Drammaturgo inglese uno dei precursori di Shakespeare. William Shakespeare: anni di vita, breve biografia

WILLIAM SHAKESPEARE
(1564-1616)

L'opera di Shakespeare è il risultato più alto della letteratura europea del Rinascimento. Se la potente figura di "Dante" segna l'inizio del Rinascimento, questa gigantesca figura di Shakespeare ne corona la fine e lo incorona nella storia della cultura mondiale. La sua eredità ha acquisito importanza mondiale, ha influenzato il lavoro di innumerevoli pittori di importanza mondiale e rimane rilevante per il nostro tempo.

I migliori teatri del mondo includono costantemente le sue opere nel loro repertorio, e solo non tutti gli attori sognano di interpretare il ruolo di Amleto.

Non guardando la drammaturgia della risonanza mondiale della poesia di Shakespeare, non si sa molto di lui. Dati da manuale come. Shakespeare nacque il 23 aprile 1564 a Stratford-upon-Avon nella famiglia di un artigiano e commerciante. Ha studiato al liceo locale, dove hanno studiato la loro lingua madre, anche greco e latino, poiché l'unico libro di testo era la Bibbia. Secondo una fonte, non finì la scuola, poiché suo padre, a causa di oneri monetari, portò William dal suo assistente. Secondo altri, dopo la laurea è stato addirittura assistente di un insegnante di scuola.

All'età di diciotto anni sposò Anne Hathaway, che aveva otto anni più di lui. Tre anni dopo il matrimonio, ha lasciato Stratford. Le sue prime opere a stampa compaiono esclusivamente nel 1594. I biografi suggeriscono che durante questo periodo fu per qualche tempo attore in una compagnia itinerante, nel 1590 lavorò in vari teatri di Londra e dal 1594 entrò a far parte della migliore compagnia londinese di James Burbage. Dal momento in cui Burbage costruì il Globe Theatre, in altre parole, dal 1599 al 1621, la sua vita fu legata a questo teatro, di cui è azionista, attore e drammaturgo. La sua famiglia rimase per tutto questo tempo a Stratford, dove ritorna, dopo aver interrotto le attività teatrali e creative, e dove muore il 23 aprile (giorno del suo compleanno), 1612 all'età di 52 anni.

La sua eredità drammatica e poetica, secondo il "canone shakespeariano" (la prima edizione completa delle opere di Shakespeare, realizzata nel 1623), è composta da 37 drammi, 154 sonetti e 2 poesie: "Venere e Adone" e "Lucrezia diffamata". Tutte le opere drammatiche di Shakespeare sono scritte in versi candidi con l'introduzione della prosa. La combinazione di poesia e prosa è una caratteristica appropriata della drammaturgia shakespeariana, condizionata sia dal materiale artistico che dai compiti estetici.

Migliaia di libri sono dedicati all'opera dell'insuperabile drammaturgo e geniale maestro del sonetto. È curioso che più di 4.500 opere rientrino nella quota di un solo problema irrisolto fino ad oggi. E questa discrepanza, sorprendentemente, riguarda specificamente la paternità delle opere di Shakespeare: chi è il loro creatore - lo stesso William Shakespeare o qualcun altro. Ad oggi, ci sono 58 candidati, inclusi nomi come il filosofo Francis Bacon, i Lord di Southampton, Rutland, il conte di Derby e persino la regina Elisabetta.

Dubbi più seri sulla paternità di Shakespeare sorgono dal fatto che William non ha studiato da nessuna parte, tranne che in una scuola di grammatica, e non è andato da nessuna parte al di fuori della Gran Bretagna. Allo stesso tempo, le opere di Shakespeare stupiscono per la loro insuperabile abilità artistica, la scala del pensiero e la profondità artistica filosofica della penetrazione nei compiti più importanti della vita. Testimoniano non solo il genio del loro creatore, ma anche l'enciclopedismo della sua conoscenza, che nessuno dei suoi contemporanei possedeva. Il dizionario di Shakespeare ha oltre 20mila parole, mentre Francis Bacon ne ha solo 8mila, Victor Hugo ne ha 9mila.

Testimoniano anche che conosceva il francese, l'italiano, il greco, il latino, conosceva perfettamente la mitologia antica, le opere di Omero, Ovidio, Plauto, Seneca, Montaigne, Rabelais e molti altri. Inoltre, Shakespeare si sentiva liberamente nella storia britannica, nella giurisprudenza, nella retorica, nella medicina, nelle complessità dell'etichetta di corte, nella vita e nelle abitudini delle figure autoritarie. La stragrande maggioranza di questa conoscenza a quei tempi poteva essere ottenuta esclusivamente nelle istituzioni, nelle quali, come è chiaro, Shakespeare non ha mai studiato.

Ma chiunque stia dietro questo nome famoso in tutto il mondo, è indiscutibile che le opere di Shakespeare, nella loro totalità, con uno straordinario potere espressivo, riflettessero l'intera tavolozza dei pensieri e delle emozioni rinascimentali - dall'elogio indiscusso di una persona che è in grado di elevarsi dal potere del proprio spirito e della propria mente al livello della creazione simile a un dio, alla più profonda delusione ed esitazione nella divinità della sua natura. A questo proposito, il percorso creativo di Shakespeare è solitamente diviso in tre periodi.

Il primo periodo (1590-1600) comprende drammi di cronaca (9), commedie (10), catastrofi (3), entrambe le poesie - "Venus and Adonis" (1592), "The Defiled Lucretia" (1593) e sonetti (1953- 1598).

Le cronache da cui Shakespeare ha iniziato la sua opera erano un genere popolare tra i suoi predecessori e contemporanei, poiché rispondevano all'accresciuto entusiasmo del pubblico per la propria storia e ai problemi politici della modernità durante un periodo di intensa lotta tra Gran Bretagna e Spagna. Una per una compaiono cronache drammatiche, la cui particolarità è la capacità del drammaturgo di rappresentare l'epoca su larga scala con colori vivaci e colorati, combinando i social media. sfondo con il destino di alcuni personaggi: "Enrico VI, parte 2" (1590), "Enrico VI, parte 3" (1591), "Enrico VI, parte 1" (1593), "Riccardo NE" (1594), " Riccardo II "(1595), "Lord John" (1596), "Enrico IV, parte 2" (1597), "Enrico IV, parte 2" (1598) e "Enrico V" (1598).

Insieme alle cronache, Shakespeare scrisse una serie di commedie: The Comedy of Errors (1592), The Taming of the Opposite (1593), Two Veronians (1594), Love's Labour's Lost (1594), A Midsummer Night's Dream (1595), Il mercante di Venezia (1596), Molto rumore per nulla (1599), Le mogli di Windsor (1598), Come vi piace (1599) e La dodicesima notte (1600), anche tre disastri: "Tito Andronico" (1593), "Romeo e Giulietta" (1594) e "Giulio Cesare" (1598).

Lo stato d'animo generale delle opere di questo periodo può essere trovato come ottimista, colorato da un'allegra percezione della vita in tutta la sua diversità, fede nel trionfo del ragionevole e del buono. Anche poesie e sonetti sono contrassegnati dal pathos umanistico, che apre un nuovo passo nello sviluppo della poesia rinascimentale con il realismo della propria poetica. I sonetti di Shakespeare formano un ciclo di storie costruito sullo sviluppo del rapporto tra il poeta, l'amico e la "dark lady". Nei sonetti si scioglie il mondo difficile e sicuro di un uomo del Rinascimento con la sua visione onnicomprensiva del mondo, un atteggiamento attivo nei confronti della vita, una ricchezza di emozioni ed esperienze spirituali.

Il 2 ° periodo dell'opera di Shakespeare (1601-1608) è segnato dall'approfondimento del poeta nell'analisi delle contraddizioni catastrofiche dell'uomo, che si manifestarono con tutta la loro forza alla fine del Rinascimento. Anche tre commedie scritte in questo periodo ("Troilus and Cressida" (1602); "The End Crowns the Deed" (1603); "The Measure of Measurement" (1603) portano il segno di una visione del mondo catastrofica. Il genio drammatico di Shakespeare si è manifestato in particolare nelle tragedie di questo periodo: Amleto (1601), Otello (1604), Lord Lear (1605), Macbeth (1606), Antonio e Cleopatra (1607), Coriolano (1607), Timon Athenian" (1608).

Il sonetto n. 66, scritto molto prima, può servire come quintessenza della catastrofica visione del mondo di queste opere.

E, alla fine, il terzo periodo romantico, che copre il 1609-1612. In questo momento, crea quattro tragicommedie, o drammi romantici: Pericle (1609), Cymbeline (1610), Winter Parable (1611); "La tempesta" (1612) e il dramma storico "Enrico VIII" Nella tragicommedia regna l'atmosfera della fiaba-fiction, nella loro bontà e giustizia le forze del male vincono sempre. Quindi il "sovrano dei poeti drammatici" (V. Belinsky) rimane fedele agli standard luminosi dell'arte umanistica del Rinascimento fino alla sua ultima opera.

Tra le famose tragedie di Shakespeare, Romeo e Giulietta e Amleto sono state per secoli le più popolari.

La catastrofe "Romeo e Giulietta" è stata scritta a metà degli anni '90, nel primo, cosiddetto, periodo ottimista della sua opera, più saturo del pathos rinascimentale della fede nell'uomo e nelle sue sconfinate capacità. Al centro del disastro, come nelle commedie scritte in quel momento, c'è la storia di un amore luminoso, romanticamente sublime e disinteressato di 2 giovani eroi, che si svolge sullo sfondo di una sanguinosa faida di lunga data tra le loro famiglie: il Montecchi e Capuleti.

L'amore che appare tra Romeo, rappresentante della casa dei Montecchi, e Giulietta, rappresentante della casa dei Capuleti, è descritto da Shakespeare come una forza bella, buona e positiva che può spezzare l'inimicizia antiumana del vecchio mondo . L'amore risveglia i sentimenti più alti in Romeo e Giulietta, li arricchisce spiritualmente e li riempie di un tremante senso della bellezza della vita. Shakespeare crea uno dei più grandi inni d'amore.

Spesso indicato come il poeta nazionale d'Inghilterra. Le opere pervenute fino a noi, anche scritte in collaborazione con altri autori, consistono in 38 commedie, 154 sonetti, 4 poemi e 3 epitaffi. Le opere di Shakespeare sono state tradotte in tutte le lingue principali e sono messe in scena più spesso delle opere di altri drammaturghi.

Shakespeare è nato e cresciuto a Stratford-upon-Avon. A 18 anni sposò Anne Hathaway, dalla quale ebbe tre figli: una figlia, Suzanne, e due gemelli, Hemnet e Judith. La carriera di Shakespeare iniziò tra il 1585 e il 1592 quando si trasferì a Londra. Ben presto divenne un attore di successo, drammaturgo e comproprietario di una compagnia teatrale chiamata Lord Chamberlain's Servants, in seguito nota come King's Servants.

Intorno al 1613, all'età di 48 anni, tornò a Stratford, dove morì tre anni dopo. Sono sopravvissute poche prove storiche della vita di Shakespeare e le teorie sulla sua vita sono create sulla base di documenti ufficiali e testimonianze di contemporanei, quindi le domande riguardanti il ​​​​suo aspetto e le credenze religiose sono ancora in discussione nella comunità scientifica, e c'è anche un punto di vista che le opere a lui attribuite sono state create da chi - qualcos'altro; è popolare nella cultura, sebbene sia rifiutato dalla stragrande maggioranza degli studiosi shakespeariani.

La maggior parte delle opere di Shakespeare furono scritte tra il 1589 e il 1613. Le sue prime opere erano per lo più commedie e cronache, in cui eccelleva Shakespeare. Poi venne un periodo di tragedie nel suo lavoro, comprese le opere di "Amleto", "Re Lear", "Otello" e "Macbeth", che sono considerate tra le migliori in lingua inglese. Alla fine del suo lavoro, Shakespeare scrisse diverse tragicommedie e collaborò anche con altri scrittori.

Molte delle opere di Shakespeare furono pubblicate durante la sua vita. Nel 1623, due amici di Shakespeare, John Heming e Henry Condell, pubblicarono il First Folio, una raccolta di tutte le opere di Shakespeare attualmente incluse nel canone tranne due. Successivamente, molti altri drammi (oi loro frammenti) furono attribuiti a Shakespeare da vari ricercatori con vari gradi di evidenza.

Già durante la sua vita, Shakespeare ricevette lodevoli recensioni per il suo lavoro, ma divenne davvero popolare solo nel XIX secolo. In particolare, i rappresentanti del romanticismo e dei vittoriani si inchinarono così tanto a Shakespeare da chiamarlo "bardolatria", che in inglese significa "adorazione del bardo". Le opere di Shakespeare rimangono popolari fino ad oggi, essendo costantemente studiate e ripensate in accordo con le condizioni politiche e culturali.

William Shakespeare

William Shakespeare nacque a Stratford-upon-Avon (Warwickshire) nel 1564, fu battezzato il 26 aprile, la data esatta di nascita è sconosciuta. La tradizione colloca la sua nascita il 23 aprile: tale data coincide con il giorno appunto noto della sua morte. Inoltre, il 23 aprile si celebra il giorno di San Giorgio, patrono d'Inghilterra, e in questo giorno la leggenda potrebbe coincidere proprio con la nascita del più grande poeta nazionale. Dall'inglese, il cognome "Shakespeare" è tradotto come "sbalorditivo con una lancia".

Suo padre, John Shakespeare (1530-1601), era un ricco artigiano (produttore di guanti), spesso eletto a varie cariche pubbliche significative.

Nel 1565 John Shakespeare era un assessore e nel 1568 un ufficiale giudiziario (capo del consiglio comunale). Non frequentava le funzioni religiose, per le quali pagava grosse multe (è possibile che fosse un cattolico segreto).

La madre di Shakespeare, nata Mary Arden (1537-1608), apparteneva a una delle più antiche famiglie sassoni. In totale, la coppia ha avuto 8 figli, William è nato il terzo.

Si ritiene che Shakespeare abbia studiato alla "scuola di grammatica" di Stratford (scuola di grammatica inglese), dove avrebbe dovuto acquisire una buona conoscenza del latino: l'insegnante di latino e letteratura di Stratford scriveva poesie in latino. Alcuni studiosi affermano che Shakespeare abbia frequentato la King Edward VI School di Stratford-upon-Avon, dove ha studiato l'opera di poeti come Ovidio e Plauto, ma i giornali scolastici non sono sopravvissuti e ora non si può dire nulla con certezza.

Nel 1582, all'età di 18 anni, sposò Anne Hathaway, figlia di un proprietario terriero locale, che aveva 8 anni più di lui. Al momento del matrimonio, Ann era incinta.

Nel 1583, la coppia ebbe una figlia, Susan (battezzata il 23 maggio), nel 1585, gemelli: il figlio Hemnet, morto all'età di 11 anni nell'agosto 1596, e la figlia Judith (battezzata il 2 febbraio).

Su ulteriori (entro sette anni) eventi della vita di Shakespeare, ci sono solo supposizioni. La prima menzione di una carriera teatrale londinese risale al 1592, e il periodo tra il 1585 e il 1592 viene definito dai ricercatori come gli "anni perduti" di Shakespeare.

I tentativi dei biografi di conoscere le azioni di Shakespeare durante questo periodo hanno portato a molte storie apocrife. Nicholas Rowe, il primo biografo di Shakespeare, credeva che Shakespeare avesse lasciato Stratford per sfuggire all'accusa per bracconaggio nella tenuta del signorotto locale Thomas Lucy.

Si presume anche che Shakespeare si sia vendicato di Lucy scrivendogli diverse ballate oscene.

Secondo un'altra versione del XVIII secolo, Shakespeare iniziò la sua carriera teatrale, occupandosi dei cavalli dei mecenati teatrali londinesi. John Aubrey ha scritto che Shakespeare era un insegnante di scuola. Alcuni studiosi del XX secolo credevano che Shakespeare fosse l'insegnante di Alexander Nogton del Lancashire, poiché questo proprietario terriero cattolico aveva un certo "William Shakeshaft". Questa teoria ha poche basi oltre alle voci che circolavano dopo la morte di Shakespeare, e inoltre, "Shakeshaft" è un cognome abbastanza comune nel Lancashire.

Non si sa esattamente quando Shakespeare iniziò a scrivere opere teatrali e si trasferì anche a Londra, ma le prime fonti che ci sono pervenute che parlano di questo risalgono al 1592. Quest'anno, il diario dell'imprenditore Philip Henslow menziona la cronaca storica di Shakespeare "Enrico VI", che è stata mostrata al Rose Theatre di Henslow.

Nello stesso anno fu pubblicato postumo un opuscolo del drammaturgo e scrittore di prosa Robert Greene, in cui quest'ultimo attaccava Shakespeare con malizia, senza nominare il suo cognome, ma picchiandola ironicamente - "scene shaker" (shake-scene), parafrasando un verso dalla terza parte di “Enrico VI” “ Oh, il cuore di una tigre nella pelle di questa donna! come "il cuore di una tigre nella pelle di un ipocrita".

Gli studiosi non sono d'accordo sul significato esatto di queste parole, ma è generalmente accettato che Greene abbia accusato Shakespeare di cercare di confrontarsi con scrittori altamente istruiti ("menti universitari") come Christopher Marlowe, Thomas Nash e lo stesso Greene.

I biografi ritengono che la carriera di Shakespeare avrebbe potuto iniziare in qualsiasi momento dalla metà degli anni Ottanta del Cinquecento.

Dal 1594, le opere di Shakespeare sono state messe in scena solo da una troupe. "Servi del Lord Chamberlain". Questa compagnia comprendeva Shakespeare, che alla fine dello stesso 1594 ne divenne comproprietario. La troupe divenne presto uno dei principali gruppi teatrali di Londra. Dopo la morte della regina Elisabetta nel 1603, la troupe ricevette un brevetto reale dal nuovo sovrano, Giacomo I, e divenne nota come "Servi del re".

Nel 1599, una società di membri del gruppo costruì un nuovo teatro sulla riva sud del Tamigi, chiamato "Globo".

Nel 1608 acquistarono anche il Blackfriars Theatre chiuso. I resoconti degli acquisti e degli investimenti immobiliari di Shakespeare mostrano che la troupe lo ha reso un uomo ricco. Nel 1597 acquistò la seconda casa più grande di Stratford, New Place.

Nel 1598 il suo nome cominciò a comparire sui frontespizi delle pubblicazioni. Ma anche dopo che Shakespeare divenne famoso come drammaturgo, continuò a recitare nei teatri. Nell'edizione del 1616 delle opere di Ben Jonson, il nome di Shakespeare è incluso nell'elenco degli attori che hanno interpretato le commedie Everyone Has Their Whims (1598) e Sejanus Has Fallen (1603). Tuttavia, il suo nome non è stato incluso nell'opera teatrale Volpone di Johnson del 1605, che è presa da alcuni studiosi come un segno della fine della carriera londinese di Shakespeare.

Tuttavia, nel First Folio del 1623, Shakespeare è chiamato "l'attore principale in tutte queste opere", e alcune di esse furono messe in scena per la prima volta dopo Volpone, sebbene non si sappia con certezza quali ruoli abbia interpretato Shakespeare in esse.

Nel 1610, John Davies scrisse che la "buona volontà" interpretava parti "reali".

Nel 1709, nella sua opera, Rowe scrisse l'opinione già consolidata a quel tempo che Shakespeare interpretasse l'ombra del padre di Amleto. Successivamente è stato anche affermato che interpretava i ruoli di Adamo in Come vi piace e Horus in Enrico V, sebbene gli studiosi dubitino dell'accuratezza di queste informazioni.

Shakespeare ha vissuto a Londra durante il suo periodo di recitazione e drammaturgia, ma ha anche trascorso parte del suo tempo a Stratford.

Nel 1596, un anno dopo l'acquisto di New Place, risiedeva a St. Helena's a Bishopgate, sul lato nord del Tamigi. Dopo la costruzione del Globe Theatre nel 1599, Shakespeare si trasferì dall'altra parte del fiume, a Southwark, dove si trovava il teatro.

Nel 1604 si trasferì di nuovo dall'altra parte del fiume, questa volta nell'area a nord della Cattedrale di St. Paul, dove c'erano un gran numero di buone case. Ha affittato stanze da un ugonotto francese di nome Christopher Mountjoy, un produttore di parrucche e copricapi da donna.

C'è una visione tradizionale secondo cui pochi anni prima della sua morte, Shakespeare si trasferì a Stratford. Rowe è stato il primo biografo di Shakespeare a esprimere una simile opinione. Uno dei motivi potrebbe essere che i teatri pubblici di Londra sono stati ripetutamente chiusi a causa di epidemie di peste e gli attori non avevano abbastanza lavoro da fare. Il pensionamento completo era raro a quei tempi e Shakespeare continuò a visitare Londra.

Nel 1612, Shakespeare fu testimone nel caso Bellot contro Mountjoy, una causa sulla dote nuziale della figlia di Mountjoy, Mary.

Nel marzo 1613 acquistò una casa nell'ex parrocchia di Blackfriar. Nel novembre 1614 trascorse diverse settimane con suo cognato, John Hall.

Dopo il 1606-1607, Shakespeare scrisse solo poche opere teatrali e dopo il 1613 smise del tutto di scriverle. Ha scritto le sue ultime tre commedie con un altro drammaturgo, forse John Fletcher, che è succeduto a Shakespeare come capo drammaturgo degli uomini del re.

Tutte le firme sopravvissute di Shakespeare sui documenti (1612-1613) si distinguono per una calligrafia molto povera, sulla base della quale alcuni ricercatori ritengono che fosse gravemente malato in quel momento.

Shakespeare morì il 23 aprile 1616. Tradizionalmente si presume che sia morto il giorno del suo compleanno, ma non è certo che Shakespeare sia nato il 23 aprile. A Shakespeare sopravvissero una vedova, Anne (morta nel 1623), e due figlie. Susan Shakespeare era sposata con John Hall dal 1607 e Judith Shakespeare si sposò due mesi dopo la morte di Shakespeare con l'enologo Thomas Quiney.

Nel suo testamento, Shakespeare ha lasciato la maggior parte dei suoi beni immobili alla figlia maggiore Susan. Dopo di lei, sarebbe stato ereditato dai suoi diretti discendenti. Judith ebbe tre figli, tutti morti celibe. Susan ebbe una figlia, Elizabeth, che si sposò due volte ma morì senza figli nel 1670. Era l'ultima diretta discendente di Shakespeare. Nel testamento di Shakespeare, sua moglie è menzionata solo brevemente, ma avrebbe dovuto già ricevere un terzo della proprietà del marito. Tuttavia, ha affermato che le stava lasciando "il mio secondo letto migliore", un fatto che ha dato origine a molte speculazioni diverse. Alcuni studiosi lo considerano un insulto ad Ann, mentre altri sostengono che il secondo letto migliore sia quello coniugale, e quindi non c'è nulla di offensivo in questo.

Tre giorni dopo, il corpo di Shakespeare fu sepolto nella chiesa della Santissima Trinità di Stratford.

Un epitaffio è scritto sulla sua lapide:

"Buon amico per amor di Iesvs tollerare,
Per scavare il dvst racchiuso sentire.
Blaste sii uomo che risparmia le pietre,
E prima di tutto muove le mie ossa".

"Amico, per amore del Signore, non sciamare
Rimane preso da questa terra;
Intatto benedetto per secoli
E maledetto - chi ha toccato le mie ceneri ".

Qualche tempo prima del 1623, nella chiesa fu eretto un busto dipinto di Shakespeare che lo mostrava mentre scriveva. Gli epitaffi in inglese e latino confrontano Shakespeare con il saggio Pylos re Nestore, Socrate e Virgilio.

Ci sono molte statue di Shakespeare in tutto il mondo, compresi i monumenti funerari nella cattedrale di Southwark e nell'angolo dei poeti dell'abbazia di Westminster.

Per commemorare il 400° anniversario della morte del drammaturgo, la Royal Mint ha emesso tre monete da due sterline (datate 2016), che simboleggiano i tre gruppi delle sue opere: commedie, cronache e tragedie.

L'eredità letteraria di Shakespeare è divisa in due parti disuguali: poetica (poesie e sonetti) e drammatica. scrisse che "sarebbe troppo audace e strano dare a Shakespeare un vantaggio decisivo su tutti i poeti dell'umanità, come poeta vero e proprio, ma come drammaturgo ora è rimasto senza un rivale il cui nome potrebbe essere messo accanto al suo nome."

William Shakespeare. Il più grande spettacolo sulla terra

Gli scritti di William Shakespeare

Commedie di William Shakespeare

Tutto è bene quel che finisce bene
Come ti piace
Commedia degli errori
Gli sforzi infruttuosi dell'amore
Misura per misura
Il mercante di Venezia
Allegre comari di Windsor
Un sogno in una notte d'estate
Molto rumore per nulla
Pericle
La bisbetica domata
Tempesta
dodicesima notte
Due Verona
Due nobili parenti
fiaba invernale

Cronache di William Shakespeare

Re Giovanni
Riccardo II
Enrico IV, parte 1
Enrico IV, parte 2
Enrico V
Enrico VI, parte 1
Enrico VI, parte 2
Enrico VI, parte 3
Riccardo III
Enrico VIII

Tragedie di William Shakespeare

Romeo e Giulietta
Coriolano
Tito Andronico
Timone di Atene
Giulio Cesare
Macbeth
Frazione
Troilo e Cressida
re Lear
Otello
Antonio e Cleopatra
Cimbelino

Sonetti di William Shakespeare

Venere e Adone
Lucrezia disonorata
pellegrino appassionato
Fenice e colomba
Il reclamo dell'amante

Le opere perdute di William Shakespeare

Sforzi d'amore premiati
Storia di Cardenio

Apocrifi di William Shakespeare

Giudizio di Paride
Arden Feversham
Giorgio Verde
Locrino
Edoardo III
Musedor
Sir John Oldcastle
Tommaso, Lord Cromwell
Allegro diavolo di Edmontovsky
Il figliol prodigo di Londra
Puritano
La tragedia dello Yorkshire
Adorabile Emma
La nascita di Merlino
Sir Tommaso Moro
La tragedia della seconda cameriera
pellegrino appassionato

Nell'ultimo decennio del XVI secolo, il dramma inglese aveva raggiunto il suo pieno sviluppo. Il teatro rinascimentale inglese ha le sue radici nell'arte degli attori itineranti. Allo stesso tempo, gli artigiani si sono esibiti nei teatri inglesi insieme ad attori professionisti. Anche i teatri studenteschi si sono diffusi. Il dramma inglese di quel tempo è caratterizzato da ricchezza di generi, alta padronanza della tecnica, ricco contenuto ideologico. Ma l'apice del Rinascimento inglese lo è attività letteraria William Shakespeare. Nel suo lavoro, il maestro della drammaturgia inglese ha approfondito tutto ciò che i suoi predecessori avevano realizzato.

Biografia William Shakespeare pieno di macchie bianche. È autenticamente noto che il grande drammaturgo inglese nacque nel 1564 nella città di Stratford-upon-Eyvan nella famiglia di un ricco guantaio. La data di nascita non è documentata, ma si presume che sia nato il 23 aprile. Suo padre, John Shakespeare, ha ricoperto diversi incarichi onorari nella borgata. La madre, Mary Arden, proveniva da una delle famiglie più antiche della Sassonia. Shakespeare ha frequentato la scuola di "grammatica" locale, dove ha studiato a fondo latino e greco. Ha messo su famiglia molto presto. E nel 1587, lasciando moglie e figli, si trasferì a Londra. Ora visita raramente la sua famiglia, solo per portare i soldi che ha guadagnato. All'inizio Shakespeare lavorò nei teatri come suggeritore e assistente alla regia, finché nel 1593 divenne attore nella migliore compagnia londinese. Nel 1599, gli attori di questa compagnia costruirono il Globe Theatre, in cui vengono messe in scena rappresentazioni basate sulle opere di Shakespeare. Shakespeare, insieme ad altri attori, diventa azionista del teatro e riceve una certa quota di tutte le sue entrate. E se William Shakespeare non brillava di talento recitativo, allora anche prima di entrare a far parte della troupe del Globe, ha guadagnato fama come drammaturgo di talento, che ora ha completamente rafforzato. Nel primo decennio del XVII sec spiegare il fiorire della sua creatività. Ma nel 1612 Shakespeare lasciò Londra per ragioni sconosciute e tornò dalla sua famiglia a Stratford, abbandonando completamente la drammaturgia. Trascorre gli ultimi anni della sua vita circondato dalla sua famiglia abbastanza inosservato e muore serenamente nel 1616 nel giorno del suo compleanno. La scarsità di informazioni sulla vita di Shakespeare ha dato origine all'emergere negli anni '70. 18esimo secolo ipotesi secondo la quale l'autore delle commedie non era Shakespeare, ma un'altra persona che voleva nascondere il suo nome. Al momento, forse, non c'è un solo contemporaneo di Shakespeare a cui non sia attribuita la paternità di grandi opere teatrali. Ma tutte queste congetture sono infondate e scienziati seri le hanno confutate più di una volta.

Ci sono 3 periodi creatività di Shakespeare.

Il primo è caratterizzato dall'ottimismo, dal predominio di una disposizione luminosa, che afferma la vita e allegra. Durante questo periodo, crea commedie come: Un sogno in una notte d'estate"(1595)," Il mercante di Venezia"(1596)," Molto rumore per nulla"(1598)," Come ti piace"(1599)," dodicesima notte» (1600). Al primo periodo appartengono anche le cosiddette "cronache" storiche (opere teatrali su argomenti storici): " Riccardo III"(1592)," Riccardo II"(1595)," Enrico IV"(1597)," Enrico V"( 1599). Così come la tragedia Romeo e Giulietta"(1595) e" Giulio Cesare"(1599).

Illustrazione per la tragedia di W. Shakespeare "Romeo e Giulietta" F. Hayes. 1823

La tragedia "Giulio Cesare" diventa una sorta di passaggio al 2 ° periodo in Shakespeare. Dal 1601 al 1608 lo scrittore pone e risolve i grandi problemi della vita, e ora nelle commedie è insito un certo pessimismo. Shakespeare scrive regolarmente tragedie: Amleto (1601), Otello (1604), Re Lear (1605), Magbet (1605), Antonio e Cleopatra"(1606)," Coriolano"(1607)," Timone di Atene"(1608). Ma allo stesso tempo riesce ancora nelle commedie, ma con un po 'di tragedia che possono anche essere chiamate drammi - Misura per misura (1604).

E, infine, il 3 ° periodo, dal 1608 al 1612, nell'opera di Shakespeare predominano le tragicommedie, opere teatrali dal contenuto acutamente drammatico, ma con un lieto fine. I più importanti sono Zembelin (1609), The Winter Tale (1610) e The Tempest (1612).

Creatività di Shakespeare differisce per l'ampiezza degli interessi e la portata del pensiero. Le sue opere riflettevano un'enorme varietà di tipi, situazioni, epoche e popoli. Questa ricchezza di fantasia, la rapidità dell'azione, la forza delle passioni sono tipiche del Rinascimento. Queste caratteristiche si trovano anche in altri drammaturghi dell'epoca, ma solo Shakespeare ha un incredibile senso delle proporzioni e dell'armonia. Le sue fonti per la drammaturgia sono varie. Shakespeare ha preso molto dall'antichità, alcune delle sue opere sono imitazioni di Seneca, Plauto e Plutarco. Ci sono anche prestiti da racconti italiani. Ma in misura maggiore, Shakespeare nella sua opera continua ancora le tradizioni del dramma popolare inglese. Questo è un misto di comico e tragico, una violazione dell'unità di tempo e luogo. Vivacità, vivacità e facilità di stile, tutto questo è più caratteristico del dramma popolare.

William Shakespeare ha avuto un enorme impatto sulla letteratura europea. E sebbene dentro eredità letteraria di Shakespeare ci sono poesie, ma V. G. Belinsky ha anche scritto che "sarebbe troppo audace e strano dare a Shakespeare un vantaggio decisivo su tutti i poeti dell'umanità, come poeta vero e proprio, ma come drammaturgo ora è rimasto senza un rivale il cui nome potrebbe essere messo accanto al suo nome". Questo geniale creatore e uno degli scrittori più misteriosi ha posto all'umanità la domanda "Essere o non essere?". e non ha dato una risposta, lasciando così che ognuno la cercasse da solo.

Il tema di quasi tutte le commedie di Shakespeare è l'amore, il suo emergere e svilupparsi, la resistenza e gli intrighi degli altri e la vittoria di un brillante giovane sentimento. L'azione delle opere si svolge sullo sfondo di splendidi paesaggi bagnati dal chiaro di luna o dal sole. È così che ci appare il magico mondo delle commedie di Shakespeare, apparentemente lontano dal divertimento. Shakespeare ha una grande capacità, talento nel coniugare il comico (gli arguti duelli di Benedetto e Beatrice in Molto rumore per nulla, Petruccio e Catharina da La bisbetica domata) con il lirico e persino tragico (i tradimenti di Proteo in I due veronesi , gli intrighi di Shylock in Mercante di Venezia). I personaggi di Shakespeare sono incredibilmente sfaccettati, le loro immagini incarnano i tratti caratteristici delle persone del Rinascimento: volontà, desiderio di indipendenza e amore per la vita. Di particolare interesse sono le immagini femminili di queste commedie: uguali agli uomini, libere, energiche, attive e infinitamente affascinanti. Le commedie di Shakespeare sono varie. Shakespeare utilizza vari generi di commedie: una commedia romantica ("Sogno di una notte di mezza estate"), una commedia di personaggi ("La bisbetica domata"), una sitcom ("Comedy of Errors").

Nello stesso periodo (1590-1600) Shakespeare scrisse una serie di cronache storiche. Ognuno dei quali copre uno dei periodi della storia inglese.

Circa il tempo della lotta delle rose scarlatte e bianche:

Enrico VI (tre parti)

Sul precedente periodo di lotta tra i baroni feudali e la monarchia assoluta:

Enrico IV (due parti)

Il genere della cronaca drammatica è peculiare solo del Rinascimento inglese. Molto probabilmente, ciò è accaduto perché il genere teatrale preferito dell'alto medioevo inglese erano i misteri con motivi secolari. Sotto la loro influenza si formò la drammaturgia del Rinascimento maturo; e nelle cronache drammatiche si conservano molti tratti misteriosi: un'ampia copertura di eventi, molti personaggi, una libera alternanza di episodi. Tuttavia, a differenza dei misteri, le cronache non presentano la storia biblica, ma la storia dello stato. Qui, in sostanza, si riferisce anche agli ideali dell'armonia, ma all'armonia dello Stato, che vede nella vittoria della monarchia sulla guerra civile feudale medievale. Nel finale delle commedie, buoni trionfi; il male, non importa quanto terribile e sanguinoso fosse il suo modo, rovesciato. Così, nel primo periodo dell'opera di Shakespeare a diversi livelli - personale e statale - viene interpretata l'idea principale del Rinascimento: il raggiungimento dell'armonia e degli ideali umanistici.

Nello stesso periodo, Shakespeare scrisse due tragedie:

II periodo (tragico) (1601-1607)

È considerato il periodo tragico dell'opera di Shakespeare. Dedicato principalmente alla tragedia. Fu durante questo periodo che il drammaturgo raggiunse l'apice del suo lavoro:

Non c'è più traccia di un senso armonioso del mondo in loro, qui si rivelano conflitti eterni e insolubili. Qui la tragedia non sta solo nello scontro tra individuo e società, ma anche nelle contraddizioni interne nell'anima dell'eroe. Il problema viene portato a un livello filosofico generale ei personaggi rimangono insolitamente sfaccettati e psicologicamente voluminosi. Allo stesso tempo, è molto importante che nelle grandi tragedie di Shakespeare vi sia una completa assenza di un atteggiamento fatalistico nei confronti del destino, che predetermina la tragedia. L'enfasi principale, come prima, è posta sulla personalità dell'eroe, che plasma il proprio destino e il destino di coloro che lo circondano.

Nello stesso periodo, Shakespeare scrisse due commedie:

III periodo (romantico) (1608-1612)

È considerato il periodo romantico dell'opera di Shakespeare.

Opere dell'ultimo periodo del suo lavoro:

Questi sono racconti poetici che portano dalla realtà al mondo dei sogni. Il completo rifiuto consapevole del realismo e il ritiro nella fantasia romantica è naturalmente interpretato dagli studiosi di Shakespeare come la delusione del drammaturgo per gli ideali umanistici, il riconoscimento dell'impossibilità di raggiungere l'armonia. Questo percorso - da una fede trionfalmente giubilante nell'armonia a una stanca delusione - ha attraversato in realtà l'intera visione del mondo del Rinascimento.

Globe Theatre di Shakespeare

L'incomparabile popolarità mondiale delle opere di Shakespeare è stata facilitata dall'ottima conoscenza del teatro da parte del drammaturgo "dall'interno". Quasi tutta la vita londinese di Shakespeare era in qualche modo collegata al teatro e, dal 1599, al Globe Theatre, che era uno dei centri più importanti della vita culturale in Inghilterra. Fu qui che la compagnia di R. Burbage "Servants of the Lord Chamberlain" si trasferì nell'edificio di nuova costruzione, proprio nel momento in cui Shakespeare divenne uno degli azionisti della compagnia. Shakespeare ha suonato sul palco fino al 1603 circa - in ogni caso, dopo questo periodo non si fa menzione della sua partecipazione a spettacoli. Apparentemente, Shakespeare non era molto popolare come attore - ci sono prove che interpretasse ruoli minori ed episodici. Tuttavia, la scuola di teatro è stata completata: il lavoro sul palcoscenico ha indubbiamente aiutato Shakespeare a comprendere meglio i meccanismi di interazione tra l'attore e il pubblico ei segreti del successo del pubblico. Il successo del pubblico fu molto importante per Shakespeare, sia come azionista teatrale che come drammaturgo - e dopo il 1603 rimase strettamente associato al Globe, sul palcoscenico del quale furono messe in scena quasi tutte le opere da lui scritte. Il progetto della sala Globe ha predeterminato la combinazione di spettatori di vari strati sociali e patrimoniali in una rappresentazione, mentre il teatro poteva ospitare almeno 1.500 spettatori. Il drammaturgo e gli attori hanno affrontato il compito più difficile di mantenere l'attenzione di un pubblico eterogeneo. Le opere di Shakespeare hanno risposto al massimo a questo compito, riscuotendo successo presso il pubblico di tutte le categorie.

L'architettura mobile delle opere di Shakespeare era in gran parte determinata dalle peculiarità della tecnica teatrale del XVI secolo. - un palcoscenico aperto senza sipario, un minimo di oggetti di scena, una convenzione estrema di scenografia. Ciò ha costretto a concentrarsi sull'attore e sulle sue abilità sceniche. Ogni ruolo nelle opere di Shakespeare (spesso scritto per un attore specifico) è psicologicamente voluminoso e offre grandi opportunità per la sua interpretazione scenica; la struttura lessicale del discorso cambia non solo da commedia a commedia e da personaggio a personaggio, ma si trasforma anche a seconda dello sviluppo interno e delle circostanze sceniche (Amleto, Otello, Riccardo III, ecc.). Non c'è da stupirsi che molti attori di fama mondiale abbiano brillato nei ruoli del repertorio di Shakespeare.

La gloriosa storia del Globe Theatre di Shakespeare iniziò nel 1599, quando a Londra, che si distinse per un grande amore per l'arte teatrale, furono costruiti uno dopo l'altro edifici di teatri pubblici pubblici. Durante la costruzione del Globe, sono stati utilizzati materiali da costruzione avanzati dall'edificio smantellato del primissimo teatro pubblico londinese (si chiamava Theatre). Ai proprietari dell'edificio, la troupe di famosi attori inglesi dei Burbage, era scaduto il contratto di locazione del terreno; così decisero di ricostruire il teatro in una nuova sede. Il principale drammaturgo della compagnia, William Shakespeare, che nel 1599 divenne uno degli azionisti di The Lord Chamberlain's Servants di Burbage, fu senza dubbio coinvolto in questa decisione.

I teatri per il grande pubblico sono stati costruiti a Londra principalmente fuori dalla City, cioè - al di fuori della giurisdizione della City of London. Ciò era spiegato dallo spirito puritano delle autorità cittadine, ostili al teatro in generale. Il Globe era un tipico edificio di un teatro pubblico del primo Seicento: una sala ovale a forma di anfiteatro romano, racchiusa da un alto muro, senza tetto. Il teatro prende il nome dalla statua di Atlante che ne ornava l'ingresso, sorreggendo il globo. Questo globo ("globo") era circondato da un nastro con la famosa iscrizione: "Il mondo intero recita" (lat. Totus mundus agit histrionem; traduzione più nota: "Il mondo intero è un teatro").

Il palcoscenico era adiacente al retro dell'edificio; sopra la sua parte profonda si ergeva la piattaforma del palcoscenico superiore, la cosiddetta. "galleria"; ancora più in alto c'era la "casa", un edificio con una o due finestre. Così, nel teatro c'erano quattro scene d'azione: il boccascena, profondamente sporgente nella sala e circondato dal pubblico su tre lati, su cui si svolgeva la parte principale dell'azione; la parte profonda del palcoscenico sotto il loggione, dove venivano rappresentate scene di interni; una galleria che serviva a raffigurare un muro di fortezza o un balcone (qui appariva il fantasma del padre di Amleto o si svolgeva la famosa scena del balcone di Romeo e Giulietta); e una "casa", alle cui finestre potevano apparire anche degli attori. Ciò ha permesso di costruire uno spettacolo dinamico, ponendo già nella drammaturgia una varietà di scene e cambiando i punti di attenzione del pubblico, il che ha contribuito a mantenere vivo l'interesse per quanto stava accadendo sul set. Questo è stato estremamente importante: non dobbiamo dimenticare che l'attenzione dell'auditorium non è stata supportata da alcun mezzo ausiliario: gli spettacoli si sono svolti alla luce del giorno, senza sipario, al continuo ronzio del pubblico, scambiandosi animatamente impressioni a piena voce.

L'auditorium del "Globo" ospitava, secondo varie fonti, dai 1200 ai 3000 spettatori. È impossibile stabilire l'esatta capienza della sala: non c'erano posti per la maggior parte della gente comune; si affollarono nelle bancarelle, in piedi sul pavimento di terra battuta. Spettatori privilegiati erano collocati con alcune comodità: all'interno delle mura c'erano le logge per l'aristocrazia, sopra di esse c'era una galleria per i ricchi. I più ricchi e nobili sedevano ai lati del palcoscenico, su sgabelli portatili a tre gambe. Non c'erano strutture aggiuntive per gli spettatori (compresi i servizi igienici); i bisogni fisiologici, se necessari, sono stati facilmente affrontati durante lo spettacolo, proprio nell'auditorium. Pertanto, l'assenza di un tetto potrebbe essere considerata più una benedizione che uno svantaggio: l'afflusso di aria fresca non ha permesso di soffocare i devoti fan dell'arte teatrale.

Tuttavia, tale semplicità di morale soddisfaceva pienamente le regole del galateo di allora, e il Globe Theatre divenne ben presto uno dei principali centri culturali d'Inghilterra: tutte le opere di William Shakespeare e di altri eccezionali drammaturghi del Rinascimento furono messe in scena sul suo palcoscenico.

Tuttavia, nel 1613, durante la prima dell'Enrico VIII di Shakespeare, scoppiò un incendio nel teatro: una scintilla di un colpo di cannone da palcoscenico colpì il tetto di paglia sopra la parte profonda del palcoscenico. Le prove storiche affermano che non ci sono state vittime nell'incendio, ma l'edificio è andato a fuoco. La fine del "primo globo" segnò simbolicamente il cambiamento delle epoche letterarie e teatrali: in questo periodo William Shakespeare smise di scrivere opere teatrali.

Lettera sull'incendio nel "Globo"

"E ora vi divertirò con una storia di quello che è successo questa settimana a Bankside. Gli attori di Sua Maestà stavano recitando una nuova commedia intitolata "Tutto è vero" (Enrico VIII), che rappresentava i momenti salienti del regno di Enrico VIII. La produzione era messo in scena con straordinario sfarzo, e anche la copertura del palcoscenico era di una bellezza stupefacente. I cavalieri degli ordini di Giorgio e della Giarrettiera, le guardie in divise ricamate, ecc., erano più che sufficienti a rendere riconoscibile, se non ridicola, la grandezza. Quindi, il re Enrico organizza una maschera nella casa del cardinale Wolsey: appare sul palco , si sentono diversi colpi di saluto. Uno dei proiettili, a quanto pare, è rimasto bloccato nello scenario - e poi è successo tutto. All'inizio, solo un piccolo era visibile la foschia, alla quale il pubblico, affascinato da quanto stava accadendo sul palco, non prestava alcuna attenzione; ma attraverso la quale per una frazione di secondo il fuoco si propagò al tetto e iniziò a propagarsi rapidamente, distruggendo l'intero edificio a terra in meno di un'ora. Sì, sono stati momenti disastrosi per questo solido edificio, dove bruciavano solo legno, paglia e qualche straccio. È vero, uno dei pantaloni degli uomini ha preso fuoco e avrebbe potuto facilmente essere arrostito, ma lui (grazie al cielo!) ha indovinato in tempo per spegnere la fiamma con la birra da una bottiglia.

Sir Henry Wotton

Ben presto l'edificio fu ricostruito, già in pietra; il soffitto di paglia sopra la parte profonda del palcoscenico è stato sostituito con uno piastrellato. La troupe di Burbage continuò a suonare nel "Second Globe" fino al 1642, quando fu emesso un decreto dal Parlamento puritano e dal Lord Protettore Cromwell per chiudere tutti i teatri e vietare qualsiasi intrattenimento teatrale. Nel 1644, il "secondo globo" vuoto fu ricostruito in un edificio in affitto. La storia del teatro è stata interrotta per più di tre secoli.

L'idea della moderna ricostruzione del Globe Theatre appartiene, stranamente, non agli inglesi, ma all'attore, regista e produttore americano Sam Wanamaker. Venne a Londra per la prima volta nel 1949 e per circa vent'anni, insieme a persone che la pensavano allo stesso modo, raccolse poco a poco materiale sui teatri dell'era elisabettiana. Nel 1970, Wanamaker aveva fondato lo Shakespeare Globe Trust, progettato per rinnovare il teatro perduto, creare un centro educativo e una mostra permanente. Il lavoro su questo progetto è continuato per più di 25 anni; Lo stesso Wanamaker morì nel 1993, quasi quattro anni prima dell'apertura del rinnovato Globe. Il punto di riferimento per la ricostruzione del teatro sono stati i frammenti scavati delle fondamenta del vecchio Globe, così come il vicino Rose Theatre, dove sono state messe in scena le opere di Shakespeare nei tempi "pre-Globus". Il nuovo edificio è stato costruito in legno di quercia "verde", lavorato secondo le tradizioni del XVI secolo. e si trova quasi nello stesso posto di prima - il nuovo è a 300 metri dal vecchio Globus L'attenta ricostruzione dell'esterno si combina con le moderne attrezzature tecniche dell'edificio.

Il nuovo Globe è stato inaugurato nel 1997 con il nome di Shakespeare's Globe Theatre. Poiché, secondo le realtà storiche, il nuovo edificio è stato costruito senza tetto, gli spettacoli si tengono solo in primavera e in estate. Tuttavia, ogni giorno si tengono tour nel più antico teatro londinese "Globe". Già in questo secolo, accanto al Globe restaurato, fu aperto un parco-museo a tema dedicato a Shakespeare. C'è la più grande mostra al mondo dedicata al grande drammaturgo; per i visitatori vengono organizzati vari eventi di intrattenimento tematico: qui puoi provare a scrivere tu stesso un sonetto; assistere a un combattimento con la spada e persino prendere parte a una produzione di un'opera shakespeariana.

La lingua e i mezzi scenici di Shakespeare

In generale, il linguaggio delle opere drammatiche di Shakespeare è insolitamente ricco: secondo gli studi di filologi e critici letterari, il suo dizionario contiene più di 15.000 parole. Il discorso dei personaggi è pieno di ogni sorta di tropi: metafore, allegorie, parafrasi, ecc. Il drammaturgo ha utilizzato molte forme di poesia lirica del XVI secolo nelle sue opere. - sonetto, canzone, alba, epitalamo, ecc. Il verso bianco, con cui sono principalmente scritte le sue opere, si distingue per flessibilità e naturalezza. Questa è la ragione della grande attrazione che l'opera di Shakespeare esercita sui traduttori. In particolare, in Russia, molti maestri del testo letterario si sono rivolti alle traduzioni delle opere di Shakespeare - da N. Karamzin ad A. Radlova, V. Nabokov, B. Pasternak, M. Donskoy e altri.

Il minimalismo dei mezzi scenici del Rinascimento ha permesso alla drammaturgia di Shakespeare di fondersi organicamente in una nuova fase nello sviluppo del teatro mondiale risalente all'inizio del XX secolo. - teatro del regista, incentrato non sul lavoro di recitazione individuale, ma sulla soluzione concettuale complessiva della performance. È impossibile enumerare anche i principi generali di tutte le numerose produzioni di Shakespeare - da un'interpretazione quotidiana dettagliata a una simbolica estremamente convenzionale; dalla commedia-farsa alla tragedia elegiaco-filosofica o misteriosa. È curioso che le opere di Shakespeare siano ancora orientate a spettatori di quasi tutti i livelli, dagli intellettuali estetici al pubblico poco esigente. Questo, insieme a complessi problemi filosofici, è facilitato da intricati intrighi e un caleidoscopio di vari episodi teatrali, alternando scene patetiche a scene comiche e l'inclusione di combattimenti, numeri musicali, ecc. Nell'azione principale.

Le opere drammatiche di Shakespeare divennero la base per molte rappresentazioni del teatro musicale (le opere Otello, Falstaff (basato sulle allegre comari di Windsor) e Macbeth di D. Verdi; il balletto Romeo e Giulietta di S. Prokofiev e molti altri).

La partenza di Shakespeare

Intorno al 1610 Shakespeare lasciò Londra e tornò a Stratford-upon-Avon. Fino al 1612 non perse il contatto con il teatro: nel 1611 fu scritto il Racconto d'inverno, nel 1612 l'ultima opera drammatica, La tempesta. Gli ultimi anni della sua vita si allontanò dall'attività letteraria e visse tranquillamente e impercettibilmente con la sua famiglia. Ciò era probabilmente dovuto a una grave malattia - questo è indicato dal testamento sopravvissuto di Shakespeare, redatto chiaramente in fretta il 15 marzo 1616 e firmato con una grafia modificata. Il 23 aprile 1616 a Stratford-upon-Avon morì il drammaturgo più famoso di tutti i tempi e di tutti i popoli.

L'influenza di Shakespeare sulla letteratura mondiale

L'influenza delle immagini create da William Shakespeare sulla letteratura e sulla cultura mondiale non può essere sopravvalutata. Amleto, Macbeth, Re Lear, Romeo e Giulietta: questi nomi sono diventati a lungo nomi comuni. Sono usati non solo nelle opere d'arte, ma anche nel linguaggio ordinario come designazione di qualsiasi tipo umano. Per noi Otello è un uomo geloso, Lear è un genitore, privo di eredi, che lui stesso ha favorito, Macbeth è un usurpatore del potere, e Amleto è una persona dilaniata da contraddizioni interne.

Le immagini di Shakespeare hanno avuto anche un enorme impatto sulla letteratura russa del XIX secolo. Le commedie del drammaturgo inglese sono state affrontate da I.S. Turgenev, FM Dostoevskij, L.N. Tolstoj, A.P. Cechov e altri scrittori. Nel 20 ° secolo, l'interesse per il mondo interiore dell'uomo è aumentato e i motivi e gli eroi delle opere di Shakespeare hanno nuovamente entusiasmato i poeti. Li troviamo in M. Cvetaeva, B. Pasternak, V. Vysotsky.

Nell'era del classicismo e dell'Illuminismo, Shakespeare fu riconosciuto per la sua capacità di seguire la "natura", ma fu condannato per non conoscere le "regole": Voltaire lo definì un "brillante barbaro". La critica illuminista inglese apprezzava la veridicità realistica di Shakespeare. In Germania, Shakespeare fu elevato a un'altezza irraggiungibile da I. Herder e Goethe (lo schizzo di Goethe "Shakespeare and He Has No End", 1813-1816). Nel periodo del romanticismo, la comprensione dell'opera di Shakespeare fu approfondita da G. Hegel, S. T. Coleridge, Stendhal, V. Hugo.

In Russia, Shakespeare fu menzionato per la prima volta nel 1748 da A.P. Sumarokov, tuttavia, anche nella seconda metà del XVIII secolo, Shakespeare era ancora poco conosciuto in Russia. Shakespeare divenne un fatto della cultura russa nella prima metà del XIX secolo: gli scrittori associati al movimento Decabrista si rivolsero a lui (V. K. Kuchelbeker, K. F. Ryleev, A. S. Griboedov, A. A. Bestuzhev, ecc.) , A. S. Pushkin, che vide i principali vantaggi di Shakespeare nella sua obiettività, la verità dei personaggi e la "corretta rappresentazione del tempo" e ha sviluppato le tradizioni di Shakespeare nella tragedia "Boris Godunov". Nella lotta per il realismo della letteratura russa, V. G. Belinsky si affida anche a Shakespeare. L'importanza di Shakespeare aumentò particolarmente negli anni 30-50 del XIX secolo. Proiettando immagini shakespeariane nel presente, A. I. Herzen, I. A. Goncharov e altri hanno contribuito a comprendere più profondamente la tragedia del tempo. Un evento degno di nota fu la produzione di "Amleto" tradotto da N. A. Polevoy (1837) con P. S. Mochalov (Mosca) e V. A. Karatygin (Pietroburgo) nel ruolo del titolo. Nella tragedia di Amleto, V. G. Belinsky e altre persone progressiste dell'epoca videro la tragedia della loro generazione. L'immagine di Amleto attira l'attenzione di I. S. Turgenev, che vedeva in lui i tratti di "persone superflue" (Art. "Amleto e Don Chisciotte", 1860), F. M. Dostoevskij.

Parallelamente alla comprensione dell'opera di Shakespeare in Russia, la conoscenza delle opere di Shakespeare stesso si è approfondita e ampliata. Nel XVIII e all'inizio del XIX secolo furono tradotti principalmente adattamenti francesi di Shakespeare. Le traduzioni della prima metà del XIX secolo peccavano di letteralismo ("Amleto" nella traduzione di M. Vronchenko, 1828), o di eccessiva libertà ("Amleto" nella traduzione di Polevoy). Nel 1840-1860, le traduzioni di A. V. Druzhinin, A. A. Grigoriev, P. I. Weinberg e altri scoprirono tentativi di un approccio scientifico alla risoluzione dei problemi della traduzione letteraria (il principio dell'adeguatezza linguistica, ecc.). Nel 1865-1868, sotto la direzione di N.V. Gerbel, fu pubblicata la prima "Raccolta completa di opere drammatiche di Shakespeare tradotte da scrittori russi". Nel 1902-1904, sotto la direzione di S. A. Vengerov, fu pubblicata la seconda opera completa pre-rivoluzionaria di Shakespeare.

Le tradizioni del pensiero russo avanzato furono continuate e sviluppate dagli studi shakespeariani sovietici sulla base delle profonde generalizzazioni fatte da K. Marx e F. Engels. All'inizio degli anni '20, A.V. Lunacharsky teneva lezioni su Shakespeare. L'aspetto della critica d'arte nello studio dell'eredità di Shakespeare viene portato in primo piano (V. K. Muller, I. A. Aksyonov). Apparvero monografie storiche e letterarie (A. A. Smirnov) e singole opere problematiche (M. M. Morozov). Un contributo significativo alla scienza moderna di Shakespeare è il lavoro di A. A. Anikst, N. Ya. Berkovsky, la monografia di L. E. Pinsky. I registi G. M. Kozintsev, S. I. Yutkevich comprendono la natura dell'opera di Shakespeare in un modo peculiare.

Criticando allegorie e magnifiche metafore, iperboli e confronti insoliti, "orrori e buffonerie, ragionamenti ed effetti" - i tratti caratteristici dello stile delle opere di Shakespeare, Tolstoj li prese come segni di un'arte eccezionale, al servizio dei bisogni della "classe alta" di società. Tolstoj, allo stesso tempo, indica molti dei pregi delle opere del grande drammaturgo: la sua notevole "capacità di mettere in scena scene in cui si esprime il movimento dei sentimenti", la straordinaria presenza scenica delle sue opere, la loro genuina teatralità. L'articolo su Shakespeare contiene i profondi giudizi di Tolstoj sul conflitto drammatico, i personaggi, lo sviluppo dell'azione, il linguaggio dei personaggi, la tecnica di costruzione del dramma, ecc.

Ha detto: "Così mi sono permesso di incolpare Shakespeare. Ma dopotutto, ogni persona agisce con lui; ed è sempre chiaro perché lo fa in questo modo. Aveva dei pilastri con la scritta: chiaro di luna, casa. sull'essenza del dramma, e ora tutto il contrario." Tolstoj, che "negava" Shakespeare, lo poneva al di sopra dei drammaturghi - i suoi contemporanei, che creavano commedie inattive di "stati d'animo", "enigmi", "simboli".

Riconoscendo che sotto l'influenza di Shakespeare si sviluppò l'intera drammaturgia mondiale, che non ha "basi religiose", Tolstoj vi attribuì le sue "opere teatrali", notando che furono scritte "accidentalmente". Così, il critico V. V. Stasov, che ha accolto con entusiasmo l'apparizione del suo dramma popolare The Power of Darkness, ha scoperto che era scritto con il potere shakespeariano.

Nel 1928, sulla base delle sue impressioni sulla lettura dell '"Amleto" di Shakespeare, M. I. Cvetaeva scrisse tre poesie: "Ophelia to Hamlet", "Ophelia in Defense of the Queen" e "Hamlet's Dialogue with Conscience".

In tutte e tre le poesie di Marina Cvetaeva si può individuare un unico motivo che prevale sugli altri: il motivo della passione. Inoltre, Ofelia, che in Shakespeare appare come un modello di virtù, purezza e innocenza, si fa portatrice delle idee di un "cuore caldo". Diventa un'ardente protettrice della regina Gertrude e viene persino identificata con la passione.

Dalla metà degli anni '30 del XIX secolo, Shakespeare ha occupato un posto importante nel repertorio del teatro russo. P. S. Mochalov (Riccardo III, Otello, Lear, Amleto), V. A. Karatygin (Amleto, Lear) sono famosi interpreti dei ruoli di Shakespeare. Nella seconda metà del XIX e all'inizio del XX secolo, il Teatro Maly di Mosca creò la propria scuola della loro incarnazione teatrale - una combinazione di realismo scenico con elementi di romanticismo, che proponeva interpreti eccezionali di Shakespeare come G. Fedotova, A. Lensky, A. Yuzhin, M. Yermolova . All'inizio del XX secolo, il Moscow Art Theatre si è rivolto al repertorio shakespeariano (Giulio Cesare, 1903, messo in scena da Vl. I. Nemirovich-Danchenko con la partecipazione di K. S. Stanislavsky; Amleto, 1911, messo in scena da G. Craig; Cesare e Amleto - V. I. Kachalov

E:

Shakespeare è esistito? L'affermazione che Shakespeare non fosse il creatore delle sue grandi opere è stata a lungo un luogo comune a causa della scarsità di informazioni sulla vita del poeta. Negli anni '70 del XVIII secolo sorse l'ipotesi che l'autore delle opere teatrali non fosse William Shakespeare, ma un'altra persona che desiderava rimanere anonima. Nel corso dei due secoli di controversie e discussioni sono state avanzate dozzine di ipotesi, e ora, forse, non c'è un solo contemporaneo più o meno famoso di Shakespeare a cui non sia attribuita la paternità di opere brillanti. Maria Molchanova discute a favore e contro la domanda di Shakespeare.

Ci sono più di una dozzina di contendenti per la paternità delle opere di Shakespeare

Le circostanze della vita del grande drammaturgo inglese William Shakespeare sono relativamente poco conosciute, perché condivide il destino della stragrande maggioranza degli altri autori della sua epoca, la cui personalità non era particolarmente interessata ai contemporanei. Parlando dello studio della biografia del drammaturgo, vale innanzitutto la pena individuare un gruppo di studiosi "non stratfordiani", i cui membri negano la paternità dell'attore Shakespeare di Stratford e ritengono che questo sia il nome con cui un'altra persona o un gruppo di persone si nascondeva e, molto probabilmente, il vero attore Shakespeare ha dato il permesso per l'uso del suo nome. Il rifiuto della visione tradizionale è noto dal 1848, sebbene non vi sia consenso tra i non Stratfordiani su chi fosse esattamente il vero autore delle opere di Shakespeare.

Ritratto di William Shakespeare

I fautori di questa teoria credono che i fatti noti sull'attore Shakespeare di Stratford contraddicano il contenuto e lo stile delle opere e delle poesie di Shakespeare. Sono state avanzate numerose teorie sui presunti candidati, e finora ce ne sono diverse dozzine.

La famiglia di Shakespeare era analfabeta e invece di una firma hanno messo una croce

Il Globe Theatre di Londra dove sono state messe in scena le opere di Shakespeare

Il dizionario lessicale delle opere di William Shakespeare è di 15mila parole diverse, mentre la traduzione inglese contemporanea della Bibbia di King James è di sole 5mila. Tuttavia, gli scrittori contemporanei di Shakespeare (Marlo, Johnson, John Donne) non erano di origini meno modeste (a proposito, il padre di Shakespeare di Stratford era ricco ed era uno dei governatori della città), ma la loro cultura superava quella di Shakespeare.

Tra i suoi contemporanei, Shakespeare era considerato uno scrittore autodidatta dotato.

Tra i contemporanei di Shakespeare, il drammaturgo non è mai stato considerato altamente istruito, ma piuttosto uno scrittore autodidatta dotato di intuito.

La regina Elisabetta I in un palanchino durante una processione, c. 1601 Robert Peake, xvii secolo

Ritratto di Francesco Bacone

Un altro contendente per la paternità era Edward de Vere, conte di Oxford. Il 17° conte di Oxford era il poeta di corte della regina Elisabetta I e servì come ciambellano d'Inghilterra. Le sue poesie sono simili a Venere e Adone di Shakespeare. Inoltre, lo stemma del conte è un leone, sbalorditivo con una lancia spezzata, e il famoso aristocratico della sua epoca era a conoscenza degli intrighi di palazzo riflessi in molte delle opere di Shakespeare.

Le edizioni di Shakespeare contengono messaggi segreti sulla corte inglese

Ritratto di Édouard de Vere

Un altro candidato è il drammaturgo contemporaneo di Shakespeare Christopher Marlo. Si presume che abbia creato lo pseudonimo di "Shakespeare" per continuare a lavorare come drammaturgo dopo la sua morte messa in scena nel 1593.

Ritratto di Cristoforo Marlo (1585)

Un altro candidato è Roger Manners, conte di Rutland. Al college, Rutland fu soprannominato "The Terrific Spear", e in seguito studiò all'Università di Padova con Rosencrantz e Guildenstern (i personaggi della commedia "Hamlet").

Ritratto di Roger Manners

L'ultimo dei contendenti più popolari è William Stanley, conte di Derby. Suo fratello maggiore ha mantenuto la sua compagnia di recitazione, in cui, secondo alcuni, l'attore William Shakespeare ha iniziato la sua carriera.

VIII. PRECURSORI

La nuova drammaturgia, che sostituì il teatro del Medioevo - misteri, moralità allegorica e farse popolari primitive, si sviluppò gradualmente.

Negli anni Trenta del XVI secolo, il vescovo Bayle, un ardente protestante, scrisse un'opera teatrale diretta contro il cattolicesimo. Ha illustrato i suoi pensieri con un esempio tratto dalla storia dell'Inghilterra: la lotta del re Giovanni il senza terra (regnato dal 1199 al 1216) contro il papa. In realtà questo re era una persona insignificante, ma era caro al vescovo protestante perché era inimicizia con il papa. Bayle scrisse una morale in cui agivano virtù e vizi personificati. La figura centrale dell'opera si chiamava Virtù. Ma allo stesso tempo si chiamava King John. Tra le figure cupe che personificano i vizi, il nome di uno era Potere sequestrato illegalmente, è anche il Papa; il nome dell'altra è Incitamento alla rivolta, è anche lei legata del Papa. "King John" di Bayle è un'opera teatrale particolare in cui le allegorie della vecchia moralità medievale erano combinate con il nuovo genere storico, che in seguito fiorì nelle opere storiche di Shakespeare. Il "Re Giovanni" di Bayle è stato paragonato dagli storici della letteratura a un bozzolo: non è più un bruco, ma non è nemmeno una farfalla.

Poi, negli anni Trenta del XVI secolo, iniziò a svilupparsi in Inghilterra il cosiddetto dramma "scolastico". Si chiama così perché è stato creato tra le mura di università e scuole: le commedie sono state scritte da professori e insegnanti, eseguite da studenti e scolari. Ma può anche essere definito un dramma "scolastico", nel senso che gli stessi drammaturghi che lo hanno creato stavano ancora imparando a scrivere opere teatrali studiando autori antichi e imitandoli. Negli anni Trenta del Cinquecento fu scritta la prima commedia in inglese, Ralph Royster-Deuster; il suo autore era un noto insegnante dell'epoca, Nicholas Youdl, direttore della Eton School. Negli anni Cinquanta, i dotti avvocati Sackville e Norton scrissero la prima tragedia in inglese: "Gorboduk".

Ma tutto questo era solo "scuola". Le opere drammatiche vere e piene di vita sono apparse solo quando le persone delle università - "menti universitarie" - hanno iniziato a dare le loro commedie ad attori professionisti. Ciò accadde negli anni ottanta del XVI secolo.

Nel 1586 compaiono due commedie che meritano un'attenzione particolare. L'autore del primo è Thomas Kidd (che ha anche scritto la prima commedia su Amleto, che purtroppo non è pervenuta fino a noi).

Il gioco dei bambini è una tipica "tragedia di tuoni e sangue", come si diceva allora. Il titolo stesso è eloquente: "Tragedia spagnola". Questo è un tentativo, ancora primitivo, di rappresentare il potere dei sentimenti umani. Appare in scena la terribile figura della Vendetta, che ricorda le immagini di un'antica moralità. Subito esce lo Spirito dell'Andrea assassinato, il quale, lamentandosi dei vili assassini, chiama a gran voce il suo terribile compagno. L'azione ha inizio. Il giovane Horatio ama la bella ragazza Belimperia, e lei lo ama. Ma Belimperia è amata anche da Balthazar, figlio del re portoghese. Balthasar viene portato ad aiutare il fratello di Belimperia, il criminale Lorenzo. In una notte di luna, quando i giovani, seduti in giardino, si dichiarano il loro amore, entrano in scena assassini mascherati che uccidono Orazio a pugnali. Sul palcoscenico inglese dell'epoca si amava rappresentare omicidi e altri "orrori": un attore veniva messo sotto un mantello bianco con una bottiglia di aceto rosso; il pugnale ha perforato la bolla e sul mantello bianco sono apparse macchie rosse. Dopo aver pugnalato Horatio con i pugnali, gli assassini appendono il suo cadavere a un albero, apparentemente per mostrare più chiaramente al pubblico il cadavere macchiato di sangue. Gli assassini poi portano via con la forza Belimperia. Il padre di Horatio, il vecchio Jeronimo, corre alle sue urla - con una maglietta, con una spada in mano. Vedendo il cadavere del figlio appeso a un albero, pronuncia un fragoroso monologo, invocando vendetta ... Tutto ciò che accade sul palco è osservato dalla Vendetta e dallo Spirito dell'assassinato Andrea, che, rallegrandosi, attende vendetta, per Gli assassini di Horatio sono anche i suoi assassini. Ma il vecchio Jeronimo esita: non è facile vendicarsi del figlio del re. Lo sfortunato vecchio pensa con desiderio alla vita. "O mondo!", esclama. "No, non il mondo, ma un insieme di delitti!" Si paragona a un viaggiatore solitario che ha perso la strada in una notte nevosa... Lo spirito di Andrea è preso dall'ansia. Si rivolge a Vengeance, ma vede che sta dormendo. "Svegliati, Vendetta!" esclama disperato. La vendetta si sta risvegliando. E poi un pensiero colpisce il vecchio Jeronimo. Per raggiungere il suo obiettivo, ha in programma di mettere in scena un'opera teatrale a corte (il lettore ha già notato alcune somiglianze tra questa tragedia e l'Amleto di Shakespeare; ricordiamo ancora una volta che Kidd è stato l'autore della prima opera teatrale sull'Amleto). Alla rappresentazione messa in scena da Jeronimo partecipano Belimperia, iniziata al suo piano, Balthazar e Lorenzo. Nel corso del gioco, i personaggi devono uccidersi a vicenda. Il vecchio Jeronimo fa in modo che invece di omicidi "teatrali", avvengano veri omicidi. La rappresentazione finisce, ma gli attori non si alzano da terra. Il re spagnolo chiede spiegazioni a Jeronimo. Hieronimo si rifiuta di rispondere e, a conferma del suo rifiuto, si morde la lingua e la sputa. Quindi il re ordina di dargli una penna in modo che scriva una spiegazione. Hieronimo chiede a gesti di dargli un coltello per affilare la sua penna, e si trafigge con questo coltello. Sopra un mucchio di cadaveri insanguinati appare una Vendetta esultante, il che suggerisce che la vera punizione deve ancora arrivare: inizia all'inferno.

Tutto in questa commedia è teatrale, condizionale, melodrammatico fino in fondo. La "tragedia spagnola" di Thomas Kidd è l'antenata di quella tendenza "romantica" nella drammaturgia dell'era shakespeariana, che ha dato origine a tragedie come, ad esempio, "Il diavolo bianco" o "La duchessa di Malfi" di Shakespeare contemporaneo - Webster.

Nello stesso anno, 1586, fu scritta un'opera teatrale di tipo completamente diverso. Il suo titolo è "Arden dalla città di Feversham" (Questa commedia è stata un tempo attribuita a Shakespeare, ma senza motivi sufficienti.) (il suo autore ci è sconosciuto). Questo è un dramma familiare. Racconta come una giovane donna, Alice Arden, e il suo amante Moseby abbiano ucciso il marito di Alice. L'assassinio stesso è raffigurato con grande forza, quando Alice cerca invano di lavare via le macchie di sangue (questo motivo è stato sviluppato con forza grandiosa da Shakespeare in quella famosa scena in cui Lady Macbeth vaga nel dormiveglia, sopraffatta dai ricordi). Tutto in questa commedia è vitale, realistico. E la trama stessa è stata presa in prestito dall'autore dalla vita reale. Nell'epilogo, l'autore chiede al pubblico di perdonarlo per il fatto che non ci sono "decorazioni" nello spettacolo. Secondo l'autore, la "semplice verità" è sufficiente per l'arte. Questa commedia può essere definita l'antenata di quella tendenza nella drammaturgia dell'era shakespeariana, che si sforzava di rappresentare la vita di tutti i giorni, come il meraviglioso dramma di Thomas Heywood "A Woman Killed by Kindness". L'opera di Shakespeare combina entrambe le correnti: romantica e realistica.

Quello era il prologo. I veri eventi iniziano con l'apparizione sul palcoscenico londinese delle commedie di Christopher Marlowe. Marlowe nacque, come Shakespeare, nel 1564 e aveva solo due mesi più di lui. La patria di Marlo era l'antica città di Canterbury. Il padre di Christopher Marlo possedeva un negozio di scarpe. I genitori mandarono il figlio all'Università di Cambridge, sperando di farlo diventare prete. Tuttavia, dopo essersi laureato all'università, invece dell'altare della chiesa, Marlo è finito sul palco del palcoscenico londinese. Ma non era destinato a diventare un attore. Secondo la leggenda, si è rotto una gamba e ha dovuto smettere di recitare. Poi ha iniziato a scrivere opere teatrali. La sua grandiosa epopea in due parti e dieci atti "Tamerlano il Grande" apparve nel 1587-1588. In questa epopea, Marlo racconta la vita, le guerre e la morte del famoso comandante del XIV secolo.

"Pastore scita", "ladro del Volga" è chiamato Tamerlano nella commedia di Marlo dai re orientali, che rovescia dal trono, catturando i loro regni. L'esercito di Tamerlano, secondo Marlo, è composto da "semplici ragazzi di campagna". Marlo ritrae Tamerlano come un gigante muscoloso. Questo è un uomo di forza fisica fenomenale, volontà indistruttibile e temperamento elementare. Assomiglia alle possenti figure create dallo scalpello di Michelangelo. Il motivo della glorificazione della vita terrena, così tipico del Rinascimento, risuona forte in questa grandiosa epopea drammatica; dal palco si sentono le parole: "Penso che i piaceri celesti non possano essere paragonati alla gioia reale sulla terra!"

Tamerlano, come lo stesso Marlo, è un appassionato libero pensatore. In uno dei suoi monologhi tempestosi e fragorosi, afferma che l'obiettivo dell'uomo è "elevarsi per sempre alla conoscenza infinita ed essere per sempre in movimento, come le inquiete sfere celesti". Questo favoloso eroe è pieno di un eccesso di forza. Sale sul palco su un carro, al quale invece dei cavalli sono imbrigliati i re che ha fatto prigioniero. "Ehi, ronzini asiatici viziati!" grida, incitandoli con la frusta.

La commedia successiva di Marlo fu The Tragic History of Doctor Faust (Questa commedia è disponibile in traduzione russa: The Tragic History of Doctor Faust. Traduzione di K. Balmont. Mosca, 1912.). È stato il primo adattamento drammatico della famosa leggenda. L'opera di Marlo rifletteva il desiderio umano di conquistare le forze della natura, così caratteristico del Rinascimento. Faust vende la sua anima a Mefistofele per "ottenere i doni d'oro della conoscenza" e "penetrare nel tesoro della natura". Sogna di racchiudere la sua città natale con un muro di rame e renderla inaccessibile al nemico, cambiare il corso dei fiumi, gettare un ponte sull'Oceano Atlantico, riempire Gibilterra e collegare l'Europa e l'Africa in un unico continente ... "Com'è grandioso tutto è!" - ha detto Goethe, che ha utilizzato alcune delle caratteristiche della tragedia di Marlo per il suo "Faust".

La grandiosa portata della fantasia, la potente pressione delle forze, come con difficoltà, caratterizzano il lavoro di Marlo. "Il potente verso di Marlo", ha scritto Ben Jonson. Shakespeare parla anche del "potente detto" di Marlo (Nella commedia di Shakespeare "As You Like It" la pastorella Phoebe dice: "Pastore morto, ora capisco il tuo potente detto: chi ha amato ha sempre amato a prima vista". L'ultima frase è un citazione dal poema di Marlo "Hero and Leander" "Dead Shepherd" - Marlo (chiamato così da Shakespeare, probabilmente perché Marlo era l'autore di una poesia su un pastore innamorato).

I puritani, che hanno creato il codice della nuova morale borghese, erano indignati per l'appassionato libero pensatore che predicava apertamente le sue opinioni. Una dopo l'altra, le denunce arrivarono al Queen's Privy Council. E anche la gente comune, sebbene le commedie di Marlowe riscuotessero un enorme successo tra loro, a volte guardava ciò che accadeva sul palco non senza paura superstiziosa. C'era persino una voce del genere a Londra. Una volta dopo la rappresentazione di "Faust" si è scoperto che l'attore che interpretava il ruolo di Mefistofele era malato e non andava a teatro. Chi, allora, interpretò Mefistofele quel giorno? Gli attori si sono precipitati nel camerino e solo allora, dall'odore di zolfo, hanno intuito che quel giorno il diavolo in persona si sarebbe esibito sul palco londinese.

Marlo ha scritto molte altre opere teatrali (la sua opera migliore in termini di vivacità dei ritratti umani che ha creato è la cronaca storica "Re Edoardo II"). Ma il suo straordinario talento non era destinato a manifestarsi in pieno vigore. Il 30 maggio 1593, Christopher Marlowe, nel suo trentesimo anno, fu ucciso in una taverna. I puritani si rallegrarono. "Il Signore ha piantato questo cane che abbaia sull'amo della vendetta", ha scritto uno di loro.

Molte leggende si sono sviluppate attorno alla morte di Marlo. Alcune leggende raccontano che Marlo morì in una rissa tra ubriachi, dopo aver litigato con il suo assassino per una prostituta; altri che cadde difendendo l'onore di una fanciulla innocente. Queste leggende sono state ascoltate seriamente fino a poco tempo fa. E solo nel 1925, la professoressa americana Leslie Hotson riuscì a trovare negli archivi inglesi documenti che gettano nuova luce sulle circostanze della morte di Marlo (le scoperte di Hotson sono esposte nel libro: Leslie Hotson. The Death of Cristopher Marlowe, 1925). E si è scoperto che l'omicidio di Marlo era opera del Consiglio privato della regina Elisabetta; all'omicidio di Marlo era presente un certo Field, un agente del Privy Council (Per maggiori dettagli sull'omicidio di Marlo, vedere il mio articolo "Christopher Marlo" ("Critico letterario", 1938, N 5). A proposito di Marlo , vedi anche l'articolo del professor A. K. Dzhivelegov in 1- nel primo numero del volume I "Storia della letteratura inglese", pubblicato dall'Accademia delle scienze dell'URSS, M.-L., 1944, e anche nella monografia di Prof. N. I. Storozhenko "Predecessori di Shakespeare", vol. 1, San Pietroburgo, 1872.) .

Morì così, senza rivelare appieno le sue forze creative, "il padre del dramma inglese" Christopher Marlowe. E proprio in quell'anno, quando tramontò la sua stella, ardente di uno splendore luminoso, appassionato e irregolare, la stella di William Shakespeare iniziò a sorgere nel cielo teatrale di Londra. A differenza dei suoi predecessori, che avevano un'istruzione universitaria, "menti universitarie", questo nuovo drammaturgo era un semplice attore.

Abbiamo citato solo alcuni dei predecessori di Shakespeare. In realtà, Shakespeare ha fatto ampio uso dell'intero passato letterario della sua terra natale. Ha preso molto in prestito da Chaucer (ad esempio, il poema di Shakespeare "Lucretia" con le sue radici nella trama ci porta a "Legends of Good Women" di Chaucer; le immagini di Teseo e Ippolita nella commedia "Sogno di una notte di mezza estate" sono state probabilmente ispirate da " The Knight's Tale" dai famosi "Canterbury Tales" di Chaucer; il poema di Chaucer "Troilus and Cressida" ha influenzato l'omonima commedia di Shakespeare, ecc.). Shakespeare doveva molto a Edmund Spenser, autore di The Faerie Queene, e ad altri poeti della sua scuola. Da "Arcadia" di Philip Sidney, Shakespeare ha preso in prestito la trama, che ha incarnato nell'immagine di Gloucester, tradito da suo figlio Edmund ("Re Lear") - Shakespeare ha anche reso omaggio all'eufuismo. Infine, tra i predecessori di Shakespeare, vanno citati narratori anonimi di ballate popolari inglesi (in epoca sovietica, le ballate popolari inglesi furono tradotte da S. Marshak, E. Bagritsky, T. Shchepkina-Kupernik e altri (vedi la raccolta "Ballads and Songs of the English People" compilato dall'autore di questo libro) . Detgiz, 1942).). È nella ballata popolare inglese che nasce il dramma tragico dell'azione, così tipico dell'opera di Shakespeare e dei suoi contemporanei. Molti pensieri e sentimenti che esistono da tempo tra la gente e riflessi nelle ballate e nelle canzoni popolari hanno trovato una brillante incarnazione artistica nell'opera di Shakespeare. Le radici di questa creatività affondano nel terreno popolare.

Tra le opere della letteratura straniera, Shakespeare è stato principalmente influenzato dai racconti italiani Boccaccio e Bandello, dai quali Shakespeare ha preso in prestito una serie di trame per le sue opere. Una raccolta di racconti italiani e francesi tradotti in inglese con il titolo "The Hall of Delights" era il libro di riferimento di Shakespeare. Per le sue "tragedie romane" ("Giulio Cesare", "Coriolano", "Antonio e Cleopatra") Shakespeare prese trame dalle Vite di personaggi famosi di Plutarco, che lesse nella traduzione inglese di North. Tra i suoi libri preferiti c'erano anche le Metamorfosi di Ovidio nella traduzione inglese di Golding.

L'opera di Shakespeare è stata preparata da molti poeti, scrittori e traduttori.

Marlo Cristoforo

(Marlow) - il più famoso drammaturgo inglese che ha preceduto Shakespeare (1564-1593). Un uomo povero, figlio di un calzolaio, ricevette la sua prima educazione a Canterbury e all'età di 16 anni entrò all'Università di Cambridge. Nel 1583 si laureò all'Università con una laurea e andò a Londra in cerca di fortuna. Si ha notizia che prima di recitare come drammaturgo fosse un attore, ma si è rotto una gamba e ha dovuto rinunciare per sempre alla carriera teatrale. Vivendo a Londra, M. ha conosciuto poeti e drammaturghi ed è stato più o meno in rapporti amichevoli con Greene, Chapman, Sir Walter Rayleigh e Thomas Nash, con i quali hanno scritto insieme la tragedia "Dido". Nel 1587 Marlowe ricevette il suo Master of Arts da Cambridge e mise in scena la sua prima tragedia, Tamerlano. Delle due direzioni dell'arte drammatica che hanno dominato il suo tempo, classica e popolare, Marlo ha scelto quest'ultima per trasformarla. Prima di M., il dramma popolare era un'alternanza di eventi cruenti ed episodi buffoni, in cui i clown potevano persino improvvisare. Già nel prologo di "Tamerlano" si nota la consapevole intenzione dell'autore di aprire nuove strade all'arte drammatica, di interessare il pubblico alla rappresentazione di eventi storici mondiali, alle immagini della caduta di regni e popoli. Inoltre, Marlo è stato il primo a tentare di mettere l'azione su una base psicologica, di comprenderla con motivazioni interne. Di fronte a Tamerlano, ha fatto emergere il tipo di un uomo ambizioso, ardente di un'insaziabile sete di potere; L'unità della tragedia sta nel fatto che tutte le persone sono messe in relazione con questo tragico tratto caratteriale del conquistatore orientale, sorgono e periscono attraverso di esso. M. ha mantenuto lo stesso modo psicologico nelle altre sue opere. L'eroe di un altro dramma M., Faust, (1588), non soddisfatto della scienza medievale, vuole, con l'aiuto della magia, penetrare nei segreti della natura; non soddisfatto delle prescrizioni dell'ascetismo medievale, languisce della sete di vita e dei suoi piaceri caratteristici di un uomo del Rinascimento - e per la soddisfazione di queste due aspirazioni è disposto a dare volentieri la sua anima al diavolo. - Il motivo psicologico alla base del terzo dramma di Marlo, L'ebreo maltese (1589-1590), è la sete di vendetta sui cristiani da parte dell'ebreo, per tutte le ingiustizie e le oppressioni che i suoi connazionali subirono per secoli da parte dei cristiani. Il compito di M. era quello di ritrarre la graduale amarezza e ferocia morale di una persona sotto l'influenza della persecuzione e dell'ingiustizia che cadeva su di lui. L'errore del drammaturgo inglese è che l'eroe della commedia non sopporta fino alla fine il ruolo di inesorabile vendicatore del suo popolo e nell'ultimo atto si lascia trasportare dall'interesse personale. L'opera più matura di Marlowe è la sua drammatica cronaca di Edoardo II, che servì da modello per il Riccardo II di Shakespeare. E in questo tipo di opere era lo stesso riformatore degli altri. Prima di Edoardo II, i drammi di storia nazionale erano, con pochissime eccezioni, nient'altro che cronache trasposte nella forma dialogica. A differenza degli autori di queste opere, M. trattava il suo materiale come un vero artista: prendeva ciò di cui aveva bisogno per i suoi scopi drammatici, scartava il superfluo, svelava i motivi interiori delle azioni dei personaggi, creava interi personaggi da oscuri accenni . Grazie a tali tecniche, rivelando un vero artista in Marlowe, la cronaca drammatica si è trasformata sotto la sua mano in un vero dramma storico, con motivi interni corretti e significativi per lo sviluppo delle azioni, con situazioni drammatiche riconoscenti e personaggi magistralmente delineati. La riforma del dramma inglese concepita da M. fu notevolmente facilitata dal metro da lui introdotto, che cambiò completamente la dizione drammatica. La sostituzione della rima con il verso vuoto è stata di grande importanza nella storia dello sviluppo del dramma inglese. Rima obbligatoria, come si vede nel cosiddetto francese. la tragedia pseudoclassica, ostacolava l'immaginazione del poeta, lo costringeva a sacrificare il pensiero alla forma ad ogni passo, mentre il flessibile e liscio pentametro giambico bianco introdotto da M. dava subito inglese. dramma popolare naturalezza, semplicità e libertà. La brillante carriera drammatica di M. è stata interrotta nel modo più tragico. Durante la sua permanenza a Depford, cittadina sul Tamigi, litigò in una taverna, a cena, con il suo compagno di bevute Archer. L'irascibile M. estrasse il pugnale e si lanciò contro Archer, che parò il colpo e puntò il pugnale di M. contro il proprio occhio. Il poeta morì poche ore dopo, in una terribile agonia. Se teniamo conto che Marlowe è morto prima dei trent'anni, in un'età in cui Shakespeare non aveva ancora scritto una delle sue grandi opere, allora non si può non essere sorpresi dalla potenza del suo genio e che in breve tempo è riuscito a fare tanto per lo sviluppo del dramma inglese. Si può dire senza esagerare che ha aperto la strada allo stesso Shakespeare.

Un riassunto delle informazioni su Malo può essere trovato nel libro di N. Storozhenko, Shakespeare's Predecessors, e nella 20a edizione di Korsh e Kirpichnikov's History of Universal Literature. Guarda anche Ward, "Letteratura drammatica inglese" ( T . io, 1875); Saintsbury, "Elisabetta Letteratura" ( l ., 1887); Symonds, "Predecessori di Shakespeare" (1884); Ulrici, "Dramatische Kunst di Shakespeare" (1- th t .); Fiscker, "Zur Charakteristik der Dramen Marlowe" ( Lpc ., 1889); Heinemann, "Un saggio verso una bibliografia del Fauslus di Marlowe" ( l ., 1884); Faligan, "De Marlowianis Fabulis" ( P ., 1888); Kellner, "Zur Sprache Christopher Marlowe" ( Vienna, 1888). Opere M. pubblicate più volte; la loro migliore edizione appartiene a Days ("Marlowe" s Works ", L., 1850). In russo c'è una traduzione di Faust fatta da Minaev - troppo libera ("Case", 1876, maggio), e una traduzione molto soddisfacente di Edoardo II, di proprietà della signora Radislavskaya (rivista "Art" per il 1885. Il contenuto di "Maltese Gide" è esposto in modo molto dettagliato e con molti estratti nell'articolo di Uvarov su M. ("Russian Word", 1859, n. 2 e 3).

(guantaio), spesso eletto a vari incarichi pubblici. Non frequentava le funzioni religiose, per le quali pagava grosse multe (è possibile che fosse un cattolico segreto).

La madre di Shakespeare, nata Mary Arden (1537-1608), apparteneva a una delle più antiche famiglie sassoni.

Si ritiene che Shakespeare abbia studiato alla "scuola di grammatica" di Stratford ("scuola di grammatica" inglese), dove ha ricevuto un'istruzione seria: l'insegnante di latino e letteratura di Stratford ha scritto poesie in latino. Alcuni studiosi affermano che Shakespeare abbia frequentato la scuola del re Edoardo VI a Stratford-upon-Avon, dove ha studiato l'opera di poeti come Ovidio e Plauto, ma i giornali scolastici non sono sopravvissuti e ora non si può dire nulla con certezza.

Busto di Shakespeare a S. Trinità a Stratford

Tutte le firme sopravvissute di Shakespeare sui documenti (-) si distinguono per una calligrafia molto scarsa, sulla base della quale alcuni ricercatori ritengono che fosse gravemente malato in quel momento. Shakespeare morì il 23 aprile 1616. Tradizionalmente si presume che sia morto il giorno del suo compleanno, ma non è certo che Shakespeare sia nato il 23 aprile.

L'autografo di Shakespeare sul suo testamento

Tre giorni dopo, il corpo di Shakespeare fu sepolto a St. Trinità. Un epitaffio è inciso sulla sua lapide:

buon amico per l'amor di Gesù astenersi, Per scavare la polvere qui racchiusa. Benedetto sia l'uomo che risparmia le pietre, E maledetto sia colui che muove le mie ossa.

Nella chiesa è stato eretto anche un busto dipinto di Shakespeare, accanto al quale ci sono altri due epitaffi: in latino e in inglese. L'epitaffio latino confronta Shakespeare con il saggio Pylos re Nestore, Socrate e Virgilio.

A Shakespeare sopravvissero una vedova, Anne (morta nel 1623), ed entrambe le figlie. L'ultima discendente diretta di Shakespeare fu sua nipote Elizabeth Barnard (1608-1670), figlia di Susan Shakespeare e del Dr. John Hall. Tre figli di Judith Shakespeare (sposata Queenie) morirono giovani senza figli.

Creazione

L'eredità letteraria di Shakespeare è divisa in due parti disuguali: poetica (poesie e sonetti) e drammatica. VG Belinsky ha scritto che "sarebbe troppo audace e strano dare a Shakespeare un vantaggio decisivo su tutti i poeti dell'umanità, come poeta vero e proprio, ma come drammaturgo ora è rimasto senza un rivale il cui nome potrebbe essere messo accanto al suo nome ” .

Drammaturgia

Dramma e teatro inglese al tempo di William Shakespeare

All'inizio del regno di Elisabetta (Elisabetta I d'Inghilterra, 1533-1603), che salì al trono nel 1558, non c'erano edifici speciali per mostrare spettacoli, anche se allora c'erano già molte compagnie di recitazione funzionanti. A tal fine venivano utilizzate locande o sale di istituti scolastici e case private. Nel 1576, l'imprenditore James Burbage (1530-1597), che iniziò come attore nella compagnia degli uomini di Leicester, costruì il primo edificio speciale per spettacoli teatrali: il teatro. Fu eretto fuori città, alla periferia di Shoreditch (Shoreditch). William Shakespeare faceva parte dei Chamberlain's Men di Burbage, formati da attori precedentemente appartenenti a tre diverse compagnie, almeno dal 1594. Quando James Burbage morì nel 1597, il contratto di locazione del terreno su cui si trovava il teatro scadde. Mentre si decideva la questione della nuova sede, gli spettacoli della troupe si tenevano presso il vicino Curtain Theatre (The Curtain, 1577-1627), fondato da Henry Lanman. Nel frattempo, il Thearte è stato smantellato e trasportato pezzo per pezzo dall'altra parte del fiume. All'inizio del 1599, la costruzione fu completata e fu aperto un nuovo teatro, che chiamarono The Globe. I figli di Burbage Cuthbert e Richard (Cuthbert Burbage e Richard Burbage, 1567-1619), divennero proprietari di metà dell'edificio, si offrirono di condividere il resto del suo valore tra diversi azionisti della troupe. Così Shakespeare divenne uno dei comproprietari del Globe. Nel 1613, durante la rappresentazione di "Enrico VIII", il tetto di paglia del teatro scoppiò e andò a fuoco. Un anno dopo, nello stesso luogo, fu costruito il "secondo Globo" (Il secondo Globo), con tetto di tegole. A quel tempo, nell'ambiente teatrale inglese, la creazione di nuovi spettacoli avveniva spesso sulla base dell'uso di testi esistenti, che venivano modificati e integrati. Nel suo lavoro, anche William Shakespeare ha utilizzato questo metodo, migliorando i materiali trovati in varie fonti. Nel periodo dal 1595 al 1601 c'è uno sviluppo attivo della sua carriera di scrittore. L'abilità di Shakespeare porta gloria alle sue opere e alla sua compagnia.

Drammaturghi inglesi, predecessori e contemporanei di William Shakespeare

Nell'era di Shakespeare, insieme all'allora famoso Globe Theatre di Londra, c'erano molti altri teatri degni di nota che gareggiavano tra loro. Teatro "Rose" (The Rose, 1587-1605), costruito dall'uomo d'affari Philip Henslowe (Philipp Henslowe, 1550-1616). The Swan Theatre (The Swan, 1595-1632), costruito dal gioielliere e commerciante Francis Langley (Francis Langley, 1548-1602), il Fortune Theatre, la cui costruzione iniziò nel 1600, e altri. Uno dei drammaturghi più famosi di Shakespeare fu il talentuoso poeta Christopher Marlowe (1564-1593), sotto la cui influenza Shakespeare cadde senza dubbio proprio all'inizio della sua opera, e tutte le cui opere furono poi messe in scena al Rose Theatre. Era uno dei drammaturghi - "accademici" che avevano diplomi di Oxford o Cambridge, che includevano anche Robert Greene (Robert Greene, 1558-1592), John Lyly (John Lyly, 1554-1606), Thomas Nashe (Thomas Nashe, 1567- 1601), George Peele (1556-1596) e Thomas Lodge (Thomas Lodge, 1558-1625). Insieme a loro lavorarono altri scrittori, che non avevano un'istruzione universitaria, i cui scritti in un modo o nell'altro influenzarono il lavoro di Shakespeare. Questo è Thomas Kyd (Thomas Kyd, 1558-1594), che ha scritto una precedente commedia su Amleto, John Day (John Day, 1574-1638?), Henry Porter (Henry Porter, morto nel 1599), autore dell'opera "Due toporagni di Abingdon" (Le due donne arrabbiate di Abingdon), sulla base della quale è stata creata la commedia di Shakespeare "Le allegre comari di Windsor" (Le allegre comari di Windsor, 1597-1602).

Tecnica teatrale nell'era di William Shakespeare

Tecnica teatrale nell'era di Shakespeare - Il teatro shakespeariano corrisponde senza dubbio al sistema dell'opera teatrale, originariamente messa in scena da gruppi di comici itineranti nelle locande e nei cortili degli alberghi; questi cortili d'albergo erano solitamente costituiti da un edificio circondato al secondo piano da un balcone a gradoni aperto, lungo il quale si trovavano le stanze e gli ingressi ad esse. Una compagnia errante, entrata in un tale cortile, ha messo in scena una scena vicino a uno dei rettangoli delle sue pareti; gli spettatori erano seduti nel cortile e sul balcone. Il palcoscenico era disposto a forma di piattaforma di legno sulle capre, una parte della quale usciva nel cortile aperto e l'altra, quella posteriore, rimaneva sotto il balcone. Una tenda è caduta dal balcone. Così si formarono immediatamente tre piattaforme: quella anteriore - davanti al balcone, quella posteriore - sotto il balcone dietro il sipario, e quella superiore - proprio il balcone sopra il palco. Lo stesso principio è alla base della forma di transizione del teatro inglese del XVI e dell'inizio del XVII secolo. Il primo teatro fisso pubblico fu costruito a Londra (o meglio fuori Londra, fuori dai confini della città, poiché i teatri non erano ammessi all'interno della città) nel 1576 dalla famiglia di attori Burbage. Nel 1599 fu creato il Globe Theatre, al quale è associata la maggior parte delle opere di Shakespeare. Il teatro di Shakespeare non conosce ancora l'auditorium, ma conosce il cortile come reminiscenza dei cortili degli alberghi. Un auditorium così aperto e senza tetto era circondato da una o due gallerie. Il palcoscenico era coperto da un tetto e rappresentava le stesse tre piattaforme del cortile dell'albergo. La parte anteriore del palco si è incuneata per quasi un terzo nell'auditorium - un parterre in piedi (che porta letteralmente il suo nome "par terre" - a terra). Anche la parte democratica del pubblico, che ha riempito il parterre, ha circondato il palco in un fitto anello. La parte più privilegiata e aristocratica del pubblico si è sistemata - sdraiata e su sgabelli - sul palco stesso lungo i suoi bordi. La storia del teatro di questo periodo nota la costante ostilità e litigio, a volte anche trasformandosi in una rissa, tra questi due gruppi di spettatori. L'inimicizia di classe degli artigiani e degli operai contro l'aristocrazia ebbe qui un effetto piuttosto rumoroso. In generale, quel silenzio, che il nostro auditorium conosce, non era nel teatro di Shakespeare. Il fondo del palco era separato da un sipario scorrevole. Le scene intime venivano solitamente rappresentate lì (ad esempio, nella camera da letto di Desdemona), vi venivano anche recitate quando era necessario trasferire rapidamente l'azione in un altro luogo e mostrare il personaggio in una nuova posizione (ad esempio, nel dramma di Marlo "Tamerlano" lì è una nota: "il sipario è tirato indietro, e Zenocrate giace a letto, Tamerlano seduto accanto a lei", o in "The Winter's Tale" di Shakespeare: "Pauline tira indietro il sipario e rivela Hermione, in piedi sotto forma di una statua" ). La pedana anteriore era il palcoscenico principale, veniva utilizzata anche per le processioni, allora predilette nel teatro, per la rappresentazione della scherma, allora molto in voga (la scena dell'ultimo atto dell'Amleto). Qui si esibivano anche pagliacci, giocolieri, acrobati, intrattenendo il pubblico tra le scene dell'opera principale (non c'erano intervalli nel teatro shakespeariano). Successivamente, durante la successiva elaborazione letteraria dei drammi shakespeariani, alcuni di questi intermezzi e osservazioni clownesche furono inclusi nel testo stampato. Ogni esibizione si concludeva necessariamente con una "jiga" - un tipo speciale di canzone con una danza eseguita da un clown; la scena dei becchini nell'Amleto ai tempi di Shakespeare era un clown, in seguito fu piena di pathos. Nel teatro shakespeariano non c'è ancora una netta differenza tra un attore drammatico e un acrobata, un giullare. È vero, questa differenza si sta già sviluppando, si sente, è in divenire. Ma i bordi non sono stati ancora cancellati. Il legame che collega l'attore shakespeariano con il buffone, l'istrione, il giocoliere, il "diavolo" clownesco del giallo medievale, con il buffone farsesco, non si è ancora spezzato. È abbastanza comprensibile il motivo per cui il calderaio de "La bisbetica domata" alla parola "commedia" ricorda prima di tutto i trucchi del giocoliere. La scena superiore veniva utilizzata quando l'azione doveva essere rappresentata dalla logica degli eventi di cui sopra, ad esempio, sulle mura della fortezza ("Coriolano"), sul balcone di Giulietta ("Romeo e Giulietta"). In tali casi, la sceneggiatura ha un'osservazione "sopra". Ad esempio, veniva praticata una tale disposizione: la parte superiore raffigurava un muro della fortezza e la tenda della piattaforma posteriore tirata indietro nella parte inferiore significava allo stesso tempo le porte della città che si aprivano davanti al vincitore. Un tale sistema di teatro spiega anche la struttura dei drammi di Shakespeare, che ancora non conoscono alcuna divisione in atti (questa divisione fu fatta dopo la morte di Shakespeare, nell'edizione del 1623), né lo storicismo esatto, né il realismo pittorico. Il parallelismo delle trame in una stessa commedia, così caratteristico dei drammaturghi elisabettiani, è stato recentemente spiegato dalla peculiare struttura del palcoscenico, aperto al pubblico da tre lati. La cosiddetta legge della "continuità temporale" domina questa scena. Lo sviluppo di una trama ha permesso all'altra di continuare, per così dire, "dietro le quinte", che ha riempito il corrispondente intervallo di "tempo teatrale" tra i segmenti di questa trama. Costruito su brevi episodi di gioco attivo, l'azione viene trasferita da un luogo all'altro con relativa velocità. Ciò si riflette anche nella tradizione delle scene misteriose. Quindi una nuova uscita della stessa persona, o anche solo pochi passi sul palco con relativa spiegazione testuale, indicava già un nuovo luogo. Ad esempio, in Molto rumore per nulla, Benedict dice al ragazzo: "Ho un libro sulla finestra della mia stanza, portalo qui in giardino" - questo significa che l'azione si svolge in giardino. A volte nelle opere di Shakespeare, un luogo o un tempo è indicato non così semplicemente, ma da un'intera descrizione poetica di esso. Questo è uno dei suoi trucchi preferiti. Ad esempio, in “Romeo e Giulietta”, nel quadro che segue la scena di una notte di luna, Lorenzo entrando dice: “Un chiaro sorriso di un albeggiante Cupo dagli occhi grigi sta già guidando la notte e indorando di strisce la nuvola d'oriente di luce...” O le parole del prologo al primo atto di “Enrico V”: “... Immagina che le pianure dei due regni si estendano qui, le cui rive, sporgendosi così vicine l'una all'altra, separano lo stretto ma pericoloso Mighty ocean. Pochi passi Romeo con gli amici significava che si spostava dalla strada alla casa. Per designare un luogo venivano usati anche i "titoli": tavolette con un'iscrizione. A volte la scena raffigurava più città contemporaneamente e le iscrizioni con i loro nomi erano sufficienti per orientare lo spettatore nell'azione. Con la fine della scena, i personaggi hanno lasciato il palco, a volte addirittura sono rimasti - ad esempio, gli ospiti travestiti che camminavano per la strada verso la casa dei Capuleti ("Romeo e Giulietta") non hanno lasciato il palco, e l'apparizione di lacchè con tovaglioli significava che erano già arrivati ​​e si trovavano nelle camere dei Capuleti. Il dramma in questo momento non era visto come "letteratura". Il drammaturgo non ha perseguito la paternità e non è stato sempre possibile. La tradizione del dramma anonimo è arrivata dal Medioevo attraverso compagnie itineranti e ha continuato a funzionare. Quindi il nome di Shakespeare appare sotto i titoli delle sue opere solo nel 1593. Ciò che scrisse il drammaturgo teatrale, non intendeva pubblicarlo, ma aveva in mente esclusivamente il teatro. Una parte significativa dei drammaturghi dell'era elisabettiana era attaccata a un particolare teatro e si impegnava a consegnare un repertorio a questo teatro. La competizione delle compagnie richiedeva un numero enorme di spettacoli. Per il periodo dal 1558 al 1643, il loro numero in Inghilterra è stimato in oltre 2.000 nomi. Molto spesso la stessa commedia viene utilizzata da più compagnie, rielaborandole ciascuna a modo suo, adattandola alla compagnia. La paternità anonima escludeva il plagio letterario e si poteva parlare solo di metodi di concorrenza "pirata", quando un'opera teatrale veniva rubata a orecchio, secondo una registrazione approssimativa, ecc. di trame di drammi preesistenti. Tali, ad esempio, sono Amleto, Re Lear e altri. Il pubblico non ha chiesto il nome dell'autore dell'opera. Questo, a sua volta, ha portato al fatto che l'opera scritta era solo la "base" della performance, il testo dell'autore è stato in qualche modo alterato durante le prove. Le esibizioni dei giullari sono spesso denotate dall'osservazione "il giullare dice", fornendo al teatro il contenuto della scena del giullare o improvvisazioni del giullare stesso. L'autore ha venduto il suo manoscritto al teatro e successivamente non ha rivendicato alcun diritto d'autore o diritto su di esso. Il lavoro congiunto e quindi molto veloce di più autori su un'opera teatrale era molto comune, ad esempio alcuni sviluppavano un intrigo drammatico, altri - una parte comica, buffonate di giullari, altri ancora rappresentavano tutti i tipi di effetti "terribili", che erano molto popolare allora, ecc. L'alienazione tra autori "dotti", "dilettanti" secolari e drammaturghi professionisti sta diventando sempre meno. Gli autori letterari (ad esempio Ben Jonson) iniziano a lavorare per il teatro, i drammaturghi teatrali, a loro volta, iniziano sempre più a essere pubblicati.

La questione della periodizzazione

I ricercatori dell'opera di Shakespeare (il critico letterario danese G. Brandes, editore delle opere complete russe di Shakespeare S. A. Vengerov) alla fine del XIX - inizio del XX secolo, sulla base della cronologia delle opere, hanno presentato la sua evoluzione spirituale da un "stato d'animo allegro", fede nel trionfo della giustizia , ideali umanistici all'inizio del percorso verso la delusione e la distruzione di tutte le illusioni alla fine. Tuttavia, negli ultimi anni si è ritenuto che la conclusione sulla personalità dell'autore basata sulle sue opere fosse un errore.

Nel 1930, lo studioso di Shakespeare E. K. Chambers propose una cronologia dell'opera di Shakespeare per genere, successivamente corretta da J. McManway. C'erano quattro periodi: il primo (1590-1594) - presto: cronache, commedie rinascimentali, "tragedia dell'orrore" ("Tito Andronico"), due poesie; il secondo (1594-1600) - commedie rinascimentali, la prima tragedia matura ("Romeo e Giulietta"), cronache con elementi di tragedia, tragedia antica ("Giulio Cesare"), sonetti; il terzo (1601-1608) - grandi tragedie, antiche tragedie, "commedie oscure"; il quarto (1609-1613) - drammi fiabeschi con un inizio tragico e un lieto fine. Alcuni degli studiosi di Shakespeare, tra cui A. A. Smirnov, combinarono il primo e il secondo periodo in un primo periodo.

Primo periodo (1590-1594)

Il primo periodo è di circa 1590-1594 anni.

Secondo metodi letterari può essere definito un periodo di imitazione: Shakespeare è ancora completamente in balia dei suoi predecessori. Per umore questo periodo è stato definito dai sostenitori dell'approccio biografico allo studio dell'opera di Shakespeare come un periodo di fede idealistica nei migliori aspetti della vita: "Il giovane Shakespeare punisce con entusiasmo il vizio nelle sue tragedie storiche e canta con entusiasmo sentimenti alti e poetici: l'amicizia , sacrificio di sé e soprattutto amore" (Vengerov) .

Probabilmente le prime commedie di Shakespeare furono le tre parti di Enrico VI. Le cronache di Holinshed sono servite come fonte per questa e le successive cronache storiche. Il tema che unisce tutte le cronache shakespeariane è il cambiamento in una serie di sovrani deboli e incapaci che hanno portato il paese al conflitto civile e alla guerra civile e il ripristino dell'ordine con l'ascesa della dinastia Tudor. Come Marlowe in Edoardo II, Shakespeare non si limita a descrivere eventi storici, ma esplora i motivi dietro le azioni dei personaggi.

S. A. Vengerov ha visto il passaggio al secondo periodo “in assenza giocattolo poesia della giovinezza, che è così caratteristico del primo periodo. Gli eroi sono ancora giovani, ma hanno già vissuto una vita decente e la cosa principale per loro nella vita è il piacere. La porzione è piccante, vivace, ma già non c'è affatto il fascino gentile delle ragazze dei Due Veroniani, e ancor di più Giulietta.

Allo stesso tempo, Shakespeare crea un tipo immortale e molto interessante, che fino ad ora non aveva analoghi nella letteratura mondiale: Sir John Falstaff. Il successo di entrambe le parti Enrico IV”Non meno importante è il merito di questo personaggio più sorprendente della cronaca, che divenne subito popolare. Il personaggio è indubbiamente negativo, ma con un carattere complesso. Un materialista, un egoista, un uomo senza ideali: l'onore non è niente per lui, uno scettico attento e perspicace. Nega onori, potere e ricchezza: ha bisogno del denaro solo come mezzo per procurarsi cibo, vino e donne. Ma l'essenza del fumetto, la grana dell'immagine di Falstaff non è solo la sua arguzia, ma anche un'allegra risata di se stesso e del mondo che lo circonda. La sua forza è nella conoscenza della natura umana, tutto ciò che lega una persona gli fa schifo, è la personificazione della libertà dello spirito e della spregiudicatezza. Un uomo dell'era che passa, non è necessario dove lo stato è potente. Rendendosi conto che un personaggio del genere è fuori luogo in un dramma su un sovrano ideale, in " Enrico V Shakespeare lo rimuove: il pubblico viene semplicemente informato della morte di Falstaff. Secondo la tradizione, si ritiene che su richiesta della regina Elisabetta, che voleva rivedere Falstaff in scena, Shakespeare lo abbia resuscitato in " Le allegre comari di Windsor». Ma questa è solo una pallida copia dell'ex Falstaff. Ha perso la conoscenza del mondo che lo circonda, non c'è più sana ironia, risate di se stesso. Rimase solo un ladro soddisfatto di sé.

Molto più riuscito è il tentativo di tornare al tipo Falstaff nell'ultima giocata del secondo periodo - "Dodicesima notte". Qui, nella persona di Sir Toby e del suo entourage, abbiamo, per così dire, una seconda edizione di Sir John, anche se senza il suo spirito brillante, ma con la stessa contagiosa bonaria cavalleria. Si inserisce perfettamente anche nel quadro del periodo "falstaffiano", per la maggior parte, una rude presa in giro delle donne in "La bisbetica domata".

Terzo periodo (1600-1609)

Il terzo periodo della sua attività artistica, circa la copertura 1600-1609 anni, i sostenitori dell'approccio biografico soggettivista all'opera di Shakespeare chiamano il periodo di "profonda oscurità spirituale", considerando l'apparizione del malinconico personaggio Jacques nella commedia come un segno di una mutata visione del mondo "Come piace a te" e chiamandolo quasi il predecessore di Amleto. Tuttavia, alcuni ricercatori ritengono che Shakespeare, a immagine di Jacques, abbia solo ridicolizzato la malinconia e il periodo di presunte delusioni nella vita (secondo i sostenitori del metodo biografico) non sia effettivamente confermato dai fatti della biografia di Shakespeare. Il momento in cui il drammaturgo ha creato le più grandi tragedie coincide con il fiorire dei suoi poteri creativi, la soluzione delle difficoltà materiali e il raggiungimento di una posizione elevata nella società.

Intorno al 1600 Shakespeare crea "Frazione", secondo molti critici, è il suo lavoro più profondo. Shakespeare ha mantenuto la trama della famosa tragedia della vendetta, ma ha spostato tutta la sua attenzione sulla discordia spirituale, il dramma interiore del protagonista. Un nuovo tipo di eroe è stato introdotto nel tradizionale dramma della vendetta. Shakespeare era in anticipo sui tempi: Amleto non è il solito eroe tragico, che si vendica per amore della giustizia divina. Giunto alla conclusione che è impossibile ristabilire l'armonia con un colpo solo, sperimenta la tragedia dell'alienazione dal mondo e si condanna alla solitudine. Secondo la definizione di L. E. Pinsky, Amleto è il primo eroe "riflessivo" della letteratura mondiale.

Gli eroi delle "grandi tragedie" di Shakespeare sono persone eccezionali in cui si mescolano il bene e il male. Di fronte alla disarmonia del mondo che li circonda, fanno una scelta difficile: come esistere in esso, creano il proprio destino e ne assumono la piena responsabilità.

Allo stesso tempo, Shakespeare crea un dramma: nel First Folio del 1623, è classificato come una commedia, non c'è quasi nessun fumetto in questa seria opera su un giudice ingiusto. Il suo nome si riferisce all'insegnamento di Cristo sulla misericordia, nel corso dell'azione uno degli eroi è in pericolo mortale e il finale può essere considerato condizionatamente felice. Quest'opera problematica non rientra in un genere specifico, ma esiste sull'orlo dei generi: tornando alla morale, è orientata verso la tragicommedia.

• Sonetti dedicati ad un amico: 1 -126
• Cantando un amico: 1 -26
• Prove di amicizia: 27 -99
• L'amarezza della separazione: 27 -32
• Prima delusione in un amico: 33 -42
• Desiderio e paure: 43 -55
• Crescente alienazione e malinconia: 56 -75
• Rivalità e gelosia verso altri poeti: 76 -96
• "Inverno" della separazione: 97 -99
• Celebrazione della rinnovata amicizia: 100 -126
• Sonetti dedicati a un amante bruno: 127 -152
• Conclusione: la gioia e la bellezza dell'amore: 153 -154

Sonetto 126 viola il canone: ha solo 12 versi e un diverso schema di rime. A volte è considerata una sezione tra due parti condizionali del ciclo: sonetti dedicati all'amicizia (1-126) e rivolti alla "dama oscura" (127-154). Sonetto 145 scritto in tetrametro giambico invece che pentametro e differisce nello stile dagli altri; a volte è attribuito al primo periodo e la sua eroina è identificata con la moglie di Shakespeare Anna Hathaway (il cui cognome, forse come gioco di parole "hate away" è presentato nel sonetto).

Problemi con gli appuntamenti

Prime pubblicazioni

Si stima che metà (18) delle opere di Shakespeare siano state pubblicate in un modo o nell'altro durante la vita del drammaturgo. La pubblicazione più importante dell'eredità di Shakespeare è considerata il folio del 1623 (il cosiddetto "First Folio"), pubblicato da Edward Blount e William Jaggard come parte del cosiddetto. "Collezione Chester"; stampatori Worrall e col. Questa edizione includeva 36 opere di Shakespeare, tutte tranne "Pericle" e "Due nobili parenti". È questa edizione che è alla base di tutte le ricerche nel campo di Shakespeare.

Questo progetto è stato reso possibile grazie agli sforzi di John Heminge e Henry Condell (1556-1630 e Henry Condell, morto nel 1627), amici e colleghi di Shakespeare. Il libro è preceduto da un messaggio ai lettori a nome di Heminge e Condell, nonché da una dedica poetica a Shakespeare - Alla memoria del mio amato, l'Autore - del drammaturgo Ben Jonson (Benjamin Jonson, 1572-1637), che fu allo stesso tempo il suo avversario letterario, critico e amico che contribuì alla pubblicazione del First Folio, o come viene anche chiamato - "The Great Folio" (The Great Folio del 1623).

Composizioni

Riproduce comunemente considerato shakespeariano

• La commedia degli equivoci (g. - prima edizione, - probabile anno di prima produzione)
• Titus Andronicus (g. - prima edizione, la paternità è discutibile)
• Romeo e Giulietta
• Sogno di una notte di mezza estate
• Mercante di Venezia ( r. - prima edizione, - probabile anno di scrittura)
• Re Riccardo III (r. - prima edizione)
• Misura per misura (g. - prima edizione, 26 dicembre - prima produzione)
• King John (r. - prima edizione del testo originale)
• Enrico VI (r. - prima edizione)
• Enrico IV (r. - prima edizione)
• Pene d'amor perdute (g. - prima edizione)
• Come piace a te (scrittura - - gg., d. - prima edizione)
• La dodicesima notte (scrittura - non più tardi, d. - prima edizione)
• Giulio Cesare (scrittura -, g. - prima edizione)
• Enrico V (r. - prima edizione)
• Molto rumore per nulla (r. - prima edizione)
• Le allegre comari di Windsor (g. - prima edizione)
• Amleto, principe di Danimarca ( r. - prima edizione, r. - seconda edizione)
• Tutto è bene quel che finisce bene (scrittura - - gg., g. - prima edizione)
• Otello (creazione - entro e non oltre l'anno, prima edizione - anno)
• Re Lear (26 dicembre
• Macbeth (creazione - c., prima edizione - c.)
• Antonio e Cleopatra (creazione - d., prima edizione - d.)
• Coriolano ( r. - anno di scrittura)
• Pericle (g. - prima edizione)
• Troilo e Cressida ( m. - prima pubblicazione)
• Tempest (1 novembre - prima produzione, città - prima edizione)
• Cymbeline (scrittura - g., g. - prima edizione)
• Winter's Tale (g. - l'unica edizione sopravvissuta)
• La bisbetica domata ( m. - prima pubblicazione)
• Due Veroniani ( m. - prima pubblicazione)
• Enrico VIII ( r. - prima pubblicazione)
• Timone di Atene ( m. - prima pubblicazione)

Apocrifi e opere perdute

Articolo principale: Apocrifi e opere perdute di William Shakespeare

In una calligrafia molto simile alle firme di Shakespeare, sono scritte (senza censure) tre pagine di un'opera teatrale congiunta, mai messa in scena "Sir Thomas More". L'ortografia del manoscritto coincide con le edizioni a stampa delle opere di Shakespeare (a quel tempo non era ancora emerso un sistema comune di ortografia inglese). Confermata la paternità e l'analisi stilistica di Shakespeare.

Ci sono anche una serie di opere teatrali e poesie attribuite a Shakespeare (o squadre creative con la sua partecipazione).

• Il regno di re Edoardo III, forse coautore con Thomas Kyd (1596).
• Love's Efforts Rewarded (1598) - un'opera perduta o conosciuta con un titolo diverso ("Tutto è bene quel che finisce bene" o "La bisbetica domata").
• Cardenio ("Doppie bugie, o amanti in pericolo") - coautore con John Fletcher (1613, ed. 1728 di Lewis Theobald). Secondo la visione tradizionale, la pubblicazione del 1728 è un falso, mentre il testo a cui Shakespeare ha contribuito è andato perduto. Di recente, tuttavia, alcuni ricercatori ritengono che il noto testo "Cardenio" non sia un falso e possa contenere versi shakespeariani.
• Tragedia dello Yorkshire (n / a, ed. 1619, Jaggard)
• Sir John Oldcastle (n/a, ed. 1619, Jaggard)

falsi

• Vortigern e Rowena - autore. William Henry Irlanda

"Domanda shakespeariana"

La vita di Shakespeare è poco conosciuta: condivide il destino della stragrande maggioranza degli altri drammaturghi inglesi dell'epoca, le cui vite personali erano di scarso interesse per i contemporanei. Esiste un punto di vista, il cosiddetto anti-stratfordismo, o non-stratfordismo, i cui sostenitori negano la paternità di Shakespeare (Shakspere) da Stratford e credono che "William Shakespeare" sia uno pseudonimo sotto il quale un'altra persona o gruppo di persone si stava nascondendo. I dubbi sulla validità della visione tradizionale sono noti almeno dal 1848 (e alcuni antistratfordiani ne vedono accenni anche nella letteratura precedente). Allo stesso tempo, non c'è unità tra i non Stratfordiani su chi fosse esattamente il vero autore delle opere di Shakespeare. Il numero di probabili candidati proposti dai vari ricercatori ammonta attualmente a diverse decine.

Lo scrittore russo Lev Nikolaevich Tolstoy nel suo saggio critico "On Shakespeare and Drama" basato su un'analisi dettagliata di alcune delle opere più popolari di Shakespeare, in particolare: "King Lear", "Othello", "Falstaff", "Hamlet" , ecc. - ha sottoposto aspre critiche all'abilità di Shakespeare come drammaturgo.

Bernard Shaw ha criticato il culto romantico di Shakespeare nel XIX secolo, usando la parola "bardo-culto" (ing. bardolatria).

Le opere di Shakespeare in altre forme d'arte

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La nuova drammaturgia, che sostituì il teatro del Medioevo - misteri, moralità allegorica e farse popolari primitive, si sviluppò gradualmente.

Negli anni Trenta del XVI secolo, il vescovo Bayle, un ardente protestante, scrisse un'opera teatrale diretta contro il cattolicesimo. Ha illustrato i suoi pensieri con un esempio tratto dalla storia dell'Inghilterra: la lotta del re Giovanni il senza terra (regnato dal 1199 al 1216) contro il papa. In realtà questo re era una persona insignificante, ma era caro al vescovo protestante perché era inimicizia con il papa. Bayle scrisse una morale in cui agivano virtù e vizi personificati. La figura centrale dell'opera si chiamava Virtù. Ma allo stesso tempo si chiamava King John. Tra le figure cupe che personificano i vizi, il nome di uno era Potere sequestrato illegalmente, è anche il Papa; il nome dell'altra è Incitamento alla rivolta, è anche lei legata del Papa. Il "Re Giovanni" di Bayle è una specie di commedia in cui le allegorie della vecchia moralità medievale erano combinate con il nuovo genere storico, che in seguito fiorì nelle opere storiche di Shakespeare. Il "Re Giovanni" di Bayle è stato paragonato dagli storici letterari a un bozzolo: non è più un bruco, ma non ancora una farfalla.

Allo stesso tempo, negli anni Trenta del XVI secolo, iniziò a svilupparsi in Inghilterra il cosiddetto dramma "scolastico". Si chiama così perché è stato creato tra le mura di università e scuole: le commedie sono state scritte da professori e insegnanti, eseguite da studenti e scolari. Ma può anche essere definito un dramma "scolastico", nel senso che gli stessi drammaturghi che lo hanno creato stavano ancora imparando a scrivere opere teatrali studiando autori antichi e imitandoli. Negli anni Trenta del Cinquecento fu scritta la prima commedia in inglese, Ralph Royster-Deuster; il suo autore era un noto insegnante dell'epoca, Nicholas Youdl, direttore della Eton School. Negli anni Cinquanta, i dotti avvocati Sackville e Norton scrissero la prima tragedia in inglese: Gorboduk.

Ma tutto questo era solo "scuola". Le opere drammatiche vere e piene di vita sono apparse solo quando le persone delle università - "menti universitarie" - hanno iniziato a dare le loro commedie ad attori professionisti. Ciò accadde negli anni ottanta del XVI secolo.

Nel 1586 compaiono due commedie che meritano un'attenzione particolare. L'autore del primo è Thomas Kidd (che ha anche scritto la prima commedia su Amleto, che purtroppo non è pervenuta fino a noi).

Il gioco dei bambini è una tipica "tragedia di tuoni e sangue", come si diceva allora. Il titolo stesso è eloquente: "Tragedia spagnola". Questo è un tentativo, ancora primitivo, di rappresentare il potere dei sentimenti umani. Appare in scena la terribile figura della Vendetta, che ricorda le immagini di un'antica moralità. Subito esce lo Spirito dell'Andrea assassinato, il quale, lamentandosi dei vili assassini, chiama a gran voce il suo terribile compagno. L'azione ha inizio. Il giovane Horatio ama la bella ragazza Belimperia, e lei lo ama. Ma Belimperia è amata anche da Balthazar, figlio del re portoghese. Balthasar viene portato ad aiutare il fratello di Belimperia, il criminale Lorenzo. In una notte di luna, quando i giovani, seduti in giardino, si dichiarano il loro amore, entrano in scena assassini mascherati che uccidono Orazio a pugnali. Sul palcoscenico inglese dell'epoca si amava rappresentare omicidi e altri "orrori": a un attore veniva messa una bottiglia di aceto rosso sotto un mantello bianco; il pugnale ha perforato la bolla e sul mantello bianco sono apparse macchie rosse. Dopo aver pugnalato Horatio con i pugnali, gli assassini appendono il suo cadavere a un albero, apparentemente per mostrare più chiaramente al pubblico il cadavere macchiato di sangue. Gli assassini poi portano via con la forza Belimperia. Il padre di Horatio, il vecchio Jeronimo, corre alle sue urla - con una maglietta, con una spada in mano. Vedendo il cadavere del figlio appeso a un albero, pronuncia un fragoroso monologo, invocando vendetta ... Tutto ciò che accade sul palco è osservato dalla Vendetta e dallo Spirito dell'assassinato Andrea, che, rallegrandosi, attende vendetta, perché gli assassini di Horatio sono anche i suoi assassini. Ma il vecchio Jeronimo esita: non è facile vendicarsi del figlio del re. Lo sfortunato vecchio pensa con desiderio alla vita. "O mondo! esclama. "No, non il mondo, ma una raccolta di crimini!" Si paragona a un viaggiatore solitario che ha perso la strada in una notte nevosa... Lo spirito di Andrea è preso dall'ansia. Si rivolge a Vengeance, ma vede che sta dormendo. "Svegliati, Vendetta!" esclama disperato. La vendetta si sta risvegliando. E poi un pensiero colpisce il vecchio Jeronimo. Per raggiungere il suo obiettivo, ha in programma di mettere in scena un'opera teatrale a corte (il lettore ha già notato alcune somiglianze tra questa tragedia e l'Amleto di Shakespeare; ricordiamo ancora una volta che Kidd è stato l'autore della prima opera teatrale su Amleto). Alla rappresentazione messa in scena da Jeronimo partecipano Belimperia, iniziata al suo piano, Balthazar e Lorenzo. Nel corso del gioco, i personaggi devono uccidersi a vicenda. Il vecchio Jeronimo fa in modo che invece di omicidi "teatrali", avvengano veri omicidi. La rappresentazione finisce, ma gli attori non si alzano da terra. Il re spagnolo chiede spiegazioni a Jeronimo. Hieronimo si rifiuta di rispondere e, a conferma del suo rifiuto, si morde la lingua e la sputa. Quindi il re ordina di dargli una penna in modo che scriva una spiegazione. Hieronimo chiede a gesti di dargli un coltello per affilare la sua penna, e si trafigge con questo coltello. Sopra un mucchio di cadaveri insanguinati appare una Vendetta esultante, il che suggerisce che la vera punizione deve ancora arrivare: inizia all'inferno.

Tutto in questa commedia è teatrale, condizionale, melodrammatico fino in fondo. La "tragedia spagnola" di Thomas Kidd è l'antenata di quella tendenza "romantica" nella drammaturgia dell'era shakespeariana, che ha dato origine a tragedie come, ad esempio, "Il diavolo bianco" o "La duchessa di Malfi" del contemporaneo di Shakespeare - Webster.

Nello stesso anno, 1586, fu scritta un'opera teatrale di tipo completamente diverso. Il suo titolo è "Arden dalla città di Feversham" (il suo autore ci è sconosciuto). Questo è un dramma familiare. Racconta come una giovane donna, Alice Arden, e il suo amante Moseby abbiano ucciso il marito di Alice. L'assassinio stesso è raffigurato con grande forza, quando Alice cerca invano di lavare via le macchie di sangue (questo motivo è stato sviluppato con forza grandiosa da Shakespeare in quella famosa scena in cui Lady Macbeth vaga nel dormiveglia, sopraffatta dai ricordi). Tutto in questa commedia è vitale, realistico. E la trama stessa è stata presa in prestito dall'autore dalla vita reale. Nell'epilogo, l'autore chiede al pubblico di perdonarlo per il fatto che non ci sono "decorazioni" nello spettacolo. Secondo l'autore, all'arte basta la “semplice verità”. Questa commedia può essere definita l'antenata di quella tendenza nella drammaturgia dell'era shakespeariana, che si sforzava di rappresentare la vita di tutti i giorni, come il meraviglioso dramma di Thomas Heywood "A Woman Killed by Kindness". L'opera di Shakespeare combina entrambe le correnti: romantica e realistica.

Quello era il prologo. I veri eventi iniziano con l'apparizione sul palcoscenico londinese delle commedie di Christopher Marlowe. Marlowe nacque, come Shakespeare, nel 1564 e aveva solo due mesi più di lui. La patria di Marlo era l'antica città di Canterbury. Il padre di Christopher Marlo possedeva un negozio di scarpe. I genitori mandarono il figlio all'Università di Cambridge, sperando di farlo diventare prete. Tuttavia, dopo essersi laureato all'università, invece dell'altare della chiesa, Marlo è finito sul palco del palcoscenico londinese. Ma non era destinato a diventare un attore. Secondo la leggenda, si è rotto una gamba e ha dovuto smettere di recitare. Poi ha iniziato a scrivere opere teatrali. La sua grandiosa epopea in due parti e dieci atti "Tamerlano il Grande" apparve nel 1587-1588. In questa epopea, Marlo racconta la vita, le guerre e la morte del famoso comandante del XIV secolo.

"Pastore scita", "ladro del Volga" è chiamato Tamerlano nella commedia di Marlo dai re orientali, che rovescia dal trono, catturando i loro regni. L'esercito di Tamerlano, secondo Marlo, è composto da "semplici ragazzi di campagna". Marlo ritrae Tamerlano come un gigante muscoloso. Questo è un uomo di forza fisica fenomenale, volontà indistruttibile e temperamento elementare. Assomiglia alle possenti figure create dallo scalpello di Michelangelo. Il motivo della glorificazione della vita terrena, così tipico del Rinascimento, risuona forte in questa grandiosa epopea drammatica; si sentono le parole dal palco: "Penso che i piaceri celesti non possano essere paragonati alla gioia reale sulla terra!"

Tamerlano, come lo stesso Marlo, è un appassionato libero pensatore. In uno dei suoi monologhi tempestosi e fragorosi, afferma che l'obiettivo dell'uomo è "elevarsi per sempre alla conoscenza infinita ed essere per sempre in movimento, come le sfere celesti che non conoscono riposo". Questo favoloso eroe è pieno di un eccesso di forza. Sale sul palco su un carro, al quale invece dei cavalli sono imbrigliati i re che ha fatto prigioniero. "Ehi, ronzini asiatici viziati!" grida, incitandoli con la frusta.

La commedia successiva di Marlo fu La tragica storia del dottor Faust. È stato il primo adattamento drammatico della famosa leggenda. L'opera di Marlo rifletteva il desiderio umano di conquistare le forze della natura, così caratteristico del Rinascimento. Faust vende la sua anima a Mefistofele per "ottenere i doni d'oro della conoscenza" e "penetrare nel tesoro della natura". Sogna di racchiudere la sua città natale con un muro di rame e renderla inaccessibile al nemico, cambiare il corso dei fiumi, gettare un ponte sull'Oceano Atlantico, riempire Gibilterra e collegare l'Europa e l'Africa in un unico continente ... "Com'è grandioso tutto è!" - ha osservato Goethe, che ha utilizzato alcune delle caratteristiche della tragedia di Marlo per il suo Faust.

La grandiosa portata della fantasia, la potente pressione delle forze, come con difficoltà, caratterizzano il lavoro di Marlo. "Il potente verso di Marlo", ha scritto Ben Jonson. Shakespeare parla anche del "potente detto" di Marlowe.

I puritani, che hanno creato il codice della nuova morale borghese, erano indignati per l'appassionato libero pensatore che predicava apertamente le sue opinioni. Una dopo l'altra, le denunce arrivarono al Queen's Privy Council. E anche la gente comune, sebbene le commedie di Marlowe riscuotessero un enorme successo tra loro, a volte guardava ciò che accadeva sul palco non senza paura superstiziosa. C'era persino una voce del genere a Londra. Una volta, dopo l'esibizione di Faust, si è scoperto che l'attore che interpretava il ruolo di Mefistofele era malato e non andava a teatro. Chi, allora, interpretò Mefistofele quel giorno? Gli attori si sono precipitati nel camerino e solo allora, dall'odore di zolfo, hanno intuito che quel giorno il diavolo in persona si sarebbe esibito sul palco londinese.

Marlo ha scritto molte altre opere teatrali (la sua opera migliore in termini di vivacità dei ritratti umani che ha creato è la cronaca storica "Re Edoardo II"). Ma il suo straordinario talento non era destinato a manifestarsi in pieno vigore. Il 30 maggio 1593, Christopher Marlowe, nel suo trentesimo anno, fu ucciso in una taverna. I puritani si rallegrarono. "Il Signore ha piantato questo cane che abbaia sull'amo della vendetta", ha scritto uno di loro.

Molte leggende si sono sviluppate attorno alla morte di Marlo. Alcune leggende raccontano che Marlo morì in una rissa tra ubriachi, dopo aver litigato con il suo assassino per una prostituta; altri che cadde difendendo l'onore di una fanciulla innocente. Queste leggende sono state ascoltate seriamente fino a poco tempo fa. E solo nel 1925, la professoressa americana Leslie Hotson riuscì a trovare negli archivi inglesi documenti che gettano nuova luce sulle circostanze della morte di Marlo (le scoperte di Hotson sono esposte nel libro: Leslie Hotson. The Death of Cristopher Marlowe, 1925). E si è scoperto che l'omicidio di Marlo era opera del Consiglio privato della regina Elisabetta; all'omicidio di Marlo era presente un certo Field, un agente del Consiglio privato.

Morì così, senza rivelare appieno le sue forze creative, il "padre del dramma inglese" Christopher Marlowe. E proprio in quell'anno, quando tramontò la sua stella, ardente di uno splendore luminoso, appassionato e irregolare, la stella di William Shakespeare iniziò a sorgere nel cielo teatrale di Londra. A differenza dei suoi predecessori, che avevano un'istruzione universitaria, "menti universitarie", questo nuovo drammaturgo era un semplice attore.

Abbiamo citato solo alcuni dei predecessori di Shakespeare. In realtà, Shakespeare ha fatto ampio uso dell'intero passato letterario della sua terra natale. Ha preso molto in prestito da Chaucer (ad esempio, il poema di Shakespeare "Lucretia" con le sue radici nella trama ci porta a "Legends of Good Women" di Chaucer; le immagini di Teseo e Ippolita nella commedia "Sogno di una notte di mezza estate" sono state probabilmente ispirate da " The Knight's Tale" dai famosi Canterbury Tales di Chaucer, il poema di Chaucer Troilus and Cressida ha influenzato l'omonima commedia di Shakespeare, ecc.). Shakespeare doveva molto a Edmund Spenser, autore di The Faerie Queene, e ad altri poeti della sua scuola. Da "Arcadia" di Philip Sidney, Shakespeare ha preso in prestito la trama, che ha incarnato nell'immagine di Gloucester, tradito da suo figlio Edmund ("Re Lear") - Shakespeare ha anche reso omaggio all'eufuismo. Infine, tra i predecessori di Shakespeare, vanno citati i narratori anonimi delle ballate popolari inglesi. È nella ballata popolare inglese che nasce il dramma tragico dell'azione, così tipico dell'opera di Shakespeare e dei suoi contemporanei. Molti pensieri e sentimenti che esistono da tempo tra la gente e riflessi nelle ballate e nelle canzoni popolari hanno trovato una brillante incarnazione artistica nell'opera di Shakespeare. Le radici di questa creatività affondano nel terreno popolare.

Tra le opere della letteratura straniera, Shakespeare è stato principalmente influenzato dai racconti italiani Boccaccio e Bandello, dai quali Shakespeare ha preso in prestito una serie di trame per le sue opere. Una raccolta di racconti italiani e francesi tradotti in inglese, intitolata The Hall of Delights, era il manuale di Shakespeare. Per le sue "tragedie romane" ("Giulio Cesare", "Coriolano", "Antonio e Cleopatra") Shakespeare prese trame dalle Vite di personaggi famosi di Plutarco, che lesse nella traduzione inglese di North. Tra i suoi libri preferiti c'erano anche le Metamorfosi di Ovidio nella traduzione inglese di Golding.

L'opera di Shakespeare è stata preparata da molti poeti, scrittori e traduttori.