Главная › Краш-Тесты Авто › Из чего состоит картина? Изысканно и современно: модульные картины для гостиной – из чего состоят блочные композиции и какие лучше Как крепить модульные большие конструкции.

Из чего состоит картина? Изысканно и современно: модульные картины для гостиной – из чего состоят блочные композиции и какие лучше Как крепить модульные большие конструкции.

Из чего состоит картина мира человека? Как улучшить себя? Reviewed by Владислав Челпаченко on Jun 6 Rating: 5.0

Здравствуйте, дорогие друзья!

В этой статье я хочу познакомить Вас с тем, как мы формируемся. Что определяет нас как личность?

Мы рассмотрим 4 области картины мира человека и разберёмся, как её можно изменить.

Что определяет картину мира человека?

Все люди рождаются в разных условиях: в богатый или бедной семье, в столице или в регионе, с братьями и сестрами или единственный ребёнок в семье, с длинным или коротким носом, и так далее. Каждый из нас формируется под огромным количеством различных обстоятельств. Каждый из нас уникален.

Важно понимать свою картину мира, если Вы развиться во всех сферах своей жизнедеятельности. Именно выявив свои минусы и ошибки, Вы сможете улучшить себя. Картину мира человека можно разделить на 4 важнейшие категории:

Характер;
Воспитание;
Жизненный опыт;
Привычки.

Характер , в данном понимании, это то, что закладывается в нас при рождении. Вы можете увидеть, что каждый человек склонен к определенному поведению или образу мышления, например: спокойствие или агрессия, энергичность или слабость, гуманитарного или математического склада ума и тому подобное. То есть характер - это некий набор качеств, данных нам внешними силами.

Воспитание - это набор параметров, которые закладывают в нас наши родители. С этим вроде как, всё понятно: прочитай ребёнку книжку «что значит хорошо, что значит плохо» и ребенок воспитан. Но это совсем не так. Представьте, в семье родители сквернословят, пусть даже редко. Но ребенку говорят и читают книжки о том, что этого нельзя делать. Он это вроде понимает, но ему исполняется 13-16 лет и уже подросток ругается хуже родителей, хотя изначально он был уверен, что не будет этого делать. Почему так? Дело в том, что такие даже незначительные вещи «прошиваются» в нас. Картина мира человека во многом зависит от воспитания. Если мы не занимаемся собой, то, скорее всего, будем похожи на своих родителей и тех, с кем общаемся продолжительное время.

Жизненный опыт приобретается нами каждую секунду нашего времени. Но особо важен детский период. Чаще всего в нём формируются наши страхи, например, если на Вас напала собака, то, возможно, Вы будете бояться их всю жизнь. Все мы родились в разное время и месте. Каждый получил свой уникальный опыт общения, обучения, творчества, места обитания - это стоит понимать.

Привычки - самый сильный инструмент человека. Они могут как поднять на вершину успеха, так и разрушить личность полностью. Каждая, даже незначительная привычка, определяет кто мы есть. Например, если Вы будете завязывать и одевать свою обувь стоя, то будете намного здоровее человека, который делает это сидя. Только представьте, сколько времени за всю жизнь Вы отведете на одевание обуви! Даже такая незначительная привычка может сохранить ваши ноги на долгое время.

Как изменить картину мира или как улучшить себя?

Вы должны чётко понимать, что изменить картину мира, которую формировалась не один десяток лет, достаточно трудоёмкий процесс. Вы точно не получите быстрых сверхрезультатов, над ней надо работать долго и постепенно, чтобы не растерять энергию зря.

Как улучшить себя? Для начала поймите свои слабости, над чем Вам предстоит работать, например: лень, апатия, хмурость, проблемы со здоровьем, нет партнёра. Далее, подумайте, что Вы можете сделать самое простое для улучшения своего положения.

Начинайте формировать ! Это самый сильный Ваш инструмент. На самом деле, Вам достаточно просто привить себе несколько привычек и Вы сразу почувствуете, как жизнь преобразиться. Но сразу предостерегу Вас от ожидания быстрого освоения. Привычка формируется от 21 дня, всё это время Вы должны следить за собой.

Один мой знакомый, когда отучался от алкоголя (он не был зависим, но по работе приходилось постоянно с кем-то выпивать) составлял слово «молодец». Каждый раз, когда он отказывался от возможности выпить он продвигался на одну букву вперёд, но если происходило иначе, то начинал заново. Также можно использовать менее гуманный способ. Наденьте резинку на свою руку, и когда Вы что-то делаете не так - бьёте себя по руке.

На этом всё, теперь Вы знаете как формируется картина мира человека и как улучшить самого себя. Задавайте свои вопросы в комментариях и я отвечу на них. и измените свою картину мира в лучшую сторону! До встречи в следующих статьях.

Занятие творчеством - прекрасная возможность выразить чувства и поднять себе настроение. Искусство помогает человеку разобраться в себе и увидеть прекрасное в окружающем мире. И не важно, есть у человека особые способности или нет. Главное, чтобы занятие каким-либо видом искусства доставляло удовольствие и было по душе. Это может быть музыка или пение, лепка или рисование. Живопись - популярное занятие, доступное сегодня не только профессиональным художникам, но и любителям. Любая картина начинается с основы. Холст -это замечательная основа для живописного произведения. Именно о нем пойдет речь в этой статье.

Что такое холст?

Основа для живописи может быть разной. Многое зависит от техники письма, задач мастера, его художественного замысла и предпочтений в изобразительном искусстве. Рисовать можно на деревянных досках, металле, бумаге, картоне, бетоне, кирпиче, стекле. То есть практически на любую поверхность при желании можно наносить краски.

Использование ткани как основы для создания художественных произведений практикуется очень давно. Еще в 15 веке художники начали экспериментировать с тканью. Многие знаменитые картины были написаны именно на этом материале. Холст - это особым образом закрепленная на деревянной раме ткань с различными качественными характеристиками, такими как прочность, фактура, структура, вес, тип нити. Все характеристики зависят от типа выбранного материала. Например, фактура холста может быть мелкозернистой, среднезернистой и крупнозернистой, а нить - натуральной и синтетической. Прочность и структура зависят от волокна, из которого изготовлена ткань.

Виды полотна

В качестве основы для живописи может быть использован шелк, джут, шерсть. В основном это натуральные ткани, изготовленные из растительного сырья: льна, хлопчатника, конопли, джута. Наиболее популярные виды холста в современной живописи: лен, хлопок, синтетика, бортовка, комбинированный холст. Есть еще пеньковый и джутовый варианты. Лен наиболее распространенный материал для изготовления холста. Волокно достаточно прочное и наиболее устойчивое к внешним воздействиям по сравнению с другими материалами.

Льняной холст имеет серо-желтый цвет, хорошую зернистость различного вида, по качеству нитей делится на несколько типов. Хлопчатобумажный менее прочный, чем льняной, легко впитывает влагу, достаточно хрупкий, подвержен провисанию на рамке, имеет бледно-желтый цвет. Бортовка - это грубое, суровое полотно, более пригодное для технического или хозяйственного использования. При этом ткань непрочная, легко рвется. На картине, написанной на холсте из бортовки, может очень быстро начать трескаться краска из-за слабого натяжения нитей. Также эта ткань часто имеет фабричные дефекты в виде узелков и утолщений нитей. Тем не менее именно бортовка очень популярна среди современных живописцев. Холст из синтетических нитей полиэстра прочен, не реагирует на изменения внешней среды, и в долгосрочной перспективе пока мало изучен. Этот вид наиболее часто применяется в цифровой печати изображений. Очень распространенный на сегодня вид холста среди любителей - комбинированный. Состоит он из натуральных и искусственных волокон. Джутовый и пеньковый варианты имеют низкие эксплуатационные характеристики, тем не менее тоже активно используются.

Преимущества холста

Преимущества использования холста заключаются прежде всего в удобстве обращения с ним, особенно при проведении выставок. Ткань легко скручивается, удобно перевозится, занимает мало места, меньше деформируется при транспортировке. Важна также и фактура холста. Благодаря естественной неровности поверхности картины приобретают дополнительные художественные свойства, усиливающие эстетический эффект. Это игра света и тени, изменение оттенков цвета.

Картина на холсте получается живой и глубокой.

Недостатки

Основной недостаток холста - это его сильная подверженность негативным воздействиям окружающей среды. Он чувствителен к влаге и изменениям температуры воздуха. Его легко повредить механически: порезать или случайно проткнуть. Некоторые виды тканевых холстов легко деформируются. Краски на холст могут ложиться неровно и начать течь, что может безнадежно испортить произведение. Со временем из-за деформации краски могут растрескаться. Истории известно много случаев потери великолепных полотен именно по этой причине. Из-за природной хрупкости тканевой основы многие мировые шедевры в музеях хранятся в особых условиях в закрытых стеклянных коробах.

Особенности живописи на холсте

Фактура холста обеспечивает хорошее сцепление краски с поверхностью. Тем не менее для получения прекрасного результата необходимо ответственно подойти к подготовке ткани к использованию. Во-первых, нужно правильно подобрать фактуру исходя из поставленных художником целей. От техники письма будет зависеть выбор зернистости холста: крупная, средняя или мелкая.

Это важно, потому что несоответствие зернистости манере письма может усложнить процесс написания и привести к быстрому последующему старению картины. Во-вторых, холст необходимо загрунтовать и укрепить в подрамнике. Если предполагается писать на холсте маслом, то лучше предпочесть крупное зерно, для акварели или других жидких красок опытные матсера кисти рекомендуют использовать мелкозернистое полотно.

К художественному холсту предъявляется ряд требований. Он обязательно должен быть небеленым. Отбеливатели, которые применяются перед подготовкой ткани к промышленному окрашиванию, содержат различные химические составляющие, которые негативно влияют на прочность ткани. Поверхность холста также должна быть ровной, без обрывов нитей, узелков и других дефектов. Плетение должно быть плотным, нити - одинаковой толщины и натяжения. При выборе ткани необходимо тщательно визуально оценить ее внешний вид.

Картина по номерам

Долгое время живопись была уделом избранных. Прежде всего необходимо обладать талантом или способностями к художественному письму. Затем необходимо долго учиться, практиковаться, испортить не один холст, прежде чем добиться результата. К счастью, сегодня для любого желающего существует прекрасная возможность заниматься живописью без подготовки и при этом получать прекрасные результаты. В специальных магазинах для творчества можно приобрести набор «Картина по номерам» (на холсте в том числе).

Техника работы с таким набором понятна, проста и доступна. Это занятие будет интересно и взрослым, и детям. В наборе есть все необходимое: краски, холст, кисти. На подготовленном холсте по номерам размечены границы деталей рисунка. Краски не надо специально разводить или смешивать. Они готовы к работе сразу. Один номер - один цвет краски. Следуя инструкции, нужно шаг за шагом покрывать краской соответствующий участок изображения. Такая работа требует внимательности, поэтому для начала можно выбрать холст с несложным рисунком с крупными элементами. При должном трудолюбии и аккуратности совершенно точно получится великолепное произведение искусства, которое не стыдно повесить на стену своего дома или подарить друзьям.

Холст для цифровой печати

Современные технологии позволяют сегодня создавать произведения искусства самыми разными способами. Одной из инновационных техник является цифровая печать на холсте.

Для этих целей используется синтетическое или комбинированное полотно, которое обладает высокими характеристиками прочности. Обычно с помощью цифровой печати изготавливаются высококачественные репродукции известных картин и фотографии. Изображение наносится с помощью сольвентной, латексной или ультрафиолетовой печати.

Стилизованный портрет

Еще одна современная техника цифровой печати, ставшая отдельным направлением современного искусства - создание стилизованного портрета на холсте по фотографии. Такая картина стала очень популярным подарком в настоящее время. Сочетание высоких технологий и традиционного холста позволяет получить портрет, мало отличный от рукотворного. При этом техника исполнения и стиль могут быть разными: от гранжа и поп-арта до шаржа и живописного портрета. Ключевое слово здесь - значит, что самая обычная фотография превращается с помощью этой технологии в произведение современного искусства.

Сделать дома холст - это просто

Профессиональные холсты стоят достаточно дорого. Поэтому при некоторой сноровке художник-любитель в состоянии изготовить холст для живописи своими руками. Для этого нужно будет изготовить деревянную рамку, натянуть на нее ткань (желательно льняную), закрепить. Затем загрунтовать и, дождавшись полного высыхания холста, приступать к работе. Есть еще одни маленький секрет. Перед тем как начать наносить грунтовку на основу, её нужно покрыть двумя слоями желатина, один за другим. Различные и подробные инструкции по изготовлению холста в домашних условиях, опубликованные на соответствующих тематических ресурсах, позволяют обеспечить себя материалом на нужное количество картин практически в любое время.

Качественный и правильно подобранный холст - это залог успешной и увлекательной работы, прекрасного результата и отличного настроения.

Мы привыкли видеть в музеях картины, написанные различными красками: темперными, масляными, акварелью. Но часто ли мы задумываемся над тем как они появились, и кто был их создателем? Впервые краской, которой послужила в действительности глина, воспользовался еще первобытный человек. Затем, он стал смешивать глину, уголь и другие природные красители с жиром, что можно считать уже первой настоящей краской. Прошли целые тысячелетия до появления краски, которую стали использовать художники повсеместно.

Яичная темпера

Такой краской стала яичная темпера. Особенно популярной она стала в эпоху Возрождения, когда ею работали такие великие мастера как Рафаэль, Леонардо да Винчи и Микеланджело. Темпера состояла из яичного желтка, воды и сухих пигментов. В те времена художники были вынуждены сами изготавливать краски. Они растирали глину, растительные минералы, ягоды и даже насекомых в мелкий порошок, затем смешивали с водой и яичным желтком. Темпера требовала от художников особых навыков работы. Эта водянистая красна на удивление быстро высыхала. Это вынуждало мастеров работать с очень большой скоростью, чтобы сохранить единство рисунка.

Масляные краски

Настоящую революцию в живописи произвело в 15 веке изобретение масляных красок Яном Ван Эйком.В качестве связующего вещества он использовал льняное масло, вместо привычного прежде яичного желтка. Строго говоря они были известны до нашей эры. Это подтверждают после разрушения Бамианских статуй Будды найденные остатки красок. Известно, что растительные масла для красочных составов использовали и античные живописцы. Различные трактаты 8-12 веков говорят об использовании льняного масла. Однако, вещественных подтверждений не сохранилось. Масляные краски во многом превосходили яичную темперу. Прежде всего, художников подкупала ее пластичность. Масляные краски легко смешивались, что позволяло создавать совершенно новые цвета. Краски стали накладывать тонкими слоями. Такая техника лучше всего передавала пространство, объем и глубину цвета.

Акварель

Несмотря на то, что ее появление относят ко 2 веку н.э., широкую популярность она получила лишь на рубеже 18-19 веков. В ее состав входят мелко растертый пигмент, и легко растворимые в воде клеи растительного происхождения. Эта краска разводится водой и наносится на бумагу. Специфика акварельной техники заключена в ее прозрачности. Акварелью создаются легкие, нежные, как будто наполненные воздухом картины. Но есть подвох: переделать рисунок или записать слой, как в масляной живописи, например, невозможно. При смешении цветов более двух, трех краска теряет яркость и чистоту, а при смывании красочного слоя деформируется бумага, что приводит к появлению грязи.

Начиная с тех далеких времен краски создавались на основе натуральных компонентов: растительных масел, древесной смолы и натуральных красителей. Но в начале 20 века химики, работающие для крупных производителей красок, начали изобретать новые формулы красок. Именно в 20 веке начинается история красок, которые можно видеть в магазинах сегодня. Многие из них содержат синтетические компоненты, но ничем не уступают натуральным.

Для создания в доме уникальной атмосферы нередко используют модульные картины . Декоративный элемент придаст неповторимый шарм интерьеру. Комбинация полотен - новый штрих современной моды. Украсьте любое помещение настоящим произведением искусства.

Вконтакте

Что такое картины из модулей

- это рисунок, разделенный на несколько отдельных фрагментов. Такое решение придает помещению шарм и изысканность. Дизайнерский ход воспроизводит шедевры изобразительного искусства в высоком разрешении. Яркое цветовое решение, деревянная основа и 3D-технологии создают волшебство в помещении.

Совет! Подарите гостиной изюминку: закажите модульные холсты из семейных фото.

Основа блочных картин - холст. На крепкую подложку с тканевой основой наносят изображения в HD-качестве. Для защиты фактуры используют полимерное вещество, которое защищает холст от старения. Применение натуральных материалов имеет ряд преимуществ:

защита от перепада температур и уровня влажности;
сохранность яркости и контрастности рисунка, защита от выцветания;
прочность и долговечность;
соответствие требованиям пожарной безопасности.

Из чего состоят модульные картины ? Из сегментов. Несколько холстов гармонично выстраивают художественный образ, не нарушая сочетания друг с другом.

Блочная система создает целостное изображение разными вариантами комбинаций:

Вертикальное сегментирование. Такой вариант предполагает размещение блоков сверху вниз. Используйте такое расположение модулей для того, чтобы визуально удлинить помещение.
Горизонтальное сегментирование. Прием, при котором размещают холсты параллельно полу. Не стоит выбирать такую модель, если в помещении низкие потолки. Вариант горизонтального расположения расширяет пространство.
Смешанное сегментирование. Такой тип деления позволяет дать волю фантазии и комбинировать вертикальное и горизонтальное расположение. Мозаичное построение увеличивает количество блоков. Такой вариант подходит для больших помещений - гостиной и зала - так как разные способы комбинирования могут зрительно уменьшить комнату.
Смещение сегментов. Необычные модульные картины могут располагаться на значительном расстоянии друг от друга. Такой сложный прием используют только профессиональные дизайнеры.

Разновидности картин

Целостность изображению придает единый рисунок, разделенный на несколько частей. Выделяют следующие виды модульных картин:

диптих - два модуля;
триптих - три модуля;
пенаптих - пять модулей.
полиптих - шесть и более модулей.

Важно! Чем больше частей, тем сложнее грамотно выстроить модульное изображение . Выбирайте комплекты до 5 модулей, чтобы не загромоздить комнату.

Декор из нескольких картин создает эффект присутствия. Трехмерное изображение притягивает внимание и привносит совершенно новую, более привлекательную атмосферу.

Способов нанесения рисунка на холст много - от бюджетных до дорогих .

Печать изображения стоит дешевле. Преимущество такого способа в том, что можно заказать любой рисунок и через три дня стать обладателем модульного полотна.

Ручное изготовление требует времени и денег, но в итоге получится непревзойденная эксклюзивная вещь, созданная масляными красками.

Если вы уверены в своих художественных способностях, то создайте собственный шедевр. Декор, сделанный своими руками, не сравнить даже с самой качественной печатью.

Размеры

Блоки располагают на разном расстоянии друг от друга, вертикально или горизонтально. Главное - не нарушить идею целостности. Размеры бывают разными. В одном комплекте могут сочетаться разнообразные варианты модульных картин , маленькие и большие.

Размерных границ не существует, однако слишком маленькие фрагменты могут испортить вид помещения. Рекомендованный минимальный размер составляет 30 см. Небольшие полотна размещают в маленьких комнатах. Маленький предмет декора в интерьере гостиной будет выглядеть безвкусно.

Используйте стандартные блоки высотой от 80 до 120 см и шириной от 120 до 170 см. Универсальный размер подходит для декорирования любого помещения. Комбинация полотен украсит не только жилые комнаты, но и офисы, кафе и банкетные залы. Модульные полотна можно купить в любом интерьерном или художественном магазине. Так вы подберете вариант, который подойдет для вашего дома.

Расположение сегментов

Грамотное расположение сегментов корпусной картины играет для интерьера важную роль. Лучше семь раз отмерить. Чтобы правильно и ровно повесить части, соблюдайте определенный порядок действий:

Сначала расположите центральную часть. Это блок, который несет основную сюжетную нагрузку или располагается посередине.
Продумайте сегментацию в деталях: расстояние от пола, от потолка, от центра. Если частей много, то для основы комбинации повесьте две части. Если изображение состоит из двух частей, то центр - это расстояние между двумя блоками.
Начертите на стене расположение сегментов, обозначьте при этом углы простым карандашом. Внимательно проверяйте линии горизонта, чтобы полотно висело ровно.
Оцените эскиз и приступайте к декорированию.

Совет! Учитывайте толщину холста. При размещении модулей увеличьте расстояние между частями на 3-4 см.

Варианты оформления

Разместить модули, как и любые другие , можно в любом помещении. Все зависит от ваших вкусовых предпочтений. Но как подобрать модульную картину , чтобы она была уместна и украшала, а не перегружала комнату? Есть несколько нюансов.

Украшение квартиры

Чтобы такой декор хорошо смотрелся в интерьере , нужно учитывать некоторые правила:

Подбирая лучшие модульные картины для интерьера , учитывайте несколько нюансов:

Площадь комнаты. Выбирайте по правилу: большая комнате - большая картина, маленькая комната - маленькая картина. Не стоит вешать полотно в помещение, где кресло меньше самих модулей.
Стиль. Гармонично сочетайте цветовую гамму комнаты и предметов декора, выдерживайте стилистику в целом.
Место. Украшайте хорошо освещенную стену. Не декорируйте угол комнаты - располагайте модули в центральной части. Не спешите вешать картины, если вы только въехали в квартиру и еще не расставили мебель. От ее расположения зависит, какую часть комнаты украшать.

Ознакомившись с примерами модульных картин в интерьере , вы сможете расположить корпусные части правильно. Но и технические детали важны.

Для того чтобы картина радовала глаз и вызывала восторг у ваших гостей, воспользуйтесь советами по техническому размещению блоков.

Высота. Это важный фактор. Повесьте художественное творение на уровне глаз, чтобы при ее осмотре не было необходимости поднимать или опускать голову. Оптимальная высота центра составляет 1,5 м. Такой способ предотвратит искажение картины и подарит зрителю эстетическое удовольствие.
Угол наклона. Его не должно быть. Располагайте картины либо вертикально, либо горизонтально, если другое не задумано дизайнером. Не нарушайте целостность полотна, распределяйте блоки параллельно друг другу.
Искусственное освещение. Не стоит вешать картины на солнечной стороне, в противном случае полотно пожелтеет. В продаже есть комплекты с встроенными микролампочками.

Какие модульные картины лучше? Большие, маленькие, печатные, масляные или сделанные своими руками? Решать только вам. Правильно подобранная картина кардинально изменит облик вашей комнаты и утолит эстетические потребности самых требовательных ценителей искусства.

Картина - произведение живописи, обладающее законченным характером (в отличие от эскиза и этюда) и самостоятельным художественным значением. Состоит из основы (холста, деревянной или металлической доски, картона, бумаги, камня, шелка и т.д.), грунта и красочного слоя. Картина - один из видов станкового искусства. Картины бывают различных жанров. Создавая картину, художник опирается на натуру, но в этом процессе большую роль играет творческое воображение. Конец 19 века во всей Европе отмечен новым, динамичным взглядом на мир. Художник рубежа веков должен был соответствовать постоянно меняющейся жизни: не столько отображать окружающий его мир (этим теперь занимаются фотография и кино), сколько суметь выразить в картине свою индивидуальность, свой внутренний мир, собственное видение. В картинах выдающихся живописцев достигнуты вершины искусства. В многообразных течениях модернизма происходит потеря сюжета и отказ от изобразительности, тем самым понятие картины значительно пересматривается. Некоторые художники, принадлежащие различным школам живописи, отошли от изображения мира (людей, животных, природы) таким, каким мы его видим. На их живописных полотнах мир предстает деформированным, иногда вовсе неузнаваемым, ибо художники руководствуются больше своим воображением, чем зрительным восприятием окружающих нас явлений.

В развитии живописи картина играет важнейшую роль.

Репродукцию также можно назвать картиной, если в соответствующем контексте не важно, копия это или оригинальное произведение.

Картина в переносном или более общем значении - любое законченное, цельное произведение искусства, в том числе - живое и яркое описание, устное или письменное, вид природы.

Живопись - это искусство плоскости и одной точки зрения, где пространство и объем существуют только в иллюзии. Живопись благодаря сложности изобразительных средств способна создать на плоскости такую глубину иллюзорного пространства и многомерность художественной реальности, которая неподвластна другим способам изображения. Каждая картина выполняет две функции - изобразительную и экспрессивно-декоративную. Язык живописца вполне понятен лишь тому, кто сознает декоративно-ритмические функции плоскости картины.

В эстетическом восприятии все функции картины (и декоративные, плоскостные, и изобразительные, пространственные) должны участвовать одновременно. Правильно воспринять и понять картину - это значит одновременно, неделимо увидеть и поверхность, и глубину, и узор, и ритм, и изображение.

Эстетическое восприятие картины во многом выигрывает, когда она заключается в соответствующую раму, отделяющую живопись от окружающего мира. Восточный тип картины сохраняет традиционную форму свободно висящего развернутого свитка (горизонтального или вертикального). Картина, в отличие от монументальной живописи, не связана жестко с определенным интерьером. Она может быть снята со стены и повешена по-другому.

Глубина иллюзорного пространства картин

Профессор Ричард Грегори описал "странные свойства картин": «Картины - уникальный класс предметов, потому что они одновременно видны и сами по себе, и как нечто совсем иное, чем просто лист бумаги, на котором они нарисованы. Картины парадоксальны. Никакой объект не может находиться в двух местах одновременно; никакой объект не может быть одновременно двумерным и трехмерным. А картины мы видим именно так. Картина имеет совершенно определенный размер, и в то же время она показывает истинную величину человеческого лица, здания или корабля. Картины - невозможные объекты.

Способность человека реагировать на отсутствующие, воображаемые ситуации, представленные в картинах, является важным этапом в развитии абстрактного мышления».

Как создаются картины

Картина – это духовный мир художника, его переживания и чувства выраженные на холсте или бумаге. Объяснить, как создаются картины, сложно - лучше это увидеть самому. Невозможно передать словами, как художник закрашивает полотно, какой кистью он касается холста, какие краски выбирает. Во время работы всё становятся одним целым: художник, кисть и холст. И уже после первого взмаха кистью в мастерской начинает действовать особое волшебство живописи.

Картины не просто раскрашенный холст, они воздействуют на чувства и мысли, оставляют след в душе, пробуждают предчувствия.

Как же создается картина?

Казалось бы, красками, кистями, на холсте. Может быть еще один универсальный ответ: по-разному.

Методы работы над картиной постоянно изменялись на протяжении истории искусства. Художники итальянского Возрождения работали совсем по-иному, чем Рембрандт или "маленькие голландцы" XVII века, романтики - иначе, чем импрессионисты, абстракционисты, современные нам художники-реалисты. Да и в рамках одной эпохи и даже одного направления можно встретить большое разнообразие.

Художников-реалистов прошлого и настоящего (если понимать реализм в широком смысле слова) объединяет следующее:

Создание полноценного произведения, в данном случае картины, портрета или пейзажа, невозможно без глубокого изучения жизни, активного отношения к ней автора. Средствами художественного познания жизни служат работа с натуры, зрительные впечатления, анализ и синтез жизненных явлений.

Создание картины - сложный, трудоемкий творческий процесс, результаты которого определяются не затраченным временем, а мерой таланта, мастерства художника, силой и действенностью оригинального образного решения. Важнейшими вехами этого процесса являются зарождение и конкретизация замысла, непосредственные наблюдения, эскизы, этюды с натуры, собственно написание картины с непременно творческой, активной переработкой жизненного материала.

И когда в музее или на выставке зритель подходит к картине, то прежде чем вынести о ней своё суждение, он должен помнить, что за ней всегда стоит живой человек, художник, вложивший в работу кусок своей жизни, сердце, нервы, талант и мастерство. Можно сказать, что картина - это осуществленная мечта художника.

Г. С. ОСТРОВСКИЙ

Завершенность картины

В жизни многое бывает случайно - в картине таких случайностей быть не может, в ней все должно быть завершено, логично. В какой же момент картина считается завершенной?

Виртуозный рембрандтовский пастозный живописный мазок, столь высоко ценимый позднее и в наше время, вызывал у современников Рембрандта лишь недоумение и порождал насмешки и остроты на его счет. Возражая своим критикам, Рембрандт оспаривал правильность их понимания законченности живописного произведения, противопоставляя им свое понимание ее, которое он формулировал таким образом: картину должно считать законченной тогда, когда художник сказал в ней все, что он хотел. Чтобы не слышать надоедавших ему вопросов о «незаконченности» его картин, Рембрандт перестал позволять близко подходить к ним наивным посетителям своей мастерской, смотревшим с большим любопытством на бравурные мазки его живописи, пугая их тем, что к картинам не следует подходить слишком близко, так как нюхать их краски вредно для здоровья.

Матисс о своей живописи:

"Я просто стараюсь положить на холст те цвета, которые выражают мое ощущение. Необходимая пропорция тонов может заставить меня изменить форму фигуры или изменить композицию. Пока я этой пропорции не достиг во всех частях картины, я её ищу и продолжаю работу. Потом наступает момент, когда все части обретают окончательные соотношения, и тогда я не могу притронуться к картине, не переделывая её всю заново".

Начиная примерно с импрессионистов, категории рисунка, формы и колорита тесно связаны, срослись, кажутся непрерывным процессом: рисунок и колорит, лепка и композиция, тон и линия возникают и развиваются как бы в одно время. Процесс писания картины может, так сказать, продолжаться безгранично, момент окончания работы является несколько-условным: в любом месте холста художник может продолжать ее, накладывая новые мазки на подобные же, но ниже лежащие. Наиболее ярким и последовательным представителем этой системы является Сезанн. В письмах и записанных беседах он неоднократно формулировал этот смешанный или, правильнее, нерасчлененный метод живописи. В любой момент работа над картиной может быть прервана, но произведение не потеряет эстетической полноценности. В любой момент картина готова.

Связь изобразительного пространства картины с реальным пространством

Художник и теоретик искусства В. А. Фаворский в курсе теории композиции подчеркивал, что истинно художественному произведению от рождения присуще двойственное существование: как предмета в окружающем пространстве и как относительно замкнутого мира с собственными пространственно-временными отношениями. В живописи такая цель достигается согласованием внутренней конструкции картины с рамой, в скульптуре - с окружающим пространством (классический пример: статуя в нише).

Для связи изобразительного пространства с реальным пространством, в котором находится зритель, используется рама картины. Художники обыгрывают также многократное "репродуцирование рамы" в самом изображении, зрительные рифмы, повторы вертикалей и горизонталей. Одним из характерных приемов, позволяющих зрительно "укрепить" изображение в границах прямоугольного формата, является "скос угла". Обособление живописи от архитектуры породило определенную систему восприятия станковой картины. Основным содержанием картины становится выражение целостного представления пространства. Композиция претворяется в экспозицию, в которой зритель предстоит перед преображенным миром пространственно-временных отношений и видит себя в нем как в зеркале. Так прозрачное стекло эпохи Возрождения превратилось в зеркало эпохи Классицизма и Барокко. Для искусства постренессансной эпохи характерны обыгрывания отражений в зеркале, введение в композицию картины фигур-медиаторов, лиц, которые своим положением, взглядом или жестом руки указывают на действие, происходящее в глубине картины, как бы приглашают войти в нее. Помимо рамы в подобных композициях возникает проскениум - передняя часть сцены, кулисы, затем средний план, в котором совершается главное действие, и фон - "задник".

Главные фигуры художник обычно помещает в среднем плане картины, устанавливая их на мысленную горизонталь как на постамент. От положения этой опорной горизонтальной линии зависит глубина "пространственного слоя" (в планиметрическом отношении - выше или ниже относительно нижнего края рамы картины). Откладывая горизонталь многократно вверх, живописец создает определенный ритм движения в глубину воображаемого пространства. Благодаря этому даже на небольшом холсте можно изобразить пространство любой протяженности с любым количеством фигур и предметов. В подобной экспозиции приходится специально обращать внимание зрителя на то, что одни предметы находятся ближе, а другие дальше. Для этого применяются "указатели": перспективное уменьшение, введение масштабных ориентиров (маленькие фигурки людей на дальнем плане), перекрывание планов, тональный контраст, падающие тени от источника света внутри или вне картины. Другим ориентиром мысленного движения зрителя в пространстве картины являются диагонали, главная из них - "диагональ входа" (обычно слева направо).

Картина в картине

Изображение в изображении

«Изображение в изображении» может использоваться в специальной композиционной функции. Подобная иерархическая организация представлена в случае изображения картины в картине (а также фресок в стенных росписях и т.п.).

"Картина в картине" - композиционный прием, встречающийся в искусстве классической живописной картины XVI-XVII вв. Картина в картине может быть наделена особым скрытым смыслом.

Композиционный прием «картина в картине» может выполнять несколько задач:

выражать идею
разъяснять сюжет
противопоставлять или создавать гармонию
быть деталью обстановки (интерьера)

Очень часто изображение фона в живописном произведении может быть понято как своего рода картина в картине, то есть самостоятельное изображение, построенное по своим специальным закономерностям. При этом изображение фона в большей степени, чем изображение фигур на основном плане, подчиняется чисто декоративным задачам, можно сказать, что здесь часто изображается не самый мир, но декорация этого мира, то есть представлено не само изображение, а изображение этого изображения.

У голландцев географическая карта, шпалера, картина, открытое окно как включенный в картину образ расширяют границы мира или же служат развитию иносказательного смысла основного сюжета. Вермеер, приоткрывая завесу мастерской, становится поводырем по трем уровням реальности: пространству зрителя, пространству своей мастерской, пространству художественного произведения (холста, что стоит на мольберте), уподобляя эти метаморфозы плаванию по океанам, нанесенным на географическую карту или полету над нанесенной на карту землей.

Перетекание реальности – искусства – мифа можно наблюдать и у Веласкеса, который охотно прибегает к приему «картина в картине», примером чему могут служить «Менины» и «Пряхи».

«Картина в картине» есть и в «Венере перед зеркалом» Веласкеса, но туманное зеркало лишь отражает тень богини любви.

Картина и рама

Любое изображение, созданное художником, за исключением только древних наскальных рисунков, имеет обрамление. Обрамление - необходимая и важная часть композиции, оно завершает ее, придает единство. Обрамление может находиться на той же плоскости, на которой выполнена и сама живописная или графическая композиция. Оно же может быть создано специально как некая рельефная форма при помощи декоративных, скульптурных и архитектурных элементов. Чаще всего встречаются обрамления прямоугольной формы, несколько реже - круглой и овальной.

Рама помогает выделить живописное произведение из окружающей среды как нечто особенное и достойное внимания, не вместе с тем и связывает его с окружением. Так, если стиль рамы совпадает с художественным обликом, строем и характером интерьера, где находится картина, это способствует цельности ансамбля. В зависимости от цвета, насыщенности декоративными и скульптурными деталями рама значительно влияет на общее впечатление от живописного образа. Все это и позволяет говорить о единстве картины и рамы, где обрамление выполняет, конечно, не главную, но очень нужную функцию.

Пути развития станковой живописи были сложными. Какой яркой вехой в ее истории стал переход от средних веков к Ренессансу! Наиболее существенным в нем явилось стремление уйти от застылости и отвлеченности иконного изображения, господствовавшего в средневековье. Примерно в XIV столетии рождается картина в современном смысле этого слова, а вместе с ней появляется и рама, одетая пока еще в кружево готической декорации.

Первые рамы не противопоставлялись полностью всему изображению и не отделялись от него; материалы обоих были сходны, условная позолота фона, например, древнерусской иконы или византийской переходила на обрамление, да и само изображение нередко "выплескивалось" на него. Затем границы между картиной и рамой стали сознаваться все определеннее. Все же как некая память о предшествующих веках у рамы сохранился ее золотой цвет. Когда из живописи исчез золотой фон, обозначавший мир божественного, позолоченность рамы стала восприниматься условно, иными словами - как необходимый атрибут обрамления, помогавший выделять в помещении картину, привлекать к ней взор зрителя.

В эпоху Ренессанса господствовало представление о живописи как о взгляде в мир через окно, рама своими формами весьма ясно намекала на бытовавшее представление и отвечала ему. Эти пышные, торжественные рамы изготовлялись по рисункам художников в специальных мастерских или же помощниками художника, работавшими в его мастерской.

В эпоху Возрождения живопись постоянно сравнивали с зеркалом, в котором отражается действительность, и рама, созданная наподобие орнаментальной оправы зеркала, еще сильнее подчеркивала такое сравнение. Эта рама могла изготавливаться не только из деревянных реек и гипса, но и из драгоценных материалов, включая серебро, слоновую кость, перламутр и т.п. Драгоценность материалов словно соответствовала драгоценности живописи, усиливала ее.

Старые мастера были очень внимательны к раме, учитывали ее воздействие в процессе работы, иногда даже писали в готовом обрамлении, считаясь с определенным тоном и декоративным ритмом рамы. Поэтому композиции старых мастеров часто очень выигрывают в первоначальных рамах.

Наблюдения над рамами старых мастеров позволяют установить еще один принцип - соответствие между профилем и шириной рамы и размером картины: так, голландские живописцы имели обыкновение вставлять свои небольшие картины в крупные рамы с глубокой, отвесной профилировкой, которая как бы уводит глаз к центру картины и изолирует ее от всякого воздействия окружения

В начале XX века стали раздаваться голоса, призывающие вообще отказаться от рам, как от чего-то слишком материального, "заземляющего" духовность искусства. Различные художники авангардистских направлений, восприняв такие призывы, начали выставлять свои произведения без рам. Однако в результате такого новшества сами их произведения уже переставали быть картинами в тесном смысле этого слова. Это были какие-то "объекты","пятна", зачастую лишенные ясного смысла.

Хотя теперь нет одного стиля в оформлении рам, как было когда-то, но зато есть большее, чем прежде, соответствие рамы индивидуальной манере художника.

В последние время на художественных выставках можно заметить, что инертность в отношении оформления рам (пусть, мол, будет, а какая - не столь важно), которая проявлялась в прошлом и у наших художников, начинает преодолеваться. Рамы окрашивают в различные тона, на них нередко помещаются небольшие дополнительные изображения и надписи, живописцам помогают скульпторы - появляются рамы с богатыми пластическими мотивами.

Формат картин

Существуют, однако, два специфических элемента картины, которые как бы создают переход от плоскости к изображению, одновременно принадлежа и к реальности картины, и к ее фикции - формат и рама. Может показаться, что формат картины - только инструмент художника, но не непосредственное выражение его творческой концепции: ведь художник только выбирает формат. А между тем характер формата самым тесным образом связан со всей внутренней структурой художественного произведения и часто даже указывает правильный путь к пониманию замысла художника. Как правило, формат избирается до начала работы живописца. Но известен ряд художников, которые любили во время работы менять формат картины, то отрезая от нее куски, то прибавляя новые (особенно охотно этот делал Веласкес).

Самым распространенным форматом для картины является четырехугольный, причем чистый квадрат встречается значительно реже, чем четырехугольник, более или менее вытянутый вверх или вширь. Некоторые эпохи ценят круглый формат (tondo) или овал. Выбор формата не имеет случайного характера, формат обычно обнаруживает глубокую, органическую связь как с содержанием художественного произведения, с его эмоциональным тоном, так и с композицией картины, в нем одинаково ярко отражается и индивидуальный темперамент художника, и вкус целой эпохи. Скрытую причинную связь между форматом и замыслом художника мы ощущаем перед каждой картиной, от которой исходит очарование истинного художественного произведения. Есть картины, содержание которых настолько срослось с характером формата, что малейшее перемещение пропорций, кажется, должно было бы нарушить стилистическое и идейное равновесие картины.

Горизонтальный, вытянутый формат, в общем, безусловно более пригоден для повествовательной композиции, для последовательного развертывания движения мимо зрителя. Поэтому к такому формату охотно обращаются художники, настроенные эпически, стремящиеся к активной композиции, к действию,- например итальянские живописцы XIV и первой половины XV века (особенно во фресковых композициях). Напротив, формат квадратный или такой, в котором вышина несколько преобладает над шириной, как бы сразу останавливает динамику действия и придает композиции характер торжественной репрезентации - именно этот вид формата предпочитали для своих алтарных картин мастера Высокого Возрождения ("Сикстинская мадонна"). В свою очередь, при значительном преобладании вышины над шириной композиция опять приобретает динамику, сильную тягу, но на этот раз вверх или вниз; такой узкий формат был особенно по душе художникам аристократическим, декоративным (Кривелли) или настроенным мистически (маньеристы, Греко), стремящимся воплотить определенные эмоции, настроения.

Несомненна также связь формата с индивидуальным темпераментом художника: чувственная, динамическая фантазия Рубенса требует более крупного формата, чем сдержанная и одухотворенная фантазия Рембрандта. Наконец, формат находится в прямой зависимости от живописной техники. Чем шире, свободнее мазок художника, тем естественнее его стремление к крупному формату.