Le opere più famose del mondo. Storia del genere Opere operistiche di compositori russi del XIX secolo

L'autore del saggio è N. V. Tumanina

L'opera russa è il contributo più prezioso al tesoro del teatro musicale mondiale. Nato nell'era del periodo di massimo splendore classico dell'opera italiana, francese e tedesca, opera russa nel XIX secolo. non solo ha raggiunto altre scuole d'opera nazionali, ma le ha anche superate. La natura multilaterale dello sviluppo del teatro dell'opera russo nel XIX secolo. ha contribuito all'arricchimento dell'arte realistica mondiale. Le opere dei compositori russi hanno aperto una nuova area di creatività operistica, vi hanno introdotto nuovi contenuti, nuovi principi per costruire la drammaturgia musicale, avvicinando l'arte operistica ad altri tipi di creatività musicale, principalmente alla sinfonia.

La storia dell'opera classica russa è indissolubilmente legata allo sviluppo della vita sociale in Russia, con lo sviluppo del pensiero russo avanzato. L'opera si distingueva per queste connessioni già nel XVIII secolo, essendo sorta come fenomeno nazionale negli anni '70, l'era dello sviluppo dell'Illuminismo russo. La formazione della scuola lirica russa è stata influenzata da idee illuministiche, espresse nel desiderio di rappresentare in modo veritiero la vita delle persone.

Così, l'opera russa fin dai suoi primi passi prende forma come un'arte democratica. Le trame delle prime opere russe spesso proponevano idee anti-servitù, caratteristiche anche del teatro drammatico russo e della letteratura russa alla fine del XVIII secolo. Tuttavia, queste tendenze non si erano ancora sviluppate in un sistema integrale, erano espresse empiricamente in scene della vita dei contadini, nel mostrare la loro oppressione da parte dei proprietari terrieri, in una rappresentazione satirica della nobiltà. Tali sono le trame delle prime opere russe: "Sfortuna dalla carrozza" di V. A. Pashkevich (c. 1742-1797), libretto di Ya. B. Kniazhnin (post, nel 1779); "Cocchieri su una configurazione" E. I. Fomina (1761-1800). Nell'opera "The Miller - uno stregone, un ingannatore e un sensale" con un testo di A. O. Ablesimov e musica di M. M. Sokolovsky (nella seconda versione - E. I. Fomina), l'idea della nobiltà dell'opera di si esprime un contadino e si ridicolizza la nobile spavalderia. Nell'opera di M. A. Matinsky - V. A. Pashkevich "San Pietroburgo Gostiny Dvor" un usuraio e un corruttore sono raffigurati in forma satirica.

Le prime opere russe erano rappresentazioni teatrali con episodi musicali nel corso dell'azione. Le scene di conversazione erano molto importanti in loro. La musica delle prime opere era strettamente connessa con le canzoni popolari russe: i compositori fecero ampio uso delle melodie delle canzoni popolari esistenti, rielaborandole, facendone la base dell'opera. In "Melnik", ad esempio, tutte le caratteristiche dei personaggi sono riportate con l'ausilio di canti popolari di diversa natura. Nell'opera "San Pietroburgo Gostiny Dvor" viene riprodotta con grande precisione una cerimonia di matrimonio popolare. In "Cocchieri su un telaio" Fomin ha creato il primo esempio di opera corale popolare, stabilendo così una delle tradizioni tipiche della successiva opera russa.

L'opera russa si è sviluppata nella lotta per la sua identità nazionale. La politica della corte reale e dei vertici della società nobile, patrocinando le truppe straniere, era diretta contro la democrazia dell'arte russa. Le figure dell'opera russa hanno dovuto apprendere abilità operistiche sui campioni dell'opera dell'Europa occidentale e allo stesso tempo difendere l'indipendenza della loro direzione nazionale. Questa lotta per molti anni è diventata una condizione per l'esistenza dell'opera russa, assumendo nuove forme in nuove fasi.

Insieme all'opera-commedia nel XVIII secolo. apparvero anche altri generi operistici. Nel 1790, a corte ebbe luogo uno spettacolo dal titolo "L'amministrazione iniziale di Oleg", il cui testo fu scritto dall'imperatrice Caterina II, e la musica fu composta congiuntamente dai compositori K. Canobbio, J. Sarti e V. A. Pashkevich. la performance non era tanto operistica quanto oratoria in natura, e in una certa misura può essere considerata il primo esempio del genere storico-musicale, così diffuso nell'Ottocento. Nell'opera dell'eccezionale compositore russo D. S. Bortnyansky (1751-1825), il genere operistico è rappresentato dalle opere liriche The Falcon e The Rival Son, la cui musica, in termini di sviluppo di forme e abilità operistiche, può essere messa in scena alla pari con esempi moderni di opera dell'Europa occidentale.

Il teatro dell'opera è stato utilizzato nel 18 ° secolo. grande popolarità. A poco a poco, l'opera della capitale penetrò nei teatri di proprietà. Teatro della fortezza a cavallo tra il XVIII e il XIX secolo. fornisce singoli esempi altamente artistici dell'esecuzione di opere e ruoli individuali. Vengono nominati cantanti e attori russi di talento, come, ad esempio, la cantante E. Sandunova, che si è esibita sul palcoscenico della capitale, o l'attrice serva del Teatro Sheremetev P. Zhemchugova.

Realizzazioni artistiche dell'opera russa del XVIII secolo. ha dato impulso al rapido sviluppo del teatro musicale in Russia nel primo quarto del XIX secolo.

I collegamenti del teatro musicale russo con le idee che determinarono la vita spirituale dell'epoca furono particolarmente rafforzati durante la guerra patriottica del 1812 e durante gli anni del movimento decabrista. Il tema del patriottismo, riflesso nelle trame storiche e contemporanee, diventa la base di molte rappresentazioni drammatiche e musicali. Le idee dell'umanesimo, la protesta contro la disuguaglianza sociale ispirano e fecondano l'arte teatrale.

All'inizio del XIX secolo. non si può ancora parlare di opera nel pieno senso della parola. I generi misti giocano un ruolo importante nel teatro musicale russo: tragedia con musica, vaudeville, opera comica, opera-balletto. Prima di Glinka, l'opera russa non conosceva opere la cui drammaturgia si sarebbe basata solo sulla musica senza episodi parlati.

O. A. Kozlovsky (1757-1831), che creò musica per le tragedie di Ozerov, Katenin, Shakhovsky, fu un eccezionale compositore di "tragedie sulla musica". I compositori A. A. Alyabyev (1787-1851) e A. N. Verstovsky (1799-1862) hanno lavorato con successo nel genere del vaudeville, che ha composto musica per una serie di vaudeville di contenuto umoristico e satirico.

Opera dell'inizio del XIX secolo sviluppato le tradizioni del periodo precedente. Un fenomeno caratteristico erano le esibizioni quotidiane, accompagnate da canti popolari. Esempi di questo tipo sono spettacoli: "Yam", "Gatherings", "Girlfriend", ecc., La musica per la quale è stata scritta dal compositore dilettante A. N. Titov (1769-1827). Ma questo è tutt'altro che esaurito la ricca vita teatrale dell'epoca. L'inclinazione verso le tendenze romantiche tipiche dell'epoca si esprimeva nell'entusiasmo della società per le rappresentazioni fiabesco-fantastiche. La sirena del Dnepr (Lesta), che aveva diverse parti, ebbe un successo particolare. La musica per queste opere, che formavano, per così dire, i capitoli del romanzo, è stata scritta dai compositori S. I. Davydov, K. A. Kavos; è stata in parte utilizzata la musica del compositore austriaco Cauer. "The Dnieper Mermaid" non ha lasciato il palco per molto tempo, non solo per la trama divertente, che nelle sue caratteristiche principali anticipa la trama della "Sirena" di Pushkin, non solo grazie alla lussuosa produzione, ma anche grazie al musica melodica, semplice e accessibile.

Il compositore italiano K. A. Kavos (1775-1840), che ha lavorato in Russia fin dalla giovane età e si è impegnato molto nello sviluppo della performance dell'opera russa, ha fatto il primo tentativo di creare un'opera storico-eroica. Nel 1815 mise in scena a San Pietroburgo l'opera Ivan Susanin, in cui, sulla base di uno degli episodi della lotta del popolo russo contro l'invasione polacca all'inizio del XVII secolo, cercò di creare un patriottismo nazionale prestazione. Quest'opera rispondeva allo stato d'animo della società sopravvissuta alla guerra di liberazione contro Napoleone. L'opera di Kavos si distingue favorevolmente tra le opere moderne per l'abilità di un musicista professionista, la dipendenza dal folklore russo e la vivacità dell'azione. Tuttavia, non supera il livello delle numerose "opere di salvataggio" di compositori francesi, che marciano sullo stesso palcoscenico; Kavos non ha potuto creare in esso l'epopea folk-tragica che Glinka ha creato vent'anni dopo, usando la stessa trama.

Il più grande compositore del primo terzo del XIX secolo. A. N. Verstovsky, che è stato menzionato come autore di musica per il vaudeville, dovrebbe essere riconosciuto. Le sue opere "Pan Tvardovsky" (pubblicato nel 1828), "Askold's Grave" (pubblicato nel 1835), "Vadim" (pubblicato nel 1832) e altri costituirono una nuova tappa nello sviluppo dell'opera russa prima di Glinka. I tratti caratteristici del romanticismo russo si riflettevano nell'opera di Verstovsky. L'antichità russa, le tradizioni poetiche di Kievan Rus, le fiabe e le leggende costituiscono la base delle sue opere. Un ruolo significativo in essi è svolto dall'elemento magico. La musica di Verstovsky, profondamente radicata, basata sull'arte della canzone popolare, ha assorbito le origini popolari nel senso più ampio. I suoi personaggi sono tipici dell'arte popolare. Essendo un maestro della drammaturgia operistica, Verstovsky ha creato scene romanticamente colorate di contenuto fantastico. Un esempio del suo stile è l'opera "Askold's Grave", che è stata conservata nel repertorio fino ad oggi. Ha mostrato le migliori caratteristiche di Verstovsky: un dono melodico, un eccellente talento drammatico, la capacità di creare immagini vivaci e caratteristiche dei personaggi.

Le opere di Verstovsky appartengono al periodo preclassico dell'opera russa, sebbene il loro significato storico sia molto grande: riassumono e sviluppano tutte le migliori qualità del periodo precedente e contemporaneo nello sviluppo della musica operistica russa.

Dagli anni '30. 19esimo secolo L'opera russa entra nel suo periodo classico. Il fondatore dei classici dell'opera russa M. I. Glinka (1804-1857) ha creato l'opera storica e tragica "Ivan Susanin" (1830) e il favolosamente epico - "Ruslan e Lyudmila" (1842). Queste opere hanno gettato le basi per due delle tendenze più importanti del teatro musicale russo: l'opera storica e l'epopea magica. I principi creativi di Glinka sono stati implementati e sviluppati dalla prossima generazione di compositori russi.

Glinka si è sviluppato come artista in un'epoca oscurata dalle idee del Decabrismo, che gli hanno permesso di elevare il contenuto ideologico e artistico delle sue opere a una nuova e significativa altezza. Fu il primo compositore russo, nella cui opera l'immagine del popolo, generalizzata e profonda, divenne il centro dell'intera opera. Il tema del patriottismo nella sua opera è indissolubilmente legato al tema della lotta del popolo per l'indipendenza.

Il periodo precedente dell'opera russa ha preparato l'apparizione delle opere di Glinka, ma la loro differenza qualitativa rispetto alle precedenti opere russe è molto significativa. Nelle opere di Glinka, il realismo del pensiero artistico non si manifesta nei suoi aspetti privati, ma funge da metodo creativo olistico che ci consente di dare una generalizzazione musicale e drammatica dell'idea, del tema e della trama dell'opera. Glinka comprendeva il problema della nazionalità in un modo nuovo: per lui significava non solo lo sviluppo musicale delle canzoni popolari, ma anche una riflessione profonda e sfaccettata nella musica della vita, dei sentimenti e dei pensieri delle persone, la rivelazione dei tratti caratteristici del suo aspetto spirituale. Il compositore non si è limitato a riflettere la vita popolare, ma ha incarnato nella musica i tratti tipici della visione del mondo popolare. Le opere di Glinka sono opere musicali e drammatiche integrali; non hanno dialoghi parlati, il contenuto è espresso attraverso la musica. Invece di numeri solistici e corali separati e non sviluppati dell'opera comica, Glinka crea forme operistiche ampie e dettagliate, sviluppandole con genuina abilità sinfonica.

In "Ivan Susanin" Glinka ha cantato l'eroico passato della Russia. Con grande verità artistica, le immagini tipiche del popolo russo sono incarnate nell'opera. Lo sviluppo del dramma musicale si basa sull'opposizione di varie sfere musicali nazionali.

"Ruslan e Lyudmila" è un'opera che ha segnato l'inizio delle opere epiche popolari russe. Il significato di "Ruslan" per la musica russa è molto grande. L'opera ha avuto un impatto non solo sui generi teatrali, ma anche su quelli sinfonici. Maestose immagini eroiche e misteriosamente magiche, così come colorate-orientali di "Ruslan" hanno nutrito a lungo la musica russa.

Glinka fu seguito da A. S. Dargomyzhsky (1813-1869), un artista tipico dell'era degli anni '40 e '50. 19esimo secolo Glinka ha avuto una grande influenza su Dargomyzhsky, ma allo stesso tempo nell'opera di quest'ultimo sono apparse nuove qualità, nate da nuove condizioni sociali, nuovi temi che sono venuti all'arte russa. La calda simpatia per una persona umiliata, la consapevolezza della perniciosità della disuguaglianza sociale, un atteggiamento critico nei confronti dell'ordine sociale si riflettono nell'opera di Dargomyzhsky, associata alle idee del realismo critico in letteratura.

Il percorso di Dargomyzhsky come compositore d'opera iniziò con la creazione dell'opera "Esmeralda", dopo V. Hugo (pubblicata nel 1847), e l'opera centrale del compositore dovrebbe essere considerata "Sirena" (basata sul dramma di A. S. Pushkin), messa in scena nel 1856 In quest'opera, il talento di Dargomyzhsky fu pienamente rivelato e fu determinata la direzione del suo lavoro. Il dramma della disuguaglianza sociale tra le amorevoli figlie del mugnaio Natasha e il principe ha attratto il compositore con l'attualità del tema. Dargomyzhsky ha rafforzato il lato drammatico della trama sminuendo l'elemento fantastico. Rusalka è la prima opera lirico-psicologica quotidiana russa. La sua musica è profondamente folk; sulla base di una canzone, il compositore ha creato immagini viventi di eroi, ha sviluppato uno stile declamativo nelle parti dei personaggi principali, ha sviluppato scene d'insieme, drammatizzandole in modo significativo.

L'ultima opera di Dargomyzhsky, The Stone Guest, dopo Pushkin (pubblicata nel 1872, dopo la morte del compositore), appartiene a un periodo diverso nello sviluppo dell'opera russa. Dargomyzhsky vi ha assegnato il compito di creare un linguaggio musicale realistico che rifletta le intonazioni del discorso. Il compositore ha abbandonato qui le tradizionali forme operistiche: arie, ensemble, coro; le parti vocali dell'opera prevalgono sulla parte orchestrale, The Stone Guest ha gettato le basi per una delle direzioni del periodo successivo dell'opera russa, la cosiddetta opera recitativa da camera, successivamente presentata da Mozart e Salieri di Rimsky-Korsakov, Rachmaninov Il cavaliere avaro e altri. La particolarità di queste opere è che sono tutte basate sul testo integrale inalterato delle "piccole tragedie" di Pushkin.

Negli anni '60. L'opera russa è entrata in una nuova fase del suo sviluppo. Sul palcoscenico russo compaiono le opere dei compositori del circolo Balakirev ("The Mighty Handful") e Čajkovskij. Negli stessi anni si svolse il lavoro di A. N. Serov e A. G. Rubinshtein.

L'opera operistica di A. N. Serov (1820-1871), divenuto famoso come critico musicale, non può essere annoverata tra i fenomeni molto significativi del teatro russo. Tuttavia, un tempo le sue opere hanno avuto un ruolo positivo. Nell'opera "Judith" (post, nel 1863), Serov creò un'opera di natura eroico-patriottica basata su una storia biblica; nell'opera Rogneda (composta e messa in scena nel 1865), si rivolse all'era di Kievan Rus, volendo continuare la linea di Ruslan. Tuttavia, l'opera non era abbastanza profonda. Di grande interesse è la terza opera di Serov, The Enemy Force, basata sul dramma di A. N. Ostrovsky Don't Live As You Want (pubblicato nel 1871). Il compositore ha deciso di creare un'opera canzone, la cui musica dovrebbe essere basata su fonti primarie. Tuttavia, l'opera non ha un solo concetto drammatico e la sua musica non raggiunge le vette della generalizzazione realistica.

A. G. Rubinshtein (1829-1894), come compositore d'opera, iniziò componendo l'opera storica La battaglia di Kulikovo (1850). ha creato l'opera lirica Theramors e l'opera romantica Children of the Steppes. La migliore opera di Rubinstein, The Demon after Lermontov (1871), è sopravvissuta nel repertorio. Quest'opera è un esempio di opera lirica russa in cui le pagine più talentuose sono dedicate all'espressione dei sentimenti dei personaggi. Le scene di genere di The Demon, in cui il compositore ha utilizzato la musica popolare della Transcaucasia, apportano un sapore locale. L'opera Il demone ebbe successo tra i contemporanei che vedevano nel protagonista l'immagine di un uomo degli anni Quaranta e Cinquanta.

Il lavoro operistico dei compositori di The Mighty Handful e Tchaikovsky era strettamente connesso con la nuova estetica degli anni '60. Nuove condizioni sociali pongono nuovi compiti per gli artisti russi. Il problema principale dell'epoca era il problema della riflessione nelle opere d'arte della vita popolare in tutta la sua complessità e incoerenza. L'impatto delle idee dei democratici rivoluzionari (soprattutto Chernyshevsky) si rifletteva nel campo della creatività musicale dall'attrazione per temi e trame universalmente significativi, dall'orientamento umanistico delle opere e dalla glorificazione delle alte forze spirituali del persone. Di particolare importanza in questo momento è il tema storico.

L'interesse per la storia della loro gente in quegli anni è tipico non solo dei compositori. La stessa scienza storica si sta sviluppando ampiamente; scrittori, poeti e drammaturghi si rivolgono al tema storico; sviluppo della pittura storica. Le epoche dei colpi di stato, delle rivolte contadine, dei movimenti di massa sono di grande interesse. Un posto importante è occupato dal problema del rapporto tra il popolo e il potere reale. Le opere storiche di M. P. Mussorgsky e N. A. Rimsky-Korsakov sono dedicate a questo argomento.

Le opere di M. P. Mussorgsky (1839-1881), Boris Godunov (1872) e Khovanshchina (completata da Rimsky-Korsakov nel 1882) appartengono al ramo storico e tragico dell'opera classica russa. Il compositore li ha definiti "drammi musicali popolari", poiché le persone sono al centro di entrambe le opere. L'idea principale di "Boris Godunov" (basata sull'omonima tragedia di Pushkin) è un conflitto: lo zar - il popolo. Questa idea è stata una delle più importanti e acute dell'era post-riforma. Mussorgsky voleva trovare un'analogia con il presente negli eventi del passato di Rus. La contraddizione tra interessi popolari e potere autocratico è mostrata nelle scene di un movimento popolare che si trasforma in una sollevazione aperta. Allo stesso tempo, il compositore presta grande attenzione alla "tragedia della coscienza" vissuta dallo zar Boris. L'immagine poliedrica di Boris Godunov è uno dei più alti successi dell'opera mondiale.

Il secondo dramma musicale di Mussorgsky, Khovanshchina, è dedicato alle rivolte di Streltsy alla fine del XVII secolo. L'elemento del movimento popolare in tutta la sua forza esuberante è meravigliosamente espresso dalla musica dell'opera, basata sul ripensamento creativo dell'arte del canto popolare. La musica di "Khovanshchina", come la musica di "Boris Godunov", è caratterizzata da un'alta tragedia. La base del miglio melodico di entrambe le opere è la sintesi del canto e degli inizi declamatori. L'innovazione di Mussorgsky, nata dalla novità della sua concezione, e la soluzione profondamente originale ai problemi della drammaturgia musicale ci fanno classificare entrambe le sue opere tra le più alte conquiste del teatro musicale.

Anche l'opera di A. P. Borodin (1833-1887) "Prince Igor" confina con il gruppo di opere musicali storiche (la sua trama era "The Tale of Igor's Campaign"). L'idea dell'amore per la patria, l'idea di unirsi di fronte al nemico è rivelata dal compositore con grande drammaticità (scene in Putivl). Il compositore ha unito nella sua opera la monumentalità del genere epico con un inizio lirico. Nell'incarnazione poetica del campo polovtsiano, vengono implementati i precetti di Glinka; a loro volta, le immagini musicali dell'Est di Borodin hanno ispirato molti compositori russi e sovietici a creare immagini orientali. Il meraviglioso dono melodico di Borodin si è manifestato nello stile di canto ampio dell'opera. Borodin non ha avuto il tempo di finire l'opera; Il principe Igor fu completato da Rimsky-Korsakov e Glazunov e messo in scena nella loro versione nel 1890.

Il genere del dramma musicale storico è stato sviluppato anche da N. A. Rimsky-Korsakov (1844-1908). Gli uomini liberi di Pskov che si ribellano contro Ivan il Terribile (opera La donna di Pskov, 1872) è raffigurato dal compositore con grandezza epica. L'immagine del re è piena di autentico dramma. L'elemento lirico dell'opera, associato all'eroina - Olga, arricchisce la musica, introducendo tratti di sublime tenerezza e morbidezza nel maestoso concetto tragico.

P. I. Tchaikovsky (1840-1893), famoso soprattutto per le sue opere lirico-psicologiche, fu autore di tre opere storiche. Le opere Oprichnik (1872) e Mazepa (1883) sono dedicate a eventi drammatici della storia russa. Nell'opera The Maid of Orleans (1879), il compositore si rivolse alla storia della Francia e creò l'immagine dell'eroina nazionale francese Giovanna d'Arco.

Una caratteristica delle opere storiche di Čajkovskij è la loro parentela con le sue opere liriche. Il compositore rivela in essi i tratti caratteristici dell'era rappresentata attraverso il destino delle singole persone. Le immagini dei suoi eroi si distinguono per la profondità e la veridicità della trasmissione del complesso mondo interiore di una persona.

Oltre ai drammi musicali folk-storici nell'opera russa del XIX secolo. un posto importante è occupato dalle opere fiabesche popolari, ampiamente rappresentate nell'opera di N. A. Rimsky-Korsakov. Le migliori opere fiabesche di Rimsky-Korsakov sono The Snow Maiden (1881), Sadko (1896), Kashchei the Immortal (1902) e The Golden Cockerel (1907). Un posto speciale è occupato dall'opera The Tale of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia (1904), basata su leggende popolari sull'invasione tataro-mongola.

Le opere di Rimsky-Korsakov stupiscono per la varietà di interpretazioni del genere del racconto popolare. O questa è un'interpretazione poetica di antiche idee popolari sulla natura, espresse in una meravigliosa fiaba sulla fanciulla di neve, o un'immagine potente dell'antica Novgorod, o un'immagine della Russia all'inizio del XX secolo. nell'immagine allegorica del freddo regno di Kashcheev, poi una vera satira sul marcio sistema autocratico in immagini popolari da favola ("Il galletto d'oro"). In vari casi, i metodi di rappresentazione musicale dei personaggi e le tecniche della drammaturgia musicale di Rimsky-Korsakov sono diversi. Tuttavia, in tutte le sue opere si avverte la profonda penetrazione creativa del compositore nel mondo delle idee popolari, delle credenze popolari, nella visione del mondo delle persone. La base della musica delle sue opere è il linguaggio delle canzoni popolari. La dipendenza dall'arte popolare, la caratterizzazione degli attori attraverso l'uso di vari generi popolari è una caratteristica tipica di Rimsky-Korsakov.

L'apice dell'opera di Rimsky-Korsakov è la maestosa epopea sul patriottismo del popolo della Rus' nell'opera La leggenda della città invisibile di Kitezh e la fanciulla Fevronia, dove il compositore raggiunse una grande altezza di generalizzazione musicale e sinfonica del tema.

Tra le altre varietà dell'opera classica russa, uno dei posti principali appartiene all'opera lirico-psicologica, il cui inizio è stato posto da Rusalka di Dargomyzhsky. Il più grande rappresentante di questo genere nella musica russa è Čajkovskij, autore di opere brillanti incluse nel repertorio operistico mondiale: Eugene Onegin (1877-1878), The Enchantress (1887), The Queen of Spades (1890), Iolanta (1891) ). L'innovazione di Čajkovskij è associata alla direzione del suo lavoro, dedicata alle idee dell'umanesimo, alla protesta contro l'umiliazione dell'uomo, alla fede in un futuro migliore per l'umanità. Il mondo interiore delle persone, le loro relazioni, i loro sentimenti si rivelano nelle opere di Čajkovskij combinando l'efficacia teatrale con il coerente sviluppo sinfonico della musica. L'opera operistica di Čajkovskij è uno dei più grandi fenomeni dell'arte musicale e teatrale mondiale del XIX secolo.

Un numero minore di opere è rappresentato nell'opera operistica dell'opera comica dei compositori russi. Tuttavia, questi pochi campioni si distinguono per la loro identità nazionale. Non c'è leggerezza divertente, commedia in loro. La maggior parte di essi era basata sulle storie di Gogol tratte da Serate in una fattoria vicino a Dikanka. Ciascuna delle commedie d'opera rifletteva le caratteristiche individuali degli autori. Nell'opera di Tchaikovsky "Cherevichki" (1885; nella prima versione - "Blacksmith Vakula", 1874) prevale l'elemento lirico; in "May Night" di Rimsky-Korsakov (1878) - fantastico e rituale; nella Fiera Sorochinskaya di Mussorgsky (anni '70, non finita) - puramente comica. Queste opere sono esempi dell'abilità di riflettere realisticamente la vita delle persone nel genere della commedia dei personaggi.

Un certo numero di cosiddetti fenomeni paralleli nel teatro musicale russo sono adiacenti ai classici dell'opera russa. Abbiamo in mente il lavoro di compositori che non hanno creato opere di importanza duratura, sebbene abbiano dato il proprio contributo allo sviluppo dell'opera russa. Qui è necessario nominare le opere di Ts. A. Cui (1835-1918), membro del circolo Balakirev, eminente critico musicale degli anni '60 e '70. Le opere di Cui "William Ratcliffe" e "Angelo", che non escono dallo stile convenzionale romantico, sono prive di drammaticità e, a volte, di musica brillante. I successivi supporti di Cui sono di minore importanza ("La figlia del capitano", "Mademoiselle Fifi", ecc.). Ad accompagnare l'opera classica c'era il lavoro dell'eccezionale direttore d'orchestra e direttore musicale dell'opera di San Pietroburgo, E. F. Napravnik (1839-1916). La più famosa è la sua opera "Dubrovsky", composta nella tradizione delle opere liriche di Čajkovskij.

Dei compositori che si sono esibiti alla fine del XIX secolo. sul palcoscenico dell'opera, dobbiamo nominare A. S. Arensky (1861-1906), autore delle opere Dream on the Volga, Raphael e Nal e Damayanti, nonché M. M. Ippolitov-Ivanov (1859-1935), la cui opera Asya, dopo I. S. Turgenev, è stato scritto alla maniera lirica di Čajkovskij. Si distingue nella storia dell'opera russa "Oresteia" di S. I. Taneyev (1856-1915), secondo Eschilo, che può essere descritta come un oratorio teatrale.

Allo stesso tempo, S. V. Rachmaninov (1873-1943) ha agito come compositore d'opera, componendo alla fine del conservatorio (1892) un atto unicoera "Aleko", sostenuto nelle tradizioni di Čajkovskij. Le opere successive di Rachmaninov - Francesca da Rimini (1904) e The Miserly Knight (1904) - furono scritte nella natura delle cantate d'opera; in essi l'azione scenica è massimamente compressa e l'inizio musicale e sinfonico è molto sviluppato. La musica di queste opere, talentuosa e brillante, porta l'impronta dell'originalità dello stile creativo dell'autore.

Dei fenomeni meno significativi dell'arte operistica del primo Novecento. chiamiamo l'opera di A. T. Grechaninov (1864-1956) "Dobrynya Nikitich", in cui i tratti caratteristici di un'opera classica favolosamente epica lasciarono il posto a testi romantici, così come l'opera di A. D. Kastalsky (1856-1926) "Clara Milic ", in cui elementi di naturalismo si combinano con un lirismo sincero e impressionante.

XIX secolo - l'era dei classici dell'opera russa. I compositori russi hanno creato capolavori in vari generi di opera: dramma, epico, tragedia eroica, commedia. Hanno creato un dramma musicale innovativo che è nato in stretta connessione con il contenuto innovativo delle opere. Il ruolo importante e determinante delle scene popolari di massa, la poliedrica caratterizzazione dei personaggi, la nuova interpretazione delle forme operistiche tradizionali e la creazione di nuovi principi di unità musicale dell'intera opera sono tratti caratteristici dei classici dell'opera russa.

L'opera classica russa, sviluppatasi sotto l'influenza del pensiero filosofico ed estetico progressista, sotto l'influenza degli eventi della vita pubblica, divenne uno degli aspetti notevoli della cultura nazionale russa del XIX secolo. L'intero percorso di sviluppo dell'opera russa nel secolo scorso è stato parallelo al grande movimento di liberazione del popolo russo; i compositori sono stati ispirati da alte idee di umanesimo e illuminazione democratica, e le loro opere sono per noi grandi esempi di arte veramente realistica.

Tuttavia, la storia dell'opera nel nostro paese come genere musicale e drammatico proveniente dall'Occidente è iniziata molto prima della produzione di Glinka's Life for the Tsar (Ivan Susanin), la prima opera classica russa, che ha debuttato il 27 novembre 1836.

Se ci provi, gli inizi dell'opera russa possono essere trovati in tempi antichi, poiché l'elemento musicale e drammatico è insito nei rituali popolari russi, come le cerimonie nuziali, i balli rotondi, così come gli spettacoli in chiesa della Rus 'medievale, che possono essere considerati prerequisiti per l'emergere dell'opera russa. A maggior ragione, si può vedere la nascita dell'opera russa negli spettacoli folkloristici del XVI e XVII secolo, nei drammi scolastici delle accademie di Kiev e Mosca su argomenti biblici. Tutti questi elementi musicali e storici si rifletteranno nelle opere dei futuri compositori d'opera russi.

Il 17 ottobre 1672 ebbe luogo la prima rappresentazione di "Ester" ("Atto di Artaserse") di Johann Gottfried Gregory, che durò dieci ore, fino al mattino. La musica è stata coinvolta nell'azione: un'orchestra di tedeschi e gente di cortile che suonava "organi, viole e altri strumenti", forse hanno partecipato allo spettacolo anche i cori degli "impiegati di canto sovrani". Lo zar era affascinato, tutti i partecipanti allo spettacolo venivano trattati con gentilezza, generosamente ricompensati e persino autorizzati a baciare la mano dello zar - "erano nelle mani del grande sovrano", alcuni ricevevano gradi e stipendi, lo stesso Gregorio riceveva quaranta zibellini per uno cento rubli (misura del tesoro di pellicce).

Le seguenti commedie di Gregory erano già state rappresentate a Mosca nelle stanze del Cremlino, il pubblico era vicino al re: boiardi, rotatorie, nobili, impiegati; c'erano luoghi speciali per la regina e le principesse, recintati con frequenti sbarre in modo che non fossero visibili al pubblico. Le esibizioni sono iniziate alle 22:00 e sono durate fino al mattino. Se nell '"Atto di Artaserse" la partecipazione della musica era piuttosto casuale, allora nel 1673 apparve in scena un'opera teatrale abbastanza simile a un'opera. Molto probabilmente si trattava di una rielaborazione del libretto dell'opera "Euridice" di Rinuccini, che fu una delle primissime opere e fu ampiamente distribuita in tutta Europa in numerosi adattamenti.

Johann Gregory fondò persino una scuola di teatro nel 1673, in cui 26 bambini filistei studiavano "commedia". Tuttavia, nel 1675, Gregory si ammalò e si recò nelle terre tedesche per cure, ma presto morì nella città di Merserburg, dove fu sepolto, e la scuola di teatro fu chiusa. Dopo la morte dello zar Alexei Mikhailovich nel 1676, il nuovo zar Fyodor Alekseevich non mostrò interesse per il teatro, il principale mecenate Artamon Matveev fu mandato in esilio a Pustozersk, i teatri furono smantellati. Gli spettacoli cessarono, ma rimase il pensiero che fosse lecito, poiché lo stesso sovrano ne era divertito.

Avendo vissuto la maggior parte della sua vita in Russia, Gregory è rimasto indietro rispetto alle moderne tendenze teatrali e le commedie che ha messo in scena erano obsolete, tuttavia, l'inizio dell'arte drammatica e operistica in Russia è stato posto. Il prossimo appello al teatro e alla sua rinascita ebbe luogo venticinque anni dopo, durante il periodo di Pietro I.

Da allora sono passati quattro secoli, ma l'opera è ancora considerata uno dei generi musicali più apprezzati. La comprensione della musica d'opera è accessibile a tutti, questo è aiutato dalle parole e dalle azioni sceniche, e la musica esalta le impressioni del dramma, esprimendo con la sua intrinseca brevità ciò che a volte è difficile da trasmettere a parole.

Al momento, il pubblico russo è interessato alle opere di S. M. Slonimsky, R. K. Shchedrin, L. A. Desyatnikov, V. A. Kobekin, A. V. Tchaikovsky - sebbene difficili, puoi guardarle acquistando i biglietti per il Teatro Bolshoi. Il teatro più famoso e popolare nel nostro paese, ovviamente, è il Teatro Bolshoi, uno dei simboli principali del nostro stato e della sua cultura. Dopo aver visitato il Bolshoi, puoi vivere appieno l'unione di musica e teatro.

Il 9 dicembre 1836 (27 novembre, vecchio stile), la prima dell'opera Una vita per lo zar di Mikhail Ivanovich Glinka ebbe luogo sul palcoscenico del Teatro Bolshoi di San Pietroburgo, che segnò l'inizio di una nuova era nella musica operistica russa .

Con quest'opera iniziò il percorso pionieristico del primo compositore classico russo, spingendolo a livello mondiale. Parleremo delle scoperte musicali più significative di Glinka.

Prima Opera Nazionale

M. I. Glinka ha realizzato pienamente il suo vero scopo durante i suoi viaggi in Europa. Fu lontano dalla sua terra natale che il compositore decise di creare una vera opera russa e iniziò a cercare una trama adatta per essa. Su consiglio di Zhukovsky, Glinka ha optato per una storia patriottica: una leggenda sull'impresa di Ivan Susanin, che ha dato la vita per salvare la sua patria.

Per la prima volta nella musica operistica mondiale è apparso un tale eroe, di origine semplice e con le migliori caratteristiche di carattere nazionale. Per la prima volta in un'opera musicale di questa portata, suonavano le più ricche tradizioni del folklore nazionale, la scrittura di canzoni russe. Il pubblico ha accettato l'opera con il botto, il riconoscimento e la fama sono arrivati ​​\u200b\u200bal compositore. In una lettera a sua madre, Glinka ha scritto:

“Ieri sera i miei desideri sono stati finalmente esauditi e il mio lungo lavoro è stato coronato dal più brillante successo. Il pubblico ha accolto la mia opera con straordinario entusiasmo, gli attori si sono arrabbiati per lo zelo… il sovrano-imperatore… mi ha ringraziato e ha parlato a lungo con me…”.

L'opera è stata molto apprezzata dalla critica e dai personaggi della cultura. Odoevsky lo definì "l'inizio di un nuovo elemento nell'arte: il periodo della musica russa".

L'epopea delle fiabe arriva alla musica

Nel 1837, Glinka iniziò a lavorare a una nuova opera, questa volta rivolgendosi al poema di A. S. Pushkin Ruslan e Lyudmila. L'idea di mettere in musica l'epopea delle fiabe è venuta a Glinka durante la vita del poeta, che avrebbe dovuto aiutarlo con il libretto, ma la morte di Pushkin ha interrotto questi piani.

La prima dell'opera ebbe luogo nel 1842, il 9 dicembre, esattamente sei anni dopo Susanin, ma, ahimè, non portò lo stesso clamoroso successo. La società aristocratica, guidata dalla famiglia imperiale, incontrò la produzione con ostilità. I critici e persino i sostenitori di Glinka hanno reagito all'opera in modo ambiguo.

“Alla fine del quinto atto, la famiglia imperiale ha lasciato il teatro. Quando il sipario si è abbassato, hanno cominciato a chiamarmi, ma hanno applaudito in modo molto ostile, mentre sibilavano con zelo, e principalmente dal palco e dall'orchestra ".

ha ricordato il compositore.

La ragione di questa reazione è stata l'innovazione di Glinka, con la quale si è avvicinato alla creazione di Ruslan e Lyudmila. In questo lavoro, il compositore ha combinato motivi e immagini completamente diversi che in precedenza sembravano incompatibili per l'ascoltatore russo: lirico, epico, folcloristico, orientale e fantastico. Inoltre, Glinka ha lasciato la forma delle scuole d'opera italiane e francesi familiari allo spettatore.

Questa successiva favolosa epopea fu rafforzata nelle opere di Rimsky-Korsakov, Ciajkovskij, Borodin. Ma a quel tempo, il pubblico semplicemente non era pronto per questo tipo di rivoluzione nella musica lirica. L'opera di Glinka è stata a lungo considerata non un'opera teatrale. Uno dei suoi difensori, il critico V. Stasov, l'ha addirittura definita "una martire del nostro tempo".

Gli inizi della musica sinfonica russa

Dopo il fallimento di Ruslan e Lyudmila, Glinka è andato all'estero, dove ha continuato a creare. Nel 1848 apparve la famosa "Kamarinskaya" - una fantasia sui temi di due canzoni russe: il matrimonio e la danza. La musica sinfonica russa proviene da Kamarinskaya. Come ha ricordato il compositore, l'ha scritto molto velocemente, motivo per cui l'ha chiamato fantasy.

"Posso assicurarti che durante la composizione di questo pezzo, sono stato guidato dall'unico sentimento musicale interiore, senza pensare a cosa succede ai matrimoni, a come cammina il nostro popolo ortodosso",

Glinka ha detto più tardi. È interessante che gli "esperti" vicini all'imperatrice Alexandra Feodorovna le abbiano spiegato che in un luogo del lavoro si sente chiaramente come "un uomo ubriaco bussa alla porta della capanna".

Così, attraverso le due canzoni russe più popolari, Glinka ha approvato un nuovo tipo di musica sinfonica e ha gettato le basi per il suo ulteriore sviluppo. Čajkovskij ha commentato il lavoro nel modo seguente:

“L'intera scuola sinfonica russa, come l'intera quercia nello stomaco, è contenuta nella fantasia sinfonica “Kamarinskaya”.

Il contenuto dell'articolo

OPERA RUSSA. La scuola lirica russa - insieme a quella italiana, tedesca, francese - è di importanza mondiale; Ciò riguarda principalmente una serie di opere create nella seconda metà del XIX secolo, nonché diverse opere del XX secolo. Una delle opere più apprezzate sulla scena mondiale alla fine del XX secolo. - Boris Godunov MP Mussorgsky, spesso messo anche regina di spade PI Tchaikovsky (raramente le sue altre opere, principalmente Eugenio Onegin); gode di grande fama Principe Igor AP Borodin; di 15 opere di N.A. Rimsky-Korsakov appare regolarmente Il galletto d'oro. Tra le opere del Novecento. il più repertorio Angelo di fuoco S.S. Prokofiev e Lady Macbeth del distretto di Mtsensk DD Shostakovich. Naturalmente, questo non esaurisce la ricchezza della scuola lirica nazionale.

L'aspetto dell'opera in Russia (XVIII secolo).

L'opera è stato uno dei primi generi dell'Europa occidentale a mettere radici sul suolo russo. Già negli anni Trenta del Settecento fu creata un'opera di corte italiana, per la quale scrissero musicisti stranieri, che lavorarono in Russia nella seconda metà del secolo, apparvero spettacoli di opera pubblica; le opere vengono messe in scena anche nei teatri della fortezza. La prima opera russa è considerata Melnik: uno stregone, un ingannatore e un sensale Mikhail Matveyevich Sokolovsky su un testo di AO Ablesimov (1779) è una commedia quotidiana con numeri musicali di natura canora, che ha gettato le basi per una serie di opere popolari di questo genere: una delle prime opere comiche. Tra questi spiccano le opere di Vasily Alekseevich Pashkevich (1742-1797 circa) ( Avaro, 1782; San Pietroburgo Gostiny Dvor, 1792; Guai dalla carrozza, 1779) e Evstigney Ipatovich Fomin (1761-1800) ( Cocchieri su una base, 1787; americani, 1788). Nel genere dell'opera seria, due opere del più grande compositore di questo periodo, Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751–1825), furono scritte su libretti francesi: Falco(1786) e Rival Son, o Modern Stratonics(1787); ci sono interessanti esperimenti nei generi del melodramma e della musica per una performance drammatica.

Opera prima di Glinka (XIX secolo).

Nel secolo successivo, la popolarità del genere operistico in Russia cresce ancora di più. L'opera è stata l'apice delle aspirazioni dei compositori russi del XIX secolo, e anche quelli di loro che non hanno lasciato una sola opera in questo genere (ad esempio, M.A. Balakirev, A.K. Lyadov), per molti anni hanno riflettuto su alcuni progetti operistici. Le ragioni sono chiare: in primo luogo, l'opera, come ha notato Čajkovskij, era un genere che permetteva di "parlare la lingua delle masse"; in secondo luogo, l'opera ha permesso di illuminare artisticamente i principali problemi ideologici, storici, psicologici e di altro tipo che occupavano le menti del popolo russo nel XIX secolo; Infine, nella giovane cultura professionale c'era una forte attrazione per generi che includevano, insieme alla musica, la parola, il movimento scenico e la pittura. Inoltre, si è già sviluppata una certa tradizione, un'eredità lasciata nel genere musicale e teatrale del XVIII secolo.

Nei primi decenni del XIX sec la corte ei teatri privati ​​si estinsero, il monopolio si concentrò nelle mani dello Stato. La vita musicale e teatrale di entrambe le capitali fu molto vivace: il primo quarto del secolo fu il periodo di massimo splendore del balletto russo; nel 1800 c'erano quattro compagnie teatrali a San Pietroburgo: russa, francese, tedesca e italiana, di cui le prime tre mettevano in scena sia il dramma che l'opera, l'ultima solo l'opera; diverse compagnie hanno lavorato anche a Mosca. L'impresa italiana si rivelò la più stabile: anche all'inizio degli anni '70 dell'Ottocento, il giovane Čajkovskij, che agiva in un campo critico, dovette lottare per una posizione decente dell'opera russa di Mosca rispetto a quella italiana; Raek Mussorgsky, in uno dei cui episodi viene ridicolizzata la passione del pubblico e della critica di San Pietroburgo per famosi cantanti italiani, fu scritto anche a cavallo degli anni Settanta dell'Ottocento.

Boildieu e Cavos.

Tra i compositori stranieri invitati a San Pietroburgo in questo periodo spiccano i nomi del celebre autore francese Adrien Boildieu ( cm. BUALDIEU, FRANCOIS ADRIENE) e l'italiano Caterino Cavos (1775-1840) , che nel 1803 divenne direttore delle opere russe e italiane, nel 1834-1840 diresse solo l'opera russa (e in tale veste contribuì alla produzione di La vita per il re Glinka, sebbene nel 1815 compose la sua opera sulla stessa trama, che ebbe un notevole successo), fu ispettore e direttore di tutte le orchestre dei teatri imperiali, scrisse molto su trame russe - come le fiabe ( Principe dell'invisibilità E Ilya l'eroe su libretto di I.A. Krylov, Svetlana al libretto di V.A. Zhukovsky e altri), e patriottico ( Ivan Susanin su libretto di A. A. Shakhovsky, Poeta cosacco su libretto dello stesso autore). L'opera più popolare del primo quarto del secolo, l'opera più popolare del primo quarto del Lesta, o la sirena del Dnepr Kavos e Stepan Ivanovich Davydov (1777–1825). Nel 1803, il Singspiel viennese fu messo in scena a San Pietroburgo. Sirena del Danubio Ferdinand Cauer (1751-1831) con numeri musicali aggiuntivi di Davydov - in traduzione Sirena del Dnepr; nel 1804 apparve a San Pietroburgo la seconda parte dello stesso singspiel con l'inserimento di numeri di Kavos; poi furono composti - dal solo Davydov - sequel russi. La miscela di piani fantastici, nazionali reali e buffoni è rimasta a lungo nel teatro musicale russo (nella musica dell'Europa occidentale, le prime opere romantiche di K.M. Weber possono servire come analogie - tiratore libero E Oberon, appartenenti allo stesso tipo di singspiel fiabesco).

Come seconda linea guida della creatività operistica nei primi decenni del XIX secolo. spicca la commedia domestica della vita "popolare", anch'essa un genere noto dal secolo scorso. Include, ad esempio, opere in un atto Yam, o stazione postale(1805), Raduni, o una conseguenza di Yam (1808), Devishnik, o il matrimonio di Filatkin(1809) di Alexei Nikolaevich Titov (1769–1827) su libretto di A.Ya. L'opera è stata conservata nel repertorio per molto tempo. Tempo di Natale antico ceco Franz Blima sul testo dello storico A.F. Malinovsky basato sul rituale popolare; le opere "canzoni" di Daniil Nikitich Kashin (1770–1841) ebbero successo Natalya, figlia boiardo(1803) basato sul romanzo di N.M. Karamzin, rivisto da S.N. Glinka e Olga la Bella(1809) su libretto dello stesso autore. Questa linea fiorì particolarmente durante la guerra del 1812. Spettacoli musicali e patriottici, composti in fretta e che combinano una base di trama molto semplice, "attualità" con danza, canto e conversazioni (i nomi sono tipici: Milizia, o Amore per la Patria, cosacco a Londra, Vacanza nel campo degli eserciti alleati a Montmartre, Volontario cosacco e prussiano in Germania, Il ritorno della milizia), ha segnato l'inizio del divertissement come genere musicale e teatrale speciale.

Verstovsky.

Il più grande compositore d'opera russo prima di Glinka fu AN Verstovsky (1799–1862) ( cm. VERSTOVSKY, ALEXEY NIKOLAEVICH). Cronologicamente, l'era di Verstovsky coincide con l'era di Glinka: sebbene la prima opera del compositore moscovita sia Pan TVardovsky(1828) è apparso prima La vita per il re, il più popolare La tomba di Askold- nello stesso anno dell'opera di Glinka e dell'ultima opera di Verstovsky, Fulmine(1857), dopo la morte di Glinka. Il grande successo (sebbene per lo più puramente moscovita) delle opere di Verstovsky e la "sopravvivenza" delle più riuscite - La tomba di Askold- a causa dell'attrattiva per i contemporanei di trame costruite sui motivi delle "più antiche leggende russo-slave" (ovviamente interpretate in modo molto condizionale) e della musica, nella struttura intonazionale di cui il russo nazionale, lo slavo occidentale e lo zingaro moldavo le intonazioni quotidiane sono variegate. È ovvio che Verstovsky non padroneggiava la forma della grande opera: in quasi tutte le sue opere, i "numeri" musicali si alternano a lunghe scene di conversazione (i tentativi del compositore di scrivere recitativi nelle sue opere successive non cambiano le cose), i frammenti orchestrali sono solitamente non interessanti e non pittoresche, tuttavia, le opere di questo compositore, nelle parole di un contemporaneo, "suonavano qualcosa di familiare", "deliziosamente native". Il "nobile sentimento d'amore per la patria" risvegliato da queste opere "leggendarie" può essere paragonato alle impressioni del pubblico sui romanzi di Zagoskin, il librettista permanente del compositore.

Glinka.

Sebbene la musica dell'era pre-Glinka sia stata ora studiata in modo sufficientemente dettagliato, l'apparizione di Mikhail Ivanovich Glinka (1804–1857) non smette mai di sembrare un miracolo. Le qualità fondamentali del suo dono sono il profondo intellettualismo e la sottile abilità artistica. Glinka ebbe presto l'idea di scrivere una "grande opera russa", intendendo con questo un'opera di un genere nobile e tragico. Inizialmente (nel 1834), il tema dell'impresa di Ivan Susanin, indicato al compositore da V.A. Zhukovsky, prese la forma di un oratorio teatrale di tre dipinti: il villaggio di Susanin, uno scontro con i polacchi, un trionfo. Tuttavia, allora La vita per il re(1836) divenne una vera opera con un potente inizio corale, che corrispondeva alla tradizione della cultura nazionale e predeterminava in gran parte il percorso futuro dell'opera russa. Glinka è stato il primo degli autori russi a risolvere il problema del discorso musicale da palcoscenico, e per quanto riguarda i "numeri" musicali, essi, scritti nelle tradizionali forme solistiche, d'insieme, corali, si sono rivelati pieni di un contenuto di intonazione così nuovo che le associazioni con I modelli italiani o altri sono stati superati. Inoltre, dentro La vita per il re la diversità stilistica della precedente opera russa è stata superata, quando scene di genere sono state scritte "in russo", arie liriche "in italiano" e momenti drammatici "in francese" o "tedesco". Tuttavia, molti musicisti russi delle generazioni successive, rendendo omaggio a questo dramma eroico, preferivano ancora la seconda opera di Glinka - Ruslan e Ludmilla(secondo Pushkin, 1842), vedendo in questo lavoro una direzione completamente nuova (fu continuata da N.A. Rimsky-Korsakov e A.P. Borodin). Compiti dell'opera Ruslan- completamente diverso rispetto all'opera di Pushkin: la prima ricreazione dell'antico spirito russo nella musica; l'Oriente "autentico" nelle sue varie forme - "languido" e "militante"; la fantasia (Naina, Castello di Chernomor) è completamente originale e in nessun modo inferiore alla fantasia dei contemporanei più avanzati di Glinka: Berlioz e Wagner.

Dargomyzhsky.

Alexander Sergeevich Dargomyzhsky (1813–1869) iniziò la sua carriera di compositore d'opera piuttosto giovane, nella seconda metà degli anni Trenta dell'Ottocento, quando, ispirato dalla prima La vita per il re, iniziò a scrivere musica sul libretto francese di V. Hugo Esmeralda.

La trama della prossima opera è nata anche prima della produzione Esmeralda(1841), ed era di Pushkin Sirena, che però apparve in scena solo nel 1856. Sirene si è rivelato anche vicino alla vita musicale moderna. A differenza della virtuosa strumentazione di Glinka, l'orchestra di Dargomyzhsky è modesta, bellissimi cori folk Sirene sono di natura piuttosto tradizionale e il contenuto drammatico principale è concentrato nelle parti soliste e soprattutto in magnifici ensemble, e nella colorazione melodica, gli elementi russi propri sono combinati con lo slavo - piccolo russo e polacco. L'ultima opera di Dargomyzhsky, ospite di pietra(secondo Pushkin, 1869, messo in scena nel 1872), un'opera completamente innovativa, persino sperimentale nel genere dell '"opera conversazionale" (dialogo d'opera). Il compositore è riuscito qui senza forme vocali sviluppate come un'aria (le uniche eccezioni sono due canzoni di Laura), senza un'orchestra sinfonica e, di conseguenza, è apparso un lavoro insolitamente raffinato, in cui la frase melodica più breve o anche una consonanza può acquisire grande e indipendente espressività.

Serov.

Più tardi di Dargomyzhsky, ma prima dei Kuchkisti e di Ciajkovskij, Alexander Nikolaevich Serov (1820–1871) si fece conoscere nel genere operistico. La sua prima opera Giuditta(1863), apparve quando l'autore aveva già più di quarant'anni (prima Serov aveva guadagnato una notevole fama come critico musicale, ma come compositore non aveva creato nulla di straordinario). La commedia di P. Giacometti (scritta appositamente per la famosa attrice tragica Adelaide Ristori, che in questo ruolo ha fatto colpo a San Pietroburgo e Mosca) basata su una storia biblica su un'eroina che salva il suo popolo dalla schiavitù, corrispondeva pienamente all'emozionata stato della società russa a cavallo degli anni '60 dell'Ottocento. Attraente anche il colorato contrasto tra la severa Giudea e l'Assiria immersa nel lusso. Giuditta appartiene al genere della "grande opera" del tipo Meyerbeer, anch'esso nuovo sulla scena russa; ha un forte inizio oratorio (scene corali particolareggiate più in sintonia con lo spirito della leggenda biblica e sostenute nello stile oratorio classico di tipo Händel) e allo stesso tempo teatrale e decorativo (divertissement con danze). Musorgskij ha chiamato Giuditta il primo dopo che Glinka ha "interpretato seriamente" l'opera sul palcoscenico russo. Incoraggiato dalla calorosa accoglienza, Serov si mise immediatamente al lavoro su una nuova opera, ora su una trama storica russa, - Rognato. Il "libretto storico" secondo la cronaca ha suscitato molte accuse di non plausibilità, distorsione dei fatti, "timbratura", falsità del presunto linguaggio comune, ecc.; la musica, nonostante la massa dei "luoghi comuni", conteneva frammenti spettacolari (tra i quali il primo posto, ovviamente, è occupato dalla ballata varangiana di Rogneda - si trova ancora nel repertorio concertistico). Dopo Rognedy(1865) Serov fece una svolta molto brusca, rivolgendosi al dramma della vita moderna - la commedia di AN Ostrovsky Non vivere come vorresti e diventando così il primo compositore che ha osato scrivere una "opera dalla modernità" - Forza nemica (1871).

"Mazzo potente".

L'apparizione delle ultime opere di Dargomyzhsky e Serov è solo leggermente in anticipo rispetto ai tempi di produzione delle prime opere dei compositori di The Mighty Handful. L'opera Kuchkist ha alcune caratteristiche "generiche", che si manifestano in artisti così diversi come Mussorgsky, Rimsky-Korsakov e Borodin: una preferenza per i temi russi, soprattutto storici e fiabeschi-mitologici; grande attenzione non solo allo sviluppo "affidabile" della trama, ma anche alla fonetica e alla semantica della parola, e in generale alla linea vocale, che è sempre in primo piano, anche nel caso di un'orchestra molto sviluppata; un ruolo molto significativo delle scene corali (il più delle volte "folk"); drammaturgia musicale "attraverso" e non "numerata".

Musorgskij.

Le opere, come altri generi associati all'intonazione vocale, costituiscono la parte principale dell'eredità di Modest Petrovich Mussorgsky (1839-1881): da giovane iniziò il suo viaggio nella musica da un piano d'opera (un'opera non realizzata Gan islandese secondo V. Hugo) e morì, lasciando due opere incompiute - Khovanshchina E Fiera Sorochinskaya(il primo era completamente finito al clavicembalo, ma quasi privo di strumentazione; nel secondo furono composte le scene principali).

La prima grande opera del giovane Mussorgsky nella seconda metà degli anni Sessanta dell'Ottocento fu l'opera Salambo(secondo G. Flaubert, 1866; rimasto incompiuto; in un successivo documento autobiografico, l'opera è designata non come “opera”, ma come “scene”, ed è in questa veste che viene rappresentata oggi). Qui è stata creata un'immagine completamente originale dell'Oriente - non tanto l'esotico "cartaginese" quanto il russo-biblico, che ha parallelismi nella pittura ("schizzi biblici" di Alexander Ivanov) e nella poesia (ad esempio, Alexei Khomyakov). La direzione "antiromantica" opposta è rappresentata dalla seconda opera antica incompiuta di Mussorgsky - Matrimonio(secondo Gogol, 1868). Questo, secondo la definizione dell'autore, "studio per una prova da camera" continua la linea ospite di pietra Dargomyzhsky, ma lo acuisce il più possibile scegliendo la prosa invece della poesia, una trama del tutto “reale”, e per di più “moderna”, allargando così alla scala del genere operistico quegli esperimenti di “scena romantica” che Dargomyzhsky ha intrapreso ( Consigliere titolare, Verme ecc.) e lo stesso Musorgskij.

Boris Godunov

(1a edizione - 1868-1869; 2a edizione - 1872, messa in scena nel 1874) ha un sottotitolo "secondo Pushkin e Karamzin", è basato sulla tragedia di Pushkin, ma con inserimenti significativi del compositore. Già nella prima versione più da camera dell'opera, incentrata sul dramma della personalità come dramma di "delitto e castigo" ( Boris Godunov- contemporaneo Delitti e punizioni F. M. Dostoevskij), Mussorgsky si è allontanato molto da qualsiasi canone operistico, sia in termini di intensità della drammaturgia e nitidezza del linguaggio, sia nell'interpretazione della trama storica. Al lavoro sulla seconda edizione Boris Godunov, che includeva sia un "atto polacco" un po 'più tradizionale sia una scena di una rivolta popolare piuttosto insolita in un'opera ("Under the Kromy"), Mussorgsky potrebbe aver già tenuto presente l'ulteriore sviluppo del precedente Time of Troubles - il La rivolta di Razin, le rivolte di Streltsy, la scissione, la Pugachevshchina , ad es. trame possibili e solo parzialmente incarnate delle loro opere future: la cronaca storico-musicale della Russia. Da questo programma è stato eseguito solo il dramma della scissione - Khovanshchina, a cui iniziò Mussorgsky subito dopo il completamento della seconda edizione Boris Godunov, anche contestualmente al suo compimento; allo stesso tempo, nei documenti compare l'idea di un "dramma musicale con la partecipazione dei cosacchi del Volga", e successivamente Mussorgsky segna le sue registrazioni di canti popolari "Per l'ultima opera Pugachevshchina».

Boris Godunov, soprattutto nella prima edizione, rappresenta un tipo di opera con uno sviluppo integrale dell'azione musicale, dove i frammenti compiuti compaiono solo quando sono condizionati dalla situazione scenica (il coro di lode, il lamento della principessa, la polacca a un ballo nel palazzo, ecc.). IN Khovanshchina Mussorgsky si è posto il compito di creare, nelle sue parole, una melodia "significativa/giustificata", e la canzone ne è diventata la base, cioè non di natura strumentale (come in un'aria classica), ma una struttura strofica, liberamente variabile - in una forma "pura" o in combinazione con un elemento recitativo. Questa circostanza ha determinato in gran parte la forma dell'opera, che, pur mantenendo la continuità e la fluidità dell'azione, comprendeva numeri molto più "completi", "arrotondati" - e corali ( Khovanshchina in misura molto maggiore di Boris Godunov, opera corale - "dramma musicale popolare") e solista.

A differenza di Boris Godunov, che è andato sul palcoscenico del Teatro Mariinsky per diversi anni ed è stato pubblicato durante la vita dell'autore, Khovanshchina eseguito per la prima volta nell'edizione di Rimsky-Korsakov un decennio e mezzo dopo la morte dell'autore, alla fine degli anni 1890 fu messo in scena all'Opera russa privata di Mosca da S.I. al Teatro Mariinskij Khovanshchina apparve, grazie agli sforzi dello stesso Chaliapin, nel 1911, quasi contemporaneamente alle rappresentazioni dell'opera a Parigi e Londra da parte dell'impresa Diaghilev (tre anni prima, la produzione parigina di Diaghilev ebbe un clamoroso successo Boris Godunov). Nel 20 ° secolo furono fatti ripetuti tentativi di resuscitare e completare matrimonio E Fiera Sorochinskaya in diverse edizioni; per il secondo, il riferimento era la ricostruzione di V.Ya.Shebalin.

Rimskij-Korsakov.

L'eredità di Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov (1844-1908) rappresentava molti dei principali generi musicali, ma i suoi più grandi successi, come quelli di Mussorgsky, erano legati all'opera. Ripercorre tutta la vita del compositore: dal 1868, inizio della composizione della prima opera ( Pskovityanka), fino al 1907, completamento dell'ultima, quindicesima opera ( Il galletto d'oro). Rimsky-Korsakov ha lavorato particolarmente intensamente in questo genere dalla metà degli anni 1890: nel decennio e mezzo successivo ha creato 11 opere. Fino alla metà degli anni 1890, tutte le anteprime delle opere di Rimsky-Korsakov si tenevano al Teatro Mariinsky; Successivamente, a partire dalla metà degli anni 1890, la collaborazione del compositore con l'Opera privata russa di Mosca di S.I. Mamontov, dove la maggior parte delle ultime opere di Korsakov, a partire da Sadko. Questa collaborazione ha svolto un ruolo speciale nella formazione di un nuovo tipo di design e decisione di regia di una performance musicale (così come nello sviluppo creativo di artisti del circolo mastodontico come K.A. Korovin, V.M. Vasnetsov, M.A. Vrubel).

L'attività editoriale di Rimsky-Korsakov è assolutamente unica: grazie a lui, per la prima volta, Khovanshchina E Principe Igor, rimasto incompiuto dopo la morte di Mussorgsky e Borodin (la versione dell'opera di Borodino è stata realizzata insieme ad A.K. Glazunov); ha strumentato ospite di pietra Dargomyzhsky (e due volte: per la prima nel 1870 e di nuovo nel 1897-1902) e pubblicato matrimonio Musorgskij; nella sua edizione ha guadagnato fama mondiale Boris Godunov Mussorgsky (e sebbene la versione dell'autore sia sempre più preferita, la versione di Korsakov continua a girare in molti teatri); infine, Rimsky-Korsakov (insieme a Balakirev, Lyadov e Glazunov) ha preparato due volte le partiture dell'opera di Glinka per la pubblicazione. Pertanto, in relazione al genere operistico (così come in una serie di altri aspetti), il lavoro di Rimsky-Korsakov costituisce una sorta di nucleo della musica classica russa, che collega l'era di Glinka e Dargomyzhsky del XX secolo.

Tra le 15 opere di Rimsky-Korsakov non ci sono generi dello stesso tipo; anche le sue opere fiabesche sono per molti versi diverse l'una dall'altra: Vergine delle Nevi(1882) - "racconto primaverile", Il racconto dello zar Saltan(1900) - "solo una fiaba", Koschei l'Immortale(1902) - "Racconto d'autunno", Il galletto d'oro(1907) - "una finzione nei volti". Questo elenco potrebbe continuare: Pskovityanka(1873) - cronaca dell'opera, Malada(1892) - opera-balletto, vigilia di Natale(1895) - secondo la definizione dell'autore, "carol story", Sadko(1897) - opera epica, Mozart e Salieri(1898) - "scene drammatiche" da camera, La leggenda della città invisibile di Kitezh e della fanciulla Fevronia(1904) - racconto d'opera (o "dramma liturgico"). I tipi operistici più tradizionali includono la commedia lirica. Notte di maggio(dopo Gogol, 1880), dramma lirico su una trama storica russa sposa reale(secondo L.A. maggio 1899; e il prologo di quest'opera Boyarina Vera Sheloga, 1898) e due opere meno famose (e in effetti meno riuscite) a cavallo tra XIX e XX secolo. - Governatore Pan(1904) su motivi polacchi e Servilia(1902) basato su un'opera teatrale di May, ambientata nella Roma del I secolo d.C.

In sostanza, Rimsky-Korsakov ha riformato il genere operistico sulla scala della propria creatività e senza proclamare slogan teorici. Questa riforma era associata alla dipendenza dai modelli già consolidati della scuola russa (on Ruslana e Lyudmila Glinka e i principi estetici del Kuchkismo), l'arte popolare nelle sue manifestazioni più diverse e le forme più antiche del pensiero umano - mito, epopea, fiaba (quest'ultima circostanza avvicina senza dubbio il compositore russo al suo più anziano contemporaneo - Richard Wagner, sebbene ai parametri principali del suo Rimsky-Korsakov arrivò da solo al concetto di opera, prima di conoscere la tetralogia e le opere successive di Wagner). Una caratteristica tipica delle opere "mitologiche" di Rimsky-Korsakov associate al culto solare slavo ( Notte di maggio, vigilia di Natale, Malada, opere fiabesche), è un "multimondo": l'azione si svolge in due o più "mondi" (persone, elementi naturali e loro personificazioni, divinità pagane), e ogni "mondo" parla una propria lingua, che corrisponde all'autovalutazione di Rimsky-Korsakov come compositore di un magazzino "oggettivo". Per le opere del periodo medio, da Notte di maggio Prima Notti prima di Natale, la saturazione dell'azione musicale con scene rituali e rituali (associate alle festività dell'antico calendario contadino - in generale, l'intero anno pagano si riflette nelle opere di Rimsky-Korsakov); nelle opere successive, il ritualismo, lo "statuto" (compresi i cristiani ortodossi, e spesso una sintesi della "vecchia" e della "nuova" fede popolare) appare in una forma più indiretta e raffinata. Sebbene le opere del compositore fossero regolarmente eseguite nel XIX secolo, ricevettero un vero apprezzamento solo a cavallo tra il XIX e il XX secolo. e più tardi, nell'età dell'argento, a cui questo maestro era più in sintonia.

Borodin.

Intenzione Principe Igor Alexander Porfiryevich Borodin (1833–1877) appartiene alla stessa epoca dei piani Boris Godunov, Khovanshchina E Pskoviti, cioè. entro la fine degli anni 1860 - l'inizio degli anni 1870, tuttavia, a causa di varie circostanze, l'opera non fu completamente completata nemmeno al momento della morte dell'autore nel 1886 e della sua prima (come revisionata da Rimsky-Korsakov e Glazunov) avvenne quasi contemporaneamente a regina di spadeČajkovskij (1890). È caratteristico che, a differenza dei suoi contemporanei, che si sono rivolti agli eventi drammatici dei regni di Ivan il Terribile, Boris Godunov e Pietro il Grande per le trame dell'opera storica, Borodin abbia preso come base il più antico monumento epico - Una parola sul reggimento di Igor. Essendo un eminente scienziato naturale, ha applicato un approccio scientifico al libretto dell'opera, riprendendo l'interpretazione dei luoghi difficili del monumento, studiando l'era dell'azione, raccogliendo informazioni sugli antichi popoli nomadi citati in Parola. Borodin aveva una visione equilibrata e realistica del problema della forma dell'opera e non cercava di trasformarla completamente. Il risultato è stato l'aspetto di un'opera non solo bella in generale e nei dettagli, ma anche, da un lato, snella ed equilibrata, e dall'altro, insolitamente originale. Nella musica russa del XIX secolo. è difficile trovare una riproduzione più "autentica" del folklore contadino che nel Coro Poselyan o nel Lamento di Yaroslavna. Il prologo corale dell'opera, dove l'intonazione "skazka" delle antiche scene russe di Glinka Ruslan, simile ad un affresco medievale. Motivi orientali Principe Igor("Sezione polovtsiana") in termini di forza e autenticità della colorazione "steppa" non hanno eguali nell'arte mondiale (studi recenti hanno dimostrato quanto Borodin si rivelasse sensibile al folklore orientale, anche dal punto di vista dell'etnografia musicale). E questa autenticità si combina nel modo più naturale con l'uso di forme abbastanza tradizionali di una grande aria: le caratteristiche dell'eroe (Igor, Konchak, Yaroslavna, Vladimir Galitsky, Konchakovna), il duetto (Vladimir e Konchakovna, Igor e Yaroslavna ) e altri, nonché con elementi introdotti nello stile di Borodin dalla musica dell'Europa occidentale (ad esempio, "Schumanisms", almeno nella stessa aria di Yaroslavna).

Cui.

In una recensione dell'opera Kuchkist, il nome di Caesar Antonovich Cui (1835-1918) dovrebbe essere menzionato anche come autore di quasi due dozzine di opere su un'ampia varietà di argomenti (da Prigioniero caucasico basato sulla poesia di Pushkin e Angelo da Hugo prima Mademoiselle Fifi secondo G. de Maupassant), apparsi e messi in scena per mezzo secolo. Ad oggi, tutte le opere di Cui sono fermamente dimenticate, ma va fatta un'eccezione per il suo primo lavoro maturo in questo genere - William Ratcliff secondo G.Heine. Ratcliff divenne la prima opera del circolo Balakirev a vedere il palcoscenico (1869), e qui per la prima volta si incarnava il sogno di una nuova generazione di opera-dramma.

Chaikovsky.

Come Rimsky-Korsakov e Mussorgsky, Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840–1893) ha avuto una forte attrazione per il genere dell'opera (e anche, a differenza dei Kuchkisti, per il balletto) per tutta la vita: la sua prima opera, Governatore(secondo A.N. Ostrovsky, 1869), si riferisce proprio all'inizio dell'attività creativa indipendente; prima dell'ultimo Iolanthe, ebbe luogo meno di un anno prima della morte improvvisa del compositore.

Le opere di Čajkovskij sono scritte su una varietà di argomenti: storici ( Oprichnik, 1872; Cameriera d'Orleans, 1879; Mazépa, 1883), fumetto ( Fabbro Vakula, 1874, e la seconda versione dell'autore di quest'opera - Cherevichki, 1885), lirica ( Eugenio Onegin, 1878; Iolanta, 1891), lirico-tragico ( Maga, 1887; regina di spade, 1890) e, secondo il tema, hanno un aspetto diverso. Tuttavia, nella comprensione di Čajkovskij, tutte le trame che ha scelto hanno acquisito una colorazione personale e psicologica. Era relativamente poco interessato al colore locale, alla rappresentazione del luogo e del tempo dell'azione: Čajkovskij è entrato nella storia dell'arte russa principalmente come creatore di un dramma musicale lirico. Čajkovskij, come i Kuchkisti, non aveva un unico concetto di opera universale e usava liberamente tutte le forme conosciute. Nonostante lo stile ospite di pietra gli è sempre sembrato "eccessivo", è stato in qualche modo influenzato dall'idea del dialogo operistico, che si è riflesso nella preferenza per la drammaturgia musicale di tipo continuo e melodico cantilenante invece del recitativo "formale" (qui Ciajkovskij, tuttavia, proveniva non solo da Dargomyzhsky, ma ancor più da Glinka, soprattutto da lui profondamente venerato La vita per il re). Allo stesso tempo, Čajkovskij, in misura molto maggiore che per i pietroburghesi (ad eccezione di Borodin), è caratterizzato da una combinazione della continuità dell'azione musicale con la chiarezza e la dissezione delle forme interne di ogni scena - non lo fa abbandona arie tradizionali, duetti e altro, possiede magistralmente la forma di un complesso ensemble "finale" (che si rifletteva nella passione di Čajkovskij per l'arte di Mozart in generale e per le sue opere in particolare). Non accettando le trame wagneriane e fermandosi con stupore davanti alla forma operistica wagneriana, che gli sembrava assurda, Čajkovskij si avvicina tuttavia al compositore tedesco nell'interpretazione dell'orchestra d'opera: la parte strumentale è satura di un forte ed efficace sviluppo sinfonico ( in questo senso, le opere tarde sono particolarmente notevoli, prima di tutto regina di spade).

Nell'ultimo decennio della sua vita, Čajkovskij godette della fama del più grande compositore d'opera russo, alcune delle sue opere furono messe in scena in teatri stranieri; Anche i balletti successivi di Čajkovskij ebbero anteprime trionfanti. Tuttavia, il successo nel teatro musicale non è arrivato al compositore immediatamente e più tardi rispetto ai generi strumentali. Convenzionalmente, nell'eredità musicale e teatrale di Čajkovskij si possono distinguere tre periodi: inizio, Mosca (1868–1877) - Governatore, Oprichnik, Fabbro Vakula, Eugenio Onegin E Il lago dei cigni; medio, fino alla fine del 1880 - tre grandi opere tragiche: Cameriera d'Orleans, Mazépa E Maga(oltre che una modifica Fabbro Vakula v Cherevichki, che ha cambiato in modo significativo l'aspetto di questa prima opera); tardi - regina di spade, Iolanta(l'unica "piccola" opera da camera in un atto di Čajkovskij) e balletti bella addormentata E Schiaccianoci. Il primo vero, grande successo è stato accompagnato dalla prima di Mosca Eugenio Onegin dagli studenti del conservatorio nel marzo 1879, la prima di quest'opera a San Pietroburgo nel 1884 divenne uno degli apici del percorso creativo del compositore e l'inizio della colossale popolarità di quest'opera. Il secondo, e ancora più alto, picco è stato la prima regina di spade nel 1890.

Anton Rubinstein.

Tra i fenomeni che non rientravano nelle direzioni principali dello sviluppo del teatro musicale russo nel XIX secolo, si possono citare le opere di Anton Grigorievich Rubinstein (1829–1894): 13 opere vere e proprie e 5 opere sacre-oratori. Il meglio delle opere musicali e teatrali del compositore sono legate al tema "orientale": un'opera monumentale-decorativa, oratorio Maccabei(1874, messo in scena nel 1875), lirica Demone(1871, consegnato nel 1875) e Sulamith (1883). Demone(secondo Lermontov) è l'apice assoluto del patrimonio operistico di Rubinstein e una delle migliori opere liriche russe e più popolari.

Blaramberg e Napravnik.

Tra gli altri autori d'opera della stessa epoca, spiccano il compositore moscovita Pavel Ivanovich Blaramberg (1841–1907) e il compositore di San Pietroburgo Eduard Frantsevich Napravnik (1839–1916), famoso e insostituibile direttore dell'opera russa al Teatro Mariinsky per mezzo secolo. Blaramberg era autodidatta e cercava di seguire i precetti della cerchia di Balakirev, almeno nella scelta dei soggetti, prevalentemente russi (il suo melodramma storico ebbe il maggior successo). Tushintsy dal tempo dei guai, 1895). A differenza di Blaramberg, Napravnik era un professionista di alto livello e senza dubbio padroneggiava la tecnica della composizione; la sua prima opera Nizhny Novgorod su un tema nazional-patriottico (1868) apparve sul palco poco prima delle prime opere storiche di Kuchkist - Boris Godunov E Pskoviti e prima che le loro anteprime godessero di un certo successo; La prossima opera di Napravnik, Harold(1885), creato sotto la chiara influenza di Wagner, mentre il maggior successo e ancora talvolta trovato nel repertorio teatrale dell'opera di questo autore Dubrovsky(dopo Pushkin, 1894) si ispira al lavoro di Ciajkovskij, il compositore russo preferito di Napravnik (ha diretto un certo numero di anteprime di opere e sinfonie di Ciajkovskij).

Tanev.

Alla fine del XIX secolo nacque l'unica opera (opera-trilogia) di Sergei Ivanovich Taneyev (1856-1915) orestea(sulla trama di Eschilo, 1895). Il libretto dell'opera, in generale, si allontana dalla fonte antica, nel senso di “psicologismo” insolito per l'antichità, nell'interpretazione romantica dell'immagine femminile centrale. Tuttavia, le caratteristiche principali dello stile di quest'opera la rendono legata alla tradizione classicista, in particolare alle tragedie musicali liriche di Gluck. Il tono rigoroso e sobrio dell'opera di Taneyev, creata alle soglie di un nuovo secolo, lo avvicina alle manifestazioni successive della direzione neoclassica (ad esempio, all'opera-oratorio Edipo Rex I.F. Stravinskij).

Fine del XIX-XX secolo

Nell'ultimo decennio e mezzo del XIX secolo. e nei primi decenni del secolo successivo, cioè nel periodo successivo alla morte di Mussorgsky, Borodin, Tchaikovsky (e allo stesso tempo durante il periodo di massimo splendore del lavoro operistico di Rimsky-Korsakov), furono proposti numerosi nuovi compositori d'opera, principalmente a Mosca: M.M. Ippolitov-Ivanov (1859– 1935) ( Rut secondo la leggenda biblica, 1887; Asia secondo Turgenev, 1900; Tradimento, 1910; Olè del Nordland; 1916), AS Arensky (1861-1906) ( Dormi sul Volga secondo Ostrovsky, 1888; Raffaello, 1894; Nal e Damayanti, 1903), VI Rebikov (1866-1920) ( In un temporale, 1893; albero di Natale, 1900 e altri), SV Rakhmaninov (1873-1943) ( Aleko secondo Pushkin, 1892; Cavaliere avaro secondo Pushkin e Francesca da Rimini secondo Dante, 1904), A.T. Grechaninov (1864–1956) ( Nikitich, 1901; Suor Beatrice secondo M. Maeterlinck, 1910); cimentarsi nel genere operistico anche Vas. S. Kalinnikov (1866–1900/1901) (prologo dell'opera Nel 1812, 1899) e AD Kastalsky (1856-1926) ( Chiara Milic secondo Turgenev, 1907). Il lavoro di questi autori era spesso associato alle attività delle imprese private di Mosca: prima l'Opera russa privata di Mosca di S. Mamontov, e poi l'Opera di S.I. Zimin; le nuove opere appartenevano principalmente al genere lirico da camera (alcune di esse sono in un atto). Alcune delle opere sopra elencate sono adiacenti alla tradizione Kuchkist (ad esempio, l'epopea Nikitich Grechaninov, in una certa misura anche Rut Ippolitova-Ivanov, segnata dall'originalità del sapore orientale, e l'opera di Kastalsky, in cui gli schizzi musicali della vita quotidiana hanno maggior successo), ma in misura ancora maggiore, gli autori della nuova generazione sono stati influenzati dallo stile lirico dell'opera di Ciajkovskij (Arensky, Rebikov, la prima opera di Rachmaninov), così come le nuove tendenze nel teatro dell'opera europeo di quel tempo.

La prima opera di Stravinskij Usignolo(secondo la fiaba di H.K. Andersen, 1914) è stato creato per ordine dell'impresa Diaghilev ed è stilisticamente connesso con l'estetica di The World of Art, nonché con un nuovo tipo di dramma musicale apparso in Pelléas e Mélisande C.Debussy. La sua seconda opera Mauro(Di Casa a Kolomna Pushkina, 1922) è, da un lato, uno spiritoso aneddoto musicale (o parodia) e, dall'altro, una stilizzazione del romanzo urbano russo dell'era Pushkin. terza opera, Edipo Rex(1927), infatti, non è tanto un'opera quanto un oratorio teatrale neoclassico (sebbene qui vengano utilizzati i principi di composizione e lo stile vocale dell'opera seria italiana). L'ultima opera del compositore Le avventure del rastrello, è stato scritto molto più tardi (1951) e non ha nulla a che fare con il fenomeno dell'opera russa.

Shostakovich.

Anche due opere di Dmitri Dmitrievich Shostakovich (1906-1975), scritte da lui tra la fine degli anni '20 e l'inizio degli anni '30, ebbero un destino difficile: Naso(secondo Gogol, 1929) e Lady Macbeth del distretto di Mtsensk(secondo Leskov, 1932, 2a edizione 1962). Naso, un'opera molto brillante e nitida, alla fine del XX secolo. godette di grande popolarità in Russia e in Occidente, stilisticamente associato al teatro espressionista e si basa sul principio più acuto della parodia, raggiungendo la satira distruttiva e feroce. Prima edizione Lady Macbeth era, in un certo senso, una continuazione dello stile naso, e il personaggio principale di quest'opera ha evocato associazioni con personaggi come Maria in Wozzecke A. Berg e persino Salome nell'opera omonima di R. Strauss. Come è noto, lo è Lady Macbeth, che ha avuto un notevole successo alla prima, è diventato l '"oggetto" dell'articolo di programma del quotidiano Pravda Muddle invece di musica(1934), che influenzò notevolmente sia il destino di Shostakovich che la situazione nella musica sovietica di quel tempo. Nella seconda, molto più tarda versione dell'opera, l'autore ha apportato significative attenuazioni - sia drammatiche che musicale-stilistiche, a seguito delle quali l'opera ha assunto una forma in qualche modo vicina a quella classica per il teatro d'opera russo, ma perso nella sua integrità.

In generale, il problema dell'opera è stato piuttosto acuto durante l'intero periodo sovietico della cultura musicale russa. Poiché questo genere era considerato uno dei più "democratici" e allo stesso tempo il più "ideologico", le autorità che dirigevano l'arte erano solite incoraggiare i compositori a lavorare in quest'area, ma allo stesso tempo controllarla rigorosamente. Negli anni '20 e all'inizio degli anni '30, la cultura dell'opera in Russia era in uno stato brillante: meravigliose produzioni del repertorio classico apparvero a Mosca e Leningrado, le ultime opere occidentali furono ampiamente messe in scena; Esperimenti nel campo del teatro musicale sono stati condotti dai più grandi registi, a partire da K.S. Stanislavsky e V.E.Meyerhold e altri, successivamente questi guadagni sono stati in gran parte persi. Il tempo degli esperimenti al teatro dell'opera terminò all'inizio degli anni '30 (di solito, insieme alle produzioni di opere di Prokofiev e Shostakovich, opere basate su trame "rivoluzionarie" di L.K. Knipper (1898–1974), V.V. (1889–1955), A.F. Pashchenko (1883-1972) e altri; ora sono tutti caduti nell'oblio). A metà degli anni '30 venne alla ribalta il concetto della cosiddetta "opera canzone" come "accessibile al popolo": il suo standard era Tranquillo Don(secondo M. Sholokhov, 1935) II Dzerzhinsky (1909–1978); le opere di TN Khrennikov (nato nel 1913), che erano popolari ai loro tempi, appartengono alla stessa varietà Nella tempesta(1939) e DBKabalevsky (1904-1987) Famiglia Tara(1950). Vere opere "normali" più o meno riuscite sono apparse nello stesso periodo, per esempio La bisbetica domata(1957) V.Ya.Shebalin (1902–1963), Decabristi(1953) YuA Shaporina (1887–1966). Dagli anni '60 c'è stato un periodo di rinascita nel teatro dell'opera; questa volta è caratterizzata dall'emergere di vari tipi di generi "ibridi" (opera-balletto, opera-oratorio, ecc.); i generi dell'opera da camera, e soprattutto della monoopera, dimenticati nei decenni precedenti, sono ampiamente sviluppati. Negli anni '60 e '90, molti autori si sono rivolti all'opera, compresi quelli di talento (tra i compositori che hanno lavorato attivamente nel teatro musicale, si possono nominare R.K. Shchedrin (nato nel 1932), A.P. Petrov (nato nel 1930), S. M. Slonimsky (nato nel 1932), opere interessanti furono create da N. N. Karetnikov (1930–1994) e E. V. Denisov (1929–1996), opere di Yu. ), GI Banshchikov (nato nel 1943) e altri. questo genere come principale nella cultura musicale russa non è stato restaurato, e le opere moderne (sia nazionali che straniere) compaiono sui manifesti dei principali teatri d'opera solo sporadicamente.Alcune eccezioni sono piccole compagnie di diverse città, che prontamente mettono in scena nuove opere , tuttavia, raramente rimangono a lungo nel repertorio.



Opera russa- il contributo più prezioso al tesoro del teatro musicale mondiale. Nato nell'era del periodo di massimo splendore classico dell'opera italiana, francese e tedesca, opera russa nel XIX secolo. non solo ha raggiunto altre scuole d'opera nazionali, ma le ha anche superate. La natura multilaterale dello sviluppo del teatro dell'opera russo nel XIX secolo. ha contribuito all'arricchimento dell'arte realistica mondiale. Le opere dei compositori russi hanno aperto una nuova area di creatività operistica, vi hanno introdotto nuovi contenuti, nuovi principi per costruire la drammaturgia musicale, avvicinando l'arte operistica ad altri tipi di creatività musicale, principalmente alla sinfonia.

Fig.11

La storia dell'opera classica russa è indissolubilmente legata allo sviluppo della vita sociale in Russia, con lo sviluppo del pensiero russo avanzato. L'opera si distingueva per queste connessioni già nel XVIII secolo, essendo sorta come fenomeno nazionale negli anni '70, l'era dello sviluppo dell'Illuminismo russo. La formazione della scuola lirica russa è stata influenzata da idee illuministiche, espresse nel desiderio di rappresentare in modo veritiero la vita delle persone. Neyasova, I.Yu. Opera storica russa del XIX secolo. P.85.

Così, l'opera russa fin dai suoi primi passi prende forma come un'arte democratica. Le trame delle prime opere russe spesso proponevano idee anti-servitù, caratteristiche anche del teatro drammatico russo e della letteratura russa alla fine del XVIII secolo. Tuttavia, queste tendenze non si erano ancora sviluppate in un sistema integrale, erano espresse empiricamente in scene della vita dei contadini, nel mostrare la loro oppressione da parte dei proprietari terrieri, in una rappresentazione satirica della nobiltà. Queste sono le trame delle prime opere russe: "Misfortune from the Carriage" di V. A. Pashkevich, "Coachmen on a Setup" di E. I. Fomin. Nell'opera "Il mugnaio - uno stregone, un ingannatore e un sensale" con un testo di A. O. Ablesimov e musica di M. M. Sokolovsky (nella seconda versione - E. I. Fomina), l'idea della nobiltà del lavoro di un contadino viene espresso e la nobile arroganza viene ridicolizzata. Nell'opera di M. A. Matinsky - V. A. Pashkevich "San Pietroburgo Gostiny Dvor" un usuraio e un corruttore sono raffigurati in forma satirica.

Le prime opere russe erano rappresentazioni teatrali con episodi musicali nel corso dell'azione. Le scene di conversazione erano molto importanti in loro. La musica delle prime opere era strettamente connessa con le canzoni popolari russe: i compositori fecero ampio uso delle melodie delle canzoni popolari esistenti, rielaborandole, facendone la base dell'opera. In "Melnik", ad esempio, tutte le caratteristiche dei personaggi sono riportate con l'ausilio di canti popolari di diversa natura. Nell'opera "San Pietroburgo Gostiny Dvor" viene riprodotta con grande precisione una cerimonia di matrimonio popolare. In "Cocchieri su un telaio" Fomin ha creato il primo esempio di opera corale popolare, stabilendo così una delle tradizioni tipiche della successiva opera russa.

L'opera russa si è sviluppata nella lotta per la sua identità nazionale. La politica della corte reale e dei vertici della società nobile, patrocinando le truppe straniere, era diretta contro la democrazia dell'arte russa. Le figure dell'opera russa hanno dovuto apprendere abilità operistiche sui modelli dell'opera dell'Europa occidentale e allo stesso tempo difendere l'indipendenza della loro direzione nazionale. Questa lotta per molti anni è diventata una condizione per l'esistenza dell'opera russa, assumendo nuove forme in nuove fasi.

Insieme all'opera-commedia nel XVIII secolo. apparvero anche altri generi operistici. Nel 1790, a corte ebbe luogo uno spettacolo dal titolo "L'amministrazione iniziale di Oleg", il cui testo fu scritto dall'imperatrice Caterina II, e la musica fu composta congiuntamente dai compositori K. Canobbio, J. Sarti e V. A. Pashkevich. la performance non era tanto operistica quanto oratoria in natura, e in una certa misura può essere considerata il primo esempio del genere storico-musicale, così diffuso nell'Ottocento. Nell'opera dell'eccezionale compositore russo D. S. Bortnyansky, il genere operistico è rappresentato dalle opere liriche The Falcon e The Rival Son, la cui musica, in termini di sviluppo di forme e abilità operistiche, può essere messa alla pari con esempi moderni dell'opera dell'Europa occidentale.

Il teatro dell'opera è stato utilizzato nel 18 ° secolo. grande popolarità. A poco a poco, l'opera della capitale penetrò nei teatri di proprietà. Teatro della fortezza a cavallo tra il XVIII e il XIX secolo. fornisce singoli esempi altamente artistici dell'esecuzione di opere e ruoli individuali. Vengono nominati cantanti e attori russi di talento, come, ad esempio, la cantante E. Sandunova, che si è esibita sul palcoscenico della capitale, o l'attrice serva del Teatro Sheremetev P. Zhemchugova.

Realizzazioni artistiche dell'opera russa del XVIII secolo. ha dato impulso al rapido sviluppo del teatro musicale in Russia nel primo quarto del XIX secolo.

I collegamenti del teatro musicale russo con le idee che determinarono la vita spirituale dell'epoca furono particolarmente rafforzati durante la guerra patriottica del 1812 e durante gli anni del movimento decabrista. Il tema del patriottismo, riflesso nelle trame storiche e contemporanee, diventa la base di molte rappresentazioni drammatiche e musicali. Le idee dell'umanesimo, la protesta contro la disuguaglianza sociale ispirano e fecondano l'arte teatrale.

All'inizio del XIX secolo. non si può ancora parlare di opera nel pieno senso della parola. I generi misti giocano un ruolo importante nel teatro musicale russo: tragedia con musica, vaudeville, opera comica, opera-balletto. Prima di Glinka, l'opera russa non conosceva opere la cui drammaturgia si sarebbe basata solo sulla musica senza episodi parlati.

Il dramma musicale di Mussorgsky "Khovanshchina" (Fig. 12) è dedicato alle rivolte di tiro con l'arco alla fine del XVII secolo. L'elemento del movimento popolare in tutta la sua forza esuberante è straordinariamente espresso dalla musica dell'opera, basata sul ripensamento creativo dell'arte del canto popolare. La musica di "Khovanshchina", come la musica di "Boris Godunov", è caratterizzata da un'alta tragedia. La base del miglio melodico di entrambe le opere è la sintesi del canto e degli inizi declamatori. L'innovazione di Mussorgsky, nata dalla novità della sua concezione, e la soluzione profondamente originale ai problemi della drammaturgia musicale ci fanno classificare entrambe le sue opere tra le più alte conquiste del teatro musicale.

Fig.12

Il XIX secolo è l'era dei classici dell'opera russa. I compositori russi hanno creato capolavori in vari generi di opera: dramma, epico, tragedia eroica, commedia. Hanno creato un dramma musicale innovativo che è nato in stretta connessione con il contenuto innovativo delle opere. Il ruolo importante e determinante delle scene popolari di massa, la poliedrica caratterizzazione dei personaggi, la nuova interpretazione delle forme operistiche tradizionali e la creazione di nuovi principi di unità musicale dell'intera opera sono tratti caratteristici dei classici dell'opera russa. Neyasova, I.Yu. Opera storica russa del XIX secolo. P.63.

L'opera classica russa, sviluppatasi sotto l'influenza del pensiero filosofico ed estetico progressista, sotto l'influenza degli eventi della vita pubblica, divenne uno degli aspetti notevoli della cultura nazionale russa del XIX secolo. L'intero percorso di sviluppo dell'opera russa nel secolo scorso è stato parallelo al grande movimento di liberazione del popolo russo; i compositori sono stati ispirati da alte idee di umanesimo e illuminazione democratica, e le loro opere sono per noi grandi esempi di arte veramente realistica.

3.1 Modesto Petrovich Mussorgsky

Modest Petrovich Mussorgsky - uno dei più brillanti compositori russi del XIX secolo, membro del "Mighty Handful". Il lavoro innovativo di Mussorgsky era molto in anticipo sui tempi.

Nato nella provincia di Pskov. Come molte persone di talento, fin dall'infanzia ha mostrato talento nella musica, ha studiato a San Pietroburgo, era, secondo la tradizione di famiglia, un militare. L'evento decisivo che ha determinato che Mussorgsky non è nato per il servizio militare, ma per la musica, è stato il suo incontro con M.A. Balakirev e l'adesione al "Mighty Handful". Mussorgsky è fantastico in quanto nelle sue grandiose opere - le opere "Boris Godunov" e "Khovanshchina" (Fig. 13) ha catturato nella musica le pietre miliari drammatiche della storia russa con una novità radicale che la musica russa non conosceva prima di lui, mostrando in loro una combinazione di scene popolari di massa e una variegata ricchezza di tipi, il carattere unico del popolo russo. Queste opere, in numerose edizioni sia dell'autore che di altri compositori, sono tra le opere russe più popolari al mondo. Danilova, G.I. Arte. P.96.

3.2 Caratteristiche dell'opera di Mussorgsky "Khovanshchina"

"Khovamshchina"(dramma musicale popolare) - un'opera in cinque atti del compositore russo M. P. Mussorgsky, creata secondo il suo libretto nel corso di diversi anni e mai completata dall'autore; il lavoro è stato completato da N. A. Rimsky-Korsakov.

Khovanshchina è più di un'opera. Mussorgsky era interessato alle tragiche leggi della storia russa, l'eterno scisma, la fonte della sofferenza e del sangue, l'eterno presagio della guerra civile, l'eterno alzarsi dalle ginocchia e il desiderio altrettanto istintivo di tornare alla sua posizione abituale.

Mussorgsky cova l'idea di "Khovanshchina" e presto inizia a raccogliere materiali. Tutto ciò è stato realizzato con la partecipazione attiva di V. Stasov, che negli anni '70. si avvicinò a Mussorgsky e fu uno dei pochi che comprese veramente la serietà delle intenzioni creative del compositore. V. V. Stasov divenne l'ispirazione e il più vicino assistente di Mussorgsky nella creazione di quest'opera, alla quale lavorò dal 1872 fino quasi alla fine della sua vita. "Ti dedico l'intero periodo della mia vita in cui verrà creata la Khovanshchina ... tu hai dato inizio", scrisse Mussorgsky a Stasov il 15 luglio 1872.

Fig.13

Il compositore è stato nuovamente attratto dal destino del popolo russo in un punto di svolta nella storia russa. Gli eventi ribelli della fine del XVII secolo, l'aspra lotta tra il vecchio boiardo Rus' e la nuova giovane Russia di Pietro I, le rivolte degli arcieri e il movimento degli scismatici diedero a Mussorgsky l'opportunità di creare un nuovo dramma musicale popolare. L'autore ha dedicato "Khovanshchina" a V.V. Stasov. Danilova, G.I. Arte. P.100.

Il lavoro su "Khovanshchina" è stato difficile: Mussorgsky si è rivolto a materiale che va ben oltre lo scopo di un'opera. Tuttavia, ha scritto intensamente ("Il lavoro è in pieno svolgimento!"), Anche se con lunghe interruzioni dovute a molte ragioni. In questo momento, Mussorgsky stava attraversando la disintegrazione del circolo Balakirev, il raffreddamento dei rapporti con Cui e Rimsky-Korsakov, l'abbandono di Balakirev dalle attività musicali e sociali. Sentiva che ognuno di loro era diventato un artista indipendente e aveva già preso la sua strada. Il servizio burocratico lasciava solo le ore serali e notturne per comporre musica, e questo portava a gravi superlavoro e depressioni sempre più prolungate. Tuttavia, nonostante tutto, il potere creativo del compositore in questo periodo colpisce per la sua forza e ricchezza di idee artistiche.

“Khovanshchina è un'opera russa complessa, complessa come l'anima russa. Ma Mussorgsky è un compositore così straordinario che quasi ogni anno due delle sue opere vengono messe in scena in opere diverse in giro per il mondo”. Abdrazakov, RIA Novosti.

L'opera rivela interi strati della vita popolare e mostra la tragedia spirituale del popolo russo al punto di svolta del suo tradizionale stile di vita storico.

3.3 Opera Mussorgsky "Khovanshchina" nel teatro

La grandiosa scala dell'epopea - è in questo formato che Alexander Titel preferisce parlare negli ultimi anni, messo in scena "Guerra e pace" di Sergei Prokofiev, "Boris Godunov" di Mussorgsky e, infine, un'enorme tela storica - "Khovanshchina" . Non c'è bisogno di ricordare la rilevanza odierna di questa creazione di Mussorgsky, che assorbe tutte le tragiche collisioni del "russo": la rottura del potere e del popolo, lo scisma religioso, gli intrighi politici, l'idealismo fanatico, la continua ricerca del " sentiero", il bivio di quello eurasiatico. La rilevanza è in superficie, e non è un caso che "Khovanshchina" nell'ultima stagione "shaft" sia sui palcoscenici europei - a Vienna, Stoccarda, Anversa, Birmingham. L'esecuzione di Titel riporta quasi con angoscia i suoi compatrioti a questi temi di Mussorgsky.

Il fatto che il teatro si sia avvicinato alla sua affermazione "storica" ​​con un'intensità speciale è evidenziato dal libretto preparato per la prima con ritagli di documenti e biografie reali dei prototipi di Khovanshchina, e dall'esposizione programmata per coincidere con l'uscita dello spettacolo in l'Atrio del teatro con reperti archeologici esposti dei tempi di "Khovanshchina "- frammenti di armi trovati sotto l'edificio del teatro. Ovviamente l'atmosfera della performance con un tale entourage sarebbe dovuta diventare ancora più "autentica". Ma il pubblico non è stato accolto dalle torri e dalle torri del Cremlino sul palco, ma da una semplice scatola di assi simile a un fienile in cui si è svolta la cupa epopea della vita russa per più di tre ore. Alexander Lazarev ha impostato il tono musicale, scegliendo l'orchestrazione di Dmitri Shostakovich, piena di sfumature metalliche, interrompendo, come in un abisso di sonorità, pesanti campane, che risuonavano nella sua interpretazione di un forte quasi incessante, con un pesante marcato di piombo che schiacciava anche tirato -out canzoni liriche. In alcuni momenti l'orchestra si affievoliva e poi i cori uscivano “fuori”: il famoso “Papà, papà, vieni fuori da noi!” suonava come un capolavoro, silenziose preghiere scismatiche. Masol, L.M., Aristova L.S. Arte musicale. P.135.

Fig.14

Il duro sfondo orchestrale corrispondeva all'azione cupa e frenetica sul palco. Enormi extra - centinaia di persone vestite in modo unificato, in scarlatto - streltsy (Fig. 14) o bianco - "folk". I principi hanno caftani semplici con bottoncini, senza le solite pellicce e ricami preziosi. Queste comparse partecipano ai pasti a un lungo tavolo di legno, escono in mezzo alla folla con icone, fraternizzano, stringendosi le spalle, attorno a Bati Khovansky. Ma la folla sul palco non "viveva", ma piuttosto illustrava la trama.

Fig.15

Ma la trama principale si è svolta "sopra" - tra principi e boiardi, che tessono cospirazioni, dettano denunce, combattono per il potere. In primo luogo, Shaklovity (Anton Zaraev) detta furiosamente a Podyachy (Valery Mikitsky), spaventandolo con torture e tormenti, un rapporto agli zar Pietro e Ivan sul padre e figlio di Khovansky, poi il principe Golitsyn (Nazhmiddin Mavlyanov) tesse un intrigo contro le autorità con Khovansky (Dmitry Ulyanov) e Dosifey (Denis Makarov) - freneticamente, sull'orlo di una rissa. Qui, il giovane Khovansky (Nikolai Erokhin), con esattamente la stessa frenesia, insegue eroticamente la donna tedesca Emma (Elena Guseva) e la scismatica Martha (Ksenia Dudnikova) - trascina vendicativamente lo sconvolto Andrei a suicidarsi nello skit. Gli eroi di Mussorgsky esistono nella commedia come se ogni loro parola capovolgesse il mondo. Urlano in arie fino a diventare rauche, battono i pugni sul tavolo. Marfa indovina terribilmente, battendo i pugni nell'acqua e come se spremesse qualcosa di vivo da un secchio di zinco. Gli arcieri posano la testa sui caftani scarlatti per l'esecuzione e Khovansky Sr. solleva le gonne dei persiani. Sul palco, il duduk armeno suona malinconico, un numero inserito nella performance. È vero, perché è più rilevante della solita danza persiana non è del tutto chiaro. Inoltre, ahimè, come non sia chiaro di cosa sia finita la performance, che si conclude con l'immagine di una folla scismatica in piedi che si tuffa nell'oscurità, su cui gli eroi hanno discusso così freneticamente, rompendo la voce, esplodendo in crisi isteriche per tre ore in un fila, cosa volevano trasmettere esattamente dalla loro esperienza , ad eccezione dell'immagine della cupa Rus'. Compreso, e perché le parole nella performance sono quasi indistinguibili. Le didascalie della battuta sono in inglese, e in sala ci sono pochi conoscitori del libretto a memoria. Nel frattempo, non è un caso che lo stesso Mussorgsky abbia pronunciato ogni parola. Ha creato "Khovanshchina" come un dramma politico attuale, e probabilmente sperava che l'esperienza di questa storia avrebbe aiutato a cambiare qualcosa nel presente.