Attraverso le sale del Museo Ateneum: i reperti più famosi e interessanti. Artisti finlandesi Uno storico dell'arte finlandese ha scoperto per caso un'opera perduta di Albert Edelfelt nelle collezioni di un museo regionale russo

Il maestoso edificio dell'Accademia delle arti adorna l'argine della Neva tra la 3a e la 4a linea dell'isola Vasilyevsky. È uno dei migliori monumenti dell'architettura classica.

Gli autori del progetto sono A.F. Kokorinov e J.B. Delamotte. L'Imperial "Accademia delle tre arti più nobili" ("Kolmen paataiteen akatemia") - pittura, scultura e architettura - fu fondata nel 1757 nell'era della regina Elisabetta. Per due secoli e mezzo della sua attività, l'Accademia ha allevato molte generazioni di maestri d'arte: pittori, scultori, architetti. Tra loro ci sono grandi artisti le cui opere sono presentate nei musei di San Pietroburgo, Mosca e molte capitali europee.

Architetti e scultori - i laureati dell'Accademia costruirono e decorarono molte città in Russia e all'estero. Molto è stato costruito da loro a San Pietroburgo. Le loro opere sono anche in Finlandia, perché per molti anni l'Accademia delle Arti è stata un luogo di comunicazione attiva tra l'arte russa e quella finlandese. I migliori artisti finlandesi hanno ricevuto il titolo di "Accademico di Belle Arti". Tra loro c'erano V.Runeberg, KG.Nystrem. Ma il primo, ovviamente, dovrebbe essere chiamato AZdelfelt.

Albert Edelfelt (Albert Gustaf Aristides Edelfelt, 1854-1905)

Il più grande maestro della pittura storica, del ritratto, del genere quotidiano. Il primo artista finlandese conosciuto all'estero. Albert "è nato vicino a Porvoo nella famiglia di un architetto. Ha studiato per due anni all'Università di Helsinki prima di decidere di dedicarsi alla pittura. Ha ricevuto la sua educazione artistica all'Accademia di Belle Arti di Anversa, e poi a Parigi alla Scuola di Belle Arti. una serie di dipinti su argomenti storici... Ma poi l'artista si rivolge a scene di genere della natura, in cui si manifestano vividamente il suo amore per la sua terra natale e l'interesse per la vita della gente comune... Questi sono dipinti: "Sul mare", "Ragazzi sull'acqua", "Donne di Ruokolahti", "Lavandaie", "Pescatori di isole lontane".

Nel 1881 A. Edelfelt visse e lavorò a lungo a San Pietroburgo, comunicando con artisti russi. Nel 1881, un giovane artista finlandese presentò il suo lavoro all'Accademia delle arti di San Pietroburgo. Ha avuto un grande successo: è stato eletto membro dell'Accademia delle arti di San Pietroburgo. A Tsarskoye Selo è stata organizzata per lui una mostra personale. Uno dei dipinti fu acquistato dalla famiglia imperiale. L'autore ha ricevuto nuovi ordini dalla famiglia reale, che gli hanno portato fama.

Durante il suo soggiorno a Tsarskoye Selo, l'artista fu presentato a Tsarevich Alexander e realizzò una serie di opere su suo ordine per il Palazzo Gatchina, in particolare una copia del dipinto "Sul mare", che, tra le altre sue opere, è custodito all'Eremo. Gli schizzi quotidiani di Edelfelt: "Buoni amici" e "Nella scuola materna" - furono acquisiti anche da Alessandro III. Questi dipinti avevano ripetizioni che si trovano in musei stranieri.

Il merito di Edelfelt è stata l'organizzazione di numerose mostre congiunte in Russia, grazie alle quali il pubblico russo ha conosciuto il lavoro di molti artisti finlandesi.

L'attività principale di Edelfelt può essere definita ritrattistica. Ha lavorato molto su commesse, in particolare la corte reale, realizzando ritratti ufficiali. Ma i migliori nei suoi ritratti sono: "Ritratto della madre dell'artista" (1883), "Louis Pasteur" (1885), "Ritratto di Larin Paraske" (1893), "Ritratto di Aino Akte" (1901).

Presentazioni ufficiali e contatti amichevoli a lungo termine.

Il primo artista finlandese ad esporre all'Accademia Imperiale delle Arti alla fine del XIX secolo fu il pittore Albert Edelfelt. Dopo un viaggio nell'Europa occidentale nel 1881, il giovane artista finlandese presentò il suo lavoro all'Accademia delle arti di San Pietroburgo. Ha avuto un grande successo: gli è stato conferito il titolo di accademico. A Tsarskoye Selo è stata organizzata per lui una mostra personale. Uno dei dipinti fu acquistato dalla famiglia imperiale.

L'autore ha ricevuto nuovi ordini dalla famiglia reale, che gli hanno portato fama. La vicinanza dell'artista alla famiglia imperiale ha contribuito alla popolarità della pittura finlandese in Russia. Grazie alla popolarità e all'autorità di A. Edelfelt in Russia, l'arte della Finlandia si è riflessa nelle mostre d'arte finlandesi-russe a San Pietroburgo e Mosca, a partire dalla mostra di Nizhny Novgorod nel 1882.

Artisti finlandesi nell'Hermitage

L'Hermitage ha sette dipinti di AEdelfelt e una serie di disegni. Oltre al citato dipinto "On the Sea", che nella prima versione si trova al Museo di Göteborg, va segnalata la composizione pittorica quotidiana "Good Friends" (1881), le cui ripetizioni si trovano a Göteborg e Helsinki. Vicino a lei nel carattere è il dipinto "In the Nursery" (1885), acquistato anche da Alessandro III per il Palazzo Gatchina. Una delle opere più democratiche di Edelfelt è il dipinto "Lavandaie" (1898, Hermitage), approvato dalla critica di Pietroburgo.

Il genere del ritratto, in cui AEdelfelt era particolarmente forte, è rappresentato nell'Hermitage da un ritratto della moglie dell'attore del Moscow Art Theatre M.V. Dyakovskaya-Gay-mouth. La collezione Hermitage contiene anche esempi delle abilità paesaggistiche dell'artista finlandese. Si tratta della tela "Veduta di Porvoo" (1898) e dell'acquaforte "Pino nella neve". Va detto che le opere di AEdelfelt sono conservate anche nel Museo di Kiev - il dipinto "Pescatori delle isole lontane" e nel Museo di Mosca. AS Pushkin: "Ritratto di Varvara Myatleva".

Inoltre, l'Hermitage ha dipinti di Juho Risanen, Eero Nelimark e Henry Erickson.

Artisti finlandesi all'Accademia delle arti di San Pietroburgo

L'architetto K. G. Nystrem (1856-1917) ha dato un grande contributo all'aspetto architettonico della capitale della Finlandia. Basti citare i lussuosi edifici della House of Estates, l'Archivio di Stato, che decorano i dintorni della Piazza del Senato. Si può ricordare l'ex dogana e magazzino di Katajanokka, il primo mercato coperto vicino a Kauppa-tori. Ma poche persone sanno che l'architetto KG.Nystrem ha lavorato anche a San Pietroburgo. Secondo il suo progetto, fu costruito l'edificio della clinica chirurgica dell'Istituto medico sul lato di Pietrogrado.

Nystrom era professore all'Accademia delle arti e ricevette il titolo di accademico di architettura.

L'artista J. Rissanen è definito uno dei talenti più originali, forti e profondamente nazionali della pittura finlandese del secolo scorso. Ha dipinto ritratti, dipinti di genere della vita popolare. Dopo aver studiato alla scuola di disegno di Helsinki, fu mandato a studiare all'Accademia delle arti di San Pietroburgo, dove seguì un corso sotto la guida di I.E. Repin nel 1897-98. Lo studio a San Pietroburgo, la comunicazione con artisti russi e l'intera atmosfera della vita creativa a San Pietroburgo, ribollente di passioni, hanno portato il lavoro dell'artista a un nuovo livello. Successivamente, ha lavorato fruttuosamente in Finlandia e all'estero per molti anni. Vale la pena raccontare di più sui suoi studi e sulla vita a San Pietroburgo.

Rissanen Juho (Julio Rissanen, 1873-1950)

Juho Rissanen è nato nelle vicinanze di Kuopio nella famiglia di un bracciante agricolo. Da bambino ha avuto difficoltà, a volte ha dovuto anche mendicare quando suo padre, un ubriacone, è morto (congelato). Nel 1896, Juho Rissanen entrò nella scuola centrale di arte e disegno industriale della Società Artistica Finlandese a Helsinki, poi a Turku.

Da bambino, Rudolf Koivu ha frequentato la scuola della chiesa parrocchiale di San Pietroburgo, dove ha imparato l'alfabetizzazione finlandese e russa. Fin dall'infanzia amava disegnare e attirare l'attenzione degli insegnanti a San Pietroburgo. Fu mandato a studiare, ma doveva guadagnarsi da vivere. E solo nel 1907 R. Koivu riuscì a continuare i suoi studi di pittura presso la scuola di disegno della Società finlandese degli amanti dell'arte.

Lì era uno studente di Huto Simberg, l'autore del famoso "Angelo ferito". H. Simberg ha ereditato dal suo insegnante Gallen-Kallela la fede nella fantasia e il potere mistico della natura. Rudolf Koivu ha poi studiato a Parigi nel 1914 e nel 1924 in Italia. Tornato in Finlandia, si unì al circolo di artisti "November Group", ma rimase fedele al modo realistico e dipinse i suoi paesaggi in uno stile di impressionismo sobrio e calmo. Molto più importante di un pittore, Koivu era un disegnatore e illustratore.

Mostrando un'immaginazione insolitamente vivace e vivida, ha illustrato dozzine di libri di fiabe, tra cui il finlandese Topelius "Leggere ai bambini", il tedesco - "I racconti dei fratelli Grimm", i racconti arabi "Le mille e una notte di Scheherez-dy", eccetera. Koivu si è divertito a illustrare giornali natalizi, calendari finlandesi e altre pubblicazioni, sviluppando se stesso, traendo chiaramente influenza principalmente dagli illustratori russi, uno stile raro, efficace, decorato con colori vivaci. Il suo senso dell'umorismo si manifesta oltre a immagini e disegni favolosi, nonché in caricature che hanno avuto successo con i suoi contemporanei. Sfortunatamente, dopo la sua morte nel 1947, uscì una raccolta (raccolta) dei suoi dipinti e disegni.

Shulman Carl Allan (Carl Allan Schulman, 1863-1937)

Un architetto, un uomo dai talenti brillanti e dal destino. Carl Allan ha ricevuto la sua formazione architettonica in Finlandia, essendo stato intriso delle idee innovative dei giovani modernisti finlandesi durante i suoi studi: E. Saari-nen, G. Giselius, A. Lindren. Era attratto dalle idee moderne. Non avendo ricevuto ordini a casa, il giovane architetto K.A. Shulman lavora all'estero: in Argentina, Germania, Olanda, Svezia.

Al ritorno in patria, ha avuto l'opportunità di costruire il resort Khallila sull'istmo della Carelia. Il successo di questo edificio ha attirato l'attenzione a San Pietroburgo. Nel 1901 era di fronte alla Chiesa dell'Icona della Madre di Dio di Vladimir. Al concorso hanno partecipato 88 architetti. Di conseguenza, il proprietario della casa, il barone von Besser, affidò la costruzione a Shulman. La casa in stile Liberty a sei piani adornava la piazza con il suo colore unico. I piani inferiori sono aperti da ampie aperture di finestre-vetrine.

E ai piani superiori c'è un'insolita galleria, al centro della quale si erge una torretta simile all'elmo di un eroe. I dettagli in pietra dell'edificio sono realizzati in pietra in vaso finlandese. Danno un motivo di ornamenti, caratteristico dell'Art Nouveau, raffigurante piante e animali. Sopra l'ingresso c'è lo stemma del proprietario, il barone von Besser. All'inizio del XX secolo, questa casa ospitava la reception dell'ufficio imperiale, nonché la "Casa dell'operosità femminile". Ora la casa su Vladimirskaya è in fase di ricostruzione. Farà parte del complesso commerciale Vladimirsky Passage.

La casa su Vladimirskaya è l'unico edificio a San Pietroburgo costruito da uno dei fondatori della scuola finlandese del modernismo settentrionale, che in seguito si diffuse nella capitale settentrionale.

Quindi è stato presentato e sviluppato dagli architetti di San Pietroburgo: Flidval, N.V. Vasiliev, A.F. Bubyr. Per quanto riguarda K. Shulman, ha lavorato per molti anni come architetto provinciale nella città di Vyborg, dove ha creato 10 edifici a più piani in stile nordico moderno. Inoltre, K.A. Shulman era una figura di spicco nell'Unione finlandese degli architetti, ha agito come musicista-direttore professionista. I gruppi corali sotto la sua guida si sono esibiti con successo a San Pietroburgo, in Finlandia e all'estero.

Gripenberg Odert Sebastian (Odert Sebastian Gripenberg, 1850-1939)

Gripenberg Odert Sebastian, architetto; Nato a Kurkijoki. Figlio di genitori ricchi e nobili, Odert ha studiato alla scuola per cadetti di Hamina e poi all'Accademia di ingegneria militare di San Pietroburgo. Lì ricevette un addestramento militare nell'edilizia, ma lasciò l'esercito nel 1875. Decise di diventare un architetto professionista. Durante questo periodo, nell'architettura di San Pietroburgo apparvero nuovi metodi di costruzione. L'eclettismo - l'uso di tecniche di epoche precedenti: rinascimentale, gotico, barocco - si è unito alla ricerca di nuovi dettagli decorativi per la lavorazione delle facciate degli edifici a più piani. Questi sono i famosi edifici di AK Serebryakov, PYu Syuzor, AE Belogrud.

Nel 1878 Gripenberg difese il suo diploma di architetto presso la Scuola Politecnica, dopodiché studiò di nuovo a Vienna. Nel 1879-87. ha lavorato come architetto a Helsinki. Le sue prime opere riflettono la brama per il Rinascimento e l'evidente influenza del suo maestro Shes-trem. In futuro si manifesta il desiderio di una forte scomposizione e divisione dei volumi dell'edificio. Si tratta di opere come l'edificio della Society of Finnish Writers, il First Business Center, poi il vecchio edificio di Helsingin Sanomat, l'edificio della Cassa di risparmio di Turku.

Nel 1887 fu nominato capo architetto dell'Ufficio dell'edilizia pubblica (civile), da dove nel 1904 passò al Senato come direttore della Camera di commercio e industria.

Gripenberg è stato capo del consiglio di amministrazione della società per azioni "Finnish Theatre House" e direttore esecutivo durante la creazione dell'edificio del Teatro Nazionale, ed è stato anche presidente del consiglio di amministrazione della compagnia di assicurazioni "Pohjola" . OS Gripenberg fu il primo presidente del club finlandese degli architetti nel 1892-1901, nonché uno dei fondatori della società dei tecnici di lingua finlandese.

Fanny (Maria) Churberg nato in Finlandia 12 dicembre 1845 a Vasa. Pittore di paesaggi finlandese, uno dei più grandi maestri del suo tempo, suo padre Matthias (Matias Churberg) proveniva da una famiglia di contadini, ma era un medico di professione, e sua madre Maria era figlia di un prete. Fanny era la terza figlia di una famiglia di sette figli.Quattro dei suoi fratelli sono morti nella prima infanzia, e così Fanny è cresciuta con due fratelli maggiori, Valdemar e Torsten. Quando Fanny aveva dodici anni sua madre morì e lei dovette assumersi la maggior parte della responsabilità di gestire la casa.Successivamente è stata mandata in una scuola femminile a Porvoo ed è tornata a Vaasa quando aveva 18 anni. INSuo padre è morto all'età di 20 anni.Fanny lo ha accudito giorno e notte durante gli ultimi mesi della sua vita.Dopo la morte di suo padre, lei e i suoi fratelli si trasferirono a Helsinki, dove vissero con la zia Fanny aveva una passione per il disegno fin dall'infanzia, e nel 1865 circa ha finalmente iniziato la sua formazione artistica a Helsinki con lezioni private con Alexander Frosterus-Saltin, Emma Gülden e Adolf Berndt Lindholm ( Alexandra Frosterus-Såltin, Emma Gyldén e Berndt Adolf Lindholm).Continuando i suoi studi a Düsseldorf in Germania, tornava sempre in Finlandia per l'estate e dipingeva molto.È stata una delle prime artiste finlandesi a fare viaggi creativi in ​​Francia a Parigi.Sebbene il lavoro di Fanny sia rimasto in gran parte nello stile della scuola di pittura paesaggistica di Düsseldorf, ha espresso apertamente il suo entusiasmo per la rappresentazione principalmente della campagna con le sue situazioni drammatiche, affidandosi alla tecnica della pennellata veloce e alla modestia del colore.Il suo lavoro differiva nettamente dal lavoro dei suoi contemporanei, dipendeva dai suoi sentimenti nei confronti dei soggetti, ad esempio, l'atmosfera tesa prima di un temporale in un'area aperta o il nucleo profondo e paludoso della foresta. a modo mio, in finlandese ... Devo dire che le opere espositive di Fanny ai suoi tempi erano oggetto di forti critiche, che, ovviamente, minavano la sua forza d'animo, sollevavano dubbi, a volte perdeva fiducia nel suo talento, ma continuava a scrivere per stessa.

Nella foresta.

Vecchia Vaasa, casa di Fanny.Disegno 1840. Johan Knutsson .Vaasa è una città marittima situata nella parte occidentale della Finlandia, sulla costa del Golfo di Botnia. La città è il centro amministrativo della provincia di Ostrobotnia. , era in questa provincia che il padre di Fanny aveva una vecchia tenuta, nella quale, essendo cresciuti, Fanny ei suoi fratelli progettavano di gestire una famiglia durante l'infanzia ... Ma il destino ha decretato diversamente ...

Paesaggio con vista sul fiume. Il dipinto raffigura probabilmente la raccolta e l'essiccazione delle canne sui massi.

Posto sul Reno Il quadro è stato dipinto quando Fanny studiava a Düsseldorf, quando nei circoli artistici tedeschi si sviluppò una forte tendenza a dipingere dal vero, quando la natura cominciò a essere considerata la loro maestra: gli artisti di solito andavano in gruppo nel Reno meridionale ....

Paesaggio con pile.

Segale invernale in pile.

Paesaggio primaverile.

Cascata.

Rocce esposte all'aria ricoperte di foresta.

Paesaggio lunare.

Foresta (schizzo).

Foresta (schizzo).

Vecchio albero (schizzo).

Verdure estive.

Agosto.

Paesaggio autunnale.

Sera.

Sera d'inverno.

Paesaggio invernale.

Paesaggio invernale dopo il tramonto.

Paesaggio invernale.

Uusimaa Paesaggio.

Crepuscolo nella foresta.

Scenario.

Lago nelle Alpi.

Betulle vicino all'acqua.

Pino.

Nella vita era sola come questo suo pino ... Fanny, nonostante gli anni fruttuosi dopo i suoi studi in termini di carriera di artista - ha lasciato 300 opere durante questo periodo, ha vissuto comunque un periodo piuttosto breve e triste vita. Dopo la morte dei suoi genitori le è rimasta una casa e, nonostante il fatto che i suoi fratelli maggiori. Fu a loro, ai suoi due fratelli maggiori, che dedicò la sua vita e i guadagni dell'artista, non così grandi, andarono al loro mantenimento Il vecchio maniero, che un tempo portava reddito, si indebitò. Fanny si affezionò molto ai suoi fratelli, ma quando aveva già 32 anni, uno dei fratelli si sposa e se ne va, e quando Fanny ha già 37 anni, il secondo muore di tubercolosi a lungo termine. Dipinse fino all'età di 35 anni, poi non ebbe più voglia di disegnare, ma rimase consapevole della vita artistica.La mattina di ottobre del 1882 l'ha lasciata...

Paesaggio lunare.

Umore mattutino.

Paesaggio estivo.

Scenario.

Paesaggio in Lapponia.

Natura morta con verdure e aringhe affumicate.

Natura morta

Arte della Finlandia

M. Bezrukova (pittura e grafica); I. Tsagarelli (scultura); O. Shvidkovsky S. Khan-Magomedov (architettura)

La formazione della scuola nazionale finlandese nelle arti visive risale alla prima metà del XIX secolo. Nel 1809, secondo la pace di Friedrichsham, la Finlandia entrò a far parte dell'Impero russo come Granducato e il paese, che era stato una provincia svedese per circa 600 anni, ottenne una relativa indipendenza. Prima di questo, l'arte della Finlandia era soggetta agli svedesi e, attraverso la Svezia, alle influenze danesi. Le tradizioni popolari sono state conservate solo nelle leggende dell'epico "Kalevala", nei tappeti tessuti a mano - "ruyu" - e nell'intaglio del legno. Queste tradizioni viventi servirono come base per l'ascesa dell'autocoscienza nazionale nella prima metà del XIX secolo, che fu facilitata dalle attività dello storico e filologo H. G. Portan, dello scrittore Runeberg e del collezionista delle rune del Kalevala di Lonnrot. In questi anni sono apparsi numerosi artisti, ponendosi l'obiettivo di creare una scuola nazionale di pittura e scultura. Un ruolo importante nella sua formazione spetta alla Società artistica finlandese, nata nel 1846, guidata da Robert Ekman (1808-1873). Era l'autore di dipinti di genere scritti con accuratezza documentaria e gli storici finlandesi lo chiamano il "padre dell'arte finlandese". Il lavoro di Ekman ha contribuito ad avvicinare l'arte alla vita popolare. Nella pittura di paesaggio, Werner Holmberg (1830-1860) apre la strada al paesaggio nazionale. Tuttavia, la vera ascesa della pittura finlandese cade negli anni 1880-1890. ed è associato ai nomi di A. Gallen-Kallela, A. Edelfelt, E. Jarnefelt e P. Halonen. L'arte di questi pittori è entrata nel fondo d'oro della cultura artistica finlandese e rappresenta la parte più preziosa del suo contributo all'arte mondiale.

Albert Edelfelt (1854-1905) è stato il primo artista finlandese a raggiungere la fama mondiale. Il suo lavoro occupa un posto importante nella storia dello sviluppo della pittura finlandese. Edelfelt, svedese di origine, ha studiato prima a Helsinki, poi all'Accademia delle arti di Anversa e ha completato la sua formazione a Parigi con J. L. Gerome. Il nome di Edelfelt è associato alla nascita dell'impressionismo in Finlandia.

Edelfelt inizia come pittore storico (“Il re svedese Karl insulta il cadavere del suo nemico Stadtholder Flemming nel 1537”, 1878; Helsinki, Ateneum), ma il vero periodo di massimo splendore della sua opera è dovuto al richiamo a temi della vita del persone. Le migliori tele dell'artista sono "Women from Ruokolahti" (1887), "Pescatori di isole lontane" (1898; entrambi - Helsinki, Ateneum, "Storyteller Paraske" (1893; collezione privata tedesca), che si distinguono per temi nazionali e la luminosità del linguaggio pittorico Babakh di Ruokolahti "l'artista ricrea una scena della vita popolare: quattro contadine in costume nazionale parlano vicino al recinto della chiesa. Il costante desiderio di una trasmissione più sottile della luce e dell'aria ambiente, per creare un suono cromatico olistico dell'immagine, l'espressività della forma pittorica, il libero movimento del pennello sono i tratti caratteristici della maniera di Edelfelt - pittore.

Edelfelt è stato un eccezionale ritrattista che ci ha lasciato una galleria dei suoi contemporanei; tra i migliori ritratti ci sono "Ritratto di L. Pasteur" (1885), "Ritratto del cantante A. Akte" (1901), "Ritratto della madre" (1883; tutto - Helsinki, Ateneum). Uno degli ultimi lavori di Edelfelt fu il dipinto monumentale "La celebrazione dell'apertura dell'Università di Åbo" (1904) per l'aula magna dell'università di Helsinki.

Eero Järnefelt (1863-1937) è entrato nella storia della pittura finlandese come cantante della vita di un contadino finlandese, paesaggista pieno di sentimento e ottimo ritrattista. Ha studiato alla scuola di disegno della Society of Artists di Helsinki, poi all'Accademia di San Pietroburgo ea Parigi. Ha creato le sue opere migliori negli anni 1880 e 1890: Lavandaie sulla riva (1889; Helsinki, collezione privata), Ritorno dalla foresta di bacche (1888; Hämeenlinna, Museo d'arte), Lavoro forzato (1893 ; Helsinki, Ateneum). Tutti loro sono stati scritti sulla base di impressioni dirette. Quindi, il dipinto "Lavoro forzato" racconta il lavoro massacrante dei contadini che sradicano e bruciano ceppi. Con muto rimprovero, un'adolescente con il volto coperto di fuliggine guarda lo spettatore. Järnefelt ha creato ritratti nitidi di una serie di personaggi pubblici finlandesi ("Ritratto del professor Danielson-Kalmar", 1896; Helsinki, collezione privata).

Anche l'arte di Peka Halonen (1865-1933), che studiò prima a Helsinki, poi a Parigi e in Italia, ha un carattere democratico. Padroneggiando brillantemente la tecnica pittorica del lavoro all'aria aperta, Halonen ha applicato tutta la sua abilità all'immagine della sua gente e della natura nativa. Così, i suoi "Wood Rafters at the Fire" (1893; Helsinki, Ateneum) sono intrisi di un caldo sentimento per la natura aspra e la povera gente della Finlandia. Halonen risolve i soggetti quotidiani in un piano monumentale-epico, e allo stesso tempo nei paesaggi si rivela un poeta sottile: un tranquillo ristagno della baia, case della Carelia, una tempestosa processione della primavera del nord - tutto qui è permeato di sentimento lirico . Nonostante Järnefelt e Halonen siano morti negli anni '30, le loro opere migliori furono create negli anni '90 dell'Ottocento e l'arte di questi pittori si stava ancora sviluppando interamente nelle tradizioni del XIX secolo.

Al contrario, l'opera del più importante artista finlandese, Axel Gallen-Kallela (1865-1931), rifletteva le contraddizioni caratteristiche dell'arte della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo. Nel 1900 Gallen-Kallela divenne uno dei principali artisti dell'emergente stile Art Nouveau e solo gradualmente, negli ultimi due decenni della sua vita, superò il modernismo e tornò alla pittura realistica.

Nel primo periodo della creatività, Bastien-Lepage ha avuto una grande influenza sul giovane artista. Già opera della seconda metà degli anni Ottanta dell'Ottocento. testimoniano la maturità e la padronanza del talento dell'artista. Il dipinto The First Lesson (1889; Helsinki, Ateneum), raffigurante una capanna di villaggio in cui un vecchio pescatore ascolta una ragazza che legge, è caratterizzato da tratti di autentico realismo. Viaggiando molto per il paese con l'obiettivo di uno studio più approfondito della vita delle persone, Gallen-Kallela dipinge paesaggi e dipinti di genere (Il pastore di Panajärvi, 1892; Helsinki, collezione privata). Nel 1890 la cerchia dei temi di Gallo si allarga, si rivolge all'epopea nazionale careliana finlandese "Kalevala" e crea una serie di opere sui temi dell'epopea (trittico "La leggenda di Aino", 1891, Helsinki, Ateneum; "Il rapimento di Sampo ", 1896, Turku, Museum of Art; ", 1897, Helsinki, Ateneum, "Jokahainen's Revenge", 1903, acquaforte). Sempre più trascinato dalla fantasia e dall'eroismo del Kalevala, Gallen iniziò a cercare nuovi dispositivi stilistici per esprimere specificità razionali, ma queste ricerche lo portarono alla stilizzazione modernista caratteristica dell'arte del primo Novecento. A poco a poco, nel suo lavoro, l'interesse per il grande tema della vita popolare sta diminuendo. La combinazione di misticismo e naturalismo ha segnato i suoi affreschi nella cappella funeraria di Yuselius a Pori (1901-1903). Ci sono caratteristiche del modernismo nei murales del padiglione finlandese all'Esposizione Mondiale di Parigi del 1900. Durante la sua lunga carriera, Gallen ha creato molti paesaggi, ritratti, ha lavorato come illustratore (illustrazioni per il romanzo "Seven Brothers" di Alexis Kivi) ; non tutto nella sua eredità può essere accettato incondizionatamente, ma nelle sue migliori opere di diversi anni, create prima del periodo di entusiasmo per il modernismo e negli anni '20, troviamo un autentico potere realistico, una profonda nazionalità, che dà il diritto di considerare Gallen-Kallela un grande artista nazionale, che ha portato gloria al loro paese; non per niente M. Gorky lo apprezzava così tanto, che ha corrisposto con lui per molti anni.

Anche Helena Schjerfbeck (1862-1946), che ricevette la sua educazione artistica a San Pietroburgo, fu un'artista di talento. Il suo dipinto The Recovering Child (1888; Helsinki, Ateneum) appartiene ai migliori risultati della pittura realistica finlandese. Ma con la diffusione alla fine del XIX secolo. modernismo in Finlandia Schjerfbeck, come molti dei suoi colleghi, si allontana dal realismo. Anche l'opera di Juho Simberg (1873-1917), segnata da tratti di misticismo e simbolismo, era contraddittoria. L'influenza del modernismo ha lasciato il segno anche nell'opera dell'artista molto democratico Juho Rissanen (1879-1950).

All'inizio del nuovo secolo, le tendenze formaliste si intensificarono nell'arte della Finlandia. Inizia un allontanamento dalle tradizioni nazionali realistiche, un ritiro dai compiti dell'arte democratica. Nel 1912 apparve il gruppo Septem, il cui capo ideologico era Magnus Enkel (1870-1925); includeva V. Tome, M. Oinonen e altri. Nel 1916, guidato da Tyukko Sallinen (1879-1955), fu creato un altro grande gruppo: "Novembre". Gli artisti che facevano parte di questi gruppi, a discapito del contenuto dell'arte, amavano i problemi della luce e del colore ("Septem") o si sforzavano per un'immagine distorta e deformata della realtà ("Novembre"). il raggruppamento recente più significativo è il gruppo Prism, sorto nel 1956 e che riunisce artisti di vario genere. Ciò include Sigrid Schaumann (nato nel 1877), Ragnar Eklund (1892-1960) - rappresentanti della vecchia generazione di pittori, così come Sam Vanni (nato nel 1908), che lavora principalmente in modo astratto, e altri.

Dalla fine degli anni '50. L'astrattismo cattura tutti i grandi circoli di artisti finlandesi. Ma insieme a questo, un certo numero di pittori, come Lennart Segerstrode (nato nel 1892), Sven Grönvall (nato nel 1908), Eva Sederström (nato nel 1909), Eero Nelimarkka (nato nel 1891) e altri, continuano a lavorare in tradizioni realistiche.

Un posto significativo nell'arte della Finlandia è occupato dalla grafica, la cui fioritura nel XIX secolo era associata ai nomi di Gallen-Kallela, A. Edelfelt, J. Simberg. Oggi, i successori delle migliori tradizioni democratiche nelle arti grafiche finlandesi sono Erkki Tanttu (nato nel 1917), Lennart Segerstrole, Vilho Askola (nato nel 1906) e altri maestri. Nonostante la differenza nei modi creativi e nei generi in cui lavorano, sono uniti dal desiderio di mostrare la vita concreta della Finlandia di oggi, l'amore per l'uomo comune. L. Segerstrole, rappresentante della vecchia generazione di artisti grafici, dedica i suoi fogli “The Seal Hunters” (1938), “After the Storm” (1938, drypoint) al tema del lavoro, sono intrisi di simpatia per il semplice persona lavoratrice. E. Tanttu canta la bellezza del lavoro nelle sue incisioni "Foresta portata" (1954), "Rafters" (1955), ecc. E. Tanttu. I suoi fogli si distinguono per un'interpretazione monumentale dell'immagine di una persona e un'immagine poetica della natura nativa. La bellezza e la severità del paesaggio finlandese sono trasmesse nelle sue opere grafiche "Winter Morning" (1956), "Lake in Lappi-Ebi" (1958) di V. Askola.

Un notevole maestro dell'illustrazione di libri è Tapio Tapiovaara (nato nel 1908), autore di fogli grafici su argomenti sociali acuti ("Eventi a Kemi nel 1949", 1950).

Un posto significativo nella vita artistica della Finlandia è occupato dalla scultura ampiamente sviluppata. I primi insegnanti di scultori finlandesi furono maestri svedesi. Il fondatore della scultura finlandese è Karl Eneas Sjöstrand (1828-1906), arrivato nel 1856 nell'allora capitale della Finlandia, Turku. Fu invitato a creare un monumento a H. G. Portan, il più grande collezionista dell'epopea finlandese; Questo monumento gode ancora oggi di un meritato riconoscimento. Allo stesso tempo, si interessò all'epopea del Kalevala e eseguì una serie di opere sui temi dell'epopea (Kullervo parla con la sua sciabola, 1867; Helsinki, Hesperia Park). Sjostrand è conosciuto non solo come artista, ma soprattutto come maestro che ha organizzato la propria scuola. Le tradizioni realiste di questa scuola possono essere fatte risalire all'inizio del XX secolo.

Tra i suoi studenti c'erano famosi scultori finlandesi come Walter Runenberg (1836-1920) e Johannes Takkanen (1849-1885). Questi maestri erano rappresentanti di due linee di sviluppo della scultura finlandese. Dopo aver iniziato la loro educazione artistica con Sjöstrand, l'hanno continuata a Copenaghen ea Roma, ma il loro destino è andato diversamente. Per il figlio di un famoso poeta finlandese, vicino ai circoli dominanti svedesi, Walter Runenberg, il percorso verso l'arte è stato semplice e facile. Sia in patria che a Parigi, dove si stabilì dalla metà degli anni 1870, i suoi classici ritratti e monumenti, pieni di pathos esteriore e idealizzazione, ebbero successo ("Psiche con l'aquila di Giove", 1875, marmo, Helsinki. Ateneum allegorico scultura " Finlandia triste", 1883, bronzo). Ma, nonostante il successo e gli ordini ufficiali, questo maestro classicista non ha fatto nulla per lo sviluppo della scultura nazionale finlandese - l'ha solo introdotta nella corrente principale della scuola accademica romana di quel tempo, è stato molto più difficile per Johannes Takkanen, figlio di un povero contadino. Il talentuoso scultore, costretto a lottare con la povertà per tutta la sua breve vita (morì a 36 anni a Roma, quasi un mendicante, tra gente che non riusciva nemmeno a capire le ultime parole del moribondo), non riuscì a ottenere il riconoscimento. Takkanen non ha potuto rivelare il suo talento: applicare la sua forza alla realizzazione di sculture monumentali. Ma anche quelle piccole statuine sopravvissute testimoniano il grande e originale talento del maestro. Takkanen era giustamente chiamato un cantante di bellezza femminile, le sue figurine sono piene di lirismo e morbidezza ("Chained Andromeda", 1882; "Aino" - un motivo di Kalevala, 1876; entrambi - Helsinki, Ateneum).

Semplicità, naturalezza, tipi e immagini nazionali: tutto ciò sembrava troppo audace e insolito per la Roma classica. Takkanen non ha ricevuto sostegno dalla sua terra natale. È così che la Finlandia ha perso il suo primo artista nazionale.

Negli anni 1880-1890. la scultura diventa uno dei generi principali in Finlandia. Monumenti a personaggi importanti vengono eretti nelle città, sculture e rilievi nei parchi vengono creati per decorare edifici pubblici e privati. L'obiettivo principale di tutta la scultura monumentale era la promozione delle idee nazionali; Fu durante questi decenni che l'orientamento artistico degli scultori finlandesi e i percorsi che seguirà la scultura finlandese moderna sono definiti più chiaramente. La linea salotto-tradizionale era rappresentata molto chiaramente dall'opera di Wille Wallgren (1855-1940). Emil Wikström (1864-1942) è stato il maestro più brillante che ha sviluppato le tradizioni popolari della scultura finlandese.

Wallgren si stabilì a Parigi intorno al 1880. Piccole figurine di genere di Wallgren (Maryatta, 1886, marmo, Turku, Museum of Art; Echo, 1887, marmo; Spring, 1895, gold, both - Helsinki, Ateneum, ecc.). Le sue opere sono caratterizzate da decorativismo artistico, sensualità e spesso zuccherino. Alla fine del 1890 comincia a lasciarsi trasportare dalle proporzioni allungate, una linea di contorno sinuosa. Nel corso degli anni manifesta sempre più una gravitazione verso la decorazione e la letteratura. Quando Wallgren cercò di raffigurare le sue ragazze civettuole in forme monumentali (Havis Amanda Fountain a Helsinki, 1908), fallì, poiché era un maestro delle piccole forme.

A differenza di Wallgren, Emil Wikström solo nel 1890. rende omaggio al virtuosismo da salotto francese (The Dream of Innocence, 1891; Helsinki, Ateneum). Già nel 1900. la sua arte lo matura. La storia e la modernità della Finlandia diventano i temi principali delle sue opere. Cambia anche la lavorazione del materiale, qualche pretenziosità lascia il posto a una forte forma plastica. Questa è una delle sue opere centrali: un fregio sulla facciata principale della Camera dei rappresentanti del Seimas (1902, Helsinki). Questa grandiosa composizione, realizzata in bronzo, è costituita da scene allegoriche che raccontano la storia del popolo finlandese, il suo lavoro e la lotta per l'indipendenza. Wikström è anche noto come maestro del ritratto e della scultura monumentale. Nel 1886 completò con successo un ritratto del pittore Gallen-Kallela (bronzo, Helsinki, Ateneum), nel 1902 - un monumento al collezionista dell'epopea di Kalevala Lönnrot (Helsinki), la composizione "Wood Rafters". Uno dei suoi ultimi lavori fu un monumento a I. V. Snellman (1923, Helsinki). Le opere monumentali e ritrattistiche di Wikström sono caratterizzate da un profondo realismo, la capacità di trovare il più caratteristico, tipico nella persona ritratta.

Lo studente di Wikström fu Emil Halonen (1875-1950), che fece rivivere le tradizioni popolari dell'intaglio del legno. Possiede numerosi rilievi in ​​pino ("The Deer Buster", 1899), sculture in legno ("Young Girl", 1908; entrambe le opere - Helsinki, Ateneum). L'opera più interessante di Halonen furono i rilievi per il padiglione finlandese all'Esposizione Mondiale di Parigi del 1900 (Helsinki, Ateneum), realizzati in maniera alquanto arcaica, imitando l'intaglio del legno popolare; in modo semplice e conciso riproducevano scene di vita popolare. Le tecniche di intaglio del legno sviluppate da Halonen furono continuate e sviluppate da scultori come Albin Kaasinen (nato nel 1892) e Hannes Autere (nato nel 1888), creatori di scene di vita popolare, che raccontavano i loro contemporanei con grande umorismo e abilità.

Nel 1910, su iniziativa di Felix Nylund (1878-1940), fu creata l'Unione degli scultori finlandesi, che svolse un importante ruolo organizzativo. I primi lavori dello stesso Nylund sono caratterizzati dal desiderio di una forma plastica generalizzata pur mantenendo l'interesse per le caratteristiche psicologiche del modello. Particolarmente buoni sono i ritratti dei suoi figli (Erwin, 1906, marmo; Helsinki, Ateneum), che si distinguono per freschezza e calore. Successivamente, Nylund, come la maggior parte degli artisti della vecchia generazione, si interessò alle tendenze moderniste e si allontanò dal realismo.

Il decimo e gli anni venti furono segnati nell'arte finlandese da una gravitazione verso l'espressionismo, e poi verso l'astrattismo. Inizia la ricerca del "volume autosufficiente", della "forma pura", ecc., e solo pochi scultori riescono a resistere a queste influenze aliene. Tra questi, si dovrebbe prima di tutto nominare il più grande scultore realista moderno che ha portato la fama mondiale in Finlandia: Väinö Aaltonen (nato nel 1894).

Aaltonen ha ricevuto la sua educazione artistica presso la scuola di disegno di Turku sotto la guida di V. Westerholm. La scuola ha prodotto pittori, ma contrariamente alle ipotesi dei suoi insegnanti, Aaltonen è diventato uno scultore. L'arte della scultura lo attraeva fin dall'infanzia, era la sua vocazione. Aaltonen è il maestro che si dice in Finlandia abbia risvegliato le rocce di granito dal sonno eterno. Il granito nero e rosso divenne il materiale preferito di Aaltonen. La gamma di questo artista è insolitamente ampia: ha creato un'enorme galleria di ritratti di contemporanei, sculture di parchi e statue di atleti, lapidi e rilievi monumentali che adornano edifici governativi e pubblici, sculture da camera in legno e terracotta, dipinti ad olio e tempera sul temi di "Kalevala". Già le prime opere di Aaltonen - una serie di cosiddette "Maids" ("Wandering Girl", 1917-1922, granito; "Seated Young Girl", 1923-1925, granito; tutte in collezioni private) - suscitarono l'interesse del pubblico con il loro grande lirismo, il calore e la poesia nella raffigurazione di un corpo femminile nudo e la straordinaria morbidezza della lavorazione della materia. Negli stessi anni Aaltonen si occupa anche del tema del corpo maschile nudo e realizza uno dei suoi capolavori: la statua del corridore Paavo Nurmi (1924-1925, bronzo; Helsinki); la leggerezza, la sicurezza e la libertà di un corpo forte e muscoloso sono perfettamente trasmesse dallo scultore. Toccando appena il piedistallo con il piede, Nurmi sembra volare in avanti.

Aaltonen ha iniziato a dedicarsi alla ritrattistica in gioventù e continua a lavorare in questo genere fino ad oggi. Può essere considerato uno dei creatori della moderna ritrattistica scultorea finlandese. La sua arte si basa su una profonda penetrazione nel mondo interiore della persona ritratta e su una rigorosa selezione degli elementi che compongono le caratteristiche del modello.

Tra i migliori ritratti di Aaltonen c'è il ritratto della scrittrice Maria Jotuni (1919, marmo; collezione privata) con un volto gentile e leggermente triste; la testa severa, piena di forza e dignità di V. Westerholm (1925, granito; collezione privata) trasmette la profonda concentrazione del maestro Aaltonen. Bellissimi ritratti del compositore Jean Sibelius (1935, marmo; Pori, Sibelius House Museum), la cui possente testa sembra nascere da un blocco di pietra, e del poeta Aarro Hellaakoski (1946, bronzo; collezione privata), dove il massimo laconismo di forme e mezzi espressivi non interferiscono nel ricreare l'aspetto di questo disilluso amico della sua giovinezza, Aaltonen.

Di grande interesse sono le opere monumentali di Aaltonen. Le sue figure nude sul ponte di Tampere (1927-1929, bronzo) sono profondamente nazionali nella loro interpretazione delle immagini. Bella nella sua stretta sobrietà è l'eroina di Kalevala, Maryatta (1934, bronzo; proprietà dell'autore): una giovane donna con un vestito che cade a terra è in piedi, tenendo alto il suo bambino tra le braccia, il suo sguardo è pieno di tristezza e tenerezza, i contorni della sua silhouette snella sono lisci. Il monumento ad Alexis Kivi (1934, bronzo) a Helsinki ricrea la triste immagine del grande scrittore finlandese, morto presto in povertà senza ricevere riconoscimenti durante la sua vita. Pensieri amari travolgono un uomo seduto in profondi pensieri, la sua testa si chinò, le sue mani caddero impotenti sulle ginocchia. Le forme rigorose di un monumento molto compatto si adattano bene all'insieme della città.

Tra i rilievi monumentali di Aaltonen, il monumento in onore dei primi coloni finlandesi nel Delaware (Canada; 1938, granito rosso) occupa un posto speciale: questo è forse uno dei più nazionali nello spirito delle sue opere. Il monumento è una lastra i cui lati longitudinali sono decorati con rilievi. Particolarmente buono è il rilievo "Addio alla riva nativa". Lontano nel mare sono visibili i contorni di una nave, e in primo piano, vicino alla costa rocciosa, le persone in lutto si sono congelate in un silenzio severo; in pochi minuti la barca porterà i temerari sulla nave andando verso paesi sconosciuti alla ricerca di una vita migliore. Evitando sempre pathos, effetti e movimenti improvvisi, Aaltonen ha scelto il momento in cui tutte le parole erano già state dette: c'è stato un momento di silenzio. All'estrema lapidarità della soluzione plastica del rilievo si contrappone la nitida elaborazione del disegno di contorno delle figure.

Troviamo questa specificità nazionale sia nei tipi che nell'interpretazione delle immagini nei dipinti e nelle opere grafiche di Aaltonen, come "Kullervo" (1930-1940, tempera), nel poetico "Ritorno dalla mungitura serale" (1939, disegno; entrambi sono di proprietà dell'autore).

I temi della pace e dell'amicizia tra i popoli, la solidarietà dei lavoratori sono cari ad Aaltonen. Nel 1952 risale al monumento in bronzo "Amicizia", ​​​​che simboleggia l'amicizia tra la città finlandese di Turku e la città svedese di Göteborg (i monumenti furono eretti in entrambe le città). Un grande contributo alla causa della pace fu la scultura "Pace" di Aaltonen a Lahti (1950-1952, granito), raffigurante il mondo sotto forma di una figura monumentale di una donna con le braccia alzate in alto, come se bloccasse la strada alla guerra . Per questa scultura nel 1954 Aaltonen ricevette una medaglia d'oro dal World Peace Council.

Nonostante il fatto che negli ultimi decenni l'astrattismo come tendenza ufficiale abbia preso un posto abbastanza forte nella scultura finlandese, un folto gruppo di giovani artisti, sviluppando in modo innovativo le basi realistiche dell'arte sia nel ritratto che nella scultura monumentale, non consente agli astrattisti di prendere un posto di primo piano. Tra i maestri realisti si dovrebbero nominare artisti importanti come Essi Renvall (nato nel 1911) e Aimo Tukiyainen (nato nel 1917). Essi Renvall è un'artista dal talento sottile e lirico, possiede molti ritratti dei suoi contemporanei ("Onni Okkonen", bronzo), le immagini dei suoi figli sono particolarmente attraenti. Oltre ai ritratti, Renvall crea anche immagini generalizzate di persone comuni ("Textile Woman", bronzo; parco a Tampere). Renvall lavora in marmo e bronzo, e recentemente, per esaltarne l'espressività, utilizza intarsi con pietre colorate e metallo. Aimo Tukiyainen crea ritratti interpretati in modo monumentale (Ritratto di Tovio Pekkanen, 1956, bronzo) e monumenti (Monumento a Eet Salin, 1955, bronzo); questo monumento, posto al centro della vasca, raffigura un uomo stanco in abiti da lavoro inginocchiato per lavarsi il volto dalla polvere.

L'arte della medaglia della Finlandia, fiorita negli ultimi decenni, è in gran parte dedicata alla lotta per il rafforzamento della pace. Le medaglie di Aaltonen, Gerda Kvist (nata nel 1883) e altri maestri, dedicate a contemporanei ed eventi eccezionali, sono sorprendentemente sottili, armoniose e plastiche.

Gli anni Novanta dell'Ottocento furono segnati da una svolta decisiva nello sviluppo dell'architettura finlandese, che, allontanandosi dal tradizionale accademismo classicista, intraprese il percorso di ricerca nello spirito di una nuova tendenza nazional-romantica. L'attenzione all'architettura popolare finlandese e careliana caratteristica di questo periodo era associata alla crescita dell'identità nazionale e allo stesso tempo faceva eco alla tendenza all'uso di materiali locali, che si manifestava nell'architettura dell'Europa occidentale (soprattutto inglese e svedese). Nell'ultimo decennio del XIX secolo, gli studi degli architetti J. Blomsted e V. Suksdorf (“Edifici careliani e forme decorative”, 1900), le opere di artisti finlandesi che celebrano la peculiare bellezza di questo paese settentrionale, la musica di Jan Sibedius (sinfonico il poema "Finlandia", la leggenda "Tuonel Swan", "Spring Song"), disegnando immagini della natura aspra della regione.

In questa atmosfera si forma una galassia di eccezionali architetti finlandesi, tra i quali il posto più importante è occupato da Lare Sonk, Herman Geselius, Armas Lindgren e soprattutto Eliel Saarinen (1873-1950). Sonck è stato uno dei primi a utilizzare in questi anni edifici in tronchi e murature in pietra grezza per ottenere una speciale espressività dell'architettura del romanticismo nazionale. La sua cattedrale a Tampere (1902-1907) ha ricevuto un'ampia e meritata fama per l'emotività dell'immagine, la forza e l'armonia dell'idea.

All'Esposizione Universale di Parigi del 1900 fu ampiamente riconosciuto il padiglione finlandese, realizzato da Geselius, Lindgren e Saarinen, che si stagliava sullo sfondo di una massa di edifici eclettici e sovraccarichi con la sua semplicità e chiarezza compositiva. Una delle opere più sorprendenti di questo periodo è un edificio residenziale a Vtreska, costruito per se stessi da un gruppo di architetti nel 1902. L'edificio si distingue per l'eccezionale monumentalità, la pittoresca composizione delle masse e si fonde organicamente con la natura circostante. In questo edificio, la libera progettazione dei locali e l'uso delle possibilità espressive del legno e del granito sono portate ad un alto grado di perfezione.

Di grande importanza per l'architettura finlandese di questo periodo, come ammettono gli stessi architetti finlandesi, era il legame con la cultura artistica russa contemporanea, in cui in quegli anni era diffuso l'interesse a padroneggiare le tradizioni dell'architettura popolare, dell'arte applicata, del folklore ( Questa influenza è stata determinata dall'esistenza di stretti legami culturali tra l'arte russa e quella finlandese. In particolare, Eliel Saarinen era un membro a pieno titolo dell'Accademia delle arti di San Pietroburgo e mantenne contatti costanti con figure della cultura russa come M. Gorky, I. Grabar, N. Roerich e altri.).

Entro la fine del primo decennio del XX secolo in Finlandia sta emergendo una nuova direzione, di carattere vicino al modernismo russo, ma che ne differisce per grande concisione e sobrietà. Eliel Saarinen è anche il più grande maestro qui. Nei suoi progetti del Palazzo della Pace a L'Aia (1905), della Dieta finlandese (1908), del municipio di Tallinn (1912) e soprattutto nel progetto completato della stazione ferroviaria di Helsinki (1904-1914), il metodo preferito di Saarinen di opporsi a una massiccia torre e un pesante volume orizzontale si sta sviluppando, fungendo da base incrollabile per lei. Questo tema raggiunge il suo apice nel progetto della Casa-Museo della Cultura Nazionale, nota come Case Kalevala a Munkkiniemi (1921), dove l'edificio, bello nel disegno e nella struttura proporzionata, con la pesantezza delle sue forme, ricorda una fortezza struttura, creata come dalla lavorazione della sommità di una roccia granitica. L'immagine di un edificio pubblico sviluppata da Saarinen è alquanto dura e cupa, ma è unicamente originale e organicamente connessa con le caratteristiche nazionali dell'architettura finlandese.

A questo periodo appartengono anche le prime opere urbanistiche di Saarinen (progetto di concorso Canberra, 1912; master plan Munkkiniemi-Haaga, 1910-1915), in cui il desiderio di massima monumentalizzazione dei grandi complessi urbani si coniuga con l'emergere di nuove idee sul corpo di l'insediamento e la differenziazione delle sue singole parti.

La fine della prima guerra mondiale e la concessione dell'indipendenza statale alla Finlandia su iniziativa di V. I. Lenin furono segnate nel campo dell'architettura da una serie di importanti opere di sviluppo urbano. Il più significativo di questi fu il progetto Greater Helsinki (1918), che fece di Eliel Saarinen una delle autorità riconosciute nell'urbanistica mondiale. Il progetto ha realizzato la differenziazione delle aree residenziali della capitale e il decentramento insediativo nelle città satelliti con una consistenza che nessuno aveva raggiunto prima. L'autore ha sfruttato in modo eccellente le aree suburbane, frastagliate da laghi e baie, per localizzare singoli complessi residenziali, organicamente integrati nella natura.

Negli anni 20-30. in Finlandia sono in costruzione numerosi edifici pubblici e commerciali di grandi dimensioni e architettonicamente significativi. Tra questi spicca il palazzo del parlamento (1931, architetto I. Siren). È caratteristico che questo edificio sia sostenuto da forme equilibrate e rigorose di neoclassicismo, che si sono conservate fino agli anni '30. forte posizione in Finlandia.

Interessante e più moderno nelle sue forme fu costruito a Helsinki nel 1926-1931. un altro importante rappresentante dell'architettura finlandese, Sigurd Frosterus, grande magazzino Stockman. Le sue forme esterne riflettevano il monumentalismo insito nell'architettura finlandese di quel tempo. Gli interni del grande magazzino, costruiti sulla base di un telaio in cemento armato, hanno ricevuto uno spazio commerciale ampio, spalancato e liberamente organizzato, caratteristico dei nuovi edifici di questo tipo.

Dagli anni '30. 20 ° secolo La figura di spicco dell'architettura finlandese è Alvar Aalto (nato nel 1898), un architetto di talento che proveniva da una famiglia di guardaboschi e in seguito ha conquistato, come Eliel Saarinen, fama mondiale ed è diventato uno dei più grandi architetti del nostro tempo. Nel 1929-1933. A. Aalto sta costruendo un sanatorio per la tubercolosi a Paimio, nella Finlandia sudoccidentale, interamente progettato nello spirito del funzionalismo europeo e allo stesso tempo contraddistinto dall'originalità locale: eccezionale purezza e freschezza delle sue forme architettoniche, libera composizione dei volumi, connessione organica con il rilievo e paesaggio boscoso della regione. Insieme all'edificio Bauhaus di Dessau di W. Gropius e alle opere di Le Corbusier, questo edificio è uno dei più famosi e simbolo dello sviluppo dell'architettura moderna. Un'altra opera di A. Aalto, oltre al sanatorio di Paimio, meritatamente considerato uno dei migliori edifici europei degli anni '30, fu l'edificio della biblioteca a Vyborg. Richiama l'attenzione sulla base funzionale attentamente studiata del piano, sulla veridicità dell'aspetto esterno dell'edificio e sulla grande espressività emotiva. Nell'aula magna della biblioteca è stato utilizzato uno speciale soffitto acustico in legno di forma curvilinea, che ha conferito all'interno un'originalità e una forma nuova per quegli anni.

Il merito di Aalto in questo e in numerosi altri edifici fu che, intuendo la base razionalistica del costruttivismo e utilizzandola sul suolo finlandese, ne oppose fin dall'inizio i limiti e iniziò a sviluppare i principi estetici di una nuova direzione, per ricerca del suo linguaggio artistico. Aalto ha osservato che "il funzionalismo tecnico non può essere l'unico in architettura" e che uno dei compiti importanti dell'architettura moderna "è risolvere i problemi psicologici". Altre opere significative di A. Aalto sono il padiglione finlandese all'Esposizione Internazionale di New York, la villa di Mairea a Noormarku e la fabbrica di falegnameria a Sunil (1936-1939). Nell'ultimo lavoro, Aalto funge anche da urbanista: crea non solo un complesso di strutture industriali, ma anche un insediamento residenziale per i lavoratori, continuando le migliori tradizioni dell'architettura finlandese - tenendo conto e un uso attento dell'ambiente naturale.

Nuove caratteristiche nell'architettura degli edifici pubblici sono introdotte da Eric Brugmann (1891-1955). È il primo nei paesi scandinavi ad aprire ampiamente l'interno con l'ausilio di una vetrata colorata nello spazio circostante (la cappella di Turku, 1938-1941), cercando di creare un nuovo effetto artistico e una nuova unità di architettura e natura.

Un'importante costruzione di questo periodo fu anche il Complesso Olimpico di Helsinki, che comprende un eccellente stadio (1934-1952, architetti Irjo Lindgren e Toivo Jantti) e il Villaggio Olimpico (architetti X. Eklund e M. Välikangas), che divenne il primo città satellite della capitale finlandese.

Dopo la seconda guerra mondiale, l'economia finlandese si è rapidamente stabilizzata grazie all'espansione delle relazioni commerciali con l'Unione Sovietica e gli architetti finlandesi sono stati in grado di iniziare a implementare una serie di idee urbanistiche e costruzioni di massa precedentemente delineate. La loro opera più grande e significativa, che ha ricevuto un grande riscontro, è stata la costruzione della città giardino di Tapiola, a 9 km da Helsinki ( Gli autori di Tapiola: gli architetti O, Meyerman e I. Siltavuori (piano generale), A. Blomstead, V. Revell, M. Tavio, A. Ervi, K. e X. Siren, T. Nironen e altri. La costruzione è stata eseguita da una cooperativa edilizia appositamente creata dal 1952.). Durante la costruzione di Tapiola, gli architetti hanno cercato di superare la separazione dell'uomo dalla natura, caratteristica delle grandi città capitaliste. La città per 15mila abitanti è stata costruita tra il verde naturale su un terreno accidentato con affioramenti della base granitica della terraferma e copre un'area di oltre 230 ettari. Particolare attenzione è rivolta alla tutela della fauna selvatica e dei paesaggi pittoreschi, quasi incontaminati. Tipicamente, lo sviluppo residenziale occupa solo il 25% del terreno, mentre gli spazi verdi liberi - il 75%. In effetti, qui non si tratta di spazi verdi intervallati dallo sviluppo urbano, ma di case - in una massa forestale naturale, che si applicano nella loro posizione a gruppi di alberi esistenti, topografia, sporgenze rocciose e condizioni di luce solare. La rete di strade asfaltate, disposte in pittoresche fasce lungo i dislivelli naturali del terreno, è stata ridotta al minimo indispensabile.

Il centro di Tapiola (1954-1962, architetto Aarne Ervi) è caratteristico di nuove idee per la costruzione di un insieme urbano. In esso è ben organizzato lo spazio libero e allo stesso tempo chiaramente differenziato, vengono creati contrasti dinamici di verticalità architettoniche e diffusione, vengono creati volumi orizzontali, percorsi pedonali e di trasporto separati. Il principio pubblico qui è combinato con una certa intimità, motivi regolari - con pittoricità (ad esempio, la chiara geometria della piazza pavimentata con lastre vicino agli edifici commerciali è ravvivata da gruppi di alberi conservati nei luoghi in cui sono cresciuti in libertà prima dell'inizio della costruzione) . La struttura dei complessi residenziali a Tapiola tiene conto delle esigenze di vari gruppi della popolazione: per composizione per età e stato civile. Insieme a questo (e questo è tipico di tutta la pratica dell'urbanistica capitalista), c'è una differenziazione dell'edilizia secondo lo status sociale e la sicurezza materiale dei cittadini. In base a ciò, sono stati utilizzati vari tipi di edifici: dalle case a torre di 8-11 piani ai cottage bifamiliari di 1-2 piani.

Tapiola ha sviluppato una serie di interessanti nuove tipologie di edifici pubblici, come la scuola tipo padiglione progettata dagli architetti Kaja e Heikki Siren. L'edificio di Mennin-kaisentie Street, realizzato dall'architetto A. Blomsted, è peculiare nella sua architettura. La strada passa ai piedi di un massiccio granitico, sul quale si trova un gruppo di edifici a più piani. Dall'altro lato c'è una catena di case bifamiliari che si affacciano sulla foresta e sui laghi. Il ritmo di volumi alternati, geometricamente semplici, a uno e due piani, distesi a cavallo tra il prato e il bosco, i contrasti di pareti lisce chiare e vetrate colorate, la varietà del colore degli edifici, le candele dei pini, tra le quali è posta una fila di edifici: tutto ciò crea una composizione architettonica e spaziale diversa, eccezionalmente espressiva e pittoresca.

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Va notato che oltre a Tapiola, nella Finlandia del dopoguerra furono costruite numerose altre aree e complessi residenziali degni di nota.

Gli architetti finlandesi hanno ottenuto notevoli successi anche nella costruzione di edifici pubblici e amministrativi. Nel 1958, A. Aalto costruì la Casa della Cultura a Helsinki per le organizzazioni dei lavoratori, in cui usò una libera combinazione di volumi a sviluppo organico e piani di mattoni curvilinei. L'anfiteatro situato in posizione asimmetrica si distingue non solo per la freschezza delle sue forme, ma anche per l'eccellente acustica, che lo rende una delle migliori sale di questo tipo in Europa. Dello stesso autore è l'ottimo edificio degli enti previdenziali a Helsinki (1952), in cui l'architetto cercò di superare lo spirito ufficiale di tali edifici, il complesso degli edifici del consiglio municipale a Säjunyatealo (1956), che è essenzialmente il centro del microdistretto e comprende una serie di elementi di servizio pubblico, amministrativo l'edificio della ditta "Rautatalo", rivestito di rame e bronzo. Va notato che gli architetti finlandesi utilizzano ampiamente facciate in lamiera e metallo profilato (rame, bronzo, alluminio anodizzato e semplice), che conferisce ai loro edifici una peculiare espressività.

Una delle più grandi istituzioni educative realizzate nel dopoguerra è l'Istituto Operaio di Turku (1958, architetto A. Ervi), in cui l'architetto ha utilizzato i contrasti di uno spazio circostante liberamente organizzato e il chiaro geometrismo degli edifici raggruppati attorno a un cortile lastricato con lastre con vasca rettangolare e gruppo scultoreo. Nelle scuole e in altri edifici scolastici, gli architetti finlandesi utilizzano ampiamente sale e auditorium universali, utilizzando sistemi di pareti scorrevoli, panchine ad anfiteatro retrattili meccanicamente, creando l'opportunità di variare la natura dello spazio interno, la capacità della stanza, ecc. in modi diversi.

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Ovunque, le caratteristiche principali dell'architettura finlandese moderna rimangono la semplicità e l'opportunità, la grande espressività emotiva, l'uso delicato del colore, l'uso di materiali locali naturali e tradizionali in Finlandia (legno, granito) e - cosa più importante - la capacità di inserirsi organicamente nel ambiente naturale, per utilizzare tutte le possibilità che il microrilievo, l'abbondanza di laghi, la rientranza della costa, la natura pittoresca e vergine della regione forestale suggeriscono all'architetto. Quest'ultima caratteristica è chiaramente visibile non solo negli edifici residenziali e pubblici, ma anche nella maggior parte degli edifici industriali, che, come la centrale elettrica sul fiume Oulun-Yoki (1949, architetto A. Ervi), crescono naturalmente da una base rocciosa granitica circondata da pini snelli e leggermente cupi. .

Va notato, tuttavia, che la portata limitata della costruzione praticamente non forniva la base economica necessaria per la produzione industriale di costruzioni di massa tipizzate. Gli edifici principali sono realizzati secondo singoli progetti. Solo le case prefabbricate in legno a un piano, destinate principalmente alle zone rurali, sono fabbricate con metodi industriali in apposite fabbriche di edilizia abitativa.

Gli architetti finlandesi usano la sintesi delle arti in modo molto moderato, limitandosi, di regola, solo a dipingere case, cosa che viene eseguita con grande abilità. Negli insiemi architettonici urbani si trovano sculture decorative e commemorative, elementi di arti e mestieri e piccole forme architettoniche sono utilizzate con un grande senso del tatto.

Artista finlandese Berndt Lindholm (1841-1914).

Berndt Adolf Lindholm Berndt Adolf Lindholm (Loviisa, 20 agosto 1841 – Göteborg, 15 maggio 1914) è stato un pittore finlandese, è anche considerato uno dei primi impressionisti finlandesi. Lindholmfu anche il primo artista scandinavo ad andare a studiare a Parigi. PHa ricevuto le sue prime lezioni di disegno a Porvoo dall'artista Johan Knutson, e poi si è trasferito alla Scuola di disegno della Società d'arte finlandese a Turku. Nel 1856-1861. è uno studente di Ekman.1863-1865 Lindholm ha continuato i suoi studi all'estero presso l'Accademia d'arte di Düsseldorf.Ha lasciato la Germania e insieme a ( Hjalmar elmo di Munster) Magnus Hjalmar Münsterhjelm (1840-1905)(Thulos 19 ottobre 1840 - 2 aprile 1905) tornò in patria a Karlsruhe (1865-1866), dove iniziò a prendere lezioni private daHans Fredrik Gude (1825-1903)e poi andò due volte a Parigi nel 1873-1874, dove il suo insegnante era Leon Bonnat. In Franciastrettamente comunicato con il Barbizon Charles-Francois Daubigny.Apprezzava anche il lavoro di Theodore Rousseau e ammirava il lavoro di Jean-Baptiste Camille Corot.La prima mostra personale si tenne a Helsinki nell'autunno del 1870, dove Lindholm fu acclamato. Nel 1873 l'Accademia delle Arti ottenne il titolo di accademico per il dipinto "Bosco in provincia di Savolas" e altri., nel 1876 fu premiato con una medaglia all'Esposizione Universale di Filadelfia; nel 1877 gli fu conferito il Premio di Stato finlandese Lindholmvissuto per lo più all'estero. Nel 1876 si trasferì a Göteborg e lavorò come curatore di musei (1878-1900). Ha anche insegnato alla Scuola di disegno e pittura di Göteborg, poi è stato eletto presidente dell'Accademia di belle arti e membro dell'Accademia reale svedese..Lui era più versatile del suo amico artista e rivale Magnus Hjalmar Munsterelmo che rimase fedele al paesaggio romantico per tutta la vita.Inizialmente, Lindholm dipinse anche tipici paesaggi romantici, e poi, sotto l'influenza della pittura plein air francese, si avvicinò gradualmente al realismo. Alla fine della sua carriera, è passato solo alla costa e paesaggi marini... È anche noto Lindholm ha partecipato all'illustrazione del libro di Zacharias Topelius - (Zacharias Topelius, 1818-1898) - uno dei rappresentanti più notevoli della letteratura finlandese. Poeta, romanziere, narratore, storico e pubblicista: meritava amore e riconoscimento, sia in patria che ben oltre i suoi confini. Topelius scriveva in svedese, sebbene parlasse correntemente anche il finlandese. Le opere di Topelius sono state tradotte in più di venti lingue. Possedeva un talento insolitamente poliedrico e una straordinaria capacità di lavoro, la raccolta completa delle sue opere comprende trentaquattro volumi. (Z. Topelius. Viaggio attraverso la Finlandia. Pubblicato da F. Tilgman, 1875. Tradotto dallo svedese F. Heuren. Contiene molte incisioni da dipinti originali di A. von Becker, A. Edelfelt, R. V. Ekman, V. Holmberg, K.E. Janson, O. Kleine, I. Knutson, B. Lindholm, G. Munstergelm e B. Reingold). Le 10 illustrazioni di Lindholm sono dedicate alla cascata di Imatra.In Finlandia le opere dell'artista durante il suo soggiorno in Francia non furono apprezzate appieno, quasi tutte si trovano in collezioni private.

spiaggia rocciosa . Ulteriore... ">

Rocce illuminate dal sole.

Bordo di una pineta.

Paesaggio forestale con figura di un taglialegna.

Il fiume che scorre zona rocciosa

Raccolta dell'avena.

Costa

Paesaggio invernale al chiaro di luna

Vista dalla costa.

Barche sul molo

Pile.

Paesaggio con betulle

Paesaggio marino.

Paesaggio marino.

Vista delle rocce.

Desiderio

sole dentro foresta.

Veduta di Ladoga.

Pescatori nella foschia mattutina

Navi all'orizzonte.

Montmartre, Parigi.

Dall'isola di Porvoo

Mucche al pascolo

L'interesse per l'arte nei paesi sviluppati rimane sempre rilevante!
In Finlandia, l'arte contemporanea continua a svilupparsi e attira molti fan con la sua audacia, autosufficienza e, naturalmente, tecniche nazionali uniche.
Oggi, proprio come molti anni fa, l'arte contemporanea finlandese mostra un legame speciale tra i finlandesi e la natura. Il design scandinavo attira con la sua semplicità e le sue note naturali. Il tema dell'interazione tra una persona e tutti gli esseri viventi che lo circondano, nell'arte contemporanea finlandese, occupa ancora un posto chiave. Artisti, fotografi e designer finlandesi continuano a trarre ispirazione per il loro lavoro da ciò che è veramente vivo e fondamentale: l'uomo, la natura, la bellezza, la musica.

Il corrispondente del portale culturale e informativo Finmaa ha incontrato una nota artista contemporanea finlandese, Kaarina Helenius, e ha cercato di scoprire come e come vive un artista contemporaneo in Finlandia.

Finlandia:— Cosa significa l'arte contemporanea in Finlandia oggi?
- Caratterizzerei l'arte contemporanea come opere realizzate con l'aiuto di altre nuove tecniche. Si possono usare anche vecchi trucchi, ma con un nuovo sguardo alle cose vecchie.

Finlandia:— Quanto è richiesta l'arte contemporanea, se parliamo dell'interesse per essa da parte di un vero acquirente? Puoi guadagnarti da vivere facendo questo in Finlandia?
— L'arte contemporanea è molto richiesta in Finlandia. I finlandesi sono particolarmente interessati al lavoro dei giovani artisti. Tuttavia, non ci sono molti artisti in Finlandia che si guadagnano da vivere solo con l'arte. Di solito l'artista ha una formazione professionale e svolge parallelamente altri tipi di lavoro. Ad esempio, io sono un grafico. Ho la mia agenzia pubblicitaria e durante il giorno lavoro nel mio ufficio. Mi piace fare entrambe le cose, quindi mi piace fare due tipi di lavoro.

Finlandia:— Vivi e lavori a Hämeenlinna. Quale pensi sia l'atmosfera giusta per la creatività in questa città o in Finlandia in generale?
— Hämeenlinna è una piccola città che si trova in una posizione comoda rispetto ad altre città culturali in Finlandia. Da qui è facile raggiungere Helsinki o Tampere. Hämeenlinna è una città molto tranquilla, è sicuro vivere qui ed è facile essere creativi. Ad esempio, il mio studio, dove disegno i miei quadri, si trova sul territorio dell'ex caserma. Ha un'atmosfera molto tranquilla e pacifica, una natura meravigliosa e un luogo ideale per passeggiare.

Finlandia:— Cosa ti ispira nel tuo lavoro? Come nascono le immagini dei tuoi quadri?
-Sono ispirato dalla musica, dalla moda e dalla natura. Creo tutte le immagini nella mia testa e quando inizio a disegnare so già cosa dovrebbe accadere.

Finlandia:— Quanto tempo richiede un lavoro, i tuoi dipinti sono facili per te o è davvero un lavoro difficile e scrupoloso?
Un dipinto richiede circa 2-4 settimane. Uso colori ad olio, che applico con pennellate sul materiale. Disegno tutte le immagini prima nella mia testa, ci sono molte idee. Se ci sono immagini umane nel mio lavoro, invito persone reali e faccio schizzi dalla natura, quindi, sulla base dello schizzo, inizio a disegnare un'immagine. Cerco di disegnare lo schizzo nel miglior modo possibile, poiché il tempo è sempre limitato. Lavoro nel mio atelier la sera dopo il mio lavoro principale e nei fine settimana.

Finlandia:- Disegni la natura, questa direzione è più richiesta oggi o è la tua espressione personale?
— Nel mio lavoro non cerco di creare dipinti alla moda o di concentrarmi su persone nude. Voglio sempre mostrare sentimenti o eventi. L'uomo è solo una parte dell'idea.

Finlandia: Come ti sei interessato al disegno? Dove hai iniziato?
— Ho un'educazione artistica professionale. Ho studiato in una scuola d'arte nella città di Hyvinkää. Ho anche un background nel commercio e nel graphic design.
Mi sono innamorato del disegno per caso all'età di 18 anni. Mi è piaciuta questa occupazione e sono andato a studiare come artista professionista. Poco dopo ho capito che mi piace questa occupazione e voglio lavorare seriamente in questo settore. Dopo la scuola d'arte, ho studiato graphic design, che mi piaceva anche molto. In Finlandia è difficile essere solo un artista, nonostante il sostegno dello Stato. Inizia così la mia carriera artistica. Successivamente, ho avuto le mie mostre, che si sono tenute in diverse città della Finlandia.

Finlandia:— Quali difficoltà incontra un artista o un designer nel suo lavoro in Finlandia?
— In Finlandia, gli artisti possono contare sul sostegno finanziario dello Stato, ma questo non è sufficiente per una vita normale. La situazione economica del Paese influisce anche sulla vendita dei quadri.

Finlandia:- A cosa stai lavorando ora?
– Ora sto dipingendo quadri per la mia prossima mostra, che si terrà in Russia, nella città di San Pietroburgo, a maggio 2016. Sto anche programmando diverse mostre in Finlandia per il 2016 e il 2017.

Finlandia: Cos'altro ti piace fare nel tuo tempo libero? Hai un hobby?
— Non ho quasi tempo libero, ma amo fare jogging e ogni tanto vado in palestra.

Finlandia:- Ti piace viaggiare? Sei riuscito a visitare la Russia e in quale città? Cosa ti è piaciuto e ricordi?
— La prima volta che sono riuscito a visitare la Russia è stato nel marzo 2015. Poi ho vissuto nella Casa-Finlandia in Bolshaya Konyushennaya Street. Questa città mi è piaciuta molto e sono tornata una seconda volta, già a settembre. Mi piace molto la cucina nazionale russa. Anche le persone a San Pietroburgo sono molto amichevoli e accoglienti. Sono molto interessato all'arte contemporanea e al design di giovani artisti russi. San Pietroburgo ha molti centri di design, gallerie espositive e negozi di moda. Non parlo russo, conosco solo poche parole, ma mi piacerebbe imparare questa lingua. Non sono ancora stato in altre città russe, ma sono pronto a venire a San Pietroburgo ancora e ancora!

Finlandia:— Se hai un sogno?
— Voglio davvero continuare a fare ciò che amo e creare nuovi progetti. Di recente ho lavorato al design di una linea di gioielli in argento per un'azienda finlandese. Il progetto ha avuto molto successo e non vedo l'ora di continuare a lavorare in questo settore.

Finmaa, 2016.
Hämeenlinna, Finlandia