Le immagini più misteriose del mondo. Dipinti mistici "Sconosciuti"

2005) si trattava di opere in cui, oltre alla trama principale, ce n'è un'altra nascosta. Si manifesta quando ti avvicini all'immagine, ti allontani da essa o guardi da una certa angolazione. Ora imparerai a conoscere i dipinti più veritieri, che sono comunque chiamati "trucchi", su sagome spettrali, "doppi spettatori", "tripli spettatori" e anche su un raro tipo di icone.

G.Teplov. La natura morta è un trucco. 1737. Ermitage di Stato, San Pietroburgo.

P. Drozdin. "Ritratto dell'artista A. P. Antropov con suo figlio davanti a un ritratto di sua moglie." 1776. Museo Russo, San Pietroburgo.

R.Magritte. "Il destino dell'uomo". 1933 Galleria Nazionale d'Arte, Washington.

Artista sconosciuto. "Gigli di Francia" (sei sagome della famiglia Borbone). 1815.

O. Kanyu. "Viole caporali (sagome di Bonaparte, sua moglie e suo figlio)". 1815. Il titolo dell'immagine ricorda che Napoleone iniziò il servizio militare con il grado di caporale.

S. Del Prete. "Il segreto tra le foglie d'autunno" 1991 Galleria a Berna, Svizzera.

V.Bregeda. "Profezia". 1994

N. Zamyatin. "Sogni di Grecia". 2004

Parole - "doppi occhi": squali - truffatori, mormorio - non canticchiare, pace - Università statale di Mosca, durevole - accurato. Gli autori sono Olga e Sergey Fedin.

Cartolina. "Mia moglie e mia suocera." Inizio del XX secolo. Russia.

I.Botvinik. "Mio marito e mio suocero." Prima metà del Novecento. STATI UNITI D'AMERICA.

G. Pescatore. "Mamma, papà e figlia". 1968 STATI UNITI D'AMERICA.

S. Orlov. "Rosa per due". 2004 Mosca.

S. Dalì. "Busto di Voltaire che scompare". 1940 Museo Dali, San Pietroburgo, Stati Uniti.

Due dipinti di Salvador Dalì: a sinistra - "La testa di una donna in forma di battaglia". 1936; a destra - "Spagna". 1938

V. Koval. "Kovalland (autoritratto dell'artista)". 1994

L'icona della Trinità "L'ordine della Deesis". XIX secolo. Russia.

Scienza e vita // Illustrazioni

Icona con volti di Gesù e Maria Maddalena. Prima metà del XVII secolo. Melheim, Germania.

Ritratto di Alessandro III con la moglie e il figlio. Fine del XIX secolo. Museo della Chiesa presso la Chiesa di San Mitrofan di Voronezh, Mosca.

Gabriel Von Max. "Fazzoletto di Santa Veronica". 1870. Germania.

"Salvatore non fatto da mani". Fotografia degli anni '70 da un dipinto di un artista sconosciuto, Russia.

VERO INGANNO

Due artisti hanno discusso: Zeusi e Parrasio: quale di loro è migliore. Zeusi tirò fuori un grappolo d'uva e pose il quadro vicino alla finestra aperta. Gli uccelli che volavano vedevano l'uva, si sedevano e cercavano di beccare gli acini dipinti. Fu il turno di Parrasio. "Bene, dov'è il tuo lavoro?" - "Là, dietro la tenda." Zeusi andò alla tenda e cercò di tirarla indietro. Ed è stata dipinta. La leggenda è nata nell'antica Grecia, circa 500 anni prima della nostra era.

È più vero di quanto possa sembrare a prima vista. Il fatto è che molti uccelli non hanno una visione stereoscopica, poiché i loro occhi si trovano su entrambi i lati della testa. Ciò che un occhio vede, l'altro non vede. A causa della mancanza di un campo visivo comune, il cervello non può formare un'immagine tridimensionale. E i cacciatori esperti sanno che un modello primitivo e non dipinto di un'anatra attira un drago volante non peggio di un uccello esca vivo.

Ciò che è importante per noi nella leggenda greca è che il quadro non ha ingannato gli uccelli, ma l'occhio del maestro pittore. L'artista russo del XIX secolo Fyodor Tolstoy ha dipinti che riecheggiano la trama di un'antica leggenda greca. Su uno di essi c'è una natura morta, "coperta" da un foglio di carta da lucido. Uno dei suoi angoli è piegato. E questa parte della natura morta sembra così autentica che senti involontariamente il desiderio di spostare la carta da lucido più in basso per vedere l'immagine per intero. Dipinti di questo tipo sono chiamati "inganni", anche se si tratta forse del più veritiero di tutti i generi di pittura.

L'apparizione di questo tipo di dipinti è diventata possibile solo dopo l'invenzione della prospettiva, del chiaroscuro e ... dei colori ad olio. Le ricette per la loro preparazione si trovano nei libri del XIII secolo. Ma solo all'inizio del XV secolo, l'artista olandese Jan van Eyck (1390-1441) migliorò così tanto la tecnologia di preparazione dei colori da essere spesso chiamato l'inventore della tecnica della pittura a olio. Fu il primo ad applicarlo in un modo nuovo, applicando sottili strati trasparenti di vernice uno sopra l'altro, ottenendo un'eccezionale profondità e ricchezza di colore, nonché sottigliezza di luci e ombre e transizioni di colore. Dopo Jan van Eyck, gli artisti sono stati in grado di ottenere un'immagine del genere, che era facile confondere con l'originale.

Il fondatore del genere intoppo in Russia è Grigory Teplov, artista, poeta, musicista, filosofo, statista del XVIII secolo. Una delle sue opere è nella pagina precedente. È un peccato che le riproduzioni di esche su riviste e libri non riescano a trasmettere la sensazione che appare guardando l'originale. A proposito, questo è il motivo per cui i trucchi si vedono raramente nei libri d'arte. Ciò è in gran parte dovuto alla differenza nelle dimensioni del dipinto e alla sua riproduzione stampata, nonché al fatto che l'effetto desiderato si verifica solitamente a seconda della distanza tra l'immagine e lo spettatore.

C'è un altro tipo di inganno. Nel Museo Russo di San Pietroburgo, ad esempio, c'è un dipinto di Pyotr Drozhdin, un artista del XVIII secolo. Su di esso, l'autore ha raffigurato la famiglia del suo insegnante, l'artista Antropov. Guardando da vicino, noti che il padre e il figlio non sono in piedi accanto alla moglie e alla madre, ma con il suo ritratto. Il bordo del cavalletto, che a prima vista sembrava una leggera apertura nel muro, separa chi sta in piedi dall'immagine.

Anche l'artista belga del XX secolo, René Magritte, ha utilizzato la tecnica del "cavalletto". I loro bordi sono quasi invisibili ei disegni si fondono impercettibilmente nella trama principale dell'immagine, fondendosi con essa. Su un paesaggio - la foresta, partendo fuori dalla finestra, prosegue sul cavalletto dipinto, sull'altro - il mare dal cavalletto sfocia nel mare "reale".

Magritte è un maestro dei dipinti paradossi. Su una tela ha collegato oggetti e fenomeni incompatibili nella vita; per esempio, il cielo diurno e una casa immersa nell'oscurità notturna, oppure una persona che si guarda allo specchio davanti a sé ci vede solo la parte posteriore della testa. Ha anche usato il principio del paradosso nei titoli dei suoi dipinti. Quando, per stessa ammissione dell'artista, gli mancava l'immaginazione, riunì degli amici e chiese aiuto per trovare un nome. Un paesaggio con un cavalletto, ad esempio, si chiama "Il destino dell'uomo".

SILUETTE DI FANTASMI

Esiste una tecnica speciale per creare un'immagine nascosta: quando gli artisti usano i contorni degli oggetti disegnati. Per la prima volta, i dipinti con "sagome nascoste" sono apparsi, a quanto pare, nella Francia medievale. I loro eroi principali erano, ovviamente, i re. Che il giglio sia un simbolo della dinastia borbonica ci è già ben noto, almeno dai costumi dei protagonisti dei film tratti dal romanzo di Alexandre Dumas "I tre moschettieri". Duecento anni fa, disegnando mazzi di gigli reali, gli artisti trasformavano le curve degli steli, i contorni delle foglie e dei petali in volti umani. Quando indovini il segreto, il bouquet si trasforma in un ritratto della famiglia reale. Dopo che la dinastia dei Borbone fu rovesciata, gli artisti iniziarono a dipingere l'imperatore Napoleone con sua moglie e suo figlio. Ma Josephine amava le viole, quindi sostituirono i gigli.

Negli ultimi secoli, gli artisti, ovviamente, hanno ampliato l'argomento di tali opere. Un esempio è un dipinto in cui vedi per la prima volta alcune foglie secche che volano nell'aria. E sulla tela c'è un pezzo di carta con una scritta in francese: "Un sogno portato via dal vento e dal tempo". Di solito, gli artisti non scrivono il suo nome sul lato anteriore dell'immagine. Qui, nell'angolo in basso a sinistra della tela, è scritto in tedesco: "Il segreto tra le foglie d'autunno". Questo non è solo il nome del dipinto, ma anche la chiave che rivela l'intenzione dell'artista - Sandro Del Prete. Il suo nome oggi è conosciuto in tutto il mondo. E ha iniziato come dilettante (lo segnalo soprattutto per i partecipanti al concorso di quadri misteriosi). In gioventù Del Prete ha studiato disegno per soli sei mesi, fino all'età di 44 anni non si considerava un artista professionista e ha lavorato in una compagnia di assicurazioni nella sua nativa città svizzera di Berna, dove vive ancora.

In un dipinto dell'artista di Taganrog Viktor Bregeda, anch'egli attratto da questa tecnica, figure inginocchiate in preghiera sullo sfondo di un paesaggio montano desertico. Questa è solo una parte della trama che si vede subito, ma il titolo - "Prophecy" - suggerisce che il contenuto principale non è così scontato e non è stato ancora svelato. Invisibile al primo momento, l'immagine contiene coloro davanti ai quali i pellegrini si sono inchinati: Dio Padre, Dio Figlio e il cavaliere alato - un angelo disceso dal cielo.

Il dipinto "Dreams of Greece" della moscovita Natalya Zamyatina sembra una normale natura morta con un vaso di porcellana e frutta. Il titolo non sembra corrispondere molto bene all'immagine. Ma dai un'occhiata più da vicino al drappeggio. Cosa nascondono (o svelano) le pieghe del tessuto e i contorni del vaso?

DOPPI OCCHI

Il termine che ha dato il nome alla sezione dell'articolo è stato inventato dallo scrittore e autore di numerose pubblicazioni sulla rivista "Science and Life" Sergei Fedin. Ha chiamato i testi con gli occhi doppi che possono essere letti in due modi. Prendiamo come esempio la parola "squali". Le prime due lettere "ak" possono essere scritte come una lettera "zh". E "s" è facile da ritrarre simile a "e". Lasciamo invariate le lettere al centro e otteniamo una parola di facile lettura in due modi: "squali" e "ladri". Diversi esempi di tali iscrizioni sono forniti qui.

La parola "doppio occhio" corrisponde all'inglese "ambigramma" - doppio. Parliamo qui di doppie visioni verbali perché, usando il loro esempio, è più facile comprendere la percezione delle immagini doppie nella pittura.

Cosa cerchiamo, muovendo lo sguardo lungo le linee della doppia visione? Qualche lettera familiare. La stessa cosa accade nelle immagini. Il cervello cerca immagini familiari già nella memoria, il che è molto diverso dall'immagazzinamento di immagini fotografiche. La memoria è una sorta di "codificatore" che cattura le proprietà dell'immagine, come la presenza di sezioni di linee diritte e curve, i confini della luminosità, del colore e simili.

Guardando più da vicino i due occhi, troviamo le lettere che inizialmente non avevamo notato e aggiungiamo la seconda parola da esse. La stessa cosa accade con l'immagine nascosta.

Finora nessuno ha escogitato la parola "tre occhi", ovvero l'immagine di tre parole di significato diverso in una voce. Se ci riesci, assicurati di inviare il tuo lavoro al concorso di pittura misteriosa. Ma le triplette pittoresche sono già state create e ora ne parleremo.

PITTURA BIFRONTE E TRIFACCIA

Nel numero precedente della rivista, nell'articolo "Invisible-Visible" hai incontrato l'immagine di una testa femminile, che sembra giovane o vecchia, a seconda della posizione dell'immagine. Ora facciamo conoscenza con un ritratto che non ha bisogno di essere capovolto. Alla domanda: "Rappresenta una donna giovane o anziana?" Persone diverse danno risposte diverse. Alcuni dicono - una ragazza, altri - una donna anziana. L'immagine è diventata a lungo un classico. Ma per chi la vede per la prima volta, ogni volta deve spiegare come vedere la seconda immagine: "L'occhio della signora è l'orecchio della ragazza, e il naso è l'ovale di un viso giovane". Secondo i fisiologi, lo spettatore, guardando il ritratto, presta la massima attenzione agli occhi e al naso. Pertanto, la prima impressione di solito dipende da quale parte dell'immagine sono caduti i tuoi occhi nel primo momento. Dopo un po 'di allenamento, puoi imparare a ordinare a te stesso chi vuoi vedere.

In termini di numero di pubblicazioni su libri e riviste, la trama con una donna giovane e anziana è molto più avanti di tutte le altre immagini illusorie. L'autore è talvolta chiamato il fumettista americano W. Hill, che pubblicò l'opera nel 1915 sulla rivista "Pak" (tradotto in russo "Puck" - un elfo, uno spirito da favola). A volte l'immagine è attribuita allo psichiatra E. Boring, che ha utilizzato il ritratto negli anni '30 come illustrazione per il suo lavoro. Nella comunità scientifica, "Two Ladies" è ancora chiamata la "figura noiosa". Infatti, nei primi anni del XX secolo, in Russia è stata messa in circolazione una cartolina con la stessa immagine e la scritta: "Mia moglie e mia suocera". La cartolina tedesca del 1880 ne servì da prototipo (l'autore è sconosciuto).

L'immagine con due donne è regolarmente riprodotta nei libri di psicologia. Ma è ancora in gran parte sconosciuto come la mente umana percepisca le immagini dualistiche. Gli artisti continuano a sviluppare una tecnica già ben nota. Nella prima metà del XX secolo apparve un ritratto simile di un uomo anziano e giovane. Poi, nel 1968, l'artista G. Fischer realizzò una nuova acconciatura per entrambe le donne e ottenne un terzo personaggio. In effetti, ha aggiunto solo un elemento e l'immagine è diventata nota come "Mamma, papà e figlia". I capelli della donna si sono trasformati nel profilo di un uomo, grazie al quale c'erano tre persone nel ritratto.

In un dipinto moderno dell'artista moscovita Sergei Orlov (vedi p. 132), non ci sono solo due volti diversi, ma anche due figure femminili che appartengono sia alla ragazza che alla vecchia. La vecchia signora guarda il fiore che tiene in mano. La giovane è seduta di spalle, si liscia i capelli e gira la testa a sinistra.

Le opere di Sergei Orlov, Victor Bregeda e altri artisti che lavorano in questo modo possono essere viste su Internet. C'è un progetto speciale "Dualities" http://hiero.ru/project/Dubl del sito "Hieroglyph", dove gli autori espongono le loro opere per la discussione.

Nessun libro sui dipinti illusori è completo senza una storia sull'opera dello spagnolo Salvador Dalì. 300 anni dopo Arcimboldo, ha rilanciato la direzione dei dipinti illusori.

Nella prima immagine, lo spettatore vede due donne riccamente vestite. L'uomo con il turbante li conduce nella galleria. L'artista trasforma questa scena in una seconda trama. Il contorno di una testa umana è formato dall'arco della galleria - un'immagine di un ritratto scultoreo del filosofo francese Voltaire di Houdon.

La trama con Voltaire si trova ripetutamente nelle opere di Dalì. Per due volte ha utilizzato anche la trama del dipinto "La testa di una donna in forma di battaglia" (in alto a sinistra), dove le figure di cavalieri al galoppo e persone che corrono su un campo giallo si sommano al volto di una donna. Ma poi "La testa di donna in forma di battaglia" è entrata come dettaglio di un'altra tela: "Spagna". Questo fatto mostra quanto sia difficile trovare una soluzione nuova e originale per un quadro bifronte.

Se diventassi l'organizzatore di una mostra dei migliori dipinti dualistici, accanto alle opere di Dalì collocherei i dipinti dell'artista contemporaneo di Volgograd Vladislav Koval. E certamente - la "Madonna di Stalingrado", in cui l'immagine di una donna con un bambino in braccio è tessuta da rami di betulla. Nel dipinto "Decommissioning to Shore", le lontane scogliere costiere visibili all'orizzonte si trasformano in una figura solitaria e cadente di un marinaio. Nel dipinto "Icarus" il suo eroe è visto volare o cadere. Sulla tela successiva, un soldato avvolto in un impermeabile, infreddolito, si trasforma in una Madonna con bambino. Nell'opera "Pyramid" V. Koval per la prima volta nella storia dell'arte ha combinato diverse immagini doppie in un'opera d'arte integrale. E ha usato quasi tutte le tecniche pittoriche di cui ho parlato. Qui e la costruzione di nuove immagini dai dettagli del paesaggio e dei dipinti, il cui contenuto dipende dall'angolo di vista o dalla distanza. Oggi Koval è uno degli artisti russi più famosi. La sua fama ha un inizio curioso. Mentre studiava a Mosca, inviava lettere ai suoi parenti a Volgograd e non attaccava francobolli sulle buste, ma disegnava. Tutte le lettere inviate hanno raggiunto i destinatari senza pagamento aggiuntivo. Quando il ministero della stampa ha annunciato un concorso tra artisti, lo studente Vladislav Koval ha portato un pacco di buste agli organizzatori. Ed è diventato il vincitore, il più giovane tra i partecipanti.

ICONE INSOLITE

Esempi di dipinti misteriosi si trovano anche in una forma d'arte così rigorosa e canonica come le icone. L'icona "Gesù nella prigione" è stata portata una volta al Museo dell'antica arte russa di Mosca. Sul davanti è raffigurato Gesù con i ceppi ai piedi e intorno gli strumenti della Passione, cioè del supplizio. Ognuno ha un nome accanto. Sulla base delle peculiarità della scrittura delle parole, i critici d'arte hanno stabilito che l'autore fosse un vecchio credente. L'unicità dell'icona era che l'immagine era attraversata da strette strisce verticali. È stato suggerito che si tratti di tracce di un reticolo che un tempo copriva l'immagine di Cristo. Tuttavia, l'indizio sulle strisce scure si è rivelato molto più interessante e appartiene al capo del laboratorio di pittura di icone Canon, storico dell'arte e artista Alexander Renzhin.

Si scopre che l'icona una volta conteneva non una, ma tre immagini. Le strisce non sono altro che tracce di lastre verticali che erano attaccate alla cornice (ambientazione) dell'icona. Hanno aderito strettamente alla sua superficie e quindi hanno lasciato tracce. Su entrambi i lati di ogni piatto sono state disegnate (è consuetudine dire - scritte) parti di altre due icone. In piedi davanti all'icona, puoi vedere un'immagine, spostandoti a sinistra - un'altra, a destra - la terza. Le lastre dell'icona andarono perdute, ma Renzhin riuscì a ritrovare esattamente la stessa icona intera. Si è scoperto che parti delle immagini della Madre di Dio e di Giovanni Battista erano scritte su entrambi i lati di 12 tavole. Quando guardi l'icona di lato, le parti dell'immagine vengono combinate in un unico insieme.

I magazzini del Museo di Storia delle Religioni di San Pietroburgo contengono icone di questo tipo, ma con una trama diversa. Su uno di essi in primo piano c'è una colomba, simbolo dello Spirito Santo. Ma non appena ti sposti a destra, apparirà l'immagine di Dio Padre, a sinistra - il volto di Dio Figlio. È difficile per uno spettatore moderno, viziato dai giochi di luce, immaginare il potere dell'impressione delle icone tripartite sui fedeli dei secoli passati, e anche nella penombra di una chiesa illuminata solo da candele. Inoltre, nel 20 ° secolo, una tecnica simile è stata utilizzata nella pubblicità, e quindi ha perso la sua insolita.

Ci sono icone la cui superficie non è piana, ma profilata, con scanalature triangolari verticali. Su un lato di ogni scanalatura è scritta un'immagine, visibile a sinistra, e sull'altro, visibile a destra. Quando guardi di fronte, vedi una "miscela" delle due immagini. Pertanto, nella chiesa, un grande candelabro è stato posto davanti a tale icona in modo che potesse essere visto solo da due lati.

Nella chiesa di San Mitrofan di Voronezh a Mosca, sulla 2a via Khutorskaya, c'è un museo della chiesa. Lì, tra gli altri reperti interessanti, puoi vedere un'immagine tripartita. Questa non è un'icona, ma un ritratto della famiglia reale. In piedi davanti al ritratto, vedi l'imperatore Alessandro III. Spostati a destra: appare l'immagine dell'imperatrice Maria Feodorovna. Gli spettatori, in piedi a sinistra, vedono il giovane erede, il futuro imperatore Nicola II. Una curiosa caratteristica dell'immagine ha contribuito a stabilire l'ora della sua creazione. Sulla tempia destra di Nikolai è visibile una macchia di sangue. Questa è l'impronta di una spada giapponese. Nel 1890-1891, l'erede viaggiò in tutto il mondo e in Giappone fu compiuto un tentativo di omicidio. Un poliziotto giapponese ha colpito Nikolai con una spada, ma il giovane erede ha sterzato e ha ricevuto solo una ferita minore. La seconda volta che l'attaccante non ebbe il tempo di colpire, fu abbattuto, ma non dai padroni di casa che accolsero l'illustre ospite, ma dal principe greco Giorgio che accompagnava Nicola.

LA LEGGENDA DI SANTA VERONICA

Nel 1879 si tenne a San Pietroburgo una mostra di artisti tedeschi. Uno di loro, Gabriel von Max, ha presentato il dipinto "Il fazzoletto di Santa Veronica" con l'immagine di un pezzo di tela grezza inchiodato al muro con il volto di Cristo al centro. La particolarità dell'immagine era che il pubblico poteva vedere gli occhi del Salvatore chiusi o aperti. I giornali dell'epoca scrissero che gli organizzatori dovettero mettere delle sedie nella sala, poiché alcune delle signore svennero esclamando: "Guarda! Guarda!"

Naturalmente, l'immagine misteriosa ha attirato l'attenzione degli artisti della capitale che hanno cercato di svelare il segreto, e l'artista Ivan Kramskoy ha scritto un articolo a riguardo per la rivista Novoe Vremya, dove ha rivelato la tecnica con cui l'autore tedesco ha ottenuto l'effetto desiderato .

La leggenda di Santa Veronica si diffuse in tutta Europa nel Medioevo. Successivamente divenne la Tradizione ufficiale della Chiesa, cioè fu riconosciuta vera come quelle registrate nel Vangelo. Quando Gesù Cristo fu condotto sul Monte Calvario per essere crocifisso lì, una donna compassionevole di nome Veronica gli asciugò il sudore dal viso con un fazzoletto che le copriva gli occhi. Allo stesso tempo, il volto del Salvatore nella corona di spine è stato miracolosamente impresso sulla sciarpa. La tradizione ha costituito la base dell'icona ortodossa "Salvatore non fatto da mani". È più facile per noi non specialisti riconoscere questa icona dall'immagine di una sciarpa su cui è scritto il volto di Gesù, sebbene la sciarpa stessa (più spesso si dice "plats") sia disegnata in modo diverso e piuttosto convenzionale. Tra i cristiani occidentali, un'immagine simile è chiamata "Sciarpa di Santa Veronica".

Da un conoscitore dell'arte russa, il sacerdote Valentin Dronov, ho sentito una storia che cito testualmente: "Due o tre volte nella mia vita ho dovuto vedere l'icona del Salvatore non fatto da mani, che mostrava proprietà miracolose. Il gli occhi di Gesù su di esso sembravano aperti o chiusi. Dipendeva dallo stato spirituale dell'orante. Se era calmo, il Salvatore sembrava dormire. Se era agitato, i suoi occhi si aprivano". A casa, padre Valentin conservava una fotografia di questa immagine, che viene qui riportata.

Non sono ancora riuscito a trovare nulla di simile nei nostri musei. In una guida a Betlemme, la città dove, secondo la leggenda, nacque Cristo, si dice che uno degli affreschi della colonna della Chiesa della Natività ha la stessa proprietà: "il volto dell'icona apre e chiude il suo occhi."

L'icona descritta è molto rara, quindi qualsiasi prova di persone che hanno visto o almeno sentito parlare di tali immagini è importante. Preghiamo i lettori di informarne la redazione della rivista.

15 gennaio 2013, 20:34

1. "Ragazzo che piange"- dipinto dell'artista spagnolo Giovanni Bragolin. C'è una leggenda secondo cui il padre del ragazzo (che è anche l'autore del ritratto), cercando di ottenere luminosità, vitalità e naturalezza della tela, accese dei fiammiferi davanti al viso del bambino. Il fatto è che il ragazzo aveva paura del fuoco a morte. Il ragazzo piangeva: suo padre disegnava. Una volta che il ragazzo non poteva sopportarlo e gridò a suo padre: "Bruci tu stesso!". Un mese dopo, il bambino morì di polmonite. E un paio di settimane dopo, il corpo carbonizzato dell'artista è stato ritrovato nella sua stessa casa accanto a un dipinto di un ragazzo che piange sopravvissuto all'incendio. Sarebbe potuto finire qui, ma nel 1985 i giornali britannici riferirono che i vigili del fuoco trovarono riproduzioni del Crying Boy in quasi tutti gli edifici bruciati, che il fuoco non toccò nemmeno. 2. "Le mani gli resistono"- dipinto dell'artista americano Bill Stoneham. L'autore afferma che l'immagine raffigura se stesso all'età di cinque anni, che la porta è una rappresentazione della linea di demarcazione tra il mondo reale e il mondo dei sogni, e la bambola è una guida che può guidare il ragazzo attraverso questo mondo. Le mani rappresentano vite o possibilità alternative. Il dipinto è diventato una nota leggenda metropolitana nel febbraio 2000 quando è stato messo in vendita su eBay con un retroscena che diceva che il dipinto era "infestato". Secondo la leggenda, dopo la morte del primo proprietario del dipinto, il dipinto fu ritrovato in una discarica tra un mucchio di immondizia. La famiglia che l'ha trovata l'ha portata a casa e già la prima notte una bambina di quattro anni è corsa nella camera dei suoi genitori urlando che "i bambini nella foto stanno litigando". La notte successiva - che "i bambini nella foto erano fuori dalla porta". La notte successiva, il capofamiglia ha installato una videocamera con rilevamento del movimento nella stanza in cui era appeso il dipinto. La videocamera ha funzionato più volte, ma non è stato catturato nulla. 3. "Donna della pioggia"- dipinto dell'artista di Vinnitsa Svetlana Telets. Anche sei mesi prima della creazione dell'immagine, alcune visioni iniziarono a farle visita. Per molto tempo a Svetlana è sembrato che qualcuno la stesse osservando. A volte sentiva persino strani suoni nel suo appartamento. Ma ho cercato di scacciare quei pensieri. E dopo un po 'è apparsa un'idea per una nuova foto. L'immagine di una donna misteriosa è nata all'improvviso, ma a Svetlana sembrava di conoscerla da molto tempo. I tratti del viso, come se fossero tessuti dalla nebbia, i vestiti, le linee spettrali della figura: l'artista ha dipinto una donna senza pensare per un minuto. Era come se una forza invisibile guidasse la sua mano. In città si sparse la voce che questo dipinto fosse maledetto, dopo che un terzo acquirente lo restituì pochi giorni dopo senza nemmeno prendere i soldi. Tutti quelli che avevano questa foto dicevano che di notte sembrava prendere vita e camminare come un'ombra nelle vicinanze. La gente ha cominciato ad avere mal di testa e, anche dopo aver nascosto la foto nell'armadio, le sensazioni di presenza non sono scomparse. 4. Durante il periodo di Pushkin, il ritratto di Maria Lopukhina, dipinto da Vladimir Borovikovsky, era una delle principali "storie dell'orrore". La ragazza visse una vita breve e infelice, e dopo aver dipinto il ritratto morì di tubercolosi. Suo padre, Ivan Tolstoy, era un famoso mistico e maestro della loggia massonica. Pertanto, si sparse la voce che fosse riuscito ad attirare lo spirito della figlia defunta in questo ritratto. E che se le ragazze guardano la foto, presto moriranno. Secondo la versione dei pettegolezzi da salotto, il ritratto di Maria ha ucciso almeno dieci nobildonne in età da marito ... 5. "Ninfee"- Paesaggio impressionista di Claude Monet. Quando l'artista ei suoi amici festeggiavano il completamento del dipinto, nello studio scoppiò un piccolo incendio. La fiamma si è rapidamente riempita di vino e non ha attribuito alcuna importanza a questo. Solo un mese la foto è stata appesa in un cabaret a Montmartre. E poi una notte il posto è andato a fuoco. Ma i "gigli" sono riusciti a salvare. Il dipinto fu acquistato dal filantropo parigino Oscar Schmitz. Un anno dopo, la sua casa è bruciata. L'incendio è scoppiato dall'ufficio, dove era appesa la sfortunata tela. È miracolosamente sopravvissuto. Un'altra vittima del paesaggio di Monet fu il Museo di arte moderna di New York. Le Ninfee furono portate qui nel 1958. Quattro mesi dopo, è divampato anche qui. E la dannata foto era molto carbonizzata.
6. In un dipinto di Edvard Munch "Grido" raffigura una creatura sofferente senza peli con una testa che ricorda una pera rovesciata, con le mani premute sulle orecchie per l'orrore e con la bocca aperta in un urlo silenzioso. Le onde convulse dell'angoscia di questa creatura echeggiano nell'aria attorno alla sua testa. Quest'uomo (o donna) sembra essere intrappolato nel proprio urlo-urlo e, per non sentirlo, si è coperto le orecchie. Sarebbe strano se non ci fossero leggende intorno a questa immagine. Si dice che tutti coloro che sono entrati in contatto con lei abbiano sofferto di un destino malvagio. Un dipendente del museo, che ha accidentalmente lasciato cadere il dipinto, ha iniziato a soffrire di forti mal di testa e alla fine si è suicidato. Un altro dipendente, che a quanto pare aveva anche le mani storte, ha lasciato cadere il dipinto e ha avuto un incidente il giorno successivo. Qualcuno è persino bruciato un giorno dopo il contatto con il dipinto. 7. Un'altra tela che accompagna costantemente i guai è "Venere con uno specchio" Diego Velasquez. Il primo proprietario del dipinto, un commerciante spagnolo, fallì, il suo commercio peggiorò ogni giorno fino a quando la maggior parte delle sue merci fu catturata dai pirati in mare e molte altre navi affondarono. Vendendo tutto ciò che aveva sotto il martello, il commerciante vendette anche il dipinto. Fu acquisito da un altro spagnolo, anch'egli commerciante, che possedeva ricchi magazzini nel porto. Quasi subito dopo il trasferimento dei soldi per la tela, i magazzini del commerciante hanno preso fuoco a causa di un improvviso fulmine. Il proprietario era al verde. E di nuovo l'asta, e di nuovo il dipinto viene venduto tra l'altro, e di nuovo viene acquistato da un ricco spagnolo ... Tre giorni dopo viene pugnalato a morte in casa sua durante una rapina. Dopodiché, il dipinto non riuscì a trovare il suo nuovo proprietario per molto tempo (aveva una reputazione troppo danneggiata), e la tela viaggiò in diversi musei, finché nel 1914 una pazza la tagliò con un coltello.
8. "Demone sconfitto" Mikhail Vrubel ha avuto un effetto dannoso sulla psiche e sulla salute dell'artista stesso. Non riusciva a staccarsi dal quadro, continuava a rifinire il volto dello Spirito sconfitto ea cambiarne il colore. Il "Demone sconfitto" era già appeso alla mostra, e Vrubel continuava ad entrare nella sala, non prestando attenzione ai visitatori, si sedeva davanti al quadro e continuava a lavorare, come se fosse posseduto. I parenti erano preoccupati per le sue condizioni e fu esaminato dal famoso psichiatra russo Bekhterev. La diagnosi era terribile: tabe del midollo spinale, vicino alla pazzia e alla morte. Vrubel è stato ricoverato in ospedale, ma il trattamento non ha aiutato molto e presto è morto.

I dipinti di grandi artisti non solo possono deliziare e dare piacere estetico, ma anche provocare soggezione mistica e persino paura. Molti dipinti di maestri sono carichi di misteri. La nostra storia parla di loro.

I dipinti di talento evocano sempre soggezione interiore e ammirazione tra gli amanti dell'arte. Le tele dei grandi maestri affascinano e affascinano, perché i bei dipinti risvegliano il più intimo negli animi, qualcosa che spesso una persona cerca di nascondere anche a se stesso. Carl Jung lo chiamava l'inconscio.

Pertanto, i dipinti di artisti famosi sono percepiti come messaggi misteriosi in cui vengono svelati i segreti del mondo. Per risolverli, devi essere il più attento possibile ai dettagli e ai simboli dei dipinti.

Più di una generazione di critici d'arte cercherà di svelare le cifre di Hieronymus Bosch, pensare al codice dei dipinti di Leonardo da Vinci, Michelangelo e Botticelli, congelare di gioia davanti ai dipinti degli olandesi. Cosa possiamo dire dei dipinti dell'era del modernismo e del postmodernismo, dove la bellezza, la spiritualità e la precisione delle linee hanno lasciato il posto a simboli culturali, intrecci di linee e forme cubiche.

Dipinti con il significato di Pablo Picasso e Frida Kahlo, Jackson Pollock e Salvador Dali rivelano gli aspetti tragici e mistici dell'essere una persona moderna. Per leggerli, devi avere una vasta conoscenza e un'intuizione creativa.

Ti invitiamo a visitare la galleria virtuale e scoprire quali famosi dipinti di artisti sono pieni di enigmi o quali storie drammatiche sono associate a:

L'Ultima Cena (Leonardo da Vinci)

Molti noteranno che questo capolavoro non è esattamente un dipinto, ma un affresco. Tuttavia, un affresco è la stessa tela, realizzata solo su intonaco bagnato. Hanno iniziato a parlare del mistero di questa immagine nel XIX secolo, quando le menti dell'aristocrazia erano affascinate da vari insegnamenti mistici, logge massoniche e varie società segrete fiorite in Europa. Nel 21° secolo, l'interesse per l'affresco è stato ripreso grazie al libro di Dan Brown The Da Vinci Code e alla serie Da Vinci's Demons.

In effetti, questa creazione del più grande artista del Rinascimento contiene molti segni segreti che formano il sottotesto dell'affresco. Innanzitutto va notato che l'artista lavorò alla sua creazione per tre anni, fino al 1498 (Leonardo ovviamente non scrisse su terreno umido - questo è un motivo per considerare L'Ultima Cena un dipinto, non un affresco). La composizione fu commissionata dal Doge di Venezia, Ludovico Sforza, famoso libertino, mistico, mercante e intrigante.

I concetti di fedeltà nella vita familiare erano estranei allo Sforza, era instancabile nelle sue passioni, di cui soffriva la sua pia moglie, la duchessa Beatrice d'Este. Nonostante fosse una delle donne più belle del Rinascimento, Ludovico la tradiva con stupefacente costanza con i migliori getter di Venezia.

Solo la morte di Beatrice costrinse lo Sforza a ripensare alle sue priorità ea smettere di cercare i piaceri amorosi. Per perpetuare la sua memoria, il Duca di Venezia commissionò a Leonardo da Vinci L'Ultima Cena.

Il primo indovinello della tela è connesso a questo sfondo: l'apostolo Giovanni, seduto alla destra di Cristo, sembra esteriormente più una donna che un uomo. Nacque così la congettura che si trattasse di Maria Maddalena, la moglie di Gesù. È stato anche confermato dal segno che creano le inclinazioni di questi due personaggi. Si scopre una figura che assomiglia a una combinazione di due triangoli, che negli insegnamenti mistici significava la connessione dei principi femminile e maschile come base dell'universo.

Il secondo indovinello è l'immagine di Giuda. All'inizio dei lavori sul dipinto, Leonardo trovò molto rapidamente un soggetto per l'immagine di Gesù. Sono diventati un giovane cantante del coro della chiesa. La sua bellezza e il suo bell'aspetto hanno colpito l'artista.

Ma per Giuda, la natura ha dovuto essere cercata per quasi tre anni. Una volta, in un fosso, Leonardo vide scendere un ubriacone. Lo portò al refettorio e in pochi giorni scrisse gli antipodi di Cristo. Dopo aver parlato con la modella, l'artista ha appreso che la sua vita è andata in discesa dal momento in cui ha posato per l'immagine di Gesù da Vinci. Pertanto, Cristo e colui che lo ha tradito vengono cancellati da una persona con una differenza di tre anni.

Il terzo indovinello è che nel dipinto ci sia un autoritratto di Leonardo. Questo è l'apostolo Taddeo, seduto per secondo da destra.

Il quarto codice è il numero ripetuto tre. Dai un'occhiata più da vicino alla tela, tutti i personaggi sono raggruppati in tre. Questo mostra la cifra simbolica della Santissima Trinità: il Figlio, lo Spirito e Dio.

La Creazione di Adamo (Michelangelo)

Un affresco del XVI secolo di uno dei famosi maestri del Rinascimento raffigura Dio che tende la mano ad Adamo. Questa è la quarta delle nove scene della Genesi, che l'autore ha raffigurato nella Cappella Sistina. Il dipinto raffigura come Dio respira l'anima in un uomo appena creato.

Gli anatomisti hanno stabilito che il manto purpureo del Creatore, sotto il quale sono raccolti gli angeli, somiglia al cervello umano nei contorni. Michelangelo, come tutti gli artisti dell'epoca, studiava l'anatomia in dettaglio, quindi sapeva perfettamente come fosse questo organo. Ma perché lo ha raffigurato in un quadro a trama religiosa?

I critici d'arte hanno suggerito che in questo modo l'artista e pensatore progressista ha sottolineato che la forza che muove e sviluppa una persona è la mente. Inoltre, ci sono una serie di altre sfumature a cui dovresti prestare attenzione:

1. La postura di Adamo è simmetrica alla postura di Dio. Tuttavia, il primo uomo è rilassato e solo la mente divina è in grado di riempirlo di energia.
2. Gli eroi, avvolti nel mantello del Creatore, creano il contorno del cervello umano. Inoltre, Michelangelo delineò con delle linee la ghiandola pituitaria, il ponte varolii (trasmette gli impulsi dal cervello al midollo spinale) e le arterie vertebrali.

Il dipinto è un messaggio eloquente di un artista umanista progressista che credeva nel potere della mente umana.

"Proverbi fiamminghi" (Peter Brueghel il Vecchio)

Il dipinto è stato creato da un pittore olandese a metà del XVI secolo. A prima vista, la sua trama è semplice: una giornata normale sulla piazza del mercato. Tuttavia, ci sono 112 componenti compositivi separati sulla tela che incarnano svolte fraseologiche popolari.

Guarda attentamente l'immagine e guarda le illustrazioni per gli idiomi: sbatti la testa contro il muro; lega il diavolo al cuscino; appendi un campanello a un gatto (un atto irragionevole); parla con due bocche; friggere le aringhe per le uova, ecc.

Questa immagine è di grande interesse non solo per gli storici dell'arte e i culturologi, ma anche per i filologi.

Danae (Rembrandt Harmens van Rijn)

L'artista olandese ha dipinto questo quadro per 11 anni (1636–1647). A prima vista, la tela raffigura l'eroina dell'antico mito greco Danae, nascosta nelle segrete dal proprio padre. La ragione di ciò è la profezia, secondo la quale il re di Argo cadrà per mano di suo nipote.

La Danae di Rembrandt è un simbolo dell'impermanenza maschile. Studiando l'immagine, gli storici dell'arte hanno stabilito che Danae ha un anello nuziale sull'anulare, anche se, secondo la leggenda, era una giovane donna non sposata quando fu imprigionata. Inoltre, nella foto non c'era la pioggia dorata, che Zeus versò per dare alla luce la vita a Danae.

Il secondo punto che ha confuso i ricercatori è che il volto dell'eroina non assomigliava a Saskia van Uylenbürch, la giovane moglie di Rembrandt, che servì da modello per tutti i suoi dipinti degli anni Trenta del Seicento. Ciò è tanto più strano, dal momento che "Danae" è stato dipinto dall'artista per decorare la propria casa. Quindi chi, invece di sua moglie, ha catturato sulla tela?

La risposta arrivò negli anni '50, quando gli storici dell'arte iniziarono a usare i raggi X per studiare i dipinti. Si è scoperto che inizialmente Danae è stata comunque cancellata da Saskia, e in seguito l'artista ha riscritto la sua immagine, dando le fattezze dell'infermiera di suo figlio Gertje Dirks. Dopo la morte di Saskia, divenne la sua amante, convivente e nuova musa.

"Camera da letto ad Arly" (Vincent van Gogh)

Incapace di resistere alla persecuzione del beau monde parigino, Vincent van Gogh fugge dalla capitale della Francia. Nella primavera del 1888 si ritira in una piccola dependance ad Arly, acquistata con i soldi dell'eredità. L'artista ha finalmente trovato la sua casa e il suo laboratorio. Ad Arly visse per qualche tempo in previsione di un altro fuggitivo parigino, Paul Gauguin. Insieme a lui, Van Gogh voleva creare una confraternita di artisti.

Il dipinto "Camera da letto ad Arly", o "Camera da letto gialla", è una prova documentaria della malattia mentale del pittore. Secondo esso, gli psichiatri possono studiare i cambiamenti in una persona che soffre di schizofrenia. Ecco i segnali a cui prestare attenzione:

1. Colore giallo saturo e persino invadente. Sembra innaturale all'interno della camera da letto. Riguarda la digitale, con cui Vincent van Gogh ha combattuto le crisi epilettiche. L'uso regolare di questo medicinale porta a un cambiamento nella percezione del colore. Le persone vedono il mondo in colore giallo-verde.
2. L'accostamento di oggetti nella stanza: due sedie, due cuscini, due ritratti, un paio di incisioni di Van Gogh. Pertanto, l'autore ha cercato di trovare la pace della mente, per far fronte alla solitudine.
3. Le persiane chiuse sono un simbolo dell'isolamento interiore dell'artista e di un senso di sicurezza.
4. Lo specchio sul muro è stato acquistato da Van Gogh per gli autoritratti. La gente si rifiutava di posare per lui perché non percepiva i suoi dipinti come arte.
5. La coperta rossa sul letto ha avuto un ruolo drammatico nella vita del pittore. Durante uno degli attacchi, si è tagliato il lobo dell'orecchio e, avvolgendosi in questa coperta, ha cercato di superare la paura che lo aveva preso.

L'immagine è un riflesso del mondo interiore dell'artista. Nel caso di Van Gogh, "Bedroom at Arly" è la storia della sua solitudine e follia.

"Urlo" (Edvard Munch)

L'urlo è uno dei dipinti più mistici del XX secolo. Incarnava la premonizione di una tragedia universale che attanagliava l'artista durante una delle sue passeggiate. Munch vide un tramonto insanguinato risplendere nel cielo e sentì interiormente il grido della sofferenza della natura. Questo è ciò che voleva mostrare sulla sua tela.

L'uomo glabro, di contorno simile a uno scheletro, spalanca la bocca e chiude le orecchie inorridito: ecco come lo colpisce l'ululato penetrante della natura. La sensazione vissuta dall'artista e mostrata sulla tela divenne profetica. "The Scream" è diventato un simbolo del ventesimo secolo - un secolo di violenza, guerre, crudeltà, odio per l'uomo e tortura dell'ambiente.

Un certo numero di storie mistiche sono associate all'immagine. Quindi, tutti i proprietari di "Scream" hanno subito disgrazie: rovina, morte, incidenti. Quando l'immagine è arrivata al museo, diversi lavoratori hanno mostrato negligenza nel lavorarci: hanno lasciato cadere la tela. Dopo un po ', uno si è suicidato e l'altro è rimasto ustionato in un incidente d'auto. Queste disgrazie erano associate all'azione fatale del capolavoro.

Gli scienziati sono sicuri che, come nel caso di Van Gogh, la tela sia l'incarnazione del disturbo mentale del suo creatore, Edvard Munch.

"Il vecchio pescatore" (Tivadar Kostka Chontvari)

Un farmacista ungherese, avendo visto un sogno profetico, vendette la farmacia, acquistò tutto il necessario per disegnare e andò a imparare l'abilità dai pittori libanesi.

Al ritorno in patria all'inizio del XX secolo, ha presentato un'opera originale: il dipinto "Il vecchio pescatore". Sembrava che non ci fosse niente di speciale: il pubblico non sapeva cosa ci fosse di così misterioso in questa tela. Riguarda il sottotesto, che non è così facile da leggere. È stato possibile risolverlo solo dopo 50 anni.

Chontwari dipingeva quadri strani e leggermente spaventosi, quindi non erano popolari. Di conseguenza, è morto in povertà e le sue tele sono finite nella spazzatura. Solo pochi dipinti del maestro sono sopravvissuti e sono finiti nel museo della città di Pec. Tra loro c'era il "Vecchio Pescatore".

Uno dei dipendenti del museo ha pensato di utilizzare uno specchio per rivelare il sottotesto del capolavoro. Si è scoperto che se dividi l'immagine a metà con uno specchio, si formano due trame antagoniste: la prima raffigura Dio che naviga su una barca in un mare calmo e la seconda raffigura il diavolo in un mare in tempesta. Questa è una tale metafora della complessità dell'essere creato da un artista ungherese.

Questa è solo una piccola parte di quei famosi dipinti che provocano stupore mistico e adorazione. Le creazioni di Mikhail Vrubel, Paul Gauguin, Pablo Picasso, Gustav Klimt e Kazemir Malevich evocano gioia, orrore e adorazione. Si risolvono, si ammirano, ci vogliono anni per comprenderne il contenuto. La conoscenza dei misteri delle grandi tele è un passo verso la conoscenza dell'uomo e del mondo.

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17:56

Alcune opere d'arte come se colpisse lo spettatore in testa, sbalordito e sorprendente. Alcuni di loro ti attirano nel pensiero e alla ricerca di strati semantici, simbolismo segreto. Alcuni dipinti sono ricoperti di segreti e misteri mistici e alcuni sorprendono a un prezzo esorbitante.

Pittura, se non si tiene conto dei realisti, è sempre stato, è e sarà strano. Metaforico, alla ricerca di nuove forme e mezzi espressivi. Ma alcune immagini strane sono più strane di altre.

Naturalmente, "strano" è un termine piuttosto soggettivo. e ognuno ha i suoi straordinari dipinti che si distinguono da una serie di altre opere d'arte.

Non abbiamo deliberatamente incluso in questa raccolta Salvador Dali, le cui opere rientrano completamente nel formato di questo materiale e sono le prime a venire in mente.

1. Edvard Munch "L'urlo"

1893, cartone, olio, tempera, pastello. 91x73,5 cm

Galleria Nazionale, Oslo

"The Scream" è considerato un evento storico espressionismo e uno dei dipinti più famosi al mondo.

"Stavo camminando lungo il sentiero con due amici- il sole stava tramontando - improvvisamente il cielo divenne rosso sangue, mi fermai, sentendomi esausto, e mi appoggiai allo steccato - guardai il sangue e le fiamme sopra il fiordo nero-bluastro e la città - i miei amici proseguirono, e io rimasi in piedi tremando per l'eccitazione, sentendo un urlo infinito che trafigge la natura", ha detto Edvard Munch a proposito della storia del dipinto.

Ci sono due interpretazioni del dipinto: è l'eroe stesso che è preso dall'orrore e urla silenziosamente, premendosi le mani sulle orecchie; oppure l'eroe chiude le orecchie al grido del mondo e della natura che risuona intorno a lui. Munch ha scritto 4 versioni di The Scream, e c'è una versione secondo cui questo dipinto è il frutto di una psicosi maniaco-depressiva di cui soffriva l'artista. Dopo un ciclo di cure in clinica, Munch non è tornato a lavorare sulla tela.

2. Paul Gauguin “Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando?"

1897-1898, olio su tela. 139,1x374,6 cm

Museo delle Belle Arti, Boston

Quadro filosofico profondo post-impressionista Paul Gauguin è stato scritto da lui a Tahiti, dove è fuggito da Parigi. Alla fine dell'opera voleva addirittura suicidarsi, perché "credo che questa tela non solo sia superiore a tutte le mie precedenti, e che non creerò mai qualcosa di migliore o addirittura simile".

Sotto la direzione dello stesso Gauguin, il dipinto va letto da destra a sinistra - tre gruppi principali di figure illustrano le domande poste nel titolo. Tre donne con un bambino rappresentano l'inizio della vita; il gruppo centrale simboleggia l'esistenza quotidiana della maturità; nell'ultimo gruppo, secondo l'artista, "una vecchia che si avvicina alla morte sembra riconciliata e abbandonata ai suoi pensieri", ai suoi piedi "uno strano uccello bianco... rappresenta la futilità delle parole".

3. Pablo Picasso "Guernica"

1937, olio su tela. 349x776 cm

Museo Reina Sofía, Madrid

Enorme affresco "Guernica", scritto da Picasso nel 1937, racconta di un'incursione di un'unità di volontari della Luftwaffe nella città di Guernica, a seguito della quale la città dei seimila fu completamente distrutta. L'immagine è stata dipinta in appena un mese: i primi giorni di lavoro sull'immagine, Picasso ha lavorato per 10-12 ore e già nei primi schizzi si poteva vedere l'idea principale. Questa è una delle migliori illustrazioni dell'incubo del fascismo, così come della crudeltà e del dolore umani.

"Guernica" presenta scene di morte, violenze, atrocità, sofferenze e impotenza, senza specificarne le cause immediate, ma sono evidenti. Si dice che nel 1940 Pablo Picasso fu convocato alla Gestapo di Parigi. La conversazione si è subito spostata sul dipinto. "Sei stato tu?" - "No, l'hai fatto."

4. Jan van Eyck "Ritratto degli Arnolfini"

1434, olio su tavola. 81,8x59,7 cm

Galleria Nazionale di Londra, Londra

Ritratto presumibilmente di Giovanni di Nicolao Arnolfini e sua moglie è una delle opere più complesse della scuola pittorica occidentale del Rinascimento settentrionale.

Il famoso dipinto è completamente pieno di simboli, allegorie e rimandi vari - fino alla firma "Jan van Eyck was here", che lo ha trasformato non solo in un'opera d'arte, ma in un documento storico che conferma un evento reale a cui l'artista ha assistito.

In Russia negli ultimi anni l'immagine ha guadagnato grande popolarità grazie alla somiglianza del ritratto di Arnolfini con Vladimir Putin.

5. Mikhail Vrubel "Demone seduto"

1890, olio su tela. 114x211 cm

Galleria Tretyakov, Mosca

Il dipinto di Mikhail Vrubel sorprende con l'immagine di un demone. Il triste ragazzo dai capelli lunghi non assomiglia affatto alle idee universali su come dovrebbe essere uno spirito malvagio. Lo stesso artista ha parlato del suo dipinto più famoso:

“Il demone non è tanto uno spirito maligno, quanto sofferente e dolente, con tutto questo lo spirito è potente, maestoso. Questa è un'immagine della forza dello spirito umano, della lotta interna, dei dubbi. Con le mani giunte tragicamente, il Demone siede con occhi grandi e tristi rivolti in lontananza, circondato da fiori. La composizione sottolinea il vincolo della figura del demone, come se fosse inserita tra le traverse superiore e inferiore del telaio.

6. Vasily Vereshchagin "L'apoteosi della guerra"

1871, olio su tela. 127x197 cm

Galleria Statale Tretyakov, Mosca

Vereshchagin è uno dei principali russi pittori di battaglie, ma dipinse guerre e battaglie non perché le amasse. Al contrario, ha cercato di trasmettere alla gente il suo atteggiamento negativo nei confronti della guerra. Una volta Vereshchagin, nel fervore dell'emozione, esclamò: “Non scriverò più foto di battaglie - basta! Prendo quello che scrivo troppo vicino al mio cuore, grido (letteralmente) il dolore di ogni ferito e ucciso. Probabilmente il risultato di questa esclamazione fu il terribile e ammaliante dipinto "L'apoteosi della guerra", che raffigura un campo, corvi e una montagna di teschi umani.

L'immagine è scritta in modo così profondo ed emotivo che dietro ogni teschio che giace in questo mucchio, inizi a vedere le persone, i loro destini e i destini di coloro che non vedranno più queste persone. Lo stesso Vereshchagin, con triste sarcasmo, definì la tela una "natura morta" - raffigura una "natura morta".

Tutti i dettagli dell'immagine, compreso il colore giallo, simboleggiano la morte e la devastazione. Il cielo azzurro e limpido sottolinea la morte dell'immagine. L'idea dell '"Apoteosi della guerra" è espressa anche dalle cicatrici delle sciabole e dai fori dei proiettili sui teschi.

7. Grant Wood "Gotico americano"

1930, olio. 74x62 cm

Istituto d'arte di Chicago, Chicago

"American Gothic" è uno dei più riconoscibili immagini nell'arte americana del 20° secolo, il meme artistico più famoso del 20° e 21° secolo.

Dipinto con padre e figlia cupi pieno di dettagli che indicano la severità, il puritanesimo e il retrogrado delle persone raffigurate. Facce arrabbiate, un forcone proprio al centro della foto, vestiti antiquati anche per gli standard del 1930, un gomito scoperto, cuciture sugli abiti del contadino che ripetono la forma di un forcone, e quindi una minaccia che si rivolge a chiunque chi invade. Tutti questi dettagli possono essere guardati all'infinito e rabbrividire per il disagio.

È interessante notare che i giudici del concorso presso il Chicago Institute Le arti percepivano il "gotico" come un "San Valentino umoristico", e il popolo dell'Iowa fu terribilmente offeso da Wood per averli ritratti in una luce così sgradevole.

8. René Magritte "Amanti"

1928, olio su tela

Dipinto "Amanti" ("Amanti") esiste in due varianti. Su uno, un uomo e una donna, le cui teste sono avvolte in un panno bianco, si baciano e sull'altro "guardano" lo spettatore. L'immagine sorprende e affascina. Con due figure senza volto, Magritte ha trasmesso l'idea alla cecità dell'amore. Sulla cecità in tutti i sensi: gli innamorati non vedono nessuno, noi non vediamo i loro veri volti e inoltre gli innamorati sono un mistero anche l'uno per l'altro. Ma con questa apparente chiarezza, continuiamo ancora a guardare gli amanti di Magritte ea pensare a loro.

Quasi tutti i dipinti di Magritte- questi sono enigmi che non possono essere completamente risolti, poiché sollevano interrogativi sull'essenza stessa dell'essere. Magritte parla continuamente dell'inganno del visibile, del suo mistero nascosto, che di solito non notiamo.

9. Marc Chagall "Passeggiata"

1917, olio su tela

Galleria Statale Tretyakov

Di solito estremamente serio nella sua pittura, Marc Chagall ha scritto un delizioso manifesto della propria felicità, pieno di allegorie e amore. "Walk" è un autoritratto con sua moglie Bella. La sua amata si libra nel cielo e sembra essere trascinata nel volo e Chagall, che è in piedi a terra precariamente, come se la toccasse solo con la punta delle scarpe. Chagall ha una tetta nell'altra mano: è felice, ha una tetta tra le mani (probabilmente il suo dipinto) e una gru nel cielo.

10. Hieronymus Bosch "Il giardino delle delizie"

1500-1510, olio su legno. 389x220 cm

Prato, Spagna

"Il giardino delle delizie terrene"- il più famoso trittico di Hieronymus Bosch, che prende il nome dal tema della parte centrale, è dedicato al peccato di voluttà. Ad oggi, nessuna delle interpretazioni disponibili dell'immagine è stata riconosciuta come l'unica vera.

Fascino duraturo e stranezza allo stesso tempo il trittico è il modo in cui l'artista esprime l'idea principale attraverso molti dettagli. Il quadro è pieno di figure trasparenti, strutture fantastiche, mostri divenuti allucinazioni, caricature infernali della realtà, che egli guarda con sguardo penetrante, estremamente acuto. Alcuni scienziati volevano vedere nel trittico un'immagine della vita umana attraverso il prisma della sua vanità e le immagini dell'amore terreno, altri - il trionfo della voluttà. Tuttavia, l'innocenza e un certo distacco con cui vengono interpretate le singole figure, nonché l'atteggiamento favorevole nei confronti di quest'opera da parte delle autorità ecclesiastiche, fanno dubitare che la glorificazione dei piaceri corporali possa esserne il contenuto.

11. Gustav Klimt "Le tre età della donna"

1905, olio su tela. 180x180 cm

Galleria Nazionale d'Arte Moderna, Roma

"Three Ages of Woman" è gioiosa allo stesso tempo, e triste. In esso, la storia della vita di una donna è scritta in tre figure: incuria, pace e disperazione. La giovane donna è organicamente intessuta nell'ornamento della vita, la vecchia si distingue da lei. Il contrasto tra l'immagine stilizzata di una giovane donna e l'immagine naturalistica di una donna anziana assume un significato simbolico: la prima fase della vita porta con sé infinite possibilità e metamorfosi, l'ultima è costanza immutabile e conflitto con la realtà.

La tela non si lascia andare, si arrampica nell'anima e ti fa pensare alla profondità del messaggio dell'artista, così come alla profondità e all'inevitabilità della vita.

12. Egon Schiele "Famiglia"

1918, olio su tela. 152,5x162,5 cm

Galleria del Belvedere, Vienna

Schiele era uno studente di Klimt, ma, come ogni ottimo studente, non ha copiato il suo insegnante, ma ne ha cercato uno nuovo. Schiele è molto più tragico, strano e spaventoso di Gustav Klimt. Nelle sue opere c'è molto di ciò che si potrebbe chiamare pornografia, varie perversioni, naturalismo e, allo stesso tempo, dolorosa disperazione.

"Famiglia" - il suo ultimo lavoro, in cui la disperazione è portata all'assoluto, nonostante questa sia la sua immagine meno strana. Lo dipinse poco prima di morire, dopo che la moglie incinta Edith morì di influenza spagnola. Morì all'età di 28 anni appena tre giorni dopo Edith, essendo riuscito a disegnare lei, se stesso e il loro bambino non ancora nato.

13. Frida Kahlo "Due Frida"

1939

La storia della vita difficile di un artista messicano Frida Kahlo è diventata famosa dopo l'uscita del film "Frida" con Salma Hayek nel ruolo del protagonista. Kahlo ha dipinto per lo più autoritratti e lo ha spiegato semplicemente: "Dipingo me stesso perché trascorro molto tempo da solo e perché sono il soggetto che conosco meglio".

Nessuno degli autoritratti di Frida Kahlo non sorride: una faccia seria, persino triste, sopracciglia folte fuse, baffi leggermente evidenti sopra labbra strettamente compresse. Le idee dei suoi quadri sono criptate nei dettagli, nello sfondo, nelle figure che compaiono accanto a Frida. Il simbolismo di Kahlo si basa sulle tradizioni nazionali ed è strettamente connesso con la mitologia indiana del periodo preispanico.

In uno dei migliori dipinti - "Two Fridas"- ha espresso i principi maschile e femminile, collegati in lei da un unico sistema circolatorio, dimostrando la sua integrità.

14. Claude Monet “Il ponte di Waterloo. Effetto nebbia»

1899, olio su tela

Museo statale dell'Ermitage, San Pietroburgo

Quando si guarda l'immagine da una distanza ravvicinata lo spettatore non vede altro che una tela su cui vengono applicati frequenti spessi tratti di olio. Tutta la magia dell'opera si rivela quando gradualmente iniziamo ad allontanarci dalla tela a una distanza maggiore. Dapprima cominciano ad apparire davanti a noi semicerchi incomprensibili, passando per il centro del quadro, poi, vediamo i contorni netti delle barche e, dopo aver spostato una distanza di circa due metri, tutte le opere di collegamento sono nettamente disegnate e allineate in un catena logica di fronte a noi.

15. Jackson Pollock "Numero 5, 1948"

1948, fibra di legno, olio. 240x120 cm

La stranezza di questa immagine è che la tela del leader americano dell'espressionismo astratto, che ha dipinto, versando vernice su un pezzo di fibra steso sul pavimento, è il dipinto più costoso del mondo. Nel 2006, all'asta di Sotheby's, l'hanno pagata 140 milioni di dollari. David Giffen, produttore cinematografico e collezionista, lo ha venduto al finanziere messicano David Martinez.

"Continuo ad allontanarmi dagli strumenti convenzionali artista, come cavalletto, tavolozza e pennelli. Preferisco bastoni, pale, coltelli e versare vernice o una miscela di vernice con sabbia o vetri rotti o altro. Quando sono dentro un dipinto, non sono consapevole di quello che sto facendo. La comprensione viene dopo. Non ho paura di cambiare o distruggere l'immagine, poiché il dipinto ha una vita propria. La sto solo aiutando a uscire. Ma se perdo il contatto con il dipinto, è sporco e disordinato. In caso contrario, questa è pura armonia, la facilità di come prendi e dai.

16. Joan Mirò "Uomo e donna davanti a un mucchio di escrementi"

1935, rame, olio, 23x32 cm

Fondazione Joan Mirò, Spagna

Buon titolo. E chi avrebbe mai pensato che questa immagine ci parlasse degli orrori delle guerre civili.

L'immagine è stata realizzata su una lastra di rame per la settimana tra il 15 e il 22 ottobre 1935. Secondo Miro, questo è il risultato di un tentativo di ritrarre la tragedia della guerra civile spagnola. Miro ha detto che questa è una foto su un periodo di disordini. Il dipinto raffigura un uomo e una donna che si protendono l'uno per le braccia dell'altro, ma non si muovono. I genitali allargati e i colori minacciosi sono stati descritti come "pieni di repulsione e sessualità ripugnante".

17. Jacek Yerka "Erosione"

Neo-surrealista polacco conosciuto in tutto il mondo grazie ai suoi straordinari dipinti, in cui le realtà si combinano, creandone di nuove. È difficile considerare uno per uno i suoi lavori estremamente dettagliati e in una certa misura toccanti, ma tale è il formato del nostro materiale, e abbiamo dovuto sceglierne uno - per illustrare la sua immaginazione e abilità. Ti consigliamo di leggere di più.

18. Bill Stoneham "Le mani gli resistono"

1972

Questo lavoro, ovviamente, non può essere considerato ai capolavori dell'arte mondiale, ma il fatto che sia strano è un dato di fatto.

Intorno all'immagine con un ragazzo, una bambola e palme, premuto contro il vetro, ci sono leggende. Da "a causa di questa foto muoiono" a "i bambini in essa sono vivi". L'immagine sembra davvero inquietante, il che fa sorgere molte paure e congetture nelle persone con una psiche debole.

L'artista ha assicurato che nella foto lui stesso è raffigurato all'età di cinque anni, che la porta è una rappresentazione della linea di demarcazione tra il mondo reale e il mondo dei sogni, e la bambola è una guida che può condurre il ragazzo attraverso questo mondo. Le mani rappresentano vite o possibilità alternative.

Il dipinto è diventato famoso nel febbraio 2000. quando è stato messo in vendita su eBay con un retroscena che diceva che il dipinto è "infestato". "Hands Resist Him" ​​​​è stato acquistato per $ 1.025 da Kim Smith, che è stato poi sommerso da lettere con storie raccapriccianti e richieste di bruciare il dipinto.

Storie e misteri mistici sono associati a molte opere di pittura. Inoltre, alcuni esperti ritengono che forze oscure e segrete siano coinvolte nella creazione di una serie di tele. Ci sono motivi per una simile affermazione. Troppo spesso fatti sorprendenti ed eventi inspiegabili sono accaduti a questi capolavori fatali: incendi, morti, follia degli autori ... Uno dei dipinti "maledetti" più famosi è "Crying Boy" - una riproduzione di un dipinto dell'artista spagnolo Giovanni Bragolin . La storia della sua creazione è la seguente: l'artista ha voluto dipingere un ritratto di un bambino che piange e ha preso il suo figlioletto come modello. Ma, poiché il bambino non poteva piangere per ordinare, il padre lo fece deliberatamente piangere, accendendogli dei fiammiferi davanti al viso.

Se la guardi per 5 minuti di fila, la ragazza cambierà (gli occhi diventeranno rossi, i capelli diventeranno neri, appariranno le zanne). In effetti, è chiaro che l'immagine non è chiaramente disegnata a mano, come piace dire a molti. Sebbene nessuno dia risposte chiare su come è apparsa questa immagine. L'immagine successiva è appesa modestamente senza cornice in uno dei negozi di Vinnitsa. "Rain Woman" è il più costoso di tutti i lavori: costa $ 500. Secondo i venditori, il dipinto è già stato acquistato tre volte e poi restituito. I clienti spiegano che la stanno sognando. E qualcuno dice addirittura di conoscere questa signora, ma non ricorda dove. E chiunque abbia mai guardato nei suoi occhi bianchi ricorderà per sempre la sensazione di una giornata piovosa, silenzio, ansia e paura.