtagerskan, den sista i Yusupov-familjen, prinsessan Zinaida var otroligt snygg, och trots det faktum att bland andra högstående personer sökte hennes gunst, ville hon gifta sig för kärlek. Hon uppfyllde sin önskan: äktenskapet var lyckligt och gav två söner. Yusupova spenderade mycket tid och energi på välgörenhet, och efter revolutionen fortsatte hon det i exil. Den älskade äldste sonen dog i en duell när prinsessan var 47 år gammal, och hon kunde knappast bära denna förlust. När oroligheterna började lämnade Yusupovs S:t Petersburg och bosatte sig i Rom, och efter sin makes död flyttade prinsessan till sin son i Paris, där hon tillbringade resten av sina dagar.

Maria Lopukhina
V.L. Borovikovsky, "Porträtt av M.I. Lopukhina", 1797

Borovikovsky målade många porträtt av ryska adelskvinnor, men det här är det mest charmiga. Maria Lopukhina, en medlem av grevefamiljen Tolstoj, avbildas här vid 18 års ålder. Porträttet beställdes av hennes man Stepan Avraamovich Lopukhin strax efter bröllopet. Lätthet och en lite högdragen blick verkar antingen vara den vanliga posen för ett sådant porträtt av sentimentalismens era, eller tecken på en melankolisk och poetisk läggning. Ödet för denna mystiska flicka visade sig vara sorgligt: ​​bara 6 år efter målningen dog Maria av konsumtion.

Giovannina och Amacilia Pacini
Karl Bryullov, Ryttare, 1832

Bryullovs "Horsewoman" är ett lysande ceremoniellt porträtt där allt är lyxigt: färgernas ljusstyrka, draperiernas prakt och modellernas skönhet. Den föreställer två flickor som bar efternamnet Pacini: den äldsta Giovannina sitter på en häst, den yngsta Amacilia tittar på henne från verandan. Målningen till Karl Bryullov, hennes älskare under många år, beställdes av deras adoptivmamma, grevinnan Julia Pavlovna Samoilova, en av de vackraste kvinnorna i Ryssland och arvtagare till en kolossal förmögenhet. Grevinnan garanterade en stor hemgift till sina vuxna döttrar. Men det visade sig att hon vid hög ålder praktiskt taget var ruinerad, och sedan samlade de adopterade döttrarna till Jovanin och Amacilia, genom domstolen, in de utlovade pengarna och egendomen från grevinnan.

Simonetta Vespucci
Sandro Botticelli, Venus födelse
1482–1486

Den berömda målningen av Botticelli föreställer Simonetta Vespucci, den florentinska renässansens första skönhet. Simonetta föddes i en rik familj, vid 16 års ålder gifte hon sig med Marco Vespucci (en släkting till Amerigo Vespucci, som "upptäckte" Amerika och gav kontinenten sitt namn). Efter bröllopet bosatte sig de nygifta i Florens, togs emot vid Lorenzo Medicis hov, under dessa år känd för påkostade fester och mottagningar.

Vackra, samtidigt mycket blygsamma och välvilliga Simonetta blev snabbt kär i florentinska män. Florens härskare, Lorenzo själv, försökte ta hand om henne, men hans bror Giuliano var den mest aktiva i att söka henne. Skönheten i Simonetta inspirerade många konstnärer på den tiden, bland vilka var Sandro Botticelli. Man tror att från det ögonblick de träffades var Simonetta modellen för alla Madonnor och Venuses av Botticelli. Vid 23 års ålder dog Simonetta av konsumtion, trots ansträngningar från de bästa hovläkarna. Därefter avbildade konstnären sin musa endast från minnet, och på sin ålderdom testamenterade han att bli begravd bredvid henne, vilket gjordes.

Vera Mamontova
V.A. Serov, "Flicka med persikor", 1887

Den mest kända målningen av porträttmästaren Valentin Serov målades i den rika industrimannen Savva Ivanovich Mamontovs egendom. Varje dag i två månader poserade hans dotter, 12-åriga Vera, för artisten. Flickan växte upp och förvandlades till en charmig tjej, gift av ömsesidig kärlek Alexander Samarin, som tillhör en berömd adlig familj. Efter en smekmånadsresa till Italien bosatte sig familjen i staden Bogorodsk, där tre barn föddes efter varandra. Men oväntat i december 1907, bara 5 år efter bröllopet, dog Vera Savvishna av lunginflammation. Hon var bara 32 år gammal och hennes man gifte sig aldrig om.

Alexandra Petrovna Struyskaya
F.S. Rokotov, "Porträtt av Struyskaya", 1772

Detta porträtt av Rokotov är som en luftig antydan. Alexandra Struyskaya var 18 år när hon var gift med en mycket rik änkeman. Det finns en legend om att hennes man gav henne inget mindre än en ny kyrka till bröllopet. Och hela sitt liv skrev han poesi till henne. Huruvida detta äktenskap var lyckligt är inte känt med säkerhet, men alla som har varit i deras hus uppmärksammade hur olika makarna är. Under 24 års äktenskap födde Alexandra sin man 18 barn, varav 10 dog som späda. Efter sin makes död levde hon ytterligare 40 år, förvaltade godset ordentligt och lämnade en anständig förmögenhet till barnen.

Tillsammans med sin man födde Lisa fem barn och troligen var hennes äktenskap baserat på kärlek. När hennes man dog i pesten och även Lisa drabbades av denna svåra sjukdom, var en av döttrarna inte rädd för att ta sin mamma till sig och släppa henne. Mona Lisa tillfrisknade och levde en tid med sina döttrar och dog vid 63 års ålder.

Museersektionens publikationer

Tatyana före och efter Pushkin: porträtt av tre århundraden

Det läses att namnet Tatyana blev populärt efter publiceringen av romanen "Eugene Onegin". Men redan innan dess var detta namn inte ovanligt bland adeln. Vi minns porträtten av Tatyana från 1700- till 1900-talet tillsammans med Sofia Bagdasarova.

A. Antropov. Porträtt av prinsessan Tatyana Alekseevna Trubetskoy. 1761. Tretjakovgalleriet

A. Peng. Porträtt av prinsessan Tatyana Borisovna Kurakina. 1: a våningen XVIII-talet, GE

Okänd artist. Porträtt av Anastasia Naryshkina med sina döttrar Tatyana och Alexandra. Tidigt på 1710-talet, State Tretyakov Gallery

Flickor från familjen Romanov döptes till Tatyana redan på 1600-talet: det var till exempel namnet på systern till den första tsaren Mikhail Fedorovich och hans yngsta dotter. Sedan försvann detta namn från den kungliga dynastin, och nästa Tatyana dök upp i den kejserliga familjen på 1890-talet. Men i de adliga familjerna på 1600- och 1700-talen förblev namnet populärt. En av de mest kända Tatyana är Tatyana Shuvalova. Hennes son, kejsarinnan Elizabeths favorit Ivan Shuvalov, valde sin mors namnsdag för att underteckna ett dekret om grundandet av Moskvas universitet. Så Tatyanas dag blev studentdagen. Porträttet av Tatyana Shuvalova har inte bevarats.

Det äldsta ryska porträttet med Tatyana var tydligen familjeporträttet Naryshkin från 1710-talet. Den föreställer dottern till den förste kommendanten i S:t Petersburg, Moskvas guvernör Kirill Naryshkin med sin mor och syster. En okänd konstnär utarbetade inte ansiktena särskilt subtilt, utan skrev noggrant ut mönstren på tyget och moderns fashionabla spetsfontange (huvudbonad).

För att måla ett porträtt av prins Boris Kurakins dotter - och kejsarinnan Evdokia Lopukhinas systerdotter - bjöd de in den preussiske kungen Antoine Pens hovmålare. Direktören för Berlin Academy of Arts, i traditionen av klassicism, arbetade ut chiaroscuro, veck av kläder och förmedlade till och med de mest subtila översvämningarna av dyrt tyg på prinsessan Tatyana Kurakinas axlar.

Prinsessan Tatyana Trubetskaya, syster till poeten Fjodor Kozlovsky, ser slående ut i ett porträtt från 1761: konstnären Alexei Antropov avbildade henne i en outfit prydd med röda och gröna rosetter och blommor. Prinsessan med full smink: under dessa år var det på modet inte bara att pudra, utan också att applicera rouge, rita ögonbryn.

D. Levitsky. Porträtt av Tatyana Petrovna Raznatovskaya. 1781. Vitrysslands statliga konstmuseum

N. Argunov. Porträtt av ballerinan Tatyana Vasilievna Shlykova-Granatova. 1789. Kuskovo

E. Vigée-Lebrun. Porträtt av Tatyana Vasilievna Engelhardt. 1797. Fuji-museet, Tokyo

Tjugo år senare skrev Dmitry Levitsky Tatyana Raznatovskaya. En ung kvinna med en stolt hållning ser ädel och elegant ut. Hennes ljusblå klänning och vita sidenkappe kontrasterar mot den mörka djupa bakgrunden i de årens bildtradition.

En av de rikaste kvinnorna i Ryssland, prins Potemkins systerdotter, Tatyana Engelhardt, gifte sig med en av Yusupovs och tillförde en gigantisk förmögenhet och det ärftliga namnet Tatyana till deras familj. I porträttet av den gästande franska porträttmålaren Vigée-Lebrun väver Tatiana Engelhardt en krans av rosor och är redan klädd på ett nytt sätt - i en klänning med hög midja.

Forskare tror att bland bönderna var namnet Tatiana under XVIII-XIX-talen tre gånger mer populärt än bland adelsmännen. Sjeremetevs livegne målare Nikolai Argunov porträtterade en bondkvinna, Tatyana Shlykova, en skådespelerska i en livegen teater, i en elegant scenkostym. Senare plockade greven upp "dyrbara" efternamn för sina vackra skådespelerskor. Shlykova blev Granatova, och hennes "kollegor" - Zhemchugova och Turkos.

A. Bryullov. Porträtt av Tatyana Borisovna Potemkina. 1830-talet VMP

V. Tropinin. Porträtt av Tatyana Sergeevna Karpakova. 1818. Republiken Tatarstans konstmuseum

K. Reichel. Porträtt av Tatyana Vasilievna Golitsyna. 1816, RM

Bland de odödliga på Tatyanas dukar finns det andra skådespelerskor. 1818 porträtterade Vasily Tropinin den unga dansaren Karpakova. Hennes föräldrar spelade i de kejserliga teatrarna, och hon var själv förtjust i balett sedan barndomen. Tatyana Karpakova har dansat på scenen i Bolsjojteatern sedan 12 års ålder, hennes samtida beundrade hennes uttrycksfulla ansiktsuttryck, lätthet att dansa och oklanderlig teknik.

Samma år skapades ett porträtt av prinsessan Tatyana Golitsyna. Svärdottern till Natalya Golitsyna, prototypen av Pushkins Spaderdrottning, avbildas bärande en svart basker. Under den första tredjedelen av 1800-talet bars dessa huvudbonader traditionellt av gifta damer. Det är sant att oftare modekvinnor föredrog ljusa färger - hallon, grönt, scharlakansröd.

"Bretens bredd sträcker sig upp till tolv tum; den övre delen av dem är en, den nedre delen är en annan färg. Materialen från vilka sådana basker är gjorda är också olika: satin och sammet. Dessa baskrar sätts så snett på huvudet att ena kanten nästan nuddar axeln.

Utdrag ur en modetidning från 1800-talet

En akvarell från 1830-talet av Alexander Bryullov föreställer Tatyana Potemkina. På den är modellen klädd i en outfit som täcker inte bara axlarna utan också nacken, öronen och håret på prinsessan: Potemkina var mycket religiös. Genom att bli den helige Ignatius (Bryanchaninovs andliga dotter), tog hon hand om ortodoxins spridning, byggde kyrkor, gav mycket pengar till välgörenhet och tillät sig självklart inte att bära en urringning.

V. Vasnetsov. Porträtt av Tatyana Anatolyevna Mamontova (1884, State Tretyakov Gallery)

I. Repin. Porträtt av Tatyana Lvovna Tolstaya (1893, Yasnaya Polyana)

F. Winterhalter. Porträtt av Tatyana Alexandrovna Yusupova (1858, GE)

1825–1837 publicerades Alexander Pushkins Eugene Onegin i delar. Tatyana Larina blev den "första Tatyana" av rysk litteratur - innan dess föredrog författare andra namn. Efter utgivningen av romanen blev namnet mycket mer populärt - många döpte sina döttrar efter den romantiska och dygdiga hjältinnan i Pushkin.

Men inte så många porträtt av Tatyana från dessa år har bevarats. Bland dem finns en duk på vilken den fashionabla porträttmålaren Franz Xaver Winterhalter porträtterade Tatyana Yusupova. Hjältinnan i porträttet ärvde det från sin mormor Tatyana Engelhardt, och Yusupova namngav också en av hennes döttrar.

Porträtt av Leo Tolstojs och Anatolij Mamontovs döttrar skapades på 1880- och 1890-talen av B. Kustodiev. Porträtt av Tatyana Nikolaevna Chizhova. 1924. Ivanovo regionala konstmuseum

M. Vrubel. Porträtt av Tatyana Spiridonovna Lyubatovich som Carmen. 1890-talet GTG

I början av 1900-talet, i Moskva och Moskva-provinsen, blev namnet Tatiana det femte mest populära efter Maria, Anna, Catherine och Alexandra.

Porträttet av en av Tatyanas tillhör också Mikhail Vrubels borste. Operasångerskan Tatyana Lubatovich avbildas som Carmen, en mycket populär bild bland konstnärer och hjältinnor av deras målningar i början av 1900-talet.

1908 målade Saratov-konstnären Alexander Savinov duken "Harpist". Hans hjältinna var hustru till den berömda filosofen Semyon Frank, Tatyana Frank (född Bartseva). Savinov skapade ett dekorativt porträtt med en texturerad ton och dämpade färger i traditionerna för den nya stilen som tar fart - modernismen.

I denna konstnärliga cirkel av Tatyana är "Porträttet av konstnären Tatyana Chizhova" anmärkningsvärt, målat av Boris Kustodiev 1924. Bildens titel är en felaktighet. Efter Kustodievs död överfördes porträttet till det ryska museet, och förkortningen i signaturen "arkitekt". dechiffreras som "konstnär". Faktum är att Tatyana Chizhova var en arkeolog. På porträttet är hon avbildad i sin favoritklänning och med sin mormors ring på fingret.

Noggrannheten i att skriva individuella detaljer och motiv av mönster vävda av händerna på ryska broderare, eller tydliga ornament på snidade bägare och skålar, överraskar och gläder tittare från det förflutna och nuet.

Lyxiga kläder broderade med pärlor, fantastiskt vackra huvudbonader från den tiden, vackra hagtorn prydda med dyrbara halsband, pojkar i brokadkaftaner - allt känns med vilken kärlek till den ryska nationella skönheten och kulturen, för det rika arvet från våra förfäder, dessa bilder målades . Du kan stå nära var och en av dem länge - beundra de ryska mönstren och känna stolthet över dig själv och samtidigt sorg, sorg över att mycket har gått förlorat, inte har bevarats och inte finns bevarat idag. Därför är sådana målningar, där unika bevis på kulturen i det ryska landet fanns kvar, särskilt värdefulla för oss.

Biografi av konstnären Konstantin Makovsky

Och Konstantin Yegorovich, efter att ha ärvt sin fars passion, samlade alla mästerverk av ryskt antikt hantverk, men det var "vacker antiken". Han lade skickligt till något till vardagsrum och verkstäder och använde det sedan i sina målningar, och något han helt enkelt satte i sin gamla stora ebenholts garderob, så att han senare kunde beundra och beundra de ryska mästarnas skönhet och skicklighet.

På taklisten till den öppna spisen stod gamla husgeråd: silverslevar, koppar, tvättställ, fläktar - föremål från pojkartider. Gamla bojarbrokaddräkter, färgglada solklänningar, ledstänger översållade med pärlor, kokoshniks broderade med pärlspets - allt detta kan ses i konstnärens målningar. Och förutom de saker som kärleksfullt samlades av Konstantin Yegorovich, deltog också människor som samlades runt honom i hans målningar. Ibland spelade de upp scener från pojkarlivet, som sedan överfördes till duken. Och detta väckte utan tvekan publikens stora intresse, eftersom de genom Makovskys målningar var fästa vid kunskapen om Rysslands historia och deras förfäders kultur.

Konstnärens dotter berättade i sina memoarer hur "...lyxiga" levande bilder "från boyarernas liv sattes upp ...". Det var ibland upp till 150 personer inbjudna till dessa kvällar, bland vilka var representanter för gamla familjer, ättlingar till de som avbildades av konstnären. De "... skickligt och vackert klädda i brokad- och sammetskläder ..." för att i dem återge scenen som konstnären skapat. Så här såg målningarna ut - "Bröllopsfesten", "Brudens val" och många andra målningar.

Målningar av Konstantin Makovsky

Samla föremål från den ryska antiken K.E. Makovsky fortsatte att studera hela sitt liv. Genom att samla mästerverk av ryska mästare blev konstnären bekant med Rysslands historia och, beundrade dem, inspirerades han av nya idéer. Nu framkallar hans dukar hos oss inte bara beundran för våra förfäders rikaste arv, utan också en önskan att lära oss mer och mer om vårt hemland.

Om hur K.E. Makovsky använde sin samling i sitt arbete berättade författaren E.I. Fortunato, som hade turen att vara hans modell.

KE Makovsky var inte bara en konstnär. Genom att kommunicera med framstående historiker blev han själv en stor specialist inom den ryska antikens område. K.E. Makovsky försökte bevara Rysslands konstnärliga arv. Därför är det ingen slump att han 1915 blev medlem i Society for the Revival of Artistic Rus', vars huvudsakliga uppgift var att bevara, studera och främja den ryska antiken.

Det är bittert och sorgligt att samlingen, som har samlats in i ett halvt sekel, som har intagit en så viktig plats i konstnärens liv, som har blivit en återspegling av en hel era i den ryska kulturen, kommer att ställas upp för auktion bara sex månader efter hans död. I september 1915 blev K.E. Makovsky påkörd av en gatuhytt på en av Petrograds gator. Efter att ha fått en allvarlig huvudskada dog konstnären två dagar senare. Plötslig död förstörde alla planer...

Mer än 1 000 föremål listades på auktionen, några av dem gick till huvudstadens museer: Ryska museet, Eremitaget, Museet för Baron Stieglitz tekniska ritningsskola och Moskvas museer. Många föremål köptes upp av företrädare för antikvitetsföretag i Moskva. Autentiska dräkter, silverbägare, slevar, glasögon gick i händerna på framstående Moskva-samlare.

Men inte alla beundrade målningarna av K. Makovsky och hans sätt att arbeta.

I början av sin kreativa karriär delade K. Makovsky Vandrarnas åsikter, han målade bondebarn ("Barn springer från ett åskväder", "Datum"), men redan på 1880-talet flyttade konstnären oåterkalleligt bort från dem och började att arrangera personliga utställningar.

1883 målade han The Boyar Wedding Feast in the 17th Century, följt av The Choice of a Bride av tsar Alexei Mikhailovich (1886), The Death of Ivan the Terrible (1888), Dressing the Bride to the Crown (1890), Kyssrite " (1895,). Målningarna gjorde succé både i Ryssland och på internationella utställningar. För några av dem tilldelades K. Makovsky en guldmedalj vid världsutställningen 1889 i Paris.

Priserna för hans målningar var alltid höga. P.M. Tretyakov kunde ibland inte få dem. Men utländska samlare köpte villigt dukar av "boyar" -cykeln, så de flesta av konstnärens verk lämnade Ryssland.

Tack vare denna framgång blev K.E. Makovsky en av de rikaste människorna. Under hela sitt liv var han omgiven av lyx, som ingen rysk konstnär drömde om. Makovsky uppfyllde varje order om vilket ämne som helst med samma briljans. Det var det senare som orsakade många missförstånd och till och med fördömande. Vissa avundades tydligen framgången, andra ansåg att människorna med sitt dagliga liv borde vara närvarande i målningarna. Men sådana målningar såldes inte så gärna ut, och många trodde att Makovsky skrev om de ämnen som efterfrågades, det vill säga för sin egen beriknings skull.

Han levde dock alltid som han ville och skrev vad han ville. Hans syn på skönhet sammanföll helt enkelt med kraven och kraven från de människor som var villiga att betala mycket pengar för hans målningar. Hans lätta framgång var huvudorsaken till den negativa inställningen till honom och hans arbete hos Wanderers. Han anklagades för att använda konst och sin talang för materiell vinning.

K.E. Makovsky började sin konstnärliga resa tillsammans med Vandrarna och ställde ut målningar på temat folklivet. Men med tiden förändrades hans intressen och från 1880-talet blev han en framgångsrik salongsporträttmålare. Att detta skedde för den materiella rikedomens skull går inte att tro. Detta bevisas trots allt av hans många samlingar och mångfacetterade talang. Men det kan inte förnekas att Makovsky inte sökte erkännande utomlands. Dessutom var européer intresserade av rysk historia, så hans verk såldes snabbt.

I sitt personliga liv var Makovsky också glad. Hans trevliga utseende, sällskaplighet, alltid öppna och leende blick med klara ögon gjorde Konstantin Yegorovich alltid till en välkommen gäst. Han var gift tre gånger. Hans första fru, Lenochka Burkova, en skådespelerska vid Alexandrinsky-teatern, bodde hos honom under ett kort liv. En charmig och mild tjej gav mycket glädje och värme in i hans liv. Men sjukdom förde henne tidigt bort från jordelivet.

Bekymmerslös och girig efter livets glädjeämnen tröstade Konstantin Yegorovich sig snabbt när han såg en flicka av extraordinär skönhet på balen - Yulenka Letkova. Flickan var bara sexton år gammal och den charmiga målaren var trettiosex. Bröllopet ägde rum strax efter. Efter att ha levt tjugo år av ett lyckligt familjeliv målade Konstantin Yegorovich många målningar, varav de flesta innehåller en söt bild av hans unga fru. Under många år var Yulia Pavlovna Makovskaya hans musa och modell för porträtt.

1889 gick Konstantin Makovsky till världsutställningen i Paris, där han ställde ut flera av sina målningar. Där blev han intresserad av den unga Maria Alekseevna Matavtina (1869-1919). 1891 föddes en oäkta son Konstantin. Jag var tvungen att erkänna allt för min fru. Yulia Pavlovna förlät inte svek. Några år senare ansöktes om skilsmässa. Och Konstantin Yegorovich fortsatte ett lyckligt familjeliv med sin tredje fru, som han också använde som modell. Han avbildade också ofta sina barn från både sitt andra och tredje äktenskap på sina dukar.