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Die berühmtesten abstrakten Künstler: Definition, Richtung in der Kunst, Bildmerkmale und die berühmtesten Gemälde. Abstrakte Kunst: Definition, Geschichte, Typen, Merkmale Abschnitt im Prozess des Füllens und Anpassens von Abstraktionen

Der Abstraktionismus ist eine relativ junge Kunstrichtung. Als Geburtsjahr gilt offiziell das Jahr 1910, als der Künstler Wassily Kandinsky die erste mit Aquarell bemalte Leinwand in einer neuen Technik ausstellte.

Vertreter der abstrakten Kunst nehmen einfache und komplexe Formen, Linien, Flächen als Grundlage für die Schaffung ihrer eigenen Meisterwerke und spielen mit Farben. Was am Ende herauskommt, hat nichts mit realen Objekten zu tun. Dies ist ein Werk, das nur dem Überbewusstsein durch die Sinneswelt des Einzelnen zugänglich ist.

Im Laufe der Jahrzehnte nach dem Erscheinen des ersten Werks in diesem Stil erfuhr der Abstraktionismus verschiedene Veränderungen und wurde aktiv in andere Avantgarde-Bewegungen eingeführt.

(Abstraktion von Carol Hein)

Im Rahmen der abstrakten Kunst schufen Kunstschaffende zahlreiche Gemälde, Skulpturen und Installationen. Bestimmte Elemente wurden verwendet und werden weiterhin erfolgreich eingeführt, auch in den Innenräumen moderner Räumlichkeiten.

Heute wird die abstrakte Bewegung in der Kunst in geometrische und lyrische Abstraktion unterteilt. Die geometrische Richtung des Abstraktionismus zeichnet sich durch strenge und klare Linien und stabile Zustände aus. Die lyrische Abstraktion zeichnet sich durch freie Form und Demonstration der vom Meister oder Künstler vorgegebenen Dynamik aus.

Abstrakte Kunst in der Malerei

Mit der Malerei begann die Entwicklung des Abstraktionismus. Auf Leinwand und Papier wurde es der Welt durch das Spiel von Farben und Linien offenbart und etwas nachgebildet, das in der realen objektiven Welt keine Entsprechung hatte.

(...und eine klarere Abstraktion von Carol Hein)

Prominente Vertreter der abstrakten Kunst sind:

Kandinsky;
Malewitsch;
Mondrian.

Später hatten sie viele Anhänger, von denen jeder seinen eigenen künstlerischen Beitrag leistete, indem er neue Techniken zum Auftragen von Farbe und neue Prinzipien für die Schaffung einer abstrakten Komposition verwendete.

(Wassily Wassiljewitsch Kandinsky „Komposition IV“)

Die Gründer der Bewegung stützten sich bei der Schaffung ihrer Meisterwerke auf Leinwand auf neue wissenschaftliche und philosophische Theorien. Kandinsky beispielsweise berief sich zur Rechtfertigung seines eigenen künstlerischen Schaffens auf die theosophischen Werke Blavatskys. Mondrian war ein Vertreter des Neoplastizismus und verwendete in seinen Werken aktiv klare Linien und Farben. Seine Bilder wurden von vielen Vertretern der Malerei und Kunst immer wieder kopiert. Malewitsch war ein glühender Anhänger der Theorie des Suprematismus. Der Meister gab der Farbe den Vorrang in der Malkunst.

(Kasimir Malewitsch „Komposition geometrischer Figuren“)

Im Allgemeinen erwies sich der Abstraktionismus in der Malerei für den einfachen Menschen als eine zweifache Richtung. Einige hielten solche Werke für eine Sackgasse, während andere die Ideen, die Künstler in ihre Kreationen einbrachten, aufrichtig bewunderten.

Trotz der chaotischen Natur von Linien, Formen und Farben bilden Gemälde und Kunstwerke im Stil des Abstraktionismus eine einzige Komposition, die vom Publikum ganzheitlich wahrgenommen wird.

Kunstbewegungen abstrakte Kunst

Werke im Stil der abstrakten Kunst lassen sich nur schwer eindeutig einordnen, da diese Richtung viele Anhänger hat, von denen jeder seine eigene Vision zur Entwicklung beisteuerte. Im Allgemeinen lässt es sich nach der Art der vorherrschenden Linien oder Techniken einteilen. Heute gibt es:

Farbabstraktionismus. In diesen Werken spielen Künstler mit Farben und Schattierungen und legen in ihren Werken Wert auf deren Wahrnehmung durch den Geist des Betrachters;
geometrischer Abstraktionismus. Dieser Trend hat seine eigenen strengen charakteristischen Unterschiede. Das sind klare Linien und Formen, die Illusion von Tiefe und lineare Perspektiven. Vertreter dieser Richtung sind Suprematisten, Neoplastisten;
expressiver Abstraktionismus und Tachismus. Der Schwerpunkt liegt in diesen Zweigen nicht auf Farben, Formen und Linien, sondern auf der Technik des Farbauftrags, durch die Dynamik gesetzt, Emotionen vermittelt und das Unbewusste des Künstlers reflektiert wird, und zwar ohne einen vorläufigen Plan;
minimalistischer Abstraktionismus. Dieser Trend ist eher der Avantgarde zuzuordnen. Sein Wesen liegt im Fehlen jeglicher Hinweise auf Assoziationen. Linien, Formen und Farben werden prägnant und auf ein Minimum reduziert.

Die Entstehung des Abstraktionismus als Kunstrichtung war das Ergebnis der Veränderungen, die zu Beginn des letzten Jahrhunderts in der Luft lagen und mit zahlreichen neuen Entdeckungen verbunden waren, die die Menschheit voranzutreiben begannen. Alles Neue und noch Unverständliche bedurfte der gleichen Erklärung und Lösung, auch durch die Kunst.

Abstrakte Kunst (lat. Abstraktion– Entfernung, Ablenkung) oder nicht-figurative Kunst- eine Kunstrichtung, die die Darstellung realitätsnaher Formen in Malerei und Skulptur aufgab. Eines der Ziele der abstrakten Kunst besteht darin, durch die Darstellung bestimmter Farbkombinationen und geometrischer Formen eine „Harmonisierung“ zu erreichen, die beim Betrachter ein Gefühl der Vollständigkeit und Vollständigkeit der Komposition hervorruft. Prominente Persönlichkeiten: Wassily Kandinsky, Kasimir Malewitsch, Natalia Goncharova und Mikhail Larionov, Piet Mondrian.

Geschichte

Abstraktionismus(Kunst im Zeichen der „Nullformen“, gegenstandslose Kunst) ist eine künstlerische Richtung, die sich in der Kunst der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts herausgebildet hat und die Reproduktion von Formen der realen sichtbaren Welt völlig aufgibt. Als Begründer der abstrakten Kunst gilt V. Kandinsky , P. Mondrian Und K. Malewitsch.

V. Kandinsky schuf seine eigene Art abstrakter Malerei und befreite die impressionistischen und „wilden“ Flecken von jeglichen Anzeichen von Objektivität. Zu seiner Ungegenständlichkeit gelangte Piet Mondrian durch die von Cézanne und den Kubisten initiierte geometrische Stilisierung der Natur. Modernistische Bewegungen des 20. Jahrhunderts, die sich auf den Abstraktionismus konzentrieren, weichen völlig von traditionellen Prinzipien ab, leugnen den Realismus, bleiben aber gleichzeitig im Rahmen der Kunst. Mit dem Aufkommen der abstrakten Kunst erlebte die Kunstgeschichte eine Revolution. Aber diese Revolution kam nicht zufällig, sondern ganz natürlich und wurde von Platon vorhergesagt! In seinem Spätwerk Philebos schrieb er über die Schönheit von Linien, Flächen und Raumformen an sich, unabhängig von jeglicher Nachahmung sichtbarer Gegenstände, von jeglicher Mimesis. Diese Art von geometrischer Schönheit ist laut Platon im Gegensatz zur Schönheit natürlicher „unregelmäßiger“ Formen nicht relativ, sondern bedingungslos, absolut.

20. Jahrhundert und Neuzeit

Nach dem Ersten Weltkrieg (1914–18) manifestierten sich Tendenzen der abstrakten Kunst häufig in einzelnen Werken von Vertretern des Dadaismus und des Surrealismus; Gleichzeitig bestand der Wunsch, nichtfigurative Formen in Architektur, dekorativer Kunst und Design (Experimente der Stilgruppe und des Bauhauses) anzuwenden. Mehrere Gruppen abstrakter Kunst („Konkrete Kunst“, 1930; „Kreis und Quadrat“, 1930; „Abstraktion und Kreativität“, 1931), die Künstler verschiedener Nationalitäten und Bewegungen vereinten, entstanden in den frühen 30er Jahren, hauptsächlich in Frankreich. Allerdings verbreitete sich die abstrakte Kunst zu dieser Zeit und bereits Mitte der 30er Jahre noch nicht. Die Gruppen lösten sich auf. Während des Zweiten Weltkriegs 1939–45 entstand in den Vereinigten Staaten eine Schule des sogenannten abstrakten Expressionismus (Maler). J. Pollock, M. Tobey usw.), die sich nach dem Krieg in vielen Ländern (unter dem Namen Tachisme oder „formlose Kunst“) entwickelte und als ihre Methode den „reinen mentalen Automatismus“ und die subjektive unbewusste Impulsivität der Kreativität, den Kult unerwarteter Farb- und Texturkombinationen, proklamierte .

In der zweiten Hälfte der 50er Jahre entstanden in den USA Installationskunst und Pop-Art, die etwas später Andy Warhol mit seiner endlosen Verbreitung von Porträts von Marilyn Monroe und Hundefutterdosen verherrlichten – Collagen-Abstraktionismus. In der bildenden Kunst der 60er Jahre wurde die am wenigsten aggressive, statische Form der Abstraktion, der Minimalismus, populär. Gleichzeitig Barnett Newman, Begründer der amerikanischen geometrischen abstrakten Kunst zusammen mit A. Liberman, A. Held Und K. Noland engagierte sich erfolgreich in der Weiterentwicklung der Ideen des niederländischen Neoplastizismus und des russischen Suprematismus.

Eine andere Strömung der amerikanischen Malerei wird als „chromatischer“ oder „postmalerischer“ Abstraktionismus bezeichnet. Ihre Vertreter waren teilweise vom Fauvismus und Postimpressionismus inspiriert. Strenger Stil, betont scharfe Umrisse des Werkes E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella Allmählich wichen Gemälde kontemplativ-melancholischer Natur. In den 70er und 80er Jahren kehrte die amerikanische Malerei zur Gegenständlichkeit zurück. Darüber hinaus hat sich eine so extreme Erscheinungsform wie der Fotorealismus weit verbreitet. Die meisten Kunsthistoriker sind sich einig, dass die 70er Jahre die Stunde der Wahrheit für die amerikanische Kunst sind, da sie sich in dieser Zeit endgültig vom europäischen Einfluss befreite und rein amerikanisch wurde. Doch trotz der Rückkehr traditioneller Formen und Genres, von der Porträtmalerei bis zur Historienmalerei, ist der Abstraktionismus nicht verschwunden.

Es entstanden nach wie vor Gemälde und Werke der „ungegenständlichen“ Kunst, da die Rückkehr zum Realismus in den USA nicht durch den Abstraktionismus als solchen, sondern durch dessen Kanonisierung, das Verbot der figurativen Kunst, überwunden wurde, die vor allem mit unserem sozialistischen Realismus identifiziert wurde , und konnte daher nicht umhin, in einer „freien demokratischen“ Gesellschaft als abscheulich angesehen zu werden, ein Verbot „niedriger“ Genres, ein Verbot der sozialen Funktionen der Kunst. Gleichzeitig erlangte der Stil der abstrakten Malerei eine gewisse Weichheit, die ihm zuvor fehlte – stromlinienförmige Volumen, verschwommene Konturen, eine Fülle von Halbtönen, subtile Farbschemata ( E. Murray, G. Stefan, L. Rivers, M. Morley, L. Chese, A. Bialobrod).

All diese Trends legten den Grundstein für die Entwicklung des modernen Abstraktionismus. In der Kreativität kann es nichts Eingefrorenes oder Endgültiges geben, denn das wäre ihr Tod. Aber egal welchen Weg der Abstraktionismus einschlägt, egal welche Wandlungen er erfährt, sein Wesen bleibt immer unverändert. Der Abstraktionismus in der bildenden Kunst ist der zugänglichste und edelste Weg, die persönliche Existenz einzufangen, und zwar in einer Form, die am besten geeignet ist – wie ein Faksimiledruck. Gleichzeitig ist der Abstraktionismus eine unmittelbare Verwirklichung der Freiheit.

Richtungen

Im Abstraktionismus lassen sich zwei klare Richtungen unterscheiden: die geometrische Abstraktion, die vor allem auf klar definierten Konfigurationen basiert (Malevich, Mondrian), und die lyrische Abstraktion, bei der die Komposition aus frei fließenden Formen organisiert ist (Kandinsky). Es gibt auch mehrere andere große unabhängige Bewegungen in der abstrakten Kunst.

Kubismus

Eine Avantgarde-Bewegung in der bildenden Kunst, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts entstand und durch die Verwendung betont konventioneller geometrischer Formen und den Wunsch gekennzeichnet ist, reale Objekte in stereometrische Grundformen zu „spalten“.

Regionalismus (Rayismus)

Eine Bewegung in der abstrakten Kunst der 1910er Jahre, die auf der Verschiebung von Lichtspektren und der Lichtdurchlässigkeit basiert. Charakteristisch ist die Idee der Entstehung von Formen aus der „Schnittmenge reflektierter Strahlen verschiedener Objekte“, da der Mensch tatsächlich nicht das Objekt selbst wahrnimmt, sondern „die Summe der Strahlen, die von der Lichtquelle kommen und von ihr reflektiert werden“. das Objekt."

Neoplastizismus

Bezeichnung der Strömung der abstrakten Kunst, die in den Jahren 1917–1928 existierte. in Holland und vereinte Künstler, die sich um die Zeitschrift „De Stijl“ („Stil“) gruppierten. Charakteristisch sind klare rechteckige Formen in der Architektur und der abstrakten Malerei in der Anordnung großer rechteckiger Flächen, bemalt in den Grundfarben des Spektrums.

Orphismus

Richtung in der französischen Malerei der 1910er Jahre. Orphistische Künstler versuchten, die Dynamik der Bewegung und die Musikalität der Rhythmen mithilfe von „Regelmäßigkeiten“ der gegenseitigen Durchdringung der Grundfarben des Spektrums und der gegenseitigen Überschneidung gekrümmter Flächen auszudrücken.

Suprematismus

Eine Bewegung in der Avantgarde-Kunst, die in den 1910er Jahren gegründet wurde. Malewitsch. Es drückte sich in Kombinationen mehrfarbiger Flächen mit einfachsten geometrischen Formen aus. Die Kombination mehrfarbiger geometrischer Formen bildet ausgewogene asymmetrische suprematistische Kompositionen, die von innerer Bewegung durchdrungen sind.

Tachismus

Eine Bewegung in der westeuropäischen abstrakten Kunst der 1950er–60er Jahre, die in den Vereinigten Staaten am weitesten verbreitet war. Es ist das Malen mit Flecken, die keine Abbilder der Realität wiedergeben, sondern die unbewusste Aktivität des Künstlers zum Ausdruck bringen. Striche, Linien und Punkte im Tachismus werden mit schnellen Handbewegungen ohne einen vorher durchdachten Plan auf die Leinwand aufgetragen.

Abstrakter Expressionismus

Die Bewegung von Künstlern, die schnell und auf großen Leinwänden malen, wobei sie nicht geometrische Striche und große Pinsel verwenden und manchmal Farbe auf die Leinwand tropfen, um Emotionen vollständig zum Vorschein zu bringen. Dabei ist die ausdrucksstarke Malweise oft ebenso wichtig wie das Gemälde selbst.

Abstraktionismus im Innenraum

In letzter Zeit hat der Abstraktionismus begonnen, von den Gemälden der Künstler in das gemütliche Innere des Hauses vorzudringen und es vorteilhaft zu modernisieren. Ein minimalistischer Stil mit klaren, teilweise recht ungewöhnlichen Formen macht den Raum ungewöhnlich und interessant. Aber es ist sehr leicht, es mit Farbe zu übertreiben. Erwägen Sie die Kombination der Farbe Orange in diesem Einrichtungsstil.

Weiß verdünnt das satte Orange am besten und kühlt es sozusagen ab. Durch die Farbe Orange fühlt sich der Raum etwas wärmer an; nicht verhindern. Der Schwerpunkt sollte auf den Möbeln bzw. deren Design liegen, beispielsweise einer orangefarbenen Tagesdecke. In diesem Fall übertönen weiße Wände die Helligkeit der Farbe, lassen den Raum aber farbenfroh erscheinen. In diesem Fall sind Gemälde im gleichen Maßstab eine hervorragende Ergänzung – Hauptsache, man übertreibt es nicht, sonst kommt es zu Schlafproblemen.

Die Kombination der Farben Orange und Blau schadet jedem Raum, es sei denn, es handelt sich um ein Kinderzimmer. Wenn Sie nicht helle Farbtöne wählen, harmonieren diese gut miteinander, sorgen für Stimmung und wirken sich auch bei hyperaktiven Kindern nicht negativ aus.

Orange passt gut zu Grün und erzeugt die Wirkung eines Mandarinenbaums und eines Schokoladentons. Braun ist eine Farbe, die von warm bis kühl reicht und daher idealerweise die Gesamttemperatur des Raumes normalisiert. Darüber hinaus eignet sich diese Farbkombination für Küche und Wohnzimmer, wo Sie eine Atmosphäre schaffen möchten, ohne den Innenraum zu überladen. Nachdem Sie die Wände in Weiß- und Schokoladenfarben dekoriert haben, können Sie in aller Ruhe einen orangefarbenen Stuhl aufstellen oder ein helles Bild mit einer satten Mandarinenfarbe aufhängen. Während Sie sich in einem solchen Raum aufhalten, sind Sie in bester Stimmung und möchten so viele Dinge wie möglich tun.

Gemälde berühmter abstrakter Künstler

Kandinsky war einer der Pioniere der abstrakten Kunst. Er begann seine Suche im Impressionismus und gelangte erst dann zum Stil des Abstraktionismus. In seiner Arbeit nutzte er die Beziehung zwischen Farbe und Form, um ein ästhetisches Erlebnis zu schaffen, das sowohl die Vision als auch die Emotionen des Betrachters einbezog. Er glaubte, dass vollständige Abstraktion Raum für einen tiefen, transzendenten Ausdruck bietet und dass das Kopieren der Realität diesen Prozess nur stört.

Die Malerei war für Kandinsky zutiefst spirituell. Er versuchte, die Tiefe menschlicher Emotionen durch eine universelle visuelle Sprache aus abstrakten Formen und Farben zu vermitteln, die physische und kulturelle Grenzen überwinden würde. Er sah Abstraktionismus als idealer visueller Modus, der die „innere Notwendigkeit“ des Künstlers ausdrücken und menschliche Ideen und Emotionen vermitteln kann. Er betrachtete sich als Propheten, dessen Mission es war, diese Ideale zum Wohle der Gesellschaft mit der Welt zu teilen.

Versteckt in leuchtenden Farben und klaren schwarzen Linien sind mehrere Kosaken mit Speeren sowie Boote, Figuren und eine Burg auf einem Hügel abgebildet. Wie viele Gemälde aus dieser Zeit stellt es einen apokalyptischen Kampf vor, der zum ewigen Frieden führen wird.

Um die Entwicklung eines gegenstandslosen Malstils zu erleichtern, wie er in seinem Werk „Über das Geistige in der Kunst“ (1912) beschrieben wird, reduziert Kandinsky Objekte auf piktografische Symbole. Indem er die meisten Verweise auf die Außenwelt entfernte, drückte Kandinsky seine Vision auf eine universellere Weise aus und übersetzte die spirituelle Essenz des Themas durch all diese Formen in eine visuelle Sprache. Viele dieser symbolischen Figuren wurden in seinen späteren Werken wiederholt und verfeinert, wodurch sie noch abstrakter wurden.

Kasimir Malewitsch

Malewitschs Vorstellungen über Form und Bedeutung in der Kunst führten irgendwie zu einer Konzentration auf die Theorie des abstrakten Kunststils. Malewitsch arbeitete mit verschiedenen Malstilen, konzentrierte sich jedoch vor allem auf das Studium rein geometrischer Formen (Quadrate, Dreiecke, Kreise) und deren Beziehung zueinander im Bildraum. Dank seiner Kontakte in den Westen konnte Malewitsch seine Vorstellungen von der Malerei Künstlerfreunden in Europa und den Vereinigten Staaten vermitteln und so die Entwicklung der modernen Kunst maßgeblich beeinflussen.

„Schwarzes Quadrat“ (1915)

Das ikonische Gemälde „Schwarzes Quadrat“ wurde erstmals 1915 von Malewitsch auf einer Ausstellung in Petrograd gezeigt. Dieses Werk verkörpert die theoretischen Prinzipien des Suprematismus, die Malewitsch in seinem Essay „Vom Kubismus und Futurismus zum Suprematismus: Neuer Realismus in der Malerei“ entwickelt hat.

Auf der Leinwand vor dem Betrachter befindet sich eine abstrakte Form in Form eines schwarzen Quadrats auf weißem Hintergrund – es ist das einzige Element der Komposition. Obwohl das Gemälde einfach erscheint, sind durch die schwarzen Farbschichten Elemente wie Fingerabdrücke und Pinselstriche sichtbar.

Für Malewitsch bedeutet das Quadrat Gefühle, und das Weiß bedeutet Leere, Nichts. Für ihn war das schwarze Quadrat eine gottähnliche Präsenz, eine Ikone, als könnte es ein neues heiliges Bild für die nichtfigurative Kunst werden. Schon bei der Ausstellung wurde dieses Gemälde an der Stelle platziert, an der normalerweise eine Ikone in einem russischen Haus steht.

Piet Mondrian

Piet Mondrian, einer der Gründer der niederländischen De Stijl-Bewegung, ist für die Reinheit seiner Abstraktionen und seine methodische Praxis bekannt. Er vereinfachte die Elemente seiner Gemälde radikal, um das Gesehene nicht direkt, sondern figurativ darzustellen und in seinen Leinwänden eine klare und universelle ästhetische Sprache zu schaffen. In seinen berühmtesten Gemälden aus den 1920er Jahren reduzierte Mondrian seine Formen auf Linien und Rechtecke und seine Farbpalette auf das Einfachste. Die Verwendung des asymmetrischen Gleichgewichts wurde für die Entwicklung der modernen Kunst von grundlegender Bedeutung, und seine ikonischen abstrakten Werke haben bis heute Einfluss auf das Design und sind in der heutigen Populärkultur bekannt.

„The Grey Tree“ ist ein Beispiel für Mondrians frühen Übergang zum Stil Abstraktionismus. Dreidimensionales Holz wird auf die einfachsten Linien und Flächen reduziert, wobei nur Grau- und Schwarztöne verwendet werden.

Dieses Gemälde gehört zu einer Reihe von Werken Mondrians, die mit einem realistischeren Ansatz entstanden sind und beispielsweise Bäume auf naturalistische Weise darstellen. Während spätere Arbeiten zunehmend abstrakter wurden, werden beispielsweise die Linien eines Baumes reduziert, bis die Form des Baumes kaum noch wahrnehmbar ist und der Gesamtkomposition aus vertikalen und horizontalen Linien untergeordnet ist. Hier sieht man noch Mondrians Interesse an der Abkehr von der strukturierten Linienorganisation. Dieser Schritt war bedeutsam für Mondrians Entwicklung der reinen Abstraktion.

Robert Delaunay

Delaunay war einer der ersten Künstler des abstrakten Kunststils. Sein Werk beeinflusste die Entwicklung dieser Richtung, basierend auf der kompositorischen Spannung, die durch den Gegensatz der Farben entstand. Er geriet schnell unter den neoimpressionistischen koloristischen Einfluss und orientierte sich sehr stark an der Farbgebung der Werke im abstrakten Stil. Er betrachtete Farbe und Licht als die wichtigsten Werkzeuge, mit denen man die Realität der Welt beeinflussen kann.

Bis 1910 leistete Delaunay seinen eigenen Beitrag zum Kubismus in Form von zwei Gemäldeserien mit der Darstellung von Kathedralen und dem Eiffelturm, die kubische Formen, dynamische Bewegung und leuchtende Farben kombinierten. Diese neue Art der Verwendung von Farbharmonien trug dazu bei, den Stil vom orthodoxen Kubismus zu unterscheiden, der als Orphismus bekannt wurde, und beeinflusste sofort europäische Künstler. Delaunays Frau, die Künstlerin Sonia Turk-Delone, malte weiterhin im gleichen Stil.

Delaunays Hauptwerk ist dem Eiffelturm gewidmet, dem berühmten Symbol Frankreichs. Dies ist eines der beeindruckendsten einer Serie von elf Gemälden, die zwischen 1909 und 1911 dem Eiffelturm gewidmet sind. Es ist leuchtend rot gestrichen, wodurch es sich sofort vom Grau der umliegenden Stadt abhebt. Die beeindruckende Größe der Leinwand unterstreicht die Erhabenheit dieses Gebäudes zusätzlich. Wie ein Geist erhebt sich der Turm über die umliegenden Häuser und erschüttert metaphorisch die Grundfesten der alten Ordnung. Delaunays Gemälde vermitteln dieses Gefühl von grenzenlosem Optimismus, Unschuld und Frische einer Zeit, die noch keine zwei Weltkriege erlebt hat.

Frantisek Kupka

Frantisek Kupka ist ein tschechoslowakischer Künstler, der in diesem Stil malt Abstraktionismus, Absolvent der Prager Akademie der Künste. Als Student malte er vor allem zu patriotischen Themen und verfasste historische Kompositionen. Seine frühen Werke waren eher akademisch, sein Stil entwickelte sich jedoch im Laufe der Jahre weiter und wandte sich schließlich der abstrakten Kunst zu. Schon seine frühen Werke waren sehr realistisch geschrieben und enthielten mystische, surreale Themen und Symbole, die sich auch in den Abstraktionen fortsetzten. Kupka glaubte, dass der Künstler und sein Werk an einer kontinuierlichen schöpferischen Tätigkeit teilhaben, deren Natur nicht begrenzt, also absolut ist.

„Amorpha. Fuge in zwei Farben“ (1907-1908)

Von 1907 bis 1908 begann Kupka eine Reihe von Porträts eines Mädchens zu malen, das einen Ball in der Hand hält, als wollte sie damit spielen oder tanzen. Anschließend entwickelte er immer schematischere Bilder davon und erhielt schließlich eine Reihe völlig abstrakter Zeichnungen. Sie wurden in einer begrenzten Palette von Rot, Blau, Schwarz und Weiß hergestellt. 1912 wurde eines dieser abstrakten Werke im Salon d'Automne erstmals öffentlich in Paris ausgestellt.

Moderne abstrakte Künstler

Seit Beginn des 20. Jahrhunderts experimentieren Künstler, darunter Pablo Picasso, Salvador Dali, Kasemir Malewitsch, Wassily Kandinsky, mit der Form von Objekten und ihrer Wahrnehmung und hinterfragen auch bestehende Kanons der Kunst. Wir haben eine Auswahl der berühmtesten zeitgenössischen abstrakten Künstler zusammengestellt, die beschlossen haben, die Grenzen ihres Wissens zu überschreiten und ihre eigene Realität zu schaffen.

Deutscher Künstler David Schnell(David Schnell) liebt es, durch Orte zu wandern, die früher voller Natur waren, heute aber voller menschlicher Gebäude sind – von Spielplätzen bis hin zu Fabriken. Aus Erinnerungen an diese Spaziergänge entstehen seine leuchtenden abstrakten Landschaften. David Schnell lässt seiner Fantasie und seinem Gedächtnis freien Lauf, anstatt sich auf Fotos und Videos zu verlassen, und schafft Gemälde, die der virtuellen Realität eines Computers oder Illustrationen für Science-Fiction-Bücher ähneln.

Bei der Schaffung ihrer großformatigen abstrakten Gemälde ist die amerikanische Künstlerin Christine Baker(Kristin Baker) lässt sich von der Kunstgeschichte und dem Rennsport von Nascar und Formel 1 inspirieren. Sie verleiht ihrer Arbeit zunächst eine Dimension, indem sie mehrere Schichten Acrylfarbe aufträgt und die Silhouetten mit Klebeband abdeckt. Christine schält es dann vorsichtig ab, wodurch die darunter liegenden Farbschichten sichtbar werden und die Oberfläche ihrer Gemälde wie eine vielschichtige, mehrfarbige Collage aussieht. Im allerletzten Arbeitsschritt kratzt sie alle Unregelmäßigkeiten ab, sodass ihre Bilder wie ein Röntgenbild wirken.

In ihren Werken zeigt die aus Brooklyn, New York stammende Künstlerin griechischer Herkunft, Eleanna Anagnos(Eleanna Anagnos) erforscht Aspekte des Alltagslebens, die den Menschen oft entgehen. Während ihres „Dialogs mit der Leinwand“ erhalten gewöhnliche Konzepte neue Bedeutungen und Facetten: Negativer Raum wird positiv und kleine Formen nehmen an Größe zu. Mit dem Versuch, ihren Bildern „Leben“ einzuhauchen, versucht Eleanna, den menschlichen Geist zu erwecken, der aufgehört hat, Fragen zu stellen und offen für Neues zu sein.

Der amerikanische Künstler bringt helle Farbspritzer und Farbkleckse auf die Leinwand Sarah Spitler(Sarah Spitler) ist bestrebt, in ihrer Arbeit Chaos, Katastrophe, Ungleichgewicht und Unordnung widerzuspiegeln. Sie fühlt sich von diesen Konzepten angezogen, weil sie außerhalb der menschlichen Kontrolle liegen. Ihre zerstörerische Kraft macht Sarah Spitlers abstrakte Werke daher kraftvoll, energisch und spannend. Außerdem. Das resultierende Bild auf Leinwand aus Tusche, Acrylfarben, Graphitstiften und Emaille betont die Vergänglichkeit und Relativität des Geschehens um uns herum.

Inspiriert von der Architektur hat der Künstler aus Vancouver, Kanada, Jeff Dapner(Jeff Depner) schafft vielschichtige abstrakte Gemälde bestehend aus geometrischen Formen. In dem künstlerischen „Chaos“, das er schafft, sucht Jeff nach Harmonie in Farbe, Form und Komposition. Jedes der Elemente in seinen Gemälden ist miteinander verbunden und führt zum nächsten: „Meine Arbeiten erforschen die kompositorische Struktur [eines Gemäldes] durch die Beziehungen der Farben in der gewählten Palette ...“ Nach Aussage des Künstlers handelt es sich bei seinen Bildern um „abstrakte Zeichen“, die den Betrachter auf eine neue, unbewusste Ebene entführen sollen.

Richtung

Abstraktionismus (lateinisch abstractio – Entfernung, Ablenkung) oder nicht-figurative Kunst ist eine Kunstrichtung, die sich von der realitätsnahen Darstellung von Formen in Malerei und Skulptur verabschiedet. Eines der Ziele der abstrakten Kunst besteht darin, durch die Darstellung bestimmter Farbkombinationen und geometrischer Formen eine „Harmonisierung“ zu erreichen, die beim Betrachter ein Gefühl der Vollständigkeit und Vollständigkeit der Komposition hervorruft. Prominente Persönlichkeiten: Wassily Kandinsky, Kasimir Malewitsch, Natalia Goncharova und Mikhail Larionov, Piet Mondrian.

Das erste abstrakte Gemälde wurde 1910 von Wassily Kandinsky gemalt. Derzeit befindet es sich im Nationalmuseum von Georgia – damit hat es eine neue Seite in der Weltmalerei aufgeschlagen – abstrakte Kunst, die Malerei zur Musik erhebt.

In der russischen Malerei des 20. Jahrhunderts waren die Hauptvertreter des Abstraktionismus Wassily Kandinsky (der den Übergang zu seinen abstrakten Kompositionen in Deutschland vollendete), Natalya Goncharova und Mikhail Larionov, der 1910-1912 den „Rauchismus“ begründete, der Schöpfer des Suprematismus als eine neue Art von Kreativität Kasimir Malewitsch, Autor von „Schwarzes Quadrat“ und Evgeny Michnov-Voitenko, dessen Werk sich unter anderem durch eine beispiellos breite Palette von Richtungen der in seinen Werken angewandten abstrakten Methode auszeichnet (einige davon, einschließlich des „Graffiti-Stils“, den der Künstler als erster nicht nur inländische, sondern auch ausländische Meister verwendete).

Eine mit dem Abstraktionismus verwandte Bewegung ist der Kubismus, der versucht, reale Objekte mit einer Vielzahl sich überschneidender Ebenen darzustellen und so das Bild bestimmter geradliniger Figuren zu schaffen, die die lebendige Natur reproduzieren. Zu den markantesten Beispielen des Kubismus zählen die frühen Werke von Pablo Picasso.

In den Jahren 1910–1915 begannen Maler in Russland, Westeuropa und den Vereinigten Staaten, abstrakte Kunstwerke zu schaffen; Zu den ersten Abstraktionisten zählen Wassily Kandinsky, Kasimir Malewitsch und Piet Mondrian. Als Geburtsjahr der gegenstandslosen Kunst gilt das Jahr 1910, als Kandinsky in Murnau seine erste abstrakte Komposition schrieb. Die ästhetischen Konzepte der ersten Abstraktionisten gingen davon aus, dass künstlerisches Schaffen die Gesetze des Universums widerspiegelt, die sich hinter den äußeren, oberflächlichen Phänomenen der Realität verbergen. Diese vom Künstler intuitiv erfassten Muster wurden durch die Beziehung abstrakter Formen (Farbflecken, Linien, Volumen, geometrische Figuren) in einem abstrakten Werk ausgedrückt. 1911 veröffentlichte Kandinsky in München sein mittlerweile berühmtes Buch „Über das Geistige in der Kunst“, in dem er über die Möglichkeit nachdachte, das innerlich Notwendige, das Geistige, im Gegensatz zum Äußeren, Zufälligen zu verkörpern. Die „logische Grundlage“ für Kandinskys Abstraktionen basierte auf dem Studium der theosophischen und anthroposophischen Werke von Helena Blavatsky und Rudolf Steiner. Im ästhetischen Konzept von Piet Mondrian waren die primären Formelemente die primären Gegensätze: Horizontal – Vertikal, Linie – Fläche, Farbe – Nichtfarbe. In der Theorie von Robert Delaunay wurde im Gegensatz zu den Konzepten von Kandinsky und Mondrian die idealistische Metaphysik abgelehnt; Die Hauptaufgabe des Abstraktionismus schien dem Künstler das Studium der dynamischen Qualitäten der Farbe und anderer Eigenschaften der künstlerischen Sprache zu sein (die von Delaunay begründete Richtung hieß Orphismus). Der Schöpfer des „Rayonismus“, Michail Larionow, beschrieb „die Emission von reflektiertem Licht; Farbstaub.“

Die in den frühen 1910er Jahren entstandene abstrakte Kunst entwickelte sich rasch und tauchte in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts in vielen Bereichen der Avantgarde-Kunst auf. Die Ideen des Abstraktionismus spiegeln sich im Werk der Expressionisten (Wassily Kandinsky, Paul Klee, Franz Marc), Kubisten (Fernand Léger), Dadaisten (Jean Arp), Surrealisten (Joan Miró), italienischen Futuristen (Gino Severini, Giacomo Balla,

Für mich ist der Stil des Abstraktionismus in erster Linie ein Widerstand gegen die Logik der Zivilisation. Die gesamte Zivilisationsgeschichte des letzten Jahrhunderts basiert auf Formeln, Algorithmen, Prinzipien, Gleichungen und Regeln. Es liegt jedoch in der Natur des Menschen, nach Gleichgewicht und Harmonie zu streben. In diesem Zusammenhang entsteht zu Beginn des Jahrhunderts der wissenschaftlich-technischen Revolution eine solche Kunstrichtung, die sich nicht an die klassischen Kanons der Zeichnung hält, sondern im Gegenteil dem Ziel dient, dem Unbewussten Freiheit zu geben und chaotisch, auf den ersten Blick bedeutungslos, aber dadurch einem Menschen die Möglichkeit geben, sich vom Einfluss von Normen und Dogmen zu befreien und die innere Harmonie aufrechtzuerhalten.

Abstraktionismus(vom lateinischen abstractus – entfernt, abstrakt) eine sehr breite Strömung in der Kunst des 20. Jahrhunderts, die in den frühen 1910er Jahren in mehreren europäischen Ländern entstand. Der Abstraktionismus zeichnet sich durch die Verwendung ausschließlich formaler Elemente zur Darstellung der Realität aus, wobei die Nachahmung oder genaue Darstellung der Realität kein Selbstzweck war.

Die Begründer der abstrakten Kunst sind russische Künstler sowie der Niederländer Piet Mondrian, der Franzose Robert Delaunay und der Tscheche Frantisek Kupka. Ihre zeichnerische Methode basierte auf dem Wunsch nach „Harmonisierung“, der Schaffung bestimmter Farbkombinationen und geometrischer Formen, um beim Betrachter unterschiedliche Assoziationen hervorzurufen.

Kubismus- eine Avantgarde-Bewegung in der bildenden Kunst, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts entstand und durch die Verwendung betont konventioneller geometrischer Formen und den Wunsch gekennzeichnet ist, reale Objekte in stereometrische Grundelemente zu „spalten“.

Regionalismus (Rayismus)- eine Richtung in der abstrakten Kunst der 1910er Jahre, die auf der Verschiebung von Lichtspektren und Lichtdurchlässigkeit basiert. Charakteristisch ist die Idee der Entstehung von Formen aus der „Schnittmenge reflektierter Strahlen verschiedener Objekte“, da der Mensch tatsächlich nicht das Objekt selbst wahrnimmt, sondern „die Summe der Strahlen, die von der Lichtquelle kommen und von ihr reflektiert werden“. das Objekt."

Neoplastizismus- Bezeichnung der Richtung der abstrakten Kunst, die zwischen 1917 und 1928 existierte. in Holland und vereinte Künstler, die sich um die Zeitschrift „De Stijl“ („Stil“) gruppierten. Charakteristisch sind klare rechteckige Formen in der Architektur und der abstrakten Malerei in der Anordnung großer rechteckiger Flächen, bemalt in den Grundfarben des Spektrums.

Orphismus- eine Richtung in der französischen Malerei der 1910er Jahre. Orphistische Künstler versuchten, die Dynamik der Bewegung und die Musikalität der Rhythmen mithilfe von „Regelmäßigkeiten“ der gegenseitigen Durchdringung der Grundfarben des Spektrums und der gegenseitigen Überschneidung gekrümmter Flächen auszudrücken.

Suprematismus- eine Bewegung der Avantgarde-Kunst, die in den 1910er Jahren gegründet wurde. Malewitsch. Es drückte sich in Kombinationen mehrfarbiger Flächen mit einfachsten geometrischen Formen aus. Die Kombination mehrfarbiger geometrischer Formen bildet ausgewogene asymmetrische suprematistische Kompositionen, die von innerer Bewegung durchdrungen sind.

Tachismus- eine Bewegung in der westeuropäischen abstrakten Kunst der 1950er-60er Jahre, die in den USA am weitesten verbreitet ist. Es ist das Malen mit Flecken, die keine Abbilder der Realität wiedergeben, sondern die unbewusste Aktivität des Künstlers zum Ausdruck bringen. Striche, Linien und Punkte im Tachismus werden mit schnellen Handbewegungen ohne einen vorher durchdachten Plan auf die Leinwand aufgetragen.

Abstrakter Expressionismus- die Bewegung von Künstlern, die schnell und auf großen Leinwänden malen, wobei sie nicht geometrische Striche und große Pinsel verwenden und manchmal Farbe auf die Leinwand tropfen lassen, um Emotionen vollständig zum Vorschein zu bringen. Dabei ist die ausdrucksstarke Malweise oft ebenso wichtig wie das Gemälde selbst.

Einer der Haupttrends in der Avantgarde-Kunst. Das Hauptprinzip der abstrakten Kunst ist die Weigerung, die sichtbare Realität nachzuahmen und im Entstehungsprozess eines Werkes mit ihren Elementen zu operieren. Das Kunstobjekt wird anstelle der Realitäten der umgebenden Welt zum Werkzeug künstlerischen Schaffens – Farbe, Linie, Form. Die Handlung wird durch eine plastische Idee ersetzt. Die Rolle des assoziativen Prinzips im künstlerischen Prozess nimmt um ein Vielfaches zu, und es wird auch möglich, die Gefühle und Stimmungen des Schöpfers in abstrakten, von der äußeren Hülle befreiten Bildern auszudrücken, die in der Lage sind, das spirituelle Prinzip von Phänomenen zu konzentrieren und seine Träger sein (theoretische Werke von V.V. Kandinsky).

Zufällige Elemente der Abstraktion lassen sich in der gesamten Weltkunst, beginnend mit den Felsmalereien, in ihrer gesamten Entwicklung erkennen. Der Ursprung dieses Stils ist jedoch in der Malerei der Impressionisten zu suchen, die versuchten, die Farbe in einzelne Elemente zu zerlegen. Der Fauvismus entwickelte diese Tendenz bewusst weiter, indem er die Farbe „offenlegte“, ihre Eigenständigkeit betonte und sie zum Gegenstand des Bildes machte. Von den Fauvisten kamen Franz Marc und Henri Matisse der Abstraktion am nächsten (seine Worte sind symptomatisch: „Alle Kunst ist abstrakt“), und die französischen Kubisten (insbesondere Albert Gleizes und Jean Metzinger) und die italienischen Futuristen (Giacomo Balla und Gino Severini) bin auch diesen Weg gegangen. . Aber keiner von ihnen war in der Lage oder willens, die bildliche Grenze zu überwinden. „Wir geben jedoch zu, dass einige Erinnerungen an bestehende Formen zumindest zum jetzigen Zeitpunkt nicht vollständig verbannt werden sollten“ (A. Glaize, J. Metzinger. Über den Kubismus. St. Petersburg, 1913. S. 14).

Die ersten abstrakten Werke erschienen in den späten 1900er und frühen 1910er Jahren in Kandinskys Werk, während er an dem Text „Über das Geistige in der Kunst“ arbeitete, und sein erstes abstraktes Gemälde gilt als sein „Malen mit einem Kreis“ (1911, NMG). Seine Begründung stammt aus dieser Zeit: „<...>Nur die Form ist richtig, die<...>materialisiert den Inhalt entsprechend. Allerlei Nebenbetrachtungen, darunter auch die Übereinstimmung der Form mit der sogenannten „Natur“, d.h. äußerer Natur, sind unbedeutend und schädlich, da sie von der einzigen Aufgabe der Form – der Verkörperung des Inhalts – ablenken. Form ist der materielle Ausdruck abstrakten Inhalts“ (Inhalt und Form. 1910 // Kandinsky 2001. T. 1. S.84).

Die abstrakte Kunst, vertreten durch Kandinsky, verabsolutierte schon früh die Farbe. Im praktischen und theoretischen Studium der Farbe entwickelte Kandinsky die Farbtheorie von Johann Wolfgang Goethe und legte den Grundstein für die Farbtheorie in der Malerei (unter den russischen Künstlern studierten M. V. Matyushin, G. G. Klutsis, I. V. Klyun und andere Farbtheorie). .

In Russland entstanden 1912–1915 abstrakte Malereisysteme des Rayonismus (M. F. Larionov, 1912) und des Suprematismus (K. S. Malevich, 1915), die die weitere Entwicklung der abstrakten Kunst maßgeblich bestimmten. Eine Annäherung an die abstrakte Kunst findet sich im Kubofuturismus und Alogismus. Ein Durchbruch zur Abstraktion gelang N.S. Goncharovas Gemälde „Leere“ (1914, Tretjakow-Galerie), doch dieses Thema wurde im Werk des Künstlers nicht weiterentwickelt. Ein weiterer nicht realisierter Aspekt der russischen Abstraktion ist die Farbmalerei von O. V. Rozanova (siehe: Nicht-gegenständliche Kunst).

In denselben Jahren gingen der Tscheche Frantisek Kupka, die Franzosen Robert Delaunay und Jacques Villon, der Niederländer Piet Mondrian sowie die Amerikaner Stanton MacDonald-Wright und Morgan Russell eigene Wege zur bildnerischen Abstraktion. Die ersten abstrakten Raumstrukturen waren Gegenreliefs von V.E. Tatlin (1914).

Die Ablehnung des Isomorphismus und die Berufung auf das spirituelle Prinzip gaben Anlass, abstrakte Kunst mit Theosophie, Anthroposophie und sogar dem Okkultismus in Verbindung zu bringen. Aber die Künstler selbst äußerten solche Ideen in den ersten Phasen der Entwicklung der abstrakten Kunst nicht.

Nach dem Ersten Weltkrieg erlangte die abstrakte Malerei in Europa allmählich eine dominierende Stellung und wurde zu einer universellen künstlerischen Ideologie. Dabei handelt es sich um eine kraftvolle künstlerische Bewegung, die in ihren Bestrebungen weit über den Rahmen bildnerischer und plastischer Aufgaben hinausgeht und die Fähigkeit unter Beweis stellt, ästhetische und philosophische Systeme zu schaffen und gesellschaftliche Probleme zu lösen (zum Beispiel Malewitschs „Suprematistische Stadt“ auf der Grundlage der Lebensprinzipien). -Gebäude). In den 1920er Jahren entstanden auf Grundlage seiner Ideologie Forschungsinstitute wie das Bauhaus oder Gienkhuk. Auch der Konstruktivismus ist aus der Abstraktion hervorgegangen.

Die russische Version der Abstraktion wird als gegenstandslose Kunst bezeichnet.

Viele Prinzipien und Techniken der abstrakten Kunst, die im 20. Jahrhundert zu Klassikern wurden, werden häufig in den Bereichen Design, Theater- und Kunstgewerbe, Kino, Fernsehen und Computergrafik eingesetzt.

Das Konzept der abstrakten Kunst hat sich im Laufe der Zeit verändert. Bis in die 1910er Jahre wurde dieser Begriff im Zusammenhang mit der Malerei verwendet, wo Formen verallgemeinert und vereinfacht dargestellt wurden, d. h. „abstrakt“ im Vergleich zu einer detaillierteren oder naturalistischeren Darstellung. In diesem Sinne wurde der Begriff hauptsächlich für dekorative Künste oder für Kompositionen mit abgeflachten Formen verwendet.

Doch seit den 1910er-Jahren werden mit „abstrakt“ Werke bezeichnet, bei denen eine Form oder Komposition aus einem solchen Blickwinkel dargestellt wird, dass sich das ursprüngliche Thema fast bis zur Unkenntlichkeit verändert. Am häufigsten bezeichnet dieser Begriff einen Kunststil, der ausschließlich auf der Anordnung visueller Elemente – Form, Farbe, Struktur – basiert, wobei es überhaupt nicht notwendig ist, dass sie ein initiierendes Bild in der materiellen Welt haben.

Der Bedeutungsbegriff in der abstrakten Kunst (sowohl in seiner frühen als auch in seiner späteren Bedeutung) ist ein komplexes Thema, das ständig diskutiert wird. Abstrakte Formen können sich auch auf nicht-visuelle Phänomene wie Liebe, Geschwindigkeit oder die Gesetze der Physik beziehen und mit einer abgeleiteten Entität („Essentialismus“), mit dem Imaginären oder einer anderen Art der Trennung vom Detaillierten, Detaillierten und Unwesentlichen, Zufälligen in Verbindung gebracht werden. Trotz des Fehlens eines repräsentativen Themas kann ein abstraktes Werk einen enormen Ausdruck ansammeln, und semantisch reiche Elemente wie Rhythmus, Wiederholung und Farbsymbolik weisen auf eine Beteiligung an bestimmten Ideen oder Ereignissen außerhalb des Bildes selbst hin.

Literatur:
M. Seuphor. Die abstrakte Kunst, ihre Ursprünge, ihre Premiers Maîtres. Paris, 1949;
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C. Block. Geschichte der abstrakten Kunst. 1900–1960. Köln, 1975;
M. Schapiro. Natur der abstrakten Kunst (1937) // M. Schapiro. Moderne Kunst. Ausgewählte Artikel. New York, 1978;
Auf dem Weg zu einer neuen Kunst: Essays zum Hintergrund der abstrakten Malerei 1910–1920. Ed. M. Compton. London, 1980;
Das Spirituelle in der Kunst. Abstrakte Malerei 1890–1985. Kunstmuseum des Los Angeles County. 1986/1987;
Text von M. Tuchman; B. Altschuler. Die Avantgarde in der Ausstellung. Neue Kunst im 20. Jahrhundert. New York, 1994;
Abstraktion in Russland. 20. Jahrhundert. T. 1–2. Staatliches Russisches Museum [Katalog] St. Petersburg, 2001;
Sinnlosigkeit und Abstraktion. Sa. Artikel. Rep. Hrsg. G. F. Kovalenko. M., 2011;

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