Arte rinascimentale. L'era rinascimentale copre il periodo

F.Lippe Madonna

All'inizio del XV secolo ci furono enormi cambiamenti nella vita e nella cultura in Italia. Dal XII secolo i cittadini, i mercanti e gli artigiani d'Italia hanno condotto un'eroica lotta contro la dipendenza feudale. Sviluppando il commercio e la produzione, i cittadini si arricchirono gradualmente, abbandonarono il potere dei signori feudali e organizzarono città-stato libere. Queste libere città italiane divennero molto potenti. I loro cittadini erano orgogliosi delle loro conquiste. L'enorme ricchezza delle città italiane indipendenti le fece fiorire. La borghesia italiana guardava il mondo con occhi diversi, credeva fermamente in se stessa, nella propria forza. Erano estranei al desiderio di sofferenza, umiltà, rifiuto di tutte le gioie terrene che finora erano state loro predicate. Crebbe il rispetto per la persona terrena che gode delle gioie della vita. Le persone hanno iniziato ad assumere un atteggiamento attivo nei confronti della vita, esplorare con entusiasmo il mondo, ammirarne la bellezza. Durante questo periodo nascono varie scienze, si sviluppa l'arte.

In Italia sono stati conservati molti monumenti dell'arte dell'antica Roma, quindi l'era antica è stata nuovamente venerata come modello, l'arte antica è diventata oggetto di ammirazione. L'imitazione dell'antichità ha dato motivo di chiamare questo periodo artistico - il Rinascimento, che in francese significa "Rinascimento". Certo, questa non era una ripetizione cieca ed esatta dell'arte antica, era già arte nuova, ma basata su modelli antichi. Il Rinascimento italiano è diviso in 3 fasi: VIII - XIV secolo - Pre-rinascimento (Proto-rinascimento o Trecento - con esso.); XV secolo - primo Rinascimento (Quattrocento); fine XV - inizio XVI secolo - Alto Rinascimento.

Scavi archeologici sono stati effettuati in tutta Italia, alla ricerca di monumenti antichi. Le statue, le monete, gli utensili, le armi appena scoperte sono state accuratamente conservate e raccolte in musei appositamente creati per questo scopo. Gli artisti hanno studiato su questi campioni dell'antichità, li hanno disegnati dalla natura.

Fuga in Egitto (Giotto)

Trecento (pre-rinascimento)

Il vero inizio del Rinascimento è associato al nome Giotto di Bondone(1266? - 1337). È considerato il fondatore della pittura rinascimentale. Il fiorentino Giotto ha dato grandi contributi alla storia dell'arte. Era un rinnovatore, l'antenato di tutta la pittura europea dopo il Medioevo. Giotto ha dato vita alle scene evangeliche, ha creato immagini di persone reali, spiritualizzate, ma terrene.

Ritorno di Gioacchino ai pastori (Giotto)

Giotto per la prima volta crea volumi con l'ausilio del chiaroscuro. Gli piacciono i colori puliti e chiari in tonalità fredde: rosa, grigio perla, viola pallido e lilla chiaro. Le persone negli affreschi di Giotto sono tozze, dal passo pesante. Hanno grandi tratti del viso, zigomi larghi, occhi stretti. Il suo uomo è gentile, premuroso, serio.

Affresco di Giotto nel tempio di Padova

Delle opere di Giotto, gli affreschi nei templi di Padova sono meglio conservati. Ha presentato le storie del Vangelo qui come esistenti, terrene, reali. In queste opere racconta i problemi che preoccupano le persone in ogni momento: la gentilezza e la comprensione reciproca, l'inganno e il tradimento, la profondità, il dolore, la mansuetudine, l'umiltà e l'eterno amore materno divorante.

Affresco di Giotto

Invece di singole figure disparate, come nella pittura medievale, Giotto è riuscito a creare una storia coerente, un'intera narrazione sulla complessa vita interiore dei personaggi. Al posto del convenzionale sfondo dorato dei mosaici bizantini, Giotto introduce uno sfondo paesaggistico. E se nella pittura bizantina le figure, per così dire, si libravano, erano sospese nello spazio, allora gli eroi degli affreschi di Giotto trovavano un terreno solido sotto i loro piedi. La ricerca di Giotto per il trasferimento dello spazio, la plasticità delle figure, l'espressività del movimento hanno reso la sua arte un intero palcoscenico nel Rinascimento.

Affresco di S.Martini

Uno dei famosi maestri del prerinascimento è Simone Martini (1284 - 1344).

Nella sua pittura si sono conservate le caratteristiche del gotico settentrionale: le figure di Martini sono allungate e, di regola, su fondo dorato. Ma Martini crea immagini con l'aiuto del chiaroscuro, conferisce loro un movimento naturale, cerca di trasmettere un certo stato psicologico.

Frammento di affresco. Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)

Quattrocento (primo Rinascimento)

L'antichità ha svolto un ruolo enorme nella formazione della cultura secolare del primo Rinascimento. Apre a Firenze l'Accademia Platonica, la biblioteca Laurenziana contiene la più ricca collezione di manoscritti antichi. Compaiono i primi musei d'arte, pieni di statue, frammenti di architetture antiche, marmi, monete e ceramiche.

Nel Rinascimento spiccavano i principali centri della vita artistica d'Italia: Firenze, Roma, Venezia. Uno dei centri più grandi, culla di un'arte nuova e realistica, fu Firenze. Nel XV secolo vi abitarono, studiarono e lavorarono molti famosi maestri del Rinascimento.

Cattedrale di Santa Maria del Fiore (Duomo di Firenze)

Architettura del primo Rinascimento

Gli abitanti di Firenze avevano un'alta cultura artistica, parteciparono attivamente alla creazione di monumenti cittadini e discussero le opzioni per la costruzione di splendidi edifici. Gli architetti abbandonarono tutto ciò che somigliava al gotico. Sotto l'influenza dell'antichità, gli edifici coronati da una cupola iniziarono a essere considerati i più perfetti. Il modello qui era il Pantheon romano.

Firenze è una delle città più belle del mondo, una città-museo. Ha conservato quasi intatta la sua architettura dall'antichità, i suoi edifici più belli sono stati per lo più costruiti durante il Rinascimento. Sopra i tetti di mattoni rossi degli antichi edifici di Firenze si erge l'enorme edificio del Duomo cittadino di Santa Maria del Fiore, spesso chiamato semplicemente il Duomo di Firenze. La sua altezza raggiunge i 107 metri. Una magnifica cupola, la cui armonia è sottolineata da nervature di pietra bianca, incorona la cattedrale. La cupola colpisce per le dimensioni (il suo diametro è di 43 m), corona l'intero panorama della città. La cattedrale è visibile da quasi tutte le strade di Firenze, chiaramente incombente contro il cielo. Questa magnifica struttura fu costruita dall'architetto Filippo Brunelleschi (1377 - 1446).

Cattedrale di San Pietro (arch. Brunelleschi e Bramante)

L'edificio a cupola più magnifico e famoso del Rinascimento era Basilica di San Pietro a Roma. È stato costruito in 100 anni. I creatori del progetto originale erano architetti Bramante e Michelangelo.

Gli edifici rinascimentali sono decorati con colonne, pilastri, teste di leone e "putti" (bambini nudi), ghirlande di fiori e frutti in gesso, foglie e molti dettagli, campioni dei quali sono stati trovati nelle rovine di antichi edifici romani. L'arco semicircolare è tornato di moda. Le persone ricche iniziarono a costruire case più belle e più confortevoli. Invece di case strette l'una all'altra, apparvero palazzi lussuosi: palazzi.

David (sc.Donatello)

Scultura del primo Rinascimento

Nel XV secolo a Firenze hanno creato due famosi scultori: Donatello e Verrocchio. Donatello (1386? - 1466)- uno dei primi scultori in Italia, che ha utilizzato l'esperienza dell'arte antica. Ha creato una delle opere più belle del primo Rinascimento: la statua del David.

Secondo la leggenda biblica, un semplice pastore, il giovane Davide sconfisse il gigante Golia, salvando così gli abitanti della Giudea dalla schiavitù e in seguito divenne re. David era una delle immagini preferite del Rinascimento. È raffigurato dallo scultore non come un umile santo della Bibbia, ma come un giovane eroe, vincitore, difensore della sua città natale. Nella sua scultura, Donatello canta l'uomo come l'ideale di una bella personalità eroica nata nel Rinascimento. David è incoronato con la corona d'alloro del vincitore. Donatello non aveva paura di introdurre un dettaglio come il cappello di un pastore, segno della sua semplice origine. Nel Medioevo la chiesa proibiva di raffigurare un corpo nudo, considerandolo un vaso del male. Donatello fu il primo maestro che violò coraggiosamente questo divieto. Afferma con ciò che il corpo umano è bello. La statua del David è la prima scultura rotonda di quell'epoca.

Statua del condottiero Gattamelata (sc. Donatello)

È nota anche un'altra bellissima scultura di Donatello: una statua di un guerriero, il comandante Gattamelata. Fu il primo monumento equestre del Rinascimento. Creato 500 anni fa, questo monumento si erge ancora su un alto piedistallo, decorando la piazza della città di Padova. Per la prima volta non un dio, non un santo, non un uomo nobile e ricco è stato immortalato nella scultura, ma un nobile, coraggioso e formidabile guerriero con una grande anima, che meritava fama per grandi imprese. Vestito con un'armatura antica, Gattemelata (questo è il suo soprannome, che significa "gatto maculato") siede su un possente cavallo in una posa calma e maestosa. I lineamenti del volto del guerriero sottolineano un carattere deciso e fermo.

Monumento equestre al condottiero Colleoni (Verocchio)

Andrea Verrocchio (1436 -1488)

Il più famoso allievo di Donatello, che realizzò il famoso monumento equestre al condottiero Colleoni, che fu collocato a Venezia sulla piazza vicino alla chiesa di San Giovanni. La cosa principale che colpisce nel monumento è il movimento energetico congiunto del cavallo e del cavaliere. Il cavallo, per così dire, si precipita oltre il piedistallo di marmo su cui è eretto il monumento.

Il Colleoni, in piedi sulle staffe, disteso, alzando la testa, scruta lontano. Una smorfia di rabbia e tensione gli si gelò sul volto. Nella sua postura si sente un'enorme volontà, il suo viso ricorda un rapace. L'immagine è piena di forza indistruttibile, energia, dura autorità.

Affresco di Masaccio

Pittura del primo Rinascimento

Il Rinascimento ha aggiornato anche l'arte della pittura. I pittori hanno imparato a trasmettere correttamente lo spazio, la luce e l'ombra, le pose naturali, i vari sentimenti umani. Era il primo Rinascimento che era il momento dell'accumulo di queste conoscenze e abilità. I dipinti di quel tempo sono intrisi di luce e buon umore. Lo sfondo è spesso dipinto con colori chiari, mentre edifici e motivi naturali sono delineati con linee nette, predominano i colori puri. Con ingenua diligenza vengono raffigurati tutti i dettagli dell'evento, i personaggi sono spesso allineati e separati dallo sfondo da contorni netti.

La pittura del primo Rinascimento mirava solo alla perfezione, tuttavia, grazie alla sua sincerità, tocca l'anima dello spettatore.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, detto Masaccio (1401 - 1428)

È considerato un seguace di Giotto e il primo maestro della pittura del primo Rinascimento. Masaccio ha vissuto solo 28 anni, ma in una vita così breve ha lasciato un segno nell'arte difficile da sopravvalutare. Riuscì a portare a termine le rivoluzionarie trasformazioni della pittura iniziate da Giotto. La sua pittura si distingue per un colore scuro e profondo. Le persone negli affreschi di Masaccio sono molto più dense e potenti che nei dipinti dell'era gotica.

Affresco di Masaccio

Masaccio fu il primo a disporre correttamente gli oggetti nello spazio, tenendo conto della prospettiva; iniziò a raffigurare le persone secondo le leggi dell'anatomia.

Ha saputo unire figure e paesaggio in un'unica azione, trasmettere la vita della natura e delle persone in modo drammatico e allo stesso tempo del tutto naturale - e questo è il grande merito del pittore.

Adorazione dei Magi (Masaccio)

Madonna col Bambino e quattro angeli (Masaccio)

Si tratta di una delle poche opere da cavalletto commissionate da Masaccio nel 1426 per la cappella della chiesa di Santa Maria del Carmine a Pisa.

La Madonna siede su un trono costruito rigorosamente secondo le leggi della prospettiva giottesca. La sua figura è scritta con tratti sicuri e chiari, che creano l'impressione di un volume scultoreo. Il suo viso è calmo e triste, il suo sguardo distaccato non è diretto da nessuna parte. Avvolta in un manto blu scuro, la Vergine Maria tiene tra le braccia il Bambino, la cui figura dorata si staglia netta su uno sfondo scuro. Le profonde pieghe del mantello permettono all'artista di giocare con il chiaroscuro, che crea anche un particolare effetto visivo. Il bambino mangia l'uva nera, simbolo di comunione. Gli angeli disegnati in modo impeccabile (l'artista conosceva perfettamente l'anatomia umana) che circondano la Madonna conferiscono all'immagine un ulteriore suono emotivo.

Masaccio Affresco dalla biblioteca del Duomo di Siena, dedicato alla biografia dell'umanista e poeta Enea Silvio Piccolomini (1405-1464)

Qui viene presentata la solenne partenza del cardinale Kapranik verso il duomo di Basilea, durata quasi 18 anni, dal 1431 al 1449, prima a Basilea e poi a Losanna. Anche il giovane Piccolomini era al seguito del cardinale.

In un'elegante cornice ad arco semicircolare è presentato un gruppo di cavalieri, accompagnati da paggi e servitori. L'avvenimento non è così reale e attendibile, ma cavallerescamente raffinato, quasi fantastico.

In primo piano, un bellissimo cavaliere su un cavallo bianco, con un vestito e un cappello lussuosi, girando la testa, guarda lo spettatore: questo è Enea Silvio. Con piacere l'artista dipinge abiti ricchi, bellissimi cavalli in coperte di velluto. Le proporzioni allungate delle figure, i movimenti leggermente manierati, le leggere inclinazioni della testa sono vicine all'ideale di corte.

La vita di papa Pio II fu ricca di eventi luminosi, e Pinturicchio parlò degli incontri del papa con il re di Scozia, con l'imperatore Federico III.

Santi Girolamo e Giovanni Battista (Masaccio)

L'unica fascia dipinta da Masaccio per un trittico bifacciale. Dopo la morte prematura del pittore, il resto dell'opera, commissionata da papa Martino V per la chiesa di Santa Maria in Roma, fu completata dall'artista Masolino.

Raffigura due figure di santi rigorose e monumentalmente eseguite vestite di rosso. Girolamo tiene in mano un libro aperto e un plastico della basilica, ai suoi piedi giace un leone. Giovanni Battista è raffigurato nella sua forma abituale: è scalzo e tiene in mano una croce. Entrambe le figure colpiscono per la precisione anatomica e un senso del volume quasi scultoreo.

Ritratto di fanciullo (1480) (Pinturicchio)

L'interesse per l'uomo, l'ammirazione per la sua bellezza erano così grandi nel Rinascimento che questo portò all'emergere un nuovo genere nella pittura: il genere del ritratto.

Pinturicchio (variante di Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)

Originario di Perugia in Italia. Per qualche tempo dipinse miniature, aiutò Pietro Perugino a decorare con affreschi la Cappella Sistina a Roma. Matura esperienza nella forma più complessa di pittura murale decorativa e monumentale. Pochi anni dopo, Pinturicchio divenne un muralista indipendente. Ha lavorato agli affreschi negli appartamenti Borgia in Vaticano. Ha realizzato pitture murali nella biblioteca del duomo di Siena.

L'artista non solo trasmette una somiglianza di ritratto, ma cerca di rivelare lo stato interiore di una persona. Davanti a noi c'è un adolescente, vestito con un rigoroso abito da città rosa, con un berretto blu in testa. I capelli castani cadono sulle spalle, incorniciando un viso delicato, lo sguardo attento degli occhi castani è pensieroso, un po' ansioso.

Alle spalle del ragazzo un paesaggio umbro con alberi sottili, un fiume argenteo, un cielo che si tinge di rosa all'orizzonte. La tenerezza primaverile della natura, come eco del carattere dell'eroe, è in armonia con la poesia e il fascino dell'eroe.

L'immagine del ragazzo è data in primo piano, grande e occupa quasi l'intero piano del quadro, e il paesaggio è dipinto sullo sfondo e molto piccolo.

Ciò crea l'impressione del significato dell'uomo, il suo dominio sulla natura circostante, afferma che l'uomo è la creazione più bella della terra.

Madonna col Bambino e due angeli (F. Lippi)

Filippo Lippi (1406 - 1469)

C'erano leggende sulla vita di Lippi. Lui stesso era un monaco, ma lasciò il monastero, divenne un artista errante, rapì una suora dal monastero e morì avvelenato dai parenti di una giovane donna di cui si innamorò in età avanzata. Dipinse immagini della Madonna col Bambino, piene di sentimenti ed esperienze umane viventi. Nei suoi dipinti raffigurava molti dettagli: oggetti per la casa, l'ambiente, quindi i suoi soggetti religiosi erano simili ai dipinti secolari.

Annunciazione (1443) (F. Lippi)

Incoronazione di Maria (1441-1447) (F. Lippi)

Ritratto di Giovanna Tornabuoni (1488) (Ghirlandaio)

Dipinse non solo soggetti religiosi, ma anche scene della vita della nobiltà fiorentina, della loro ricchezza e del loro lusso, ritratti di nobili.

Davanti a noi c'è la moglie di un ricco fiorentino, amico dell'artista. In questa giovane donna non molto bella, lussuosamente vestita, l'artista ha espresso calma, un momento di quiete e silenzio. L'espressione sul volto della donna è fredda, indifferente a tutto, sembra che preveda la sua morte imminente: poco dopo aver dipinto il ritratto, morirà. La donna è raffigurata di profilo, tipico di molti ritratti dell'epoca.

Battesimo (1458-1460) (P. della Francesca)

Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)

Uno dei nomi più significativi della pittura italiana del Quattrocento. Compì numerose trasformazioni nei metodi di costruzione della prospettiva di uno spazio pittoresco.

Il quadro è stato dipinto su una tavola di pioppo con tempera all'uovo - ovviamente, a questo punto l'artista non aveva ancora padroneggiato i segreti della pittura a olio, nella tecnica con cui sarebbero state scritte le sue opere successive.

L'artista ha colto la manifestazione del mistero della Santissima Trinità al momento del Battesimo di Cristo. La colomba bianca, spiegando le ali sopra la testa di Cristo, simboleggia la discesa dello Spirito Santo sul Salvatore. Le figure di Cristo, Giovanni Battista e gli angeli in piedi accanto a loro sono dipinte con colori sobri.

Affresco della Francesca

I suoi affreschi sono solenni, sublimi e maestosi. Francesca credeva nell'alto destino dell'uomo e nelle sue opere si fanno sempre cose meravigliose. Ha usato transizioni di colori sottili e delicate. Francesca è stata la prima a dipingere en plein air (nell'aria).

Cristo Morto (Mantegna)

Andrea Mantegna (1431 - 1506)

Importante artista padovano. Ammirava la dura grandezza delle opere di artisti antichi. Le sue immagini ricordano le sculture greche: rigorose e belle. Nei suoi affreschi, Mantegna ha cantato la personalità eroica. La natura nei suoi dipinti è deserta e inospitale.

Mantegna. Madonna col Bambino con Giovanni Battista e Maria Maddalena (1500)

La Madonna siede su una sedia scarlatta sotto un baldacchino e tiene tra le braccia il Cristo Bambino nudo. Non c'è niente di regale nelle vesti della Vergine Maria, anzi, questa è l'immagine di una giovane contadina. Il corpo nudo del Bambino sembra sorprendentemente vivo. Ai lati della Madonna sono Giovanni Battista e Maria Maddalena. Nelle mani della Maddalena c'è un vaso con l'incenso per l'unzione, la croce nelle mani di Giovanni è avvolta attorno a un nastro con un testo sull'agnello, espiazione dei peccati del mondo. Le figure sono disegnate nel modo consueto per un artista e sembrano scolpite nella pietra, ogni piega è nettamente definita nei loro vestiti. Lo sfondo è l'immagine di un giardino con fogliame scuro. Nel suo tono, questa vegetazione contrasta con il cielo verde pallido e chiaro. Il lavoro evoca una sensazione di profonda tristezza e un certo destino.

Parnaso (Mantegna)

Preghiera per il Calice (Mantegna)

Questo quadretto raffigura il momento in cui, dopo l'Ultima Cena, Gesù si ritira con san Pietro e i due figli di Zebedeo nell'orto del Getsemani, dove, lasciandosi accompagnare dagli apostoli, parte per pregare, rivolgendosi a Dio Padre: “ Padre mio! questo".

La figura inginocchiata di Cristo in posa orante è il centro compositivo del quadro. I suoi occhi sono rivolti al cielo, dove è visibile un gruppo di angeli su una nuvola. Ai piedi del monte dormono gli apostoli che accompagnano Cristo.

Sulla strada che conduce al giardino, illustrando fedelmente le parole del Vangelo: "Ecco, si è avvicinato il traditore di me", è visibile un gruppo di guardie, guidate da Giuda.

C'è molto simbolismo nella foto: un albero secco con un avvoltoio fa presagire la morte e un ramo con un germoglio verde indica un'imminente risurrezione; umili conigli seduti sulla strada lungo la quale passerà un distaccamento di soldati romani per prendere in custodia Cristo parlano della mansuetudine di una persona di fronte alla morte imminente. Tre ceppi lasciati da alberi appena abbattuti ricordano l'imminente crocifissione.

Sacra conversazione (Bellini)

Giovanni Bellini (1427/1430 - 1516)

I fratelli Bellini si mostrarono brillantemente nel primo Rinascimento. Particolarmente famoso è Giovanni Bellini, detto spesso Gianbellino. È cresciuto nella famiglia di un importante pittore veneziano. Insieme a suo fratello fin dalla giovinezza, ha aiutato suo padre a svolgere ordini artistici. Ha lavorato alla decorazione del Palazzo Ducale a Venezia.

La sua pittura si distingue per la morbida pittoricità, il ricco colore dorato. Le Madonne di Gianbellino sembrano dissolversi nel paesaggio, sempre organiche con esso.

Madonna nel prato (1500-1505) Bellini.

Al centro dell'immagine c'è l'immagine di una giovane Maria seduta in un prato, sulle cui ginocchia dorme un bambino nudo. Il suo viso pensieroso è affascinante, le sue mani giunte in un gesto di preghiera sono bellissime. La statuina del divino bambino sembra essere una scultura, questo indica una stretta conoscenza dell'opera del Mantegna. Tuttavia, la morbidezza del chiaroscuro e la saturazione complessiva dei colori suggeriscono che Bellini abbia trovato la sua strada nella pittura.

Sullo sfondo c'è un bellissimo paesaggio. L'immagine è stata dipinta in tecnica mista, che ha permesso all'artista di rendere i contorni più morbidi e i colori più saturi.

Ritratto del Doge Leonardo Loredan. Bellini

Questo ritratto è stato commissionato da Bellini come artista della Repubblica di Venezia. Il doge è qui raffigurato quasi frontalmente, contrariamente alla tradizione allora esistente di raffigurare volti di profilo, anche su medaglie e monete.

Chiaro chiaroscuro disegna perfettamente zigomi alti, naso e mento testardo di un volto intelligente e volitivo di una persona anziana. Su uno sfondo azzurro-verde acceso spicca in contrasto un manto in broccato bianco con oro e argento. Il doge lo indossava nella festa della Candelora, il giorno in cui si fidanzò con il mare, prendendo il potere su Venezia per un anno. Il lavoro ad olio ha aiutato l'artista a riempire d'aria lo spazio del quadro e quindi a rendere sorprendentemente viva l'immagine del Doge.

La cultura italiana nel periodo 1200-1300. A volte - il palcoscenico della cultura europea comune del 1100 - 1200. Durante questo periodo vengono poste le caratteristiche principali del Rinascimento.

Primo Rinascimento

Il primo Rinascimento, caratterizzato dall'emergere della letteratura rinascimentale e delle discipline umanistiche ad essa correlate, copre il XIV e la maggior parte del XV secolo, cioè cronologicamente risale al Medioevo.

Alto Rinascimento

L'Alto Rinascimento è un periodo nella storia dell'arte italiana tra la fine del XV e il primo terzo del XVI secolo, segnato da un'ascesa senza precedenti della pittura, dell'architettura e della letteratura. I rappresentanti più brillanti sono Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti, Rafael Santi.

L'Alto Rinascimento divenne il periodo più luminoso e fecondo, quando il pensiero e le belle arti rinascimentali raggiunsero il loro apice più alto. A questo punto, il Rinascimento è andato oltre l'Italia, diventando un fenomeno paneuropeo. Fu allora che i contemporanei di questo sconvolgimento culturale sentirono chiaramente l'inizio di tempi nuovi, e il concetto stesso di "Rinascimento" entrò nella vita quotidiana delle persone istruite.

Tardo Rinascimento

Il tardo Rinascimento (gli ultimi decenni del XVI secolo) coincise nel tempo con l'inizio ei primi successi della Riforma religiosa in Europa. La cultura del tardo Rinascimento è quindi nella stessa misura la cultura della Riforma, il risultato di una complessa interazione di questi due processi storici. Durante questo periodo, l'Europa entrò finalmente nell'età moderna.

Nel Rinascimento divenne la visione del mondo alla base di tutto lo sviluppo culturale umanesimo. È caratterizzato dall'ammirazione per una persona reale, dalla fede nelle sue capacità creative, dal riconoscimento dell'importanza dell'esistenza terrena. Gli umanisti si consideravano seguaci di antichi pensatori, l'antichità per loro era un ideale e uno standard. Tuttavia, nella cultura del Rinascimento, gli elementi formatisi nel Medioevo si sono rivelati non meno importanti degli elementi della cultura antica. La cultura del Rinascimento divenne una sintesi della cultura medievale e antica e fu preparata dall'intero secolare processo di sviluppo culturale europeo.

Le idee umanistiche hanno fatto una vera rivoluzione nell'arte. Le opere d'arte stanno diventando più realistiche, in esse si può rintracciare l'ammirazione non solo per la bellezza umana anime ma anche la perfezione del corpo umano. Artisti e scultori si sforzano di trasmettere l'intera gamma di sentimenti ed esperienze umane, comprese quelle associate alle gioie e alle preoccupazioni terrene.

La grande svolta del Rinascimento, che ha determinato i percorsi per l'ulteriore sviluppo della cultura mondiale, si è manifestata più chiaramente nelle arti visive.materiale dal sito

Letteratura rinascimentale

È considerato il fondatore del Rinascimento italiano Francesco Petrarca(1804-1374), nella cui opera risuonano i motivi dell'amore umano terreno. Le tradizioni umanistiche nella letteratura italiana furono sviluppate da un giovane contemporaneo di Petrarca Giovanni Boccacci(1313-1375), divenuto famoso in tutto il mondo grazie a una raccolta di novelle detta il Decamerone.

Pittura rinascimentale

Si possono chiamare i veri maestri del primo Rinascimento nella pittura italiana Giotto E Sandro Botticelli, e nella scultura italiana - Bernardo, Antonio Rosselino, Donatello creatore della prima scultura di nudo.

Breve guida alle idee del Rinascimento europeo.

Rinascimento

Storia e caratteristiche

Per duecento anni, l'Europa è stata testimone di uno straordinario rinascimento della pittura, della scultura e dell'architettura, con l'Italia come epicentro. Il concetto di "Rinascimento" è apparso nel XIX secolo grazie al lavoro dello storico Michelet e del professore di storia dell'arte Jacob Burckhard.

Caratteristica

Il Rinascimento italiano restaurò l'arte occidentale sulla falsariga dell'arte greca classica, specialmente nei campi della scultura e della pittura. Dall'inizio del XIV secolo, alla ricerca di un nuovo insieme di valori artistici e di una risposta allo stile gotico, maestri e pensatori italiani iniziarono a ispirarsi alle idee dell'antica Grecia e di Roma, che era in perfetta sintonia con il loro desiderio di creare una forma d'arte universale e nobile ed esprimere lo stato d'animo di quel tempo.

Umanesimo

Innanzitutto l'arte di quel tempo era condizionata dal concetto filosofico di "umanesimo", basato su conquiste esistenti (ad esempio, democratiche).

Nelle arti visive, l'umanesimo sostiene:

• Creazione di una composizione unica invece di immagini stereotipate e simboliche.
• Maggiore realismo e attenzione ai dettagli, che si riflette nello sviluppo delle teorie della prospettiva lineare. Questo approccio spiega sia la venerazione delle sculture classiche sia la caduta di moda delle opere bizantine.
• Enfasi sullo sviluppo e la promozione di azioni virtuose. Il principale teorico dell'arte dell'epoca, Alberti (1404-1472), affermava che "la felicità non può essere raggiunta senza azioni buone, giuste e giuste".

Cause

Non è ancora chiaro cosa abbia causato questo cambiamento nell'art. Anche se i secoli bui per l'Europa finirono e la chiesa cristiana conobbe una rinascita nel XII e XIII secolo, nel XIV secolo ci furono seri problemi con i raccolti, un'epidemia di peste e una guerra tra Inghilterra e Francia. Pertanto, la ragione della svolta nella creatività, ovviamente, è stata una serie di fattori ed eventi storici.

Tendenze di sviluppo positive si osservano in quel momento in Italia. Venezia e Genova si arricchirono grazie al commercio con l'Oriente e Firenze divenne il centro della produzione di gioielli, lana e seta. La prosperità arriva gradualmente nel Nord Europa, come dimostra la formazione della Lega Anseatica.

L'invenzione della stampa ha contribuito a diffondere nuove idee, riflettendo, in una certa misura, l'impazienza del lento progresso dopo mille anni di carestia culturale e intellettuale, il desiderio di rinascita.

La debolezza della Chiesa

La precaria posizione della chiesa diede ulteriore impulso allo sviluppo. Ciò porta all'ascesa di visioni umanistiche e incoraggia il clero a decorare templi e chiese, a collaborare con architetti e scultori. La reazione a questo cambiamento, nota come controriforma, durò fino alla fine del Cinquecento.

Sviluppo

Il Rinascimento è anche parallelo all'inizio delle grandi scoperte occidentali. Gli europei esplorano nuove rotte marittime, esplorano continenti e creano nuove colonie. Nuove ricerche sono in corso anche in altre aree legate alla scienza, alla natura e al mondo. I maestri delle belle arti dimostrano il proprio desiderio di nuovi metodi e conoscenze. Secondo l'artista, architetto e storico italiano Giorgio Vasari (1511-1574), cresce non solo il rispetto per l'arte e l'antichità classica, ma anche il desiderio di imparare dalla natura e imitarla.

Epicentro

Oltre ad essere la nazione commerciale più ricca, l'Italia disponeva di un numero enorme di opere e manufatti classici. Esempi di architettura e scultura romana, così come opere dell'antica Grecia, sono stati trovati in quasi tutte le città del paese. Inoltre, la caduta di Costantinopoli, capitale dell'impero bizantino, fece emigrare in Italia molti studiosi greci, con le loro idee classiche e testi importanti. Tutti questi fattori spiegano perché questo particolare paese divenne il centro del Rinascimento europeo.

Nel Nord Europa, il Rinascimento è caratterizzato dai progressi nella rappresentazione della luce, nella sua diffusione e riflessione, come si riflette nei ritratti e nelle nature morte. Ciò è in parte dovuto al fatto che la maggior parte degli artisti del Rinascimento settentrionale usava i colori ad olio all'inizio del XV secolo, preferendoli alla tempera o all'affresco, che (per molte ragioni, anche climatiche) erano ancora preferiti e popolari in Italia.

L'arte religiosa di quel tempo è dominata dall'immagine degli apostoli e dei membri della Sacra Famiglia, raffigurati come persone viventi. Le loro pose e l'ambiente circostante esprimono vere emozioni umane. Anche le trame e le storie della mitologia classica che illustrano le idee dell'umanesimo sono popolari.

Tiziano.

Vale anche la pena notare che lo status della professione di artisti e scultori si sta spostando a un nuovo livello, perché ora la creazione di dipinti e sculture richiede preparazione mentale e tecnica seria.

gallerie

Le seguenti gallerie italiane hanno collezioni significative di dipinti o sculture rinascimentali:

• Galleria degli Uffizi.
• Palazzo Pitti.
• Musei del Vaticano.
• Galleria Doria-Pamphili.
• Museo di Capodimonte.
• Museo Isabella Stewart Gardner.

Conclusione

Il principale contributo del Rinascimento italiano alla storia dell'arte può essere descritto come la promozione degli ideali classici antichi, che ha portato allo sviluppo classico della pittura e della scultura occidentali. Sebbene gli artisti contemporanei stiano esplorando nuove forme d'arte, l'antichità greca e la sua interpretazione nella forma del Rinascimento rimane il modello principale per l'Occidente.

Rinascimento aggiornato: 16 settembre 2017 da: Gleb

XIV-XV secolo. Nei paesi d'Europa inizia una nuova era turbolenta: il Rinascimento (Rinascimento - dal francese Renaissanse). L'inizio dell'era è associato alla liberazione dell'uomo dalla servitù feudale, allo sviluppo delle scienze, delle arti e dei mestieri.

Il Rinascimento iniziò in Italia e proseguì il suo sviluppo nei paesi del nord Europa: Francia, Inghilterra, Germania, Paesi Bassi, Spagna e Portogallo. Il tardo Rinascimento va dalla metà del XVI agli anni '90 del XVI secolo.

L'influenza della chiesa sulla vita della società si è indebolita, l'interesse per l'antichità sta rinascendo con la sua attenzione alla personalità di una persona, alla sua libertà e opportunità di sviluppo. L'invenzione della stampa ha contribuito alla diffusione dell'alfabetizzazione tra la popolazione, alla crescita dell'istruzione, allo sviluppo delle scienze, delle arti, compresa la narrativa. La borghesia non era soddisfatta della visione religiosa del mondo che prevaleva nel Medioevo, ma creò una nuova scienza laica basata sullo studio della natura e dell'eredità degli scrittori antichi. Iniziò così la "rinascita" della scienza e della filosofia antiche (greche e romane). Gli scienziati iniziarono a cercare e studiare antichi monumenti letterari conservati nelle biblioteche.

C'erano scrittori e artisti che osarono opporsi alla chiesa. Erano convinti che il valore più grande sulla terra sia una persona, e tutti i suoi interessi dovrebbero essere focalizzati sulla vita terrena, su come viverla pienamente, felicemente e in modo significativo. Tali persone, che hanno dedicato la loro arte all'uomo, iniziarono a essere chiamate umanisti.

La letteratura rinascimentale è caratterizzata da ideali umanistici. Questa era è associata all'emergere di nuovi generi e alla formazione del primo realismo, chiamato così "realismo rinascimentale" (o rinascimento), in contrasto con le fasi successive, illuminismo, critico, socialista. Le opere del Rinascimento ci danno una risposta alla domanda sulla complessità e l'importanza dell'affermazione della personalità umana, suo principio creativo e attivo.

La letteratura rinascimentale è caratterizzata da vari generi. Ma alcune forme letterarie hanno prevalso. Giovanni Boccaccio diventa il legislatore di un nuovo genere: il racconto, che si chiama racconto rinascimentale. Questo genere è nato da un sentimento di sorpresa, caratteristico del Rinascimento, davanti all'inesauribilità del mondo e all'imprevedibilità dell'uomo e delle sue azioni.

In poesia diventa la forma più caratteristica di un sonetto (una strofa di 14 versi con una certa rima). La drammaturgia si sta sviluppando molto. I drammaturghi più importanti del Rinascimento sono Lope de Vega in Spagna e Shakespeare in Inghilterra.

Il giornalismo e la prosa filosofica sono molto diffusi. In Italia, Giordano Bruno denuncia la chiesa nelle sue opere, crea i suoi nuovi concetti filosofici. In Inghilterra, Thomas More esprime le idee del comunismo utopico nel suo libro Utopia. Ampiamente noti sono autori come Michel de Montaigne ("Esperimenti") ed Erasmo da Rotterdam ("Elogio della stupidità").

Tra gli scrittori dell'epoca ci sono anche persone incoronate. Le poesie sono scritte dal duca Lorenzo de Medici, e Margherita di Navarra, sorella del re Francesco I di Francia, è conosciuta come l'autrice della collezione Heptameron.

Nelle belle arti del Rinascimento, l'uomo appariva come la più bella creazione della natura, forte e perfetta, arrabbiata e gentile, premurosa e allegra.

Il mondo dell'uomo rinascimentale è rappresentato in modo più vivido nella Cappella Sistina del Vaticano, dipinta da Michelangelo. Storie bibliche formano la volta della cappella. Il loro motivo principale è la creazione del mondo e dell'uomo. Questi affreschi sono pieni di grandezza e tenerezza. Sulla parete dell'altare si trova l'affresco del Giudizio Universale, realizzato nel 1537-1541. Qui Michelangelo vede nell'uomo non la "corona della creazione", ma Cristo è presentato come arrabbiato e punitivo. Il soffitto e la parete dell'altare della Cappella Sistina rappresentano uno scontro tra possibilità e realtà, la sublimità dell'idea e la tragedia della realizzazione. "The Last Judgment" è considerata un'opera che ha completato il Rinascimento nell'arte.

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Niccolò Machiavelli

L'era del Rinascimento è passata alla storia come un'epoca di tante grandi conquiste, scoperte, i talenti più brillanti che hanno creato capolavori in vari campi dell'arte, della letteratura e della scienza.

Impossibile dare una descrizione esaustiva di questo periodo, è troppo sfaccettato, copre vasti territori, nasconde contraddizioni su cui ancora discutono gli storici.

Anche nel determinare i chiari confini temporali di quest'era, non c'è accordo tra i ricercatori. Cosa possiamo dire di una risposta universale alla domanda "cos'è il Rinascimento".

In questo articolo cercheremo di soffermarci sui principali tratti caratteristici del Rinascimento, delineare approssimativamente l'arco temporale di questo periodo e ricordare i rappresentanti più importanti del Rinascimento, senza i quali è impossibile immaginare la cultura europea.

Rinascimento è rinascita in francese

Il termine Rinascimento è di origine francese (Rinascimento) e significa letteralmente "rinato", "rinascita".

Come nome di un'intera epoca, la parola entrò in uso con la mano leggera dello storico francese Jules Michelet, che a metà del XIX secolo pubblicò il libro Storia della Francia nel XVI secolo: Rinascimento.

* Jules Michelet

E sebbene la nuova era dell'impennata culturale non sia iniziata in Francia, è stata questa parola che è entrata in molte lingue senza traduzione, come designazione di un periodo di tempo nella storia europea dal XIV al XVI secolo circa.

In termini russi Rinascimento e rinascita uguali e intercambiabili.

Le stesse persone che hanno vissuto e lavorato nel Rinascimento hanno sentito il loro tempo come un punto di svolta, come una rinascita dopo l'oscurità del Medioevo.

Non sorprende che molto prima di Jules Michelet a metà del XVI secolo l'artista italiano Giorgio Vasari ha anche usato il termine Rinascimento in italiano (rinascita) in un libro sui grandi artisti del suo tempo, riferendosi a una svolta nell'arte. Ora in Italia si usa il termine Rinascimento.

Quando è stato il rinascimento

Nel determinare le date dell'inizio e della fine del Rinascimento, non c'è accordo tra gli storici. Il problema è aggravato dal fatto che in diversi paesi d'Europa iniziò il Rinascimento In tempi diversi, ha proceduto in modo diverso e non è terminato in modo sincrono al comando end.

Ma una cosa è indiscutibile: prima di tutto, in Italia ha preso forma una cultura speciale del Rinascimento, perché. Nel XIV secolo, questo paese aveva raggiunto un alto livello di sviluppo economico e politico rispetto ad altre regioni medievali d'Europa.

A proposito, durante il Medioevo, ci sono almeno tre periodi di fioritura culturale nei secoli IX-XII, comunemente chiamati anche Rinascimento. Tutti loro, in un modo o nell'altro, erano associati a un appello all'antica eredità, ma non divennero una svolta seria nella storia.

Molti ricercatori considerano il punto di partenza del Rinascimento nel 1341, quando il poeta Francesco Petrarca Fu incoronato a Roma sul Campidoglio con una corona d'alloro per i successi nel campo della letteratura.

Petrarca sosteneva rinascita della cultura antica, predicava un ritorno al latino puro, lo sviluppo del patrimonio culturale degli antichi.

*Monumento al Petrarca a Firenze

E se Petrarca fu la prima figura culturale del Rinascimento, allora Firenze definirla il primo centro e capitale culturale, mantenendo una posizione di primo piano fino al XVI secolo.

Fu qui che nel XIV secolo coincisero i presupposti necessari per una svolta culturale:

1. alto livello di sviluppo economico;
2. mancanza di confini chiari tra le classi;
3. il culto dell'uguaglianza dei cittadini davanti alla legge;
4. un sistema educativo sviluppato che copre diversi segmenti della popolazione;
5. collegamento diretto con la civiltà romana, il cui patrimonio culturale faceva parte del passato nazionale (Firenze fu fondata nel 59 aC dallo stesso Giulio Cesare).

Questi prerequisiti sono tipici non solo di Firenze, ma di tutta l'Italia nel suo insieme.

con data la fine del grande rinascimento ancora meno certezze.

Tra gli altri nominano:

1. 1492 quando fu scoperta l'America;
2. 1517 quando;
3. 1600, quando lo scandaloso filosofo Giordano Bruno fu bruciato sul rogo a Roma;
4. Anche nel 1648, quando la Guerra dei Trent'anni terminò con la firma della Pace di Vestfalia, e iniziò un'era qualitativamente nuova nella storia degli stati europei.

Rinascimento italiano e nordico

In Italia il fermento degli animi è iniziato un secolo prima che nelle regioni d'Oltralpe. Se nelle libere città italiane i precursori del Rinascimento Dante e Giotto apparvero già alla fine del XIII secolo, i primi segni del Rinascimento settentrionale, i fratelli van Eyck lavorarono nei Paesi Bassi all'inizio del XV secolo.

* Artisti fratelli van Eyck - i fondatori del Rinascimento settentrionale

Rinascimento e, come il tempo dei grandi creatori, unisce Italia e Nord Europa, ma le differenze tra loro sono significative.

Rinascimento italiano	Rinascimento settentrionale
Diffusa dalla metà del XIV secolo	Iniziato nel XV secolo alla fine del Rinascimento italiano
Italia: Firenze, Milano, Venezia, Napoli, Padova, Ferrara, ecc.	Germania, Olanda, Francia, Spagna, Inghilterra
Appello agli ideali del mondo antico	Appello agli ideali del primo cristianesimo
Sviluppo di idee secolari di visione del mondo	Sviluppo di idee di rinnovamento religioso
Influenza dell'arte antica	Influenza dell'arte gotica
Concentrati sull'uomo come personalità eroica, sulla natura divina dell'uomo	Concentrati sull'amore cristiano per il prossimo, sull'essenza divina della natura
Il desiderio di liberazione dai dogmi della chiesa	Lottare per la perfezione della Chiesa e dei suoi insegnamenti

*Jan van Eyck. Madonna del Cancelliere Rolin. 1435 Rinascimento settentrionale.

*Bartolomeo Vivarini. Madonna col Bambino 1490 Rinascimento italiano.

Le tappe del Rinascimento italiano

Il Rinascimento italiano è solitamente diviso in quattro periodi:

Le principali conquiste del Rinascimento

Conclusione

In conclusione, vorrei citare la metafora originale del filosofo russo Alexei Fedorovich Losev, da lui citata nel libro Estetica del Rinascimento. Losev insiste sul fatto che il Medioevo non ha affatto dimenticato l'eredità del mondo antico, ma non gli ha nemmeno permesso di dichiararsi a squarciagola.

“Il Medioevo ha lasciato l'antichità insepolta, di volta in volta galvanizzando e incantesimi riportando in vita il suo cadavere. Il Rinascimento rimase in lacrime sulla sua tomba e cercò di resuscitare la sua anima. In un momento fatalmente propizio, ha avuto successo.

Al momento giusto e nel posto giusto, c'è stata una svolta nello sviluppo della cultura, nata nel duro Medioevo, che cantava odi al bellissimo mondo antico, ma allo stesso tempo andava per la sua strada.

Buona fortuna a te! A presto sul sito delle pagine del blog

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