Romanticismartisti della scuola romantica. Cos'è il romanticismo? L'era del romanticismo

1.1 Caratteristiche principali del romanticismo

Romanticismo - (romantisme francese, dal francese medievale romant - romanzo) - una direzione nell'arte, formata all'interno del movimento letterario generale a cavallo tra il XVIII e il XIX secolo. in Germania. Si è diffuso in tutti i paesi dell'Europa e dell'America. Il picco più alto del romanticismo cade nel primo quarto del XIX secolo.

La parola francese romantisme risale al romanticismo spagnolo (nel Medioevo si chiamavano così i romanzi spagnoli, e poi il romanzo cavalleresco), il romantico inglese, che si trasformò nel XVIII secolo. in romantique e quindi con il significato di "strano", "fantastico", "pittoresco". All'inizio del XIX secolo. il romanticismo diventa la designazione di una nuova direzione, opposta al classicismo.

Entrando nell'antitesi "classicismo" - "romanticismo", la direzione ha assunto l'opposizione del requisito classicista delle regole alla libertà romantica dalle regole. Il centro del sistema artistico del romanticismo è l'individuo e il suo conflitto principale è tra individui e società. Il prerequisito decisivo per lo sviluppo del romanticismo furono gli eventi della Rivoluzione francese. L'emergere del romanticismo è associato al movimento anti-illuminista, le cui cause risiedono nella delusione della civiltà, nel progresso sociale, industriale, politico e scientifico, che ha portato a nuovi contrasti e contraddizioni, livellamento e devastazione spirituale dell'individuo.

L'illuminismo predicava la nuova società come la più "naturale" e "ragionevole". Le migliori menti d'Europa hanno sostanziato e prefigurato questa società del futuro, ma la realtà si è rivelata al di fuori del controllo della "ragione", il futuro - imprevedibile, irrazionale, e l'ordine sociale moderno ha cominciato a minacciare la natura dell'uomo e il suo libertà personale. Il rifiuto di questa società, la protesta contro la mancanza di spiritualità e l'egoismo si riflette già nel sentimentalismo e nel preromanticismo. Il romanticismo esprime questo rifiuto nel modo più acuto. Il romanticismo si oppose all'illuminismo anche a livello verbale: il linguaggio delle opere romantiche, che si sforzava di essere naturale, "semplice", accessibile a tutti i lettori, era qualcosa di opposto ai classici con i suoi temi nobili, "sublimi", tipici, ad esempio, per la tragedia classica.

Tra i successivi romantici dell'Europa occidentale, il pessimismo nei confronti della società acquista proporzioni cosmiche, diventa la "malattia del secolo". Gli eroi di molte opere romantiche sono caratterizzati da stati d'animo di disperazione, disperazione, che acquisiscono un carattere universale. La perfezione è persa per sempre, il mondo è governato dal male, l'antico caos sta risorgendo. Il tema del "mondo terribile", caratteristico di tutta la letteratura romantica, era più chiaramente incarnato nel cosiddetto "genere nero" (nel "romanzo gotico" preromantico - A. Radcliffe, C. Maturin, nel " dramma del rock", o "tragedia del rock", - Z. Werner, G. Kleist, F. Grillparzer), così come nelle opere di Byron, C. Brentano, E. T. A. Hoffmann, E. Poe e N. Hawthorne.

Allo stesso tempo, il romanticismo si basa su idee che sfidano il "mondo terribile", principalmente le idee di libertà. La delusione del romanticismo è una delusione nella realtà, ma il progresso e la civiltà ne sono solo un aspetto. Il rifiuto di questo lato, la mancanza di fiducia nelle possibilità della civiltà forniscono un altro percorso, il percorso verso l'ideale, verso l'eterno, verso l'assoluto. Questo percorso deve risolvere tutte le contraddizioni, cambiare completamente la vita. Questo è il cammino verso la perfezione, "verso la meta, la cui spiegazione va cercata dall'altra parte del visibile" (A. De Vigny). Per alcuni romantici, forze incomprensibili e misteriose dominano il mondo, a cui bisogna obbedire e non cercare di cambiare il destino (Chateaubriand, V.A. Zhukovsky). Per altri, il "male globale" ha provocato proteste, ha chiesto vendetta, lotta (primo A.S. Pushkin). La cosa comune era che tutti vedevano nell'uomo un'unica entità, il cui compito non si riduce affatto alla risoluzione di problemi ordinari. Al contrario, senza negare la quotidianità, i romantici cercavano di svelare il mistero dell'esistenza umana, rivolgendosi alla natura, fidandosi dei propri sentimenti religiosi e poetici.

Un eroe romantico è una persona complessa e appassionata, il cui mondo interiore è insolitamente profondo, infinito; è un intero universo pieno di contraddizioni. I romantici erano interessati a tutte le passioni, sia alte che basse, che erano opposte l'una all'altra. Alta passione - amore in tutte le sue manifestazioni, bassa - avidità, ambizione, invidia. L'umile pratica materiale del romanticismo si opponeva alla vita dello spirito, specialmente alla religione, all'arte e alla filosofia. L'interesse per i sentimenti forti e vividi, le passioni che consumano tutto, per i movimenti segreti dell'anima sono tratti caratteristici del romanticismo.

Puoi parlare del romanticismo come di un tipo speciale di personalità: una persona di forti passioni e alte aspirazioni, incompatibile con il mondo di tutti i giorni. Circostanze eccezionali accompagnano questa natura. Fantasy, musica popolare, poesia, leggende diventano attraenti per i romantici: tutto ciò che per un secolo e mezzo è stato considerato un genere minore, non degno di attenzione. Il romanticismo è caratterizzato dall'affermazione della libertà, dalla sovranità dell'individuo, da una maggiore attenzione all'individuo, unico nell'uomo, dal culto dell'individuo. La fiducia nell'autostima di una persona si trasforma in una protesta contro il destino della storia. Spesso l'eroe di un'opera romantica diventa un artista capace di percepire in modo creativo la realtà. La classica "imitazione della natura" si contrappone all'energia creatrice dell'artista che trasforma la realtà. Crea il suo mondo speciale, più bello e reale della realtà percepita empiricamente. È la creatività che è il senso dell'esistenza, rappresenta il valore più alto dell'universo. I romantici hanno difeso con passione la libertà creativa dell'artista, la sua immaginazione, credendo che il genio dell'artista non obbedisca alle regole, ma le crei.

I romantici si sono rivolti a diverse epoche storiche, sono stati attratti dalla loro originalità, attratti da paesi e circostanze esotici e misteriosi. L'interesse per la storia divenne una delle conquiste durature del sistema artistico del romanticismo. Si è espresso nella creazione del genere del romanzo storico, il cui fondatore è W. Scott, e in generale del romanzo, che ha acquisito una posizione di primo piano nell'epoca in esame. I romantici riproducono accuratamente e accuratamente i dettagli storici, lo sfondo, il colore di un'epoca particolare, ma i personaggi romantici sono dati al di fuori della storia, di regola sono al di sopra delle circostanze e non dipendono da esse. Allo stesso tempo, i romantici hanno percepito il romanzo come un mezzo per comprendere la storia, e dalla storia sono andati a penetrare nei segreti della psicologia e, di conseguenza, della modernità. L'interesse per la storia si rifletteva anche nelle opere degli storici della scuola romantica francese (O. Thierry, F. Guizot, F. O. Meunier).

È nell'era del romanticismo che avviene la scoperta della cultura del Medioevo, e anche l'ammirazione per l'antichità, caratteristica dell'era passata, non si indebolisce alla fine del XVIII - inizio. 19esimo secolo La diversità delle caratteristiche nazionali, storiche, individuali aveva anche un significato filosofico: la ricchezza di un unico insieme mondiale consiste nella totalità di queste caratteristiche individuali, e lo studio della storia di ogni popolo separatamente consente di rintracciare, nelle parole di Burke, vita ininterrotta attraverso nuove generazioni che si susseguono.

L'era del romanticismo fu segnata dal fiorire della letteratura, una delle caratteristiche distintive della quale era la passione per i problemi sociali e politici. Cercando di comprendere il ruolo dell'uomo negli eventi storici in corso, gli scrittori romantici gravitavano verso l'accuratezza, la concretezza e l'affidabilità. Allo stesso tempo, l'azione delle loro opere si svolge spesso in un ambiente insolito per un europeo, ad esempio in Oriente e in America, o, per i russi, nel Caucaso o in Crimea. Pertanto, i poeti romantici sono prevalentemente poeti lirici e poeti della natura, e quindi nel loro lavoro (tuttavia, proprio come in molti scrittori di prosa) un posto significativo è occupato dal paesaggio - prima di tutto, il mare, le montagne, il cielo, gli elementi tempestosi , con cui l'eroe è associato relazioni complesse. La natura può essere simile alla natura passionale di un eroe romantico, ma può anche resistergli, rivelarsi una forza ostile con cui è costretto a combattere.

Anche le immagini insolite e vivide della natura, della vita, della vita e dei costumi di paesi e popoli lontani hanno ispirato i romantici. Stavano cercando caratteristiche che costituissero la base fondamentale dello spirito nazionale. L'identità nazionale si manifesta principalmente nell'arte popolare orale. Da qui l'interesse per il folklore, l'elaborazione di opere folcloristiche, la creazione di proprie opere basate sull'arte popolare.

Lo sviluppo dei generi del romanzo storico, del racconto fantastico, del poema epico-lirico, della ballata è merito dei romantici. La loro innovazione si è manifestata anche nei testi, in particolare nell'uso della polisemia della parola, nello sviluppo dell'associatività, della metafora, delle scoperte nel campo della versificazione, del metro e del ritmo.

Il romanticismo è caratterizzato da una sintesi di generi e generi, la loro compenetrazione. Il sistema artistico romantico era basato su una sintesi di arte, filosofia e religione. Ad esempio, per un pensatore come Herder, la ricerca linguistica, le dottrine filosofiche e gli appunti di viaggio servono come ricerca di modi di rinnovamento rivoluzionario della cultura. Gran parte del successo del romanticismo è stato ereditato dal realismo del diciannovesimo secolo. - un debole per la fantasia, il grottesco, un misto di alto e basso, tragico e comico, la scoperta dell '"uomo soggettivo".

Nell'era del romanticismo fiorisce non solo la letteratura, ma anche molte scienze: sociologia, storia, scienze politiche, chimica, biologia, dottrina evolutiva, filosofia (Hegel, D. Hume, I. Kant, Fichte, filosofia naturale, l'essenza di il che si riduce al fatto che la natura è una delle vesti di Dio, "la veste vivente della divinità").

Il romanticismo è un fenomeno culturale in Europa e in America. In diversi paesi, il suo destino aveva le sue caratteristiche.

1.2 Romanticismo in Russia

All'inizio del secondo decennio del XIX secolo, il romanticismo occupa un posto chiave nell'arte russa, rivelando più o meno pienamente la sua identità nazionale. È estremamente rischioso ridurre questa originalità a qualche caratteristica o anche alla somma delle caratteristiche; ciò che abbiamo davanti a noi è piuttosto la direzione del processo, così come il suo ritmo, la sua forzatura - se confrontiamo il romanticismo russo con i più antichi "romanticismi" delle letterature europee.

Abbiamo già osservato questo sviluppo forzato nella preistoria del romanticismo russo - nell'ultimo decennio del XVIII secolo. - nei primi anni dell'Ottocento, quando ci fu un intreccio insolitamente stretto di tendenze preromantiche e sentimentali con le tendenze del classicismo.

La sopravvalutazione della ragione, l'ipertrofia della sensibilità, il culto della natura e dell'uomo naturale, la malinconia elegiaca e l'epicureismo si combinavano con elementi di sistematismo e razionalità, che erano particolarmente evidenti nel campo della poetica. Stili e generi sono stati razionalizzati (principalmente dagli sforzi di Karamzin e dei suoi seguaci), c'è stata una lotta contro l'eccessiva metafora e l'ornamento del discorso per amore della sua "accuratezza armonica" (la definizione di Pushkin della caratteristica distintiva della scuola fondata da Zhukovsky e Batyushkov).

La rapidità dello sviluppo ha lasciato il segno nella fase più matura del romanticismo russo. La densità dell'evoluzione artistica spiega anche il fatto che è difficile riconoscere fasi cronologiche chiare nel romanticismo russo. Gli storici letterari dividono il romanticismo russo nei seguenti periodi: il periodo iniziale (1801-1815), il periodo di maturità (1816-1825) e il periodo del suo sviluppo post-ottobre. Questo è uno schema esemplare, perché. almeno due di questi periodi (il primo e il terzo) sono qualitativamente eterogenei e non presentano almeno quella relativa unità di principi che contraddistingueva, ad esempio, i periodi del romanticismo di Jena e di Heidelberg in Germania.

Il movimento romantico nell'Europa occidentale - specialmente nella letteratura tedesca - è iniziato sotto il segno della completezza e dell'interezza. Tutto ciò che era disunito tendeva alla sintesi: nella filosofia naturale, nella sociologia, nella teoria della conoscenza e nella psicologia - personale e sociale e, naturalmente, nel pensiero artistico, che univa tutti questi impulsi e, per così dire, , ha dato loro nuova vita. .

L'uomo ha cercato di fondersi con la natura; personalità, individuo - con il tutto, con le persone; conoscenza intuitiva - con logica; elementi subconsci dello spirito umano - con le più alte sfere di riflessione e ragione. Sebbene il rapporto tra momenti opposti sembrasse a volte conflittuale, la tendenza all'unificazione ha dato origine a uno speciale spettro emotivo di romanticismo, multicolore e eterogeneo, con una predominanza di un tono brillante e maggiore.

Solo gradualmente la natura conflittuale degli elementi si trasformò nella loro antinomia; l'idea della sintesi desiderata si è dissolta nell'idea di alienazione e confronto, lo stato d'animo ottimista maggiore ha lasciato il posto a un sentimento di delusione e pessimismo.

Il romanticismo russo ha familiarità con entrambe le fasi del processo, sia iniziale che finale; tuttavia, così facendo, ha forzato il movimento generale. Le forme finali sono apparse prima che fiorissero le forme iniziali; quelli intermedi si sono accartocciati o sono caduti. Sullo sfondo delle letterature dell'Europa occidentale, il romanticismo russo sembrava allo stesso tempo meno e più romantico: era inferiore a loro per ricchezza, ramificazione, ampiezza del quadro generale, ma superato nella certezza di alcuni risultati finali.

Il fattore socio-politico più importante che ha influenzato la formazione del romanticismo è il decabrismo. La rifrazione dell'ideologia decabrista nel piano della creazione artistica è un processo estremamente complesso e lungo. Non perdiamo però di vista il fatto che ha acquisito proprio espressione artistica; che gli impulsi decabristi erano rivestiti di forme letterarie del tutto concrete.

Spesso il "decembrismo letterario" veniva identificato con un certo imperativo al di fuori della creatività artistica, quando tutti i mezzi artistici sono subordinati a un obiettivo extraletterario, che a sua volta deriva dall'ideologia decabrista. Questo obiettivo, questo "compito" sarebbe stato livellato o addirittura messo da parte da "segni di sillabe o segni di genere". In realtà, tutto era molto più complicato.

La natura specifica del romanticismo russo è chiaramente visibile nei testi di questo periodo, ad es. nel rapporto lirico con il mondo, nel tono e nella prospettiva principali della posizione dell'autore, in quella che comunemente viene chiamata "l'immagine dell'autore". Guardiamo la poesia russa da questo punto di vista, per formarci almeno un'idea superficiale della sua diversità e unità.

La poesia romantica russa ha rivelato una gamma abbastanza ampia di "immagini dell'autore", a volte avvicinandosi, a volte, al contrario, polemizzando e contrastando tra loro. Ma sempre "l'immagine dell'autore" è una tale condensazione di emozioni, stati d'animo, pensieri o dettagli quotidiani e biografici (i "frammenti" della linea di alienazione dell'autore, rappresentati più pienamente nella poesia, entrano nell'opera lirica) , che deriva dall'opposizione all'ambiente. La connessione tra l'individuo e il tutto è stata interrotta. Lo spirito di confronto e disarmonia aleggia sull'aspetto dell'autore anche quando di per sé sembra chiaro e completo senza complicazioni.

Il preromanticismo conosceva fondamentalmente due forme di espressione del conflitto nei testi, che possono essere chiamate opposizioni liriche: la forma elegiaca e quella epicurea. La poesia romantica li ha sviluppati in una serie più complessa, profonda e individualmente differenziata.

Ma, per quanto importanti siano di per sé le forme sopra menzionate, esse, ovviamente, non esauriscono tutta la ricchezza del romanticismo russo.

Il romanticismo nelle arti visive era in gran parte basato sulle idee di filosofi e scrittori. Nella pittura, come in altre forme d'arte, i romantici erano attratti da tutto ciò che è insolito, sconosciuto, sia che si trattasse di paesi lontani con i loro usi e costumi esotici (Delacroix), il mondo delle visioni mistiche (Blake, Friedrich, Preraffaelliti) e magiche sogni (Runge) o cupe profondità subconsce (Goya, Fusli). La fonte di ispirazione per molti artisti è stata l'eredità artistica del passato: l'Antico Oriente, il Medioevo e il Protorinascimento (Nazareni, Preraffaelliti).

In contrasto con il classicismo, che glorificava il chiaro potere della mente, i romantici cantavano sentimenti appassionati e tempestosi che catturano l'intera persona. Le prime risposte alle nuove tendenze furono i ritratti e i paesaggi, che stanno diventando i generi preferiti della pittura romantica.

periodo di massimo splendore genere del ritratto era associato all'interesse dei romantici per la brillante individualità umana, la bellezza e la ricchezza del suo mondo spirituale. La vita dello spirito umano prevale in un ritratto romantico sull'interesse per la bellezza fisica, per la plasticità sensuale dell'immagine.

In un ritratto romantico (Delacroix, Géricault, Runge, Goya) si rivela sempre l'unicità di ogni persona, si trasmettono le dinamiche, il battito intenso della vita interiore, la passione ribelle.

Anche i romantici sono interessati alla tragedia di un'anima spezzata: i malati di mente diventano spesso gli eroi delle opere (Gericault "Pazzo, dedito al gioco d'azzardo", "Ladro di bambini", "Pazzo, immaginandosi un comandante").

Scenario concepito dai romantici come l'incarnazione dell'anima dell'universo; la natura, come l'anima umana, appare in dinamica, costante variabilità. I paesaggi ordinati e nobilitati caratteristici del classicismo furono sostituiti da immagini di natura spontanea, recalcitrante, potente, in continua evoluzione, corrispondenti alla confusione dei sentimenti degli eroi romantici. I romantici amavano particolarmente scrivere tempeste, temporali, eruzioni vulcaniche, terremoti, naufragi che potessero avere un forte impatto emotivo sullo spettatore (Gericault, Friedrich, Turner).

La poeticizzazione della notte, caratteristica del romanticismo - uno strano mondo surreale che vive secondo le proprie leggi - ha portato al fiorire del "genere notturno", che sta diventando uno dei preferiti nella pittura romantica, soprattutto tra gli artisti tedeschi.

Uno dei primi paesi nelle arti visive di cui si sviluppò il romanticismo fuGermania .

La creatività ha avuto un'influenza notevole sullo sviluppo del genere del paesaggio romanticoCaspar David Friedrich (1774-1840). Il suo patrimonio artistico è dominato da paesaggi raffiguranti cime montuose, foreste, mare, costa del mare, nonché rovine di antiche cattedrali, abbazie abbandonate, monasteri ("Croce tra le montagne", "Cattedrale", "Abbazia tra le querce ”). Di solito hanno una sensazione di immutabile tristezza dalla consapevolezza della tragica perdita di una persona nel mondo.

L'artista amava quegli stati della natura che più corrispondono alla sua percezione romantica: mattina presto, tramonto serale, sorgere della luna ("Due contemplando la luna", "Cimitero monastico", "Paesaggio con un arcobaleno", "Sorgere della luna sul mare", " Rocce di gesso sull'isola di Rügen”, “In barca a vela”, “Porto di notte”).

I protagonisti costanti delle sue opere sono sognatori solitari, immersi nella contemplazione della natura. Guardando nelle vaste distanze e nelle infinite altezze, si uniscono agli eterni segreti dell'universo, vengono portati nel meraviglioso mondo dei sogni. Friedrich trasmette questo meraviglioso mondo con l'aiuto di una luce magicamente splendente.- radiante solare o misterioso lunare.

Il lavoro di Friedrich è stato ammirato dai suoi contemporanei, tra cui I. W.Goethe e W.A. Zhukovsky, grazie al quale molti dei suoi dipinti furono acquisiti dalla Russia.

Pittore, grafico, poeta e teorico dell'arteFilippo Otto Runge (1777-1810), si dedicò principalmente al genere del ritratto. Nelle sue opere, ha poeticizzato le immagini della gente comune, spesso i suoi cari ("Tre di noi" - un autoritratto con una sposa e un fratello, non è stato conservato; "I bambini della famiglia Hülzenbeck", "Ritratto del genitori dell'artista”, “Autoritratto”). La profonda religiosità di Runge è stata espressa in dipinti come "Cristo sulle rive del lago di Tiberiade" e "Riposo durante la fuga in Egitto" (non finito). L'artista ha riassunto le sue riflessioni sull'arte nel trattato teorico "La sfera del colore".

Il desiderio di far rivivere i fondamenti religiosi e morali nell'arte tedesca è associato all'attività creativa degli artisti Scuola Nazarena (F.Overbeck, von Karlsfeld,L. Vogel, I. Gottinger, J. Sütter,P. von Cornelio). Uniti in una sorta di fratellanza religiosa ("Unione di San Luca"), i "Nazareni" vivevano a Roma sul modello di una comunità monastica e dipingevano quadri di soggetto religioso. Hanno considerato la pittura italiana e tedesca come un modello per le loro ricerche creative.XIV - XVsecoli (Perugino, il primo Raffaello, A. Dürer, H. Holbein il Giovane, L.Cranach). Nel dipinto "Il trionfo della religione nell'arte" Overbeck imita direttamente la "Scuola ateniese" di Raffaello e Cornelio in "I cavalieri dell'Apocalisse" - l'omonima incisione di Durer.

I membri della confraternita consideravano le principali virtù dell'artista la purezza spirituale e la fede sincera, credendo che "solo la Bibbia rendesse Raffaello un genio". Conducendo una vita solitaria nelle celle di un monastero abbandonato, elevarono il loro servizio all'arte alla categoria del servizio spirituale.

I "Nazareni" gravitavano verso grandi forme monumentali, cercavano di incarnare ideali elevati con l'ausilio della tecnica dell'affresco appena ripresa. Alcuni dei dipinti sono stati eseguiti da loro insieme.

Negli anni Venti e Trenta dell'Ottocento i membri della confraternita si dispersero in tutta la Germania, ricevendo incarichi di rilievo in varie accademie d'arte. Solo Overbeck ha vissuto in Italia fino alla sua morte, senza cambiare i suoi principi artistici. Le migliori tradizioni dei "Nazareni" sono state conservate a lungo nella pittura storica. La loro ricerca ideologica e morale ha avuto un impatto sui preraffaelliti inglesi, così come sul lavoro di maestri come Schwind e Spitzweg.

Moritz Schwind (1804-1871), austriaco di nascita, lavorò a Monaco. Nelle opere da cavalletto raffigura principalmente l'aspetto e la vita delle antiche città di provincia tedesche con i loro abitanti. È fatto con grande poesia e lirismo, con amore per i suoi personaggi.

Carlo Spitzweg (1808-1885) - Pittore, grafico, brillante disegnatore, fumettista di Monaco, anch'esso non privo di sentimentalismo, ma con grande umorismo racconta la vita urbana ("Povero poeta", "Caffè del mattino").

Schwind e Spitzweg sono solitamente associati a una tendenza nella cultura tedesca nota come Biedermeier.Biedermeier - questo è uno degli stili più popolari dell'epoca (principalmente nel campo della vita quotidiana, ma anche nell'arte) . Ha messo in primo piano i borghesi, l'uomo medio della strada. Il tema centrale della pittura Biedermeier era la vita quotidiana di una persona, che scorre in stretta connessione con la sua casa e la sua famiglia. L'interesse di Biedermeier non per il passato, ma per il presente, non per il grande, ma per il piccolo, ha contribuito alla formazione di una tendenza realistica nella pittura.

Scuola romantica francese

La scuola più coerente del romanticismo nella pittura si è sviluppata in Francia. Sorse come opposizione al classicismo, degenerò in un accademismo freddo e razionale, e presentò tali grandi maestri che determinarono l'influenza dominante della scuola francese per tutto il XIX secolo.

Gli artisti romantici francesi gravitavano verso trame piene di drammaticità e pathos, tensione interna, lontane dalla "oscura quotidianità". Incarnandoli, hanno riformato i mezzi pittorici ed espressivi:

Al nome sono associati i primi brillanti successi del romanticismo nella pittura franceseTeodora Géricault (1791-1824), che, prima di altri, seppe esprimere un senso puramente romantico del conflitto del mondo. Già nelle sue prime opere si intravede il desiderio di mostrare le vicende drammatiche del nostro tempo. Così, ad esempio, i dipinti "L'ufficiale dei fucilieri a cavallo che va all'attacco" e "Il corazziere ferito" riflettevano il romanticismo dell'era napoleonica.

Il dipinto di Gericault "La zattera della Medusa", dedicato al recente evento della vita moderna - la morte di una nave passeggeri per colpa della compagnia di navigazione, ha avuto un'enorme risonanza. . Géricault ha creato una gigantesca tela di 7×5 m raffigurante il momento in cui le persone in punto di morte hanno visto una nave salvifica all'orizzonte. L'estrema tensione è enfatizzata da una combinazione di colori aspra e cupa, una composizione diagonale. Questo dipinto è diventato un simbolo della moderna Géricault France, che, come le persone in fuga da un naufragio, ha vissuto sia la speranza che la disperazione.

Il tema del suo ultimo grande dipinto - "Race at Epsom" - l'artista ha trovato in Inghilterra. Raffigura cavalli che volano come uccelli (l'immagine preferita di Géricault, che divenne un eccellente cavaliere da adolescente). L'impressione di rapidità è accresciuta da una certa tecnica: i cavalli ei fantini sono scritti con molta cura e lo sfondo è ampio.

Dopo la morte di Géricault (morì tragicamente, nel fiore degli anni e del talento), il suo giovane amico divenne il capo riconosciuto dei romantici francesi.Eugenio Delacroix (1798-1863). Delacroix era dotato in modo completo, possedeva talento musicale e letterario. I suoi diari, articoli sugli artisti sono i documenti più interessanti dell'epoca. I suoi studi teorici sulle leggi del colore ebbero un enorme impatto sui futuri impressionisti e soprattutto su W. Van Gogh.

Il primo dipinto di Delacroix, che gli ha portato la fama, è stato "Dante e Virgilio" ("La barca di Dante"), scritto sulla trama della "Divina Commedia". Ha colpito i suoi contemporanei con un pathos appassionato, il potere del colore cupo.

L'apice del lavoro dell'artista è stato "Freedom on the Barricades" ("Freedom Leading the People"). La credibilità di un fatto reale (l'immagine è stata creata nel bel mezzo della Rivoluzione di luglio del 1830 in Francia) si fonde qui con un sogno romantico di libertà e il simbolismo delle immagini. Una bella giovane donna diventa un simbolo della Francia rivoluzionaria.

La risposta agli eventi moderni fu il precedente dipinto "Massacro di Chios", dedicato alla lotta del popolo greco contro il dominio turco. .

Dopo aver visitato il Marocco, Delacroix ha scoperto il mondo esotico dell'Oriente arabo, a cui ha dedicato molti dipinti e schizzi. In "Donne d'Algeria" il mondo dell'harem musulmano è stato presentato per la prima volta al pubblico europeo.

L'artista ha anche realizzato una serie di ritratti di rappresentanti dell'intellighenzia creativa, molti dei quali erano suoi amici (ritratti di N. Paganini, F. Chopin, G. Berlioz, ecc.)

Nell'ultimo periodo del suo lavoro creativo, Delacroix gravitò verso temi storici, lavorò come muralista (murales alla Camera dei Deputati, al Senato) e come grafico (illustrazioni per le opere di Shakespeare, Goethe, Byron).

I nomi dei pittori inglesi dell'era del romanticismo - R. Benington, J. Constable, W. Turner - sono associati al genere del paesaggio. In questo settore hanno davvero aperto una nuova pagina: la natura nativa ha trovato nel loro lavoro un riflesso così ampio e amorevole che nessun altro paese conosceva in quel momento.

Giovanni Costabile (1776-1837) uno dei primi nella storia del paesaggio europeo iniziò a dipingere schizzi completamente dal vero, rivolgendosi all'osservazione diretta della natura. I suoi dipinti sono semplici nei motivi: villaggi, fattorie, chiese, una striscia di fiume o una spiaggia di mare: Haycart, Detham Valley, Cattedrale di Salisbury dal Bishop's Garden. Le opere di Constable sono servite da impulso per lo sviluppo di un paesaggio realistico in Francia.

William Turner (1775-1851) - pittore marino . Era attratto dal mare in tempesta, acquazzoni, temporali, inondazioni, tornado: “L'ultimo viaggio della nave“ Coraggioso ”,“ Temporale sulla Piazzetta. Audaci ricerche coloristiche, rari effetti di luce a volte trasformano i suoi dipinti in scintillanti spettacoli fantasmagorici: “The Fire of the London Parliament”, “Snowstorm. La nave lascia il porto e dà segnali di soccorso, colpendo l'acqua bassa. .

Turner possiede la prima immagine pittorica di una locomotiva a vapore che corre su rotaie, simbolo dell'industrializzazione. In Rain, Steam and Speed, una locomotiva a vapore corre lungo il Tamigi attraverso una foschia nebbiosa. Tutti gli oggetti materiali sembrano fondersi in un'immagine miraggio, che trasmette perfettamente la sensazione di velocità.

Lo studio unico di Turner sugli effetti di luce e colore ha anticipato in molti modi le scoperte dei pittori impressionisti francesi.

Nel 1848 in Inghilterra sorseConfraternita preraffaellita (dal latino prae - "prima" e Raffaello), che univa artisti che non accettano la società contemporanea e l'arte della scuola accademica. Hanno visto il loro ideale nell'arte del Medioevo e del primo Rinascimento (da cui il nome). I principali membri della confraternita -William Holman Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti. Nei loro primi lavori, questi artisti usavano l'abbreviazione RV invece delle firme. .

Con i romantici dei preraffaelliti era legato l'amore per l'antichità. Si sono rivolti a soggetti biblici ("La luce del mondo" e "Il pastore infedele" di W. H. Hunt; "L'infanzia di Maria" e "L'Annunciazione" di D. G. Rossetti), trame della storia del Medioevo e opere teatrali di W. Shakespeare (“Ophelia” di Millais).

Per dipingere figure umane e oggetti nelle loro dimensioni naturali, i preraffaelliti aumentarono le dimensioni delle tele, gli schizzi di paesaggi furono realizzati dalla natura. I personaggi nei loro dipinti avevano prototipi tra persone reali. Ad esempio, D. G. Rossetti ha ritratto in quasi tutte le sue opere la sua amata Elizabeth Siddal, continuando, come un cavaliere medievale, a rimanere fedele alla sua amata anche dopo la sua prematura scomparsa (“Blue Silk Dress”, 1866).

L'ideologo dei preraffaelliti lo eraGiovanni Ruskin (1819-1900) - Scrittore, critico d'arte e teorico d'arte inglese, autore della famosa serie di libri "Modern Artists".

Il lavoro dei preraffaelliti influenzò in modo significativo molti artisti e divenne un precursore del simbolismo nella letteratura (W. Pater, O. Wilde) e nelle belle arti (O. Beardsley, G. Moreau, ecc.).

il soprannome "Nazareni" potrebbe derivare dal nome della città di Nazareth in Galilea, dove nacque Gesù Cristo. Secondo un'altra versione, sorse per analogia con il nome dell'antica comunità religiosa ebraica dei nazirei. È anche possibile che il nome del gruppo derivi dal nome tradizionale dell'acconciatura “Alla Nazarena”, comune nel Medioevo e noto dall'autoritratto di A. Dürer: il modo di portare i capelli lunghi, scriminati nel mezzo, è stato reintrodotto da Overbeck.

Biedermeier(tedesco "coraggioso Meyer", filisteo) - il cognome di un personaggio immaginario della raccolta di poesie del poeta tedesco Ludwig Eichrodt. Eichrodt ha creato una parodia di una persona reale: Samuel Friedrich Sauter, un vecchio insegnante che scriveva poesie ingenue. Eichrodt, nella sua caricatura, sottolineava la primitività filistea del pensiero di Biedermeier, che divenne una sorta di simbolo parodico dell'epoca. ampie pennellate di colori nero, marrone e verdastro trasmettono la furia della tempesta. Lo sguardo dello spettatore sembra essere al centro di un vortice, la nave sembra essere un giocattolo di onde e vento.

L'inizio del XIX secolo - il tempo dell'impennata culturale e spirituale in Russia. Se nello sviluppo economico e socio-politico la Russia è rimasta indietro rispetto agli stati europei avanzati, nelle conquiste culturali non solo ha tenuto il passo con loro, ma spesso li ha superati. Lo sviluppo della cultura russa nella prima metà del XIX secolo si basava sulle trasformazioni del tempo precedente. La penetrazione di elementi delle relazioni capitaliste nell'economia ha aumentato il bisogno di persone istruite e istruite. Le città divennero i principali centri culturali.

Nuovi strati sociali sono stati coinvolti nei processi sociali. La cultura si è sviluppata sullo sfondo della sempre crescente autocoscienza nazionale del popolo russo e, a questo proposito, aveva un pronunciato carattere nazionale. Ha avuto un'influenza significativa su letteratura, teatro, musica, arti visive Guerra patriottica del 1812 che a un livello senza precedenti ha accelerato la crescita dell'autocoscienza nazionale del popolo russo, il suo consolidamento. C'è stato un riavvicinamento con il popolo russo di altri popoli della Russia.

L'inizio del XIX secolo è giustamente chiamato l'età d'oro della pittura russa. Fu allora che gli artisti russi raggiunsero il livello di abilità che mise le loro opere alla pari con i migliori esempi di arte europea.

Tre nomi aprono la pittura russa del XIX secolo: Kiprensky , Tropinina , Venetsianov. Ognuno ha un'origine diversa: un proprietario terriero illegittimo, un servo e un discendente di un commerciante. Ognuno ha la propria aspirazione creativa: un romantico, un realista e un "paroliere di villaggio".

Nonostante la sua passione iniziale per la pittura storica, Kiprensky è conosciuto principalmente come un eccezionale ritrattista. Possiamo dirlo all'inizio del XIX secolo. divenne il primo ritrattista russo. Gli antichi maestri, diventati famosi nel XVIII secolo, non potevano più competere con lui: Rokotov morì nel 1808, Levitsky, che gli sopravvisse per 14 anni, non dipinse più a causa di una malattia agli occhi, e Borovikovsky, che non visse pochi mesi prima della rivolta dei Decabristi, funzionava molto poco.

Kiprensky ebbe la fortuna di diventare un cronista artistico del suo tempo. "Storia in volti" possono essere considerati i suoi ritratti, che raffigurano molti partecipanti a quegli eventi storici, di cui era contemporaneo: gli eroi della guerra del 1812, rappresentanti del movimento Decabrista. La tecnica del disegno a matita è tornata utile, la cui formazione è stata oggetto di seria attenzione presso l'Accademia delle arti. Kiprensky ha creato, in sostanza, un nuovo genere: un ritratto pittorico.

Kiprensky ha creato molti ritratti di figure della cultura russa e, naturalmente, il più famoso tra loro è quello di Pushkin. È stato commissionato Delviga, amico del liceo del poeta, nel 1827. I contemporanei notarono la sorprendente somiglianza del ritratto con l'originale. L'immagine del poeta viene liberata dall'artista dai tratti quotidiani che sono inerenti al ritratto di Pushkin di Tropinin, dipinto nello stesso anno. Alexander Sergeevich è stato catturato dall'artista al momento dell'ispirazione, quando è stato visitato da una musa poetica.

La morte ha colto l'artista durante il suo secondo viaggio in Italia. Negli ultimi anni, molto non è andato bene con il famoso pittore. La crisi creativa è iniziata. Poco prima della sua morte, la sua vita fu oscurata da un tragico evento: secondo i contemporanei, l'artista fu ingiustamente accusato di omicidio e aveva paura di uscire di casa. Anche il matrimonio con la sua allieva italiana non rallegra i suoi ultimi giorni.

Pochi piansero il pittore russo morto in terra straniera. Tra i pochi che capirono veramente che tipo di maestro aveva perso la cultura nazionale c'era l'artista Alexander Ivanov, che all'epoca si trovava in Italia. In quei tristi giorni scriveva: Kiprensky "fu il primo a far conoscere il nome russo in Europa".

Tropinin è entrato nella storia dell'arte russa come eccezionale ritrattista. Ha detto: "Un ritratto di una persona è dipinto per la memoria delle persone a lui vicine, che lo amano". Secondo i contemporanei, Tropinin ha dipinto circa 3.000 ritratti. Se sia così è difficile da dire. In uno dei libri sull'artista c'è un elenco di 212 volti identificati con precisione che Tropinin ha ritratto. Ha anche molte opere chiamate "Ritratto di uno sconosciuto (sconosciuto)". Tropinin è stato posato da dignitari statali, nobili, guerrieri, uomini d'affari, piccoli funzionari, servi, intellettuali e figure della cultura russa. Tra questi: lo storico Karamzin, lo scrittore Zagoskin, il critico d'arte Odoevsky, i pittori Bryullov e Aivazovsky, lo scultore Vitali, l'architetto Gilardi, il compositore Alyabyev, gli attori Shchepkin e Mo-chalov, il drammaturgo Sukhovo-Kobylin.

Una delle migliori opere di Tropinin è un ritratto di suo figlio. Devo dire che una delle "scoperte" dell'arte russa del XIX secolo. c'era il ritratto di un bambino. Nel Medioevo il bambino era visto come un piccolo adulto non ancora cresciuto. I bambini erano persino vestiti con abiti che non erano diversi dagli adulti: a metà del XVIII secolo. le ragazze indossavano corsetti stretti e gonne larghe con fijma. Solo all'inizio del XIX secolo. hanno visto un bambino in un bambino. Gli artisti sono stati tra i primi a farlo. C'è molta semplicità e naturalezza nel ritratto di Tropinin. Il ragazzo non è in posa. Interessato a qualcosa, si voltò un attimo: la sua bocca era socchiusa, i suoi occhi brillavano. L'aspetto del bambino è sorprendentemente affascinante e poetico. Capelli arruffati dorati, un viso aperto, infantilmente paffuto, uno sguardo vivace di occhi intelligenti. Si può sentire con quale amore l'artista ha dipinto il ritratto di suo figlio.

Tropinin ha scritto autoritratti due volte. In una successiva, datata 1846, l'artista ha 70 anni. Si è raffigurato con tavolozza e pennelli in mano, appoggiato a un mastabl, uno speciale bastoncino usato dai pittori. Dietro di lui c'è il maestoso panorama del Cremlino. Nella sua giovinezza, Tropinin possedeva forza eroica e buon umore. A giudicare dall'autoritratto, ha mantenuto la forza del suo corpo anche in età avanzata. Un viso arrotondato con gli occhiali irradia buona natura. L'artista è morto 10 anni dopo, ma la sua immagine è rimasta nella memoria dei suoi discendenti: un uomo eccezionale e gentile che ha arricchito l'arte russa con il suo talento.

Venetsianov ha scoperto il tema contadino nella pittura russa. Fu il primo tra gli artisti russi a mostrare la bellezza della sua natura nativa sulle sue tele. Il genere del paesaggio non era favorito all'Accademia delle arti. Occupava il penultimo posto per importanza, lasciandosi alle spalle ancora più spregevole - tutti i giorni. Solo pochi maestri hanno dipinto la natura, preferendo paesaggi italiani o immaginari.

In molte delle opere di Venetsianov, la natura e l'uomo sono inseparabili. Sono strettamente collegati come un contadino con la terra, i suoi doni. Le sue opere più famose - "Fienagione", "Sulla terra arabile. Primavera", "Sul raccolto. Estate" - l'artista crea negli anni '20. Era l'apice della sua creatività. Nessuno nell'arte russa è stato in grado di mostrare la vita contadina e il lavoro dei contadini con tanto amore e così poeticamente come Venetsianov. Nel dipinto "Sul seminativo. Primavera" una donna erpica un campo. Questo lavoro duro ed estenuante sembra sublime sulla tela di Venetsianov: una contadina in elegante prendisole e kokoshnik. Con un bel viso e un corpo flessibile, assomiglia a un'antica dea. Conducendo per le briglie due cavalli obbedienti attaccati a un erpice, non cammina, ma sembra librarsi sul campo. La vita intorno scorre calma, misurata, pacifica. Alberi rari diventano verdi, nuvole bianche fluttuano nel cielo, il campo sembra infinito, sul bordo del quale siede un bambino che aspetta sua madre.

Il dipinto "In the Harvest. Summer" sembra continuare il precedente. Il raccolto è maturo, i campi sono spighe di stoppie dorate: è tempo di raccolto. In primo piano, deposta la falce, una contadina allatta un bambino. Il cielo, il campo, le persone che vi lavorano sono inseparabili per l'artista. Tuttavia, l'oggetto principale della sua attenzione è sempre una persona.

Venetsianov ha creato un'intera galleria di ritratti di contadini. Questa era una novità per la pittura russa. Nel XVIII sec. le persone del popolo, e ancor di più i servi della gleba, erano di scarso interesse per gli artisti. Secondo gli storici dell'arte, Venetsianov è stato il primo nella storia della pittura russa a "catturare e ricreare il tipo popolare russo". "Mietitori", "Ragazza con fiordalisi", "Ragazza con vitello", "Pastore addormentato" sono meravigliose immagini di contadini immortalati da Venetsianov. Un posto speciale nel lavoro dell'artista era occupato dai ritratti di bambini contadini. Quanto è bravo "Zakharka" - un ragazzo con gli occhi grandi, il naso camuso e le labbra grandi con un'ascia sulla spalla! Zakharka sembra personificare un'energica natura contadina, abituata a lavorare fin dall'infanzia.

Alexey Gavrilovich ha lasciato un buon ricordo di se stesso non solo come artista, ma anche come insegnante eccezionale. Durante una delle sue visite a San Pietroburgo, prese come studente un artista alle prime armi, poi un altro, un terzo ... Nacque così un'intera scuola d'arte, che entrò nella storia dell'arte con il nome veneziano. Per un quarto di secolo vi sono passati circa 70 giovani di talento. Venetsianov ha cercato di riscattare gli artisti servi dalla prigionia ed era molto preoccupato se ciò non avesse funzionato. Il più talentuoso dei suoi studenti - Grigory Soroka - non ha mai ottenuto la libertà dal suo proprietario terriero. Visse per vedere l'abolizione della servitù, ma, spinto alla disperazione dall'onnipotenza dell'ex proprietario, si suicidò.

Molti degli studenti di Venetsianov vivevano a casa sua a stipendio pieno. Comprendevano i segreti della pittura veneziana: ferma aderenza alle leggi della prospettiva, grande attenzione alla natura. Tra i suoi allievi c'erano molti maestri di talento che hanno lasciato un segno notevole nell'arte russa: Grigory Soroka, Alexei Tyranov, Alexander Alekseev, Nikifor Krylov. "Veneziani" - chiamavano amorevolmente i suoi animali domestici.

Pertanto, si può sostenere che nel primo terzo del XIX secolo ci fu un rapido aumento dello sviluppo culturale della Russia e questa volta è chiamata l'età d'oro della pittura russa.

Gli artisti russi hanno raggiunto un livello di abilità che mette le loro opere alla pari con i migliori esempi di arte europea.

La glorificazione dell'impresa del popolo, l'idea del suo risveglio spirituale, la denuncia delle piaghe della Russia feudale: questi sono i temi principali delle belle arti del XIX secolo.

Nella ritrattistica, le caratteristiche del romanticismo sono particolarmente distinte: l'indipendenza della personalità umana, la sua individualità, la libertà di esprimere sentimenti.

Sono stati creati molti ritratti di figure della cultura russa, un ritratto di bambini. Entra di moda il tema contadino, il paesaggio, che mostrava la bellezza della natura nativa.

Estratto d'esame

Soggetto: "Il romanticismo come tendenza nell'arte".

Eseguita studente 11 classe "B" scuola secondaria n. 3

Boiprov Anna

Insegnante di arte mondiale

cultura Butsu T.N.

Brest, 2002

1. introduzione

2. Cause del romanticismo

3. Le caratteristiche principali del romanticismo

4. eroe romantico

5. Romanticismo in Russia

a) Letteratura

b) Pittura

c) Musica

6. Romanticismo dell'Europa occidentale

un dipinto

b) Musica

7. Conclusione

8. Riferimenti

1. INTRODUZIONE

Se guardi nel dizionario esplicativo della lingua russa, puoi trovare diversi significati della parola "romanticismo": 1. Una tendenza nella letteratura e nell'arte del primo quarto del XIX secolo, caratterizzata dall'idealizzazione del passato, dall'isolamento dalla realtà, il culto della personalità e dell'uomo. 2. Una direzione nella letteratura e nell'arte, intrisa di ottimismo e desiderio di mostrare con immagini vivide l'alto scopo dell'uomo. 3. Uno stato d'animo intriso di idealizzazione della realtà, contemplazione sognante.

Come si può vedere dalla definizione, il romanticismo è un fenomeno che si manifesta non solo nell'arte, ma anche nel comportamento, nell'abbigliamento, nello stile di vita, nella psicologia delle persone e si verifica nei momenti critici della vita, quindi il tema del romanticismo è ancora attuale oggi . Viviamo alla fine del secolo, siamo in una fase di transizione. A questo proposito, nella società c'è incredulità nel futuro, sfiducia negli ideali, c'è il desiderio di fuggire dalla realtà circostante nel mondo delle proprie esperienze e allo stesso tempo comprenderlo. Sono queste caratteristiche che sono caratteristiche dell'arte romantica. Ecco perché ho scelto per la ricerca l'argomento "Il romanticismo come tendenza nell'arte".

Il romanticismo è uno strato molto ampio di diversi tipi di arte. Lo scopo del mio lavoro è tracciare le condizioni per l'emergere e le cause dell'emergere del romanticismo in diversi paesi, indagare sullo sviluppo del romanticismo in forme d'arte come la letteratura, la pittura e la musica e confrontarle. Il compito principale per me era evidenziare le caratteristiche principali del romanticismo, caratteristiche di tutti i tipi di arte, per determinare quale influenza avesse il romanticismo sullo sviluppo di altre tendenze artistiche.

Durante lo sviluppo del tema, ho utilizzato libri di testo sull'arte, autori come Filimonova, Vorotnikov e altri, pubblicazioni enciclopediche, monografie dedicate a vari autori dell'era del romanticismo, materiali biografici di autori come Aminskaya, Atsarkina, Nekrasova e altri.

2. LE RAGIONI DELL'ORIGINE DEL ROMANTICISMO

Più ci si avvicina alla modernità, più si accorciano i tempi del predominio di uno o di un altro stile. Il periodo di tempo della fine del XVIII-I terzo del XIX secolo. considerata l'era del romanticismo (dal francese Romantique; qualcosa di misterioso, strano, irreale)

Cosa ha influenzato l'emergere di un nuovo stile?

Questi sono tre eventi principali: la grande rivoluzione francese, le guerre napoleoniche, l'ascesa del movimento di liberazione nazionale in Europa.

I tuoni di Parigi risuonarono in tutta Europa. Lo slogan "Libertà, uguaglianza, fraternità!" esercitava un'enorme attrazione su tutti i popoli europei. Con la formazione delle società borghesi, la classe operaia iniziò ad agire contro il sistema feudale come forza indipendente. La lotta contrapposta di tre classi - la nobiltà, la borghesia e il proletariato - ha costituito la base dello sviluppo storico del XIX secolo.

Il destino di Napoleone e il suo ruolo nella storia europea per 2 decenni, 1796-1815, occuparono le menti dei contemporanei. "Il sovrano dei pensieri" - A.S. ha parlato di lui. Pushkin.

Per la Francia furono anni di grandezza e gloria, anche se a costo della vita di migliaia di francesi. L'Italia vide Napoleone come il suo liberatore. I polacchi nutrivano grandi speranze per lui.

Napoleone ha agito come un conquistatore agendo nell'interesse della borghesia francese. Per i monarchi europei non era solo un oppositore militare, ma anche un rappresentante del mondo alieno della borghesia. Lo odiavano. All'inizio delle guerre napoleoniche, c'erano molti partecipanti diretti alla rivoluzione nel suo "Grande esercito".

Anche la personalità dello stesso Napoleone era fenomenale. Il giovane Lermontov ha risposto al decimo anniversario della morte di Napoleone:

È un estraneo al mondo. Tutto in lui era un mistero.

Il giorno dell'esaltazione - e la caduta dell'ora!

Questo mistero ha particolarmente attirato l'attenzione dei romantici.

In connessione con le guerre napoleoniche e la maturazione dell'autocoscienza nazionale, questo periodo è caratterizzato dall'ascesa del movimento di liberazione nazionale. Germania, Austria, Spagna hanno combattuto contro l'occupazione napoleonica, Italia - contro il giogo austriaco, Grecia - contro la Turchia, in Polonia hanno combattuto contro lo zarismo russo, Irlanda - contro gli inglesi.

Sorprendenti cambiamenti hanno avuto luogo davanti agli occhi di una generazione.

La Francia ribolliva soprattutto: il turbolento quinto anniversario della Rivoluzione francese, l'ascesa e la caduta di Robespierre, le campagne napoleoniche, la prima abdicazione di Napoleone, il suo ritorno dall'isola d'Elba ("cento giorni") e l'ultimo

sconfitta a Waterloo, il cupo 15° anniversario del regime di restaurazione, la Rivoluzione di luglio del 1860, la Rivoluzione di febbraio del 1848 a Parigi, che provocò un'ondata rivoluzionaria in altri paesi.

In Inghilterra, a seguito della rivoluzione industriale della seconda metà del XIX secolo. si stabilirono la produzione meccanica e le relazioni capitalistiche. La riforma parlamentare del 1832 aprì la strada alla borghesia verso il potere statale.

Nelle terre della Germania e dell'Austria, i governanti feudali mantennero il potere. Dopo la caduta di Napoleone, affrontarono duramente l'opposizione. Ma anche sul suolo tedesco la locomotiva a vapore, portata dall'Inghilterra nel 1831, divenne un fattore di progresso borghese.

Le rivoluzioni industriali, le rivoluzioni politiche hanno cambiato il volto dell'Europa. "La borghesia, in meno di cento anni del suo dominio di classe, ha creato forze produttive più numerose e grandiose di tutte le generazioni precedenti messe insieme", scrivevano gli studiosi tedeschi Marx ed Engels nel 1848.

Quindi, la Grande Rivoluzione Francese (1789-1794) ha segnato una pietra miliare speciale che separa la nuova era dall'Età dell'Illuminismo. Non sono cambiate solo le forme dello stato, la struttura sociale della società, l'allineamento delle classi. L'intero sistema di idee, illuminato per secoli, fu scosso. Gli illuministi prepararono ideologicamente la rivoluzione. Ma non potevano prevedere tutte le sue conseguenze. Il "regno della ragione" non ha avuto luogo. La rivoluzione, che ha proclamato la libertà dell'individuo, ha dato origine all'ordine borghese, allo spirito di avidità e di egoismo. Tale era la base storica per lo sviluppo della cultura artistica, che proponeva una nuova direzione: il romanticismo.

3. CARATTERISTICHE PRINCIPALI DEL ROMANTICISMO

Il romanticismo come metodo e direzione nella cultura artistica è stato un fenomeno complesso e controverso. In ogni paese aveva una brillante espressione nazionale. Non è facile trovare caratteristiche nella letteratura, nella musica, nella pittura e nel teatro che uniscano Chateaubriand e Delacroix, Mickiewicz e Chopin, Lermontov e Kiprensky.

I romantici occupavano varie posizioni sociali e politiche nella società. Si ribellarono tutti contro i risultati della rivoluzione borghese, ma si ribellarono in modi diversi, poiché ciascuno aveva il proprio ideale. Ma con tutti i tanti volti e la diversità, il romanticismo ha caratteristiche stabili.

La delusione nei tempi moderni ha dato origine a uno speciale interesse per il passato: alle formazioni sociali pre-borghesi, all'antichità patriarcale. Molti romantici erano caratterizzati dall'idea che il pittoresco esotismo dei paesi del sud e dell'est - Italia, Spagna, Grecia, Turchia - fosse un contrasto poetico con la noiosa vita quotidiana borghese. In questi paesi, allora ancora poco toccati dalla civiltà, i romantici cercavano personaggi brillanti e forti, uno stile di vita originale e colorato. L'interesse per il passato nazionale ha dato origine a una massa di opere storiche.

Nel tentativo di elevarsi in qualche modo al di sopra della prosa dell'essere, di liberare le diverse capacità dell'individuo, per realizzarsi infine nella creatività, i romantici si opposero alla formalizzazione dell'arte e all'approccio diretto e giudizioso ad essa, caratteristico del classicismo. Sono venuti tutti da negazione dell'Illuminismo e dei canoni razionalistici del classicismo, che ha incatenato l'iniziativa creativa dell'artista e se il classicismo divide tutto in linea retta, in buono e cattivo, in bianco e nero, allora il romanticismo non divide nulla in linea retta. Il classicismo è un sistema, ma il romanticismo no. Il romanticismo ha anticipato il progresso dei tempi moderni dal classicismo al sentimentalismo, che mostra la vita interiore di una persona in armonia con il vasto mondo. E il romanticismo oppone l'armonia al mondo interiore. È con il romanticismo che comincia ad apparire il vero psicologismo.

Il compito principale del romanticismo era immagine del mondo interiore, vita spirituale, e questo potrebbe essere fatto sul materiale di storie, misticismo, ecc. Era necessario mostrare il paradosso di questa vita interiore, la sua irrazionalità.

Nella loro immaginazione, i romantici trasformavano la realtà poco attraente o entravano nel mondo delle loro esperienze. Il divario tra sogno e realtà, l'opposizione della bella finzione alla realtà oggettiva, era al centro dell'intero movimento romantico.

Il romanticismo pone per la prima volta il problema del linguaggio dell'arte. “L'arte è un linguaggio di tipo molto diverso dalla natura; ma contiene anche lo stesso potere miracoloso che altrettanto segretamente e incomprensibilmente colpisce l'animo umano ”(Wackenroder e Tieck). Un artista è un interprete del linguaggio della natura, un intermediario tra il mondo dello spirito e le persone. “Grazie agli artisti, l'umanità emerge come un'intera individualità. Gli artisti attraverso la modernità uniscono il mondo del passato con il mondo del futuro. Sono il più alto organo spirituale in cui si incontrano le forze vitali della loro umanità esteriore, e dove l'umanità interiore si manifesta prima di tutto” (F. Schlegel).

Tuttavia, il romanticismo non fu una tendenza omogenea: il suo sviluppo ideologico andò in direzioni diverse. Tra i romantici c'erano scrittori reazionari, aderenti al vecchio regime, che cantavano la monarchia feudale e il cristianesimo. D'altra parte, i romantici con una visione progressista hanno espresso protesta democratica contro l'oppressione feudale e ogni tipo di oppressione, incarnando l'impulso rivoluzionario del popolo per un futuro migliore.

Il romanticismo ha lasciato un'intera era nella cultura artistica mondiale, i suoi rappresentanti erano: in letteratura V. Scott, J. Byron, Shelley, V. Hugo, A. Mickiewicz e altri; nelle belle arti di E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky e altri; nella musica di F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin e altri, hanno scoperto e sviluppato nuovi generi, prestato molta attenzione al destino della personalità umana, rivelato il dialettica del bene e del male, passioni umane magistralmente rivelate, ecc.

Le forme d'arte hanno più o meno eguagliato il loro significato e hanno prodotto magnifiche opere d'arte, anche se i romantici hanno dato la priorità alla musica nella scala delle arti.

4. EROE ROMANTICO

Chi è un eroe romantico e com'è?

Questo è un individualista. Un superuomo che ha vissuto due fasi: prima della collisione con la realtà, vive in uno stato "rosa", è posseduto dal desiderio di realizzazione, cambiamento del mondo; dopo una collisione con la realtà, continua a considerare questo mondo sia volgare che noioso, ma non diventa scettico, pessimista. Con una chiara comprensione che nulla può essere cambiato, il desiderio di un'impresa degenera in un desiderio di pericolo.

I romantici sapevano dare un valore eterno, duraturo a ogni piccola cosa, a ogni fatto concreto, a tutto ciò che è singolare. Joseph de Maistre lo chiama "i sentieri della Provvidenza", Germaine de Stael - "il seno fecondo dell'universo immortale". Chateaubriand nel "Genio del cristianesimo", in un libro dedicato alla storia, indica direttamente Dio come l'inizio del tempo storico. La società appare come un legame incrollabile, "il filo della vita che ci lega ai nostri antenati e che dobbiamo estendere ai nostri discendenti". Solo il cuore di una persona, e non la sua mente, può comprendere e ascoltare la voce del Creatore, attraverso la bellezza della natura, attraverso sentimenti profondi. La natura è divina, è fonte di armonia e forze creative, le sue metafore sono spesso trasferite dai romantici nel lessico politico. Per i romantici l'albero diventa simbolo di famiglia, sviluppo spontaneo, percezione dei succhi della terra natale, simbolo di unità nazionale. Più innocente e sensibile è la natura di una persona, più facilmente sente la voce di Dio. Un bambino, una donna, un nobile giovane più spesso di altri vedono l'immortalità dell'anima e il valore della vita eterna. La sete di beatitudine dei romantici non si limita al desiderio idealistico del Regno di Dio dopo la morte.

Oltre all'amore mistico per Dio, una persona ha bisogno di un vero amore terreno. Incapace di possedere l'oggetto della sua passione, l'eroe romantico divenne un eterno martire, condannato ad aspettare un incontro con la sua amata nell'aldilà, "perché il grande amore è degno dell'immortalità quando costa la vita a una persona".

Un posto speciale nel lavoro dei romantici è occupato dal problema dello sviluppo e dell'educazione dell'individuo. L'infanzia è priva di leggi, i suoi impulsi momentanei violano la moralità pubblica, obbedendo alle proprie regole di gioco infantile. In un adulto reazioni simili portano alla morte, alla condanna dell'anima. Alla ricerca del regno dei cieli, una persona deve comprendere le leggi del dovere e della moralità, solo allora può sperare nella vita eterna. Poiché il dovere è dettato ai romantici dal loro desiderio di ottenere la vita eterna, l'adempimento del dovere dà la felicità personale nella sua manifestazione più profonda e potente. Al dovere morale si aggiunge il dovere dei sentimenti profondi e degli interessi elevati. Senza mescolare i meriti dei diversi sessi, i romantici sostengono l'uguaglianza dello sviluppo spirituale di uomini e donne. Allo stesso modo, l'amore per Dio e per le sue istituzioni detta il dovere civico. L'impegno personale trova il suo compimento nella causa comune, nell'impegno dell'intera nazione, di tutta l'umanità, del mondo intero.

Ogni cultura ha il suo eroe romantico, ma Byron, nella sua opera Charld Harold, ha dato una tipica rappresentazione dell'eroe romantico. Ha indossato la maschera del suo eroe (dice che non c'è distanza tra l'eroe e l'autore) ed è riuscito a rispettare il canone romantico.

Tutte le opere romantiche sono caratterizzate da tratti caratteristici:

Primo, in ogni opera romantica non c'è distanza tra l'eroe e l'autore.

In secondo luogo, l'autore dell'eroe non giudica, ma anche se si dice qualcosa di brutto su di lui, la trama è costruita in modo tale che l'eroe non sia da biasimare. La trama in un'opera romantica è solitamente romantica. I romantici costruiscono anche un rapporto speciale con la natura, amano le tempeste, i temporali, i cataclismi.

5. ROMANTICISMO IN RUSSIA.

Il romanticismo in Russia differiva dall'Europa occidentale a favore di un diverso contesto storico e di una diversa tradizione culturale. La Rivoluzione francese non può essere considerata una delle cause del suo verificarsi, una cerchia ristretta di persone nutriva speranze di trasformazioni nel suo corso. E i risultati della rivoluzione furono del tutto deludenti. La questione del capitalismo in Russia all'inizio del XIX secolo. non stava in piedi. Pertanto, non c'era tale motivo. Il vero motivo fu la guerra patriottica del 1812, in cui si manifestò tutta la forza dell'iniziativa popolare. Ma dopo la guerra, la gente non ha avuto la volontà. Il meglio della nobiltà, insoddisfatto della realtà, si recò in Piazza del Senato nel dicembre 1825. Questo atto ha lasciato il segno anche nell'intellighenzia creativa. I turbolenti anni del dopoguerra divennero l'ambiente in cui si formò il romanticismo russo.

Il romanticismo, e, inoltre, il nostro, russo, sviluppato e modellato nelle nostre forme originali, il romanticismo non era un semplice fenomeno letterario, ma di vita, un'intera era di sviluppo morale, un'era che aveva il suo colore speciale, svolgeva uno speciale visione della vita ... Lascia che la tendenza romantica provenga dall'esterno, dalla vita occidentale e dalle letterature occidentali, ha trovato nella natura russa il terreno pronto per la sua percezione, e quindi si è riflessa in fenomeni del tutto originali, come il poeta e critico Apollon Grigoriev valutato - questo è un fenomeno culturale unico, e la sua caratterizzazione mostra l'essenziale complessità del romanticismo , dalle cui viscere è uscito il giovane Gogol e con il quale è stato associato non solo all'inizio della sua carriera di scrittore, ma per tutta la vita.

Apollon Grigoriev ha determinato con precisione la natura dell'impatto della scuola romantica sulla letteratura e sulla vita, compresa la prosa di quel tempo: non una semplice influenza o prestito, ma una vita caratteristica e potente e una tendenza letteraria che ha dato fenomeni completamente originali nella giovane letteratura russa.

a) Letteratura

Il romanticismo russo è solitamente suddiviso in diversi periodi: iniziale (1801-1815), maturo (1815-1825) e periodo di sviluppo post-Decabrista. Tuttavia, in relazione al periodo iniziale, colpisce la convenzionalità di questo schema. Perché l'alba del romanticismo russo è associata ai nomi di Zhukovsky e Batyushkov, poeti il ​​cui lavoro e visione del mondo sono difficili da mettere fianco a fianco e confrontare nello stesso periodo, i loro obiettivi, aspirazioni e temperamenti sono così diversi. Nelle poesie di entrambi i poeti si avverte ancora l'influenza imperiosa del passato, l'era del sentimentalismo, ma se Zhukovsky vi è ancora profondamente radicato, allora Batyushkov è molto più vicino alle nuove tendenze.

Belinsky ha giustamente osservato che il lavoro di Zhukovsky è caratterizzato da "lamentele su speranze imperfette che non avevano nome, tristezza per la felicità perduta, che Dio sa in cosa consisteva". In effetti, nella persona di Zhukovsky, il romanticismo stava ancora muovendo i suoi primi timidi passi, rendendo omaggio al desiderio sentimentale e malinconico, un vago, appena percettibile desiderio del cuore, in una parola, a quel complesso insieme di sentimenti che nella critica russa era chiamato "romanticismo del Medioevo".

Nella poesia di Batyushkov regna un'atmosfera completamente diversa: la gioia di essere, la schietta sensualità, un inno al piacere.

Zhukovsky è giustamente considerato un rappresentante di spicco dell'umanesimo estetico russo. Alieno alle forti passioni, il compiacente e mite Zhukovsky era sotto la notevole influenza delle idee di Rousseau e dei romantici tedeschi. Seguendoli, ha attribuito grande importanza al lato estetico nella religione, nella morale e nelle relazioni sociali. L'arte ha acquisito un significato religioso da Zhukovsky, ha cercato di vedere nell'arte una "rivelazione" di verità superiori, era "sacra" per lui. È tipico per i romantici tedeschi identificare poesia e religione. Troviamo la stessa cosa in Zhukovsky, che ha scritto: "La poesia è Dio nei santi sogni della terra". Nel romanticismo tedesco era particolarmente vicino all'attrazione per tutto ciò che è al di là, al "lato notturno dell'anima", all '"inesprimibile" nella natura e nell'uomo. La natura nella poesia di Zhukovsky è circondata dal mistero, i suoi paesaggi sono spettrali e quasi irreali, come riflessi nell'acqua:

Come si fonde l'incenso con il fresco delle piante!

Com'è dolce il silenzio sulla riva degli zampilli che sguazzano!

Com'è silenzioso il vento dei marshmallow sulle acque

E flessibile salice che svolazza!

L'anima sensibile, tenera e sognante di Zhukovsky sembra congelarsi dolcemente sulla soglia di "questa luce misteriosa". Il poeta, nell'appropriata espressione di Belinsky, "ama e ama la sua sofferenza", ma questa sofferenza non gli punge il cuore con ferite crudeli, perché anche nell'angoscia e nella tristezza la sua vita interiore è tranquilla e serena. Pertanto, quando in un messaggio a Batyushkov, "il figlio della beatitudine e del divertimento", chiama il poeta epicureo "relativo alla Musa", è difficile credere a questa relazione. Crediamo piuttosto al virtuoso Zhukovsky, che consiglia amichevolmente il cantante dei piaceri terreni: "Rifiuta la voluttà, i sogni sono fatali!"

Batyushkov è una figura in tutto l'opposto di Zhukovsky. Era un uomo di forti passioni, e la sua vita creativa si è interrotta 35 anni prima della sua esistenza fisica: giovanissimo, è precipitato nell'abisso della follia. Si dedicò con uguale forza e passione sia alle gioie che ai dolori: nella vita, così come nella sua comprensione poetica, lui - a differenza di Zhukovsky - era estraneo al "mezzo aureo". Sebbene la sua poesia sia caratterizzata anche dall'elogio della pura amicizia, dalla gioia di un "angolo umile", ma il suo idillio non è affatto modesto e tranquillo, perché Batiushkov non può immaginarlo senza la languida beatitudine dei piaceri appassionati e l'ebbrezza della vita. A volte, il poeta è così portato via dalle gioie sensuali che è pronto a rifiutare sconsideratamente la saggezza opprimente della scienza:

È nelle verità del triste

Stoici cupi e saggi noiosi,

Seduti in abiti funebri,

Tra macerie e bare

Troveremo la dolcezza della nostra vita?

Da loro vedo gioia

Vola come una farfalla dai cespugli spinosi.

Per loro non c'è incanto negli incanti della natura,

Le fanciulle non cantano per loro, intrecciandosi in danze rotonde;

Per loro, come per i ciechi,

Primavera senza gioia ed estate senza fiori.

La vera tragedia suona raramente nelle sue poesie. Solo alla fine della sua vita creativa, quando iniziò a mostrare segni di malattia mentale, fu registrata sotto dettatura una delle sue ultime poesie, in cui risuonano chiaramente i motivi della futilità dell'esistenza terrena:

Ti ricordi cosa hai detto?

Dire addio alla vita, Melchizedek dai capelli grigi?

L'uomo è nato schiavo

giacerà come uno schiavo nella tomba,

E la morte difficilmente glielo dirà

Perché ha camminato attraverso la valle di lacrime meravigliose,

Soffrito, pianto, sopportato,

In Russia, il romanticismo come tendenza letteraria si sviluppò negli anni venti del diciannovesimo secolo. Le sue origini erano poeti, scrittori di prosa, scrittori e crearono il romanticismo russo, che differiva dall '"Europa occidentale" per il suo carattere nazionale e originale. Il romanticismo russo è stato sviluppato dai poeti della prima metà del diciannovesimo secolo e ogni poeta ha portato qualcosa di nuovo. Il romanticismo russo era ampiamente sviluppato, acquisì tratti caratteristici e divenne una tendenza indipendente nella letteratura. In "Ruslan e Lyudmila" A.S. Pushkin ci sono battute: "C'è uno spirito russo, lì odora di Russia". Lo stesso si può dire del romanticismo russo. Gli eroi delle opere romantiche sono anime poetiche che cercano "alto" e bello. Ma c'è un mondo ostile che non ti permette di sentire la libertà, che lascia queste anime incomprensibili. Questo mondo è ruvido, quindi l'anima poetica fugge in un altro, dove c'è un ideale, tende all '"eterno". Il romanticismo si basa su questo conflitto. Ma i poeti hanno reagito in modo diverso a questa situazione. Zhukovsky, Pushkin, Lermontov, partendo da una cosa, costruiscono la relazione dei loro eroi e del mondo che li circonda in modi diversi, quindi i loro eroi hanno percorsi diversi verso l'ideale.

La realtà è terribile, maleducata, sfacciata ed egoista, non c'è posto per i sentimenti, i sogni ei desideri del poeta, i suoi eroi. "Vero" ed eterno - nell'altro mondo. Da qui il concetto di due mondi, il poeta cerca uno di questi mondi alla ricerca di un ideale.

La posizione di Zhukovsky non era la posizione di una persona che è entrata in lotta con il mondo esterno, che lo ha sfidato. È stato un percorso attraverso l'unità con la natura, un percorso di armonia con la natura, in un mondo eterno e bellissimo. Zhukovsky, secondo l'opinione di molti ricercatori (incluso Yu.V. Mann), esprime la sua comprensione di questo processo di unità in The Inexpressible. L'unità è il volo dell'anima. La bellezza che ti circonda riempie la tua anima, è in te, e tu ci sei dentro, l'anima vola, né il tempo né lo spazio esistono, ma tu esisti nella natura, e in questo momento vivi, vuoi cantare di questa bellezza , ma non ci sono parole per esprimere il tuo stato, c'è solo un sentimento di armonia. Non sei disturbato dalle persone intorno a te, anime prosaiche, più è aperto a te, sei libero.

Pushkin e Lermontov hanno affrontato questo problema del romanticismo in modo diverso. Non c'è dubbio che l'influenza esercitata da Zhukovsky su Pushkin non poteva non riflettersi nell'opera di quest'ultimo. I primi lavori di Pushkin sono caratterizzati dal romanticismo "civile". Sotto l'influenza di "Il cantante nel campo dei guerrieri russi" Zhukovsky e delle opere di Griboedov, Pushkin scrive un'ode alla "Libertà", "A Chaadaev". In quest'ultimo chiama:

"Amico mio! Dedichiamo le nostre anime alla Patria con slanci meravigliosi ...". Questo è lo stesso desiderio per l'ideale che aveva Zhukovsky, solo Pushkin comprende l'ideale a modo suo, quindi il percorso verso l'ideale è diverso per il poeta. Non vuole e non può lottare per l'ideale da solo, lo chiama il poeta. Pushkin ha guardato la realtà e l'ideale in modo diverso. Non puoi chiamarla ribellione, questa è una riflessione sugli elementi ribelli. Ciò si rifletteva nell'ode "Mare". Questa è la forza e la potenza del mare, il mare è libero, ha raggiunto il suo ideale. Anche l'uomo deve diventare libero, il suo spirito deve essere libero.

La ricerca di un ideale è la caratteristica principale del romanticismo. Si è manifestato nell'opera di Zhukovsky, Pushkin e Lermontov. Tutti e tre i poeti cercavano la libertà, ma la cercavano in modi diversi, la intendevano in modo diverso. Zhukovsky cercava la libertà inviata dal "creatore". Avendo trovato l'armonia, una persona diventa libera. Per Pushkin era importante la libertà dello spirito, che dovrebbe manifestarsi in una persona. Per Lermontov, solo l'eroe ribelle è libero. Ribellione per la libertà, cosa c'è di più bello? Questo atteggiamento nei confronti dell'ideale è stato preservato nei testi d'amore dei poeti. Secondo me, questa relazione è dovuta al tempo. Sebbene abbiano lavorato tutti quasi nello stesso periodo, il tempo del loro lavoro è stato diverso, gli eventi si sono sviluppati con una velocità straordinaria. Anche i personaggi dei poeti hanno fortemente influenzato la loro relazione. Il calmo Zhukovsky e il ribelle Lermontov sono completamente opposti. Ma il romanticismo russo si è sviluppato proprio perché le nature di questi poeti erano diverse. Hanno introdotto nuovi concetti, nuovi personaggi, nuovi ideali, hanno fornito un quadro completo di cosa sia la libertà, cos'è la vita reale. Ognuno di loro rappresenta il proprio percorso verso l'ideale, questo è il diritto di scelta per ogni individuo.

L'emergere stesso del romanticismo è stato molto inquietante. L'individualità umana era ora al centro del mondo intero. L'io umano iniziò ad essere interpretato come la base e il significato di tutta l'esistenza. La vita umana cominciò a essere considerata un'opera d'arte, arte. Il romanticismo era molto diffuso nel XIX secolo. Ma non tutti i poeti che si definivano romantici trasmettevano l'essenza di questa tendenza.

Ora, alla fine del XX secolo, possiamo già classificare i romantici del secolo scorso su questa base in due gruppi. Uno e probabilmente il gruppo più numeroso è quello che univa i romantici “formali”. È difficile sospettarli di insincerità, al contrario, trasmettono in modo molto accurato i loro sentimenti. Tra loro ci sono Dmitry Venevitinov (1805-1827) e Alexander Polezhaev (1804-1838). Questi poeti usavano la forma romantica, ritenendola la più adatta per raggiungere il loro obiettivo artistico. Quindi, D. Venevitinov scrive:

Sento che brucia in me

Sacra fiamma di ispirazione

Ma lo spirito si libra verso l'oscuro obiettivo...

Troverò una scogliera affidabile,

Dove posso posare il mio piede fermo?

Questa è una tipica poesia romantica. Usa il vocabolario romantico tradizionale: questa è sia "la fiamma dell'ispirazione" che "lo spirito impennato". Così, il poeta descrive i suoi sentimenti. Ma non più. Il poeta è vincolato dalla struttura del romanticismo, il suo "aspetto verbale". Tutto è semplificato ad alcuni francobolli.

I rappresentanti di un altro gruppo di romantici del XIX secolo, ovviamente, erano AS Pushkin e M. Lermontov. Questi poeti, al contrario, hanno riempito la forma romantica del proprio contenuto. Il periodo romantico nella vita di A. Pushkin è stato breve, quindi ha poche opere romantiche. "Prigioniero del Caucaso" (1820-1821) è una delle prime poesie romantiche di A.S. Pushkin. Davanti a noi c'è una versione classica di un'opera romantica. L'autore non ci dà un ritratto del suo eroe, non sappiamo nemmeno il suo nome. E questo non è sorprendente: tutti gli eroi romantici sono simili tra loro. Sono giovani, belli... e infelici. Anche la trama dell'opera è classicamente romantica. Prigioniero russo con i circassi, una giovane donna circassa si innamora di lui e lo aiuta a fuggire. Ma ne ama irrimediabilmente un altro... La poesia finisce tragicamente: la donna circassa si getta in acqua e muore, e la russa, liberata dalla prigionia "fisica", cade in un'altra, più dolorosa prigionia: la prigionia dell'anima. Cosa sappiamo del passato dell'eroe?

Una lunga strada porta in Russia...

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Dove ha abbracciato terribili sofferenze,

Dove la vita frenetica è rovinata

Speranza, gioia e desiderio.

È venuto nella steppa in cerca di libertà, ha cercato di scappare dalla sua vita passata. E ora, quando la felicità sembrava così vicina, doveva scappare di nuovo. Ma dove? Torna nel mondo dove ha "abbracciato terribili sofferenze".

Rinnegato della luce, amico della natura,

Ha lasciato la sua terra natale

E volò in una terra lontana

Con un allegro fantasma di libertà.

Ma il "fantasma della libertà" è rimasto solo un fantasma. Perseguiterà per sempre l'eroe romantico. Un'altra poesia romantica è "Zingari". In esso, l'autore ancora una volta non fornisce al lettore un ritratto dell'eroe, conosciamo solo il suo nome: Aleko. È venuto al campo per conoscere il vero piacere, la vera libertà. Per lei, ha abbandonato tutto ciò che lo circondava. Era libero e felice? Sembrerebbe che Aleko ami, ma con questo sentimento gli arrivano solo disgrazia e disprezzo. Aleko, che desiderava così tanto la libertà, non poteva riconoscere la volontà in un'altra persona. In questa poesia si manifestava un altro dei tratti estremamente caratteristici della visione del mondo dell'eroe romantico: l'egoismo e la completa incompatibilità con il mondo esterno. Aleko non è punito con la morte, ma peggio - con la solitudine e il dibattito. Era solo nel mondo da cui era fuggito, ma in un altro, così desiderabile, era di nuovo solo.

Prima di scrivere Il prigioniero del Caucaso, Pushkin una volta disse: "Non sono adatto per essere l'eroe di una poesia romantica"; tuttavia, allo stesso tempo, nel 1820, Pushkin scrisse la sua poesia "La luce del giorno si spense ...". In esso puoi trovare tutto il vocabolario inerente al romanticismo. Questa è la "riva remota", e "l'oceano cupo", e "l'eccitazione e il desiderio", che tormentano l'autore. Il ritornello percorre tutta la poesia:

Saluta sotto di me, cupo oceano.

È presente non solo nella descrizione della natura, ma anche nella descrizione dei sentimenti dell'eroe.

... Ma l'ex cuore ferisce,

Profonde ferite d'amore, niente guarito...

Rumore, rumore, vela obbediente,

Preoccupati sotto di me, cupo oceano...

Cioè, la natura diventa un altro personaggio, un altro eroe lirico del poema. Successivamente, nel 1824, Pushkin scrisse la poesia "Al mare". L'eroe romantico in esso, come in "La luce del giorno si è spenta ...", è diventato di nuovo l'autore stesso. Qui Pushkin si riferisce al mare come simbolo tradizionale di libertà. Il mare è un elemento, che significa libertà e felicità. Tuttavia, Pushkin costruisce questa poesia inaspettatamente:

Hai aspettato, hai chiamato... Ero incatenato;

Qui la mia anima era lacerata:

Incantato da possente passione,

Sono rimasto sulla costa...

Possiamo dire che questa poesia completa il periodo romantico della vita di Pushkin. È scritto da un uomo che sa che dopo aver raggiunto la cosiddetta libertà "fisica", l'eroe romantico non diventa felice.

Nelle foreste, nei deserti tacciono

trasferirò, pieno di te,

Le tue rocce, le tue baie...

In questo momento, Pushkin giunge alla conclusione che la vera libertà può esistere solo all'interno di una persona e solo essa può renderla veramente felice.

La variante del romanticismo di Byron visse e si sentì nella sua opera prima nella cultura russa Pushkin, poi Lermontov. Pushkin aveva il dono di prestare attenzione alle persone, eppure la più romantica delle poesie romantiche nell'opera del grande poeta e scrittore di prosa è senza dubbio La fontana di Bakhchisarai.

La poesia "La fontana di Bakhchisaray" continua ancora solo la ricerca di Pushkin nel genere di una poesia romantica. Ed è certo che la morte del grande scrittore russo lo ha impedito.

Il tema romantico nell'opera di Pushkin ha ricevuto due diverse opzioni: c'è un eroico eroe romantico ("prigioniero", "ladro", "fuggitivo"), caratterizzato da una forte volontà, che ha attraversato una crudele prova di passioni violente, e c'è un eroe sofferente in cui le sottili esperienze emotive sono incompatibili con la crudeltà del mondo esterno ("esilio", "prigioniero"). L'inizio passivo in un personaggio romantico ha ora acquisito una veste femminile in Pushkin. La Fontana di Bakhchisaray sviluppa proprio questo aspetto dell'eroe romantico.

Nel "Prigioniero del Caucaso" tutta l'attenzione era rivolta al "prigioniero" e pochissima al "Circassio", ora al contrario - Khan Girey non è altro che una figura poco drammatica, e in effetti la protagonista è una donna, anche due: Zarema e Maria. La soluzione alla dualità dell'eroe trovata nelle poesie precedenti (attraverso l'immagine dei fratelli incatenati) è usata anche qui da Pushkin: l'inizio passivo è raffigurato di fronte a due personaggi: il geloso, appassionatamente innamorato Zarema e il triste , ha perso la speranza e ama Mary. Entrambe sono due passioni contrastanti di natura romantica: delusione, sconforto, disperazione e allo stesso tempo ardore spirituale, intensità dei sentimenti; la contraddizione si risolve tragicamente nel poema: la morte di Maria non ha portato felicità nemmeno a Zarema, poiché sono legati da legami misteriosi. Quindi in The Robber Brothers, la morte di uno dei fratelli ha oscurato per sempre la vita dell'altro.

Tuttavia, ha giustamente osservato B.V. Tomashevsky, "l'isolamento lirico del poema ha determinato anche una certa scarsità di contenuto ... La vittoria morale su Zarema non porta a ulteriori conclusioni e riflessioni ... "Prigioniero del Caucaso" ha una chiara continuazione in Il lavoro di Pushkin: sia Aleko che Eugene Onegin consentono ... domande poste nel primo poema meridionale. "La fontana di Bakhchisarai" non ha una tale continuazione ... "

Pushkin ha cercato e identificato il punto più vulnerabile nella posizione romantica di una persona: vuole tutto solo per se stesso.

Anche la poesia di Lermontov "Mtsyri" non riflette pienamente i tratti caratteristici del romanticismo.

Ci sono due eroi romantici in questa poesia, quindi, se questa è una poesia romantica, allora è molto particolare: in primo luogo, il secondo eroe è trasmesso dall'autore attraverso un'epigrafe; in secondo luogo, l'autore non si connette con Mtsyri, l'eroe risolve il problema dell'ostinazione a modo suo e Lermontov in tutta la poesia pensa solo a risolvere questo problema. Non giudica il suo eroe, ma non lo giustifica nemmeno, ma prende una certa posizione: la comprensione. Si scopre che il romanticismo nella cultura russa si trasforma in riflessione. Risulta romanticismo in termini di realismo.

Si può dire che Pushkin e Lermontov non sono riusciti a diventare romantici (sebbene Lermontov una volta sia riuscito a rispettare le leggi romantiche - nel dramma "Masquerade"). Con i loro esperimenti, i poeti hanno dimostrato che in Inghilterra la posizione di un individualista potrebbe essere fruttuosa, ma non in Russia. Sebbene Pushkin e Lermontov non siano riusciti a diventare romantici, hanno aperto la strada allo sviluppo del realismo. Nel 1825 fu pubblicata la prima opera realistica: "Boris Godunov", poi "La figlia del capitano", "Eugene Onegin", "Un eroe del nostro tempo" e molti altri.

b) Pittura

Nelle arti visive, il romanticismo si è manifestato più chiaramente nella pittura e nella grafica, meno espressivamente nella scultura e nell'architettura. I pittori romantici russi erano rappresentanti di spicco del romanticismo nelle arti visive. Nelle loro tele hanno espresso lo spirito dell'amore per la libertà, l'azione attiva, appassionatamente e temperamentalmente appellati alla manifestazione dell'umanesimo. Le tele quotidiane dei pittori russi si distinguono per rilevanza e psicologismo, espressione senza precedenti. I paesaggi spiritualizzati e malinconici sono di nuovo lo stesso tentativo dei romantici di penetrare nel mondo umano, per mostrare come una persona vive e sogna nel mondo sublunare. La pittura romantica russa era diversa da quella straniera. Ciò è stato determinato dalla situazione storica e dalla tradizione.

Caratteristiche della pittura romantica russa:

L'ideologia illuminista si indebolì ma non crollò, come in Europa. Pertanto, il romanticismo non è stato pronunciato.

Il romanticismo si è sviluppato parallelamente al classicismo, spesso intrecciandosi con esso.

La pittura accademica in Russia non si è ancora esaurita.

Il romanticismo in Russia non era un fenomeno stabile, i romantici erano attratti dall'accademismo. Entro la metà del XIX secolo. la tradizione romantica è quasi estinta.

Le opere legate al romanticismo iniziarono ad apparire in Russia già nel 1790 (le opere di Feodosy Yanenko "Travelers Caught in a Storm" (1796), "Self-Portrait in a Helmet" (1792). Il prototipo è evidente in esse - Salvator Rosa, molto popolare a cavallo tra il XVIII e il XIX secolo. Successivamente, l'influenza di questo artista proto-romantico sarà evidente nell'opera di Alexander Orlovsky. Rapinatori, scene di falò, battaglie hanno accompagnato tutta la sua carriera. Come in altri paesi , artisti appartenenti al romanticismo russo hanno introdotto ritratti, paesaggi e scene di genere uno stato d'animo emotivo completamente nuovo.

In Russia, il romanticismo ha cominciato a manifestarsi per primo ritratto dipinto. Nel primo terzo del XIX secolo, per la maggior parte, perse i contatti con l'aristocrazia di alto rango. Un posto significativo cominciò ad essere occupato dai ritratti di poeti, artisti, mecenati d'arte, l'immagine dei comuni contadini. Questa tendenza è stata particolarmente pronunciata nel lavoro di O.A. Kiprensky (1782-1836) e V.A. Tropinino (1776 - 1857).

Vasily Andreevich Tropinin si è adoperato per una caratterizzazione vivace e rilassata di una persona, espressa attraverso il suo ritratto. Ritratto di un figlio (1818), "Ritratto di AS Pushkin" (1827), "Autoritratto" (1846) stupiscono non con una somiglianza del ritratto con gli originali, ma con una penetrazione insolitamente sottile nel mondo interiore di una persona.

Ritratto di un figlio- Arsenia Tropinina è una delle migliori nel lavoro del maestro. Colori dorati squisiti e tenui che ricordano la pittura di Valerie del XVIII secolo. Tuttavia, rispetto a un tipico ritratto di bambini nel romanticismo del XVIII secolo. qui colpisce il design imparziale: questo bambino posa in misura molto ridotta. Lo sguardo di Arseny scivola oltre lo spettatore, è vestito in modo casual, il cancello è come se fosse stato aperto accidentalmente. La mancanza di rappresentatività sta nella straordinaria frammentazione della composizione: la testa riempie quasi l'intera superficie della tela, l'immagine è tagliata fino alle clavicole, e quindi il volto del ragazzo viene automaticamente spostato verso lo spettatore.

Storia della creazione straordinariamente interessante "Ritratto di Pushkin". Come al solito, per la prima conoscenza con Pushkin, Tropinin venne a casa di Sobolevsky nel parco giochi dei cani, dove allora viveva il poeta. L'artista lo ha trovato nel suo ufficio a giocherellare con i cuccioli. Allo stesso tempo, a quanto pare, è stato scritto secondo la prima impressione, che Tropinin ha tanto apprezzato, un piccolo schizzo. Per molto tempo è rimasto fuori dalla vista dei suoi inseguitori. Solo quasi cento anni dopo, nel 1914, fu pubblicato da P.M. Shchekotov, che ha scritto quello di tutti i ritratti di Alexander Sergeevich, "trasmette maggiormente i suoi lineamenti ... gli occhi azzurri del poeta sono pieni di uno splendore speciale qui, il giro della testa è veloce ei lineamenti del viso sono espressivi e mobili . Indubbiamente, qui vengono catturati i veri lineamenti del volto di Pushkin, che incontriamo individualmente in uno o nell'altro dei ritratti che ci sono pervenuti. Resta da chiedersi", aggiunge Shchekotov, "perché questo affascinante schizzo non abbia ricevuto la dovuta attenzione da editori e intenditori del poeta". Ciò è spiegato dalle qualità stesse del piccolo schizzo: non c'era né la brillantezza dei colori, né la bellezza della pennellata, né le "rotonde" magistralmente scritte. E Pushkin qui non è un "vitia" popolare, non un "genio", ma soprattutto un uomo. Ed è difficilmente suscettibile di analisi perché un così grande contenuto umano sia contenuto nella scala monocromatica grigio-verde, verde oliva, nei tratti frettolosi, come se casuali del pennello di uno studio dall'aspetto quasi anonimo. Ripercorrendo nella memoria tutta la vita e i successivi ritratti di Pushkin, questo studio, in termini di forza dell'umanità, non può che essere accostato alla figura di Pushkin, scolpita dallo scultore sovietico A. Matveev. Ma non era questo il compito che si era posto Tropinin, non era questo il tipo di Pushkin che il suo amico voleva vedere, sebbene avesse ordinato di ritrarre il poeta in una forma semplice e casalinga.

Nella valutazione dell'artista, Pushkin era "lo zar-poeta". Ma era anche un poeta popolare, era suo e vicino a tutti. "La somiglianza del ritratto con l'originale è sorprendente", ha scritto Polevoy alla fine, sebbene abbia notato la mancanza di "rapidità di vista" e "espressione vivace del viso", che cambia e fa rivivere Pushkin ad ogni nuova impressione .

Nel ritratto tutto è pensato e verificato nei minimi dettagli, e allo stesso tempo non c'è nulla di deliberato, nulla introdotto dall'artista. Anche gli anelli che adornano le dita del poeta sono evidenziati nella misura in cui lo stesso Pushkin attribuiva loro importanza nella vita. Tra le pittoresche rivelazioni di Tropinin, il ritratto di Pushkin colpisce per la sonorità della sua gamma.

Il romanticismo di Tropinin ha chiaramente espresso origini sentimentalistiche. Fu Tropinin il fondatore del genere, ritratto in qualche modo idealizzato di un uomo del popolo ("The Lacemaker" (1823)). "Sia intenditori che non intenditori", scrive Svinin "Merlettaia" -- venire ad ammirazione guardando questo quadro, che unisce veramente tutte le bellezze dell'arte pittorica: la piacevolezza del pennello, la luce giusta, felice, il colore è chiaro, naturale, inoltre, questo ritratto rivela l'anima di una bellezza e che sguardo furbo di curiosità che lancia a qualcuno che è entrato in quel momento. Le sue braccia, scoperte all'altezza del gomito, si fermarono con lo sguardo, il lavoro si fermò, un sospiro volò fuori dal seno vergine, coperto da una sciarpa di mussola - e tutto questo è raffigurato con tale verità e semplicità che questa immagine può essere facilmente confusa per l'opera di maggior successo del glorioso sogno. Oggetti secondari, come un cuscino di pizzo e un asciugamano, sono disposti con grande arte e elaborati con finalità ... "

All'inizio del XIX secolo, Tver era un importante centro culturale della Russia. Tutte le persone di spicco di Mosca sono state qui per le serate letterarie. Qui, il giovane Orest Kiprensky ha incontrato A.S. Pushkin, il cui ritratto, dipinto in seguito, è diventato la perla della ritrattistica mondiale, e A.S. Pushkin gli dedicherà poesie, dove lo chiamerà "il favorito della moda dalle ali leggere". Ritratto di Pushkin i pennelli di O. Kiprensky sono una personificazione vivente di un genio poetico. Nel giro risoluto del capo, nelle braccia vigorosamente incrociate sul petto, tutto l'aspetto del poeta rivela un senso di indipendenza e libertà. Fu su di lui che Pushkin disse: "Mi vedo come in uno specchio, ma questo specchio mi lusinga". Nel lavoro sul ritratto di Pushkin, Tropinin e Kiprensky si incontrano per l'ultima volta, sebbene questo incontro non avvenga personalmente, ma molti anni dopo nella storia dell'arte, dove, di regola, due ritratti del più grande poeta russo vengono confrontati, creati contemporaneamente, ma in luoghi diversi, uno a Mosca. Un altro a San Pietroburgo. Ora questo è un incontro di maestri altrettanto grandi nel loro significato per l'arte russa. Sebbene gli ammiratori di Kiprensky affermino che i vantaggi artistici sono dalla parte del suo ritratto romantico, dove il poeta è presentato immerso nei propri pensieri, solo con la musa, la nazionalità e la democrazia dell'immagine sono decisamente dalla parte del Pushkin di Tropininsky.

Così, i due ritratti riflettevano due aree dell'arte russa, concentrate in due capitali. E più tardi i critici scriveranno che Tropinin era per Mosca ciò che Kiprensky era per San Pietroburgo.

Una caratteristica distintiva dei ritratti di Kiprensky è che mostrano il fascino spirituale e la nobiltà interiore di una persona. Il ritratto di un eroe, coraggioso e fortemente sensibile, avrebbe dovuto incarnare il pathos degli stati d'animo amanti della libertà e patriottici di una persona russa avanzata.

davanti "Ritratto di E.V. Davydov"(1809) mostra la figura di un ufficiale, che manifesta direttamente l'espressione di quel culto di una personalità forte e coraggiosa, così tipico del romanticismo di quegli anni. Il paesaggio frammentario mostrato, dove un raggio di luce lotta con l'oscurità, allude alle ansie spirituali dell'eroe, ma sul suo volto c'è un riflesso di una sensibilità sognante. Kiprensky cercava l '"umano" in una persona e l'ideale non gli oscurava i tratti personali del carattere del modello.

I ritratti di Kiprensky, se li guardi con l'occhio della mente, mostrano la ricchezza spirituale e naturale di una persona, la sua forza intellettuale. Sì, aveva un ideale di personalità armoniosa, di cui parlavano i suoi contemporanei, ma Kiprensky non cercava di proiettare letteralmente questo ideale su un'immagine artistica. Nel creare un'immagine artistica, è andato dalla natura, come se misurasse quanto è lontano o vicino a un tale ideale. In effetti, molti di quelli da lui raffigurati sono alla vigilia dell'ideale, diretti verso di esso, mentre l'ideale stesso, secondo le idee dell'estetica romantica, è difficilmente realizzabile, e tutta l'arte romantica è solo un percorso per raggiungerlo.

Notando le contraddizioni nell'anima dei suoi eroi, mostrandole nei momenti ansiosi della vita, quando il destino cambia, le vecchie idee si rompono, la giovinezza se ne va, ecc., Kiprensky sembra vivere insieme ai suoi modelli. Da qui lo speciale coinvolgimento del ritrattista nell'interpretazione delle immagini artistiche, che conferisce al ritratto un tocco intimo.

Nel primo periodo della creatività in Kiprensky non vedrai volti infettati dallo scetticismo, analisi che corrodono l'anima. Questo avverrà più tardi, quando il periodo romantico sopravviverà al suo autunno, lasciando il posto ad altri stati d'animo e sentimenti, quando crolleranno le speranze per il trionfo dell'ideale di una personalità armoniosa. In tutti i ritratti del 1800 e nei ritratti eseguiti a Tver, Kiprensky mostra un pennello audace, costruendo facilmente e liberamente una forma. La complessità delle tecniche, la natura della figura cambiavano di opera in opera.

È interessante notare che non vedrai l'euforia eroica sui volti dei suoi eroi, al contrario, la maggior parte dei volti sono piuttosto tristi, si abbandonano ai riflessi. Sembra che queste persone siano preoccupate per il destino della Russia, pensano al futuro più che al presente. Nelle immagini femminili che rappresentano le mogli, le sorelle dei partecipanti a eventi significativi, anche Kiprensky non si sforzava di deliberata euforia eroica. La sensazione di facilità, naturalezza prevale. Allo stesso tempo, in tutti i ritratti c'è tanta vera nobiltà d'animo. Le immagini delle donne attraggono con la loro modesta dignità, l'integrità della natura; nei volti degli uomini si intravede un pensiero curioso, una prontezza all'ascetismo. Queste immagini coincidevano con la maturazione delle idee etiche ed estetiche dei Decabristi. I loro pensieri e le loro aspirazioni furono poi condivisi da molti (la creazione di società segrete con determinati programmi sociali e politici cade nel periodo 1816-1821), l'artista li conosceva, e quindi possiamo dire che i suoi ritratti dei partecipanti agli eventi di 1812-1814, immagini di contadini , creato negli stessi anni - una sorta di parallelo artistico ai concetti emergenti del Decabrismo.

Il sigillo luminoso dell'ideale romantico è segnato "Ritratto di VA Zhukovsky"(1816). L'artista, realizzando un ritratto commissionato da S.S. Uvarov, decise di mostrare ai suoi contemporanei non solo l'immagine del poeta, ben noto nei circoli letterari, ma anche di dimostrare una certa comprensione della personalità del poeta romantico. Davanti a noi c'è un tipo di poeta che ha espresso la tendenza filosofica e sognante del romanticismo russo. Kiprensky ha presentato Zhukovsky in un momento di ispirazione creativa. Il vento ha arruffato i capelli del poeta, gli alberi schizzano i loro rami in modo inquietante nella notte, le rovine di antichi edifici sono appena visibili. Ecco come dovrebbe apparire il creatore di ballate romantiche. I colori scuri esacerbano l'atmosfera del misterioso. Su consiglio di Uvarov, Kiprensky non finisce di dipingere singoli frammenti del ritratto, in modo che "l'eccessiva completezza" non spenga lo spirito, il temperamento e l'emotività.

Molti ritratti sono stati dipinti da Kiprensky a Tver. Inoltre, quando ha dipinto Ivan Petrovich Vulf, un proprietario terriero di Tver, ha guardato con emozione la ragazza in piedi di fronte a lui, sua nipote, la futura Anna Petrovna Kern, a cui è stata dedicata una delle opere liriche più accattivanti: A.S. poesia “Ricordo un momento meraviglioso... Tali associazioni di poeti, artisti, musicisti divennero una manifestazione di una nuova tendenza nell'arte: il romanticismo.

"Young Gardener" (1817) di Kiprensky, "Italian Noon" (1827) di Bryullov, "Reapers" o "Reaper" (1820) di Venetsianov sono opere della stessa serie tipologica, incentrate sulla natura e scritte chiaramente usando Tuttavia, il compito di ciascuno degli artisti - incarnare la perfezione estetica della natura semplice - ha portato a una certa idealizzazione di apparenze, abiti, situazioni per creare un'immagine-metafora.Osservando la vita, la natura, l'artista l'ha ripensata , poetizzando il visibile.In questa combinazione qualitativamente nuova di natura e immaginazione con l'esperienza di maestri antichi e rinascimentali, dando origine a immagini sconosciute all'arte prima, ed è una delle caratteristiche del romanticismo nella prima metà del XIX secolo. La natura metaforica, generalmente caratteristica di queste opere di Venetsianov e Bryullov, era una delle caratteristiche più importanti del romantico quando gli artisti russi conoscevano ancora poco il ritratto romantico dell'Europa occidentale. "Ritratto di un padre (A. K. Schwalbe)"(1804) è stato scritto da Orest Kiprensky sull'arte e in particolare sul genere dei ritratti.

I risultati più significativi del romanticismo russo sono le opere nel genere dei ritratti. Gli esempi più brillanti e migliori del romanticismo risalgono al primo periodo. Molto prima del suo viaggio in Italia, nel 1816, Kiprensky, interiormente pronto per un'incarnazione romantica, vide con occhi nuovi i dipinti degli antichi maestri. Colori scuri, figure evidenziate dalla luce, colori brucianti, drammaturgia intensa hanno avuto su di lui un forte impatto. "Ritratto di un padre" è senza dubbio creato sotto l'impressione di Rembrandt. Ma l'artista russo ha preso solo tecniche esterne dal grande olandese. "Ritratto di un padre" è un'opera assolutamente indipendente, che possiede la propria energia interna e il potere dell'espressione artistica. Una caratteristica distintiva dei ritratti di paesaggi è la vivacità della loro esecuzione. Non c'è pittoresco qui: il trasferimento istantaneo di ciò che ha visto su carta crea una freschezza unica di espressione grafica. Pertanto, le persone raffigurate nei disegni ci sembrano vicine e comprensibili.

Gli stranieri chiamavano Kiprensky il russo Van Dyck, i suoi ritratti sono in molti musei in tutto il mondo. Il successore del lavoro di Levitsky e Borovikovsky, il predecessore di L. Ivanov e K. Bryullov, Kiprensky, con il suo lavoro, ha dato fama europea alla scuola d'arte russa. Nelle parole di Alexander Ivanov, "è stato il primo a portare il nome russo in Europa ...".

Il crescente interesse per la personalità di una persona, caratteristico del romanticismo, predeterminò la fioritura del genere del ritratto nella prima metà dell'Ottocento, dove l'autoritratto divenne la caratteristica dominante. Di norma, la creazione di un autoritratto non è stata un episodio casuale. Gli artisti hanno ripetutamente scritto e disegnato se stessi, e queste opere sono diventate una sorta di diario che riflette vari stati d'animo e fasi della vita, e allo stesso tempo sono state un manifesto rivolto ai contemporanei. auto ritratto non era un genere personalizzato, l'artista ha scritto per se stesso, e qui, come mai prima, è diventato libero nell'espressione di sé. Nel XVIII secolo, gli artisti russi dipingevano raramente immagini originali, solo il romanticismo, con il suo culto dell'individuo, dell'eccezionale, ha contribuito all'ascesa di questo genere. La varietà dei tipi di autoritratti riflette la percezione che gli artisti hanno di se stessi come una personalità ricca e sfaccettata. O appaiono nel solito e naturale ruolo del creatore ("Autoritratto in un berretto di velluto" di A. G. Varnek, 1810), poi si tuffano nel passato, come se lo provassero su se stessi ("Autoritratto in un elmo e armatura" di F. I. Yanenko , 1792), o, il più delle volte, appare senza alcun attributo professionale, affermando il significato e l'autostima di ogni persona, liberata e aperta al mondo, che cerca e si precipita, come, ad esempio, F. A. Bruni e O. A. Orlovsky negli autoritratti del 1810. La prontezza al dialogo e l'apertura, caratteristiche della soluzione figurativa delle opere degli anni 1810-1820, vengono gradualmente sostituite da stanchezza e delusione, immersione, ritiro in se stessi ("Autoritratto" di M. I. Terebenev). Questa tendenza si è riflessa nello sviluppo del genere del ritratto nel suo insieme.

Gli autoritratti di Kiprensky sono apparsi, il che vale la pena notare, nei momenti critici della vita, hanno testimoniato l'ascesa o la caduta della forza mentale. Attraverso la sua arte, l'artista ha guardato se stesso. Tuttavia, non usava, come la maggior parte dei pittori, uno specchio; si è dipinto principalmente secondo la sua idea, voleva esprimere il suo spirito, ma non il suo aspetto.

“Autoritratto con pennelli dietro l'orecchio” costruito su un rifiuto, e chiaramente dimostrativo, nella glorificazione esteriore dell'immagine, della sua normatività classica e costruzione ideale. I tratti del viso sono delineati approssimativamente, in generale. La luce laterale cade sul viso, mettendo in risalto solo i lineamenti laterali. Separati riflessi di luce cadono sulla figura dell'artista, spenta su un panneggio appena visibile, che rappresenta lo sfondo del ritratto. Tutto qui è subordinato all'espressione della vita, dei sentimenti, degli stati d'animo. Questo è uno sguardo all'arte romantica attraverso l'arte dell'autoritratto. Il coinvolgimento dell'artista nei segreti della creatività si esprime nel misterioso romantico "sfumato dell'Ottocento". Un peculiare tono verdastro crea un'atmosfera speciale del mondo artistico, al centro del quale c'è l'artista stesso.

Quasi contemporaneamente a questo autoritratto e scritto “Autoritratto con fazzoletto rosa”, dove si incarna un'altra immagine. Senza un'indicazione diretta della professione di pittore. Viene ricreata l'immagine di un giovane che si sente a suo agio, naturalmente, liberamente. La superficie pittorica della tela è finemente costruita. Il pennello dell'artista applica con sicurezza la vernice. Lasciando tratti grandi e piccoli. La colorazione è superbamente sviluppata, i colori non sono accesi, si combinano armoniosamente tra loro, l'illuminazione è calma: la luce si riversa dolcemente sul viso del giovane, delineandone i lineamenti, senza inutili espressioni e deformazioni.

Un altro pittore eccezionale era Venetsianov. Nel 1811 ricevette il titolo di accademico dall'Accademia, nominato per "Autoritratto" e "Ritratto di K.I. Golovachevsky con tre allievi dell'Accademia delle arti". Sono opere straordinarie.

Venetsianov si è dichiarato un vero maestro in "Auto ritratto" 1811. Era scritto in modo diverso da come si dipingevano altri artisti in quel momento: A. Orlovsky, O. Kiprensky, E. Varnek e persino il servo V. Tropinin. Era comune per tutti loro immaginarsi in un alone romantico, i loro autoritratti erano una sorta di confronto poetico in relazione all'ambiente. L'esclusività della natura artistica si manifestava nella posa, nei gesti, nella straordinarietà del costume appositamente concepito. In "Autoritratto" di Venetsianov, i ricercatori notano, prima di tutto, l'espressione severa e intensa di una persona impegnata ... La corretta efficienza, che differisce da quella ostentata "negligenza artistica", che è indicata da vestaglie o civettuole cappelli spostati di altri artisti. Venitsianov si guarda con sobrietà. L'arte per lui non è un impulso ispirato, ma soprattutto una questione che richiede concentrazione e attenzione. Di piccole dimensioni, quasi monocroma nella sua colorazione di toni olivastri, scritta con estrema precisione, è semplice e complessa allo stesso tempo. Non attraendo con il lato esterno del dipinto, si ferma con lo sguardo. I bordi idealmente sottili della sottile montatura dorata degli occhiali non nascondono, anzi sottolineano l'acuta nitidezza dello sguardo, non tanto concentrato sulla natura (l'artista si raffigurava con tavolozza e pennello tra le mani), ma in le profondità dei propri pensieri. Una fronte larga e ampia, il lato destro del viso, illuminato da luce diretta, e un davanti di camicia bianco formano un triangolo luminoso, attraendo prima di tutto l'occhio dello spettatore, che nell'istante successivo, seguendo il movimento della destra mano che regge un pennello sottile, scivola sulla tavolozza. Ciocche ondulate di capelli, cornici lucide, una cravatta sciolta intorno al collo, una linea morbida della spalla e, infine, un ampio semicerchio della tavolozza formano un sistema mobile di linee morbide e fluide, all'interno delle quali si trovano tre punti principali : minuscolo bagliore delle pupille, e l'estremità affilata del davanti della camicia, quasi a chiudersi con la tavolozza e il pennello. Un tale calcolo quasi matematico nella costruzione della composizione del ritratto conferisce all'immagine una parziale compostezza interiore e dà ragione di presumere che l'autore abbia una mente analitica, incline al pensiero scientifico. Nell '"Autoritratto" non c'è traccia di alcun romanticismo, allora così frequente nella raffigurazione degli artisti stessi. Questo è un autoritratto di un artista-ricercatore, un artista-pensatore e un gran lavoratore.

Altro lavoro - ritratto di Golovachevsky- concepito come una sorta di composizione della trama: la vecchia generazione di maestri dell'Accademia nella persona del vecchio ispettore dà istruzioni ai talenti in crescita: il pittore (con una cartella di disegni. L'architetto e lo scultore. Ma Venetsianov no lascia anche l'ombra di qualsiasi artificiosità o didatticismo in questa immagine: il buon vecchio Golovachevsky interpreta amichevolmente agli adolescenti una pagina letta in un libro.La sincerità dell'espressione trova supporto nella struttura pittoresca dell'immagine: la sua sottomessa, sottilmente e meravigliosamente armonizzata i toni colorati creano l'impressione di pace e serietà.I volti sono dipinti magnificamente, pieni di significato interiore.Il ritratto è stato uno dei più alti successi della ritrattistica russa.

E nell'opera di Orlovsky del 1800 compaiono ritratti, per lo più sotto forma di disegni. Nel 1809, un foglio di ritratto così ricco di emozioni come "Auto ritratto". Eseguito con un succoso tratto libero di sanguigna e carboncino (con evidenziazione del gesso), "Autoritratto" di Orlovsky attrae con la sua integrità artistica, la caratterizzazione dell'immagine e l'arte dell'esecuzione. Allo stesso tempo, permette di discernere alcuni aspetti peculiari dell'arte di Orlovsky. "Autoritratto" Orlovsky, ovviamente, non mira a riprodurre fedelmente l'aspetto tipico dell'artista di quegli anni. Davanti a noi - per molti aspetti deliberato. L'aspetto esagerato di un "artista", opponendo il proprio "io" alla realtà circostante, non si preoccupa della "decenza" del suo aspetto: pettine e spazzola non hanno toccato i suoi capelli lussureggianti, sulla sua spalla c'è il bordo di un impermeabile a scacchi proprio sopra una maglia da casa con il colletto aperto. Una brusca svolta della testa con uno sguardo "cupo" da sotto le sopracciglia spostate, un taglio ravvicinato del ritratto, in cui il viso è raffigurato in primo piano, contrasti di luce: tutto ciò è finalizzato a ottenere l'effetto principale di opposizione la persona raffigurata all'ambiente (e quindi allo spettatore).

Il pathos dell'affermazione dell'individualità - una delle caratteristiche più progressiste nell'arte di quel tempo - costituisce il principale tono ideologico ed emotivo del ritratto, ma appare in un aspetto peculiare che non si trova quasi mai nell'arte russa di quel periodo. L'affermazione della personalità passa non tanto rivelando la ricchezza del suo mondo interiore, ma attraverso un modo più esteriore di rifiutare tutto ciò che le sta intorno. L'immagine allo stesso tempo, ovviamente, sembra impoverita, limitata.

Tali soluzioni sono difficili da trovare nella ritrattistica russa dell'epoca, dove già a metà del XVIII secolo i motivi civici e umanistici risuonavano forti e la personalità della persona non rompeva mai i forti legami con l'ambiente. Sognando un ordine sociale migliore e democratico, le migliori persone della Russia di quell'epoca non erano affatto distaccate dalla realtà, rifiutavano consapevolmente il culto individualistico della "libertà personale" che fiorì sul suolo dell'Europa occidentale, allentato dalla rivoluzione borghese . Ciò si è chiaramente manifestato come un riflesso di fattori reali nell'arte del ritratto russo. Basta confrontare "Autoritratto" di Orlovsky con il simultaneo "Auto ritratto" Kiprensky (ad esempio, 1809), tanto che salta subito all'occhio la grave differenza interna tra i due ritrattisti.

Kiprensky "eroizza" anche la personalità di una persona, ma mostra i suoi veri valori interiori. Di fronte all'artista, lo spettatore distingue i tratti di una mente forte, carattere, purezza morale.

L'intero aspetto di Kiprensky è coperto da una straordinaria nobiltà e umanità. È in grado di distinguere tra "buono" e "cattivo" nel mondo circostante e, rifiutando il secondo, ama e apprezza il primo, ama e apprezza le persone che la pensano allo stesso modo. Allo stesso tempo, abbiamo davanti a noi, indubbiamente, una forte individualità, orgogliosa della consapevolezza del valore delle sue qualità personali. Esattamente lo stesso concetto dell'immagine del ritratto è alla base del noto ritratto eroico di D. Davydov di Kiprensky.

Orlovsky, rispetto a Kiprensky, così come ad altri ritrattisti russi dell'epoca, risolve in modo più limitato, più diretto ed esteriore l'immagine di una “forte personalità”, pur concentrandosi chiaramente sull'arte della Francia borghese. Quando guardi il suo "Autoritratto", vengono in mente involontariamente i ritratti di A. Gro, Gericault. Il profilo di Orlovsky "Autoritratto" del 1810, con il suo culto della "forza interiore" individualistica, tuttavia, è già privo della forma tagliente "schizzo" dell'"Autoritratto" del 1809 o "Ritratto di Duport". In quest'ultimo, Orlovsky, proprio come in Autoritratto, utilizza una posa spettacolare, "eroica", con un movimento acuto, quasi incrociato, della testa e delle spalle. Sottolinea la struttura irregolare del volto di Duport, i suoi capelli arruffati, con l'obiettivo di creare un'immagine ritratto autosufficiente nel suo carattere unico e casuale.

"Il paesaggio dovrebbe essere un ritratto", ha scritto K. N. Batyushkov. La maggior parte degli artisti che si sono rivolti al genere hanno aderito a questa impostazione nel loro lavoro. paesaggio. Tra le ovvie eccezioni, gravitanti verso il fantastico paesaggio, c'erano A. O. Orlovsky ("Sea View", 1809); A. G. Varnek ("Vista nei dintorni di Roma", 1809); P. V. Basin ("Il cielo al tramonto nella periferia di Roma", "Paesaggio serale", entrambi - 1820). Creando tipi specifici, hanno mantenuto l'immediatezza della sensazione, la ricchezza emotiva, ottenendo un suono monumentale con tecniche compositive.

Il giovane Orlrovsky vedeva in natura solo forze titaniche, non soggette alla volontà dell'uomo, capaci di provocare una catastrofe, un disastro. La lotta di un uomo con l'elemento mare in tempesta è uno dei temi preferiti dell'artista del suo periodo romantico “ribelle”. Divenne il contenuto dei suoi disegni, acquerelli e dipinti ad olio del 1809-1810. la scena tragica è mostrata nella foto "Naufragio"(1809(?)). Nell'oscurità pece che è scesa a terra, tra le onde impetuose, i pescatori che stanno annegando si arrampicano freneticamente sulle rocce costiere su cui si è schiantata la loro nave. Sostenuto in toni rossi severi, il colore esalta la sensazione di ansia. Terribili sono le incursioni di potenti onde, che prefigurano una tempesta, e in un'altra immagine - "Dal mare"(1809). Svolge anche un enorme ruolo emotivo nel cielo tempestoso, che occupa gran parte della composizione. Sebbene Orlovsky non padroneggiasse l'arte della prospettiva aerea, le transizioni graduali dei piani qui vengono risolte in modo più armonioso e morbido. Il colore è diventato più chiaro. Splendidamente riprodotte su uno sfondo bruno-rossastro, le macchie rosse degli abiti dei pescatori. Elemento marino irrequieto e ansioso in acquerello "Barca a vela"(c.1812). E anche quando il vento non scuote la vela e non increspa la superficie dell'acqua, come nell'acquerello “Vista sul mare con navi”(c. 1810), lo spettatore non lascia la premonizione che una tempesta seguirà la calma.

Con tutto il dramma e l'emozione dei sentimenti, i paesaggi marini di Orlovsky non sono tanto il frutto delle sue osservazioni sui fenomeni atmosferici, ma il risultato di un'imitazione diretta dei classici dell'arte. In particolare J. Vernet.

I paesaggi di S. F. Shchedrin avevano un carattere diverso. Sono pieni dell'armonia della convivenza tra uomo e natura ("Terrazza in riva al mare. Cappuccini presso Sorrento", 1827). Numerose vedute di Napoli e dintorni del suo pennello ebbero straordinario successo e popolarità.

La creazione di un'immagine romantica di San Pietroburgo nella pittura russa è associata al lavoro di M. N. Vorobyov. Sulle sue tele la città appariva avvolta dalle misteriose nebbie di San Pietroburgo, una soffice foschia di notti bianche e un'atmosfera satura di umidità marina, dove i contorni degli edifici vengono cancellati e la luce della luna completa il sacramento. Lo stesso inizio lirico contraddistingue le vedute dei dintorni di San Pietroburgo da lui eseguite ("Tramonto alla periferia di San Pietroburgo", 1832). Ma la capitale settentrionale era vista anche dagli artisti in una vena diversa e drammatica, come un'arena per la collisione e la lotta degli elementi naturali (V. E. Raev, Alexander Column during a Thunderstorm, 1834).

I brillanti dipinti di I. K. Aivazovsky incarnavano vividamente gli ideali romantici dell'ebbrezza con la lotta e il potere delle forze naturali, la resistenza dello spirito umano e la capacità di combattere fino alla fine. Tuttavia, un posto importante nell'eredità del maestro è occupato da paesaggi marini notturni dedicati a luoghi specifici in cui la tempesta lascia il posto alla magia della notte, un tempo che, secondo i romantici, è pieno di una misteriosa vita interiore, e dove la ricerca pittorica dell'artista è orientata all'estrazione di straordinari effetti di luce ( "Veduta di Odessa in una notte di luna", "Veduta di Costantinopoli al chiaro di luna", entrambe - 1846).

Il tema degli elementi naturali e di un uomo colto di sorpresa, tema prediletto dall'arte romantica, fu interpretato in modo diverso dagli artisti dell'Ottocento-Cinquanta. Le opere erano basate su eventi reali, ma il significato delle immagini non è nella loro rivisitazione oggettiva. Un tipico esempio è il dipinto di Pyotr Basin "Terremoto a Rocca di Papa vicino Roma"(1830). È dedicato non tanto alla descrizione di un evento specifico quanto alla rappresentazione della paura e dell'orrore di una persona che si trova di fronte a una manifestazione degli elementi.

I luminari della pittura russa di quest'epoca furono K.P. Bryullov (1799-1852) e A.A. Ivanov (1806-1858). Pittore e disegnatore russo K.P. Bryullov, mentre era ancora uno studente dell'Accademia delle arti, padroneggiava l'incomparabile abilità del disegno. Il lavoro di Bryullov è solitamente diviso in prima "L'ultimo giorno di Pompei" e dopo. Cosa è stato creato prima ....?!

“Mattina italiana” (1823), “Ermilia con i pastori” (1824) tratto dal poema di Torquatto Tasso “La liberazione di Gerusalemme”, “Mezzogiorno italiano” (“Donna italiana che vendemmia”, 1827), “Cavallerizza” ( 1830), "Bathsheba" (1832) - tutti questi dipinti sono intrisi di una gioia di vivere luminosa e non mascherata. Tali opere erano in sintonia con i primi poemi epicurei di Pushkin, Batyushkov, Vyazemsky, Delvig. La vecchia maniera, basata sull'imitazione dei grandi maestri, non soddisfaceva Bryullov, che scrisse all'aria aperta "Italian Morning", "Italian Noon", "Bathsheba".

Mentre lavorava al ritratto, Bryullov ha dipinto solo la testa dal vero. Tutto il resto gli veniva spesso dettato dalla sua immaginazione. Il frutto di tale libera improvvisazione creativa è "Cavaliere". La cosa principale nel ritratto è il contrasto di un animale accaldato e impennato con narici gonfie e occhi scintillanti e una graziosa amazzone che trattiene con calma l'energia frenetica di un cavallo (l'addomesticamento degli animali è il tema preferito degli scultori classici, Bryullov lo ha risolto nella pittura) .

IN "Bathsheba" l'artista usa il racconto biblico come pretesto per mostrare un corpo nudo all'aria aperta e trasmettere il gioco di luci e riflessi sulla pelle chiara. In "Bathsheba" ha creato l'immagine di una giovane donna, piena di gioia e felicità. Il corpo nudo risplende e risplende circondato da verde oliva, vestiti di ciliegie, un serbatoio trasparente. Le morbide forme elastiche del corpo si combinano magnificamente con il tessuto sbiancante e il colore cioccolato della donna araba che serve Betsabea. Le linee fluide dei corpi, dello stagno e dei tessuti conferiscono alla composizione dell'immagine un ritmo regolare.

La pittura è diventata una parola nuova nella pittura "L'ultimo giorno di Pompei"(1827-1833). Ha reso il nome dell'artista immortale e molto famoso durante la sua vita.

La sua trama, a quanto pare, fu scelta sotto l'influenza di suo fratello Alessandro, che studiò intensamente le rovine pompeiane. Ma le ragioni per scrivere l'immagine sono più profonde. Gogol se ne accorse, e Herzen disse direttamente che in L'ultimo giorno di Pompei trovarono il loro posto, forse, un riflesso inconscio dei pensieri e dei sentimenti dell'artista, causato dalla sconfitta della rivolta dei Decabristi in Russia. Non senza ragione, tra le vittime degli elementi infuriati nella morente Pompei, Bryullov ha collocato il suo autoritratto e ha dato le fattezze dei suoi conoscenti russi ad altri personaggi del quadro.

Anche l'entourage italiano di Bryullov ha avuto un ruolo, che potrebbe raccontargli delle tempeste rivoluzionarie che hanno travolto la terra d'Italia negli anni precedenti, del triste destino dei Carbonari durante gli anni della reazione.

Il grandioso quadro della morte di Pompei è intriso dello spirito dello storicismo, mostra il passaggio da un'epoca storica all'altra, la soppressione dell'antico paganesimo e l'inizio di una nuova fede cristiana.

L'artista percepisce drammaticamente il corso della storia, il cambiamento delle epoche come uno shock per l'umanità. Al centro della composizione, una donna che è caduta da un carro e si è schiantata a morte personificava, a quanto pare, la morte del mondo antico. Ma vicino al corpo della madre, l'artista ha collocato un bambino vivo. Raffigurando bambini e genitori, un giovane e una vecchia madre, figli e un padre decrepito, l'artista ha mostrato le vecchie generazioni che svaniscono nella storia e quelle nuove che vengono a sostituirle. La nascita di una nuova era sulle rovine di un vecchio mondo fatiscente è il vero tema della pittura di Bryullov. Qualunque cambiamento porti la storia, l'esistenza dell'umanità non si ferma e la sua sete di vita rimane immutabile. Questa è l'idea principale dietro L'ultimo giorno di Pompei. Questa immagine è un inno alla bellezza dell'umanità, che rimane immortale in tutti i cicli della storia.

La tela fu esposta nel 1833 all'Esposizione d'Arte di Milano, suscitò una raffica di risposte entusiaste. L'Italia esposta all'aria è stata conquistata. Lo studente di Bryullov G. G. Gagarin testimonia: “Questa grande opera ha suscitato un entusiasmo sconfinato in Italia. Le città in cui è stato esposto il dipinto hanno organizzato solenni ricevimenti per l'artista, gli sono state dedicate poesie, è stato portato per le strade con musica, fiori e torce ... Ovunque è stato accolto con onore come un noto genio trionfante, comprensibile e apprezzato da tutti.

Lo scrittore inglese Walter Scott (un rappresentante della letteratura romantica, famoso per i suoi romanzi storici) ha trascorso un'ora nello studio di Bryullov, di cui ha detto che questa non era un'immagine, ma un'intera poesia. Le accademie d'arte di Milano, Firenze, Bologna e Parma elessero il pittore russo come loro socio onorario.

La tela di Bryullov ha suscitato risposte entusiaste da Pushkin e Gogol.

Il Vesuvio Zev si aprì: il fumo sgorgò in una fiamma da mazza

Ampiamente sviluppato come uno stendardo di battaglia.

La terra è preoccupata - dalle colonne sbalorditive

Gli idoli stanno cadendo!..

Pushkin ha scritto sotto l'impressione dell'immagine.

A partire da Bryullov, i punti di svolta nella storia sono diventati il ​​\u200b\u200boggetto principale della pittura storica russa, raffigurante scene popolari grandiose, in cui ogni persona partecipa al dramma storico, dove non c'è principale e secondario.

"Pompei" appartiene, in generale, al classicismo. L'artista ha abilmente rivelato la plasticità del corpo umano sulla tela. Tutti i movimenti spirituali delle persone sono stati trasmessi da Bryullov, principalmente nel linguaggio della plasticità. Figure separate, date in un movimento tempestoso, sono raccolte in gruppi equilibrati e congelati. I lampi di luce enfatizzano le forme dei corpi e non creano forti effetti pittorici. Tuttavia, la composizione del dipinto, che presenta un forte sfondamento al centro in profondità, raffigurante un evento straordinario nella vita di Pompei, è stata ispirata dal romanticismo.

Il romanticismo come visione del mondo esisteva in Russia nella sua prima ondata dalla fine del XVIII secolo fino al 1850. La linea del romantico nell'arte russa non si fermò negli anni Cinquanta dell'Ottocento. Il tema dello stato dell'essere, scoperto dai romantici per l'arte, è stato poi sviluppato dagli artisti della Rosa Azzurra. Gli eredi diretti dei romantici furono senza dubbio i simbolisti. Temi romantici, motivi, dispositivi espressivi sono entrati nell'arte di diversi stili, direzioni, associazioni creative. La visione del mondo o visione del mondo romantica si è rivelata una delle più vivaci, tenaci, fruttuose.

Il romanticismo come atteggiamento generale, caratteristico soprattutto dei giovani, come desiderio di una libertà ideale e creativa, vive ancora costantemente nell'arte mondiale.

c) Musica

Il romanticismo nella sua forma più pura è un fenomeno dell'arte dell'Europa occidentale. Musica russa del XIX secolo. da Glinka a Čajkovskij, le caratteristiche del classicismo erano combinate con le caratteristiche del romanticismo, l'elemento principale era un principio nazionale luminoso e originale. Il romanticismo in Russia ha avuto un'ascesa inaspettata quando questa tendenza sembrava appartenere al passato. Due compositori del 20 ° secolo, Scriabin e Rachmaninov, hanno resuscitato caratteristiche del romanticismo come il volo sfrenato della fantasia e l'anima dei testi. Pertanto, il 19 ° secolo chiamato l'età della musica classica.

Il tempo (1812, la rivolta dei Decabristi, la reazione che seguì) lasciò il segno nella musica. Qualunque genere prendiamo - romanticismo, opera, balletto, musica da camera - ovunque i compositori russi hanno pronunciato la loro nuova parola.

La musica della Russia, con tutta la sua eleganza da salotto e la stretta aderenza alle tradizioni della scrittura strumentale professionale, inclusa la scrittura sonata-sinfonica, si basa sulla colorazione modale unica e sulla struttura ritmica del folklore russo. Alcuni si basano ampiamente sul canto quotidiano, altri su forme originali di produzione musicale e altri ancora sull'antica modalità degli antichi modi contadini russi.

All'inizio del XIX secolo - questi sono gli anni della prima e brillante fioritura del genere romantico. I testi modesti e sinceri suonano ancora e deliziano gli ascoltatori. Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851). Ha scritto romanzi sui versi di molti poeti, ma gli immortali lo sono "Usignolo" ai versi di Delvig, "Strada invernale", "Ti amo" sulle poesie di Pushkin.

Alexander Egorovich Varlamov (1801-1848) ha scritto musica per spettacoli drammatici, ma lo conosciamo di più dai famosi romanzi "Prendisole rosso", "Non svegliarmi all'alba", "Una vela solitaria diventa bianca".

Aleksandr Lvovič Gurilev (1803-1858)- compositore, pianista, violinista e insegnante, possiede romanzi come "La campana suona monotona", "All'alba di una giovinezza nebbiosa" e così via.

Il posto più importante qui è occupato dai romanzi di Glinka. Nessun altro aveva ancora raggiunto una fusione così naturale della musica con la poesia di Pushkin, Zhukovsky.

Mikhail Ivanovich Glinka (1804-1857)- un contemporaneo di Pushkin (5 anni più giovane di Alexander Sergeevich), un classico della letteratura russa, divenne il fondatore dei classici musicali. Il suo lavoro è uno degli apici della cultura musicale russa e mondiale. Combina armoniosamente la ricchezza della musica popolare e le più alte conquiste dell'abilità del compositore. Il lavoro realistico profondamente popolare di Glinka rifletteva la potente fioritura della cultura russa nella prima metà del XIX secolo, associata alla guerra patriottica del 1812 e al movimento decabrista. Luce, carattere che afferma la vita, armonia delle forme, bellezza delle melodie espressive e melodiose, varietà, brillantezza e sottigliezza delle armonie sono le qualità più preziose della musica di Glinka. Alla famosa opera "Ivan Susanin"(1836) ricevette una brillante espressione dell'idea del patriottismo popolare; La grandezza morale del popolo russo è glorificata anche nell'opera delle fiabe " Ruslan e Ludmilla". Opere orchestrali di Glinka: “Fantasy Waltz”, “Notte a Madrid” e specialmente "Kamarinsky", costituiscono la base del sinfonismo classico russo. Notevole in termini di forza dell'espressione drammatica e luminosità delle caratteristiche della musica per la tragedia "Principe Kholmsky". I testi vocali di Glinka (romanzi "Ricordo un momento meraviglioso", "Il dubbio") è un'incarnazione insuperabile della poesia russa nella musica.

6. ROMANTICISMO DELL'EUROPA OCCIDENTALE

un dipinto

Se la Francia era l'antenata del classicismo, allora “per trovare le radici della ... scuola romantica”, scriveva uno dei suoi contemporanei, “dovremmo andare in Germania. È nata lì, e lì i moderni romantici italiani e francesi hanno formato i loro gusti.

frammentato Germania non conosceva l'impennata rivoluzionaria. Molti dei romantici tedeschi erano estranei al pathos delle idee sociali avanzate. Hanno idealizzato il Medioevo. Si sono arresi a impulsi spirituali inspiegabili, hanno parlato dell'abbandono della vita umana. L'arte di molti di loro era passiva e contemplativa. Hanno creato le loro migliori opere nel campo della pittura di ritratti e paesaggi.

Un eccezionale ritrattista fu Otto Runge (1777-1810). I ritratti di questo maestro, con calma esteriore, stupiscono con una vita interiore intensa e intensa.

L'immagine del poeta romantico è vista da Runge in "Auto ritratto". Si esamina attentamente e vede un giovane dai capelli scuri, dagli occhi scuri, serio, pieno di energia, premuroso, introspettivo e volitivo. L'artista romantico vuole conoscere se stesso. Il modo di esecuzione del ritratto è rapido e ampio, come se l'energia spirituale del creatore dovesse essere convogliata già nella trama dell'opera; in una gamma di colori scuri compaiono contrasti di chiaro e scuro. Il contrasto è una tecnica pittorica caratteristica dei maestri romantici.

Per catturare il gioco mutevole degli stati d'animo di una persona, per guardare nella sua anima, un artista di un magazzino romantico proverà sempre. E a questo proposito, i ritratti di bambini gli serviranno da materiale fertile. IN ritratto dei bambini Hülsenbeck(1805) Runge non solo trasmette la vivacità e l'immediatezza del carattere di un bambino, ma trova anche un'accoglienza speciale per uno stato d'animo luminoso, che delizia le aperture all'aperto del 2 ° piano. 19esimo secolo Lo sfondo del quadro è un paesaggio, che testimonia non solo il dono coloristico dell'artista, l'atteggiamento ammirato nei confronti della natura, ma anche l'emergere di nuovi problemi nella magistrale riproduzione di relazioni spaziali, sfumature chiare di oggetti all'aria aperta. Un maestro romantico, desideroso di fondere il suo "io" con le distese dell'Universo, si sforza di catturare l'aspetto sensualmente tangibile della natura. Ma con questa sensualità dell'immagine, preferisce vedere il simbolo del grande mondo, "l'idea dell'artista".

Runge, uno dei primi artisti romantici, si è posto il compito di sintetizzare le arti: pittura, scultura, architettura, musica. Il suono d'insieme delle arti avrebbe dovuto esprimere l'unità delle forze divine del mondo, ogni particella delle quali simboleggia il cosmo nel suo insieme. L'artista fantastica, rafforzando il suo concetto filosofico con le idee del famoso pensatore tedesco del 1° piano. XVII secolo Jacob Boehme. Il mondo è una specie di tutto mistico, ogni particella del quale esprime il tutto. Questa idea è legata ai romantici dell'intero continente europeo. In forma poetica, il poeta e pittore inglese William Blake la mette così:

Vedere l'eternità in un momento

Un mondo enorme - nello specchio della sabbia,

In una sola manciata: l'infinito

E il cielo è in una coppa di un fiore.

Il ciclo Runge, o, come lo chiamava lui, il "fantastico poema musicale" "I momenti della giornata"- mattina, mezzogiorno, notte - l'espressione di questo concetto. Ha lasciato in poesia e in prosa una spiegazione del suo modello concettuale del mondo. L'immagine di una persona, il paesaggio, la luce e il colore sono simboli del ciclo in continua evoluzione della vita naturale e umana.

Un altro eccezionale pittore romantico tedesco, Caspar David Friedrich (1774-1840), preferì il paesaggio a tutti gli altri generi e dipinse solo immagini della natura durante i suoi settant'anni di vita. Il motivo principale del lavoro di Friedrich è l'idea dell'unità dell'uomo e della natura.

“Ascoltate la voce della natura che parla dentro di noi”, insegna l'artista ai suoi studenti. Il mondo interiore di una persona personifica l'infinito dell'Universo, quindi, avendo ascoltato se stesso, una persona è in grado di comprendere le profondità spirituali del mondo.

La posizione di ascolto determina la principale forma di "comunicazione" di una persona con la natura e la sua immagine. Questa è la grandezza, il mistero o l'illuminazione della natura e lo stato cosciente dell'osservatore. È vero, molto spesso Friedrich non permette alla figura di "entrare" nello spazio paesaggistico dei suoi dipinti, ma nella sottile penetrazione della struttura figurativa delle distese tentacolari si avverte la presenza di un sentimento, l'esperienza di una persona. Il soggettivismo nella rappresentazione del paesaggio arriva all'arte solo con l'opera dei romantici, prefigurando la rivelazione lirica della natura da parte dei maestri del 2 ° piano. 19esimo secolo I ricercatori notano nelle opere di Friedrich "l'espansione del repertorio" dei motivi del paesaggio. L'autore è interessato al mare, alle montagne, alle foreste e alle varie sfumature dello stato di natura in diversi periodi dell'anno e del giorno.

1811-1812 segnato dalla creazione di una serie di paesaggi montani a seguito del viaggio dell'artista in montagna. “Mattinata in montagna” rappresenta pittorescamente una nuova realtà naturale, nata nei raggi del sole nascente. I toni rosa-violacei li avvolgono e li privano di volume e gravità materica. Gli anni della battaglia con Napoleone (1812-1813) trasformano Friedrich in temi patriottici. Illustrando, ispirandosi al dramma di Kleist, scrive "Tomba di Arminio"- un paesaggio con le tombe di antichi eroi germanici.

Friedrich era un sottile maestro dei paesaggi marini: "Età", "Il sorgere della luna sul mare", "Morte di "Nadezhda" nel ghiaccio".

Le ultime opere dell'artista - "Riposo sul campo", "Grande palude" e "Ricordi dei monti giganti", "Montagne giganti" - una serie di catene montuose e pietre in primo piano oscurate. Questo, a quanto pare, è un ritorno alla sensazione vissuta della vittoria di una persona su se stessa, la gioia dell'ascensione alla "cima del mondo", il desiderio di vette luminose e non conquistate. I sentimenti dell'artista compongono in modo speciale queste masse montuose, e ancora una volta si legge il movimento dall'oscurità dei primi passi alla luce futura. La vetta della montagna sullo sfondo è evidenziata come il centro delle aspirazioni spirituali del maestro. L'immagine è molto associativa, come ogni opera dei romantici, e coinvolge diversi livelli di lettura e interpretazione.

Friedrich è molto preciso nel disegno, musicalmente armonioso nella costruzione ritmica dei suoi quadri, in cui cerca di parlare attraverso le emozioni del colore e degli effetti di luce. “A molti viene dato poco, a pochi viene dato molto. Ognuno apre l'anima della natura in modo diverso. Pertanto, nessuno osa trasferire la sua esperienza e le sue regole a un altro come una legge vincolante incondizionata. Nessuno è la misura di tutto. Ognuno porta dentro di sé una misura solo per se stesso e per nature più o meno affini a se stesso ”, questo riflesso del maestro dimostra la straordinaria integrità della sua vita interiore e creatività. L'unicità dell'artista è palpabile solo nella libertà del suo lavoro: il romantico Friedrich si basa su questo.

Più formale sembra essere il disimpegno dagli artisti - "classici" - rappresentanti del classicismo di un altro ramo della pittura romantica in Germania - i Nazareni. Fondata a Vienna e stabilitasi a Roma (1809-1810), l '"Unione di San Luca" unì i maestri con l'idea di far rivivere l'arte monumentale delle questioni religiose. Il Medioevo è stato un periodo storico preferito dai romantici. Ma nella loro ricerca artistica, i Nazareni si sono rivolti alle tradizioni della pittura del primo Rinascimento in Italia e in Germania. Overbeck e Geforr furono gli iniziatori di una nuova alleanza, alla quale si unirono in seguito Cornelius, J. Schnoff von Karolsfeld, Veit Fürich.

Questo movimento dei nazareni corrispondeva alle loro stesse forme di opposizione agli accademici classicisti in Francia, Italia e Inghilterra. Ad esempio, in Francia, i cosiddetti artisti "primitivi" sono emersi dalla bottega di David, e in Inghilterra, i preraffaelliti. Nello spirito della tradizione romantica, consideravano l'arte "un'espressione del tempo", "lo spirito del popolo", ma le loro preferenze tematiche o formali, che all'inizio suonavano come uno slogan di unificazione, dopo un po 'si trasformarono negli stessi principi dottrinari di quelli dell'Accademia, che hanno negato.

L'arte del romanticismo in Francia sviluppati in modi specifici. La prima cosa che lo distingueva da movimenti simili in altri paesi era il suo carattere offensivo attivo ("rivoluzionario"). Poeti, scrittori, musicisti, artisti hanno difeso le loro posizioni non solo creando nuove opere, ma anche partecipando a controversie su riviste e giornali, caratterizzate dai ricercatori come una "battaglia romantica". I famosi V. Hugo, Stendhal, George Sand, Berlioz e molti altri scrittori, compositori e giornalisti francesi "affilarono le loro piume" in polemiche romantiche.

La pittura romantica in Francia nasce come opposizione alla scuola classicista di David, l'arte accademica, indicata come la "scuola" in generale. Ma questo va inteso in un senso più ampio: era opposizione all'ideologia ufficiale dell'epoca reazionaria, protesta contro i suoi limiti piccolo-borghesi. Da qui la natura patetica delle opere romantiche, la loro eccitazione nervosa, l'attrazione per motivi esotici, per trame storiche e letterarie, per tutto ciò che può allontanare dalla "buia quotidianità", da qui questo gioco di fantasia, e talvolta, al contrario, sognare ad occhi aperti e una completa mancanza di attività.

I rappresentanti della “scuola”, gli accademici, si ribellarono anzitutto al linguaggio dei romantici: il loro esaltato colorito a caldo, il loro modellamento della forma, non quello familiare ai “classici”, statuario-plastico, ma costruito su forti contrasti di macchie di colore; il loro design espressivo, che rifiuta deliberatamente la precisione e il classicismo; la loro composizione audace, a volte caotica, priva di maestà e calma incrollabile. Ingres, nemico implacabile dei romantici, fino alla fine della sua vita disse che Delacroix "scrive con una scopa impazzita", e Delacroix accusò Ingres e tutti gli artisti della "scuola" di freddezza, razionalità, mancanza di movimento, che non scrivere, ma "dipingere" i loro quadri. Ma questo non è stato un semplice scontro di due personalità brillanti e completamente diverse, è stata una lotta tra due diverse visioni artistiche del mondo.

Questa lotta durò quasi mezzo secolo, il romanticismo nell'arte non vinse facilmente e non immediatamente, e il primo artista di questa tendenza fu Theodore Gericault (1791-1824) - un maestro di forme monumentali eroiche, che unì nel suo lavoro sia il classicismo caratteristiche e caratteristiche del romanticismo stesso e, infine, un potente inizio realistico, che ebbe un enorme impatto sull'arte del realismo a metà del XIX secolo. Ma durante la sua vita è stato apprezzato solo da pochi amici intimi.

Il nome di Theodore Zhariko è associato ai primi brillanti successi del romanticismo. Già nei suoi primi dipinti (ritratti di militari, immagini di cavalli), gli antichi ideali si ritirarono davanti alla percezione diretta della vita.

Nel salone del 1812 Géricault mostra un quadro "Ufficiale dei ranger a cavallo imperiali durante l'attacco." Fu l'anno dell'apogeo della gloria di Napoleone e della potenza militare della Francia.

La composizione dell'immagine presenta il cavaliere in una prospettiva insolita del momento "improvviso" in cui il cavallo si è impennato e il cavaliere, mantenendo la posizione quasi verticale del cavallo, si è rivolto allo spettatore. L'immagine di un tale momento di instabilità, l'impossibilità della postura esalta l'effetto del movimento. Il cavallo ha un punto di appoggio, deve cadere a terra, avvitarsi nella lotta che lo ha portato in tale stato. Molto convergeva in questo lavoro: la fede incondizionata di Gericault nella possibilità che una persona possedesse i propri poteri, un amore appassionato per la rappresentazione dei cavalli e il coraggio di un maestro dei novizi nel mostrare ciò che prima solo la musica o il linguaggio della poesia potevano trasmettere: l'eccitazione di una battaglia, l'inizio di un attacco, l'ultima fatica di un essere vivente. Il giovane autore ha costruito la sua immagine sulla trasmissione della dinamica del movimento, ed era importante per lui predisporre lo spettatore a “pensare”, dipingere con “visione interiore” e senso di ciò che voleva rappresentare.

La Francia non aveva praticamente tradizioni di tali dinamiche della narrativa pittorica del romanticismo, tranne forse nei rilievi dei templi gotici, perché quando Gericault venne per la prima volta in Italia, rimase sbalordito dal potere nascosto delle composizioni di Michelangelo. "Ho tremato", scrive, "ho dubitato di me stesso e per molto tempo non sono riuscito a riprendermi da questa esperienza". Ma Stendhal indicò Michelangelo come il precursore di una nuova tendenza stilistica nell'arte anche prima nei suoi articoli polemici.

Il dipinto di Gericault annunciava non solo la nascita di un nuovo talento artistico, ma rendeva anche omaggio alla passione e alla delusione dell'autore per le idee di Napoleone. Ci sono molti altri lavori relativi a questo argomento: Ufficiale dei carabinieri”, “Ufficiale di corazziere prima dell'attacco”, “Ritratto di un carabinieri”, “Corazziere ferito”.

Nel trattato “Riflessione sullo stato della pittura in Francia”, scrive che “il lusso e le arti sono diventate ... una necessità e, per così dire, cibo per l'immaginazione, che è la seconda vita di una persona civile . .. Non essendo una questione di prima necessità, le arti compaiono solo quando i bisogni essenziali sono soddisfatti e quando viene l'abbondanza. Un uomo, liberato dalle preoccupazioni quotidiane, iniziò a cercare i piaceri per liberarsi dalla noia, che inevitabilmente lo avrebbe colto nel bel mezzo della contentezza.

Una tale comprensione del ruolo educativo e umanistico dell'arte fu dimostrata da Gericault dopo essere tornato dall'Italia nel 1818: iniziò a dedicarsi alla litografia, replicando una varietà di argomenti, tra cui la sconfitta di Napoleone ( “Ritorno dalla Russia”).

Allo stesso tempo, l'artista si rivolge alla raffigurazione dell'affondamento della fregata Meduza al largo delle coste africane, che entusiasmò la società dell'epoca. Il disastro è avvenuto per colpa di un capitano inesperto, nominato al posto sotto il patrocinio. I passeggeri sopravvissuti della nave, il chirurgo Savigny e l'ingegnere Correar, hanno parlato in dettaglio dell'incidente.

La nave morente è riuscita a buttarsi giù dalla zattera, sulla quale è salita una manciata di persone soccorse. Per dodici giorni furono trasportati lungo il mare in tempesta finché non incontrarono la salvezza: la nave "Argus".

Gericault era interessato alla situazione della massima tensione della forza spirituale e fisica umana. Il dipinto raffigurava 15 passeggeri sopravvissuti su una zattera quando videro l'Argus all'orizzonte. “La zattera della Medusa” fu il risultato di un lungo lavoro preparatorio dell'artista. Ha realizzato molti schizzi del mare in tempesta, ritratti di persone soccorse in ospedale. All'inizio, Gericault voleva mostrare la lotta tra le persone su una zattera, ma poi ha optato per il comportamento eroico dei vincitori dell'elemento mare e la negligenza dello stato. Le persone hanno sopportato coraggiosamente la sfortuna e la speranza della salvezza non le ha abbandonate: ogni gruppo sulla zattera ha le sue caratteristiche. Nella costruzione della composizione, Gericault sceglie un punto di vista dall'alto, che gli ha permesso di unire la copertura panoramica dello spazio (sono visibili le distanze del mare) e raffigurare, avvicinando molto in primo piano tutti gli abitanti della zattera. Il movimento è costruito sul contrasto delle figure che giacciono impotenti in primo piano e quelle impetuose del gruppo che danno segnali alla nave che passa. La chiarezza del ritmo della crescita delle dinamiche da gruppo a gruppo, la bellezza dei corpi nudi, il colore scuro dell'immagine stabiliscono una certa nota di convenzionalità dell'immagine. Ma non è questo il punto per lo spettatore perspicace, al quale la convenzionalità del linguaggio aiuta persino a capire e sentire la cosa principale: la capacità di una persona di combattere e vincere. L'oceano ruggisce. La vela geme. Le corde suonano. La zattera scricchiola. Il vento spinge le onde e fa a brandelli le nuvole nere.

Non è la stessa Francia, spinta dalla tempesta della storia? pensò Eugene Delacroix, in piedi accanto al dipinto. “La zattera della Medusa ha scioccato Delacroix, ha pianto e, come un pazzo, è saltato fuori dall'officina di Gericault, che visitava spesso.

Tali passioni non conoscevano l'arte di David.

Ma la vita di Gericault finì tragicamente presto (era malato terminale dopo essere caduto da cavallo) e molti dei suoi piani rimasero incompiuti.

L'innovazione di Géricault ha aperto nuove opportunità per trasmettere il movimento che preoccupava i romantici, i sentimenti sottostanti di una persona, l'espressività materica coloristica dell'immagine.

L'erede di Géricault nella sua ricerca era Eugene Delacroix. È vero, a Delacroix è stato concesso il doppio della sua vita, ed è riuscito non solo a dimostrare la correttezza del romanticismo, ma anche a benedire la nuova direzione nella pittura del 2 ° piano. 19esimo secolo - impressionismo.

Prima di iniziare a scrivere in proprio, Eugene ha studiato alla scuola di Lerain: ha dipinto dal vero, ha copiato i grandi Rubens, Rembrandt, Veronese, Tiziano al Louvre ... Il giovane artista ha lavorato 10-12 ore al giorno. Ricordava le parole del grande Michelangelo: “La pittura è un'amante gelosa, esige tutta la persona…”

Delacroix, dopo le esibizioni dimostrative di Géricault, era ben consapevole che nell'arte era giunto il momento di forti sconvolgimenti emotivi. In primo luogo, cerca di comprendere una nuova era per lui attraverso trame letterarie ben note. La sua pittura "Dante e Virgilio", presentato nel salone del 1822, è un tentativo attraverso le immagini storiche associative di due poeti: l'antichità - Virgilio e il Rinascimento - Dante - di guardare un calderone bollente, l '"inferno" dell'era moderna. Una volta nella sua "Divina Commedia" Dante prese la terra di Virgilio come scorta in tutte le sfere (paradiso, inferno, purgatorio). Nell'opera di Dante nasce un nuovo mondo rinascimentale sperimentando la memoria dell'antichità nel Medioevo. Il simbolo del romantico come sintesi di antichità, rinascimento e medioevo nasce nell'“orrore” delle visioni di Dante e Virgilio. Ma la complessa allegoria filosofica si è rivelata una buona illustrazione emotiva dell'era pre-rinascimentale e un capolavoro letterario immortale.

Delacroix cercherà di trovare una risposta diretta nei cuori dei suoi contemporanei attraverso il proprio dolore. I giovani di quel tempo, ardenti di libertà e odio per gli oppressori, simpatizzano con la guerra di liberazione della Grecia. Il romantico bardo d'Inghilterra, Byron, sta andando lì per combattere. Delacroix vede il significato della nuova era nella rappresentazione di un evento storico più specifico: la lotta e la sofferenza della Grecia amante della libertà. Si sofferma sulla trama della morte della popolazione dell'isola greca di Chios, catturata dai turchi. Al Salon del 1824, Delacroix espone un dipinto "Massacro sull'isola di Chios". sullo sfondo di una distesa infinita di terreno collinare. Che ancora urla dal fumo degli incendi e dalla battaglia incessante, l'artista mostra diversi gruppi di donne e bambini feriti ed esausti. Avevano gli ultimi minuti di libertà prima dell'avvicinarsi dei nemici. Il turco su un cavallo impennato sulla destra sembra incombere su tutto il primo piano e sulla moltitudine di sofferenti presenti. Bellissimi corpi, volti di persone affascinate. A proposito, Delacroix scriverà in seguito che la scultura greca è stata trasformata dagli artisti in geroglifici che nascondevano la vera bellezza greca del viso e della figura. Ma, rivelando la “bellezza dell'anima” nei volti dei greci sconfitti, il pittore drammatizza così tanto gli eventi che per mantenere un unico ritmo dinamico di tensione, passa alla deformazione degli angoli della figura. Questi "errori" erano già stati "risolti" dall'opera di Gericault, ma Delacroix dimostra ancora una volta il credo romantico secondo cui la pittura "non è la verità di una situazione, ma la verità di un sentimento".

Nel 1824 Delacroix perde il suo amico e maestro Géricault. E divenne il leader del nuovo dipinto.

Passarono gli anni. Una per una, sono apparse le immagini: “La Grecia sulle rovine di Missalunga”, “Morte di Sardanapalo” e altri L'artista divenne un emarginato nei circoli ufficiali della pittura. Ma la rivoluzione di luglio del 1830 cambiò la situazione. Accende l'artista con il romanticismo delle vittorie e dei risultati. Dipinge un quadro "Libertà sulle barricate".

Nel 1831, al Salon di Parigi, i francesi videro per la prima volta il dipinto di Eugene Delacroix "Libertà sulle barricate", dedicato ai "tre giorni gloriosi" della Rivoluzione di luglio del 1830. La tela ha fatto un'impressione sbalorditiva sui contemporanei con il potere, la democrazia e il coraggio della decisione artistica. Secondo la leggenda, un rispettabile borghese esclamò: “Dici - il capo della scuola? Dimmi meglio: il capo della ribellione! Dopo la chiusura del Salon, il governo, spaventato dall'appello minaccioso e stimolante emanato dal quadro, si affrettò a restituirlo all'autore. Durante la rivoluzione del 1848, fu nuovamente esposto al pubblico nel Palazzo del Lussemburgo. E di nuovo tornò all'artista. Solo dopo che la tela fu esposta all'Esposizione Universale di Parigi nel 1855, finì al Louvre. Una delle migliori creazioni del romanticismo francese è conservata qui fino ad oggi: un resoconto ispirato di un testimone oculare e un monumento eterno alla lotta del popolo per la propria libertà.

Quale linguaggio artistico ha trovato il giovane romantico francese per fondere questi due principi apparentemente opposti: una generalizzazione ampia e onnicomprensiva e una realtà concreta crudele nella sua nudità?

La Parigi delle famose giornate di luglio 1830. Aria satura di fumo grigio e polvere. Una città bella e maestosa, che scompare in una foschia di polvere. In lontananza, appena percettibili, ma si innalzano con orgoglio le torri della cattedrale di Notre Dame, simbolo della storia, della cultura e dello spirito del popolo francese. Da lì, dalla città fumosa, sulle rovine delle barricate, sui cadaveri dei compagni morti, gli insorti si fanno avanti ostinatamente e risolutamente. Ognuno di loro può morire, ma il passo dei ribelli è irremovibile: sono ispirati dalla volontà di vincere, di libertà.

Questa forza ispiratrice si incarna nell'immagine di una bellissima giovane donna, in uno sfogo appassionato che la chiama. Con un'energia inesauribile, una velocità di movimento libera e giovanile, è come una dea greca

Nick vince. La sua figura forte è vestita con un abito di chitone, il suo viso dai lineamenti perfetti, con gli occhi ardenti, è rivolto ai ribelli. In una mano tiene lo stendardo tricolore della Francia, nell'altra una pistola. Sulla testa c'è un berretto frigio, un antico simbolo di liberazione dalla schiavitù. Il suo passo è rapido e leggero: è così che camminano le dee. Allo stesso tempo, l'immagine di una donna è reale: è la figlia del popolo francese. È la forza guida dietro il movimento del gruppo sulle barricate. Da esso, come da una fonte di luce al centro dell'energia, si irradiano raggi che si caricano di sete e voglia di vincere. Coloro che sono in prossimità di esso, ciascuno a modo suo, esprimono il loro coinvolgimento in questa chiamata ispiratrice e stimolante.

A destra c'è un ragazzo, un gamen parigino, che brandisce delle pistole. È il più vicino alla Libertà e, per così dire, acceso dal suo entusiasmo e dalla gioia del libero impulso. In un movimento rapido, fanciullesco impaziente, è anche un po 'più avanti del suo ispiratore. Questo è il predecessore del leggendario Gavroche, interpretato vent'anni dopo da Victor Hugo in Les Misérables: “Gavroche, pieno di ispirazione, radioso, si è assunto il compito di mettere in moto il tutto. Correva avanti e indietro, saliva, scendeva

giù, si rialzava, frusciava, scintillava di gioia. Sembrerebbe che sia venuto qui per rallegrare tutti. Aveva qualche motivo per questo? Sì, certo, la sua povertà. Aveva le ali? Sì, certo, la sua allegria. Era una specie di tromba d'aria. Sembrava riempire l'aria di se stesso, essendo presente ovunque allo stesso tempo ... Enormi barricate lo sentivano sulla sua spina dorsale.

Gavroche nella pittura di Delacroix è la personificazione della giovinezza, un "bellissimo impulso", una gioiosa accettazione dell'idea luminosa di Libertà. Due immagini - Gavroche e Liberty - sembrano completarsi a vicenda: una è un fuoco, l'altra è una torcia accesa da esso. Heinrich Heine ha raccontato quale vivace risposta ha suscitato tra i parigini la figura di Gavroche. "Accidenti! esclamò un droghiere, "quei ragazzi hanno combattuto come giganti!"

Sulla sinistra c'è uno studente con una pistola. In precedenza, era visto come un autoritratto dell'artista. Questo ribelle non è veloce come Gavroche. Il suo movimento è più contenuto, più concentrato, significativo. Le mani stringono con sicurezza la canna della pistola, il viso esprime coraggio, ferma determinazione a resistere fino alla fine. Questa è un'immagine profondamente tragica. Lo studente è consapevole dell'inevitabilità delle perdite che subiranno i ribelli, ma le vittime non lo spaventano: la volontà di libertà è più forte. Dietro di lui c'è un lavoratore altrettanto coraggioso e risoluto con una sciabola. Ferito ai piedi della Libertà. Si alza faticosamente per guardare ancora una volta la Libertà, per vedere e sentire con tutto il cuore quella bellezza per la quale sta morendo. Questa figura porta un inizio acutamente drammatico al suono della tela di Delacroix. Se le immagini di Gavroche, Liberty, lo studente, il lavoratore - quasi simboli, l'incarnazione dell'inesorabile volontà dei combattenti per la libertà - ispirano e chiamano lo spettatore, allora l'uomo ferito chiede compassione. L'uomo dice addio alla Libertà, dice addio alla vita. È ancora un impulso, un movimento, ma già un impulso che svanisce.

La sua figura è di transizione. Lo sguardo dello spettatore, ancora affascinato e trascinato dalla determinazione rivoluzionaria dei ribelli, scende fino ai piedi della barricata, ricoperto dai corpi dei gloriosi caduti. La morte è presentata dall'artista in tutta la nudità e l'evidenza del fatto. Vediamo i volti blu dei morti, i loro corpi nudi: la lotta è spietata e la morte è una compagna altrettanto inevitabile dei ribelli quanto la bellissima ispiratrice Libertà.

Ma non esattamente la stessa cosa! Dalla terribile vista sul bordo inferiore dell'immagine, alziamo di nuovo gli occhi e vediamo una bellissima figura giovane - no! la vita vince! L'idea di libertà, incarnata in modo così visibile e tangibile, è così focalizzata sul futuro che la morte nel suo nome non è terribile.

L'artista raffigura solo un piccolo gruppo di ribelli, vivi e morti. Ma i difensori della barricata sembrano insolitamente numerosi. La composizione è costruita in modo tale che il gruppo di combattenti non sia limitato, non chiuso in se stesso. Lei è solo una parte di una valanga infinita di persone. L'artista dà, per così dire, un frammento del gruppo: la cornice del quadro taglia le figure da sinistra, destra e in basso.

Di solito il colore nelle opere di Delacroix acquisisce un suono emotivo, gioca un ruolo dominante nel creare un effetto drammatico. I colori, a volte impetuosi, a volte sbiaditi, ovattati, creano un'atmosfera tesa. In Liberty at the Barricades, Delacroix si discosta da questo principio. Scegliendo in modo molto accurato, inequivocabilmente la vernice, applicandola con pennellate larghe, l'artista trasmette l'atmosfera della battaglia.

Ma la gamma di colori è contenuta. Delacroix si concentra sulla modellazione in rilievo della forma. Ciò era richiesto dalla soluzione figurativa dell'immagine. Dopotutto, raffigurando uno specifico evento di ieri, l'artista ha anche creato un monumento a questo evento. Pertanto, le figure sono quasi scultoree. Pertanto, ogni personaggio, essendo parte di un unico insieme del quadro, costituisce anche qualcosa di chiuso in sé, rappresenta un simbolo gettato in una forma compiuta. Pertanto, il colore non solo influenza emotivamente i sentimenti dello spettatore, ma porta anche un carico simbolico. Qua e là, una solenne triade di rosso, blu e bianco lampeggia nello spazio grigio-marrone: i colori dello stendardo della Rivoluzione francese del 1789. La ripetuta ripetizione di questi colori sostiene l'accordo potente del tricolore che sventola sulle barricate.

Il dipinto di Delacroix "Libertà sulle barricate" è un'opera complessa e grandiosa nella sua portata. Qui si combinano l'autenticità del fatto direttamente visto e il simbolismo delle immagini; realismo, raggiungendo il naturalismo brutale e la bellezza ideale; ruvido, terribile e sublime, puro.

Il dipinto "Libertà alle barricate" ha consolidato la vittoria del romanticismo nella pittura francese. Negli anni '30, altri due dipinti storici: "Battaglia di Poitiers" E "L'assassinio del vescovo di Liegi".

Nel 1822 l'artista visitò il Nord Africa, il Marocco, l'Algeria. Il viaggio gli fece un'impressione indelebile. Negli anni '50, nel suo lavoro apparvero dipinti ispirati ai ricordi di questo viaggio: "A caccia di leoni", "Marocchino che sella un cavallo" e altri Il colore brillante a contrasto crea un suono romantico per questi dipinti. In essi appare la tecnica di un tratto ampio.

Delacroix, da romantico, ha registrato lo stato della sua anima non solo nel linguaggio delle immagini pittoriche, ma anche nella forma letteraria dei suoi pensieri. Ha ben descritto il processo del lavoro creativo dell'artista romantico, i suoi esperimenti con il colore, le riflessioni sul rapporto tra musica e altre forme d'arte. I suoi diari divennero la lettura preferita degli artisti delle generazioni successive.

La scuola romantica francese ha compiuto progressi significativi nel campo della scultura (Rud e il suo rilievo marsigliese), della pittura di paesaggio (Camille Corot con le sue immagini luminose della natura della Francia).

Grazie al romanticismo, la personale visione soggettiva dell'artista assume la forma di una legge. L'impressionismo distruggerà completamente la barriera tra l'artista e la natura, dichiarando l'arte un'impressione. I romantici parlano della fantasia dell'artista, "la voce dei suoi sentimenti", che gli consente di interrompere il lavoro quando il maestro lo ritiene necessario, e non come richiesto dagli standard accademici di completezza.

Se le fantasie di Gericault si concentravano sulla trasmissione del movimento, Delacroix sul potere magico del colore, e i tedeschi aggiungevano a questo un certo "spirito della pittura", allora spagnolo I romantici nella persona di Francisco Goya (1746-1828) hanno mostrato le origini folcloristiche dello stile, il suo carattere fantasmagorico e grottesco. Lo stesso Goya e il suo lavoro sembrano lontani da qualsiasi quadro stilistico, soprattutto perché l'artista molto spesso ha dovuto seguire le leggi del materiale della performance (quando, ad esempio, ha realizzato dipinti per tappeti a traliccio intrecciato) o le esigenze del cliente.

La sua fantasmagoria è venuta alla luce in serie di incisioni “Capricci” (1797-1799),"Disastri della guerra" (1810-1820),“Disparantes” (“Follie”)(1815-1820), i murales della "Casa dei Sordi" e la Chiesa di San Antonio de la Florida a Madrid (1798). Grave malattia nel 1792. ha portato alla completa sordità dell'artista. L'arte del maestro dopo aver subito un trauma fisico e spirituale diventa più concentrata, riflessiva, internamente dinamica. Il mondo esterno, chiuso a causa della sordità, ha attivato la vita spirituale interiore di Goya.

Nelle incisioni “Capricci” Goya raggiunge una forza eccezionale nel trasferimento di reazioni istantanee, sentimenti impetuosi. La performance in bianco e nero, grazie all'audace combinazione di grandi macchie, l'assenza di linearità caratteristica della grafica, acquisisce tutte le proprietà di un dipinto.

I murales della chiesa di Sant'Antonio a Madrid Goya creano, a quanto pare, tutto d'un fiato. Sorprendono il temperamento del tratto, il laconismo della composizione, l'espressività delle caratteristiche dei personaggi, il cui tipo è ripreso da Goya direttamente dalla folla. L'artista raffigura il miracolo di Antonio di Florida, che fece risorgere e parlare l'uomo assassinato, che nominò l'assassino e salvò così dall'esecuzione il condannato innocentemente. Il dinamismo della folla che reagisce brillantemente è trasmesso da Goya sia nei gesti che nelle espressioni facciali dei volti raffigurati. Nello schema compositivo della distribuzione dei dipinti nello spazio della chiesa, il pittore segue il Tiepolo, ma la reazione che suscita nello spettatore non è barocca, ma puramente romantica, influenzando il sentimento di ogni spettatore, chiamandolo a rivolgersi a lui stesso.

Soprattutto, questo obiettivo è raggiunto nel dipinto del Conto del Sordo ("Casa dei sordi"), in cui Goya visse dal 1819. Le pareti delle stanze sono ricoperte da quindici composizioni di natura fantastica e allegorica. Percepirli richiede una profonda empatia. Le immagini nascono come una sorta di visioni di città, donne, uomini, ecc. Il colore, lampeggiante, tira fuori una figura, poi un'altra. La pittura nel suo insieme è oscura, è dominata da macchie bianche, gialle, rosso-rosate, lampi di sentimenti inquietanti. Le acqueforti della serie "Disparanti" .

Goya ha trascorso gli ultimi 4 anni in Francia. È improbabile che sapesse che Delacroix non si era separato dai suoi "Caprichos". E non poteva prevedere come Hugo e Baudelaire si sarebbero lasciati trasportare da queste incisioni, quale enorme influenza avrebbe avuto la sua pittura su Manet, e come negli anni '80 del XIX secolo. V. Stasov inviterà artisti russi a studiare i suoi "Disasters of War"

Ma noi, dato questo, sappiamo quale enorme impatto abbia avuto quest'arte "senza stile" di un audace realista e romantico ispirato sulla cultura artistica del XIX e XX secolo.

Il fantastico mondo dei sogni si realizza anche nelle sue opere dell'artista romantico inglese William Blake (1757-1827). Inghilterra era un paese classico della letteratura romantica. Byron. Shelley divenne la bandiera di questo movimento ben oltre la "nebbiosa Albion". In Francia, nella rivista critica del tempo delle “battaglie romantiche”, i romantici venivano chiamati “shakespeariani”. La caratteristica principale della pittura inglese è sempre stata l'interesse per la personalità umana, che ha permesso al genere del ritratto di svilupparsi fruttuosamente. Il romanticismo nella pittura è strettamente correlato al sentimentalismo. L'interesse romantico nel Medioevo ha generato una vasta letteratura storica. Il maestro riconosciuto di cui è V. Scott. In pittura, il tema del Medioevo determinò la comparsa dei cosiddetti Perafeliti.

William Blake è un fantastico tipo di romantico sulla scena culturale inglese. Scrive poesie, illustra i suoi e altri libri. Il suo talento ha cercato di abbracciare ed esprimere il mondo in un'unità olistica. Le sue opere più famose sono le illustrazioni per il biblico "Libro di Giobbe", "La Divina Commedia" di Dante, "Paradiso perduto" di Milton. Popola le sue composizioni con figure titaniche di eroi, che corrispondono al loro ambiente di un mondo irreale illuminato o fantasmagorico. Un senso di orgoglio ribelle o armonia, difficile da creare dalle dissonanze, travolge le sue illustrazioni.

Le incisioni paesaggistiche per le "Pastorali" del poeta romano Virgilio sembrano in qualche modo diverse: sono più idilliache e romantiche delle loro opere precedenti.

Il romanticismo di Blake sta cercando di trovare la propria formula artistica e la forma di esistenza del mondo.

William Blake, avendo vissuto una vita di estrema povertà e oscurità, dopo la sua morte fu annoverato tra la schiera di classici dell'arte inglese.

Nell'opera dei paesaggisti inglesi dell'inizio del XIX secolo. gli hobby romantici si combinano con una visione più obiettiva e sobria della natura.

I paesaggi romanticamente elevati sono creati da William Turner (1775-1851). Gli piaceva rappresentare temporali, acquazzoni, tempeste in mare, tramonti luminosi e infuocati. Turner spesso esagerava gli effetti dell'illuminazione e intensificava il suono del colore anche quando dipingeva il calmo stato della natura. Per un effetto maggiore, ha utilizzato la tecnica degli acquerelli e ha applicato la pittura ad olio in uno strato molto sottile e ha dipinto direttamente sul terreno, ottenendo straripamenti iridescenti. Un esempio è l'immagine “Pioggia, vapore e velocità”(1844). Ma anche il noto critico dell'epoca, Thackeray, non poteva comprendere correttamente, forse, l'immagine più innovativa sia nel design che nell'esecuzione. “La pioggia è indicata da macchie di mastice sporco”, ha scritto, “spruzzato sulla tela con una spatola, la luce del sole con un luccichio opaco irrompe attraverso grumi molto spessi di cromo giallo sporco. Le ombre sono trasmesse da sfumature fredde di kraplak scarlatto e macchie di cinabro dai toni tenui. E sebbene il fuoco nella fornace della locomotiva sembri rosso, non presumo di affermare che non sia dipinto con cabalt o color pisello. Un altro critico ha trovato nella colorazione di Turner il colore di "uova strapazzate e spinaci". I colori del defunto Turner generalmente sembravano del tutto impensabili e fantastici per i contemporanei. Ci è voluto più di un secolo per vedere in loro la grana delle osservazioni reali. Ma come in altri casi, era qui. È stato conservato un curioso resoconto di un testimone oculare, o meglio, un testimone della nascita di "Pioggia, vapore e velocità". Una certa signora Simone viaggiava in uno scompartimento del Western Express con un anziano signore seduto di fronte a lei. Chiese il permesso di aprire la finestra, sporse la testa sotto la pioggia battente e rimase in quella posizione per un bel po'. Quando finalmente chiuse la finestra. L'acqua gocciolava da lui in ruscelli, ma chiuse gli occhi beatamente e si appoggiò allo schienale, chiaramente godendosi ciò che aveva appena visto. Una giovane donna curiosa ha deciso di provare i suoi sentimenti per se stessa - ha anche messo la testa fuori dalla finestra. Si è anche bagnato. Ma ho avuto un'impressione indimenticabile. Immagina la sua sorpresa quando, un anno dopo, in una mostra a Londra, vide Rain, Steam and Speed. Qualcuno dietro di lei ha osservato in modo critico: “Estremamente tipico di Turner, giusto. Nessuno ha mai visto un tale miscuglio di assurdità”. E lei, incapace di trattenersi, disse: "Ho visto".

Forse questa è la prima immagine di un treno in pittura. il punto di vista è preso da qualche parte sopra, il che ha permesso di fornire un'ampia copertura panoramica. Il Western Express sorvola il ponte ad una velocità assolutamente eccezionale per l'epoca (superiore i 150 km orari). Inoltre, questo è probabilmente il primo tentativo di rappresentare la luce attraverso la pioggia.

Arte inglese della metà del XIX secolo. sviluppato in una direzione completamente diversa rispetto alla pittura di Turner. Sebbene la sua abilità fosse generalmente riconosciuta, nessuno dei giovani lo seguì.

Turner è stato a lungo considerato un precursore dell'impressionismo. Sembrerebbe che siano stati gli artisti francesi a dover sviluppare ulteriormente la sua ricerca del colore dalla luce. Ma non è affatto così. Essenzialmente, l'influenza di Turner sugli impressionisti risale a From Delacroix to Neo-Impressionism di Paul Signac, pubblicato nel 1899, dove descriveva come "nel 1871, durante il loro lungo soggiorno a Londra, Claude Manet e Camille Pissarro scoprirono Turner. Si sono meravigliati della qualità sicura e magica dei suoi colori, hanno studiato il suo lavoro, hanno analizzato la sua tecnica. All'inizio rimasero stupiti dalla sua rappresentazione della neve e del ghiaccio, scioccati dal modo in cui riusciva a trasmettere un senso del candore della neve, cosa che loro stessi non potevano, con grandi macchie di bianco argenteo appiattite con ampi tratti di pennello . Hanno visto che questa impressione non era stata ottenuta solo con l'imbiancatura. E una massa di tratti multicolori. Inflitti uno accanto all'altro, che producevano questa impressione, se li guardi da lontano.

In questi anni Signac cerca ovunque conferme della sua teoria del puntinismo. Ma in nessuno dei dipinti di Turner che gli artisti francesi poterono vedere alla National Gallery nel 1871, c'è una tecnica di puntinismo descritta da Signac, né ci sono "larghe macchie di imbiancatura".In effetti, l'influenza di Turner sui francesi non fu più forte in 1870 -e, e nel 1890.

Turner è stato studiato con la massima attenzione da Paul Signac, non solo come precursore dell'impressionismo, di cui ha scritto nel suo libro, ma anche come grande artista innovativo. A proposito degli ultimi dipinti di Turner "Rain, Steam and Speed", "Exile", "Morning" e "Evening of the Flood", Signac scrisse al suo amico Angrand: bel senso della parola."

La valutazione entusiastica di Signac segnò l'inizio della moderna comprensione della ricerca pittorica di Turner. Ma negli ultimi anni a volte capita che non tengano conto del sottotesto e della complessità delle direzioni della sua ricerca, selezionando unilateralmente esempi dai "dipinti di fondo" davvero incompiuti di Turner, cercando di scoprire in lui il predecessore dell'impressionismo.

Degli artisti più recenti, tutto suggerisce naturalmente un confronto con Monet, che a sua volta ha riconosciuto l'influenza di Turner su di lui. C'è anche una trama assolutamente simile in entrambi: vale a dire il portale occidentale della cattedrale di Rouen. Ma se Monet ci offre uno studio sull'illuminazione solare dell'edificio, non ci offre il gotico, ma una specie di modello nudo, in Turner capisci perché l'artista, completamente assorbito dalla natura, si è interessato a questo argomento - nel suo immagine è proprio la combinazione della travolgente grandezza dell'insieme e dell'infinito che colpisce una varietà di dettagli che avvicina le creazioni dell'arte gotica alle opere della natura.

La natura speciale della cultura inglese e dell'arte romantica ha aperto la possibilità dell'emergere del primo artista plein air, che ha gettato le basi per l'immagine leggera della natura nel XIX secolo, John Constable (1776-1837). L'inglese Constable sceglie il paesaggio come genere principale della sua pittura: “Il mondo è grande; non esistono due giorni uguali, nemmeno due ore uguali; Dalla creazione del mondo, non ci sono due foglie uguali su un albero, e tutte le opere d'arte autentiche, come le creazioni della natura, differiscono l'una dall'altra", ha detto.

L'agente ha dipinto all'aria aperta grandi schizzi a olio con una sottile osservazione dei diversi stati della natura, in cui è stato in grado di trasmettere la complessità della vita interiore della natura e della sua vita quotidiana. ("Veduta di Highgate dalle colline di Hempstead", OK. 1834; "Carro da fieno" 1821; "Detham Valley", circa 1828) ha raggiunto questo obiettivo con l'aiuto delle tecniche di scrittura. Dipingeva con tratti in movimento, a volte spessi e ruvidi, a volte più lisci e trasparenti. Gli impressionisti arriveranno a questo solo alla fine del secolo. La pittura innovativa di Constable ha influenzato le opere di Delacroix, così come l'intero sviluppo del paesaggio francese.

L'arte di Constable, così come molti aspetti del lavoro di Gericault, segnarono l'emergere di una tendenza realistica nell'arte europea del XIX secolo, che inizialmente si sviluppò parallelamente al romanticismo. Successivamente, le loro strade si sono divise.

I romantici aprono il mondo dell'anima umana, individuale, diverso da chiunque altro, ma sincero e quindi vicino a ogni visione sensuale del mondo. L'istantaneità dell'immagine nella pittura, come diceva Gelacroix, e non la sua coerenza nell'esecuzione letteraria, ha determinato l'attenzione degli artisti sulla trasmissione più complessa del movimento, per amore della quale sono state trovate nuove soluzioni formali e coloristiche. Il romanticismo ha lasciato un'eredità della seconda metà del XIX secolo. tutti questi problemi e l'individualità artistica liberata dalle regole dell'accademismo. Il simbolo, che tra i romantici doveva esprimere il connubio essenziale tra idea e vita, nell'arte della seconda metà dell'Ottocento. si dissolve nella polifonia dell'immagine artistica, cogliendo la diversità delle idee e del mondo circostante.

b) Musica

L'idea della sintesi artistica ha trovato espressione nell'ideologia e nella pratica del romanticismo. Il romanticismo in musica prese forma negli anni '20 del XIX secolo sotto l'influenza della letteratura del romanticismo e si sviluppò in stretta connessione con essa, con la letteratura in generale (rivolgendosi a generi sintetici, principalmente opera, canto, miniature strumentali e programmazione musicale). L'appello al mondo interiore di una persona, caratteristico del romanticismo, si esprimeva nel culto del soggettivo, nella brama dell'emotivamente intenso, che determinava il primato della musica e dei testi nel romanticismo.

Musica della prima metà del XIX secolo. si è evoluto rapidamente. È emerso un nuovo linguaggio musicale; nella musica strumentale e vocale da camera, la miniatura ha ricevuto un posto speciale; l'orchestra suonava con un diverso spettro di colori; le possibilità del pianoforte e del violino sono state rivelate in un modo nuovo; la musica dei romantici era molto virtuosa.

Il romanticismo musicale si è manifestato in molti rami diversi associati a diverse culture nazionali ea diversi movimenti sociali. Così, ad esempio, lo stile intimo e lirico dei romantici tedeschi e il pathos civile "oratorio", caratteristico dell'opera dei compositori francesi, differiscono in modo significativo. A loro volta, rappresentanti di nuove scuole nazionali sorte sulla base di un ampio movimento di liberazione nazionale (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), nonché rappresentanti della scuola lirica italiana, strettamente legata al movimento risorgimentale (Verdi, Bellini), in molti modi differiscono dai contemporanei in Germania, Austria o Francia, in particolare, la tendenza a preservare le tradizioni classiche.

Tuttavia, tutti sono contrassegnati da alcuni principi artistici generali che ci consentono di parlare di un'unica struttura romantica del pensiero.

Grazie alla speciale capacità della musica di rivelare in modo profondo e penetrante il ricco mondo delle esperienze umane, è stata messa al primo posto tra le altre arti dall'estetica romantica. Molti romantici hanno sottolineato un inizio intuitivo della musica, attribuendogli la proprietà di esprimere l '"inconoscibile". Il lavoro di eccezionali compositori romantici aveva una forte base realistica. L'interesse per la vita della gente comune, la pienezza della vita e la verità dei sentimenti, la dipendenza dalla musica della vita quotidiana hanno determinato il realismo del lavoro dei migliori rappresentanti del romanticismo musicale. Le tendenze reazionarie (misticismo, fuga dalla realtà) sono inerenti solo a un numero relativamente piccolo di opere di romantici. Apparvero in parte nell'opera Euryanta di Weber (1823), in alcuni drammi musicali di Wagner, nell'oratorio Cristo di Liszt (1862), ecc.

All'inizio del XIX secolo apparvero studi fondamentali di folklore, storia, letteratura antica, leggende medievali, arte gotica e cultura del Rinascimento che era stata dimenticata. Fu in questo momento che nell'opera europea del compositore si svilupparono molte scuole nazionali di tipo speciale, destinate ad ampliare notevolmente i confini della comune cultura europea. Russo, che presto prese, se non il primo, uno dei primi posti nella creatività culturale mondiale (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tchaikovsky), polacco (Chopin, Moniuszko), ceco (panna acida, Dvorak), ungherese ( List), poi norvegese (Grieg), spagnolo (Pedrel), finlandese (Sibelius), inglese (Elgar) - tutti loro, fondendosi nella corrente principale generale della creatività del compositore in Europa, non si opposero in alcun modo alle antiche tradizioni consolidate . È emerso un nuovo cerchio di immagini, che esprime le caratteristiche nazionali uniche della cultura nazionale a cui apparteneva il compositore. La struttura dell'intonazione dell'opera consente di riconoscere immediatamente a orecchio l'appartenenza a una particolare scuola nazionale.

I compositori coinvolgono nel comune linguaggio musicale europeo le svolte intonazionali del vecchio folklore, principalmente contadino, dei loro paesi. Loro, per così dire, hanno ripulito la canzone popolare russa dall'opera laccata, hanno introdotto nel sistema di intonazione cosmopolita dei turni di canzoni del XVIII secolo dei generi folk-quotidiani. Il fenomeno più sorprendente nella musica del romanticismo, percepito in modo particolarmente vivido se confrontato con la sfera figurativa del classicismo, è il predominio del principio lirico-psicologico. Naturalmente, una caratteristica distintiva dell'arte musicale in generale è la rifrazione di qualsiasi fenomeno attraverso la sfera dei sentimenti. La musica di tutte le epoche è soggetta a questo schema. Ma i romantici hanno superato tutti i loro predecessori nel valore dell'inizio lirico nella loro musica, nella forza e nella perfezione nel trasmettere le profondità del mondo interiore di una persona, le sfumature più sottili dell'umore.

Il tema dell'amore occupa un posto dominante in esso, perché è questo stato d'animo che riflette in modo più completo e completo tutte le profondità e le sfumature della psiche umana. Ma è altamente caratteristico che questo tema non si limiti ai motivi dell'amore nel senso letterale della parola, ma si identifichi con la più ampia gamma di fenomeni. Le esperienze puramente liriche dei personaggi si rivelano sullo sfondo di un ampio panorama storico. L'amore di una persona per la sua casa, per la sua patria, per la sua gente scorre come un filo attraverso il lavoro di tutti i compositori romantici.

Un posto enorme è dato nelle opere musicali di piccole e grandi forme all'immagine della natura, strettamente e indissolubilmente intrecciata con il tema della confessione lirica. Come le immagini dell'amore, l'immagine della natura personifica lo stato d'animo dell'eroe, così spesso colorato da un senso di disarmonia con la realtà.

Il tema della fantasia spesso compete con le immagini della natura, probabilmente generato dal desiderio di sfuggire alla prigionia della vita reale. Tipico dei romantici era la ricerca di un meraviglioso, scintillante della ricchezza dei colori del mondo, opposto alla grigia quotidianità. Fu in questi anni che la letteratura si arricchì di fiabe, ballate di scrittori russi. Tra i compositori della scuola romantica, le immagini favolose e fantastiche acquisiscono una colorazione unica nazionale. Le ballate sono ispirate agli scrittori russi e, grazie a ciò, vengono create opere di un fantastico piano grottesco, che simboleggiano, per così dire, il lato sbagliato della fede, che si sforzano di ribaltare le idee di paura delle forze del male.

Molti compositori romantici hanno anche agito come scrittori e critici musicali (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt, ecc.). Il lavoro teorico dei rappresentanti del romanticismo progressista ha dato un contributo molto significativo allo sviluppo delle questioni più importanti dell'arte musicale. Il romanticismo ha trovato espressione anche nelle arti dello spettacolo (il violinista Paganini, il cantante A. Nurri e altri).

Il significato progressivo del romanticismo in questo periodo risiede principalmente nell'attività Franz Listz. Il lavoro di Liszt, nonostante la visione del mondo contraddittoria, era fondamentalmente progressista, realistico. Uno dei fondatori e dei classici della musica ungherese, un eccezionale artista nazionale.

I temi nazionali ungheresi si riflettono ampiamente in molte delle opere di Liszt. Le composizioni romantiche e virtuosistiche di Liszt hanno ampliato le possibilità tecniche ed espressive del pianoforte (concerti, sonate). Significativi furono i legami di Liszt con i rappresentanti della musica russa, di cui promuoveva attivamente le opere.

Allo stesso tempo, Liszt ha svolto un ruolo importante nello sviluppo dell'arte musicale mondiale. Dopo Liszt, “tutto è diventato possibile per il pianoforte”. I tratti caratteristici della sua musica sono l'improvvisazione, l'esaltazione romantica dei sentimenti, la melodia espressiva. Liszt è apprezzato come compositore, interprete, figura musicale. Principali opere del compositore: opera “ Don Sancho o il castello dell'amore"(1825), 13 poemi sinfonici" Tasso ”, ” Prometeo ”, “Frazione” e altri, opere per orchestra, 2 concerti per pianoforte e orchestra, 75 romanze, cori e altre opere altrettanto note.

Una delle prime manifestazioni del romanticismo nella musica è stata la creatività FranzSchubert(1797-1828). Schubert è entrato nella storia della musica come il più grande dei fondatori del romanticismo musicale e il creatore di una serie di nuovi generi: sinfonia romantica, miniatura per pianoforte, canzone lirico-romantica (romanzo). La cosa più importante nel suo lavoro è canzone, in cui ha mostrato soprattutto molte tendenze innovative. Nelle canzoni di Schubert, il mondo interiore di una persona è rivelato più profondamente, il suo legame caratteristico con la musica popolare è più evidente, una delle caratteristiche più essenziali del suo talento è più evidente: la straordinaria varietà, bellezza, fascino delle melodie. Le migliori canzoni del primo periodo sono “ Margherita al filatoio ”(1814) , “re della foresta". Entrambe le canzoni sono scritte con le parole di Goethe. Nel primo, la ragazza abbandonata ricorda il suo amato. È sola e profondamente sofferente, la sua canzone è triste. Una melodia semplice e sincera è riecheggiata solo dal monotono ronzio della brezza. "The Forest King" è un'opera complessa. Questa non è una canzone, ma piuttosto una scena drammatica in cui ci appaiono davanti tre personaggi: un padre a cavallo attraverso la foresta, un bambino malato che porta con sé e un formidabile re della foresta che appare a un ragazzo in preda alla febbre delirio. Ognuno di loro ha il suo linguaggio melodico. Le canzoni di Schubert "Trout", "Barcarolle", "Morning Serenade" non sono meno famose e amate. Scritte negli anni successivi, queste canzoni sono notevoli per la loro melodia sorprendentemente semplice ed espressiva e per i colori freschi.

Schubert ha anche scritto due cicli di canzoni - " bel mugnaio"(1823), e" percorso invernale”(1872) - alle parole del poeta tedesco Wilhelm Müller. In ognuna di esse, le canzoni sono unite da una trama. Le canzoni del ciclo "The Beautiful Miller's Woman" raccontano di un ragazzo. Seguendo il corso del torrente, si mette in viaggio alla ricerca della sua felicità. La maggior parte delle canzoni di questo ciclo ha un carattere leggero. Il mood del ciclo “Winter Way” è completamente diverso. Un giovane povero viene rifiutato da una sposa ricca. Disperato, lascia la sua città natale e va a vagare per il mondo. I suoi compagni sono il vento, una bufera di neve, un corvo minacciosamente gracchiante.

I pochi esempi qui riportati ci permettono di parlare delle caratteristiche del songwriting di Schubert.

Schubert amava scrivere musica per pianoforte. Per questo strumento ha scritto un numero enorme di opere. Come le canzoni, le sue opere per pianoforte erano vicine alla musica di tutti i giorni e altrettanto semplici e comprensibili. I generi preferiti delle sue composizioni erano balli, marce e negli ultimi anni della sua vita - improvvisati.

Valzer e altri balli di solito apparivano ai balli di Schubert, nelle passeggiate in campagna. Lì li ha improvvisati e li ha registrati a casa.

Se confrontiamo i brani per pianoforte di Schubert con le sue canzoni, possiamo trovare molte somiglianze. Prima di tutto, è una grande espressività melodica, grazia, giustapposizione colorata di maggiore e minore.

Uno dei più grandi francese compositori della seconda metà del XIX secolo Giorgio Bizet, il creatore di una creazione immortale per il teatro musicale - opere “Carmen"e musica meravigliosa per il dramma di Alphonse Daudet" Arlesiano ”.

L'opera di Bizet è caratterizzata da accuratezza e chiarezza di pensiero, novità e freschezza di mezzi espressivi, completezza ed eleganza di forma. Bizet è caratterizzato dall'acutezza dell'analisi psicologica nella comprensione dei sentimenti e delle azioni umane, caratteristica del lavoro dei grandi compatrioti del compositore: gli scrittori Balzac, Flaubert, Maupassant. Il posto centrale nell'opera di Bizet, diversificata nei generi, appartiene all'opera. L'arte operistica del compositore è nata sul suolo nazionale ed è stata nutrita dalle tradizioni del teatro dell'opera francese. Bizet considerava il primo compito del suo lavoro superare le restrizioni di genere esistenti nell'opera francese, che ne ostacolano lo sviluppo. L'opera “grande” gli sembra un genere morto, l'opera lirica irrita con il suo pianto e la sua ottusità piccolo-borghese, il comico merita attenzione più di altri. Per la prima volta nell'opera di Bizet compaiono scene domestiche e di massa succose e vivaci, che anticipano la vita e scene vivide.

La musica di Bizet per il dramma di Alphonse Daudet “Arlesiano” è nota principalmente per due suite da concerto composte dai suoi migliori numeri. Bizet ha utilizzato alcune autentiche melodie provenzali : “Marcia dei Re Magi” E "Danza di cavalli vivaci".

Opera di Bizet Carmen” è un dramma musicale che dispiega davanti al pubblico con convincente veridicità e con accattivante potenza artistica la storia dell'amore e della morte dei suoi eroi: il soldato Jose e la zingara Carmen. L'opera Carmen è stata creata sulla base delle tradizioni del teatro musicale francese, ma allo stesso tempo ha introdotto anche molte novità. Basandosi sui migliori risultati dell'opera nazionale e riformando i suoi elementi più importanti, Bizet ha creato un nuovo genere: un dramma musicale realistico.

Nella storia del teatro dell'opera del XIX secolo, l'opera Carmen occupa uno dei primi posti. Dal 1876, la sua processione trionfale iniziò sui palcoscenici dei teatri dell'opera di Vienna, Bruxelles e Londra.

La manifestazione di un rapporto personale con l'ambiente è stata espressa da poeti e musicisti, prima di tutto, in immediatezza, "apertura" emotiva e passione espressiva, nel tentativo di convincere l'ascoltatore con l'aiuto dell'incessante intensità del tono di riconoscimento o confessione.

Queste nuove tendenze nell'arte hanno avuto un'influenza decisiva sull'emergere opera lirica. Nacque come antitesi tra opera "grande" e comica, ma non poteva passare dalle loro conquiste e conquiste nel campo della drammaturgia operistica e dei mezzi di espressione musicale.

Una caratteristica distintiva del nuovo genere operistico era l'interpretazione lirica di qualsiasi trama letteraria - su un tema storico, filosofico o moderno. Gli eroi dell'opera lirica sono dotati dei tratti della gente comune, privi di esclusività e qualche iperbolizzazione, caratteristica di un'opera romantica. L'artista più significativo nel campo dell'opera lirica era Carlo Gounod.

Tra il patrimonio operistico piuttosto numeroso di Gounod, l'opera “ Faust" occupa un posto speciale e, si potrebbe dire, eccezionale. La sua fama e popolarità in tutto il mondo non hanno eguali nelle altre opere di Gounod. Il significato storico dell'opera Faust è particolarmente grande perché non è stata solo la migliore, ma in sostanza la prima tra le opere della nuova direzione, di cui Tchaikovsky ha scritto: “È impossibile negare che Faust sia stato scritto, se non con genio, quindi con straordinaria abilità e senza significativa identità. Nell'immagine di Faust, la netta incoerenza e la "biforcazione" della sua coscienza, l'eterna insoddisfazione causata dal desiderio di conoscere il mondo, vengono appianate. Gounod non poteva trasmettere tutta la versatilità e la complessità dell'immagine del Mefistofele di Goethe, che incarnava lo spirito della critica militante di quell'epoca.

Uno dei motivi principali della popolarità di "Faust" era che concentrava le caratteristiche migliori e fondamentalmente nuove del giovane genere dell'opera lirica: un trasferimento emotivamente diretto e vividamente individuale del mondo interiore dei personaggi dell'opera. Il profondo significato filosofico del Faust di Goethe, che cercava di rivelare i destini storici e sociali di tutta l'umanità sull'esempio del conflitto dei personaggi principali, è stato incarnato da Gounod sotto forma di un dramma lirico umano di Marguerite e Faust.

Compositore, direttore d'orchestra, critico musicale francese Ettore Berliozè entrato nella storia della musica come il più grande compositore romantico, ideatore del programma sinfonico, innovatore nel campo della forma musicale, dell'armonia e soprattutto della strumentazione. Nel suo lavoro, hanno trovato una vivida incarnazione delle caratteristiche del pathos rivoluzionario e dell'eroismo. Berlioz conosceva M. Glinka, di cui apprezzava molto la musica. Era in rapporti amichevoli con i leader del "Mighty Handful", che accettarono con entusiasmo i suoi scritti e principi creativi.

Ha creato 5 opere teatrali musicali, tra cui l'opera " Benvenuto Cillini ”(1838), “ Troiani ”,”Beatrice e Benedetto(basato sulla commedia di Shakespeare Molto rumore per nulla, 1862); 23 opere vocali e sinfoniche, 31 romanze, cori, scrisse i libri “Great Treatise on Modern Instrumentation and Orchestration” (1844), “Serate nell'orchestra” (1853), “Through Songs” (1862), “Musical Curiosities” ( 1859), “Memoirs” (1870), articoli, recensioni.

Tedesco compositore, direttore d'orchestra, drammaturgo, pubblicista Riccardo Wagnerè entrato nella storia della cultura musicale mondiale come uno dei più grandi creatori musicali e grandi riformatori dell'arte operistica. L'obiettivo delle sue riforme era quello di creare una monumentale opera vocale-sinfonica programmatica in forma drammatica, progettata per sostituire tutti i tipi di opera e musica sinfonica. Un'opera del genere era un dramma musicale, in cui la musica scorre in un flusso continuo, fondendo insieme tutti i collegamenti drammatici. Rifiutando il canto finito, Wagner li ha sostituiti con una sorta di recitativo ricco di emozioni. Un posto importante nelle opere di Wagner è occupato da episodi orchestrali indipendenti, che sono un prezioso contributo alla musica sinfonica mondiale.

La mano di Wagner appartiene a 13 opere:“ L'olandese volante”(1843),”Tannhäuser”(1845),“Tristano e Isotta”(1865), “L'oro del Reno”(1869) e così via.; cori, brani per pianoforte, romanze.

Un altro eccezionale compositore, direttore d'orchestra, pianista, insegnante e figura musicale tedesca era Felix Mendelssohn-Bartholdy. Dall'età di 9 anni ha iniziato a esibirsi come pianista, all'età di 17 anni ha creato uno dei capolavori: un'ouverture per una commedia " C è in una notte d'estate" Shakespeare. Nel 1843 fondò a Lipsia il primo conservatorio in Germania. Nell'opera di Mendelssohn, "un classico tra i romantici", i tratti romantici si uniscono al sistema di pensiero classico. La sua musica è caratterizzata da melodia brillante, democratismo espressivo, moderazione dei sentimenti, calma di pensiero, predominanza di emozioni luminose, stati d'animo lirici, non senza un leggero tocco di sentimentalismo, forme impeccabili, brillante maestria. R. Schumann lo chiamava "Mozart del XIX secolo", G. Heine - "un miracolo musicale".

Autore di sinfonie romantiche di paesaggio ("scozzese", "italiano"), aperture di concerti in programma, un popolare concerto per violino, cicli di brani per pianoforte "Song without Words"; le opere Le nozze di Camacho, scrisse le musiche per la commedia drammatica Antigone (1841), Edipo nel colon (1845) di Sofocle, Atalia di Racine (1845), Sogno di una notte di mezza estate di Shakespeare (1843) e altre; oratori "Paolo" (1836), "Elia" (1846); 2 concerti per pianoforte e 2 per violino.

IN Italiano cultura musicale un posto speciale appartiene a Giuseppe Verdi - un eccezionale compositore, direttore d'orchestra, organista. L'area principale del lavoro di Verdi è l'opera. Si fece soprattutto portavoce dei sentimenti eroico-patriottici e delle idee di liberazione nazionale del popolo italiano. Negli anni successivi, ha prestato attenzione ai drammatici conflitti generati dalla disuguaglianza sociale, dalla violenza, dall'oppressione e ha denunciato il male nelle sue opere. Tratti caratteristici dell'opera di Verdi: musica popolare, temperamento drammatico, luminosità melodica, comprensione delle leggi del palcoscenico.

Ha scritto 26 opere: “ Nabucco”, “Macbeth”, “Troubadour”, “La Traviata”, “Otello”, “Aida" e così via . , 20 romanzi, ensemble vocali .

Giovane norvegese compositore Edward Grieg (1843-1907) aspirava allo sviluppo della musica nazionale. Ciò si è espresso non solo nel suo lavoro, ma anche nella promozione della musica norvegese.

Durante i suoi anni a Copenaghen, Grieg ha scritto molta musica: “ Quadri poetici” E "Umoristico", sonata per pianoforte e sonata per primo violino, canzoni. Con ogni nuovo lavoro, l'immagine di Grieg come compositore norvegese emerge più chiaramente. Nella sottile lirica "Immagini poetiche" (1863), i tratti nazionali irrompono ancora timidamente. La figura ritmica si trova spesso nella musica popolare norvegese; divenne caratteristico di molte delle melodie di Grieg.

Il lavoro di Grieg è vasto e sfaccettato. Grieg ha scritto opere di vari generi. Concerto per pianoforte e ballate, tre sonate per violino e pianoforte e una sonata per violoncello e pianoforte, il quartetto testimonia la costante brama di Grieg per la grande forma. Allo stesso tempo, l'interesse del compositore per le miniature strumentali è rimasto invariato. Nella stessa misura del pianoforte, il compositore era attratto dalla miniatura vocale da camera: una storia d'amore, una canzone. Non essere il principale con Grieg, il campo della creatività sinfonica è segnato da capolavori come le suite " Per Gounod ”, “Dai tempi di Holberg". Uno dei tipi caratteristici del lavoro di Grieg è l'elaborazione di canti e balli popolari: sotto forma di semplici brani per pianoforte, un ciclo di suite per pianoforte a quattro mani.

Il linguaggio musicale di Grieg è vivacemente originale. L'individualità dello stile del compositore è determinata soprattutto dal suo profondo legame con la musica popolare norvegese. Grieg utilizza ampiamente caratteristiche di genere, struttura dell'intonazione, formule ritmiche di canzoni popolari e melodie di danza.

La notevole padronanza di Grieg nello sviluppo variazionale e variante di una melodia è radicata nelle tradizioni popolari di ripetizione ripetuta di una melodia con i suoi cambiamenti. "Ho registrato la musica folk del mio paese." Dietro queste parole c'è l'atteggiamento riverente di Grieg nei confronti dell'arte popolare e il riconoscimento del suo ruolo decisivo per la propria creatività.

7. CONCLUSIONE

Sulla base di quanto sopra, si possono trarre le seguenti conclusioni:

L'emergere del romanticismo è stato influenzato da tre eventi principali: la Rivoluzione francese, le guerre napoleoniche, l'ascesa del movimento di liberazione nazionale in Europa.

Il romanticismo come metodo e direzione nella cultura artistica è stato un fenomeno complesso e controverso. In ogni paese aveva una brillante espressione nazionale. I romantici occupavano varie posizioni sociali e politiche nella società. Si ribellarono tutti contro i risultati della rivoluzione borghese, ma si ribellarono in modi diversi, poiché ciascuno aveva il proprio ideale. Ma con tutti i tanti volti e la diversità, il romanticismo ha caratteristiche stabili:

Tutti provenivano dalla negazione dell'Illuminismo e dai canoni razionalistici del classicismo, che incatenavano l'iniziativa creativa dell'artista.

Hanno scoperto il principio dello storicismo (gli illuministi giudicavano il passato antistorico per loro c'era "ragionevole" e "irragionevole"). Abbiamo visto personaggi umani in passato, plasmati dal loro tempo. L'interesse per il passato nazionale ha dato origine a una massa di opere storiche.

Interesse per una personalità forte che si oppone a tutto il mondo che lo circonda e fa affidamento solo su se stesso.

Attenzione al mondo interiore dell'uomo.

Il romanticismo era ampiamente sviluppato sia nei paesi dell'Europa occidentale che in Russia. Tuttavia, il romanticismo in Russia differiva dall'Europa occidentale a favore di un diverso contesto storico e di una diversa tradizione culturale. La vera ragione dell'emergere del romanticismo in Russia fu la guerra patriottica del 1812, in cui si manifestò tutto il potere dell'iniziativa popolare.

Caratteristiche del romanticismo russo:

Il romanticismo non si oppose all'Illuminismo. L'ideologia illuminista si indebolì, ma non crollò, come in Europa. L'ideale di un monarca illuminato non si è esaurito.

Il romanticismo si è sviluppato parallelamente al classicismo, spesso intrecciandosi con esso.

Il romanticismo in Russia si è manifestato in modi diversi in diversi tipi di arte. In architettura, non è stato letto affatto. Nella pittura, si è prosciugato verso la metà del XIX secolo. Si è presentato solo parzialmente nella musica. Forse solo in letteratura il romanticismo si è manifestato in modo coerente.

Nelle arti visive, il romanticismo si è manifestato più chiaramente nella pittura e nella grafica, meno espressivamente nella scultura e nell'architettura.

I romantici aprono il mondo dell'anima umana, individuale, diverso da chiunque altro, ma sincero e quindi vicino a ogni visione sensuale del mondo. L'istantaneità dell'immagine nella pittura, come diceva Delacroix, e non la sua coerenza nell'esecuzione letteraria, ha determinato l'attenzione degli artisti sulla trasmissione più complessa del movimento, per amore della quale sono state trovate nuove soluzioni formali e coloristiche. Il romanticismo ha lasciato un'eredità della seconda metà del XIX secolo. tutti questi problemi e l'individualità artistica liberata dalle regole dell'accademismo. Il simbolo, che tra i romantici doveva esprimere il connubio essenziale tra idea e vita, nell'arte della seconda metà dell'Ottocento. si dissolve nella polifonia dell'immagine artistica, cogliendo la diversità delle idee e del mondo circostante. Il romanticismo nella pittura è strettamente correlato al sentimentalismo.

Grazie al romanticismo, la personale visione soggettiva dell'artista assume la forma di una legge. L'impressionismo distruggerà completamente la barriera tra l'artista e la natura, dichiarando l'arte un'impressione. I romantici parlano della fantasia dell'artista, "la voce dei suoi sentimenti", che gli consente di interrompere il lavoro quando il maestro lo ritiene necessario, e non come richiesto dagli standard accademici di completezza.

Il romanticismo ha lasciato un'intera era nella cultura artistica mondiale, i suoi rappresentanti erano: nella letteratura russa Zhukovsky, A. Pushkin, M. Lermontov e altri; nelle belle arti E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky, A. Venetsianov, A. Orlorsky, V. Tropinin e altri; nella musica di F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin e altri, hanno scoperto e sviluppato nuovi generi, prestato molta attenzione al destino della personalità umana, rivelato il dialettica del bene e del male, passioni umane magistralmente rivelate, ecc.

Le forme d'arte hanno più o meno eguagliato il loro significato e hanno prodotto magnifiche opere d'arte, anche se i romantici hanno dato la priorità alla musica nella scala delle arti.

Il romanticismo come visione del mondo esisteva in Russia nella sua prima ondata dalla fine del XVIII secolo fino al 1850. La linea del romantico nell'arte russa non si fermò negli anni Cinquanta dell'Ottocento. Il tema dello stato dell'essere, scoperto dai romantici per l'arte, è stato poi sviluppato dagli artisti della Rosa Azzurra. Gli eredi diretti dei romantici furono senza dubbio i simbolisti. Temi romantici, motivi, dispositivi espressivi sono entrati nell'arte di diversi stili, direzioni, associazioni creative. La visione del mondo o visione del mondo romantica si è rivelata una delle più vivaci, tenaci, fruttuose.

Il romanticismo come atteggiamento generale, caratteristico soprattutto dei giovani, come desiderio di una libertà ideale e creativa, vive ancora costantemente nell'arte mondiale.

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Il romanticismo come tendenza nella pittura si formò nell'Europa occidentale alla fine del XVIII secolo. Il romanticismo raggiunse il suo apice nell'arte della maggior parte dei paesi dell'Europa occidentale negli anni '20 e '30. 19esimo secolo.

Il termine stesso "romanticismo" deriva dalla parola "romanzo" (nel XVII secolo le opere letterarie scritte non in latino, ma in lingue da esso derivate - francese, inglese, ecc.) Erano chiamate romanzi. Più tardi, tutto ciò che è incomprensibile e misterioso cominciò a essere chiamato romantico.

Come fenomeno culturale, il romanticismo si è formato da una speciale visione del mondo generata dai risultati della Rivoluzione francese. Disillusi dagli ideali dell'Illuminismo, i romantici, alla ricerca dell'armonia e dell'integrità, crearono nuovi ideali estetici e valori artistici. L'oggetto principale della loro attenzione erano i personaggi eccezionali con tutte le loro esperienze e il desiderio di libertà. L'eroe delle opere romantiche è una persona eccezionale che, per volontà del destino, si è trovata in circostanze di vita difficili.

Sebbene il romanticismo sia sorto come protesta contro l'arte del classicismo, era per molti versi vicino a quest'ultimo. I romantici erano in parte rappresentanti del classicismo come N. Poussin, C. Lorrain, J. O. D. Ingres.

I romantici introdussero nella pittura caratteristiche nazionali originali, cioè qualcosa che mancava all'arte dei classicisti.
Il più grande rappresentante del romanticismo francese era T. Gericault.

Teodoro Géricault

Theodore Gericault, il grande pittore, scultore e grafico francese, nacque nel 1791 a Rouen da una famiglia benestante. Il talento dell'artista si è manifestato in lui abbastanza presto. Spesso, invece di frequentare le lezioni a scuola, Géricault sedeva nella stalla e disegnava i cavalli. Anche allora, ha cercato non solo di trasferire sulla carta le caratteristiche esterne degli animali, ma anche di trasmetterne il temperamento e il carattere.

Dopo essersi diplomato al Liceo nel 1808, Géricault divenne allievo dell'allora famoso pittore Carl Vernet, famoso per la sua capacità di raffigurare cavalli su tela. Tuttavia, al giovane artista non piaceva lo stile di Vernet. Presto lascia il laboratorio e va a studiare con un altro pittore non meno talentuoso di Vernet, P. N. Guerin. Mentre studiava con due artisti famosi, Gericault tuttavia non ha continuato le loro tradizioni nella pittura. J. A. Gros e J. L. David dovrebbero probabilmente essere considerati i suoi veri maestri.

I primi lavori di Gericault si distinguono per il fatto che sono il più vicino possibile alla vita. Tali dipinti sono insolitamente espressivi e patetici. Mostrano lo stato d'animo entusiasta dell'autore quando valuta il mondo che lo circonda. Un esempio è un dipinto intitolato "Ufficiale degli Imperial Horse Rangers durante un attacco", creato nel 1812. Questa tela fu vista per la prima volta dai visitatori del Salon di Parigi. Accettarono con ammirazione il lavoro del giovane artista, apprezzando il talento del giovane maestro.

L'opera è stata realizzata in quel periodo della storia francese, quando Napoleone era all'apice della sua gloria. I contemporanei lo adoravano, il grande imperatore, che riuscì a conquistare gran parte dell'Europa. Fu con un tale stato d'animo, sotto l'impressione delle vittorie dell'esercito di Napoleone, che il quadro fu dipinto. La tela mostra un soldato che galoppa su un cavallo. Il suo volto esprime determinazione, coraggio e impavidità di fronte alla morte. Tutta la composizione
insolitamente dinamico ed emotivo. Lo spettatore ha la sensazione di diventare lui stesso un vero partecipante agli eventi rappresentati sulla tela.

La figura di un valoroso soldato apparirà più di una volta nell'opera di Géricault. Tra tali immagini, di particolare interesse sono gli eroi dei dipinti "Ufficiale dei Carabinieri", "Ufficiale del Corazziere prima dell'attacco", "Ritratto di un Carabinieri", "Corazziere ferito", realizzato nel 1812-1814. L'ultimo lavoro è notevole in quanto è stato presentato alla successiva mostra tenutasi al Salon nello stesso anno. Tuttavia, questo non è il vantaggio principale della composizione. Ancora più importante, mostrava i cambiamenti avvenuti nello stile creativo dell'artista. Se nelle sue prime tele si riflettevano sinceri sentimenti patriottici, nelle opere risalenti al 1814, il pathos nella raffigurazione degli eroi è sostituito dal dramma.

Un simile cambiamento nell'umore dell'artista è stato nuovamente associato agli eventi che si svolgevano in quel momento in Francia. Nel 1812 Napoleone fu sconfitto in Russia, in relazione al quale lui, che un tempo era un brillante eroe, acquisisce dai suoi contemporanei la gloria di un capo militare senza successo e di un uomo arrogante e orgoglioso. Géricault incarna la sua delusione per l'ideale nel dipinto "Il corazziere ferito". La tela raffigura un guerriero ferito che cerca di lasciare il campo di battaglia il prima possibile. Si appoggia a una sciabola, un'arma che, forse, solo pochi minuti fa impugnava, tenendola in alto.

Fu l'insoddisfazione di Géricault per la politica di Napoleone a dettare il suo ingresso al servizio di Luigi XVIII, che salì al trono di Francia nel 1814. Il fatto che dopo la seconda presa del potere in Francia da parte di Napoleone (periodo dei cento giorni) il giovane artista lasci il suo patria assieme ai Borboni. Ma anche qui lo attendeva la delusione. Il giovane non poteva guardare con calma come il re distruggeva tutto ciò che era stato realizzato durante il regno di Napoleone. Inoltre, sotto Luigi XVIII ci fu un'intensificazione della reazione feudale-cattolica, il paese si ritirò sempre più velocemente, tornando al vecchio sistema statale. Questo non potrebbe essere accettato da una persona giovane e progressista. Ben presto il giovane, che ha perso la fede nei suoi ideali, lascia l'esercito guidato da Luigi XVIII e riprende pennelli e colori. Questi anni non possono essere definiti luminosi e niente di straordinario nel lavoro dell'artista.

Nel 1816 Gericault fece un viaggio in Italia. Dopo aver visitato Roma e Firenze e aver studiato i capolavori di famosi maestri, l'artista ama la pittura monumentale. Gli affreschi di Michelangelo, che adornavano la Cappella Sistina, attirano in particolare la sua attenzione. In questo periodo, le opere furono create da Géricault, nella loro scala e maestosità, che ricordano per molti aspetti le tele dei pittori dell'Alto Rinascimento. Tra questi, i più interessanti sono "Il rapimento della ninfa da parte del centauro" e "L'uomo che lancia il toro".

Le stesse caratteristiche dello stile degli antichi maestri sono visibili anche nel dipinto “Corsa di cavalli liberi a Roma”, dipinto intorno al 1817 e raffigurante gare di cavalli in uno dei carnevali che si svolgono a Roma. Una caratteristica di questa composizione è che è stata compilata dall'artista da disegni naturali precedentemente realizzati. Inoltre, la natura degli schizzi differisce notevolmente dallo stile dell'intera opera. Se le prime sono scene che descrivono la vita dei romani, contemporanei dell'artista, allora nella composizione complessiva ci sono immagini di coraggiosi eroi antichi, come se fossero uscite da antiche narrazioni. In questo, Gericault segue il percorso di J. L. David, che, per dare l'immagine del pathos eroico, ha vestito i suoi eroi di forme antiche.

Subito dopo aver dipinto questo quadro, Gericault torna in Francia, dove entra a far parte del circolo di opposizione formatosi attorno al pittore Horace Vernet. All'arrivo a Parigi, l'artista era particolarmente interessato alla grafica. Nel 1818 realizza una serie di litografie a tema militare, tra le quali la più significativa è "Ritorno dalla Russia". La litografia rappresenta i soldati sconfitti dell'esercito francese che vagano in un campo innevato. Le figure di persone storpie e stanche della guerra sono rappresentate in modo realistico e veritiero. Non c'è pathos ed eroico pathos nella composizione, tipico dei primi lavori di Gericault. L'artista cerca di riflettere il reale stato delle cose, tutti i disastri che i soldati francesi abbandonati dal loro comandante hanno dovuto sopportare in terra straniera.

Nell'opera "Ritorno dalla Russia" è stato ascoltato per la prima volta il tema della lotta dell'uomo con la morte. Tuttavia, qui questo motivo non è ancora espresso così chiaramente come nelle opere successive di Géricault. Un esempio di tali tele può essere un dipinto intitolato "La zattera della Medusa". Fu scritto nel 1819 ed esposto al Salon di Parigi lo stesso anno. La tela raffigura persone alle prese con l'elemento acqua in tempesta. L'artista mostra non solo la loro sofferenza e tormento, ma anche il desiderio di emergere vittoriosi nella lotta contro la morte a tutti i costi.

La trama della composizione è dettata da un evento avvenuto nell'estate del 1816 che ha emozionato tutta la Francia. L'allora famosa fregata "Medusa" andò a sbattere contro gli scogli e affondò al largo delle coste africane. Delle 149 persone che si trovavano sulla nave, solo 15 riuscirono a fuggire, tra cui il chirurgo Savigny e l'ingegnere Correard. All'arrivo in patria, pubblicarono un piccolo libro che raccontava le loro avventure e il loro felice salvataggio. Fu da questi ricordi che i francesi appresero che la disgrazia era avvenuta per colpa dell'inesperto capitano della nave, salito a bordo grazie al patrocinio di un nobile amico.

Le immagini create da Gericault sono insolitamente dinamiche, plastiche ed espressive, cosa che l'artista ha ottenuto attraverso un lavoro lungo e scrupoloso. Per rappresentare veramente sulla tela eventi terribili, per trasmettere i sentimenti delle persone che muoiono in mare, l'artista incontra testimoni oculari della tragedia, studia a lungo i volti di pazienti emaciati in cura in uno degli ospedali di Parigi , così come i marinai che sono riusciti a fuggire dai naufragi. In questo momento, il pittore ha creato un gran numero di ritratti.

Anche il mare in tempesta è pieno di significato profondo, come se cercasse di inghiottire una fragile zattera di legno con persone. Questa immagine è insolitamente espressiva e dinamica. Esso, come le figure delle persone, è stato tratto dalla natura: l'artista ha realizzato diversi schizzi raffiguranti il ​​\u200b\u200bmare durante una tempesta. Lavorando su una composizione monumentale, Gericault si è ripetutamente rivolto a schizzi preparati in precedenza per riflettere appieno la natura degli elementi. Ecco perché l'immagine fa una grande impressione sullo spettatore, lo convince del realismo e della veridicità di ciò che sta accadendo.

"La zattera della Medusa" presenta Géricault come un notevole maestro della composizione. Per molto tempo l'artista ha pensato a come disporre le figure nell'immagine per esprimere al meglio l'intenzione dell'autore. Nel corso dei lavori sono state apportate diverse modifiche. Gli schizzi che precedono il dipinto indicano che inizialmente Gericault voleva rappresentare la lotta tra le persone sulla zattera, ma in seguito abbandonò una simile interpretazione dell'evento. Nella versione finale, la tela rappresenta il momento in cui persone già disperate vedono la nave Argus all'orizzonte e le tendono le mani. L'ultima aggiunta al quadro è stata la figura umana posta in basso, sul lato destro della tela. È stata lei il tocco finale della composizione, che in seguito ha acquisito un carattere profondamente tragico. È interessante notare che questa modifica è stata apportata quando il dipinto era già esposto al Salon.

Con la sua monumentalità e l'accresciuta emotività, la pittura di Gericault ricorda per molti versi l'opera dei maestri dell'Alto Rinascimento (principalmente Il Giudizio Universale di Michelangelo), che l'artista incontrò durante un viaggio in Italia.

Il dipinto "La zattera della Medusa", che divenne un capolavoro della pittura francese, ebbe un enorme successo nei circoli dell'opposizione, che lo vedevano come un riflesso degli ideali rivoluzionari. Per gli stessi motivi l'opera non fu accettata tra la più alta nobiltà e rappresentanti ufficiali delle belle arti di Francia. Ecco perché a quel tempo la tela non veniva acquistata dallo Stato dall'autore.

Deluso dall'accoglienza riservata alla sua creazione in patria, Gericault si reca in Inghilterra, dove presenta la sua opera preferita alla corte degli inglesi. A Londra, gli intenditori d'arte accolsero con grande entusiasmo la famosa tela.

Gericault si avvicina agli artisti inglesi, che lo conquistano con la loro capacità di rappresentare con sincerità e veridicità la realtà. Gericault dedica un ciclo di litografie alla vita e alla vita della capitale dell'Inghilterra, tra cui le opere che hanno ricevuto i titoli “The Great English Suite” (1821) e “The Old Beggar Dying at the Doors of the Bakery” (1821) sono di massimo interesse. In quest'ultimo, l'artista ha raffigurato un vagabondo londinese, che riflette le impressioni ricevute dal pittore nel processo di studio della vita delle persone nei quartieri popolari della città.

Lo stesso ciclo includeva litografie come "The Flanders Smith" e "At the Gates of the Adelphin Shipyard", che presentavano allo spettatore un'immagine della vita della gente comune a Londra. Di interesse in queste opere sono le immagini di cavalli, pesanti e sovrappeso. Sono notevolmente diversi da quegli animali aggraziati e aggraziati dipinti da altri artisti, contemporanei di Géricault.

Essendo nella capitale dell'Inghilterra, Gericault è impegnato nella creazione non solo di litografie, ma anche di dipinti. Una delle opere più sorprendenti di questo periodo fu la tela "Race at Epsom", creata nel 1821. Nella foto, l'artista raffigura cavalli che corrono a tutta velocità e le loro gambe non toccano affatto il suolo. Questa tecnica astuta (la fotografia ha dimostrato che i cavalli non possono avere una tale posizione delle gambe durante una corsa, questa è la fantasia dell'artista) è usata dal maestro per dare dinamismo alla composizione, per dare allo spettatore l'impressione di un fulmine- movimento veloce dei cavalli. Questa sensazione è esaltata dall'accurato trasferimento della plasticità (pose, gesti) delle figure umane, nonché dall'uso di combinazioni di colori brillanti e ricche (rosso, baio, cavalli bianchi; blu intenso, rosso scuro, bianco-blu e dorato- giacche gialle di fantini).

Il tema delle corse di cavalli, che ha attirato a lungo l'attenzione del pittore con la sua particolare espressione, è stato ripetuto più di una volta nelle opere realizzate da Géricault dopo il completamento dei lavori sulle corse di cavalli a Epsom.

Nel 1822 l'artista lasciò l'Inghilterra e tornò nella sua nativa Francia. Qui è impegnato nella realizzazione di grandi tele, simili alle opere dei maestri del Rinascimento. Tra questi ci sono "Commercio di negri", "Aprire le porte della prigione dell'Inquisizione in Spagna". Questi dipinti sono rimasti incompiuti: la morte ha impedito a Gericault di completare il lavoro.

Di particolare interesse sono i ritratti, la cui creazione gli storici dell'arte attribuiscono al periodo dal 1822 al 1823. La storia della loro scrittura merita un'attenzione particolare. Il fatto è che questi ritratti sono stati commissionati da un amico dell'artista, che lavorava come psichiatra in una clinica di Parigi. Dovevano diventare una sorta di illustrazioni che dimostrano varie malattie mentali di una persona. Così sono stati dipinti i ritratti "Crazy old woman", "Crazy", "Pazzo, immaginandosi un comandante". Per il maestro della pittura era importante non tanto mostrare i segni ei sintomi esterni della malattia, quanto trasmettere lo stato mentale interiore di una persona malata. Immagini tragiche di persone appaiono sulle tele davanti allo spettatore, i cui occhi sono pieni di dolore e tristezza.

Tra i ritratti di Géricault, un posto speciale è occupato da un ritratto di un negro, attualmente nella collezione del Museo di Rouen. Una persona determinata e volitiva guarda lo spettatore dalla tela, pronta a combattere fino alla fine con forze a lui ostili. L'immagine è insolitamente luminosa, emotiva ed espressiva. L'uomo in questa foto è molto simile a quegli eroi volitivi che Gericault aveva precedentemente mostrato in grandi composizioni (ad esempio, sulla tela "La zattera della Medusa").

Gericault non era solo un maestro della pittura, ma anche un eccellente scultore. Le sue opere in questa forma d'arte all'inizio del XIX secolo furono i primi esempi di sculture romantiche. Tra queste opere, di particolare interesse è la composizione insolitamente espressiva "Ninfa e Satiro". Le immagini congelate in movimento trasmettono con precisione la plasticità del corpo umano.

Théodore Gericault morì tragicamente nel 1824 a Parigi, cadendo da cavallo. La sua morte prematura è stata una sorpresa per tutti i contemporanei del famoso artista.

Il lavoro di Gericault ha segnato una nuova tappa nello sviluppo della pittura non solo in Francia, ma anche nell'arte mondiale: il periodo del romanticismo. Nelle sue opere il maestro supera l'influenza delle tradizioni classiche. Le sue opere sono insolitamente colorate e riflettono la diversità del mondo naturale. Introducendo figure umane nella composizione, l'artista si sforza di rivelare i sentimenti e le emozioni interiori di una persona nel modo più completo e vivido possibile.

Dopo la morte di Gericault, le tradizioni della sua arte romantica furono riprese dal giovane contemporaneo dell'artista, E. Delacroix.

Eugenio Delacroix

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, il famoso artista e grafico francese, successore delle tradizioni del romanticismo che si erano sviluppate nell'opera di Géricault, nacque nel 1798. Senza completare la sua formazione al Liceo Imperiale, nel 1815 Delacroix andò a studiare con il famoso maestro Guerin. Tuttavia, i metodi artistici del giovane pittore non soddisfacevano i requisiti dell'insegnante, quindi dopo sette anni il giovane lo lascia.

Studiando con Guerin, Delacroix dedica molto tempo allo studio dell'opera di David e dei maestri della pittura del Rinascimento. Considera la cultura dell'antichità, le tradizioni di cui anche David ha seguito, fondamentale per lo sviluppo dell'arte mondiale. Pertanto, gli ideali estetici per Delacroix erano le opere di poeti e pensatori dell'antica Grecia, tra i quali l'artista apprezzava particolarmente le opere di Omero, Orazio e Marco Aurelio.

Le prime opere di Delacroix erano tele incompiute, dove il giovane pittore cercava di riflettere la lotta dei greci con i turchi. Tuttavia, l'artista non aveva l'abilità e l'esperienza per creare un'immagine espressiva.

Nel 1822, Delacroix espose le sue opere al Salon di Parigi con il titolo Dante e Virgilio. Questa tela, insolitamente emotiva e di colore brillante, ricorda per molti versi l'opera di Géricault "La zattera della Medusa".

Due anni dopo, un altro dipinto di Delacroix, Il massacro di Chios, fu presentato al pubblico del Salon. Fu in esso che fu incarnato il piano di lunga data dell'artista per mostrare la lotta dei greci con i turchi. La composizione complessiva dell'immagine è composta da più parti, che formano gruppi di persone poste separatamente, ognuna con il proprio conflitto drammatico. In generale, l'opera dà l'impressione di una profonda tragedia. La sensazione di tensione e dinamismo è esaltata dalla combinazione di linee morbide e nette che formano le figure dei personaggi, che porta a un cambiamento nella proporzione della persona raffigurata dall'artista. Tuttavia, è proprio per questo che l'immagine acquisisce un carattere realistico e credibilità di vita.

Il metodo creativo di Delacroix, pienamente espresso nel "Massacro di Chios", è lontano dallo stile classico allora accettato negli ambienti ufficiali della Francia e tra i rappresentanti delle belle arti. Pertanto, l'immagine del giovane artista è stata accolta con aspre critiche al Salon.

Nonostante il fallimento, il pittore rimane fedele al suo ideale. Nel 1827 apparve un'altra opera dedicata al tema della lotta del popolo greco per l'indipendenza: "La Grecia sulle rovine di Missolonghi". La figura di una donna greca risoluta e orgogliosa raffigurata sulla tela personifica qui la Grecia non conquistata.

Nel 1827 Delacroix eseguì due opere che riflettevano la ricerca creativa del maestro nel campo dei mezzi e dei metodi di espressione artistica. Queste sono le tele "Morte di Sardanapalus" e "Marino Faliero". Sul primo di essi, la tragedia della situazione è trasmessa nel movimento delle figure umane. Solo l'immagine dello stesso Sardanapal è statica e calma qui. Nella composizione di "Marino Faliero" è dinamica solo la figura del protagonista. Il resto degli eroi sembrava congelarsi per l'orrore al pensiero di ciò che stava per accadere.

Negli anni '20. 19esimo secolo Delacroix ha eseguito una serie di opere, le cui trame sono state tratte da famose opere letterarie. Nel 1825 l'artista visitò l'Inghilterra, città natale di William Shakespeare. Nello stesso anno, sotto l'impressione di questo viaggio e della tragedia del famoso drammaturgo Delacroix, fu realizzata la litografia "Macbeth". Nel periodo dal 1827 al 1828 realizzò una litografia "Faust", dedicata all'omonima opera di Goethe.

In connessione con gli eventi che ebbero luogo in Francia nel 1830, Delacroix eseguì il dipinto "La libertà che guida il popolo". La Francia rivoluzionaria si presenta nell'immagine di una donna giovane, forte, imperiosa, risoluta e indipendente, che guida audacemente la folla, in cui spiccano le figure di un operaio, uno studente, un soldato ferito, un gamen parigino (immagine che anticipava Gavroche, poi apparso in Les Misérables di V. Hugo).

Questo lavoro era notevolmente diverso da opere simili di altri artisti che erano interessati solo alla trasmissione veritiera di un evento. Le tele create da Delacroix erano caratterizzate da un alto pathos eroico. Le immagini qui sono simboli generalizzati della libertà e dell'indipendenza del popolo francese.

Con l'avvento al potere di Luigi Filippo - l'eroismo re-borghese e gli alti sentimenti predicati da Delacroix, non c'era posto nella vita moderna. Nel 1831 l'artista fece un viaggio nei paesi africani. Ha viaggiato a Tangeri, Meknes, Orano e Algeri. Allo stesso tempo, Delacroix visita la Spagna. La vita dell'est affascina letteralmente l'artista con il suo flusso rapido. Crea schizzi, disegni e una serie di acquerelli.

Dopo aver visitato il Marocco, Delacroix dipinge tele dedicate all'Oriente. I dipinti, in cui l'artista mostra le corse dei cavalli o la battaglia dei Mori, sono insolitamente dinamici ed espressivi. In confronto a loro, la composizione "Le donne algerine nelle loro stanze", creata nel 1834, sembra calma e statica. Non ha quell'impetuoso dinamismo e tensione insiti nelle prime opere dell'artista. Delacroix appare qui come un maestro del colore. La combinazione di colori utilizzata dal pittore nella sua interezza riflette la brillante diversità della tavolozza, che lo spettatore associa ai colori dell'est.

La tela "Matrimonio ebraico in Marocco", scritta approssimativamente nel 1841, è caratterizzata dalla stessa lentezza e misuratezza, qui si crea una misteriosa atmosfera orientale grazie all'accurata resa dell'artista dell'originalità dell'interno nazionale. La composizione sembra sorprendentemente dinamica: il pittore mostra come le persone salgono le scale ed entrano nella stanza. La luce che entra nella stanza rende l'immagine realistica e convincente.

I motivi orientali erano ancora presenti nelle opere di Delacroix per molto tempo. Così, alla mostra organizzata al Salon nel 1847, su sei opere da lui presentate, cinque erano dedicate alla vita e alla vita dell'Oriente.

Negli anni 30-40. Nel XIX secolo compaiono nuovi temi nell'opera di Delacroix. In questo momento, il maestro crea opere di temi storici. Tra questi meritano un'attenzione particolare le tele "Protesta di Mirabeau contro lo scioglimento degli Stati Generali" e "Boissy d'Angles". Lo schizzo di quest'ultimo, esposto nel 1831 al Salon, è un vivido esempio di composizioni sul tema di una rivolta popolare.

I dipinti "La battaglia di Poitiers" (1830) e "La battaglia di Taybur" (1837) sono dedicati all'immagine del popolo. Con tutto il realismo, qui vengono mostrate le dinamiche della battaglia, il movimento delle persone, la loro furia, rabbia e sofferenza. L'artista cerca di trasmettere le emozioni e le passioni di una persona presa dal desiderio di vincere a tutti i costi. Sono le figure delle persone che sono le principali nel trasmettere la drammaticità dell'evento.

Molto spesso nelle opere di Delacroix, il vincitore e il vinto sono nettamente opposti l'uno all'altro. Ciò è particolarmente evidente sulla tela "La cattura di Costantinopoli da parte dei crociati", scritta nel 1840. In primo piano è mostrato un gruppo di persone sopraffatte dal dolore. Dietro di loro c'è un paesaggio delizioso e incantevole con la sua bellezza. Qui sono collocate anche le figure dei cavalieri vittoriosi, le cui formidabili sagome contrastano con le dolenti figure in primo piano.

"La cattura di Costantinopoli da parte dei crociati" presenta Delacroix come un colorista straordinario. I colori accesi e saturi, tuttavia, non esaltano l'inizio tragico, espresso da figure dolenti poste vicino allo spettatore. Al contrario, una ricca tavolozza crea la sensazione di una vacanza organizzata in onore dei vincitori.

Non meno colorata è la composizione "Giustizia di Traiano", creata nello stesso 1840. I contemporanei dell'artista hanno riconosciuto questo quadro come uno dei migliori tra tutte le tele del pittore. Di particolare interesse è il fatto che nel corso del lavoro il maestro sperimenta nel campo del colore. Anche le ombre assumono da lui una varietà di sfumature. Tutti i colori della composizione corrispondono esattamente alla natura. L'esecuzione dell'opera è stata preceduta da lunghe osservazioni del pittore sui cambiamenti di tonalità della natura. L'artista li ha inseriti nel suo diario. Quindi, secondo le note, gli scienziati hanno confermato che le scoperte fatte da Delacroix nel campo della tonalità erano pienamente coerenti con la dottrina del colore nata in quel momento, il cui fondatore è E. Chevreul. Inoltre, l'artista confronta le sue scoperte con la tavolozza utilizzata dalla scuola veneziana, che è stata per lui un esempio di abilità pittorica.

I ritratti occupano un posto speciale tra i dipinti di Delacroix. Il maestro raramente si è rivolto a questo genere. Ha dipinto solo quelle persone con cui conosceva da molto tempo, il cui sviluppo spirituale è avvenuto davanti all'artista. Pertanto, le immagini nei ritratti sono molto espressive e profonde. Questi sono i ritratti di Chopin e George Sand. La tela dedicata al celebre scrittore (1834) raffigura una donna nobile e volitiva che delizia i suoi contemporanei. Il ritratto di Chopin, dipinto quattro anni dopo, nel 1838, rappresenta un'immagine poetica e spirituale del grande compositore.

Un ritratto interessante e insolitamente espressivo del famoso violinista e compositore Paganini, dipinto da Delacroix intorno al 1831. Lo stile musicale di Paganini era per molti versi simile al metodo pittorico dell'artista. L'opera di Paganini è caratterizzata dalla stessa espressione e dall'intensa emotività che erano caratteristiche delle opere del pittore.

I paesaggi occupano un piccolo posto nell'opera di Delacroix. Tuttavia, si sono rivelati molto significativi per lo sviluppo della pittura francese nella seconda metà del XIX secolo. I paesaggi di Delacroix sono contrassegnati dal desiderio di trasmettere con precisione la vita leggera e sfuggente della natura. Esempi vividi di ciò sono i dipinti "Cielo", in cui si crea un senso di dinamica grazie a nuvole bianche come la neve che fluttuano nel cielo, e "Il mare, visibile dalle rive di Dieppe" (1854), in cui il pittore magistralmente trasmette lo scivolamento di barche a vela leggere sulla superficie del mare.

Nel 1833 l'artista ricevette dal re di Francia l'ordine di dipingere una sala del Palazzo Borbonico. I lavori per la creazione di un'opera monumentale sono durati quattro anni. Nell'adempiere all'ordine, il pittore è stato guidato principalmente dal fatto che le immagini erano estremamente semplici e concise, comprensibili allo spettatore.
L'ultima opera di Delacroix fu il dipinto della cappella dei Santi Angeli nella chiesa di Saint-Sulpice a Parigi. È stato realizzato nel periodo dal 1849 al 1861. Usando colori brillanti e ricchi (rosa, blu brillante, lilla, posti su uno sfondo blu cenere e giallo-marrone), l'artista crea uno stato d'animo gioioso nelle composizioni, provocando lo spettatore per provare gioia estatica. Il paesaggio, incluso nel dipinto "La cacciata di Iliodor dal tempio" come una sorta di sfondo, aumenta visivamente lo spazio della composizione e i locali della cappella. D'altra parte, quasi a voler sottolineare l'isolamento dello spazio, Delacroix introduce nella composizione una scala e una balaustra. Le figure di persone poste dietro sembrano sagome quasi piatte.

Eugene Delacroix morì nel 1863 a Parigi.

Delacroix è stato il più colto tra i pittori della prima metà del XIX secolo. Molti soggetti dei suoi quadri sono tratti dalle opere letterarie di celebri maestri della penna. Un fatto interessante è che molto spesso l'artista ha dipinto i suoi personaggi senza usare un modello. Questo è ciò che voleva insegnare ai suoi seguaci. Secondo Delacroix, la pittura è qualcosa di più complesso della copia primitiva delle linee. L'artista credeva che l'arte risiedesse principalmente nella capacità di esprimere l'umore e l'intento creativo del maestro.

Delacroix è autore di numerosi lavori teorici sui temi del colore, del metodo e dello stile dell'artista. Queste opere sono servite da faro per i pittori delle generazioni successive nella ricerca dei propri mezzi artistici utilizzati per creare composizioni.