A proposito degli artisti e del loro lavoro. Dipinti e artisti (argomento in inglese) Showforum come rappresenta l'artista

Si scopre che altre immagini sono nascoste sotto i dipinti di alcuni artisti famosi. A volte, se guardi da vicino, sono visibili ad occhio nudo. Ma più spesso vengono trovati dagli storici dell'arte mentre studiano i dipinti di famosi maestri o restauratori che lavorano al restauro di dipinti. Nella nostra recensione, ci sono sei casi più interessanti in cui i dipinti erano pieni di immagini nascoste.

Rispondendo alla domanda sui dipinti nascosti, gli scienziati notano che le ragioni della loro apparizione su tele conosciute sono diverse. A volte all'artista semplicemente non piaceva la versione originale, a volte l'immagine doveva essere ridisegnata a causa dell'opinione pubblica, e capitava anche che gli artisti si trovassero in difficoltà finanziarie, non potessero permettersi di acquistare una nuova tela e usassero quelle vecchie per le loro nuove opere.

1. Busto del monarca nel dipinto di Jean Auguste Ingres

Sul lato sinistro il dipinto dell'artista neoclassico francese Ingres "Ritratto di Jacques Marquet, barone de Montbreton de Norvin" (1811-12), che raffigura il capo della polizia a Roma dopo la conquista della città da parte di Napoleone, anche con ad occhio nudo si può vedere il busto della testa di un bambino. Si ritiene che questo sia un busto della testa del figlio di Napoleone, che suo padre proclamò re di Roma. Nel 1814, quando Napoleone fu finalmente sconfitto e abdicò, Ingres ridipinse il dipinto per motivi politici e ne dipinse uno nuovo sopra.

2. Donna nel "Vecchio chitarrista" di Picasso

Pablo Picasso ebbe un periodo difficile nel 1901-1904, quando non aveva nemmeno i soldi per acquistare nuovi materiali per il lavoro. Spesso innescava vecchie tele e le usava per creare nuovi dipinti. Uno degli esempi più famosi di pentimento nelle opere di Picasso è il dipinto "Il vecchio chitarrista", in cui è stata scoperta una figura dipinta di una donna.

I critici d'arte hanno già notato un contorno sfocato dietro il collo ricurvo del chitarrista, ma solo illuminando l'immagine con i raggi X hanno rivelato una vecchia immagine di una donna che allatta un bambino piccolo, e accanto a loro ci sono un toro e una pecora.

3. L'uomo con la barba nella Stanza Blu di Picasso

Il dipinto di Picasso La stanza blu, dipinto nel 1901, contiene anche un segreto recentemente rivelato dalla tomografia ottica a infrarossi. Se metti l'immagine in verticale, sotto uno strato di vernice si trova un certo uomo barbuto con molti anelli alle dita.

4. Tracolla nel "Ritratto di Madame X" di John Singer Sargent

Il "Ritratto di Madame X", esposto al Metropolitan Museum of Art, è considerato un'icona di stile per i semplici abiti neri della dama raffigurata su di esso, la sua figura maestosa e l'espressione altera del viso. Tuttavia, un tempo questo ritratto era considerato uno scandaloso insulto alla decenza e ebbe un impatto molto negativo sulla carriera dell'artista in Europa.

La donna nel ritratto è la famosa socialite parigina Virginie Gautreau. Il pallore della sua pelle, che all'epoca era considerata l'epitome della bellezza, portò un critico contemporaneo a descrivere il tono della pelle di Gautreau come "cadaverico". Questo effetto è stato ottenuto attraverso l'uso di arsenico. Gautreau ha anche tinto i suoi capelli con l'henné per un maggiore contrasto. Per sottolineare l'insolita bellezza di Gautreau, Sargent l'ha raffigurata in un abito nero, una delle cui spalline le ricadeva civettuola sulla spalla.

Quando il ritratto è stato esposto per la prima volta al Salon di Parigi, il pubblico è esploso di indignazione, poiché la tracolla semicaduta è risultata molto oscena. Di conseguenza, Sargent ha riscritto questo dettaglio del vestito, sollevandolo sopra la spalla.

5. Donna alla finestra

Alla National Gallery di Londra, durante il restauro di una tela del 1500 di autore ignoto, è stato scoperto un insolito "trucco". Si è scoperto che la bionda nella foto è in realtà una bruna e il colore dei suoi capelli è stato riscritto dall'artista rispetto all'originale. Oggi il dipinto è stato riportato al suo stato originale ed è conservato nella National Gallery.

6. La balena nella "scena della spiaggia" di Hendrick van Antonissen

Quando questo dipinto olandese del XVII secolo fu donato al Fitzwilliam Museum, raffigurava semplicemente una scena di spiaggia. Tuttavia, gli storici dell'arte sono rimasti perplessi sul motivo per cui il dipinto raffigura una folla radunata vicino all'acqua senza una ragione apparente. Dopo il restauro, sotto uno strato di vernice, è stata scoperta l'immagine di una balena portata a riva. Si ritiene che la balena sia stata ridipinta per motivi estetici nel XVIII o XIX secolo.

Gli intenditori d'arte saranno interessati a conoscere.

Oggi presentiamo alla vostra attenzione venti dipinti degni di attenzione e riconoscimento. Questi dipinti sono stati dipinti da artisti famosi e dovrebbero essere conosciuti non solo dalla persona che si occupa di arte, ma anche dai comuni mortali, poiché l'arte dipinge la nostra vita, l'estetica approfondisce la nostra visione del mondo. Dai all'arte il giusto posto nella tua vita...

1. "L'ultima cena". Leonardo Da Vinci, 1495 - 1498

Dipinto monumentale di Leonardo da Vinci raffigurante la scena dell'ultimo pasto di Cristo con i suoi discepoli. Creato negli anni 1495-1498 nel monastero domenicano di Santa Maria delle Grazie a Milano.

Il dipinto fu commissionato da Leonardo al suo mecenate, il duca Lodovico Sforza ea sua moglie Beatrice d'Este. Lo stemma degli Sforza è dipinto sulle lunette sopra il dipinto, formato da un soffitto a tre arcate. Il dipinto fu iniziato nel 1495 e completato nel 1498; il lavoro era intermittente. La data di inizio dei lavori non è esatta, perché "gli archivi del monastero andarono distrutti, e una parte insignificante dei documenti che abbiamo datati al 1497, quando il dipinto era quasi terminato".

Il dipinto divenne una pietra miliare nella storia del Rinascimento: la profondità prospettica correttamente riprodotta cambiò la direzione dello sviluppo della pittura occidentale.

Si ritiene che in questa immagine siano nascosti molti segreti e suggerimenti, ad esempio si presume che le immagini di Gesù e Giuda siano cancellate da una persona. Quando Da Vinci dipinse il quadro, nella sua visione, Gesù personificava la bontà, mentre Giuda era il puro male. E quando il maestro trovò il "suo Giuda" (un ubriacone della strada), si scoprì che, secondo gli storici, questo ubriacone era servito da prototipo per dipingere l'immagine di Gesù qualche anno prima. Quindi, possiamo dire che questa immagine ha catturato una persona in diversi periodi della sua vita.

2. "Girasoli". Vincent van Gogh, 1887

Nome di due cicli di dipinti dell'artista olandese Vincent van Gogh. La prima serie fu realizzata a Parigi nel 1887. È dedicato ai fiori sdraiati. La seconda serie fu completata un anno dopo, ad Arles. Raffigura un mazzo di girasoli in un vaso. Due dipinti parigini furono acquistati dall'amico di Van Gogh, Paul Gauguin.

L'artista ha dipinto i girasoli undici volte. I primi quattro dipinti furono realizzati a Parigi nell'agosto-settembre 1887. Grandi fiori recisi giacciono come strane creature che muoiono davanti ai nostri occhi.

3. "La nona ondata". Ivan Konstantinovich Aivazovsky?, 1850.

Uno dei dipinti più famosi del pittore marino russo Ivan Aivazovsky è conservato nel Museo Russo.

Il pittore raffigura il mare dopo la più forte tempesta notturna e le persone che hanno fatto naufragio. I raggi del sole illuminano le enormi onde. Il più grande di loro - il nono albero - è pronto a cadere sulle persone che cercano di scappare sul relitto dell'albero.

Nonostante il fatto che la nave sia distrutta e rimanga solo l'albero, le persone sull'albero sono vive e continuano a combattere contro gli elementi. I toni caldi dell'immagine rendono il mare non così aspro e danno allo spettatore la speranza che le persone vengano salvate.

Creato nel 1850, il dipinto "La nona onda" divenne subito il più famoso di tutti i suoi porti turistici e fu acquisito da Nicola I.

4. "Maja nuda". Francesco Goia, 1797-1800

Dipinto dell'artista spagnolo Francisco Goya, dipinto intorno al 1797-1800. Fa coppia con il dipinto "Maja vestita" (La maja vestida). I dipinti raffigurano Maja, una cittadina spagnola dei secoli XVIII-XIX, uno degli oggetti dell'immagine preferiti dall'artista. Maja Nude è una delle prime opere dell'arte occidentale raffigurante una donna completamente nuda senza connotazioni mitologiche o negative.

5. "Volo degli innamorati". Marc Chagall, 1914-1918

I lavori per il dipinto "Above the City" iniziarono nel 1914 e il maestro applicò gli ultimi ritocchi solo nel 1918. Durante questo periodo, Bella si trasformò da amata non solo in una sposa adorata, ma anche nella madre della loro figlia Ida, diventando per sempre la musa principale del pittore. L'unione di una ricca figlia di un gioielliere ereditario e di un semplice giovane ebreo, il cui padre si guadagnava da vivere scaricando aringhe, può essere definita solo una disalleanza, ma l'amore era più forte e superava tutte le convenzioni. È stato questo amore che li ha ispirati, elevandoli al cielo.

Karina raffigura contemporaneamente i due amori di Chagall: Bella e il caro Vitebsk. Le strade si presentano sotto forma di case, separate da un'alta staccionata scura. Lo spettatore non noterà immediatamente una capra che pascola a sinistra del centro dell'immagine, e un uomo semplice con i pantaloni abbassati in primo piano - un umorismo del pittore, che esce dal contesto generale e dall'atmosfera romantica dell'opera, ma questo è l'intero Chagall ...

6. "Il volto della guerra". Salvador Dalì, 1940

Dipinto dell'artista spagnolo Salvador Dali, dipinto nel 1940.

Il dipinto è stato creato sulla strada per gli Stati Uniti. Colpito dalla tragedia scoppiata nel mondo, dalla sete di sangue dei politici, il comandante inizia a lavorare sulla nave. Situato nel Museo Boijmans-van Beuningen di Rotterdam.

Avendo perso ogni speranza per una vita normale in Europa, l'artista lascia la sua amata Parigi per l'America. La guerra copre il Vecchio Mondo e cerca di conquistare il resto del mondo. Il maestro non sa ancora che rimanere nel Nuovo Mondo per otto anni lo renderà veramente famoso e le sue opere - capolavori dell'arte mondiale.

7. "Urla". Edward Munch, 1893

L'urlo (norvegese Skrik) è una serie di dipinti creati tra il 1893 e il 1910 dal pittore espressionista norvegese Edvard Munch. Raffigurano una figura umana che urla disperata contro un cielo rosso sangue e uno sfondo paesaggistico altamente generalizzato. Nel 1895 Munch realizzò una litografia sullo stesso soggetto.

Il cielo rosso e infuocato copriva il freddo fiordo, che a sua volta dà origine a un'ombra fantastica, simile a una specie di mostro marino. La tensione distorce lo spazio, le linee si spezzano, i colori non corrispondono, la prospettiva viene distrutta.

Molti critici ritengono che la trama dell'immagine sia il frutto di una fantasia malata di una persona malata di mente. Qualcuno vede nell'opera una premonizione di una catastrofe ecologica, qualcuno risolve la questione su quale tipo di mummia abbia ispirato l'autore a realizzare quest'opera.

8. "Ragazza con l'orecchino di perla". Jan Vermer, 1665

Il dipinto "Ragazza con l'orecchino di perla" (olandese. "Het meisje met de parel") fu scritto intorno al 1665. Attualmente conservato nel Museo Mauritshuis, L'Aia, Paesi Bassi, ed è il segno distintivo del museo. Il dipinto, soprannominato la Gioconda olandese, o Gioconda del Nord, è scritto nel genere Tronie.

Grazie al film del 2003 La ragazza con l'orecchino di perla di Peter Webber, un numero enorme di persone lontane dalla pittura ha appreso del meraviglioso artista olandese Jan Vermeer, così come del suo dipinto più famoso, La ragazza con l'orecchino di perla.

9. "Torre di Babele". Pieter Brueghel, 1563

Famoso dipinto di Pieter Brueghel. L'artista ha creato almeno due dipinti su questo argomento.

Il dipinto si trova al Kunsthistorisches Museum di Vienna.

C'è una storia nella Bibbia su come gli abitanti di Babilonia cercarono di costruire un'alta torre per raggiungere il cielo, ma Dio li fece parlare lingue diverse, cessarono di capirsi e la torre rimase incompiuta.

10. "Donne algerine". Pablo Picasso, 1955

"Women of Algeria" - una serie di 15 dipinti creati da Picasso nel 1954-1955 basati sui dipinti di Eugene Delacroix; i dipinti si distinguono per le lettere assegnate dall'artista dalla A alla O. La "versione O" è stata scritta il 14 febbraio 1955; per qualche tempo è appartenuto al famoso collezionista d'arte americano del XX secolo, Victor Ganz.

"Donne di Algeri (versione O)" di Pablo Picasso è stato venduto per 180 milioni di dollari.

11. "Nuovo pianeta". Konstantin Yuon, 1921

Pittore sovietico russo, maestro del paesaggio, artista teatrale, teorico dell'arte. Accademico dell'Accademia delle arti dell'URSS. Artista popolare dell'URSS. Vincitore del Premio Stalin di primo grado. Membro del PCUS dal 1951.

Questo incredibile, creato nel 1921 e per niente caratteristico dell'artista realista Yuon, il dipinto "New Planet" è una delle opere più brillanti che incarnava l'immagine dei cambiamenti che la Rivoluzione d'Ottobre divenne nel secondo decennio del 20 ° secolo. Un nuovo sistema, un nuovo modo e un nuovo modo di pensare della nascente società sovietica. Cosa attende ora l'umanità? Futuro radioso? Allora non ci si pensava ancora, ma il fatto che la Russia sovietica e il mondo intero stiano entrando in un'era di cambiamento è ovvio, così come la rapida nascita di un nuovo pianeta.

12. "Madonna Sistina". Raffaello Santi, 1754

Dipinto di Raffaello, che dal 1754 si trova nella Galleria dei Maestri Antichi di Dresda. Appartiene alle vette generalmente riconosciute dell'Alto Rinascimento.

Di notevoli dimensioni (265 × 196 cm, come indicato nel catalogo della Galleria di Dresda) la tela fu realizzata da Raffaello per l'altare della chiesa del monastero di San Sisto a Piacenza, su commissione del Papa Giulio II. C'è un'ipotesi che il dipinto sia stato dipinto nel 1512-1513 in onore della vittoria sui francesi, che invasero la Lombardia durante le guerre italiane, e la successiva incorporazione di Piacenza nello Stato Pontificio.

13. "Maria Maddalena penitente". Tiziano (Tiziano Vecellio), dipinto intorno al 1565

Un dipinto dipinto intorno al 1565 dall'artista italiano Tiziano Vecellio. Appartiene al Museo statale dell'Ermitage di San Pietroburgo. A volte la data di creazione è indicata come "1560".

La modella del dipinto era Giulia Festina, che colpì l'artista con una ciocca di capelli dorati. La tela finita impressionò molto il duca di Gonzaga, che decise di ordinarne una copia. Successivamente, Tiziano, cambiando lo sfondo e la posa della donna, dipinse un paio di opere simili.

14. Gioconda. Leonardo Da Vinci, 1503-1505

Ritratto della signora Lisa del Giocondo, (ital. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) - un dipinto di Leonardo da Vinci, che si trova al Louvre (Parigi, Francia), uno dei dipinti più famosi al mondo, che si ritiene sia un ritratto di Lisa Gherardini, moglie di un commerciante di seta fiorentino, Francesco del Giocondo, dipinto intorno al 1503-1505 .

Secondo una delle versioni proposte, "Mona Lisa" è un autoritratto dell'artista.

15. "Mattina in una pineta", Shishkin Ivan Ivanovich, 1889.

Dipinto degli artisti russi Ivan Shishkin e Konstantin Savitsky. Savitsky ha dipinto gli orsi, ma il collezionista Pavel Tretyakov ha cancellato la sua firma, quindi un dipinto è spesso indicato come autore.

L'idea per il dipinto è stata suggerita a Shishkin da Savitsky, che in seguito ha agito come coautore e ha raffigurato le figure dei cuccioli. Questi orsi, con alcune differenze di postura e numero (all'inizio erano due), compaiono in disegni e schizzi preparatori. Gli animali sono andati così bene per Savitsky che ha persino firmato il dipinto insieme a Shishkin.

16. "Non abbiamo aspettato". Ilya Repin, 1884-1888

Dipinto dell'artista russo Ilya Repin (1844-1930), dipinto nel 1884-1888. Fa parte della collezione della Galleria Statale Tretyakov.

Il dipinto esposto alla 12a mostra itinerante fa parte di un ciclo narrativo dedicato al destino del rivoluzionario populista russo.

17. Ballo al Moulin de la Galette, Pierre-Auguste Renoir, 1876.

Dipinto dipinto dall'artista francese Pierre-Auguste Renoir nel 1876.

Il luogo in cui si trova il dipinto è il Musée d'Orsay. Il Moulin de la Galette è una taverna economica a Montmartre dove si riunivano gli studenti e i giovani lavoratori di Parigi.

18. Notte stellata. Vincent Van Gogh, 1889

De sterrennacht- un dipinto dell'artista olandese Vincent van Gogh, scritto nel giugno 1889, con una vista del cielo prima dell'alba su una città immaginaria dalla finestra est dell'abitazione dell'artista a Saint-Remy-de-Provence. Dal 1941 è conservato al Museum of Modern Art di New York. È considerata una delle migliori opere di Van Gogh e una delle opere più significative della pittura occidentale.

19. "Creazione di Adamo". Michelangelo, 1511.

Affresco di Michelangelo, dipinto intorno al 1511. L'affresco è il quarto di nove composizioni centrali sul soffitto della Cappella Sistina.

La Creazione di Adamo è una delle composizioni murali più straordinarie della Cappella Sistina. Nello spazio infinito vola Dio Padre, circondato da angeli senza ali, con una tunica bianca svolazzante. La mano destra è tesa verso la mano di Adamo e quasi la tocca. Sdraiato su una roccia verde, il corpo di Adam inizia gradualmente a muoversi, si risveglia alla vita. L'intera composizione è concentrata sul gesto di due mani. La mano di Dio dà l'impulso e la mano di Adamo lo riceve, dando energia vitale a tutto il corpo. Dal fatto che le loro mani non si toccano, Michelangelo ha sottolineato l'impossibilità di collegare il divino e l'umano. A immagine di Dio, secondo l'artista, non prevale un principio miracoloso, ma una gigantesca energia creativa. Nell'immagine di Adamo, Michelangelo canta la forza e la bellezza del corpo umano. Infatti, non è la stessa creazione dell'uomo che ci appare davanti, ma il momento in cui riceve un'anima, una ricerca appassionata del divino, una sete di conoscenza.

20. "Bacio nel cielo stellato". Gustav Klimt, 1905-1907

Dipinto dell'artista austriaco Gustav Klimt, dipinto nel 1907-1908. La tela appartiene al periodo dell'opera di Klimt, detto "d'oro", l'ultima opera dell'autore nel suo "periodo d'oro".

Su una roccia, ai margini di un prato fiorito, in un'aura dorata, gli innamorati stanno completamente immersi l'uno nell'altro, recintati dal mondo intero. A causa dell'incertezza del luogo di ciò che sta accadendo, sembra che la coppia raffigurata nella foto si stia muovendo in uno stato cosmico che non è soggetto al tempo e allo spazio, al di là di tutti gli stereotipi e cataclismi storici e sociali. La completa solitudine e il volto dell'uomo voltato all'indietro non fanno che accentuare l'impressione di isolamento e distacco rispetto all'osservatore.

Fonte - Wikipedia, muzei-mira.com, say-hi.me

20 dipinti che tutti dovrebbero conoscere (la storia della pittura) aggiornato: 23 novembre 2016 da: sito web

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L'alta arte è una cosa complessa e incomprensibile per molti. La pittura rinascimentale con la sua immagine ideale attira molti ammiratori, ma non è facile per tutti credere che le opere di Picasso e Kandinsky possano davvero costare soldi favolosi. L'abbondanza di persone nude nella foto è un altro mistero, così come il paradosso che i buoni dipinti non devono essere belli.

sito web Ho appreso le risposte a diverse domande curiose sulla pittura esaminando le opere di critici d'arte e culturologi.

1. Dipingere è davvero così costoso?

Ogni tanto sentiamo parlare delle somme folli stanziate per questa o quella foto. Ma in realtà, tali soldi sono il lotto di pochissime opere. La maggior parte degli artisti non ha mai visto enormi quantità di denaro. Lo storico dell'arte Jonathan Binstock ritiene che ci siano solo circa 40 autori al mondo i cui dipinti sono valutati da una somma con molti zeri.

I marchi governano l'arte

Ecco forse l'esempio più eclatante. Probabilmente hai sentito parlare dell'artista di graffiti Banksy. L'acuto orientamento sociale delle opere e la biografia, ricoperta da un alone di mistero, hanno fatto il loro lavoro. Oggi Banksy è un artista il cui lavoro è valutato con somme a più cifre. Il suo dipinto "Girl with a Balloon" è stato venduto per 1.042 milioni di sterline e il mondo intero ha iniziato a parlare della performance per distruggerlo subito dopo la vendita.

Banksy è un marchio e le marche vendono bene. Così, Il costo di un dipinto è in gran parte determinato dalla fama del suo autore.

La vendita di successo di un dipinto è la chiave del successo degli altri

Un artista può essere sfortunato per molto tempo, vegetare nella povertà e nell'oscurità, incapace di vendere con profitto il suo lavoro. Ma non appena riuscirà a vendere uno dei suoi dipinti per un sacco di soldi, puoi star certo che il prezzo delle altre sue opere salirà alle stelle.

Rarità, scarsità, unicità

L'artista olandese Jan Vermeer è chiamato inestimabile oggi. Non così tanti dipinti appartengono al suo pennello - solo 36. L'artista ha scritto abbastanza lentamente. Perso nel 1990, il dipinto "Concert" dell'olandese è ora stimato in circa $ 200 milioni. Rarità e scarsità le tele influiscono sul fatto che i loro prezzi sono semplicemente alle stelle.

Il leggendario Van Gogh è un super marchio. Ci sono pochi dipinti dell'artista, ed è ovvio che non farà più niente. Il suo lavoro è unico.

10 anni fa, La composizione suprematista di Malevich è stata venduta per 60 milioni di dollari e forse, se non fosse stata per la crisi, sarebbe stata venduta per 100 milioni di dollari. Dipinti di Malevich in collezioni private senza eccezioni, e quando la prossima volta che una cosa di questa classe apparirà sul mercato è sconosciuta. Forse tra 10 anni, forse tra 100.

In generale, è ovvio: gli acquirenti sono pronti a pagare soldi favolosi per oggetti estremamente rari.

L'innovazione è costosa

Una delle opere di Richard Prince nella direzione del "prestito artistico".

La pittura assume la funzione di punto di riferimento

Oggi il livello del turismo culturale sta crescendo e la pittura svolge la funzione attrazioni. I turisti fanno la fila per ore nei famosi musei. E per affermarsi e rivendicare una fama di livello mondiale, la galleria deve certamente possedere gli originali di pittori famosi e apprezzati.

Anche i centri di turismo culturale creati artificialmente stanno crescendo, ad esempio, in Medio Oriente e in Cina. Recentemente la famiglia reale Qatar concluso una transazione privata per $ 250 milioni- tutto affinché il paese abbia una foto Cézanne "I giocatori di carte".

Quando c'è tutto, l'arte comincia a tirare

Nel 2017, il miliardario Dmitry Rybolovlev ha venduto questo dipinto a Leonardo da Vinci per 450 milioni di dollari, che ora è l'affare più costoso nel mondo della pittura.

Quando hai 4 case e un aereo G5, cos'altro c'è da fare? Resta solo da investire nella pittura, perché lo è una delle valute più forti».

Dipinto di Georges Seurat "Canal at Gravelines, Great Fort Philippe".

Frammento dell'affresco di Michelangelo "Creazione di Adamo".

Anche gli antichi greci credevano che il corpo nudo fosse incredibilmente bello.

Nell'arte, molto spesso nudità - è un simbolo. Un simbolo di nuova vita, sincerità, impotenza di un essere vivente, così come vita e morte.

Inoltre, niente provoca emozioni così forti lo spettatore, come la nudità. Potrebbe essere interesse, imbarazzo, vergogna o ammirazione.

4. Perché tutto è così piatto e generalmente irrealistico?

Dipinto dell'artista ceco Bohumil Kubishta “L'ipnotizzatore”.

Forse una delle accuse più comuni contro i maestri moderni suona così: gli artisti hanno dimenticato come sembra trasmettere la realtà. Da qui l'idea sbagliata che gli oggetti sembrino piatti.

Ma guardiamo, per esempio, alle tele cubisti. Rompono la prospettiva, ma raffigurano oggetti contemporaneamente da diverse angolazioni e anche in momenti diversi. Pertanto, non si può dire che l'immagine sulla tela sia bidimensionale.

Non è più necessario disegnare "sembra": una fotografia può farlo. Pertanto, è necessario cercare una risposta alla domanda sul perché l'artista in questa o quella foto abbia raffigurato la realtà come piatta, è necessario proprio idea dell'autore. Rimuovendo alcuni dettagli dell'immagine, l'artista si concentra su altri. Semplificando l'immagine, la rende più espressiva: gli artisti della pittura ingenua non avevano un'educazione accademica. Pirosmani e Rousseau erano solo autodidatti, ma i loro quadri attiravano chi aveva già visto tutto e chi si annoiava della pittura tradizionale. Tali immagini erano come un soffio di semplicità vivificante.

Ma professionale artisti d'avanguardia del XIX-XX secolo avevano alle spalle un'educazione artistica e una solida base. Essi potrebbe scrivere in qualsiasi modo ma ad un certo punto deciso di farlo in questo modo imitando i primitivisti. Come si suol dire, questo era inteso, perché questo è un modo completamente nuovo (e quindi interessante per chi è stanco del vecchio) di influenzare lo spettatore.

Gli artisti avrebbero fatto un ottimo lavoro con un dipinto nello spirito del classicismo accademico, ed è per questo che per loro era noioso. Il giovane Picasso ha dipinto ritratti toccanti e piuttosto realistici. Ma un artista maturo ha scelto per sé un percorso che sconvolge, rinvigorisce l'occhio, che aiuta a dimostrare un freddo estro coloristico e un senso della forma.

Opinione: dire che le immagini devono essere certamente belle equivale a dire che il vero cinema è solo una commedia romantica o un melodramma a lieto fine. E drammi psicologici, film d'azione, thriller: questo non è affatto un film. D'accordo, c'è una logica in questo.

L'arte (compresa la pittura) deve parlare la lingua del suo tempo. E per goderti qualsiasi immagine, anche realistica, devi sapere cosa è raffigurato su di essa. Alle mostre di solito leggiamo le didascalie delle tele e usiamo anche l'audioguida.

Quale quadro ti è vicino?

Dipinti e pittori

L'arte è sempre stata un modo per comprendere il mondo ed esprimere sentimenti ed emozioni. Ci sono molte diverse forme d'arte e la pittura è solo una di queste.
Orazio diceva che un "quadro è una poesia senza parole" e in effetti è così. Nel corso dei secoli si sono sviluppate molte tecniche per permettere agli artisti di trasformare i propri sentimenti in immagini su tela.
I pittori russi rappresentano l'arte russa che è per molti versi unica e ha sempre impressionato le persone di tutto il mondo. Proviene dai pittori di icone di fama mondiale, il più famoso dei quali è Andrey Rublyov.
Molti pittori russi lodano la bellezza della natura russa nelle loro opere. Ivan Shishkin è particolarmente famoso con le sue tele che rappresentano la foresta russa (ad esempio "Morning in the Pine Forest") mentre Isaac Levitan ha tratto ispirazione dall'autunno russo.
I Peredvizhniki includevano artisti del XIX secolo. Uno di loro era Ilya Repin, un artista celebrato per le sue grandi tele come "Ivan il Terribile e suo figlio Ivan" o "Barge Haulers on the Volga". Victor Vasnetsov ha scelto lo stile popolare russo per i suoi "Bogatyrs" e Mikhail Vrubel è noto per l'originalità del pensiero. Il suo "Demone" è il frutto della sua fantastica immaginazione.
Ivan Aivazovsky ha guadagnato una fama mondiale grazie ai suoi dipinti romantici che rappresentano il mare. "The Ninth Wave" è un capolavoro che rivela la bellezza del mare possente in una giornata di tempesta.
L'arte russa è esposta nel Museo statale russo di San Pietroburgo. E nel dipartimento di arte inglese dell'Hermitage puoi goderti alcuni dei capolavori dei pittori britannici.
Uno dei più famosi è John Constable, un pittore romantico inglese noto principalmente per i suoi dipinti di paesaggi di Dedham Vale, un'area vicino alla sua casa nel Suffolk che ora è conosciuta come "Constable Country".
William Turner era un paesaggista il cui stile si può dire abbia gettato le basi per l'impressionismo.
William Hogarth è famoso non solo per i suoi ritratti ma anche per la serie di dipinti con dettagli satirici che caratterizzano l'alta società inglese, negli anni Quaranta del Settecento.
Thomas Gainsborough è uno dei ritrattisti e paesaggisti più famosi della Gran Bretagna del XVIII secolo. Nella National Gallery di Londra, puoi vedere il colorato dipinto “Mr. e la signora Andrews", che è una combinazione di ritratto di famiglia e paesaggio, e ritratto oscuro di "Mr e Mrs William Hal-lett" che esemplifica lo stile maturo di Gainsborough.
William Blake è un poeta e pittore inglese. In gran parte non riconosciuto durante la sua vita oggi, le sue opere sono considerate significative nella storia sia della poesia che delle arti visive. I suoi dipinti possono sembrare molto insoliti e fantastici. Ad esempio, ha raffigurato Isaac Newton come un geometra divino.

Dipinti e artisti

L'arte è sempre stata un modo per comprendere il mondo ed esprimere sentimenti ed emozioni. Ci sono molte forme d'arte e la pittura è solo una di queste.
Orazio disse che "un'immagine è un verso, solo senza parole" ed è proprio così. Nel corso dei secoli sono state sviluppate diverse tecniche che consentono agli artisti di trasformare i propri sentimenti in immagini su tela.
Gli artisti russi rappresentano l'arte russa, che è unica per molti versi e ha sempre stupito le persone di tutto il mondo. Proviene da pittori di icone di fama mondiale, il più famoso dei quali è Andrey Rublev.
Molti artisti russi cantano la bellezza della natura russa nelle loro opere. Ivan Shishkin è particolarmente famoso per i suoi dipinti di foreste russe, come Morning in a Pine Forest, mentre Isaac Levitan ha tratto ispirazione dall'autunno russo.
I Wanderers includevano artisti del XIX secolo. Uno di loro era Ilya Repin, un artista famoso per le sue grandi tele, come "Ivan il Terribile e suo figlio Ivan" o "Barge Haulers on the Volga". Viktor Vasnetsov ha scelto lo stile folk russo per i suoi Bogatiri. Mikhail Vrubel è noto per la sua originalità di pensiero. Il suo "Demone" è frutto di un'immaginazione fantastica.
Ivan Aivazovsky ha guadagnato fama mondiale per la sua rappresentazione romantica del mare. The Ninth Wave è un capolavoro che rivela la bellezza della potenza del mare in tempesta.
L'arte russa è rappresentata nel Museo statale russo di San Pietroburgo. E nel Department of English Art dell'Hermitage, puoi goderti alcuni dei capolavori degli artisti britannici.
Uno dei più famosi di questi è John Constable, un pittore romantico inglese noto principalmente per i suoi paesaggi di Dedham Vale, l'area vicino alla sua casa nel Suffolk, che oggi è conosciuta come Constable's Land.
William Turner era un paesaggista, possiamo dire che il suo stile ha gettato le basi per l'impressionismo.
William Hogarth è noto non solo per i suoi ritratti, ma anche per una serie di dipinti con dettagli satirici che caratterizzano l'alta società inglese negli anni Quaranta del Settecento.
Thomas Gainsborough è uno dei ritrattisti e paesaggisti più famosi della Gran Bretagna del XVIII secolo. Nella National Gallery di Londra, puoi vedere il colorato Mr e Mrs Andrews, che è una combinazione di ritratto di famiglia e paesaggio, e l'oscuro Mr e Mrs William Hallett, che esemplifica lo stile più maturo di Gainsborough.
William Blake è un poeta e pittore inglese. Non riconosciuto durante la sua vita, oggi il suo lavoro è considerato importante nella storia della poesia e delle arti visive. I suoi dipinti possono sembrare insoliti e fantastici. Ad esempio, ha raffigurato Isaac Newton come un geometra divino.

Vocabolario:

tela - tela, tela
celebrazione - famoso
raffigurare - raffigurare
trarre ispirazione - ricevere ispirazione
divino - divino
evocare - causare, risvegliare (sentimenti)
esemplificare - servire da esempio
popolare - popolare
frutto dell'immaginazione - il frutto dell'immaginazione
Orazio - Orazio
paesaggio - paesaggio
paesaggista - paesaggista
gettare le fondamenta (per) - gettare le fondamenta, iniziare
capolavoro
maturo - maturo
potente - potente, potente
notato - notevole, famoso
originare - originare
lode - lode
predominare - dominare
rinomato - rinomato
rivelare - aprire, esporre
non riconosciuto - non riconosciuto
arte visiva - belle arti
famoso in tutto il mondo - famoso in tutto il mondo

Rispondere alle domande
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10. Quale stile ha gettato le basi per l'impressionismo?
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I grandi artisti non solo hanno firmato i loro dipinti in modo ampio, ma hanno anche dipinto autoritratti nascosti sulle loro creazioni. Alcuni erano così sofisticati da raffigurarsi in una caraffa di vino, altri si sono semplicemente dipinti tra la folla e uno di loro si è persino dipinto in una forma femminile.

Bacco di Michelangelo Merisi da Caravaggio

Il dipinto "Bacco", scritto nel 1595 da Michelangelo Merisi da Caravaggio, raffigura l'antico dio della vinificazione, ispirazione ed estasi religiosa. Un giovane ragazzo con foglie e uva tra i capelli porge languidamente un bicchiere di vino allo spettatore, come se lo invitasse a unirsi a lui. Caravaggio, creando questo quadro, voleva allontanarsi dall'immagine idealizzata dell'antico dio: per abbassare Bacco a terra, l'artista ha raffigurato lo sporco sotto le sue unghie e ha anche posto accanto a lui un piatto di frutta in decomposizione.

Ma il tema eterno del terreno e del divino non è l'unica cosa che rende questa immagine così straordinaria. Dopo aver ripulito la tela, mediante riflettografia, è stato ritrovato un autoritratto del Caravaggio nel riflesso sul vetro della caraffa, nell'angolo in basso a sinistra. L'artista si è raffigurato mentre lavorava a un cavalletto. Inoltre, dopo che gli strati di polvere furono rimossi, divenne possibile vedere il riflesso del volto di Bacco sulla superficie del vino nella coppa.

Adorazione dei Magi di Sandro Botticelli

Il dipinto “L'Adorazione dei Magi” di Sandro Botticelli fu scritto intorno al 1475 per ordine del banchiere fiorentino Gaspare di Zanobe del Lama, membro della corporazione delle arti e dei mestieri della città di Firenze. La creazione di Botticelli era destinata alla cappella funeraria nella Basilica di Santa Maria Novella.

Per molti storici dell'arte, questo dipinto è degno di nota per il fatto che vi si possono trovare l'immagine di una serie di personaggi storici. Ad esempio, l'artista ha raffigurato il suo cliente sulla destra con una veste blu, indicando se stesso e guardando direttamente lo spettatore. Il maggiore dei Magi, che si inginocchiò davanti al bambino, è Cosimo de' Medici, capostipite della dinastia dei regnanti di Firenze e nonno di Lorenzo il Magnifico. Al centro, con le spalle allo spettatore, c'è un uomo vestito di rosso, Pietro Medici, figlio di Cosimo e padre di Lorenzo. Lo stesso Lorenzo il Magnifico è raffigurato, secondo gli storici dell'arte, di profilo, con una veste nera e rossa. A sinistra, in primo piano, con le braccia incrociate sull'elsa della spada, c'è Giuliano Medici, fratello e amante di Lorenzo, la ragazza che posò per Botticelli durante la realizzazione del dipinto “La Nascita di Venere”. E infine, il giovane all'estrema destra, che ti guarda dritto negli occhi, è un autoritratto dello stesso Botticelli.

Il dipinto è visibile a Firenze, nella Galleria degli Uffizi.

Il giardino delle delizie di Hieronymus Bosch

Il giardino delle delizie è un trittico dipinto dal maestro grottesco Hieronymus Bosch (vero nome Jeroen Antonison van Aken). Alcuni considerano l'artista un surrealista del XV secolo, altri sono sicuri che lo fosse Boschaderente all'eresia catara, e altri - che i dipinti del pittore riflettono le "discipline esoteriche" medievali: astrologia, magia nera e alchimia. Ogni tela è satura di un numero enorme di simboli difficili da contare per i nostri contemporanei.

L'ala sinistra del trittico raffigura Dio che rappresenta Eva ad Adamo nel sereno Paradiso. Al centro del trittico ci sono scene del Giardino delle Delizie, dove persone e animali fantastici si abbandonano ai piaceri mondani. Ebbene, sul lato destro dell'immagine ci sono complesse macchine di tortura, mostri e lui stesso, un artista con un corpo che sembra una conchiglia, che sorride maliziosamente a tutto questo Inferno.

Il dipinto è conservato al Museo del Prado di Madrid.

Il Giudizio Universale di Michelangelo

Il Giudizio Universale di Michelangelo è raffigurato sulla parete dell'altare della Cappella Sistina in Vaticano. L'artista lavorò all'affresco, il cui tema principale era la seconda venuta di Cristo e l'apocalisse, per quattro anni, dal 1537 al 1541. I critici d'arte ritengono che quest'opera abbia posto fine al Rinascimento e abbia aperto un nuovo periodo di delusione nella filosofia dell'umanesimo antropocentrico.

Ai piedi di Cristo, Michelangelo pose Bartolomeo, riconoscibile dal coltello che teneva in mano. Tiene in mano una pelle scorticata sulla quale, secondo gli storici dell'arte, l'artista avrebbe dipinto il suo autoritratto. Alcuni sono sicuri che Bartolomeo sia molto simile a Pietro Aretino, il nemico di Michelangelo, che lo insultò. Quindi l'artista ha visto la sua redenzione. Altri credono che Michelangelo si sia raffigurato su una pelle scorticata come segno che non voleva finire l'affresco e ha eseguito questo ordine del Papa sotto speciale costrizione.

L'affresco può essere visto nella Cappella Sistina, nei Musei Vaticani.

"La Gioconda" di Leonardo da Vinci

Creata da Leonardo da Vinci, "Mona Lisa" è probabilmente il dipinto più discusso in tutto il mondo. Ora è appeso sotto un vetro impenetrabile al Louvre e un tempo adornava il bagno di Napoleone. In questa creazione di da Vinci c'è un segreto che gli storici dell'arte non possono in alcun modo svelare: alcuni suggeriscono che il sorriso della Gioconda sia il sorriso di una donna incinta che ha colto il movimento del feto, altri che sia il sorriso della sua amata Leonardo Giacomo Salai, gli psichiatri vedono la schizofrenia nell'espressione facciale di Monna Lisa e i dentisti sono sicuri che questo sia il sorriso di una donna sdentata.

Un'altra ipotesi è che la ragazza raffigurata con un sorrisetto— Lo stesso Leonardo da Vinci. Un confronto al computer delle caratteristiche anatomiche del volto dell'artista e del modello ha mostrato che geometricamente combaciano perfettamente.Puoi vedere di persona confrontando la Gioconda e l'autoritratto di da Vinci, che l'artista ha realizzato con una matita rossa.

Il dipinto è al Louvre, Parigi.

"Scuola di Atene" Raffaello Santi

Rafael Santi, creando l'affresco "La scuola di Atene", che proprio non vi raffigurava: il già citato Leonardo da Vinci a immagine di Platone, e Michelangelo a immagine di Eraclito, Socrate e Alessandro Magno. Il Santi non dimenticò di disegnarsi accanto al pittore Sodoma, che prima di lui iniziò a lavorare all'affresco. Ci sono più di 50 persone nella foto.

L'idea principale dell'affresco "Scuola di Atene" è la possibilità di un'armonia armonica tra diverse aree della filosofia e della scienza. A proposito, questo concetto è una delle idee più importanti degli umanisti. Raffaello Santi, sotto le volte del Palazzo Vaticano, ha raffigurato una comunità essenzialmente ideale di pensatori dell'età classica. Al centro della composizione ci sono Aristotele e Platone, che personificano l'antica saggezza e rappresentano due scuole di filosofia.

L'affresco si trova nel Palazzo Vaticano.

“Ritratto degli Arnolfini” di Jan van Eyck

"Ritratto dei Arnolfini" di Jan van Eyck è un altro dipinto rinascimentale difficile da interpretare - le controversie su chi vi è raffigurato continuano ancora oggi. La versione più comune è che l'artista abbia dipinto sulla tela il mercante Giovanni di Nicolao Arnolfini e sua moglie, presumibilmente nella loro casa di Bruges.

Ma soprattutto in quest'opera non ci interessano i personaggi in primo piano, ma chi è raffigurato nello specchio sulla parete, che si trova sull'asse centrale della composizione, proprio sopra le mani dei personaggi. Se guardi da vicino, vedrai figure da dietro in abiti rossi e blu. A giudicare dalle sagome dei loro vestiti, sono un uomo e una donna. Sfortunatamente, le caratteristiche dei loro volti sono impossibili da distinguere. La maggior parte dei critici d'arte è sicura che l'iscrizione sopra lo specchio, che recita "Jan van Eyck era qui", indichi direttamente che uno di quelli in piedi sulla soglia della stanza è l'artista stesso.

Il dipinto è dentroGalleria Nazionale di Londra.