Sii bop nel jazz. Stile Jazz: Bebop

Verso la metà degli anni '30, sull'onda della popolarità, il mondo del jazz subì una "crisi creativa", che raggiunse il culmine tra la fine del decennio e l'inizio degli anni '40. Fu allora che venne in soccorso un nuovo stile: il bebop.

Prerequisiti per l'aspetto

Charlie Parker e Dizzy Gillespie sono considerati i padri fondatori del bebop.

La popolarità del jazz tradizionale ha portato alla diffusione di gruppi musicali della classe media che eseguono jazz esclusivamente allo scopo di guadagnare denaro, senza aspirazioni creative, utilizzando standard e schemi musicali nella loro pratica.

Questa tendenza era estremamente spiacevole per i musicisti che mettevano il processo creativo a capo del loro lavoro, il desiderio di creare qualcosa di nuovo e non segnare il tempo.

Fu su questo terreno fertile che un gruppo di musicisti virtuosi presentò al mondo un nuovo nome per il movimento musicale nell'oceano "Jazz".

Bebop si basa su improvvisazioni veloci e complesse.

Il nuovo nome dello stile musicale, come si crede comunemente, è apparso grazie a chi ha canticchiato le melodie in quinte blues - intervalli caratteristici del bop. Sembravano simili a Hey! Ba-Ba-Re-Bop.

Troppo veloce per ballare

Thelonious Monk, Howard McGee, Roy Eldridge, Teddy Hill, 1947

Grazie agli sforzi di eminenti musicisti newyorkesi, Max Roach, Dizzy Gillespie, Bud Powell, è stato presentato al mondo un nuovo stile di musica jazz, il bebop.

Basato su una profonda improvvisazione di armonie musicali e ritmo sincopato, è spesso gonfiato ritmicamente alla massima velocità del suono.

Questo approccio ha scioccato l'ascoltatore medio. All'inizio il pubblico non ha parlato in modo molto lusinghiero di una simile innovazione, definendola tagliente e troppo veloce, togliendo la sua musica preferita dal solito ritmo di danza.

Anche la comunità musicale era diffidente nei confronti della nuova tendenza. Ma presto ha cambiato idea e ha apprezzato l'ornamento delle improvvisazioni e i nuovi orizzonti creativi che sono emersi.

La base del nuovo stile erano improvvisazioni veloci e complesse basate sulle armonie, che lo distinguevano fondamentalmente dall'aspetto jazz tradizionale, basato sulla monumentalità della melodia.

Dalle masse all'élite

Concerto di Thelonious Monk

La complessità della costante improvvisazione incorporata in uno schema ritmico non meno complesso ha recintato il nuovo stile dall'afflusso di non professionisti e ha portato libertà per la creatività e lo sviluppo a una ristretta cerchia di virtuosi.

La pratica ha dimostrato che il bebop è l'ideale per piccoli gruppi: un quartetto o un quintetto. Ciò ha permesso ai musicisti di esibirsi in piccoli gruppi, che all'epoca era molto più economico.

Dalle grandi sale, i musicisti si sono trasferiti in piccoli bar suggestivi e piccoli saloni di musica, dove potevano riunirsi compagnie amichevoli di intenditori esclusivamente di improvvisazioni complesse e creatività progressiva, guadagnando popolarità. La diffusione del bebop ha portato alla trasformazione del jazz in un movimento puramente intellettuale.

Bebop, bebop, bop (inglese bebop) - uno stile jazz sviluppatosi all'inizio della metà degli anni '40 del XX secolo ed è caratterizzato da un ritmo veloce e complesse improvvisazioni basate sull'esecuzione di armonie e ... Leggi tutto Bebop, bebop, bop (eng. bebop) - uno stile jazz sviluppatosi all'inizio della metà degli anni '40 del XX secolo ed è caratterizzato da un ritmo veloce e complesse improvvisazioni basate sull'esecuzione dell'armonia, non della melodia. Il bebop ha rivoluzionato il jazz, i boppers hanno creato nuove idee su cosa sia la musica. I fondatori del bebop furono: il sassofonista Charlie Parker, il trombettista Dizzy Gillespie, i pianisti Bud Powell e Thelonious Monk, il batterista Max Roach. La fase bebop è stata un significativo spostamento dell'enfasi nel jazz dalla musica dance basata sulla melodia alla "musica da musicista" più basata sul ritmo e meno popolare. I musicisti bop preferivano improvvisazioni complesse basate su accordi strimpellati invece che su melodie. Bop era veloce, acuto, era "duro con l'ascoltatore". Storia All'inizio degli anni '40, molti musicisti creativi iniziarono a sentire acutamente la stagnazione nello sviluppo del jazz, che sorse a causa dell'emergere di un numero enorme di orchestre dance-jazz alla moda. Non si sono sforzati di esprimere il vero spirito del jazz, ma hanno utilizzato preparazioni e tecniche replicate delle migliori band. Un tentativo di uscire dall'impasse è stato fatto da giovani musicisti, principalmente newyorkesi, tra cui il sassofonista contralto Charlie Parker, il trombettista Dizzy Gillespie, il batterista Kenny Clarke, il pianista Thelonious Monk. A poco a poco, nei loro esperimenti, iniziò ad emergere un nuovo stile, che ricevette il nome "bebop" o semplicemente "bop" con la mano leggera di Gillespie. Secondo la sua leggenda, questo nome si è formato come una combinazione di sillabe con cui canticchiava l'intervallo musicale caratteristico del bop: la quinta blues, che appariva nel bop oltre alle terze e alle settime blues. La principale differenza del nuovo stile era il complicato e costruito su altri principi di armonia. Il ritmo super veloce della performance è stato introdotto da Parker e Gillespie per tenere fuori i non professionisti dalle loro nuove improvvisazioni. La complessità della costruzione di frasi rispetto allo swing risiede principalmente nel ritmo iniziale. Una frase improvvisata in bebop potrebbe iniziare su un tempo sincopato, forse su un secondo tempo; spesso la frase suonata su un tema o griglia armonica già nota (Antropologia). Tra le altre cose, un comportamento scioccante è diventato un segno distintivo di tutti i bebopiti. La tromba ricurva "Dizzy" di Gillespie, il comportamento di Parker e Gillespie, i cappelli ridicoli di Monk, ecc. La rivoluzione operata dal bebop si è rivelata ricca di conseguenze. In una fase iniziale del loro lavoro, i boper erano considerati: Erroll Garner, Oscar Peterson, Ray Brown, George Shearing e molti altri. Dei fondatori del bebop, solo il destino di Dizzy Gillespie ha avuto successo. Ha continuato i suoi esperimenti, ha fondato lo stile cubano, ha reso popolare il jazz latino, ha aperto il mondo alle star del jazz latinoamericano: Arturo Sandoval, Paquito DeRivero, Chucho Valdes e molti altri. Riconoscendo il bebop come musica che richiedeva virtuosismo strumentale e conoscenza di armonie complesse, gli strumentisti jazz guadagnarono rapidamente popolarità. Hanno composto melodie che zigzagavano e ruotavano secondo cambi di accordi di maggiore complessità. I solisti nelle loro improvvisazioni usavano note dissonanti nella tonalità, creando musica più esotica con un suono più acuto. Il fascino della sincope ha portato ad accenti senza precedenti. Il bebop era più adatto a suonare in un formato di piccoli gruppi come quartetto e quintetto, che si rivelarono ideali sia per ragioni economiche che artistiche. La musica fiorì nei jazz club urbani, dove il pubblico veniva ad ascoltare solisti fantasiosi piuttosto che ballare i loro successi preferiti. In breve, i musicisti bebop stavano trasformando il jazz in una forma d'arte che forse attirava un po' più l'intelletto che i sensi. Con l'era del bebop arrivarono nuove star del jazz, tra cui i trombettisti Clifford Brown, Freddie Hubbard e Miles Davis, i sassofonisti Dexter Gordon, Art Pepper, Johnny Griffin, Pepper Adams, Sonny Stitt e John Coltrane e il trombonista JJ Johnson. Negli anni '50 e '60, il bebop ha subito diverse mutazioni, tra cui hard bop, cool jazz e soul jazz. Il formato di un piccolo gruppo musicale (combo), solitamente composto da uno o più (di solito non più di tre) strumenti a fiato, pianoforte, contrabbasso e batteria, rimane oggi la formazione jazz standard. Crollo

Bebop (bebop o semplicemente bop) è uno stile di musica jazz originario della prima metà degli anni '40 del secolo scorso. La caratteristica principale sono le complesse improvvisazioni e il tempo veloce, che battono l'armonia, non la melodia. Per i primi ascoltatori era troppo veloce, acuto e persino "crudele".

Artisti

All'inizio degli anni '40 del secolo scorso, nella musica jazz apparve uno stile che differiva da quello tradizionale per la sua esecuzione veloce e le complesse improvvisazioni. Si chiamava bebop e divenne una vera e propria rivoluzione nel mondo del jazz. Boppers ha reinterpretato il significato stesso della musica, giocando con l'armonia piuttosto che con la melodia. I fondatori dello stile furono Dizzy Gillespie (tromba), Charlie Parker (sassofono) e Bud Powell (tastiere), Max Roach (batteria). Hanno eseguito "musica per musicisti" basata sul ritmo, allontanandosi dallo stile di danza, che era basato sulla melodia. Gli ascoltatori non hanno apprezzato subito le complesse improvvisazioni, hanno detto che la nuova direzione era troppo brusca e veloce, anche "crudele".

La principale differenza tra il bop e il jazz tradizionale era una complessa armonia costruita su principi diversi. Parker e Gillespie hanno introdotto un tempo ultraveloce, impedendo così la comparsa di non professionisti tra i bopper. L'improvvisazione bebop è iniziata con un sincopato o secondo tempo, spesso giocando con una griglia armonica o un tema già noto. Questo stile era ideale per suonare in un piccolo gruppo, come un quartetto e un quintetto. Il bop divenne popolare nei jazz club urbani, dove il pubblico veniva ad ascoltare famosi jazzisti piuttosto che ballare. I musicisti hanno gradualmente trasformato il bop jazz in una forma intellettuale, allontanandolo dalle sue origini: i sentimenti.

Un'altra notevole differenza è stata il comportamento oltraggioso dei musicisti della nuova direzione. Finora sono rimasti simboli del bebop: i cappelli di Monk, la tromba ricurva di Gillespie, le buffonate di Parker. Il bop era ricco di talento e rivoluzione. Dizzy Gillespie ha continuato i suoi esperimenti e ha fondato la direzione dell'Afro-cube, ha reso popolare il jazz latino e ha rivelato al mondo molte star di questo stile.

Con questa pubblicazione, il sito apre una serie di materiali sugli album più "introduttivi" dei principali stili jazz. Parlando di bebop, devo subito avvisarti: per mezzo secolo è stata considerata una musica seria e intellettuale. In parole povere, il bebop è uno stile che ha avuto origine quando il jazz ha cessato di essere il pop del suo tempo ed è diventato musica per la comprensione: Jack Kerouac e altri giovani intellettuali lo ammiravano. Fu allora, infatti, che l'immagine della musica intellettuale fu definitivamente legata al jazz.

L'Enciclopedia della musica di Grove descrive il bebop (o semplicemente bop) come "uno stile jazz che ha avuto origine a New York all'inizio degli anni '40". "... l'enfasi nel bebop è sull'improvvisazione di melodie a un ritmo veloce, con una struttura della frase asimmetrica e una distribuzione irregolare degli accenti." In poche parole: quando la sezione ritmica suona velocemente e il solista suona a scatti, come se stesse trasformando l'assolo in una spirale, allora questo è bebop. E sì, qui è importante che il bop fosse suonato da piccoli ensemble: un trio, un quartetto, un quintetto, molto raramente un sestetto. Ciò era dovuto a considerazioni economiche: non era più redditizio portare una big band. Ma è nato il fenomeno del "combo" jazz, che si è rivelato essere come un nucleo atomico: di piccole dimensioni l'energia è infinita. Il jazz infatti risente ancora dell'onda d'urto dell'esplosione del bebop, e l'emivita non è nemmeno prevista.

Grove nomina Dizzy Gillespie come il fondatore dello stile, e "tra i principali maestri" cita Thelonious Monk, Charlie Parker e Coleman Hawkins. Dimenticato, forse, solo Oscar Pettiford.

Charlie Parker, Dizzy Gillespie "Bird&Diz"

Sebbene questo album sia stato pubblicato con i nomi di Dizzy Gillespie e Charlie Parker (rispettivamente tromba e sassofono contralto) e nel titolo - i loro soprannomi, ma qui suonano anche altri luminari. I batteristi Buddy Rich (sì, lo stesso idolo dell'eroe del film "Obsession") e Max Roach, Thelonious Monk e il futuro trombettista hard bop Kenny Dorham. Insieme, Parker e Gillespie (il suo vero nome era semplicemente John, Dizzy è un soprannome che significa "vertigini") si sono esibiti più di una o due volte. Erano legati dall'amicizia e dalla partecipazione a vari progetti anche in gioventù - generalmente provengono dallo stesso nido. Ma questi sono tutti i dettagli, l'importante è che puoi ascoltare quasi tutti i loro album dal vivo. Fortunatamente, siamo riusciti a registrarne diversi, e anche con le composizioni più forti nello stile di "Who's Who in Bebop".

Bird&Diz esiste in diverse versioni con diverse copertine. Negli anni '90, hanno iniziato a pubblicare su CD solo tutte le riprese (una decina di secondi!) e gli outtakes realizzati durante quella sessione. Melodie eccellenti, improvvisazioni calde e persino un franco "traballo" (come le suddette riprese incasinate) - e questo è interessante.

Charlie Parker

Di recente, un lettore, nei commenti al mio materiale sui brani da cui ci si può innamorare del jazz, si è lamentato, dicono, che il jazz è buona musica, ma è così vecchio che molto viene registrato su rulli di cera - è impossibile ascoltare A. Charlie Parker non registrava più sui rulli, ovviamente, ma, ahimè, c'è un problema con le registrazioni, lo ammetto. Quindi è meglio sintonizzarsi immediatamente sui fruscii con squittii e ascoltare il primo Parker. Una raccolta di dischi per le etichette Savoy e Dail, ovviamente, non per test di fascia alta.

Ma qui c'è, in primo luogo, tutta quella spinta e libertà per cui "Bird" Parker è diventato famoso, e in secondo luogo, l'atmosfera di un vero bebop. E in terzo luogo, il suono di una meravigliosa viola e una specie di fraseggio di Parker non sono scomparsi comunque, e questa è la cosa principale. Bene, il materiale, ovviamente: anche il francamente pop "I'll Always Love You" con la voce. Tutto è così magistrale ed elegante che diventa chiaro perché in quegli anni tutti i giovani avanzati come i beatnik e Kerouac impazzissero per il sax di Parker. Questo è il trip-hop degli anni Quaranta, non importa cosa!

Thelonious Monk "Angoli brillanti"

Nell'era dei negozi di dischi, questo album dalla copertina divertente si trovava facilmente sullo scaffale di "Jazz", con la lettera "M". "Brilliant Corners" di Thelonious Monk è stato ristampato un centinaio di volte, inclusa la SACD. Non ho ascoltato questo mezzo, ma dicono che il suono panoramico aggiunga poco alla grande musica.

L'album pubblicato dall'etichetta Riverside nel 1956 è davvero eccezionale. Ancora una volta, un supergruppo suona qui: Sonny Rollins, i bassisti Paul Chambers e Oscar Pettiford, il batterista Max Roach ...

Questo, ovviamente, è già tardo bop, che si trasforma in hard bop e non vede l'ora di arrivare all'avanguardia. Ma Monk è generalmente da solo, a differenza di chiunque altro, un compositore con un pensiero armonico originale. "Musica da zombie", lo chiamava sdegnosamente la pianista Mary Lou Williams. E si è rivelato giusto: Thelonious Monk (1917 - 1982) è ancora più vivo di tutti i vivi.

Coleman Hawkins "Il falco vola alto"

Chiedi a una persona della strada qual è il principale strumento jazz e la risposta sarà la stessa: il sassofono. E chi ha reso il sassofono il principale strumento jazz? Coleman Hawkins. Beh, praticamente. Hawkins, con il suo suono ampio e grintoso e le note a cascata, è uno dei padri del bop. Cioè, in teoria, devi ascoltare tutto da lui. Ma per evitare lamentele sul disco, consigliamo l'album del 1957 The Hawk Flies High.

Anche qui c'è una formazione potente: Pettiford, Joe Jones alla batteria, JJ Johnson al trombone, Hank Jones al piano. Pezzi eccezionalmente luminosi suonati con grinta. Ci sono arrangiamenti strani e divertenti: "Juicy Fruit" combina il pianoforte minimalista di Jones con l'infinita nota di tromba di Idris Suleiman. Respiro a catena o solo magia? E così - ovunque!

Circolo del vincitore di Oscar Pettiford

Un vero indiano... Beh, hai capito. Uno dei primi bopper, Oscar Pettiford, era proprio un indiano: pelle scura di suo padre, che era per metà Cherokee e per metà africano. Pettiford visse solo 37 anni e morì in Europa a causa di un terribile virus, ma prima aveva suonato in molti degli album chiave del bop, iniziando a ribollire nella scena bop già nel 1943. Un bassista di culto che ha inventato il proprio stile di suonare, un bandleader scaltro che ha rivelato al mondo il talento del grande Cannonball Adderley. "Non mi piaceva come gli altri suonavano il contrabbasso", avrebbe detto. Fu anche il primo a suonare jazz al violoncello, e iniziò letteralmente per gioco.

Pettiford, come Charlie Mingus, è uno dei contrabbassisti-leader-compositori più prolifici del jazz: in senso stretto, in termini di influenza, non c'è nessuno da mettere accanto a questi due (i bassisti di solito sono ai margini) . Ascoltiamo la grande formazione dell'album Winner's Circle, pubblicato nel 1957 dall'etichetta Bethlehem: Donald Byrd, John Coltrane, Kenny Burrell, Philly Joe Jones e altri: una squadra da sogno!

Bud Powell, L'incredibile Bud Powell, vol. 1"

E infine, il pianista principale del bebop è Bud Powell. Il padre spirituale di tutti i successivi virtuosi del jazz, da Bill Evans a Chick Corea e così via. Powell ha avuto un destino difficile: ha sofferto a lungo di un disturbo mentale acuto, trascorrendo mesi in ospedale (e bisogna capire che tipo di psichiatria fosse mezzo secolo fa - il musicista è stato persino curato con scosse elettriche), è morto presto . Di conseguenza, non tutte le sue registrazioni sono ugualmente buone, ma ci sono diversi capolavori.

Uno di loro, registrato su Blue Note alla fine degli anni '40, in gioventù - “The Amazing Bud Powell, vol. 1" (ci sono altri due "volumi" con sessioni successive). Ecco due versioni del successo di Powell dal triste titolo spagnolo "Un Poco Loco" (Slightly Crazy). Abbiamo chiesto a un pianista, compositore, batterista Yakov Okun di commentare questo: “Questo pezzo è stato registrato in due riprese. Nel primo, la sua improvvisazione è sorprendente, e il secondo è più armonioso in termini di forma. Nello stesso album - una versione dello standard "It Could Happened To You", toccante, come sotto Art Tatum - incredibile!

Kirill Moshkov. L'industria del jazz in America. XXI secolo"
Il pianeta della musica, 2013
Copertina rigida, 512 pagine.

La seconda edizione ampliata dello studio senza pari al mondo sul settore jazz dell'industria musicale americana, che nel periodo 1998-2012. realizzato dal caporedattore di "Jazz.Ru" Kirill Moshkov. Il libro è costruito su quasi cinquanta interviste con i principali produttori americani, capi di festival e club, insegnanti e leader di college jazz, ingegneri del suono, ricercatori jazz, capi di stazioni radio jazz e altri pilastri dell'industria del jazz.

Bop

All'inizio degli anni '40, molti musicisti creativi iniziarono a sentire acutamente la stagnazione nello sviluppo del jazz, che sorse a causa dell'emergere di un numero enorme di orchestre dance-jazz alla moda. Non si sono sforzati di esprimere il vero spirito del jazz, ma hanno utilizzato preparazioni e tecniche replicate delle migliori band. Un tentativo di uscire dall'impasse è stato fatto da giovani musicisti, principalmente newyorkesi, tra cui il sassofonista contralto Charlie Parker, il trombettista Dizzy Gillespie, il batterista Kenny Clarke, il pianista Thelonious Monk. A poco a poco, nei loro esperimenti, iniziò ad emergere un nuovo stile, che ricevette il nome "bebop" o semplicemente "bop" con la mano leggera di Gillespie. Secondo la sua leggenda, questo nome si è formato come una combinazione di sillabe con cui canticchiava l'intervallo musicale caratteristico del bop: la quinta blues, che appariva nel bop oltre alle terze e alle settime blues.

ASCOLTARE: Dizzy Gillespie e Charlie Parker - "KoKo" (1945)
Gillespie assoli alla tromba e accompagna al pianoforte durante l'assolo di Parker al sassofono contralto. Contrabbasso: Curley Russell, batteria: Max Roach. --Ed.

Il nuovo stile che è emerso in contrasto con lo "swing" commerciale non è venuto fuori dal nulla, ovviamente. La sua nascita è stata preparata dalla creatività dei musicisti dell'era swing, che si sono avvicinati maggiormente al confine degli stili. Tra loro ci sono il sassofonista Lester Young, il trombettista Roy Eldridge, il chitarrista Charlie Christian, il bassista Jimmy Blanton (Jimmy Blanton). Il nuovo stile è stato sviluppato alla Minton Play House, dove i musicisti venivano a suonare a tarda notte dopo il lavoro, e in altri club nella zona della 52nd Street a New York all'inizio degli anni '40.
All'inizio, la musica degli ascoltatori scioccati boper cresciuti nelle tradizioni dello swing, la loro musica è stata ridicolizzata dalla critica, i dischi non sono stati pubblicati dalle case discografiche. La ribellione della gioventù musicale era legata non solo alla protesta contro la dolce morbidezza della musica swing, ma anche contro l'esaltazione delle caratteristiche del vecchio jazz tradizionale, che percepivano come un pezzo da museo generato dagli "intrattenitori negri" di la vecchia formazione, che non aveva prospettive di sviluppo. Questi musicisti hanno capito che l'essenza del jazz è molto più ampia, e un ritorno al sistema radicale dell'improvvisazione del jazz non significa un ritorno a una stilistica ormai lontana.

ASCOLTARE: Charlie Parker "Mi ricordo di te" 1953
Charlie Parker - sassofono contralto, Al Haig - pianoforte, Percy Heath - contrabbasso, Max Roach - batteria

In alternativa, il boper ha offerto un linguaggio volutamente complicato di improvvisazione, tempi veloci, distruzione delle connessioni funzionali consolidate dei musicisti d'insieme. Un ensemble bebop di solito includeva una sezione ritmica e due o tre strumenti a fiato. Il tema dell'improvvisazione era spesso una melodia di origine tradizionale, ma modificata a tal punto che le veniva dato un nuovo nome. Tuttavia, gli stessi musicisti erano spesso autori di temi originali. Dopo che il tema è stato tenuto all'unisono da strumenti a fiato, i membri dell'ensemble hanno improvvisato successivamente. Alla fine della composizione riappare la tenuta all'unisono del tema.

ASCOLTA: Charlie Parker e Dizzy Gillespie - registrazione di una trasmissione radiofonica dal Birdland Club: "Anthropology" (marzo 1951)
Bud Powell - pianoforte, Tommy Potter - contrabbasso, Roy Haynes - batteria. Alla fine si sente un commento entusiasta: questo è il leggendario conduttore di programmi e trasmissioni jazz degli anni Quaranta e Cinquanta. Sidney Thorin-Tarnopol, noto come "Sinfonia-Sid", Sinfonia Sid. --Ed.

Nel processo di improvvisazione, i musicisti hanno utilizzato attivamente nuovi schemi ritmici, turni melodici non accettati nello swing, inclusi salti e pause aumentati e un linguaggio armonico complicato. Il fraseggio nell'improvvisazione differiva nettamente dagli idiomi swing consolidati. Il finale e l'inizio dell'assolo non erano finiti nel solito senso della parola. A volte l'assolo finiva nel modo più imprevedibile. Cambiamenti significativi sono avvenuti anche nella sezione ritmica. La dipendenza dal grande tamburo che esisteva nello swing scomparve e la base ritmica nel bop giaceva sui piatti. Il grande tamburo iniziò ad essere utilizzato, in sostanza, in una trama improvvisativa, enfatizzando le singole note. Ai musicisti della vecchia scuola sembrava che il batterista, invece di creare il ritmo di base, lo confondesse solo con i suoi accenti e inserti irregolari. In ogni caso, la funzione danzante della nuova musica era del tutto esclusa.
I primi record di boper sono solo nel 1944. Tra i primi c'erano Dizzy Gillespie, Charlie Parker, il trombettista Benny Harris (Benny Harris), e già alla fine del 1944 Dizzy fu definita una "nuova stella". Nel 1945 entra in scena un giovanissimo trombettista Miles Davis.

ASCOLTA: Charlie Parker e Miles Davis - "Suite Yardbird" (1946)
Dodo Marmarosa (piano), Arvin Harrison (chitarra), Vic Macmillan (contrabbasso), Roy Porter (batteria). Registrato a Los Angeles.
La marcia di Bop è stata rapida e ha sviluppato un pubblico ampio e stabile. Proprio come in altri casi, l'apparizione della nuova musica è accompagnata dalla moda con l'armamentario appropriato: gli occhiali scuri di Monk, la barba di Gillespie, i berretti neri e l'equanimità esteriore.
Non tutti i musicisti del nuovo stile si sono trovati nel suo canale standard. Ad esempio, possiamo ricordare uno dei veterani e persino i fondatori del bop, il pianista Thelonious Monk, che aveva tratti stilistici completamente individuali che non rientravano nel quadro dei classici del bop. Si pensa che queste caratteristiche siano dovute all'influenza di Art Tatum; tuttavia, Monk, a differenza di Tatum, raramente ha dimostrato la sua tecnica esecutiva. Il suo stile esecutivo è imprevedibile, laconico, predilige le dissonanze e costruisce con molta cura una forma minimale. Non è stato immediatamente accettato dal pubblico e dai colleghi, ma la sua musica ha svolto un ruolo significativo nello sviluppo degli stili successivi, dal cool al jazz modale.

ASCOLTARE: Thelonious Monk Quintet - "Round Midnight" (1947)
George Tatt - tromba, Sahib Shihab - sassofono contralto, Thelonious Monk - pianoforte, Bob Page - basso, Art Blakey - batteria
Un raro esempio per l'era bebop: in presenza di due strumenti a fiato, la prima voce del tema suona il pianoforte. --Ed.

Più tipico del bebop era il pianista Bud Powell. Le sue linee melodiche monofoniche gli hanno permesso di riprodurre e mantenere facilmente le frasi del sassofono di Parker. In effetti, si è preso la responsabilità di tradurre l'essenza del bebop in ottone per il pianoforte, che è servito come base per le successive generazioni di pianisti. Queste generazioni hanno prodotto grandi musicisti che non sono stati rivoluzionari, anzi, hanno integrato le conquiste dei loro predecessori e le hanno presentate al pubblico in modo comprensibile e attraente. Tali pianisti post-bop includono Erroll Garner, George Shearing, Oscar Peterson.

ASCOLTARE: Bud Powell - "Rimbalzando con Bud" (1949)
Sonny Rollins - sassofono tenore, Fats Navarro - tromba, Bud Powell - pianoforte, Tommy Potter - contrabbasso, Roy Haynes - batteria

Il bebop è stato il primo stile del jazz moderno a lasciare coraggiosamente il regno della musica popolare e fare un passo verso l'arte "pura". Ciò è stato facilitato dall'interesse dei bopper nel campo della musica accademica, che molti di loro hanno già imparato da soli in età adulta. La successiva scuola di apprendimento per il nuovo stile fu per molti boppers la Earl Hines Orchestra, che poi passò nelle mani di Billy Eckstine. Fu in esso che si formò la seconda linea di musicisti in stile bebop.
Il percorso della vecchia generazione di boppers, che iniziò nel Minton club nel 1941-42 e fece spazio nel mondo musicale alla musica non destinata all'intrattenimento, fu proseguito nella seconda metà degli anni '40 dalla successiva generazione di musicisti, di cui si sono distinti i trombettisti Miles Davis, Fats Navarro (" Fats "Navarro), il trombonista Jay Jay Johnson, i pianisti Bud Powell, Al Haig (Al Haig), John Lewis (John Lewis), Tad Dameron (Tad Dameron), il bassista Tommy Potter (Tommy Potter), il batterista Max Roach (Max Roach).
Registrazioni di Charlie Parker
Registrazioni Dizzy Gillespie
Registrazioni di Bud Powell
Registrazioni di Thelonious Monk

Freddo

Nel corso della storia del jazz c'è stato un costante cambio di palcoscenici, che nei loro mezzi espressivi gravitavano verso il lato più caldo (caldo) o più freddo (cool) del jazz. L'esplosione del bop alla fine degli anni Quaranta è sostituita da un nuovo periodo, che anche per nome corrispondeva esattamente al cambiamento di scenario accettato. In sostanza, lo stile cool (cool) corrispondeva solo formalmente al raffreddamento dell'energia musicale. Infatti, il mutamento dei mezzi espressivi attivi ha tradotto questa energia in nuove forme, è passata dallo stato di effetti esteriori a componenti essenziali, profonde. Nel bebop, la forma del fare musica si basava su improvvisazioni solistiche eseguite in condizioni ritmico-armoniche più complesse. La nuova generazione di musicisti della fine degli anni '40 era interessata a un approccio diverso basato sull'unità di arrangiamenti complessi e sulla possibile improvvisazione collettiva basata su di essi.

Fresco presto

Segni di cool possono essere trovati nello stile di gioco di Miles Davis già nel 1945, quando era un membro degli ensemble di Charlie Parker. L'incapacità di imitare il gioco nervoso e virtuosistico di Dizzy Gillespie ha portato alla ricerca del proprio linguaggio. Tendenze simili possono essere viste nel modo di suonare del giovane pianista John Lewis ("Parker's Mood" Charlie Parker), che si è trovato nell'orchestra di Dizzy Gillespie.Ricerche simili sono state fatte dal pianista Ted Dameron nei suoi arrangiamenti per orchestra e piccoli ensemble.Anche prima , il concetto freddo è stato realizzato nel sassofonista tenore solista "cool " Lester Young, che ha anticipato di dieci anni l'emergere di un nuovo stile.Le basi teoriche del cool sono state sviluppate dal pianista Lennie Tristano (Lennie Tristano), arrivato a New York nel 1946 e lì organizzò (nel 1951) la sua "New School Of Music". Lenny Tristano improvvisò con uno speciale livello di libertà, essendo molto inventivo nella costruzione di una linea melodica.

ASCOLTA: Lennie Tristano Sextet - Marionette (1949)
Lenny Tristano - pianoforte, Lee Konitz - sassofono contralto, Warne Marsh - sassofono tenore, Billy Bower - chitarra, Arnold Fishkin - contrabbasso, Denzil Best - batteria

Nella nuova musica l'attenzione si è concentrata sulla ricerca di nuovi mezzi espressivi nelle combinazioni di timbri, sull'equilibrio dei diversi strumenti, sulla natura del fraseggio, sull'unità del movimento generale del tessuto musicale. Sono stati coinvolti gli sviluppi della musica accademica nel campo dell'orchestrazione. Strumenti insoliti per il jazz tradizionale iniziarono ad essere introdotti nell'orchestra: corno, flauto, corni, tuba. Il numero di musicisti in tali ensemble è aumentato a 7-9 persone e tali combinazioni sono state chiamate combo (combinazione). La musica eseguita da questi ensemble chiaramente non era divertente, ma piuttosto di natura filarmonica. Prosegue così il processo di allontanamento del jazz dalla sfera della musica pop, dall'intrattenimento.
Uno dei primi ensemble di questo tipo fu un gruppo riunito sotto il nome di Miles Davis per registrare allo studio Capitol nel 1949. Comprendeva, oltre al leader stesso, il sassofonista contralto Lee Konitz, il sassofonista baritono Gerry Mulligan, il suonatore di tuba John Barber, il suonatore di corno Edison Collins, il trombonista Kai Winding), il pianista Al Haig, il bassista Joe Shulman e il batterista Max Roach. Il Capitol Ensemble ha realizzato registrazioni storiche con il titolo significativo "Birth Of The Cool". L'effetto essenziale della nuova musica apparteneva agli arrangiamenti speciali realizzati dai membri principali della formazione e, inoltre, dal pianista, arrangiatore e futuro bandleader Gil Evans, fortemente influenzato dagli impressionisti francesi.

ASCOLTA: Miles Davis - "Birth Of The Cool": Album Completo (1949-1954)
(come singolo album, tutte le registrazioni di questo nonet furono pubblicate solo nel 1954, e prima ancora furono pubblicate solo come "singoli" separati. - Ed.)

Negli anni '50, le composizioni dello stile cool si ridussero gradualmente a quartetti e quintetti e furono distribuite nella direzione di stili individuali pronunciati. L'arrangiatore ha continuato a svolgere un ruolo significativo in essi, i mezzi armonici sono stati migliorati e la polifonia ha iniziato ad essere ampiamente utilizzata. Lo swing, come qualità esecutiva, si esprimeva nella speciale facilità dell'improvvisazione, nella libertà di fare musica. Particolare attenzione è stata prestata al movimento facile e continuo. Il suono degli strumenti era caratterizzato da un suono chiaro senza l'uso di vibrazioni. Kula è caratterizzata da temi luminosi, l'uso di tasti rari. I principali musicisti del cool erano (ad eccezione dei membri della Miles Davis Orchestra) i sassofonisti Paul Desmond (Paul Desmond), Stan Getz (Stan Getz), i trombettisti Chet Baker (Chet Baker), Shorty Rodgers (Shorty Rodgers), il trombonista Bob Brookmeyer (Bob Brookmeyer), i pianisti Lenny Tristano, Dave Brubeck, i batteristi Joe Morello, Shelly Manne.
Registrazioni di Lester Young
Messaggi di Chet Baker
Registrazioni di Gerry Mulligan

costa ovest

Nelle prime fasi dello sviluppo dello stile cool, la maggior parte dei musicisti che vi hanno dato un contributo significativo ha lavorato sulla costa occidentale degli Stati Uniti. Fu lì che si formò la scuola creativa, che ricevette il nome di "West Coast" ("West Coast"), in contrasto con la direzione più ardente di New York ("East Coast"). Questo movimento ha rappresentato il passo successivo nello sviluppo del Kula. Molti musicisti della West Coast hanno lavorato nelle orchestre degli studi di Hollywood: il trombettista Shorty Rogers, il clarinettista e sassofonista Jimmy Giuffre, il batterista Shelley Mann e il sassofonista baritono Gerry Mulligan. Il razionalismo, l'intellettualità, l'influenza degli elementi musicali europei sono evidenti nella loro musica.
Uno dei rappresentanti caratteristici della direzione della West Coast, il pianista Dave Brubeck è arrivato al jazz con un solido background accademico, è stato allievo di Darius Milhaud (Darius Milhaud) e Arnold Schoenberg (Arnold Schonberg). Il quartetto che ha formato con il sassofonista Paul Desmond ha attirato l'attenzione del pubblico per molti anni. Il lavoro di Brubeck è caratterizzato dalla convergenza del pensiero improvvisativo jazz con gli sviluppi accademici europei. La sua innovazione risiedeva nel campo di tutti gli aspetti: armonia, melodia, ritmo, forma. Il suo lavoro compositivo continua il processo di improvvisazione ispirato alla composizione.

ASCOLTARE: Dave Brubeck - "Il duca" (1954)

La scuola "West Coast" ha dato origine a un'altra direzione pronunciata associata al lavoro del sassofonista baritono Gerry Mulligan. Anche all'inizio della sua carriera, i giovani istruiti erano attratti da uno strano miscuglio di pedanteria musicale e umorismo nelle esibizioni del musicista. La vera fama arrivò al sassofonista nel 1952, fu creato un quartetto senza pianoforte con il trombettista Chet Baker. Il supporto armonico in esso era fornito solo dal contrabbasso, e l'interazione degli strumenti a fiato nel quartetto era polifonica e colpita da una strana combinazione di timbri spenti. A poco a poco, il formato dell'ensemble è stato ampliato, gli arrangiamenti sono diventati più raffinati e sono stati stabiliti legami con la tradizione accademica.

ASCOLTA: Gerry Mulligan & Chet Baker - Festive Minor (1957)