Da una gonna lunga a una "nuvola di gas": la storia del tutù. Costume da balletto: cosa ballano le ballerine in Come il tutù ha messo radici in Russia
MBOU Scuola secondaria n. 26
Saggio
nella disciplina "Danza classica"
"Storia del costume da balletto"
Completato:
Kuyanichenko Daria
Controllato:
Zaitseva LA
Kurgan, 2012
1. Concetto: balletto e costume da balletto.
BALLETTO(balletto francese, dall'italiano balletto, dal tardo latino ballo - io ballo), un tipo di arte musicale e teatrale, il cui contenuto è espresso in immagini coreografiche. Di norma, il termine serve a designare una forma d'arte che si sviluppò durante i secoli XVI-XIX. in Europa e in Russia, e diffuso in tutto il mondo nel XX secolo. Tra le altre arti, il balletto appartiene ai tipi spettacolari di creatività artistica sintetica e spazio-temporale. Comprende drammaturgia, musica, coreografia, arti visive. Ma tutti esistono nel balletto non da soli e non sono uniti meccanicamente, ma sono subordinati alla coreografia, che è il centro della loro sintesi.
costume da balletto fa parte dell'intento artistico complessivo. Un costume da balletto non dovrebbe solo rivelare le caratteristiche storiche, sociali, nazionali, individuali di un particolare personaggio, ma anche essere leggero, comodo per ballare ed enfatizzare la struttura del corpo e della danza. movimento. La base del costume da balletto è la "divisa" di danza (body, tunica, "body", tunica, tutù), sviluppata visivamente a seconda di immagini specifiche.
In misura maggiore, i costumi dei personaggi principali sono solitamente individualizzati. Il corpo di ballo è più spesso vestito allo stesso modo (allo stesso tempo, i costumi dei gruppi a volte differiscono), tranne quando raffigura una folla reale e diversificata (esempi sono il primo atto di Don Chisciotte nel disegno di K Korovin, le danze popolari di Romeo e Giulietta nel design di P. Williams e altri). L'unificazione dei costumi in una danza di massa (ad esempio, nelle danze di jeep, cigni, nereidi dei balletti classici o degli amici di Katerina in "The Stone Flower", i "pensieri" di Mekhmene Baku in "The Legend of Love", ecc.) sottolinea il suo significato emotivo e simbolico e corrisponde all'unità e alla generalizzazione della composizione della danza. Nella creazione di costumi per singoli personaggi, l'artista nel balletto raggiunge l'unità del carattere pittorico e della danza.
Tutti questi sono requisiti importanti, ma più o meno esterni della coreografia. Inoltre, l'artista affronta un compito più complesso e profondo: armonizzare la soluzione pittorica con le caratteristiche specifiche della figuratività coreografica: la musicalità e la sinfonia dell'azione di danza, la sua generalizzazione, il contenuto emotivo e lirico e il significato spesso metaforico. Così, la naturalezza delle scene e dei costumi può entrare in conflitto con la convenzionalità dell'azione coreografica e, viceversa, l'astrattezza e lo schematismo della soluzione pittorica possono contraddire la vitalità e la concretezza emotiva e psicologica della coreografia.
Il compito dell'artista di balletto è esprimere il nucleo ideologico della performance, creare l'ambiente e l'aspetto dell'azione in forme che corrispondano all'essenza figurativa della coreografia. In questo caso si ottiene l'integrità artistica della performance, in cui la soluzione visiva incarna drammaturgia, musica e coreografia nella loro unità.
Costume nel balletto, una delle componenti importanti del design della performance, che soddisfa i requisiti sia di uno specifico contenuto ideologico e figurativo, sia delle specificità coreografiche. arte. Il ruolo di K. in b. più significativo che nel dramma o nell'opera, poiché il balletto è privo di testo verbale e il suo lato spettacolare porta un carico maggiore. Come in altri tipi di teatro, K. in b. caratterizza i personaggi, ne rivela le caratteristiche storiche, sociali, nazionali, individuali. Tuttavia, K. in b. deve soddisfare i requisiti di ballabilità, cioè essere leggero e comodo per ballare, non nascondere, ma rivelare la struttura del corpo, non limitare i movimenti, ma aiutarli e sottolinearli. Requisiti figurativamente caratteristici. concretezza e ballabilità entrano spesso in conflitto tra loro. Come eccessivo "tutto" e schematico. esaurimento K. in b. sono estremi che possono essere giustificati in singoli casi solo dal contenuto e dal genere speciali di una determinata opera. L'abilità dell'artista nel balletto sta nel superare queste contraddizioni ed estremi, nel raggiungere un'unità organica di immagini e danza.
K. in b., essendo gli abiti dei personaggi, allo stesso tempo c'è un elemento di un'arte olistica. risolvendo la performance, che propone il compito del suo coordinamento coloristico e cromatico con la scenografia, "inserindosi" in un unico quadro pittorico. Il costume è l'elemento più "mobile" da raffigurare. arredamento del balletto. Pertanto, può portare dinamica in esso. l'inizio, da riempire con ritmi corrispondenti ai ritmi della musica. In questo senso K. in b. è, per così dire, un anello di congiunzione nella sintesi delle immagini. arte e musica in uno spettacolo di balletto.
I costumi dei personaggi principali sono solitamente più individualizzati di quelli del corpo di ballo. L'unificazione dei costumi del corpo di ballo sottolinea la sua emotività e non la ritrae. significato, corrisponde all'unità e alla generalizzazione delle danze. composizioni. La differenza di colore, e talvolta di forma dei costumi, rivela spesso un contrasto di decomposizione. gruppi di corpo di ballo in una danza di massa o in coreografie polifonicamente complesse. composizioni (ad esempio, nella scena della processione nella "Leggenda dell'amore", messa in scena da Yu. N. Grigorovich, artista S. B. Virsaladze). Nei casi in cui il corpo di ballo raffigura una folla reale e diversificata, anche i suoi costumi possono essere personalizzati (ad esempio, le persone nel 1 ° atto del Don Chisciotte, messo in scena da A. A. Gorsky, artista K. A. Korovin , 1900). I costumi dei personaggi principali sono solitamente coerenti nel taglio e nel colore con i costumi del corpo di ballo, combinati con essi secondo il principio di unità o contrasto, a seconda dello specifico contenuto figurativo della danza.
K. in b. storicamente mutato in connessione con l'evoluzione del coreografico. arte. Nelle prime fasi dello sviluppo, quasi non differiva dagli abiti quotidiani dell'aristocratico di corte. ambiente. Nelle rappresentazioni barocche, il costume era particolarmente rigoglioso e spesso pesante. Durante il periodo del classicismo apparve un'antica tunica stilizzata (tunica) ei costumi popolari iniziarono a penetrare nei balletti comici. Il riformatore del teatro di balletto J. J. Nover in con. 18esimo secolo Ha apportato importanti modifiche al codice di abbigliamento, alleggerendolo, semplificando le scarpe e accorciando i vestiti delle donne. Tuttavia, la riforma radicale di K. in b., che ha portato alla formazione del suo moderno. fondamenti, avvenuti nell'arte del romanticismo ("La Sylphide", 1832, "Giselle" in post. F. Taglioni e altri). Invece di una gonna domestica, iniziarono a usare una lunga tunica (da non confondere con un'antica tunica!), che divenne il predecessore del branco; le scarpe con i tacchi furono sostituite con speciali ballerine che permettevano di ballare sulle punte. Contrasto reale e fantastico. i mondi erano enfatizzati dai costumi. La natura generalizzata-idealizzata della sinfonia. le composizioni di danza si esprimevano nell'unità dei costumi del corpo di ballo. Nelle esibizioni di A. Saint-Leon e M. I. Petipa, il romantico. la tunica si trasformò in un fagotto, che in seguito divenne sempre più corto.
Un contributo significativo allo sviluppo di K. in b. ha portato il russo. primi artisti 20 ° secolo In L. S. Bakst, l'idea stessa di K. in b. è nato in connessione con la coreografia. movimento; nei suoi schizzi, i costumi sono presentati nei movimenti nettamente caratteristici, spesso esagerati, dei ballerini. I costumi di K. A. Korovin differiscono per colore. ricchezza e unità pittoresca con il paesaggio. Il sottile senso dell'epoca e l'individualità del personaggio, caratteristici di A. N. Benois, si riflettevano anche nei suoi costumi. Nei costumi di N. K. Roerich vengono trasmessi il potere elementare e l'esotismo primitivo dei suoi personaggi. Gli artisti del "Mondo dell'arte" hanno spesso assolutizzato il significato colorato di K. in b. e lo interpretò come un punto puramente pittoresco nel quadro generale, a volte ignorando o addirittura sopprimendo il ballerino (ad esempio, B. I. Anisfeld). Ma allo stesso tempo arricchirono insolitamente le arti. espressività e figuratività di K. in b.
Nei gufi costumi in stile balletto creati negli anni '20. F. F. Fedorovsky e A. Ya Golovin, era in parte vicino alle tradizioni pittoriche del "Mondo dell'Arte". Allo stesso tempo, i rappresentanti della danza libera (seguaci di A. Duncan) hanno fatto rivivere l'antica tunica (tunica). Negli esperimenti di K. Ya Goleizovsky, i ballerini eseguivano i loro numeri in body, "body", che esponevano il corpo, ma allo stesso tempo il costume era ridotto a un'uniforme da balletto. Studio "Drum Ballet" N. S. Gremina ha coltivato il costume di tutti i giorni. Le caratteristiche del costruttivismo si riflettevano negli schizzi di A. A. Exter, in "Dances of Machines" di N. M. Forreger, nell'introduzione di uniformi di produzione nei balletti sulla modernità ("The Bolt" nel design di T. G. Bruni, ecc.). Nel dramma del balletto degli anni '30 e '50. gli artisti si sono adoperati per la massima concretizzazione storica, sociale, quotidiana del costume, avvicinandolo ai costumi drammatici. teatro ("Lost Illusions" di Asafiev nel design di V.V. Dmitriev, 1936, ecc.). Di grande importanza in questi anni è stata la realizzazione del palcoscenico. opzioni per nar. costumi, in connessione con l'ampia distribuzione di ensemble di cuccette. danza, nazionale compagnie di balletto e scene popolari in spettacoli di balletto (The Flames of Paris, 1932 e Partisan Days di Asafiev, 1937, disegnato da Dmitriev; Heart of the Mountains, 1938, e Laurencia, 1939, disegnato da S. B. Virsaladze e altri). In contrasto con le tendenze nello sviluppo di un costume da balletto, caratteristico di questo periodo, dalla fine. anni '50 iniziarono ad apparire caratteristiche di astrazione e schematismo, monotonia e monotonia del balletto nel balletto, specialmente nella messa in scena di balletti senza trama per la sinfonia. musica.
Eccezionale maestro K. in b. è SB Virsaladze. Le sue opere (soprattutto nelle esibizioni messe in scena da Yu. N. Grigorovich) sono caratterizzate da organico. unità di caratterizzazione figurativa e ballabilità. L'artista non impoverisce mai il costume, non lo trasforma mai in una divisa pulita e in uno schema astratto. Il suo costume riflette sempre i tratti figurativi dell'eroe e allo stesso tempo è concepito in movimento, creato in unità con l'idea e il lavoro del coreografo. Virsaladze veste non tanto i personaggi quanto la danza. I suoi costumi si distinguono per il gusto alto, spesso raffinato. Il loro taglio e colore esaltano e sottolineano la danza. movimento. I costumi nelle esibizioni di Virsaladze sono inseriti in un certo sistema che corrisponde alle peculiarità della coreografia. Si abbinano a colori con lo scenario, sviluppando il loro tema pittorico, aggiungendo nuovi tratti colorati, dinamizzandoli secondo la danza e la musica. Le opere di Virsaladze sono caratterizzate da una sorta di "sinfonia pittoresca", che significa. il minimo creato dal sistema K. in b.
Moderno il teatro di balletto è caratterizzato da una varietà di arti. soluzioni di costume. Trasforma l'intera storia. esperienza nello sviluppo di K. in B., subordinandola ad arti speciali. obiettivi di un determinato spettacolo.
(Fonte: Ballet. Encyclopedia, SE, 1981)
Balet tutùè di due tipi. "Chopin"
Entrambi sono cuciti secondo il modello più comune "svasato dal sole", ovvero cerchio con un buco nel mezzo. Solo il cerchio viene preso con un diametro volutamente maggiore e il foro viene allargato rispetto alla circonferenza della vita. Quindi l '"anello" risultante viene raccolto in pieghe e cucito alla cintura.
Per un tutù classico prendono un tulle durissimo, che costa una puntata. Per il tutù di Chopin, l'organza viene presa più spesso, è più morbida.
In generale, un tutù da balletto classico (corto) richiede solitamente almeno 2,5 metri di materiale, uno Chopin può prenderne tutti i 5-6.
Scarpe da punta sono un tipo speciale di calzatura, che viene fissata sulla gamba con l'ausilio di nastri, e la punta è rinforzata con un blocco rigido. La parola pointe deriva dal francese "tip".
Balletto - inizi del XVII secolo.
I balli da sala, tenuti alla corte dei monarchi, si trasformano in spettacoli dove la danza era una chiara figura geometrica. L'abilità dei professionisti del balletto era garantire che ogni ballerino fosse in grado di eseguire piroette e passi complessi. Per la prima volta, l'insegnante della Royal Dance Academy, Pierre Beauchamp, ha delineato chiaramente le regole di base del balletto. Questo coreografo ha individuato i movimenti principali dell'attore, senza i quali semplicemente non poteva immaginare il balletto. Pierre Beauchamp credeva che se aderisci a tutti i criteri, non solo puoi raggiungere la perfezione nella danza, ma anche eseguire magistralmente la tua parte di balletto sul palco. Nelle sue regole, il coreografo della Royal Academy considerava le posizioni delle gambe e delle braccia, che sono diventate fondamentali ed è su di esse che si basa l'intera danza. Da quel momento, il ballo di corte si trasformò in un balletto e cominciò a essere mostrato sul grande palcoscenico.
Il balletto classico francese è stato fortemente influenzato dalle abilità di danza italiane. Quella che era una tradizione indistruttibile per i ballerini francesi, un allontanamento dal quale era inaccettabile, per i coreografi italiani, la cosa principale nella danza era il virtuosismo, che determinava l'abilità del ballerino. Nei secoli XVII-XVIII non solo la danza stessa iniziò a trasformarsi, ma cambiarono anche i costumi degli attori. Inoltre, se prima sul palco brillavano solo ballerini maschi, allora nell'era del Rinascimento e del Romanticismo le donne diventano simboli del balletto. Tuttavia, spesso il costume femminile era piuttosto pesante e non permetteva all'esecutore di eseguire movimenti più complessi, quindi si credeva che gli uomini fossero ballerini molto più abili. Ma gli stereotipi consolidati vengono infranti in un'ora dalla ballerina Marie Camargo. Rifiuta le gonne lunghe, accorciandole il più possibile. E questo ha dato libertà nei movimenti e ha contribuito al virtuosismo della performance. A poco a poco i coreografi migliorano la tecnica della performance di danza.
Il francese Jean Nover ha portato molto a questo, che ha criticato i ballerini che usavano maschere e costumi per esprimere il carattere dell'eroe, mentre i movimenti del corpo corrispondevano solo alle idee classiche sul balletto. Nover promuove che il balletto esprima tutte le caratteristiche del personaggio attraverso la danza e la musica. Solo il corpo, secondo il coreografo, è così perfetto che tutti possono capirne il linguaggio. In questo momento, il balletto acquisisce lo status di genere di arte drammatica ed è attivamente messo in scena sui palcoscenici di diversi paesi del mondo.
L'aspetto del tutù di balletto.
Il balletto, come arte, è nato molto prima della comparsa di abiti e accessori moderni per il balletto. Il primo tutù di balletto, simile a quello che conosciamo oggi, apparve come parte del costume generale della ballerina Marie Taglioni durante lo spettacolo de "La Sylphide" nel 1839. Come molte altre mode dell'epoca, fu creata dal designer francese Eugène Lamy.
Parlando del tutù di balletto, è piuttosto difficile non entrare nella storia.
La storia del costume da balletto è abbastanza logica. Quando i minuetti lenti dominavano il palcoscenico, i costumi erano lunghi, pesanti, ricamati di pietre preziose, con tante sottovesti e sottovesti. Man mano che la danza diventava più complessa, il costume si evolveva di conseguenza. All'inizio i corsetti furono rimossi, le gonne divennero più corte e più leggere e la scollatura divenne sempre più franca.
Per la prima volta in quello che oggi viene definito un “tutù” svolazzò sul palco la ballerina Maria Taglioni, prima Silfide e capostipite del “balletto romantico” (* Taglioni è nota anche per essere stata la prima ballerina in il mondo per diventare scarpe da punta, ma ne riparleremo più avanti).
La gonna di garza fino ad allora sconosciuta, tessuta, sembrava, dal nulla, legittimava il costume da balletto. All'inizio, i ballerini (soprattutto con le brutte gambe storte) hanno persino protestato violentemente contro le innovazioni, ma poi si sono calmati: questa nuvola ariosa sembrava molto bella.
In generale, come capisci, più tecnica diventava la danza, più semplice e corto diventava il costume. I pacchetti sono arrivati alla forma a cui siamo abituati ora da qualche parte a metà del 20 ° secolo.
Ora occupiamoci dei nomi. I tutù sono diversi e cambiano aspetto, a seconda del balletto.
Tutù- una divertente parola francese che si traduce semplicemente come un branco. È questa parola usata in inglese per riferirsi a una gonna da balletto.
tutù classico- gonna rotonda simile a una frittella. Le ballerine ballano in tali, come probabilmente hai indovinato, nei balletti più classici: Il lago dei cigni, Paquita, Corsair, Atti 2 e 3 de La Bayadère, Lo schiaccianoci, ecc.
Il raggio standard del tutù è di 48 cm, ma molto spesso la dimensione del cerchio varia, a seconda dell'altezza della ballerina, della festa e dello stile generale della performance. I solisti, a seconda dei loro dati fisici, possono scegliere autonomamente la forma del branco - decorando le loro gambe: sono uniformi, parallele al pavimento, leggermente abbassate, con un magnifico fondo o, al contrario, completamente piatte.
Ma ecco il punto: il tutù classico è un vero letto di Procuste. Mostra i minimi difetti nella figura, le ginocchia corte e la mancanza di prove.
C'è anche una cosa come ballerina non tutù". Di solito si tratta di una ballerina con arti non molto lunghi, gambe di forma irregolare o di forma che va oltre il consentito - in una parola, con forme magnifiche. La "ballerina senza branco" può anche essere definita una ballerina il cui ruolo è bravura semi-personaggio o, al contrario, feste romantiche. Cioè Kitri, Giselle, Sylphide, ma non Odette-Odile o Nikiya. Gli esempi più eclatanti di "ballerine senza ciuffo" sono Natalya Osipova e Diana Vishneva.
Diana Vishneva
Natalia Osipova
Sono riusciti a scavalcare il ruolo prescritto per loro, e anche in tutù che non li decorano davvero, hanno un bell'aspetto: ecco cosa fa il carisma agli artisti! A proposito, la contraddittoria Osipova, la migliore Kitri del mondo, è apparsa di recente in Swan Lake - sembrerebbe che la parte di Odette-Odile fosse controindicata per lei. E niente, molti hanno pianto)
Tutù romantico o "chopinka"- gonna lunga in tulle. È lei che è responsabile della creazione di immagini fantastiche "ultraterrene": il fantasma della defunta Giselle, il bellissimo spirito della Silfide. E l'apoteosi del balletto romantico "Chopiniana" è del tutto impossibile da immaginare senza queste meravigliose gonne ariose: creano l'illusione del volo, dell'aria, della libertà, l'assoluta irrealtà di ciò che sta accadendo.
Una gonna lunga e soffice, ovviamente, nasconde le gambe della ballerina. Da un lato distrae da possibili carenze e dall'altro attira tutta l'attenzione sui piedi. Ma i balletti romantici sono saturi di tecnica raffinata e brutti piedi non funzionanti senza un sollevamento elevato in qualche modo abbattono l'atmosfera romantica.
C'è anche una cosa come tunica o tunica- questo è lo stesso tutù, gonna da balletto.
Chitone- Questa è una gonna a uno strato più spesso realizzata in chiffon. Nel chitone, ad esempio, viene eseguita la parte di Giulietta.
Zaini, chopin, tuniche, ecc. ci sono sia sul palco che durante le prove.
Se il costume, ad esempio, di Odette, in cui la ballerina entra in scena, è un tutt'uno, cioè la parte superiore (corpetto) e inferiore (in realtà, il tutù) sono cucite insieme, allora il costume di prova è solo una gonna con "mutandine" che viene indossata sul body delle prove (shopenki - niente mutandine, solo una gonna su uno sprone).
I pacchetti di prova sono costituiti da un minor numero di strati.
Chiedi, perché un tutù a una prova? Dopotutto, è del tutto possibile cavarsela con lo standard abiti da prova- body e costume da bagno. Ma è imperativo provare ciò che la ballerina porterà sul palco: in questo modo puoi assicurarti che la gonna non si alzi, che il partner non si aggrappi ad essa, al fine di controllare lo schema generale della danza .
Maria Taglioni è il suo contributo alla storia del costume da ballo.
Prima delle punte, ballavano con scarpe a tacco alto in stile Luigi XVI o sandali greci. Alla ricerca dell'ariosità, le ballerine si alzavano in punta di piedi (da qui il termine sur les pointes, per danzare sulla punta delle dita): per questo mettevano pezzi di sughero nelle scarpe. Tale trucco, insieme ai salotti che aiutavano a "volare" sul palco, fu usato nel 1796 dal francese Charles Didelot. A lui, insieme all'italiano Carlo Blasis, che ha descritto questa tecnica di danza nel libro "Dance of Terpsichore", è attribuita l'invenzione delle scarpe da punta. La prima ballerina che ha ballato il balletto Zefiro e Flora nel 1830 solo su scarpe da punta è l'italiana Maria Taglioni. Dopo il tour a San Pietroburgo, i fan le hanno comprato le scarpe e ... le hanno mangiate con la salsa. "Non è da qui che viene l'espressione 'manzo come una sogliola', che sentiamo così spesso nei ristoranti?" - pensava lo storico del balletto Alexander Pleshcheev.
C'è una leggenda: quando Maria Taglioni ha varcato il confine con la Russia, alla dogana le è stato chiesto: "Madame, dove sono i suoi gioielli?" Taglioni le sollevò le gonne e, indicandole le gambe, rispose: "Eccole". Sì, le sue gambe erano davvero dei diamanti e la sua danza ha letteralmente fatto piangere di felicità il pubblico. Taglioni apparve per la prima volta davanti al pubblico di San Pietroburgo nel 1837. Non è stato un successo, ma un trionfo. Il suo nome ha guadagnato una tale popolarità che sono apparsi il caramello Taglioni, il valzer Il ritorno di Maria Taglioni e persino i cappelli Taglioni, ma oltre alle scarpette da ballo, Maria Taglioni ha presentato all'arte e al pubblico un'altra novità, anch'essa presentata per la prima volta nel balletto La Sylphide, - un tutù bianco come la neve, che presto divenne un simbolo del balletto romantico. Questa "nuvola di gas" è stata inventata dall'artista e stilista Eugene Lamy. La tunica leggera e senza peso, a forma di fiore mezzo sbocciato, non solo aiutava il ballerino a eseguire salti senza peso, ma tecnicamente complessi, ma sembrava irradiare una luce speciale, ultraterrena, così necessaria per il balletto romantico. È vero, l'immagine che Taglioni incarnava sul palco, molto prima della prima, veniva offerta ai parigini da tutte le riviste di moda. Spalle aperte, rivoli fluenti di tessuto leggero, un po' di distacco.
Ma le fashioniste parigine, a loro volta, hanno preso in prestito il suo scialle arioso dall'eroina del balletto: gettato sulle spalle e cadendo sulle braccia, ha conferito alla silhouette della dama un aspetto malinconico, come una silfide ferma in volo. la cosa principale nell'arte di Taglioni, nata il 23 aprile 1804 a Stoccolma, era la sua danza. Iniziò ad apprendere le basi della danza all'età di otto anni e il suo debutto avvenne il 1 giugno 1822 al Teatro di Vienna nella parte di Nyfma, nel balletto Ricevimento di una giovane ninfa alla corte di Tersicore, messo in scena da suo padre. I contemporanei di Taglioni raccontano che dopo la quotidiana lezione impartitale dal padre, spesso cadeva a terra priva di sensi. Con un lavoro così sanguinoso, ha avuto una celebrazione serale di mezz'ora.
La storia di Sylphide, lo spirito dell'aria, misterioso e bellissimo, che, con il suo amore per la giovinezza terrena, distrugge se stessa e lui, si è rivelata il punto di applicazione di tutte le forze creative sia del padre che della figlia. Costume! Fu in "Sylphide" che fu portato alla perfezione e rimase immutato fino ad oggi. Il noto artista e stilista E. Lamy è stato coinvolto nella sua creazione, utilizzando un tessuto leggero multistrato per creare una tunica, o zaino, lussureggiante e allo stesso tempo senza peso, come veniva chiamata in Russia.
Oltre all'ariosa gonna a campana dietro le spalle di Taglioni, alle spalline del corpetto erano attaccate leggere ali trasparenti. Questo dettaglio teatrale appare ora come un'aggiunta del tutto naturale alla figura della Silfide, ugualmente capace di sollevarsi in aria e sprofondare a terra a suo capriccio. La testa di Maria era ben pettinata e ornata da un'elegante corolla bianca.
Per la prima volta in La Sylphide, Taglioni ha ballato non sulle mezze dita dei piedi, ma sulle scarpe da punta, che hanno creato l'illusione di un tocco leggero, quasi accidentale, sulla superficie del palcoscenico. Era un nuovo mezzo di espressione: il pubblico ha visto Sylphide e le sue amiche letteralmente sospese sopra il terreno.
Taglioni sembrava essere tessuto dalla luce della luna, illuminando misteriosamente il palco. Il pubblico si è involontariamente spinto indietro sulle sedie, abbracciato da una sensazione di ansiosa ammirazione dell'irrealtà di ciò che stava accadendo: la ballerina aveva perso il suo guscio umano - fluttuava nell'aria. Questo era contrario al buon senso.
Insomma, "La Sylphide" di Taglioni divenne un evento con una risonanza tale che solo le tempeste sociali e le grandi battaglie possono reclamare. Le persone hanno vissuto un vero shock, hanno visto con i propri occhi cos'è il talento. Ma la parte della Silfide era estranea a tutti i tipi di effetti tecnici. Ma in questo consisteva la silenziosa rivoluzione di Taglioni: un cambiamento di orientamenti, preferenze, nel trionfo del romanticismo come nuova era della coreografia. Quanti anni sono passati da allora, quanti applausi ha visto la scena quando sembrava che con un facile salto la Silfide sarebbe stata portata via per sempre!
Nel 1832 Marie sposò il conte de Voisin, ma continuò a portare il suo cognome da nubile e non rinunciò al palcoscenico. Lasciato il teatro nel 1847, visse principalmente in Italia, nelle sue ville. Maria, nei primi due anni di matrimonio, ha dato alla luce due figli: un maschio e una femmina. Ha dato lezioni di danza classica. Ancora una volta è apparsa a Parigi, ma solo per incoraggiare la sua allieva Emma Levy, una stella nascente che ha fatto rivivere le tradizioni del balletto classico che erano state dimenticate da tempo dopo la partenza di Taglioni. Per la stessa debuttante ha scritto il balletto "Butterfly".
Maria Taglioni morì a Marsiglia nel 1884 e fu sepolta nel cimitero del Père Lachaise. Sulla lapide c'è il seguente epitaffio: "Ô terre ne pèse pas trop sur elle, elle a si peu pesé sur toi" (Terra, non premere troppo forte su di essa, perché ti ha calpestato così facilmente).
Scarpe da punta
Continuando a esplorare Internet per una corrispondenza con la parola di ricerca "balletto", mi sono imbattuto nella mia risorsa preferita Gey.ru, i cui abitanti, come si è scoperto, amano molto il balletto. E gli danno molta attenzione.
Ecco cosa ho scoperto sull'argomento più interessante (e discusso più di una volta) del costume da balletto.
Costume da danza classica per uomo: da canotta e pantaloni al nudo integrale
Per gli uomini in costume da balletto, tutto è iniziato con tali campane e fischietti che oggi è impossibile persino immaginare come in tali abiti si potesse non solo ballare, ma semplicemente muoversi sul palco. Ma i ballerini si sono dimostrati dei veri combattenti per la completa liberazione del corpo dalle catene di stracci. È vero, il percorso che hanno dovuto percorrere per presentarsi davanti al pubblico quasi nudi, coprendo solo la "vergogna" con una foglia di fico chiamata benda, o addirittura nudi, si è rivelato lungo, spinoso e scandaloso.
Gonna sul telaio
Cos'era un ballerino agli albori del balletto? Il volto dell'artista era nascosto da una maschera, la sua testa era decorata con un'alta parrucca con soffici capelli soffici, le cui estremità ricadevano sulla schiena. Sopra la parrucca è stato indossato un altro incredibile copricapo. I tessuti dei vestiti erano pesanti, densi, generosamente montati. La ballerina è apparsa sul palco con una gonna su un telaio, che arrivava quasi al ginocchio e con scarpe col tacco alto. Mantelli di broccato d'oro e d'argento erano usati anche nell'abbigliamento maschile, che arrivavano fino ai talloni. Bene, solo un albero di Natale, solo che non brilla di lampadine elettriche multicolori.
Entro la fine del XVIII secolo, il costume da balletto iniziò gradualmente a cambiare, diventando più leggero ed elegante. Il motivo è la tecnica di danza più complicata, che richiede il rilascio del corpo maschile da abiti pesanti. Le innovazioni in costume, come sempre, sono dettate dal trendsetter: Parigi. L'esecutore principale ora indossa una tunica greca e sandali, le cui cinghie avvolgono la caviglia e la base del polpaccio delle gambe nude. Il ballerino del genere semi-personaggio si esibisce in una canotta corta, mutande e calze lunghe, il ballerino del ruolo caratteristico - in una camicia teatrale con colletto aperto, giacca e pantaloni. Nella seconda metà del XVIII secolo appare un attributo così importante dell'abbigliamento maschile, che, tra l'altro, è sopravvissuto fino ad oggi, come collant color carne. Questa straordinaria invenzione è attribuita al costumista dell'Opera di Parigi Mallo. Ma è improbabile che questo talentuoso monsieur immaginasse che il suo prodotto affiatato si sarebbe trasformato in qualcosa di elastico nel 20° secolo.
Albert senza pantaloni
Tutto è andato secondo la tradizione e la decenza, fino a quando il grande riformatore del teatro di balletto e appassionato ammiratore del caldo corpo maschile, Sergei Diaghilev, ha mostrato al mondo la sua impresa: le stagioni russe di Diaghilev. È qui che è iniziato tutto: scandali, rumore, isteria e ogni sorta di storie associate sia allo stesso Diaghilev che ai suoi amanti. Dopotutto, se prima una ballerina regnava sul palco e la ballerina interpretava con lei il ruolo di un obbediente gentiluomo - aiutava con la rotazione in modo che non cadesse, lo sollevava più in alto per mostrare ai balletomani cosa c'era sotto le sue gonne, quindi Diaghilev fa del ballerino il protagonista delle sue esibizioni.
Un forte scandalo, collegato non allo speciale orientamento sessuale di Diaghilev, ma solo a un costume di scena, scoppiò nel 1911 allo spettacolo "Giselle", in cui Vaslav Nijinsky - l'amante ufficiale di Diaghilev - ballava il conte Albert. Il ballerino indossava tutto ciò che era necessario per il ruolo: un body, una maglietta, una tunica corta, ma non c'erano mutandine, che all'epoca erano obbligatorie per un ballerino. E quindi, i fianchi espressivi di Nijinsky sono apparsi al pubblico nel loro franco appetito, che ha oltraggiato l'imperatrice Maria Feodorovna, che era presente allo spettacolo. La storia scandalosa si è conclusa con il licenziamento di Nijinsky "per disobbedienza e mancanza di rispetto" al palcoscenico imperiale. Ma la ricerca della danza per l'artista non si è fermata, ha continuato la sua lotta per la libertà del corpo nella danza. Nello stesso anno, Nijinsky è apparso nel balletto "Il fantasma della rosa" in un costume disegnato da Lev Bakst, adattandosi alla figura come un guanto. Poco dopo, in The Afternoon of a Faun, il ballerino Nijinsky appare sul palco con un body così audace, che sembra ancora moderno e sexy oggi. È vero, tutte queste rivelazioni stanno già avvenendo al di fuori della nativa, ma testarda Russia.
Quella dolce parola è benda
Negli anni Cinquanta, il mago della danza, idolatrando il corpo, soprattutto quello maschile, Maurice Bejart inventò un abito universale per ballerino e ballerino: una ragazza in calzamaglia nera, un giovane in calzamaglia ea torso nudo. Quindi l'abbigliamento del giovane è migliorato e il giovane rimane solo con una benda. Ma in Unione Sovietica, come sai, non c'era sesso. Non era nemmeno sul palcoscenico del balletto. Sì, certo, esisteva l'amore, ma puro: "La fontana di Bakhchisaray", "Romeo e Giulietta", ma nessuna franchezza. Questo vale anche per l'abbigliamento maschile. Il ballerino indossava mutande attillate, sopra i collant e sopra i collant anche pantaloni di cotone idrofilo. Anche se guardi attraverso il telescopio più potente, non vedrai alcun incantesimo. Tuttavia, c'erano spudorati temerari nella patria sovietica che non volevano sopportare una simile uniforme. Si dice che in uno degli spettacoli al Teatro Kirov (Mariinsky), nel 1957, l'eccezionale ballerino Vakhtang Chabukiani sia apparso sul palco in una forma molto schietta: in leggings bianchi indossati direttamente sul suo corpo nudo. Il successo ha superato tutti i limiti immaginabili. Dalla lingua tagliente, l'eccezionale insegnante di danza classica Agrippina Vaganova, alla vista della ballerina, si è rivolta a chi era seduto con lei nel palco e ha scherzato: "Vedo un tale bouquet anche senza oculari!"
Sulle orme di Chabukiani, seguì un altro ballerino Kirovsky, a quel tempo non ancora un dissidente di balletto e un gay di fama mondiale, ma solo un solista di teatro, Rudolf Nureyev. I primi due atti di "Don Chisciotte" ha ballato in un costume tradizionale, consentito dalle autorità sovietiche - in calzamaglia, su cui erano indossati pantaloni corti con sbuffi. Prima del terzo atto, dietro le quinte è scoppiato un vero scandalo: l'artista voleva indossare solo un body bianco attillato sopra una speciale benda da balletto e niente pantaloni: "Non ho bisogno di questi paralumi", ha detto. Le autorità teatrali hanno trascinato l'intervallo per un'ora, cercando di persuadere Nureyev. Quando finalmente il sipario si è aperto, il pubblico è rimasto scioccato: a tutti sembrava che si fosse dimenticato di mettersi i pantaloni.
Rudolf generalmente si sforzava di ottenere la massima nudità. In Corsair, è uscito a petto nudo, e in Don Chisciotte, un body incredibilmente sottile ha creato l'illusione della pelle nuda. Ma a piena potenza, l'artista si è già girato fuori dalla patria sovietica. Così, nella "Bella addormentata", messa in scena da lui per il National Ballet of Canada, Nureyev appare avvolto in un mantello lungo fino al pavimento. Poi volta le spalle al pubblico e piano piano abbassa il mantello fino a farlo gelare appena sotto le natiche.
Tra le gambe - spalla del cappotto
L'artista teatrale Alla Kozhenkova dice:
- Abbiamo fatto uno spettacolo di balletto. Durante la prova del costume, il solista mi dice che il costume non gli piace. Non riesco a capire qual è il problema: va tutto bene, sta benissimo con questo vestito ... E all'improvviso mi viene in mente - non gli piace la brachetta, sembra che sia troppo piccola. Il giorno dopo dico alla sarta: "Per favore, togli la spalla dal cappotto e inseriscila nella benda". Mi ha detto: "Perché? Perché?" Le ho detto: "Senti, so quello che dico, gli piacerà". Alla prova successiva, il ballerino indossa lo stesso costume e mi dice felice: "Vedi, è diventato molto meglio". E dopo un secondo aggiunge: "Solo a me sembra che tu abbia inserito una spalla femminile, ma è piccola... devi inserirne una maschile". Non ho potuto fare a meno di ridere, ma ho fatto come mi aveva chiesto. La sarta ha cucito una spalla dalla manica raglan del cappotto di un uomo nella benda. L'artista era al settimo cielo dalla felicità.
Una volta veniva inserito un piede di lepre, ma ora non è più di moda - non il formato, ma la spalla del cappotto è ciò di cui hai bisogno.
Nureyev è stato un pioniere della nudità a Leningrado, ea Mosca è stato rivaleggiato da Maris Liepa. Come Nureyev, adorava il suo corpo e altrettanto risolutamente lo esponeva. È stato Liepa il primo nella capitale a salire sul palco con una benda indossata sotto un collant.
Uomo o donna?
Ma la cosa più interessante è che gli uomini nel ventesimo secolo hanno cercato non solo di esporre il più possibile i loro corpi, ma anche di coprirli. Ad alcuni sono piaciuti particolarmente i costumi da balletto delle donne. Un vero shock è stato causato in Russia dalla creazione del Balletto maschile di Valery Mikhailovsky, i cui artisti, in tutta serietà, hanno eseguito il repertorio femminile nei più veri abiti da donna.
- Valery, chi ha avuto l'idea di creare una compagnia così insolita? chiedo a Mikhailovsky.
- L'idea è mia.
- Adesso è difficile impressionare il pubblico con qualcosa, ma come venivano percepiti i tuoi, per così dire, balli donna-uomo dieci anni fa, quando apparve la squadra. Sei stato accusato di omosessualità scioccante?
- Sì, non è stato facile. C'erano tutti i tipi di pettegolezzi. Tuttavia, il pubblico ci accoglie con piacere. E non ci sono state accuse di omosessualità. Anche se ognuno è libero di pensare e vedere quello che vuole. Non convinceremo nessuno.
- Esisteva qualcosa di simile nel mondo della danza prima del tuo balletto maschile?
- C'è una compagnia del Trocadero de Monte Carlo a New York, ma quello che fanno è completamente diverso. Hanno una cruda parodia della danza classica. Facciamo anche la parodia del balletto, ma lo facciamo, possedendo una professione.
- Vuoi dire che hai padroneggiato alla perfezione la tecnica della danza classica femminile?
- In generale, inizialmente non abbiamo cercato di sostituire una donna nel balletto. Una donna è così bella che non vale la pena invaderla. E non importa quanto sia elegante, raffinato, plastico un uomo, non ballerà mai come balla una donna. Pertanto, le parti delle donne dovrebbero essere ballate con umorismo. Cosa stiamo dimostrando.
Ma prima, ovviamente, era necessario padroneggiare la tecnica femminile.
- E qual è la taglia delle scarpe dei tuoi giovani? Maschio o femmina?
- Da quarantuno a quarantatré. E anche questo era un problema: non ci sono ballerine da donna di queste dimensioni in natura, quindi sono fatte su ordinazione per noi. A proposito, ognuno dei ballerini ha il proprio nome.
- Come nascondi la tua virilità - muscoli, peli sul petto e ogni sorta di altri dettagli succosi?
- Non nascondiamo nulla e non cerchiamo di fuorviare il pubblico; al contrario, sottolineiamo che davanti a loro non parlano le donne, ma gli uomini.
- Eppure, qualcuno può essere ingannato. Ci devono essere stati molti episodi divertenti?
- Sì, è bastato. Era, a quanto pare, era a Perm. I ragazzi, già truccati, con le parrucche, si stanno riscaldando sul palco prima dell'inizio dello spettacolo, e io sono nel backstage e ascolto la conversazione di due addetti alle pulizie. Uno dice all'altro: "Senti, hai mai visto ballerine così robuste?" Al che lei risponde: "No, mai, ma senti di che basso stanno parlando?" - "Sì, cosa c'è da stupirsi, tutto fumoso."
- Qualcuno degli spettatori maschi ha offerto ai tuoi artisti una mano e un cuore?
- NO. È vero, una volta che uno spettatore che ha pagato un sacco di soldi per un biglietto è venuto nel backstage e ha chiesto di dimostrargli che non stavano parlando donne ma uomini davanti a lui, dicono, guardando dall'auditorium, non ha capito.
- E come l'hai dimostrato?
- I ragazzi erano già svestiti, senza pacchi, e lui ha capito tutto.
Tutto è filmato
In effetti, oggi non puoi sorprendere il pubblico con niente: né un uomo in tutù, né i body più attillati, né una benda. Fosse solo con un corpo nudo... Oggi, sempre più spesso, un corpo nudo compare nei gruppi che praticano la danza moderna. Questa è una specie di esca e giocattolo seducente. Un corpo nudo può essere triste, patetico o giocoso. Uno scherzo del genere è stato interpretato a Mosca alcuni anni fa dalla compagnia americana Ted Shawn's Dancing Men. I giovani sono apparsi sul palco, vestiti modestamente con abiti corti da donna, che ricordano gli abbinamenti. Non appena la danza ebbe inizio, l'auditorium andò in estasi. Il fatto è che sotto le gonne gli uomini non indossavano niente. Il pubblico, in un folle desiderio di vedere meglio l'economia dei ricchi, che improvvisamente si è aperta loro, è quasi volato giù dai posti. Le teste degli spettatori entusiasti si contorcevano dopo le piroette di danza, e gli occhi sembravano uscire dagli oculari del binocolo, che in un istante si attaccava al palco dove i ballerini si divertivano di cuore nella loro danza maliziosa. Era sia divertente che eccitante, più forte di qualsiasi spogliarello più figo.
Il nostro ex connazionale e ora star internazionale Vladimir Malakhov si esibisce completamente nudo in uno dei balletti. A proposito, quando Vladimir viveva ancora a Mosca, è stato duramente picchiato all'ingresso di casa sua (quindi ha dovuto farsi dei punti di sutura in testa) proprio a causa del suo orientamento sessuale non tradizionale. Ora Malakhov balla in tutto il mondo, anche completamente nudo. Lui stesso crede che la nudità non sia scioccante, ma l'immaginario artistico del balletto in cui balla.
Alla fine del XX secolo, il corpo ha vinto sul costume nella lotta per la sua libertà. Ed è naturale. Dopotutto, cos'è uno spettacolo di balletto? È una danza di corpi che risveglia i corpi degli spettatori. Ed è meglio guardare una tale esibizione con il corpo, non con gli occhi. È per questo risveglio corporeo del pubblico che il corpo della danza ha bisogno di completa libertà. Quindi viva la libertà!
L'articolo è tratto dalla risorsa informativa www.gay.ru.
Storia del tutù di balletto. Foto – thevintagenews.com
Una ballerina nella mente di qualsiasi persona è certamente rappresentata in un tutù.
Questo costume di scena è diventato parte integrante del balletto classico.
Tuttavia, non è sempre stato così. L'immagine moderna di una ballerina, prima di essere finalmente formata, ha subito molti cambiamenti e ha fatto molta strada.
Molti potrebbero essere sorpresi, ma fino alla seconda metà del XIX secolo le ballerine si esibivano sul palco semplicemente con abiti eleganti, che differivano poco da quelli in cui arrivavano gli spettatori.
Era un vestito con corsetto, un po' più corto del solito, piuttosto voluminoso. Le ballerine si esibivano sempre con i tacchi. La quota di ballerine è stata un po' facilitata dalla nuova moda per l'antichità. A proposito, le trame mitologiche iniziarono ad essere utilizzate nel balletto, ad esempio Amore e Psiche.
Maria Tiglioni nel balletto Zefiro e Flora. Ecco com'era il primo pacchetto, ora si chiama "shopenka" Le donne iniziarono a indossare abiti ariosi e traslucidi a vita alta. Erano anche leggermente bagnati in modo che il tessuto si adattasse meglio al corpo. I collant erano indossati sotto i vestiti e i sandali erano indossati ai piedi.
Ma nel tempo, la tecnica delle ballerine è diventata più complicata e per il palcoscenico sono stati richiesti abiti più leggeri. In primo luogo, la prima abbandonò i corsetti, poi accorciò le gonne e l'abito stesso iniziò ad adattarsi come una seconda pelle.
Chi ha inventato il pacchetto
Per la prima volta in tutù di balletto, Maria Taglione apparve davanti al pubblico il 12 marzo 1839. In questo giorno c'è stata la prima di "La Sylphide", in cui la ballerina ha eseguito la parte principale della fata delle fate.
Per un ruolo del genere era richiesto un abbigliamento adeguato. Fu inventato per la figlia di Filippo Taglioni.
Secondo una versione, la goffa figura di Maria divenne l'impulso per la creazione dei successivi abiti da balletto classico. Per nascondere i difetti, Taglioni ha inventato un vestito che conferiva all'intero aspetto dell'eroina ariosità e grazia.
L'abito è stato creato secondo gli schizzi di Eugene Lamy. Quindi la gonna è stata cucita in tulle. È vero, a quei tempi il tutù non era affatto corto come adesso.
La successiva "trasformazione" del branco è avvenuta poco dopo. Ma all'inizio il mondo del balletto ha preso con ostilità anche un abbigliamento così modesto.
Il tutù non era particolarmente gradito alle ballerine con gambe non molto belle. Ma la gioia del pubblico e dei critici d'arte, che ammiravano l'ariosità dei ballerini, non conosceva limiti. Non l'ultimo ruolo in questo è stato svolto da un branco. Quindi questo costume ha messo radici e poi è diventato un classico.
A proposito, c'è una leggenda su Maria Taglioni. Quando ha passato il confine con la Russia, i doganieri le hanno chiesto se portava gioielli. Poi la ballerina ha alzato la gonna e ha mostrato le gambe. Maria è stata la prima a prendere le scarpe da punta.
Come il tutù si è abituato in Russia
La Russia zarista era conservatrice e non accettò subito la novità. Questo accadde solo mezzo secolo dopo. Ma è stato nel nostro paese che il branco è cambiato di nuovo.
L'innovatore fu la prima del Teatro Bolshoi Adeline Dzhuri all'inizio del 1900. Alla capricciosa signora non piaceva la gonna lunga con cui doveva posare per i fotografi. La ballerina ha appena preso le forbici e ha tagliato un pezzo decente dell'orlo. Da allora, la moda per i pacchetti corti è passata.
In quale altro modo è cambiato il branco
Sebbene dall'inizio del XX secolo il tutù abbia acquisito la forma e la forma che conosciamo fino ad oggi, le persone lo hanno sempre sperimentato. Nelle produzioni, come Marius Petipa, la ballerina poteva vestirsi con costumi di stili diversi.
In alcune scene è apparsa con il solito abito "civile", e per le parti soliste ha indossato un tutù per dimostrare tutte le sue capacità e il suo talento. Anna Pavlova si è esibita con una gonna lunga e ampia.
Negli anni '30 e '40 tornarono in scena i tutù da balletto del XIX secolo. Solo ora veniva chiamata in modo diverso: "shopenka". E tutto perché Mikhail Fokin ha vestito i ballerini con la sua Chopiniana. Altri registi allo stesso tempo usavano un tutù corto e lussureggiante.
E dagli anni '60 si è trasformato in un cerchio piatto. Qualunque cosa sia decorata la confezione: strass, perle di vetro, piume, pietre preziose.
Di cosa sono fatte le confezioni?
I tutù di balletto sono cuciti da un leggero tessuto traslucido: il tulle. Innanzitutto, i designer creano uno schizzo. Naturalmente, vengono prese in considerazione le caratteristiche della figura di ogni ballerina, e quindi il disegno dell'abito per ogni ballerina è diverso.
La larghezza del tutù dipende dall'altezza della ballerina. In media, il suo raggio è di 48 cm.
Una confezione richiede più di 11 metri di tulle. Ci vogliono circa due settimane per fare un pacchetto. Con tutta la varietà di modelli, ci sono regole rigide per la sartoria.
Ad esempio, sui pacchi non vengono mai cucite né cerniere né bottoni, che possono staccarsi durante uno spettacolo. Come elementi di fissaggio vengono utilizzati solo ganci, ma in sequenza rigorosa, o meglio, in uno schema a scacchiera. E a volte, se la produzione è particolarmente difficile, i tutù vengono cuciti a mano sulla ballerina prima di salire sul palco.
Quali sono i pacchetti
Il pacchetto ha molti nomi. Quindi, se senti le parole "tunica" o "tutù" da qualche parte, sappi che significano lo stesso branco. Ora scopriamo quali sono i tipi di pacchetti.
Alexander Radunsky e Maya Plisetskaya nel balletto di R. Shchedrin The Little Humpbacked Horse Il tutù classico è una gonna a forma di pancake. A proposito, i solisti sono direttamente coinvolti nella creazione del loro costume. Possono optare per una forma a tutù che può essere parallela al pavimento o con una gonna leggermente scesa.
"Shopenka", una gonna lunga, cucio anche di tulle. Questa forma di gonna è ottima per creare personaggi mitici o creature inanimate.
Il vantaggio di un tale vestito è che nasconde ginocchia non sufficientemente strette e altri difetti, ma attira l'attenzione sui piedi.
Un altro tipo di vestito che non esce dall'uso del balletto è una tunica. La sua gonna è monostrato, cucita più spesso dallo chiffon. In questo vestito viene interpretato il ruolo di Giulietta.
Perché abbiamo bisogno di tutù durante le prove
Per le prove di spettacoli di balletto, i tutù vengono cuciti separatamente. Sono più facili da indossare e da togliere rispetto a quelli in cui le ballerine salgono sul palco.
Quindi, tutte le parti di un costume di scena possono essere cucite insieme, mentre per le prove non è necessario un corpetto, ma viene utilizzata solo una gonna con mutandine. Inoltre, i pacchetti di prova non hanno così tanti livelli.
Un tutù di prova è un must. Dopotutto, i ballerini dovrebbero vedere immediatamente dove interferirà il tutù, dove può salire o essere ferito da un partner. E il regista sarà in grado di formare uno schema di danza.
Il tutù è così saldamente radicato che viene utilizzato non solo sul palcoscenico del balletto. È vero, al di fuori del suo branco serve numeri comici di artisti di varietà e persino nel circo.
La storia dei costumi di balletto è iniziata diversi secoli fa. Le prime prime ballerine erano costrette a indossare abiti, sebbene di aspetto lussuoso, ma estremamente pesanti: gonne lunghe e corsetti gonfi erano decorati con scaglie di pietre, perle, balze, che rendevano i movimenti limitati. L'abbigliamento da balletto femminile è cambiato completamente grazie al coreografo Filippo Taglioni, che nel XIX secolo sviluppò per primo un costume completamente nuovo e inventò le scarpe da punta per sua figlia. Altri intenditori di storia affermano che Maria Taglioni sia diventata la scopritrice, ma il design dell'abbigliamento stesso è stato creato dall'artista Eugene Lamy. E per la prima volta nel marzo 1839, il mondo vide Maria Taglioni sulle punte, eseguire con grazia complessi passi di balletto.
Da allora, l'abbigliamento da balletto ha iniziato a cambiare rapidamente, diventando più corto e leggero. Dopotutto, era davvero difficile ballare sulle punte con gonne voluminose con corsetti pesanti. Le gonne iniziarono a essere cucite con tessuti ariosi, la loro lunghezza arrivava fino alle ginocchia, cambiando leggermente verso l'alto o verso il basso. Anche il volume è gradualmente diminuito.
Un'intera epoca nello sviluppo del balletto in URSS fu il periodo della "cortina di ferro". Quindi il tutù classico è diventato il più comune. E a causa del fatto che le tendenze delle fashioniste occidentali erano chiuse alle ballerine sovietiche, nel tempo la comunità mondiale ha riconosciuto che la scuola russa non ha eguali in termini di tecnica e bellezza delle prestazioni. Linee aggraziate del corpo, affinate all'ideale del movimento: le ballerine russe sono state ammirate da tutti dal momento in cui è calato il "sipario" fino ai giorni nostri.
Nella danza moderna non ci sono requisiti così severi per l'abbigliamento. Ad esempio, un costume da balletto per una ragazza può consistere in una gonna da allenamento e collant, un body e calzini bianchi. Naturalmente, per le esibizioni, il costume sarà completamente diverso. Tuttavia, oggi le ballerine si esibiscono in abiti attillati, collant, gonne a taglio libero e, naturalmente, non possono fare a meno di una classica gonna da sole.
La confezione merita sempre un'attenzione particolare. Dopotutto, è con lei che il costume da ballerina ottiene il completo completamento dell'immagine. I tipi più comuni di pacchetti sono:
1. Tutù classico: una gonna rotonda e in piedi di 10-12 strati, che può essere vista su ballerine in produzioni come, ad esempio, Il lago dei cigni, Don Chisciotte, Paquita, ecc. Molto spesso, viene inserito un cerchio d'acciaio per una fissazione rigida. Un'eccezione possono essere i pacchetti per i più piccoli. Affinché la gonna sia sempre in forma, è preferibile riporla in posizione eretta in un apposito astuccio.
2. Tutu-bell o chopinka: una gonna allungata e ariosa. Non ha anelli rigidi e il numero di strati di tessuto è molto inferiore rispetto a quello classico. Grazie a questo, le ballerine sembrano particolarmente riverenti e gentili. Chopinka è l'ideale per interpretare ruoli romantici. Ad esempio, per la produzione di "Sylphilia", "Vision of the Rose".
3. Chiton: una gonna di guipure monostrato che aggiunge fragilità a un corpo femminile già snello sul palco. Molto spesso indossato per la produzione di "Romeo e Giulietta".
Qualsiasi abbigliamento da balletto che puoi acquistare da noi riflette l'individualità, sottolinea la raffinatezza e la femminilità. Anche se sembra che, ad esempio, una gonna classica non possa essere cucita in modo diverso, abbassando leggermente i bordi o sollevandoli si otterrà un look completamente nuovo! Decora con perline, strass, perle, strisce, piume e ora ottieni un costume completamente nuovo che nessun altro ha. Contattaci - e renderemo la tua immagine perfetta!
L'eleganza dell'arte del balletto tocca sempre l'anima di adulti e bambini. Le ragazze sono pronte a passare ore a guardare gli abiti più belli con graziose gonne tutù e top ricamati con perline o strass. E se un bambino non pratica il balletto, ma sogna di provare un vestito del genere, perché non accontentare la tua piccola figlia e trasformarla in una ballerina a una festa di Capodanno? Inoltre, creare un'immagine del genere non è affatto difficile e non è costoso.
Il costume da ballerina è adatto non solo per la festa di Capodanno. Puoi indossarlo facilmente per un compleanno o semplicemente per giocare. Pertanto, non dovresti rimandare la sua creazione e pensare che ora non sia il momento giusto. La descrizione che segue faciliterà la comprensione della sequenza del lavoro, a seguito della quale uscirà sicuramente un delizioso costume da ballerina.
Dettagli dell'immagine
Per non dimenticare un singolo dettaglio, vale la pena determinare immediatamente quali elementi dell'immagine devono essere presenti nel costume. È meglio scattare una foto come esempio o disegnare tu stesso uno schizzo dell'abito desiderato. Un costume da ballerina deve avere anche un bel top o una maglietta attillata a maniche lunghe. Puoi prendere il golf già pronto con la gola. Avrai anche bisogno di calzini. Le scarpe da punta possono facilmente sostituire ceche o scarpe, sulle quali puoi attaccare pezzi di nastri di raso che dovranno essere avvolti attorno agli stinchi. Se per la parte superiore viene utilizzata una maglietta con spalline sottili, i guanti bianchi completeranno perfettamente l'abito. I fiori artificiali possono essere intrecciati nei capelli lunghi e le forcine per capelli o una fascia con una bella decorazione sono adatte per un taglio di capelli corto.
colore della tuta
Il costume da ballerina per bambini può essere realizzato in qualsiasi colore. Un dettaglio chiave come una gonna tutù renderà il look immediatamente riconoscibile, che sia in bianco o nero o in qualsiasi altra tonalità dell'arcobaleno. Qui è meglio consultare una piccola fashionista e darle l'opportunità di partecipare alla creazione della sua immagine.
Creazione di una gonna
La domanda principale durante la creazione è come cucire un pacchetto. È questo capo di abbigliamento che nella maggior parte dei casi causa difficoltà. Tuttavia, il processo di creazione di una gonna tutù è complicato solo a prima vista. Ci sono diverse opzioni per creare questa cosa, una di queste non richiede affatto abilità di cucito. Per lavoro avrete bisogno di un elastico denso in base al volume della vita del bambino e tre metri di tulle, tagliato a strisce larghe 10-15 cm e lunghe 60 o 80 cm, a seconda del tipo di gonna necessaria. L'intero processo consiste nel fatto che le strisce di tessuto devono essere legate con un elastico l'una vicino all'altra. È molto importante che il tulle sia ben stirato, perché il prodotto finito è piuttosto difficile da mettere in ordine se il tessuto è stropicciato.
Vale anche la pena considerare l'opzione di come cucire un pacco usando una macchina da cucire. Anche qui tutto è abbastanza semplice. Tre strisce di tulle con una larghezza pari alla lunghezza della gonna + 3 cm e una lunghezza di 4,5-6 metri sono piegate lungo i tagli, viene posata una linea, partendo dal bordo di 1 cm, quindi la cucitura posteriore del la gonna è cucita e una coulisse è realizzata lungo la parte superiore per un elastico, infilando il bordo cucito del tessuto all'interno. Dopodiché, resta da mettere un forte elastico nel cordoncino. Tutto, il pacco è pronto!
Creazione superiore
Se nel guardaroba del bambino non è stata trovata una maglietta adatta, può essere cucita con tessuto a maglia. Per fare questo, hai bisogno di una striscia di tessuto con una larghezza pari alla misura dalla spalla e appena sotto la vita, e la lunghezza della vita del bambino. Il tessuto viene piegato a metà, il collo e il giromanica vengono disegnati, l'eccesso viene tagliato e quindi vengono lavorate le spalle e le cuciture laterali. Se prendi un supplex per lavoro, le fette possono essere lasciate semplicemente aperte. Non si sbricioleranno né diventeranno frecce. Nel caso della tela di cotone, puoi lavorarli con un elastico. Come puoi vedere dalla descrizione, cucire un top su un costume da ballerina con le tue mani non è molto difficile, l'intero processo non richiederà più di 20 minuti.
Fare guanti
I guanti sono meglio cuciti da supplex o da olio. Il cotone non è adatto a questo scopo. Certo, un costume da ballerina sembrerà più armonioso, in cui la parte superiore e i guanti sono cuciti con lo stesso materiale. Tuttavia, non è necessario utilizzare una tela identica. Inoltre, i guanti possono essere cuciti dalla guipure lavorata a maglia, che sembrerà molto delicata e romantica.
Quindi, per cucire i guanti, è necessario tagliare una striscia di tessuto pari alla lunghezza desiderata e alla larghezza del polso del bambino + 1 cm, lungo un bordo della striscia (parte superiore del guanto) deve essere cucito un elastico. Dopo che il pezzo in lavorazione è stato piegato lungo sezioni lunghe e un piccolo angolo viene tagliato lungo il fondo del guanto per sovrapporre la mano. Sul grembo è cucito un anello di nastro di raso per un dito. E infine chiudi la cucitura del guanto.
elementi decorativi
Un costume da ballerina per una ragazza deve essere decorato con vari fiori, pietre, strass o paillettes. Sono questi elementi che aggiungeranno eleganza e brillantezza all'immagine creata. Il costume da ballerina può essere ricamato con la pioggia. Allo stesso tempo, l'abito stesso dovrebbe essere realizzato in verde, come se la ballerina interpretasse il ruolo di un albero di Natale, o lasciasse l'immagine bianca come la neve, associandola a morbidi e soffici fiocchi di neve.
L'opzione ideale per creare un pacchetto è il tulle. Ma ha molte varietà. Ci sono tele con un rivestimento brillante, con piccoli pois ad anello e persino con un motivo. Si distingue anche per la durezza. Il tulle troppo denso mantiene bene la sua forma e può essere utilizzato come uno degli strati di un tutù cucito per una forma più sinuosa.
È anche impossibile ignorare un materiale come il pizzo in organza. Molto spesso è ricamato con paillettes e sembra molto insolito. Può essere abbinato a tulle rigido e morbido e creare una gonna originale. Tuttavia, con un arredamento così ricco della confezione, la parte superiore dovrebbe essere lasciata opaca e semplice. Un costume da ballerina per il nuovo anno può essere realizzato in tulle in un piccolo fiocco di neve, abbinato a un top calmo. Oppure crea un pacco di strisce di materiale e incolla sopra pezzi di tinsel.
Un costume da ballerina per una ragazza può essere a tema. Cosa impedisce, ad esempio, di creare un personaggio da "Il lago dei cigni"? Un bellissimo tutù con cigno incollato e una fascia abbinata - e l'abito di un affascinante cigno è pronto.
Opzioni di creazione del pacchetto
Certo, il tulle è molto facile da lavorare, ma ci sono altri materiali degni a cui dovresti prestare attenzione. Il costume di carnevale "Ballerina" starà benissimo con un tutù di chiffon o l'organza già menzionata sopra. La tecnica di taglio e cucito di una tale gonna è leggermente diversa e richiede alcune abilità.
Per creare un prodotto del genere, avrai bisogno di un modello per una gonna da sole, regelin sottile, per lavorare l'orlo e un elastico in vita. La quantità di tessuto viene calcolata in base al numero di strati della gonna. Per rendere il prodotto bello, dovrebbero esserci almeno tre strati.
Il processo di creazione consiste nel ritagliare tre o più cerchi dal tessuto principale secondo il motivo, fare un taglio in vita con un elastico, unire tutti gli strati insieme, e poi lavorarli lungo il bordo esterno con regelin e un bordo obliquo, tendendo la tela per formare delle onde. Una gonna così originale va bene per l'abbinamento con un top in raso, fiori di organza, pietre e strass.
Accessori aggiuntivi
Molto spesso, per un costume da ballerina, vengono cucite piccole gonne sulle mani, che vengono messe sull'avambraccio. E devo dire che tali elementi sembrano piuttosto interessanti. Per cucire un accessorio del genere, avrai bisogno di una striscia del tessuto principale da cui è composta la confezione, lunga circa 50 cm e larga non più di 7 cm, cucita lungo un taglio più piccolo, un bordo viene lavorato in un colletto o un bordo obliquo, e sulla seconda coulisse per elastico.
Per rendere l'immagine più realistica, non si può fare a meno delle scarpe da punta o della loro imitazione. Sono già state menzionate scarpe o scarpe ceche e nastri di raso, ma l'intero problema è che se il bambino si muove molto, l'intera imbracatura attorno alla gamba cadrà semplicemente. Pertanto, puoi usare un piccolo trucco: prendi le calze, indossa la gamba di un bambino, avvolgi il lino e legalo con un bel fiocco, quindi attacca con cura il nastro al golf con piccoli punti. Con una vestibilità così sicura, puoi ballare per ore e ore.
Un altro accessorio interessante che è consuetudine indossare per le ballerine è un fiore al polso. Puoi prendere una rosa o un giglio di una misura adatta in un salone da sposa, anche con piume di cigno e pendenti di perline, e cucirlo su una normale fascia per capelli bianchi. Puoi decorare i tuoi capelli con un fiore simile.
