Die Hauptstufen der Kreativität. Shakespeares Schaffensweg gliedert sich in drei Perioden: Theaterstücke-Chroniken aus der Geschichte Englands

In den ersten Jahren des 17. Jahrhunderts kam es zu einem spürbaren Wandel in Shakespeares Werk. Fröhliche Motive weichen tiefen Gedanken über die schmerzhaftesten Widersprüche des Lebens und er schafft Werke voller tragischer Haltung.

Dieser Stimmungsumschwung bedeutet keineswegs einen Niedergang von Shakespeares Werk. Im Gegenteil: Die Zeit seiner größten künstlerischen Erfolge steht bevor. Er schafft „Hamlet“, „Othello“, „König Lear“ und „Macbeth“ – diese vier Meisterwerke, dank denen Shakespeare als Künstler von Weltrang Anerkennung erlangte und über die Grenzen seiner Epoche hinaus in die Ewigkeit vordrang.

Der Wandel in Shakespeares Werk erfolgte schrittweise. Die Chronologie seiner Werke zeigt, dass es keine scharfe Grenze zwischen der zweiten und dritten Periode gab. Fast gleichzeitig schafft Shakespeare die heiteren Komödien „Wie es euch gefällt“ und „Twelfth Night“ sowie die Tragödie „Julius Caesar“. Wenn die von Chambers (1600-1601) behauptete Datierung der „Lustigen Weiber von Windsor“ korrekt ist, dann konnte Shakespeare mit der Schaffung von Hamlet einen weiteren Teil der Falstafiade schreiben.

Dies ist das tatsächliche Bild von Shakespeares Werk in den Jahren 1598-1601. Die von Shakespeare zu dieser Zeit geschaffenen Werke ermöglichen es uns, über den allmählichen Übergang des Dramatikers zu einem neuen Genre und zu neuen Problemen zu sprechen.

Die dritte Schaffensperiode Shakespeares umfasst acht bis neun Jahre. Sein Anfang wird üblicherweise auf „Hamlet“ (1600–1601) datiert, sein Ende auf „Timon von Athen“ (1607–1608). Die vom Dramatiker in diesen Jahren geschaffenen Werke sind heterogen und innerhalb der dritten Periode lassen sich mindestens drei Etappen unterscheiden.

Die erste war eine Übergangsregelung. Für diese Zeit charakteristische tragische Motive finden sich bereits in „Julius Caesar“ (1599). Deshalb betrachten wir zum Zweck einer konzentrierten Betrachtung von Shakespeares ideologischer Entwicklung diese Tragödie zusammen mit den Tragödien der dritten Periode. Von der Handlung her steht es Dramen wie „Antonius und Kleopatra“ und „Coriolanus“ nahe. Vom Stil her ähnelt es ihnen. Diese drei Dramen bilden einen Zyklus der römischen Tragödien Shakespeares, zu dem auch der frühe Titus Andronicus gehört.

In ideologischer Hinsicht ähneln einige Motive Julius Cäsar Hamlet*. Brutus steht wie der Prinz von Dänemark vor dem gleichen Problem, wirksame Mittel im Kampf gegen das Böse zu wählen. Julius Caesar ist wie Hamlet eine sozialphilosophische Tragödie.

* (Zu parallelen Motiven beider Tragödien siehe: K. Fisher, Shakespeare's Hamlet, M. 1905, S. 159-162.)

In beiden Tragödien geht es nicht um die Darstellung von Leidenschaften, die Inhalt anderer Shakespeare-Tragödien ist. Weder Brutus noch Hamlet lassen sich von den Impulsen leiten, die das Verhalten von Othello, Lear, Macbeth, Antony, Coriolanus oder Timon charakterisieren. Menschen mit Vernunft und nicht mit Leidenschaft stehen vor der Notwendigkeit, die drängendsten Fragen des Lebens ethisch zu lösen, und sind sich der grundlegenden Natur ihrer Aufgabe bewusst. Diese Tragödien können zu Recht als problematisch bezeichnet werden.

Es folgen drei Stücke, die nicht zum Genre der Tragödie gehören – „Troilus und Cressida“, „Das Ende ist die Krone der Tat“ und „Maß für Maß“. Der erste von ihnen ähnelt in seiner Natur einer Tragödie, es fehlt jedoch der für Shakespeare übliche tragische Ausgang. Der Held, der eine ebenso tiefgreifende Geisteskrise durchlebt wie Hamlet, stirbt jedoch nicht. „Troilus und Cressida“ kann als Tragikomödie betrachtet werden, aber dieses Stück steht noch näher an dem, was die spätere Poetik als Drama definierte, also einem Stück ernsten Inhalts ohne blutiges Ende.

Die anderen beiden Stücke sind formal Komödien, unterscheiden sich jedoch von den anderen Komödien Shakespeares. Mit Ausnahme des „Kaufmanns von Venedig“ ging keine einzige Komödie der ersten beiden Perioden über Probleme im Bereich persönlicher Beziehungen hinaus. In „The End is the Crown of the Deal“ wird das persönliche Thema in direkten Zusammenhang mit einem sozialen Problem gestellt (Elenas Liebe zu Bertram und die Ungleichheit ihres sozialen Status), und in „Measure for Measure“ die persönlichen Schicksale der Charaktere sind direkt von einem ganzen Komplex von Problemen der öffentlichen Moral abhängig. Die Ernsthaftigkeit der darin aufgeworfenen Themen sowie die untergeordnete Bedeutung der komischen Elemente in der Handlung gaben Anlass, diese Stücke als „düstere“ oder „problematische“ Komödien zu bezeichnen. Sie bilden wirklich eine besondere Gruppe von Stücken. Sie eint der Reichtum und die Bedeutung ihres ideologischen Inhalts und die gesellschaftliche Bedeutung der darin aufgeworfenen Fragen. Die Namensproblematik ist daher für diese drei Stücke am besten geeignet. Zusammen mit den Tragödien „Julius Caesar“ und „Hamlet“ bilden sie eine große Gruppe von Shakespeares Problemdramen.

Dies ist die erste Phase dieser Periode.

Die zweite umfasst drei Tragödien – „Othello“, „König Lear“ und „Macbeth“, geschrieben im Dreijahreszeitraum 1604–1606. Dies sind die größten Tragödien der Leidenschaft, erfüllt von einer tiefen moralischen, philosophischen und sozialen Bedeutung. Es ist seit langem bekannt, dass Hamlet und diese drei Dramen die größten Tragödien sind, die Shakespeare geschaffen hat. „Große Tragödien“ ist ein Begriff in der Shakespeare-Forschung, der sich speziell auf diese vier Stücke bezieht. Sie bilden den Höhepunkt der Tragödie bei Shakespeare und gleichzeitig im gesamten Weltdrama.

Aus dem oben genannten Grund betrachten wir „Hamlet“ etwas getrennt von den anderen drei großen Tragödien, die hinsichtlich der dramatischen Motive und der von ihnen hervorgerufenen ideologischen und emotionalen Wirkung näher beieinander liegen.

„Othello“, „König Lear“ und „Macbeth“ sind wirklich herzzerreißende Tragödien, was man von „Hamlet“ nicht behaupten kann. Die Intensität der Leidenschaften der Helden erreicht die höchste Grenze, ihr Leiden ist unermesslich, und wenn „Hamlet“ eine Tragödie der Trauer aus dem Kopf ist*, dann sind „Othello“, „King Air“ und „Macbeth“ Tragödien, in denen das Leiden ausbricht der Helden liegt im Gegenteil darin begründet, dass ihr Geist verdunkelt war und sie unter dem Einfluss von Leidenschaften handelten.

* (Siehe G. Kozintsev, Our Contemporary William Shakespeare, L. - M. 1962, S. 210-270.)

Große Tragödien sind voller bitterer Töne über das Leben. Sie sind die klassischsten Beispiele des Tragischen in der Kunst seit der Antike. Hier gelang Shakespeare die höchste Synthese von Gedanken und künstlerischem Können, denn er löste seine Vision der Welt in Bildern auf, die so integral und organisch waren, dass ihre Lebendigkeit keinen Zweifel aufkommen lässt.

Auf der dritten Stufe entstanden „Antonius und Kleopatra“, „Coriolanus“ und „Timon von Athen“. Über die erste dieser Tragödien sagte Coleridge, dass sie in Bezug auf den künstlerischen Wert den vier großen Tragödien nicht nachsteht. „Coriolanus“, der sich stets für seine politischen Themen interessierte, erregte keine große Begeisterung, vielleicht weil die geistige Trockenheit des Helden bei niemandem den Wunsch weckte, in seine geistige Welt hineinzufühlen. „Timon von Athen“ wurde von Shakespeare nicht vollendet. Obwohl es sich gedanklich um ein sehr bedeutsames Werk handelt, mangelt es ihm an der Perfektion, die Shakespeares tragischen Meisterwerken innewohnt.

Allerdings sind es nicht ästhetische Einschätzungen, die uns dazu veranlassen, diese drei Tragödien als besondere Gruppe herauszuheben. Ihre Besonderheit besteht darin, dass der Schwerpunkt der tragischen Handlung hier im Vergleich zu großen Tragödien etwas verschoben ist. Dort offenbarten sich die Widersprüche von Leben, Gesellschaft, Staat und Moral am deutlichsten in den Charakteren der Helden und in ihrer geistigen Welt. Hier wird die Außenwelt zum Zentrum tragischer Widersprüche. „Antonius und Kleopatra“ nimmt in dieser Hinsicht eine Zwischen- und Übergangsstellung ein. Aber „Coriolanus“ und „Timon von Athen“ sind in ihrer Struktur bereits völlig ähnlich. Es ist nicht der psychologische Prozess selbst, sondern nur sein äußeres Ergebnis, das wir hier sehen. Und das gilt auch für „Antonius und Kleopatra“, wo die Veränderlichkeit der Gefühle des Triumvirs und der ägyptischen Königin in einer gepunkteten Linie dargestellt wird und wir manchmal auf Vermutungen angewiesen sind, um die Motive für ihr Verhalten zu ermitteln. Coriolanus und Timon zeichnen sich eher durch die übermäßige Einfachheit emotionaler Reaktionen, ihre elementaren Extreme, aus. Aber was die Kunst hier bei der Offenlegung der Dialektik des menschlichen Herzens verliert, wird durch Entdeckungen auf dem Gebiet der Dialektik der sozialen Beziehungen ausgeglichen.

Shakespeares erste Periode (1590 - 1600)

Chronikstücke aus der Geschichte Englands

Shakespeares Werk zeichnet sich von Anfang an durch die Breite seiner Darstellung der Wirklichkeit aus. Im ersten Jahrzehnt seiner dramatischen Tätigkeit schuf er eine umfangreiche Reihe historischer Chroniken, die die Vergangenheit des Landes über drei Jahrhunderte hinweg abdeckten. Das Stück „König John“ schildert Ereignisse zu Beginn des 13. Jahrhunderts. Richard III. endet mit der Gründung der Tudor-Monarchie im Jahr 1485. Heinrich VIII. schildert Ereignisse aus dem frühen 16. Jahrhundert.

Shakespeare nutzt Holinsheds Chronicles of England and Scotland (1577) als Quelle und schildert in seinen Stücken einige der dramatischsten Momente der englischen Geschichte während der Zeit des Feudalismus. „...Der Tod früherer Klassen, zum Beispiel des Rittertums“, schrieb Marx, „könnte Inhalt für grandiose tragische Kunstwerke sein“ *. Dieses Thema bildet die Grundlage des gesamten Zyklus von Shakespeares historischen Dramen in der ersten Schaffensperiode. Die Chroniken schildern den mörderischen Kampf, den die Feudalherren sowohl untereinander als auch gegen die königliche Macht führten. Der zweite und dritte Teil von Heinrich VI. sowie Richard III. zeigen die Zeit der Scharlachroten und Weißen Rosenkriege (zweite Hälfte des 15. Jahrhunderts). Richard II. und beide Teile von Heinrich IV. schildern den Kampf zwischen der Monarchie und den Feudalherren im frühen 15. Jahrhundert. In King John findet der Kampf zwischen dem König einerseits und der römisch-katholischen Kirche und den Feudalherren andererseits statt. Der erste Teil von Heinrich VI. und Heinrich V. zeigt die beiden Höhepunkte des Hundertjährigen Krieges zwischen England und Frankreich – die Zeit, die durch die Aktivitäten von Jeanne d’Arc und die Schlacht von Agincourt geprägt war.

* (K. Marx und F. Engels, Werke, Bd. VIII, S. 270.)

Alle Chroniken Shakespeares sind von der Idee der Notwendigkeit der staatlichen Einheit durchdrungen; Sie spiegeln den Entstehungsprozess der englischen Nation und die Bildung der absoluten englischen Monarchie wider. Shakespeare zeigt die zerstörerische Natur des feudalen Bürgerkriegs und seinen Schaden für das Volk.

O katastrophaler Anblick! O Zeit blutiger Katastrophen! Königliche Löwen kämpfen um ihre Lager, und arme, verängstigte Schafe tragen die ganze Last des Streits... („Heinrich VI.“, Teil 3. Übersetzung von A. Sokolovsky)

Der gesamte Zyklus historischer Chroniken ist von der Idee der Unvermeidlichkeit des Sieges der zentralisierten Staatsmacht über die feudale Anarchie durchdrungen.

Der Chronikzyklus gliedert sich in zwei Tetralogien, die jeweils einen bedeutenden Abschnitt der englischen Geschichte abdecken. Der erste von ihnen – die drei Teile von „Heinrich VI.“ und „Richard III.“ – zeigt, wie die feudale Anarchie ihren Höhepunkt erreicht, bis schließlich ein Monarch auftaucht, allen Streit ein Ende setzt und eine starke Macht errichtet. Ein ähnliches Bild zeichnet die zweite Tetralogie, die die Stücke „Richard II“, „Heinrich IV“ (zweiteilig) und „Heinrich V“ umfasst. Auch hier wird der Kampf zwischen den Feudalbaronen und der absoluten Monarchie mit dem Sieg der letzteren gekrönt.

Shakespeare zeigte großes Interesse an der Frage nach der Persönlichkeit des Monarchen. Seine Stücke liefern Porträts verschiedener Könige. Bei Shakespeare wie auch bei anderen Humanisten erhielt das politische Machtproblem einen moralischen Unterton.

Shakespeare verurteilt den schwachen Willen Heinrichs VI., der das Land nicht vor der Anarchie schützen kann. Ein weiterer willensschwacher König, Richard II., ist schlecht, weil er England als sein Lehen betrachtet und Macht als Mittel zur Befriedigung seiner Privatinteressen nutzt. Richard III ist das andere Extrem. Er ist ein starker König, aber übermäßig grausam, und seine Grausamkeit wird nicht durch staatliche Zweckmäßigkeit gerechtfertigt; er sieht in seiner Macht nur ein Mittel zur Befriedigung persönlicher Wünsche. König John hat ihm gegenüber den Vorteil, dass er sich die Zerstörung der Doppelherrschaft zum Ziel setzt und die Beteiligung der Kirche an Regierungsangelegenheiten abschaffen will. Aber auch er entspricht nicht dem Ideal eines Monarchen, denn er erhält seine Macht durch brutale Repressalien und die Ermordung möglicher Rivalen. Heinrich IV. nähert sich bereits dem humanistischen Ideal. Doch auf ihm lastet die Schuld am Mord an seinem Vorgänger Richard II. Obwohl er als Träger des Prinzips der Zentralisierung und der nationalen Einheit fungiert, entspricht er daher nicht vollständig dem moralischen Ideal der Humanisten.

Shakespeare stellt Heinrich V. als idealen Monarchen dar. Sein Ziel ist die Einheit aller Klassen im Kampf für die gemeinsamen Interessen des Landes. In der Chronik Heinrichs V. legt Shakespeare dem Erzbischof die Beschreibung eines Bienenstocks in den Mund, der ein Prototyp einer idealen Klassenmonarchie ist.

Die ideale Klassenmonarchie war natürlich eine Illusion der Humanisten. Shakespeare glaubte nur vorerst daran. Ja. und in seinen Chroniken sind nicht diese Illusionen von Bedeutung, sondern das wirkliche Bild, das er zeichnet. Und dieses Bild widerspricht dem Ideal. Und dies wurde nicht nur durch das historische Material erklärt, das Shakespeare bei der Erstellung seiner Chroniken verwendete, sondern auch durch die moderne Realität, die er um sich herum sah.

Ein wesentliches Merkmal der historischen Chroniken Shakespeares besteht darin, dass sich in ihnen die Reproduktion der historischen Vergangenheit mit einer Widerspiegelung der modernen Realität verband. Shakespeare blieb im Allgemeinen den aus der Geschichte gewonnenen Fakten treu. Im Allgemeinen hat er das Wesentliche der politischen Konflikte der dargestellten Epoche richtig vermittelt. Doch auch in feudalen Kostümen inszenierten seine Helden Dramen, die für das 16. Jahrhundert durchaus modern waren. Darauf hat Engels im Wesentlichen hingewiesen, als er schrieb: „Man kommt nicht umhin, den Versuch, romantisch-mittelalterliche Wurzeln in Corneille zu finden oder sich Shakespeare in einem ähnlichen Maßstab zu nähern (mit Ausnahme des Rohmaterials, das er verwendet hat, als künstlich zu betrachten). entlehnt aus dem Mittelalter).“ *

* (K. Marx und F. Engels, Werke, Bd. II, S. 86.)

Shakespeare wählte historisches Material, das es ihm ermöglichte, die Darstellung der Konflikte der Feudalzeit mit der Offenbarung der Psychologie der Menschen der Renaissance zu verbinden. Daher sind die Helden der Chroniken ebenso Träger des feudalen Eigenwillens wie des bürgerlichen Individualismus.

Ein Beispiel hierfür ist Richard III., eines der eindrucksvollsten Bilder aller frühen Dramen Shakespeares. Richard, Herzog von York, ist ein hässlicher Buckliger; Er ist voller brennendem Hass auf die Menschen, weil ihm die Freuden des Lebens vorenthalten werden, die allen zur Verfügung stehen.

Und ich bin beleidigt über meine Größe und Schlankheit, entstellt durch eine betrügerische Natur, unvollendet, verdreht und dem Zeitplan voraus, werde ich in eine unruhige Welt geworfen... ...Deshalb habe ich keine Hoffnung, diese Tage in Liebe zu verbringen , ich verfluchte unsere müßigen Vergnügungen und stürzte mich in die schändlichen Angelegenheiten * .

* (Übersetzung von A. Druzhinin.)

Richard ist der Sohn jenes Jahrhunderts, in dem einige, die mittelalterliche Askese ablehnend, sich mitten ins Leben stürzten, um die Früchte des Glücks, des Reichtums und der Macht zu ernten, während andere sich der Kreativität, der Wissenschaft und der Schöpfung widmeten. Richard ist besessen von dem Wunsch, seine Persönlichkeit zu etablieren, zu beweisen, dass er trotz seiner Hässlichkeit nicht nur nicht schlechter als andere Menschen, sondern sogar höher als sie ist. Die Behörden müssen ihm dabei helfen, sicherzustellen, dass sich die Menschen vor ihm beugen und seine Überlegenheit anerkennen. Richards grenzenloser Ehrgeiz wird durch keine moralischen Prinzipien eingeschränkt. Alle Menschen sind für ihn Feinde, und er schreckt vor keinem Verbrechen zurück. Er übersät seinen Weg zum Thron mit den Leichen seiner getöteten Rivalen und möglichen Anwärter auf die Krone. Richard hat einen großen Verstand, aber alle seine Gedanken sind auf ein Ziel ausgerichtet. Durch Täuschung und List erreicht er, dass er König wird. Doch es ist nicht nur das Ziel, das ihn fasziniert. Er genießt den Prozess des Kampfes selbst, wenn er seinen Geist mit heimtückischen Erfindungen und kühnen Plänen verfeinert. Er liebt es, sich selbst herauszufordern und genießt seinen Erfolg. Also bringt er Lady Anna, deren Vater und Ehemann er getötet hat, dazu, zuzustimmen, seine Frau zu werden. Da er niemanden liebt und niemandem vertraut, tötet er sogar seinen Lieblings-Buckingham, seinen treuen Assistenten bei seinen blutigen Taten.

Als Politiker versteht Richard die Notwendigkeit, die Menschen zu unterstützen. Als er bereits alle seine Rivalen eliminiert hat und die Krone tatsächlich in seinen Händen liegt, möchte er, dass sie ihm auf Wunsch des Volkes übergeben wird. Er tut so, als seien ihm weltliche Sorgen fremd, und gibt vor, Mönch zu werden, doch eine von ihm gesandte Abordnung erscheint ihm und bittet ihn, König zu werden. Doch das genügt Richard nicht, er möchte, dass das Volk seine Thronbesteigung begrüßt. Auf seinen Befehl werden die Bürger Londons aus ihren Häusern vertrieben, doch als Richard III. durch die Straßen reitet, sind aus der Menge seltene Stimmen von Gesandten zu hören, die rufen: „Lang lebe der König!“ Die Leute schweigen.

Richards Gräueltaten lösen große Empörung aus. Gegen ihn erhebt sich eine vom Earl of Richmond angeführte Rebellion.

In der Nacht vor der entscheidenden Schlacht gegen die Rebellen erscheinen Richard in einem Traum die Geister aller Menschen, die er getötet und gefoltert hat. Doch Reue ist Richards grausamer Seele fremd. Keine Mächte des Himmels oder der Hölle können ihn aufhalten. Und nur eines bedrückt ihn – das Gefühl seiner Einsamkeit.

Die Verzweiflung nagt an mir. Niemand von allen Menschen kann mich lieben. Ich werde sterben... Wer wird um mich weinen?

Auch als Richard sieht, dass sich alle gegen ihn gewandt haben, will er nicht aufgeben. Er versucht, seine Truppen mit einer kriegerischen Rede zu begeistern. Richard kämpft mit wildem Mut gegen seine Feinde und stürmt, nachdem er sein Pferd verloren hat, über das Schlachtfeld und ruft aus:

Pferd! Pferd! Das ganze Königreich ist für das Pferd!

Unversöhnt mit der Welt, seinem grausamen Ehrgeiz bis zum letzten Atemzug treu, stirbt er und das Stück endet damit, dass Richmond unter dem Namen Heinrich VII. König wird.

Shakespeares Chroniken werden als erste Skizzen jener Lebensbilder in das Gesamtsystem seines Schaffens eingebunden, die später in den tragischen Werken der zweiten Periode in höchster Perfektion festgehalten werden. Wir spüren in den Chroniken den Geist des Abenteuergeistes der Renaissance, wir sehen in ihren Helden Menschen, die nicht durch die alte feudale Moral eingeschränkt sind. Durch die feudale Fassade ist überall etwas Neues, Zeitgenössisches für Shakespeare sichtbar. Bereits hier werden erstmals jene Konflikte skizziert, die sich später in umfassenderer Form in Hamlet, Lear und Macbeth entfalten werden. Es gibt jedoch erhebliche qualitative Unterschiede zwischen Chroniken und Tragödien. Zunächst werden die Charaktere in den Tragödien tiefer und vielfältiger offenbart. Auch Shakespeares Verständnis sozialer Widersprüche ist tiefer. Der Kampf der Interessen einzelner Personen, das Aufeinanderprallen von Adel und Egoismus, Ehre und Verrat – diese und andere Konflikte werden in den Chroniken im Triumph des Prinzips der absoluten Monarchie gelöst. Der Staat fungiert hier als hemmende Kraft gegenüber der Willkür nicht nur Einzelner, sondern ganzer gesellschaftlicher Gruppen. Daher ist Shakespeares ideale Monarchie eine ziemlich organisierte Regierung, die widersprüchliche private Interessen befriedigt und in Einklang bringt. Zur Zeit seines Schreibens hegte Shakespeare Illusionen über die Möglichkeit, dass ein absolutistischer Staat zu einer solchen Macht werden könnte. Anschließend erkannte er, dass der Staat seiner Zeit weder eine Organisation sein konnte, die alle Menschen vereint, noch eine moralische Kraft, die den Egoismus zügelt.

Die Handlung der Chroniken umfasst sowohl individuelle Konflikte als auch Konflikte, in denen große gesellschaftliche Kräfte am Werk sind – Stände, Klassen, sogar ganze Staaten, die gegeneinander kämpfen. Die Monarchie, die Kirche, der feudale Adel, der Adel, die Städter, die Bauern – all diese Kräfte der damaligen Gesellschaft sind in den Chroniken in ihrer ganzen Breite vertreten. Auf der Bühne treten nicht Einzelpersonen auf, sondern ganze Gruppen von Menschen mit unterschiedlichen persönlichen Interessen, die in der Regel einen bestimmten Stand oder eine bestimmte Gesellschaftsschicht repräsentieren. Shakespeares Realismus kommt mit großer Kraft darin zum Ausdruck, dass er nicht nur die „offiziellen Elemente der damaligen Bewegung“, wie Engels sie nennt, darstellt, sondern auch die „inoffiziellen plebejischen und bäuerlichen Elemente“*, die am Klassenkampf teilnahmen. Bei Shakespeare bilden die Massen den aktiven Hintergrund des Konflikts zwischen der Monarchie und dem Adel, der sich im Vordergrund abspielt. In einer Reihe von Fällen vermittelt Shakespeare ein anschauliches Bild vom Kampf der Massen. So zeigt er im zweiten Teil von „Heinrich VI.“ den Aufstand von Handwerkern und Bauern, der die Zerstörung des Feudalstaates und die Errichtung eines Systems fordert, in dem „der Staat zum Gemeineigentum wird“.

* (K. Marx und F. Engels, Werke, Bd. XXV, S. 260.)

Shakespeare sympathisierte nicht mit den Versuchen von Bauern und Handwerkern, Fragen der Gesellschaftsordnung selbstständig zu lösen. Doch anders als Greene, der die Beziehung zwischen Königtum und Volk in idyllischer Form darstellte, sah Shakespeare die besonderen Interessen des Volkes und zeigte in seinen historischen Stücken, dass sich das Volk selbst dieser Interessen bewusst war, die es in Opposition zum Volk stellten dominierende Kräfte der feudal-adligen Gesellschaft.

In seinem Briefwechsel mit Lassalle zu dessen Tragödie „Franz von Sickingen“ verwies Engels, der die gesellschaftliche Situation der Renaissance charakterisierte, auf die Präsenz „des damals erstaunlich bunt gemischten plebejischen Publikums“. „Was für erstaunlich charakteristische Bilder diese Ära des Zerfalls feudaler Bindungen nicht in der Person wandernder Bettelkönige, bettelnder Landsknechte und Abenteurer aller Art bietet – wahrlich ein falstaffischer Hintergrund ...“ *

* (K. Marx und F. Engels, Works, Bd. XXV, S. 260 – 261.)

„Falstaffs Hintergrund“ ist ein wesentlicher Teil des Bildes, das Shakespeare in seinen Chroniken zeichnet. Besonders ausdrucksstark ist er in der Chronik „Heinrich IV.“ (zwei Teile). Während sich der dramatische Kampf zwischen König Heinrich IV. und seinen rebellischen Feudalherren im Vordergrund des historischen Geschehens abspielt, versammelt sich oft eine sehr bunte Gruppe von Menschen in der Taverne Boar's Head. Dazu gehören der liederliche Kronprinz Heinrich, der vor der Starre des Hofes flieht, der verarmte Ritter Sir John Falstaff und die Bürgerlichen Nim und Bardolph. Sie berauben Händler auf den Autobahnen, und das so erbeutete Geld wird in Tavernen verschwendet. Die Seele dieses Unternehmens ist Falstaff. Puschkin beschrieb dieses Bild anschaulich: „...Nirgendwo spiegelte sich das facettenreiche Genie Shakespeares vielleicht so vielfältig wider wie in Falstaff, dessen Laster, eines mit dem anderen verbunden, eine lustige, hässliche Kette bilden, ähnlich einem antike Bacchanalien. Wenn wir den Charakter von Falstaff analysieren, sehen wir, dass sein Hauptmerkmal die Wollust ist; wahrscheinlich war schon in jungen Jahren grobe, billige Bürokratie sein erstes Anliegen, aber er ist bereits über fünfzig, er ist fett und altersschwach geworden; Völlerei und Wein haben merklich die Venus erobert. Zweitens ist er ein Feigling, aber da er sein Leben mit jungen Lebemännern verbracht hat und ständig deren Spott und Streichen ausgesetzt war, vertuscht er seine Feigheit mit ausweichender und spöttischer Unverschämtheit. Er prahlt aus Gewohnheit und Berechnung. Falstaff ist überhaupt nicht dumm, im Gegenteil. Er hat auch einige der Gewohnheiten eines Menschen, oft " *.

* (A. S. Puschkin, Sammlung. O., Bd. VII, S. 517.)

Solche Typen werden an Wendepunkten der Geschichte geboren. Zwei Jahrhunderte später, am Vorabend der französischen bürgerlichen Revolution, zeigt uns Diderot einen Nachkommen von Falstaff – Rameaus Neffen.

Das ist Falstaff in Heinrich IV. In „Die Hexen von Windsor“ wird er sich wiedersehen, doch in der Komödie wird er etwas anders ausfallen. Hier wird dargestellt, wie er versucht, sich an das Leben der Stadtbewohner anzupassen. Doch weder aus seinem Versuch, die Tochter eines wohlhabenden Bürgers zu heiraten, noch aus seinem kalkulierten Flirt mit den schelmischen Bürgerinnen wird etwas.

Falstaffs Verhalten in Heinrich IV. ist geprägt von seiner Opposition zur „offiziellen“ Gesellschaft, deren Anliegen und Interessen er nicht teilen möchte. In „Die Frauen von Windsor“ verkleidet sich „O“ als Mann aus höfischen Kreisen und übertrumpft seinen Adel. Er braucht dies, um von der Stadtbevölkerung ehrenhaft aufgenommen zu werden. Und hier zeigt sich deutlich, dass Falstaff dazu nicht in der Lage ist weder wie ein Adliger zu leben, weil er dazu keine Mittel hat, noch sich an die bürgerliche Umgebung anzupassen. Und schon der Versuch, sich an diese Welt anzupassen, führt zum Verlust jener inneren Freiheit, die ihm bisher eigen war. Deshalb Konnte früher die Freiheit dadurch über alles und jeden lachen, lachen jetzt andere über ihn. Freiheit und Scham verloren, verliert Falstaff seinen Humor; immer wieder getäuscht, kann er über seine lächerliche Situation nicht lachen, und das erst am Ende der Komödie erkennt er die Sinnlosigkeit seiner Versuche, erwirbt wieder die Gabe des Humors und nimmt am allgemeinen Spaß teil. Das Bild von Falstaff verbindet Shakespeares Chroniken mit Komödien.

„Shakespeare-Frage“.

Die äußerst schlechte Dokumentation von Shakespeares Biografie führte zur sogenannten „Shakespeare-Frage“ – einer Diskussion über die Identität von Shakespeare, dem Autor, und Shakespeare, dem Schauspieler. „Anti-Strethfordianer“ (Forscher, die die traditionelle Biographie Shakespeares ablehnen) glauben, dass der wahre Schöpfer der großen Stücke einer der hochgebildeten elisabethanischen Adligen war, die den Schauspieler Shakespeare als „Dummy-Autor“ engagierten. Argumentation: Dem Schauspieler Shakespeare mangelte es an Gelehrsamkeit, Weitblick und Erfahrung, um Texte von solcher Vollständigkeit und Tiefe zu schaffen. „Stretfordianer“ (Befürworter der traditionellen Version) wenden ein: Shakespeare sei nur ein typischer Fall eines autodidaktischen Genies der Renaissance: Niemand hält Leonardo, Dürer oder Bruegel für fiktive Schöpfer; Es gibt also keinen Grund, an Shakespeares schöpferischen Fähigkeiten zu zweifeln.

Periodisierung von Shakespeares Werk.

In den russischen Shakespeare-Studien ist es üblich, drei Perioden in Shakespeares Werk zu unterscheiden, in den angloamerikanischen Studien vier, was wahrscheinlich genauer ist: 1) die Lehrzeit (1590-1592); 2) „optimistische“ Periode (1592-1601); 3) die Zeit der großen Tragödien (1601-1608); 4) die Zeit der „romantischen Dramen“ (1608-1612).

24. Die universelle Natur des tragischen Konflikts in König Lear.

In König Lear wird das Böse bestraft, aber wer würde es wagen zu leugnen, dass König Lear eine Tragödie ist? Das Böse wird bestraft, aber das Gute triumphiert nicht, der Konflikt zwischen dem König und Gloucester mit den Kindern endete in einem kollektiven Grab und im Land herrscht Chaos. Das Gleiche gilt für Hamlet. Der Prinz rächt sich am Mörder seines Vaters, stirbt aber gleichzeitig nicht nur selbst, sondern „zerrt“ auch seine Mutter, seine Geliebte und die Freunde von gestern ins Grab. Auch hier werden Konflikte nicht gelöst, ihre Träger sterben einfach. Wahrscheinlich, weil der Autor selbst nicht weiß, wie er sie lösen soll. Ist es möglich, Hamlet mit sich selbst und Claudius zu versöhnen, Arbenin umzuerziehen und Cyrano zu zwingen, sich Roxana, Maria Stuart und Elisabeth gegenüber zu öffnen, damit sie einander vergeben?

Anscheinend gibt es ein gewisses Schicksal des tragischen Helden – Schicksal, unvermeidliche und immer falsche Entscheidungen, hoffnungslose Konfrontation, Leiden. Und in einer Untergangssituation kann der Konflikt nicht beigelegt werden. Der Comic-Held ist meistens zu Leben und Glück verurteilt. Tragisch – Tod, Wahnsinn oder endloses Leid. Dies ist eine Tragödie der Menschenwürde in einer ungerechten Gesellschaft.

Das Wesen und die Entwicklung von Lears Charakter wurden von N. A. Dobrolyubov sehr genau definiert: „Lear hat eine wirklich starke Natur, und die allgemeine Unterwürfigkeit ihm gegenüber entwickelt sie nur einseitig – nicht für große Taten der Liebe und des Gemeinwohls, sondern einzig und allein.“ zur Befriedigung seiner eigenen, persönlichen Launen. Dies ist bei einem Menschen völlig verständlich, der es gewohnt ist, sich selbst als Quelle aller Freude und Trauer, als Anfang und Ende allen Lebens in seinem Königreich zu betrachten.

Hier, mit dem äußeren Handlungsraum, mit der Leichtigkeit, alle Wünsche zu erfüllen, gibt es nichts, was seine spirituelle Stärke ausdrücken könnte. Aber seine Selbstverehrung geht über alle Grenzen des gesunden Menschenverstandes hinaus: Er überträgt all die Brillanz, den ganzen Respekt, den er für seinen Rang genoss, direkt auf seine Persönlichkeit; Er beschließt, die Macht abzulegen, in der Überzeugung, dass die Menschen auch danach nicht aufhören werden, vor ihm zu zittern. Diese wahnsinnige Überzeugung zwingt ihn dazu, sein Königreich seinen Töchtern zu überlassen und dadurch von seiner barbarisch sinnlosen Position zum einfachen Titel eines gewöhnlichen Menschen überzugehen und alle Sorgen zu erleben, die mit dem menschlichen Leben verbunden sind.“ „Wenn wir ihn ansehen, empfinden wir zuerst Hass auf diesen liederlichen Despoten; Aber im Verlauf des Dramas versöhnen wir uns immer mehr mit ihm als Person und werden am Ende von Empörung und brennender Wut erfüllt, nicht mehr gegen ihn, sondern für ihn und für die ganze Welt – gegen das Wilde, Unmenschliche Situation, die zu einer solchen Zerstreuung selbst von Menschen wie Lear führen kann.

„König Lear“ ist eine soziale Tragödie. Es zeigt die Abgrenzung verschiedener sozialer Gruppen in der Gesellschaft. Vertreter der alten Ritterehre sind Lear, Gloucester, Kent, Albany; die Welt der bürgerlichen Raubzüge wird durch Goneril, Regan, Edmond, Cornwall repräsentiert. Zwischen diesen Welten herrscht ein erbitterter Kampf. Die Gesellschaft befindet sich in einer tiefen Krise. Gloucester charakterisiert die Zerstörung gesellschaftlicher Grundlagen wie folgt: „Die Liebe kühlt ab, die Freundschaft wird schwächer, brudermörderischer Streit herrscht überall.“ Es gibt Unruhen in den Städten, Zwietracht in den Dörfern, Verrat in den Palästen und die familiäre Bindung zwischen Eltern und Kindern bricht zusammen ... Unsere beste Zeit ist vorbei. Bitterkeit, Verrat und katastrophale Unruhen werden uns bis ins Grab begleiten“ (Übersetzt von B. Pasternak).

Vor diesem breiten sozialen Hintergrund spielt sich die tragische Geschichte von König Lear ab. Zu Beginn des Stücks ist Lear ein König mit Macht, der über das Schicksal der Menschen entscheidet. Shakespeare zeigte in dieser Tragödie (in der er tiefer in die gesellschaftlichen Verhältnisse seiner Zeit eindringt als in seinen anderen Stücken), dass Lears Macht nicht in seinem Königtum liegt, sondern in der Tatsache, dass er Reichtum und Ländereien besitzt. Sobald Lear sein Königreich zwischen seinen Töchtern Goneril und Regan aufteilte und ihm nur noch das Königtum blieb, verlor er seine Macht. Ohne seinen Besitz befand sich der König in der Lage eines Bettlers. Das besitzergreifende Prinzip in der Gesellschaft zerstörte die patriarchalischen familiären menschlichen Beziehungen. Goneril und Regan schworen ihrem Vater ihre Liebe, als er an der Macht war, und wandten sich von ihm ab, als er seinen Besitz verlor.

Nachdem Lear tragische Prüfungen und einen Sturm in seiner eigenen Seele durchgemacht hat, wird er zum Menschen. Er lernte die Not der Armen kennen, nahm am Leben der Menschen teil und verstand, was um ihn herum geschah. König Lear erlangt Weisheit. Ein Treffen in der Steppe während eines Sturms mit dem obdachlosen und unglücklichen armen Tom spielte eine große Rolle bei der Entstehung einer neuen Sicht auf die Welt. (Dies war Edgar Gloucester, der sich vor der Verfolgung seines Bruders Edmond versteckte.) In Lears schockiertem Geist erscheint die Gesellschaft in einem neuen Licht und er unterzieht sie gnadenloser Kritik. Lears Wahnsinn wird zur Offenbarung. Lear sympathisiert mit den Armen und verurteilt die Reichen:

Obdachlose, nackte Elende,

Wo sind Sie jetzt? Wie werden Sie reflektieren?

Die Schläge dieses heftigen Wetters -

In Lumpen, mit unbedecktem Kopf

Und ein dünner Bauch? Wie wenig dachte ich

Mehr dazu zuerst! Hier ist eine Lektion für Sie

Arroganter reicher Mann! Nehmen Sie die Stelle der Armen ein

Fühlen Sie, was sie fühlen

Und geben Sie ihnen einen Anteil an Ihrem Überschuss

Als Zeichen der höchsten Gerechtigkeit des Himmels.

(Übersetzt von B. Pasternak)

Lear spricht empört über eine Gesellschaft, in der Willkür herrscht. Die Macht erscheint ihm in Form eines symbolischen Bildes eines Hundes, der einen Bettler jagt, der vor ihm davonläuft. Lear nennt den Richter einen Dieb, den Politiker, der vorgibt zu verstehen, was andere nicht verstehen, einen Schurken.

Der edle Kent und der Narr bleiben Lear bis zum Ende treu. Das Bild des Narren spielt in dieser Tragödie eine sehr wichtige Rolle. Seine Witze und paradoxen Witze offenbaren kühn die Essenz der Beziehungen zwischen Menschen. Der tragikomische Narr spricht die bittere Wahrheit; seine witzigen Bemerkungen drücken aus

Der Standpunkt der Menschen zu dem, was passiert.

Die Handlung rund um das Schicksal des Earl of Gloucester, des Vaters zweier Söhne, schattiert das Schicksal von Lear und verleiht ihm eine allgemeine Bedeutung. Auch Gloucester erlebt die Tragödie der Undankbarkeit. Sein unehelicher Sohn Edmond stellt sich ihm entgegen.

Das humanistische Ideal ist im Bild von Cordelia verkörpert. Sie akzeptiert nicht sowohl die alte Welt des Rittertums als auch die neue Welt der Machiavellisten. Ihr Charakter betont mit besonderer Nachdruck den Sinn für die Menschenwürde. Im Gegensatz zu ihren heuchlerischen Schwestern ist sie aufrichtig und ehrlich, hat keine Angst vor der despotischen Natur ihres Vaters und sagt ihm, was sie denkt. Trotz ihrer Zurückhaltung, ihre Gefühle auszudrücken, liebt Cordelia ihren Vater wirklich und nimmt seine Ungnade mutig in Kauf. Als Lear anschließend nach schweren Prüfungen Menschenwürde und Gerechtigkeitssinn erlangte, befand sich Cordelia neben ihm. Diese beiden schönen Menschen sterben in einer grausamen Gesellschaft.

Am Ende der Tragödie siegt das Gute über das Böse. Der edle Edgar wird König. Als Herrscher wird er auf die Weisheit zurückgreifen, die Lear in seinem tragischen Schicksal gewonnen hat.

Und das Ergebnis und der Höhepunkt der Theaterentwicklung. Die philosophische Grundlage ist der Humanismus der Renaissance. Da die gesamte Erweckung in das Leben eines Menschen passt, erlebt er sowohl Optimismus als auch Krise. Zum ersten Mal stellt er die Frage „Was ist bürgerliche Moral?“ Shakespeare hat dieses Problem nicht gelöst. Sein Ende ist mit Utopie verbunden. Shakespeares Persönlichkeit ist legendär. Shakespeares Frage: Existierte er, hat er es geschrieben? Geboren in Stratford-on-Avon, verheiratet. Es gibt viele Biografien über Shakespeare, aber nichts Bedeutsames; wir wissen mehr über seinen Vater. Pater John besaß eine Handschuhfabrik, war aber kein Adliger. Die Mutter ist eine verarmte Adlige. Es gibt keine reguläre Schulbildung, ein Gymnasium gibt es in Stratford. Shakespeares Informationen über die Antike sind sehr lückenhaft. Heiratet Anna Hasaway, 8 Jahre älter, lebte drei Jahre, Kinder, Shakespeare verschwindet. 1587-1588 ungefähr. 1592 - Informationen über ihn, er ist bereits ein berühmter Dramatiker. Der Anteil der Shakespeare-Einnahmen an Theaterkompanien ist bekannt. Der erste professionelle Dramatiker. Die staatliche Haltung gegenüber dem Theater war sehr abweisend. Sie konnten sich nur bewegen, wenn sie gehorchten. 2Die Männer von Lord Chamberlain. Die Qualität der Stücke vor Shakespeare war gering, außer von „Universitätsköpfchen“. Entweder schrieben und bezahlten die Reichen die Produktion, oder die Schauspieltruppen selbst. Geringe Qualität.

Shakespeare war ein sofortiger Erfolg. Es gibt 1592 Artikel dafür und dagegen. Grün „Mit einem Penny Intelligenz, gekauft für eine Million Reue“, „Ein Emporkömmling, eine mit unseren Federn geschmückte Krähe, das Herz eines Tigers im Panzer eines Schauspielers.“ Die Geschichte von Hamlet wurde von der UU entwickelt, war jedoch von sehr geringer Qualität. Fähigkeit, Material von anderen zu nutzen. Er schrieb Theaterstücke für ein bestimmtes Publikum.

Nach der Entstehung des ersten Theaters erließen die Puritaner ein Dekret, das der Ansicht war, dass Theater kein Recht hätten, sich innerhalb der Stadt anzusiedeln. Londons Grenze ist die Themse. In London gibt es 30 Theater, aus Holz, zunächst gab es weder Boden noch Dach. Das Theater basierte auf verschiedenen Figuren: einem Kreis, einem Quadrat, einem Sechseck. Die Bühne steht dem Betrachter völlig offen. Trapez. Die Leute saßen auf dem Boden. Auf der vorderen Bühne stand ein Narr, der das Publikum ablenkte. Sie sind schlau. Die Kostüme entsprachen nicht der Epoche. Tragödie – die schwarze Flagge wurde gehisst, Komödie – die blaue. Die Truppe bestand aus 8-12 Personen, selten 14. Es gab keine Schauspielerinnen. 1667 Frauen betraten die Bühne. Das erste Stück ist Othello. Shakespeare hat für diese spezielle Szene geschrieben. Er berücksichtigte auch die Tatsache, dass es keinen stabilen Text des Stücks gab, es kein Urheberrecht gab und wir viele Stücke aus Raubkopien kennen. Die erste Ausgabe von Shakespeares Stücken erschien 14 Jahre nach seinem Tod. 36 Stücke, nicht alle genau gesetzt.

Mehrere Theorien zur Shakespeare-Frage. Einer von ihnen verbindet Shakespeare mit Christopher Marlowe. Er wurde kurz vor Shakespeares Erscheinen getötet. Er hat auch Tragödien und historische Chroniken. Der Heldentyp ist eine titanische Persönlichkeit mit erstaunlichen Fähigkeiten, Fertigkeiten usw. Er weiß nicht, wo er das alles hinstellen soll, es gibt keine Kriterien für Gut und Böse.

„Tamerlane der Große“. Als einfacher Hirte hat er alles alleine geschafft. Shakespeare wird Kriterien für Güte und Aktivität finden. Der CM war ein Informant, dann hörte er auf. Kneipenkampf. Die Legende seines Verstecks. Francis Bacons Theorie lebt noch immer weiter. Es wird angenommen, dass FB seine Biografie in Shakespeares Stücken verschlüsselt hat. Der Hauptcode ist „Storm“. Im Gegensatz zu Bacon ist Shakespeare ungebildet. Im Jahr 1613 brannte der Globe ab. Shakespeares Handschrift ist wie ein Testament, das von einem sehr kleinen Mann geschrieben wurde. Die Geschichte geht im 19. Jahrhundert weiter, Delia Bacon erhebt in Amerika Anspruch auf ihren Vorfahren für alle Werke Shakespeares. Die DB ist verrückt geworden. 1888 – Buch von Donnelly, der faszinierend erzählt, dass er den Schlüssel zu Shakespeares Stücken gefunden hat. Zuerst waren alle interessiert und haben dann über die Broschüre gelacht.

Ein weiterer Shakespeare-Kandidat. Galilov „Das Spiel von William Shakespeare“ – Lord Rutland. Auch seine Frau Mary Retland ist im Kreis. Shakespeare war sozusagen auf Gehalt, es gibt Dokumente. In Hamlet gibt es Erinnerungen, Namen usw. Auch in Shakespeares Sonetten. Nach dem Tod der Retlands hört Shakespeare auf zu schreiben und geht nach Stratford. Es wird angenommen, dass es ein Lebensporträt von Shakespeare gibt. Galilow glaubt, er sei ein Hirngespinst, weil er unrealistisch sei. Vor uns liegt eine Maske mit leeren Augenhöhlen, die Hälfte des Leibchens wird von hinten gegeben.

Periodisierung von Shakespeares Werk. In den russischen Shakespeare-Studien ist es üblich, drei Perioden in Shakespeares Werk zu unterscheiden, in den angloamerikanischen Studien vier, was wahrscheinlich genauer ist: 1) die Lehrzeit (1590-1592); 2) „optimistische“ Periode (1592-1601); 3) die Zeit der großen Tragödien (1601-1608); 4) die Zeit der „romantischen Dramen“ (1608-1612). L.E. Pinsky über die Besonderheiten der Poetik von Shakespeares Stücken. Der berühmte russische Shakespeare-Gelehrte L.E. Pinsky identifizierte mehrere Elemente der Poetik, die allen Hauptgenres des Shakespeare-Dramas – Chronik, Komödie und Tragödie – gemeinsam sind. Pinsky berücksichtigte die Haupthandlung, die vorherrschende Realität der Handlung und die Art der Beziehung zwischen den Charakteren und der vorherrschenden Realität. Die Haupthandlung ist die Ausgangssituation für alle Werke eines bestimmten Genres, die in jedem von ihnen unterschiedlich ist. Die Haupthandlung besteht aus Chroniken, Komödien und Tragödien. Dominante Realität. In einer Reihe von Shakespeares Stücken ist die Handlungsquelle nicht der Konflikt in den Beziehungen der Figuren, sondern ein Faktor, der hinter und über ihnen steht. Er stattet die Schauspieler mit Funktionen aus, die ihr Bühnenverhalten bestimmen. Diese Abhängigkeit gilt für Chroniken und Komödien, nicht jedoch für die Protagonisten von Tragödien.

1. Optimistisch, da es mit der Zeit der frühen Wiederbelebung zusammenfällt und die frühe Wiederbelebung mit dem Humanismus verbunden ist. Alles führt zum Guten; Humanisten glauben an den Triumph der Harmonie. Es dominieren historische Chroniken und Komödien. An der Wende von Periode 1-2 entsteht die einzige Tragödie „Romeo und Julia“. Diese Tragödie ist nicht ganz düster. Die Umgebung ist sonnig, eine helle Atmosphäre allgemeiner Freude. Was mit den Helden geschah, geschah durch Zufall – die Ermordung von Mercutio, Romeo tötet Tybalt. Als R und D heimlich heiraten, kommt der Bote versehentlich zu spät. Shakespeare zeigt, wie eine Reihe von Unfällen zum Tod von Helden führt. Die Hauptsache ist, dass das Böse der Welt nicht in die Seelen der Helden eindringt; sie sterben rein. Shakespeare möchte sagen, dass sie als letzte Opfer des Mittelalters starben.

Historische Chroniken: „Heinrich 6“, „Richard 3,2“, „König Johannes“, „Heinrich 4,5“. Die Chroniken sind sehr umfangreich. Obwohl sie einige der dunkelsten Ereignisse beinhalten, ist die Stiftung optimistisch. Ein Triumph über das Mittelalter. Shakespeare ist ein Anhänger der Monarchie und versucht in seinen Chroniken das Bild eines starken, intelligenten und moralischen Monarchen zu schaffen. Historiker und Shakespeare haben sich auf das Individuum in der Geschichte konzentriert.

In Heinrich 4 ist Heinrich gerecht und ehrlich, kommt aber durch den Sturz des Monarchen mit blutigen Mitteln an die Macht. Aber es gibt keinen Frieden im Staat. Er denkt darüber nach und kommt zu dem Schluss, dass es daran liegt, dass er mit unehrlichen Mitteln an die Macht gekommen ist. Henry hofft, dass für seine Söhne alles gut wird. Wenn Richard in Richard 3 besorgt ist, braucht er die Unterstützung der Menschen, aber das Backgammon schweigt. In den Chroniken zeichnet sich ein positives Bild ab.

Das Bild, das das positive Programm der Chroniken definiert, ist die Zeit. Das Bild der Zeit außerhalb der Bühne ist in allen Chroniken präsent. Shakespeare war der erste, der über den Zusammenhang zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft sprach. Die Zeit wird alles an seinen Platz bringen.

Das Leben und die Geschichte Englands bieten keine Gelegenheit, das Bild eines idealen Monarchen zu schaffen. Das Publikum sympathisiert mit Richard 3, weil er ein aktiver Held ist. Bei der Schaffung von Richard 3 näherte sich Shakespeare dem Konzept des Tragischen und der Betrachtung des Zustands durch einen neuen Helden. Richard 3 tut Böses. Wissenschaftler streiten darüber, ob Shakespeare seine Chroniken nach einem einzigen Plan oder spontan schuf. Als Shakespeare die ersten Chroniken schuf, gab es keinen Plan, aber später schuf er bewusst. Alle Chroniken können als Mehrakter betrachtet werden. Mit dem Tod einer Figur endet die Handlung nicht, sondern geht zum nächsten Stück über. Heinrich 5 ist ein idealer Monarch, den man weder sehen noch lesen kann, weil er fiktiv ist. Henry 4 ist interessant anzusehen.

2. Komödie. Shakespeare ist seiner Zeit voraus. Shakespeares Komödien sind etwas Besonderes; sie basieren auf anderen Prinzipien. Dies ist eine Komödie voller Humor und Freude. Es gibt keinen satirischen, anklagenden Anfang. Es handelt sich nicht um Haushaltsgegenstände. Der Hintergrund, vor dem sich die Handlung abspielt, ist recht konventionell. Die Aktion findet in Italien statt. Für die Londoner war es eine besondere Welt voller Sonnenschein und Karneval. Niemand macht sich über irgendjemanden lustig, sie lauschen nur. Shakespeares Komödien sind Situationskomödien. Der komische Effekt entsteht durch Hypertrophie von Charakter oder Gefühlen. "Viel Lärm um nichts". Der Streit zwischen Benedict und Beatrice ist humorvoll. Eifersucht ist ein Konflikt. „12. Nacht“ Hypertrophie der Gefühle. Die Gräfin trauert um ihre Ehe, doch der Tod überschreitet alle Grenzen. Shakespeare kam erstmals auf die Idee, dass das Komische und das Tragische aus demselben Punkt stammen, zwei Seiten derselben Medaille. 12. Nacht. Der Ehrgeiz des Butlers ist hypertrophiert. Macbeth ist eine Tragödie des Ehrgeizes; sein menschliches Königtum wird nicht mit einer Königskrone gekrönt. Alle Ereignisse können komisch oder tragisch sein. Fast alle Komödien wurden in der ersten Periode geschrieben. „Der Widerspenstigen Zähmung“ „Die zwei Herren von Verona“ „Ein Sommernachtstraum“ „Der Kaufmann von Venedig“ „Die 12. Nacht.“ Die folgenden Komödien sind diesen unterlegen. Komödien werfen die gleichen wichtigen Themen auf wie Tragödien und Chroniken. "Der Kaufmann von Venedig". Positive Helden, die triumphieren, sind nicht so positiv und umgekehrt. Der Hauptkonflikt dreht sich um Geld.

3. Mit der Entwicklung des Tragödiengenres verbunden. Shakespeare schafft meist nur Tragödien. Shakespeare versteht sehr bald, dass die bürgerliche Moral nicht besser ist als die mittelalterliche Moral. Shakespeare kämpft mit dem Problem, was das Böse ist. Das Tragische wird idealistisch verstanden. Was Shakespeare erschreckt, ist die Tatsache, dass die Tragödie denselben Ursprung hat wie die Komödie. Shakespeare beginnt zu beobachten, wie die gleiche Qualität zu Gut und Böse führt. Hamlet ist eine Tragödie des Geistes. Hier ist das Böse noch nicht vollständig in Hamlets Seele eingedrungen. Hamletismus ist eine seelenzerstörende Untätigkeit, die mit Nachdenken verbunden ist. Hamlet ist ein Humanist der Renaissance. „Othello“ – basierend auf der Handlung einer italienischen Kurzgeschichte. Der Konflikt basiert auf der Konfrontation zweier Renaissance-Persönlichkeiten. Humanist – Othello, Renaissance-Idealist – Jago. Othello lebt für andere. Er ist nicht eifersüchtig, aber sehr vertrauensvoll. Jago spielt mit dieser Leichtgläubigkeit. Othello, der Desdemona tötet, tötet das Böse der Welt auf wunderschöne Weise. Tragödien enden nicht hoffnungslos.

Die Tragödie von Hamlet eröffnet die zweite Schaffensperiode Shakespeares (1601-1608).

Gewitterwolken scheinen über Shakespeares Werk zu hängen. Eine nach der anderen werden große Tragödien geboren – „Othello“, „König Lear“, „Macbeth“, „Timon von Athen“. Coriolanus gehört ebenfalls zu den Tragödien; Das Ende von „Antonius und Kleopatra“ ist tragisch. Selbst die Komödien dieser Zeit – „Das Ende ist die Krone“ und „Maß für Maß“ – sind weit von der unmittelbaren jugendlichen Fröhlichkeit früherer Komödien entfernt und werden von den meisten Forschern lieber als Dramen bezeichnet.

Die zweite Periode war die Zeit der völligen schöpferischen Reife Shakespeares und gleichzeitig die Zeit, in der er vor große, manchmal unlösbare Fragen für ihn gestellt wurde, als seine Helden nicht mehr Schöpfer ihres Schicksals waren, wie in frühen Komödien, sondern wurde zunehmend zu seinen Opfern. Diese Zeit kann als tragisch bezeichnet werden.

Die Geschichte von Hamlet wurde erstmals Ende des 12. Jahrhunderts vom dänischen Chronographen Saxo Grammaticus aufgezeichnet. Im Jahr 1576 reproduzierte Belfore diese alte Legende in seinen „Tragischen Geschichten“. Für Belfore, wie auch für Saxo Grammar, basierte die Handlung auf der Durchführung einer Blutfehde. Die Geschichte endet mit Hamlets Triumph. „Sage deinem Bruder, den du so grausam getötet hast, dass du eines gewaltsamen Todes gestorben bist“, ruft Hamlet, nachdem er seinen Onkel getötet hat, „lass seinen Schatten mit dieser Nachricht unter den gesegneten Geistern ruhen und befreie mich von der Schuld, die mich zur Rache gezwungen hat.“ mein eigenes Blut“ (Vorher).

In den 80er Jahren des 16. Jahrhunderts wurde auf der Londoner Bühne ein Theaterstück über Hamlet aufgeführt. Dieses Stück hat uns nicht erreicht. Sein Autor scheint Thomas Kyd gewesen zu sein. In Kyds „Die spanische Tragödie“ stehen dem alten Mann Jeronimo und Belimperia, Menschen mit Gefühlen, die „Machiavellisten“ gegenüber – der Sohn des portugiesischen Königs und Belimperias Bruder. Der alte Mann Hieronimo, dessen Sohn getötet wurde, zögert wie Shakespeares Hamlet, sich zu rächen. Wie Hamlet spürt er seine Einsamkeit. Er vergleicht sich mit einem Gefährten, der in einem „Wintersturm in der Ebene“ steht. Ein Schrei bricht aus seinen Lippen: „O Welt! – nein, kein Frieden, sondern eine Menge Unwahrheiten: Chaos von Morden und Verbrechen.“

In der Atmosphäre dieser Gefühle und Gedanken schuf Shakespeare in Kenntnis von Kyds uns verlorenem Stück und natürlich seiner „Spanischen Tragödie“ sowie Belforts französischer Novelle und wahrscheinlich der Geschichte der Saxo-Grammatik seinen „Hamlet“. ” Es gibt Grund zu der Annahme, dass Hamlet von Amateurstudenten an den Universitäten Oxford und Cambridge aufgeführt wurde. Die Tragödie ereignete sich natürlich auf der Bühne des Globe.

Die Grundlage der alten Geschichte war eine Blutfehde. Shakespeare „nahm“ dieses Motiv von Hamlet und „gab“ es Laertes. Eine Blutfehde erforderte lediglich die Erfüllung der kindlichen Pflicht. Der Mörder seines Vaters muss gerächt werden, zumindest mit einer vergifteten Klinge, – so argumentiert Laertes entsprechend seiner feudalen Moral. Wir wissen nichts darüber, ob Laertes Polonius liebte. Der Geist ruft auf andere Weise zur Rache auf: „Wenn du deinen Vater geliebt hast, räche seinen Mord.“ Dies ist nicht nur Rache für seinen Vater, sondern auch für den Mann, den Hamlet liebte und hoch schätzte. „Ich habe deinen Vater einmal gesehen“, sagte Horatio, „er war ein hübscher König.“ „Er war ein Mann“, korrigiert Hamlet seinen Freund. Und umso schrecklicher ist für Hamlet die Nachricht vom Mord an seinem Vater – eine Nachricht, die ihm alle Verbrechen der „grausamen Welt“ offenbart. Die Aufgabe der persönlichen Rache wächst für ihn zur Aufgabe, diese Welt zu korrigieren. Hamlet fasst alle Gedanken, Eindrücke und Gefühle aus der Begegnung mit dem Geist seines Vaters mit den Worten über ein „verrenktes Augenlid“ und über die schwere Pflicht zusammen, die ihn dazu auffordert, „diese Verrenkung zu begradigen“.

Der zentrale Punkt der Tragödie ist der Monolog „Sein oder Nichtsein“. „Was ist besser“, fragt sich Hamlet, „die Schleudern und Pfeile des wütenden Schicksals still zu ertragen oder zu den Waffen zu greifen gegen ein Meer von Katastrophen?“ Hamlet, von Natur aus ein aktiver Mensch, kann nicht still und resigniert nachdenken. Aber für einen einzelnen Menschen bedeutet es den Tod, gegen ein ganzes Meer von Katastrophen zu den Waffen zu greifen. Und Hamlet geht zum Gedanken an den Tod über („Stirb. Schlaf.“). Das „Meer der Katastrophen“ ist hier nicht nur eine „ausgestorbene Metapher“, sondern ein lebendiges Bild: ein Meer, entlang dessen unzählige Wellenreihen verlaufen. Dieses Bild scheint den Hintergrund der gesamten Tragödie zu symbolisieren. Vor uns steht das Bild eines einsamen Mannes, der mit einem nackten Schwert in der Hand vor den Wellen steht, die hintereinander herlaufen und bereit sind, ihn zu verschlingen.

Hamlet ist einer der facettenreichsten Charaktere Shakespeares. Wenn man so will, ist er ein Träumer, denn er musste den Traum von einer anderen, besseren menschlichen Beziehung in sich tragen, um über die Lügen und Hässlichkeiten um ihn herum so empört zu sein. Er ist auch ein Mann der Tat. Hat er nicht den gesamten dänischen Hof in Verwirrung gebracht und sich mit seinen Feinden auseinandergesetzt – Polonius, Rosencrantz, Guildenstern, Claudius? Aber seine Kräfte und Fähigkeiten sind zwangsläufig begrenzt. Kein Wunder, dass er sich Herkules widersetzt. Das Kunststück, von dem Hamlet träumte, konnte nur Herkules vollbringen, dessen Name das Volk ist. Aber allein die Tatsache, dass Hamlet den Schrecken der ihn umgebenden „Augeischen Ställe“ sah – die Tatsache, dass er, der Humanist Hamlet, den Mann gleichzeitig so hoch schätzte, macht seine Größe aus. Hamlet ist die brillanteste Figur Shakespeares. Und man kann den Kommentatoren nur zustimmen, die anmerkten, dass von allen Shakespeare-Helden nur Hamlet Shakespeares Werke schreiben konnte.

Die Handlung der Tragödie „König Lear“ führt uns in die ferne Vergangenheit. Die Geschichte des alten britischen Königs und seiner undankbaren Töchter wurde erstmals zu Beginn des 12. Jahrhunderts in lateinischer Sprache niedergeschrieben. Im 16. Jahrhundert wurde diese Geschichte mehrmals in Versen und Prosa nacherzählt. Wir finden Varianten davon in Golinsheds „Chronicles“, in „The Mirror of Rulers“ und in Edmund Spensers „The Faerie Queene“. Schließlich erschien Anfang der 90er Jahre des 16. Jahrhunderts ein Stück über König Lear auf der Londoner Bühne. Im Gegensatz zur Shakespeare-Tragödie führt die vor-Shakespeare-Tragödie „Lear“ in all ihren Varianten zu einem Happy End. Lear und Cordelia werden letztendlich belohnt. In ihrem Wohlbefinden scheinen sie mit der Realität um sie herum zu verschmelzen, sich mit ihr zu assimilieren.

Im Gegenteil, die positiven Helden der Tragödien Shakespeares erheben sich über diese Realität. Das ist ihre Größe und gleichzeitig ihr Untergang. Wäre die durch Laertes' vergiftetes Schwert verursachte Wunde nicht tödlich gewesen, wäre Hamlet immer noch nicht in der Lage gewesen, über die Welt der Osrics, der neuen Rosenkranten, der Güldenstern und der Poloniews zu herrschen, ebenso wenig hätte er in diese Welt zurückkehren können friedliches Wittenberg. Wenn sich eine Feder an Cordelias Lippen bewegt hätte und sie zum Leben erwacht wäre, wäre Lear, der „viel gesehen“ hatte, wie der Herzog von Albany in den letzten Worten des letzten Akts über ihn sagt, immer noch nicht in der Lage, dazu zurückzukehren prächtigen Saal des königlichen Schlosses, wo wir ihn zu Beginn der Tragödie sahen. Er, der barhäuptig im Sturm und Regen durch die nächtliche Steppe wanderte, wo er sich an die „armen nackten Unglücklichen“ erinnerte, konnte mit dem abgeschiedenen, ruhigen Unterschlupf, den Cordelia für ihn geschaffen hätte, nicht zufrieden sein.

Von „König Lear“ reichen die Fäden bis zur antiken Tragödie „Gorboduc“, geschrieben in den 50er Jahren des 16. Jahrhunderts von Sackville und Norton. König Gorboduc teilte die Macht zwischen seinen beiden Söhnen auf, was zu mörderischen Kriegen, Blutströmen und großen Katastrophen für das Land führte. Nachdem Lear die Macht zwischen seinen beiden Töchtern aufgeteilt hatte, machte er das „zersplitterte Königreich“ beinahe zur Beute von Ausländern, wie Kent es beschreibt.

Aber Shakespeares Tragödie unterscheidet sich von ihren Quellen vor allem durch die Formulierung eines humanistischen, wahrhaft Shakespeare-Problems. Lear auf dem Thron, der „Olympier“, umgeben von der Pracht des Hofes (die Eröffnungsszene ist zweifellos die prächtigste der gesamten Tragödie), ist weit entfernt von der schrecklichen Realität außerhalb der Burgmauern. Die Krone, das königliche Gewand und die Titel sind in seinen Augen heilige Attribute und haben die Fülle der Realität. Während der langen Jahre seiner Herrschaft war er von der unterwürfigen Verehrung geblendet und verwechselte diesen äußeren Glanz mit seinem wahren Wesen.

Doch unter der äußeren Pracht des „Zeremoniellen“ verbarg sich nichts. „Aus dem Nichts entsteht nichts“, wie Lear selbst sagt. Er wurde „zu einer Null ohne Zahl“, wie der Narr sagt. Das königliche Gewand fiel von seinen Schultern, die Schuppen fielen von seinen Augen, und zum ersten Mal sah Lear die Welt der ungeschminkten Realität, eine grausame Welt, über die die Regans, Gonerils und Edmunds herrschten. In der nächtlichen Steppe erkennt Lear zum ersten Mal die Realität und beginnt klar zu sehen.

Die Szene in der Steppe ist der Moment von Lears völligem Sturz. Er wurde aus der Gesellschaft geworfen. „Ein Mann ohne Ausrüstung“, sagt er, „ist nur ein armes, nacktes, zweibeiniges Tier.“ Und gleichzeitig ist diese Szene sein größter Sieg. Aus dem Netz der sozialen Beziehungen, die ihn verwickelten, herausgerissen, gelang es ihm, sich über sie zu erheben und seine Umgebung zu verstehen. Er verstand, was der Narr, der die Wahrheit schon lange kannte, von Anfang an verstand.

Kein Wunder, dass Lear ihn einen „bitteren Narren“ nennt. „Schicksal, Hure der Huren“, singt der Narr, „du öffnest niemals deine Türen für die Armen.“ Das Leben um ihn herum ist, wie der Narr es sieht, hässlich verzerrt. Alles an ihr muss sich ändern. „Dann wird die Zeit kommen – wer wird das noch erleben! –, in der sie anfangen werden, mit ihren Füßen zu gehen“, singt der Narr. Er ist ein „Narr“. Unterdessen bewahrt er im Gegensatz zu Lears Höflingen bis zum Schluss die Menschenwürde. Lear folgend, zeigt der Narr wahre Ehrlichkeit und ist sich dessen selbst bewusst. „Dieser Herr“, singt der Narr, „der dem Profit dient und Profit sucht und der seinem Herrn nur scheinbar folgt, wird weglaufen, wenn der Regen beginnt, und dich im Sturm zurücklassen. Aber ich werde bleiben; der Narr wird nicht.“ geh; lass ihn fliehen.“ ein Weiser; ein weglaufender Schurke sieht aus wie ein Narr, aber der Narr selbst, bei Gott, ist kein Schurke.“ Der Narr besaß also bereits die Freiheit, die Lear erlangte, indem er den königlichen Mantel und die Krone abwarf.

Die gleiche Freiheit erlangt Edgar, der unter der Maske eines Verrückten durch die Steppe wandert, sowie der geblendete Gloucester, der nach seinen eigenen Worten „stolperte, als er gesichtet wurde“. Jetzt, blind, sieht er die Wahrheit. Zu Edgar, den er nicht erkennt und den er für einen obdachlosen, armen Mann hält, sagt er: „Der Mann, der Überfluss besitzt und vom Luxus satt ist, der das Gesetz zu seinem Sklaven gemacht hat und der nicht sieht, weil er nicht fühlt.“ , spüre schnell deine Kraft, dann wird die Verteilung den Überschuss vernichten und jeder wird genug zum Leben haben.“ Die Empörung über die ungerechte Verteilung irdischer Güter fällt mit dem Moment höchster Spannung in dieser tiefsten Tragödie von Shakespeare zusammen.

Das Schicksal von Gloucester, das parallel zum Schicksal von Lear dargestellt wird, ist für die ideologische Zusammensetzung des Werkes von entscheidender Bedeutung. Das Vorhandensein zweier parallel verlaufender und weitgehend ähnlicher Handlungsstränge verleiht dem Werk Universalität. Was als Sonderfall gelten könnte, wird dank einer Parallelhandlung typisch.

Das Welttheater hat sich relativ selten Shakespeares Spätwerken zugewandt, und das ist kein Zufall. Shakespeares Vollblutrealismus erhält in „Antonius und Kleopatra“ eine psychologische Färbung, die ihm weitgehend fremd ist, schafft ein kraftvolles, aber eintöniges Bild des Coriolan und erreicht mit Ausnahme einiger Monologe in „Timon von“ nicht seinen früheren künstlerischen Höhepunkt Athen“, obwohl diese Tragödie für das Verständnis von Shakespeares Weltanschauung von großer Bedeutung ist. Die Komödien der zweiten Periode gehören mit Ausnahme von Measure for Measure zu den künstlerisch schwächsten Werken Shakespeares. Selbst in Werken der letzten Zeit wie „Das Wintermärchen“ und „Der Sturm“ – großartig in der Helligkeit der Farben, malerischen Bilder und dem Reichtum der Sprache, durchdrungen von einem unerschütterlichen Glauben an das Leben und der Liebe dazu – fühlt man sich manchmal sicher Langsamkeit des Handelns.