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Presentazione - rinascita. Periodi del primo rinascimento Download presentazione capolavoro dell'arte del primo rinascimento

Italia fine XIII secolo - 16 ° secolo

Diapositiva 2: I periodi di sviluppo dell'arte rinascimentale

Pre-risveglio a 13-14 secoli. Primo Rinascimento XV sec. Alto Rinascimento a 15 - 16 secoli. Tardo Rinascimento al XVI secolo.

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a. 13-14 secoli. Trecento protorinascimentale prerinascimentale

Diapositiva 4: L'arte del prerinascimento, XIII-XIV secolo

Giotto "Bacio di Giuda" "Compianto" Campanile della Cattedrale di Santa Maria del Fiore

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Arte del primo Rinascimento sec. XV Botticelli "Primavera" "Nascita di Venere" "Venere e Marte" "Annunciazione" "Abbandono"

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Arte primo rinascimento XV secolo Donatello "David" "Condottiere Gattamelata"

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Alta arte rinascimentale XVI secolo Leonardo da Vinci "Madonna Benois" "Madonna Litta" "La Gioconda" "Dama con l'ermellino" "Autoritratto" (acquaforte) "L'ultima cena" (affresco)

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Alta arte rinascimentale XVI secolo Raffaello Conestabile Madonna Bella Giardiniera Madonna Sistina Sposalizio di Maria Scuola di Atene (affresco)

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Arte del Rinascimento XVI secolo Michelangelo "David" "Pietà" Dipinto sul soffitto della Cappella Sistina (affreschi) Cupola della Cattedrale di S. Petra a Roma

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Leonardo da Vinci (1452-1519), pittore italiano, scultore, architetto, scienziato e ingegnere. Il fondatore della cultura artistica dell'Alto Rinascimento, Leonardo da Vinci si sviluppò come maestro, studiando nel 1467-1472 a Firenze con A. del Verrocchio. I metodi di lavoro nella bottega del Verrocchio, dove la pratica artistica era unita alla sperimentazione tecnica, nonché il riavvicinamento con l'astronomo P. Toscanelli, contribuirono all'emergere degli interessi scientifici del giovane Leonardo da Vinci. Nelle sue prime opere (la testa d'angelo nel Battesimo del Verrocchio, dopo il 1470, l'Annunciazione, 1474 circa, entrambe agli Uffizi; la cosiddetta Madonna Benois, 1478 circa, Museo di Stato dell'Ermitage, San Pietroburgo), l'artista, sviluppando le tradizioni dell'arte del primo Rinascimento, enfatizzava il volume liscio delle forme con morbidi chiaroscuri, a volte ravvivava i volti con un sorriso appena percettibile, ottenendo con il suo aiuto il trasferimento di sottili stati d'animo. Registrando i risultati di innumerevoli osservazioni in schizzi, schizzi e studi sul campo eseguiti con varie tecniche (matite italiane e d'argento, sanguigna, penna, ecc.), Leonardo da Vinci ha raggiunto, ricorrendo talvolta a un grottesco quasi caricaturale, nitidezza nel trasferimento del volto espressioni, e fisico ha portato le caratteristiche e il movimento del corpo umano in perfetta armonia con l'atmosfera spirituale della composizione.

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Nel 1481 o 1482 Leonardo da Vinci entrò al servizio del sovrano di Milano, Lodovico Moro, in qualità di ingegnere militare, ingegnere idraulico e organizzatore di feste di corte. Per oltre 10 anni ha lavorato al monumento equestre di Francesco Sforza, padre di Lodovico Moro (un modello in creta a grandezza naturale del monumento andò distrutto quando Milano fu presa dai francesi nel 1500). Durante il periodo milanese, Leonardo da Vinci realizzò la “Madonna nelle rocce” (1483-1494, Louvre, Parigi; 2a versione - 1497-1511 circa, National Gallery, Londra), dove i personaggi sono presentati circondati da un bizzarro paesaggio roccioso , e il miglior chiaroscuro ( sfumato) svolge il ruolo di un principio spiritualmente vincolante, sottolineando il calore delle relazioni umane. Nel refettorio del monastero di Santa Maria delle Grazie, realizzò un dipinto murale “L'Ultima Cena” (1495-1497; per la particolarità della tecnica usata da Leonardo da Vinci - olio con tempera - fu conservato in cattivo stato forma danneggiata; restaurato nel XX secolo), che segna uno dei picchi della pittura europea; il suo alto contenuto etico e spirituale si esprime nella regolarità matematica della composizione, che continua logicamente il vero spazio architettonico, in un sistema di gesti ed espressioni facciali dei personaggi chiaro e rigorosamente sviluppato, nell'armonioso equilibrio delle forme. Essendo impegnato in architettura, Leonardo da Vinci sviluppò varie versioni della città "ideale" e progetti del tempio a cupola centrale, che ebbero una grande influenza sull'architettura contemporanea italiana.

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Dopo la caduta di Milano, la vita di Leonardo da Vinci trascorse in incessante movimento (1500-1502, 1503-1506, 1507 - Firenze; 1500 - Mantova e Venezia; 1506, 1507-1513 - Milano; 1513-1516 - Roma; 1517-1519 - Francia). A Firenze lavorò al dipinto della Sala del Maggior Consiglio in Palazzo Vecchio “La battaglia di Anghiari” (1503-1506, incompiuto, noto da copie su cartone), ponendosi alle origini del genere di battaglia europeo dei tempi moderni . Nel ritratto di Monna Lisa o Mona Lisa (1503 circa, Louvre, Parigi), incarnava l'ideale sublime dell'eterna femminilità e del fascino umano; un elemento importante della composizione era un paesaggio cosmicamente vasto, che si scioglieva in una fredda foschia blu. Tra le opere tarde di Leonardo da Vinci si segnalano i progetti per un monumento al Maresciallo Trivulzio (1508-1512), la pala “Sant'Anna con Maria e Gesù Bambino” (1500-1507 circa, Louvre, Parigi), a completamento della ricerca di maestro nel campo della prospettiva luce-aria e della costruzione piramidale armonica della composizione, e “Giovanni Battista” (1513-1517 circa, Louvre, Parigi), dove l'ambiguità un po' zuccherosa dell'immagine indica un aumento dei momenti di crisi nel lavoro dell'artista. In una serie di disegni raffiguranti una catastrofe universale (il cosiddetto ciclo con il “Diluvio”, matita italiana, penna, 1514-1516 circa, Royal Library, Windsor), le riflessioni sull'insignificanza dell'uomo di fronte al potere del gli elementi sono combinati con idee razionalistiche sulla natura ciclica dei processi naturali. La fonte più importante per lo studio delle vedute di Leonardo da Vinci sono i suoi quaderni e manoscritti (circa 7mila fogli), estratti dai quali furono inseriti nel “Trattato della pittura”, compilato dopo la morte del maestro dal suo allievo F. Melzi e che ha avuto un enorme impatto sul pensiero teorico e sulla pratica artistica europea.

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Nella “disputa delle arti” Leonardo da Vinci ha dato il primo posto alla pittura, intendendola come un linguaggio universale (simile alla matematica nel campo delle scienze), capace di incarnare tutte le diverse manifestazioni del principio razionale in natura. Come scienziato e ingegnere, ha arricchito quasi tutte le aree della scienza di quel tempo. Leonardo da Vinci, eminente rappresentante della nuova scienza naturale basata sull'esperimento, prestò particolare attenzione alla meccanica, vedendo in essa la chiave principale dei segreti dell'universo; le sue brillanti intuizioni costruttive anticipano di gran lunga la sua epoca contemporanea (progetti di laminatoi, macchine movimento terra, un sottomarino, aerei). Le osservazioni che raccolse sull'influenza dei mezzi trasparenti e traslucidi sulla colorazione degli oggetti portarono all'istituzione di principi scientificamente fondati della prospettiva aerea nell'arte dell'Alto Rinascimento. Studiando il dispositivo dell'occhio, Leonardo da Vinci ha fatto le giuste ipotesi sulla natura della visione binoculare. Nei disegni anatomici pose le basi della moderna illustrazione scientifica e studiò anche botanica e biologia. Instancabile scienziato sperimentale e geniale artista, Leonardo da Vinci divenne un simbolo universalmente riconosciuto del Rinascimento.

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Raffaello (attualmente Raffaello Santi o Sanzio, Raffaello Santi, Sanzio) (1483-1520), pittore e architetto italiano. Nel suo lavoro, le idee umanistiche dell'Alto Rinascimento su una persona bella e perfetta che vive in armonia con il mondo, gli ideali di bellezza che affermano la vita caratteristici dell'epoca, erano incarnati più chiaramente nel suo lavoro. Raffaello, figlio del pittore Giovanni Santi, trascorse i suoi primi anni ad Urbino, nel 1500-1504 studiò con Perugino a Perugia. Le opere di questo periodo sono caratterizzate da sottile poesia e morbido lirismo di sfondi paesaggistici ("The Knight's Dream", National Gallery, Londra; "Three Graces", Conde Museum, Chantilly; "Madonna Conestabile", State Hermitage Museum, San Pietroburgo ; tutto intorno al 1500-1502 ). L'immagine dell'altare dello Sposalizio di Maria di Raffaello (1504, Pinacoteca di Brera, Milano) è vicina nella soluzione compositiva e spaziale all'affresco del Perugino “Consegna delle chiavi a San Pietro” nella Cappella Sistina in Vaticano. Dal 1504 Raffaello lavorò a Firenze, dove conobbe l'opera di Leonardo da Vinci e Fra Bartolommeo, studiò anatomia e prospettiva scientifica. Le numerose immagini di Madonne da lui realizzate a Firenze (“Madonna del Granduca”, 1505, Galleria Pitti, Firenze; “Madonna con Gesù Bambino e Giovanni Battista” o “Bella Giardiniera”, 1507, Louvre, Parigi; “Madonna con un cardellino”, Uffizi) ha portato all'artista una fama tutta italiana.

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Nel 1508 Raffaello ricevette un invito da Papa Giulio II a Roma, dove poté conoscere meglio i monumenti antichi e prese parte agli scavi archeologici. Adempiendo all'ordine del papa, Raffaello ha creato murales delle sale (stazioni) del Vaticano, glorificando gli ideali di libertà e felicità terrena di una persona, l'illimitatezza delle sue capacità fisiche e spirituali. Nella calma grandezza, composizione armoniosamente armoniosa dei murales, gli sfondi architettonici giocano un ruolo importante, sviluppando in modo innovativo le tendenze dell'architettura italiana contemporanea fino a Raffaello. Nella Stanza della Senyatura (1509-1511), l'artista ha presentato le principali aree di attività spirituale della sua epoca: teologia ("Disputa"), filosofia ("Scuola ateniese"), poesia ("Parnaso"), giurisprudenza ("Saggezza, Misura, Forza” ), nonché scene allegoriche, bibliche e mitologiche sul soffitto corrispondenti alle composizioni principali. Nella Stanza d "Eliodoro con affreschi di soggetto leggendario e storico ("La cacciata di Eliodoro", "Incontro di papa Leone I con Attila", "Messa a Bolsena", "La liberazione dell'apostolo

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Pietro dal carcere”) Il talento di Raffaello come maestro del chiaroscuro e del colorito armonioso, morbido e leggero si manifestò con particolare forza. La drammaticità che cresce in questi affreschi assume un tocco di pathos teatrale nelle pitture murali della Stanza del Incendio (1514-1517), che Raffaello già eseguì con numerosi assistenti e allievi. I cartoni di Raffaello sono vicini agli affreschi vaticani, a una serie di arazzi per decorare le pareti della Cappella Sistina (1515-1516, matita italiana, colorazione a pennello, Victoria and Albert Museum, Londra, e altre collezioni). L'affresco "Il trionfo di Galatea" alla Villa Farnesina a Roma (1514) è intriso dello spirito dei classici antichi con il suo culto della bellezza sensuale. A Roma raggiunse la maturità il geniale talento ritrattista di Raffaello (“Ritratto di cardinale”, 1512 circa, Prado, Madrid; “Donna in bianco” o “Donna Velata”, 1513 circa, Galleria Palatina, Firenze; ritratto di B. Castiglione, 1515-1516, Louvre, Parigi, ecc.). Nelle "Madonne" di Raffaello di epoca romana, l'atmosfera idilliaca delle sue opere giovanili è sostituita da una ricreazione di sentimenti umani e materni più profondi ("Alba Madonna", 1510-1511 circa, National Gallery, Washington; "Madonna di Foligno ", 1511-1512 circa, Pinacoteca Vaticana) ; pieno di dignità e purezza spirituale, l'intercessore dell'umanità appare nell'opera più famosa di Raffaello: "La Madonna Sistina" (1515-1519, Galleria d'arte, Dresda).

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Negli ultimi anni della sua vita, Raffaello fu talmente sovraccarico di commesse che affidò l'esecuzione di molte di esse ai suoi allievi e assistenti (Giulio Romano, J.F. Penny, ecc.), limitandosi solitamente alla supervisione generale dei lavori. In queste opere (gli affreschi della “Loggia di Psiche della Villa Farnesina”, 1514-1518; affreschi e stucchi nelle Logge del Vaticano, 1519; l'immagine d'altare incompiuta “Trasfigurazione”, 1519-1520, Pinacoteca Vaticana), si manifestavano chiaramente i tratti della crisi del Rinascimento, l'attrazione per il manierismo. Di eccezionale importanza per lo sviluppo dell'architettura italiana fu l'attività di Raffaello come architetto, rappresentando, per così dire, un anello di congiunzione tra l'opera di Bramante e Palladio. Dopo la morte di Bramante, Raffaello assunse l'incarico di capo architetto della Basilica di San Pietro a Roma (elaborò un nuovo progetto per la cattedrale, basato sul tipo architettonico della basilica), e completò anche la costruzione del cortile vaticano con logge iniziate dal Bramante. Tra gli altri edifici di Raffaello: la chiesa rotonda di Sant'Eligio degli Orefici (costruita a partire dal 1509) e la Cappella Chigi della chiesa di Santa Maria del Popolo (1512-1520) a Roma, l'elegante Palazzo Vidoni Caffarelli (dal 1515) a Roma e Pandolfini (c 152O) a Firenze. Il progetto dell'autore di Raffaello fu parzialmente realizzato nella villa romana Madama (dal 1517; la costruzione fu proseguita dall'architetto A. de Sangallo il Giovane), organicamente collegata con i giardini circostanti e il parco terrazzato. L'arte di Raffaello, che ha avuto un enorme impatto sulla pittura europea dei secoli XVI-XIX e, in parte, del XX, ha conservato per secoli per artisti e spettatori il valore di un'indiscutibile autorità e modello artistico.

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Michelangelo Buonarroti (1475-1564) scultore, pittore, architetto e poeta italiano. Nell'arte di Michelangelo, con grande forza espressiva, si incarnavano sia gli ideali profondamente umani dell'Alto Rinascimento, pieni di pathos eroico, sia il senso tragico della crisi della visione umanistica del mondo, caratteristica dell'era del tardo Rinascimento. Michelangelo studiò a Firenze nella bottega di D. Ghirlandaio (1488-1489) e con lo scultore Bertoldo di Giovanni (1489-1490), tuttavia la sua conoscenza delle opere di Giotto, Donatello, Masaccio, Jacopo della Quercia, lo studio di monumenti ebbe un'importanza decisiva per lo sviluppo creativo della plastica antica di Michelangelo. Già nelle opere giovanili (i rilievi “Madonna alle scale”, “Battaglia dei centauri”, 1490-1492 circa, Casa Buonarroti, Firenze, entrambi in marmo, come tutte le citate opere scultoree di Michelangelo), i tratti principali dell'opera dello scultore il lavoro è stato determinato: monumentalità e potere plastico, tensione interna e drammaticità delle immagini, rispetto per la bellezza umana. Lavorando a Roma alla fine degli anni Novanta del Quattrocento, Michelangelo rese omaggio alla passione per la scultura antica nella statua di Bacco (1496-1497, Museo Nazionale, Firenze); introdusse un nuovo contenuto umanistico, una brillante convincenza delle immagini nello schema gotico tradizionale del gruppo del Compianto di Cristo (circa 1497-1498, Cattedrale di San Pietro, Roma).

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Nel 1501 Michelangelo tornò a Firenze, dove realizzò una colossale statua del "David" (1501-1504, Galleria dell'Accademia, Firenze), che incarnava lo slancio eroico e il valore civico dei fiorentini che si liberarono dal giogo della tirannia dei Medici. Nel cartone per dipingere il Palazzo Vecchio “La battaglia delle Cascine” (1504-1504, si sono conservate copie), cercò di esprimere la disponibilità dei cittadini a difendere la repubblica. Nel 1505 papa Giulio II invitò Michelangelo a Roma e gli affidò la creazione della propria tomba. Per la tomba di Giulio II, completata solo nel 1545 (la Chiesa di San Pietro in Vincoli a Roma), Michelangelo realizzò numerose statue, tra cui quelle dotate di volontà possente, forza titanica e temperamento di “Mosè” (1515-1516 ), riempito con la tragedia di "Lo schiavo morente" e "Lo schiavo insorto" (1513-1516, Louvre, Parigi), nonché 4 figure incompiute di schiavi (1532-1534), in cui l'opera dello scultore è ben visibile, scavando audacemente nel blocco di pietra in alcuni punti e lasciando altri punti quasi incompiuti. Nel ciclo pittorico, eseguito da Michelangelo sulla volta della Cappella Sistina in Vaticano (1508-1512; comprende scene del libro della Genesi nella parte centrale della volta, figure monumentali di profeti e sibille nelle parti laterali la volta, immagini degli antenati di Cristo ed episodi biblici in spogliato, vele e lunette), l'artista ha realizzato una composizione grandiosa, solenne, facilmente visibile in generale e nei dettagli, percepita come un inno alla bellezza fisica e spirituale, come una dichiarazione delle infinite possibilità creative di Dio e dell'uomo creato a sua somiglianza. Gli affreschi del soffitto della Cappella Sistina, come altri dipinti di Michelangelo, sono caratterizzati dalla chiarezza della modellazione plastica, dall'intensa espressività del disegno e della composizione, dalla predominanza di tenui colori squisiti nella gamma colorata.

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Nel 1516-1534 Michelangelo visse nuovamente a Firenze, lavorò alla progettazione della facciata della chiesa di San Lorenzo e all'insieme architettonico e scultoreo della tomba della famiglia Medici nella Sagrestia Nuova della stessa chiesa (1520-1534) , nonché sulle sculture per la tomba di papa Giulio II. L'atteggiamento di Michelangelo negli anni Venti del Cinquecento diventa tragico. Il profondo pessimismo che lo attanagliava di fronte alla morte delle libertà politiche e civili in Italia, alla crisi dell'umanesimo rinascimentale, si rifletteva nella struttura figurativa delle sculture della tomba medicea - nella pesante meditazione e nel movimento senza meta delle statue di i Duchi di Lorenzo e Giuliano, privi di tratti ritrattistici, nel drammatico simbolismo di quattro figure raffiguranti “Sera”, “Notte”, “Mattino” e “Giorno” e personificanti l'irreversibilità dello scorrere del tempo. Nel 1534 Michelangelo si trasferì nuovamente a Roma, dove trascorse gli ultimi 30 anni della sua vita. Gli ultimi dipinti del maestro stupiscono per il tragico potere delle immagini (l'affresco “Il Giudizio Universale” sulla parete dell'altare della Cappella Sistina in Vaticano, 1536-1541), sono permeati di amare riflessioni sulla futilità della vita umana, sulla dolorosa disperazione della ricerca della verità (anticipando in parte la pittura barocca del dipinto della Cappella Paolina in Vaticano, 1542-1550). Tra le ultime opere scultoree di Michelangelo ricordiamo la “Pietà” per il Duomo fiorentino di Santa Maria del Fiore (prima del 1550-1555, spezzata da Michelangelo e restaurata dal suo allievo M. Calcagni; ora nella Galleria dell'Accademia, Firenze) e il gruppo scultoreo “Pieta Rondanini” (1555-1564, Museo d'Arte Antica, Milano), da lui destinata alla propria lapide e non terminata.

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L'opera tarda di Michelangelo è caratterizzata da un graduale allontanamento dalla pittura e dalla scultura e da un richiamo all'architettura e alla poesia. Gli edifici di Michelangelo si distinguono per maggiore plasticità, dinamismo interno e tensione delle masse; un ruolo importante in essi è svolto dal disegno in rilievo del muro, dall'attiva organizzazione chiaroscurale della sua superficie con l'ausilio di alte lesene, cornici enfaticamente voluminose, architravi e portali delle porte. Tornato nel suo ultimo periodo fiorentino, progettò e diresse la costruzione dell'edificio della Biblioteca Laurenziana (1523-1534), creando un insieme espressivo che comprendeva un dinamico atrio con scale e un interno calmo e austero della sala di lettura. Dal 1546 Michelangelo supervisionò la costruzione della Cattedrale di San Pietro a Roma e la costruzione dell'insieme di Piazza del Campidoglio (entrambe le opere furono completate dopo la sua morte). La piazza trapezoidale del Campidoglio con al centro l'antico monumento equestre dell'imperatore Marco Aurelio, primo complesso urbanistico rinascimentale, progettato da un solo artista, si chiude con il Palazzo dei Conservatori, è fiancheggiata da due palazzi posti simmetricamente ai suoi lati e si apre in città con un'ampia scalinata. Nella pianta della Cattedrale di San Pietro, Michelangelo, sviluppando le idee del Bramante e preservando l'idea di centralità, rafforzò il significato della croce nello spazio interno. Durante la vita di Michelangelo, la parte orientale della cattedrale fu costruita con la fondazione di una grandiosa cupola, eretta nel 1586-1593 dall'architetto M. Giacomo della Porta, allungandone alquanto le proporzioni. La profondità del pensiero e l'alta tragedia hanno segnato i testi di Michelangelo. Nei suoi madrigali e sonetti l'amore è interpretato come l'eterno desiderio di bellezza e armonia di una persona, lamenti sulla solitudine dell'artista in un mondo ostile accanto alle amare delusioni di un umanista di fronte alla violenza trionfante. L'opera di Michelangelo, che divenne la brillante fase finale del Rinascimento italiano, svolse un ruolo enorme nello sviluppo dell'arte europea, per molti versi preparò la formazione del manierismo e ebbe una grande influenza sulla formazione dei principi del barocco .

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Botticelli (Botticelli) Sandro [in realtà Alesandro di Mariano Filipepi, Alessandro di Mariano Filipepi] (1445–1510), pittore italiano del primo Rinascimento. Appartenuto alla scuola fiorentina, intorno al 1465-1466 studiò con Filippo Lippi; nel 1481-1482 lavorò a Roma. Le prime opere di Botticelli sono caratterizzate da una chiara costruzione dello spazio, una chiara modellazione di luci e ombre, un interesse per i dettagli quotidiani ("L'Adorazione dei Magi", 1476-1471 circa, Uffizi). Dalla fine degli anni Settanta del Quattrocento, dopo il riavvicinamento di Botticelli alla corte dei regnanti fiorentini, dei Medici e della cerchia degli umanisti fiorentini, si intensificarono nella sua opera i tratti dell'aristocrazia e della raffinatezza, comparvero dipinti su temi antichi e allegorici, in cui sensuali le immagini pagane erano intrise di spiritualità lirica sublime e allo stesso tempo poetica ("Primavera", 1477-1478 circa, "La nascita di Venere", 1483-1484 circa, entrambe agli Uffizi).

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L'animazione del paesaggio, la fragile bellezza delle figure, la musicalità della luce, le linee tremolanti, la trasparenza di colori squisiti, come intessuti di riflessi, creano in esse un'atmosfera di sogno e leggera tristezza. Negli affreschi realizzati da Botticelli nel 1481-1482 nella Cappella Sistina in Vaticano ("Scene della vita di Mosè", "La punizione della Corea, Dathan e Aviron", ecc.), La maestosa armonia del paesaggio e l'antico l'architettura si combina con la tensione interna della trama, la nitidezza delle caratteristiche del ritratto insite in , insieme alla ricerca di sottili sfumature dello stato interiore dell'animo umano, e ritratti da cavalletto del maestro (ritratto di Giuliano Medici, 1470, Accademia Carrara , Bergamo). Negli anni Novanta del Quattrocento, nell'epoca dei disordini sociali che scossero Firenze e delle prediche mistico-ascetiche del frate Savonarola, nell'arte di Botticelli compaiono note di drammaticità ed esaltazione religiosa (“La Calunnia”, dopo il 1495, Uffizi), ma i suoi disegni per la “Divina Commedia” di Dante ( 1492-1497, Gabinetto delle Incisioni, Berlino, e Biblioteca Vaticana) mentre la nitida espressività emotiva conserva la leggerezza del tratto e la nitidezza delle immagini rinascimentali.

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Donatello (Donatello; in realtà Donato di Niccolò di Betto Bardi, Donato di Niccolò di Betto Bardi) (circa 1386-1466), scultore italiano del primo Rinascimento. Nel 1404-1407 studiò presso la bottega di L. Ghiberti. Lavorò principalmente a Firenze, oltre che a Siena (1423-1434 m 1457-1461), Roma (1430-1433), Padova (1444-1453), nel 1451 visitò Mantova, Venezia, Ferrara. Uno dei primi in Italia, Donatello ha compreso in modo creativo l'esperienza delle antiche arti plastiche ed è arrivato alla creazione di forme classiche e tipi di scultura rinascimentale: una statua autoportante, una lapide a muro, un monumento equestre, un rilievo "pittoresco". Nell'opera di Donatello si incarnavano la ricerca di nuovi mezzi espressivi caratteristici dell'arte del Rinascimento, un profondo interesse per la realtà in tutta la sua diversità di manifestazioni concrete, il desiderio di sublime generalizzazione e di idealizzazione eroica. Le prime opere del maestro (statue dei profeti per il portale laterale del Duomo fiorentino, 1406-1408) sono ancora segnate dalla rigidità gotica delle forme, dalla schiacciata frammentazione del ritmo lineare. Tuttavia, già la statua di San Marco per la facciata della chiesa di Orsanmichele a Firenze (marmo, 1411-1413) si distingue per una chiara tettonica di masse plastiche, forza e calma grandezza.

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L'ideale rinascimentale dell'eroe guerriero è incarnato nell'immagine di San Giorgio per la stessa chiesa (marmo, 1416 circa, Museo Nazionale, Firenze). Le statue dei profeti per il campanile del Duomo fiorentino (marmo, 1416–1435, Museo del Duomo, Firenze) rappresentano una peculiare galleria di ritratti altamente individuali. Nei rilievi “pittorici” (“Il banchetto di Erode” sul fonte battesimale in bronzo del Battistero di Siena, 1423–1427; i rilievi della Sacrestia Vecchia della Chiesa di San Lorenzo a Firenze, 1434–1443), creò l'impressione di una grande profondità dello spazio con l'aiuto della prospettiva lineare, delimitazione precisa dei piani e graduale abbassamento dell'altezza dell'immagine. L'attuazione rinascimentale di forme antiche segnò opere di Donatello come la lastra tombale di Baldassare Kosh (antipapa Giovanni XXIII; insieme all'architetto Michelozzo di Bartolommeo, marmo, bronzo, 1425–1427, il battistero di Firenze), che utilizza una forma antica sarcofago, figure allegoriche e cornice d'ordine, Pala dell'Annunciazione (la cosiddetta Pala del Cavalcanti; calcare, terracotta, 1428-1433 circa, Chiesa di Santa Croce, Firenze) con sontuosa decorazione di antichità, tribuna del canto del Duomo di Firenze (marmo con mosaici e doratura, 1433-1439, Museo del Duomo, Firenze) con un allegro girotondo di allegri putti,

Ultima diapositiva della presentazione: Arte rinascimentale

statua del David (bronzo, 1430, Museo Nazionale, Firenze) - la prima immagine di un corpo umano nudo nella plastica statuaria del Rinascimento. Lavorando a Padova, Donatello realizzò il primo monumento secolare del Rinascimento: il monumento equestre al condottiero Gattamelate (bronzo, marmo, calcare, 1447-1453) e un grande altare scultoreo per la chiesa di Sant'Antonio (1446-1450), decorato con scene in rilievo magistralmente dispiegate in uno spazio illusorio. Più tardi, eseguite a Firenze, le opere di Donatello sono fortemente espressive, segnate da tratti di rottura spirituale (gruppo di Giuditta e Oloferne, bronzo, 1456-1457 circa, piazza della Signoria; rilievi dei pulpiti della chiesa di San Lorenzo, bronzo, 1460). L'influenza di Donatello sullo sviluppo dell'arte rinascimentale in Italia fu enorme, molti pittori e scultori - P. Uccello, A. del Castagno, Mantegna, e successivamente Michelangelo e Raffaello - percepirono i suoi successi.

Storia del Medioevo, grado 6

Lavoriamo secondo il piano:

"Amanti della saggezza" e la rinascita dell'eredità antica.
Nuova dottrina dell'uomo.
L'educazione dell'uomo nuovo.
I primi umanisti
Arte del primo Rinascimento.

Compito per la lezione:

Perché l'Italia è diventata la culla dell'emergere di una nuova era: il Rinascimento?

Ragioni per l'emergere di una nuova cultura.

rinascita

periodo di massimo splendore
Italiano
città

Sviluppo del commercio
e artigianato

Sviluppo nelle città
formazione scolastica

L'aspirazione dei cittadini
Per saperne di più

"Amanti della saggezza" e la rinascita dell'eredità antica:

Nel XIV secolo, nelle ricche città d'Italia, apparvero persone che si definivano "amanti della saggezza"

Letteratura cavalleresca

Rinascimento, o Rinascimento - un'era nella storia della cultura europea, che ha sostituito la cultura del Medioevo.

Letteratura cavalleresca:

Gli "amanti della saggezza" studiavano il latino e il greco. Hanno cercato statue e manoscritti antichi, copiato e studiato opere di letteratura antica.

La nuova dottrina dell'uomo:

Umanesimo - visione del mondo, al centro della quale c'è l'idea dell'uomo come valore più alto.

I primi umanisti

Il primo umanista si chiama il poeta italiano Francesco Petrarca (1304-1374), che, contro la volontà del padre, dedicò la sua vita alla poesia e alla filosofia.

Francesco Petrarca

I primi umanisti

Una volta Petrarca vide una giovane donna nella chiesa. Si innamorò subito di lei e l'amò per tutta la vita. Morì di peste nel 1348, senza rispondere al poeta in cambio.

Francesco e Laura

I primi umanisti

Non era né ricco né illustre, ma sia i papi che gli imperatori ascoltarono i consigli di Petrarca e anche i suoi aspri rimproveri. Nel 1341, in una solenne cerimonia a Roma, Petrarca fu incoronato con una corona d'alloro e il titolo di Re dei Poeti.

I primi umanisti

Studente e seguace del Petrarca fu scrittore e scienziato Giovanni Boccacci(1313-1375). La sua opera migliore e più famosa è Il Decameron, un libro di cento racconti.

Giovanni Boccacci

Già dal primo Rinascimento in Europa iniziò la fioritura dell'arte. La pittura, la scultura e l'architettura del Rinascimento sono intrise degli ideali dell'umanesimo.

Palazzo Pitti

Arte del primo Rinascimento:

Il pittore più notevole del primo Rinascimento è il fiorentino Sandro Botticelli (1445-1510)

Sandro Botticelli

" Primavera"

"Nascita di Venere"

Arte del primo Rinascimento Riassumere:

Gioco del tris

Compiti a casa:

Paragrafo 29, domande 5, 6 o 7 per iscritto

Autore del modello: Tatarnikov Vitaliy Viktorovich, insegnante di fisica, scuola secondaria n. 20, villaggio di Baranchinsky, Kushva, regione di Sverdlovsk http://pedsovet.su/ - Disegno per lo sfondo http://17986.globalmarket.com.ua/data/530378_3. jpg - http://prosto-life.ru/prostyie-istorii/o-svyataya-prostota - immagini: - http://s51.radikal.ru/i132/0905/b8/170a8be0f4eb.jpg http://ru. wikipedia.org/wiki/%C3%F3%EC%E0%ED%E8%E7%EC http://i.obozrevatel.ua/8/796962/gallery/137642_image_large.jpg

Antonenkova Anzhelika Viktorovna
Insegnante di storia, MOU Budinskaya OOSh
Regione di Tver

Studente di grado 10 S. Monko

La presentazione sull'arte rinascimentale contiene informazioni e diapositive su questo argomento.

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Anteprima:

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Didascalie delle diapositive:

Caratteristiche dell'arte rinascimentale

Rinascimento (Rinascimento) Rinascimento - dal francese "Rinascimento" Revival of Antiquity L'era della fioritura intellettuale e artistica, iniziata in Italia nel XIV secolo, raggiungendo l'apice nel XVI secolo

Idee rinascimentali: Umanesimo (l'ideale umanistico di una personalità libera, sviluppata, che si auto-migliora) L'idea dell'arte nazionale Utopia (l'immagine di un mondo ideale)

È stata riproposta la grande esperienza antica della filosofia e dell'arte e, soprattutto, l'idea che "l'uomo è la misura di tutte le cose". Architettura della pittura della letteratura rinascimentale

Letteratura rinascimentale I principali rappresentanti del Rinascimento in letteratura: Dante Alighieri Francesco Petrarca William Shakespeare Miguel de Cervantes

Lo sviluppo dei generi nel Rinascimento Early: Middle: Late: sonetto romanzo saggio racconto breve dramma

Dante Alighieri (1265 - 1321) poeta italiano, creatore della lingua letteraria italiana. L'apice dell'opera di Dante è il poema "La Divina Commedia" (pubblicato nel 1472) in tre parti ("Inferno", "Purgatorio", "Paradiso")

Francesco Petrarca (1304 - 1374) poeta italiano, umanista, ricercatore dell'antichità. Petrarca è il fondatore della cultura umanistica del Rinascimento, insieme a Dante, il creatore della lingua letteraria italiana. Francesco Petrarca è l'ideatore dei sonetti.

Aforismi e citazioni di Francesco Petrarca Saper esprimere quanto si ama significa amare poco. Chi ha molti vizi ha molti maestri. Cercare il potere per la pace e la sicurezza è scalare un vulcano per ripararsi dalla tempesta.

William Shakespeare (1564 - 1616) drammaturgo inglese e poeta rinascimentale.

Generi delle opere di Shakespeare: Cronache ("Riccardo II") Commedie ("La bisbetica domata") Tragedie ("Romeo e Giulietta") Tragicommedie ("Pericle, principe di Tiro")

Miguel de Cervantes (1547-1616) Il più grande scrittore spagnolo. L'autore di uno dei primi romanzi in senso moderno, "L'astuto Hidalgo Don Chisciotte della Mancia"

Pittura rinascimentale I principali rappresentanti della pittura rinascimentale: Leonardo da Vinci Vecellio Tiziano Albrecht Durer

Leonardo da Vinci (1452 - 1519) pittore italiano, scultore, scienziato, ingegnere e architetto del Rinascimento.

Opere famose di Leonardo da Vinci "Gioconda" "Dama con l'ermellino"

Vecellio Tiziano (1485 - 1576) "Re dei pittori e pittore dei re" chiamato Tiziano Vecellio, uno dei più grandi maestri della pittura mondiale. La sua arte è il fenomeno più eclatante della scuola veneziana del Rinascimento italiano.

Opere famose di Tiziano Vecellio "Maria Penitente "Flora" Maddalena"

Albrecht Durer (1471 - 1528) pittore e grafico tedesco. Il fondatore dell'arte del Rinascimento tedesco.

Le famose opere di Albrecht Dürer "Giovane veneziano" Madonna col Bambino "donna"

Architettura rinascimentale

Caratteristiche dell'architettura L'architettura rinascimentale è cresciuta in lotta con l'antica architettura gotica. Principi fondamentali: simmetria delle piante e delle composizioni degli edifici e distribuzione uniforme, posizionamento di tutti gli elementi della facciata a intervalli uguali l'uno dall'altro. Risorse Internet: 1. Wikipedia; 2. http://smallbay.ru/renessitaly.html

« Quattrocento. Primo Rinascimento»- una presentazione che introdurrà le principali realizzazioni del Primo Rinascimento in Italia. Si tratta di tre artisti eccezionali che sono chiamati i padri del Rinascimento. Questi sono l'architetto Brunelleschi, lo scultore Donatello e il pittore Masaccio.

Quattrocento. Primo Rinascimento

L'anno 1400 è chiamato il Quattrocento in Italia. Questo è un momento molto speciale in cui le persone più potenti e più ricche gareggiavano per il possesso delle migliori opere d'arte. Papi e duchi delle città-repubbliche italiane cercarono di invitare alla loro corte i migliori artisti e poeti. Firenze è considerata la culla del Rinascimento italiano. I regnanti di questa città, i banchieri più ricchi d'Europa, i Medici, divennero mecenati delle arti, riunendo alla loro corte gli artisti più famosi.

L'unicità dell'era del Quattrocento sta nel fatto che l'arte a quel tempo divenne un mezzo universale di conoscenza. Sono state fatte scoperte per avvicinare l'immagine degli oggetti a ciò che si riflette nello specchio. Fu lo scultore e architetto Filippo Brunelleschi ad essere famoso per aver scoperto le leggi della prospettiva, che furono teoricamente sostanziate dall'architetto, matematico, scrittore, filosofo Leon Batista Alberti, e in pratica furono utilizzate dagli amici di Brunelleschi, il pittore Masaccio e lo scultore Donatello.

Filippo Brunelleschi

Dopo una infruttuosa partecipazione al concorso per la decorazione delle porte del battistero fiorentino, in cui risultò vincitore Lorenzo Ghiberti, Filippo Brunelleschi decise di recarsi a Roma, dove, insieme all'amico scultore Donatello, con entusiasmo studiato monumenti antichi. L'ammirazione per la scultura e l'architettura antiche non ha impedito a Brunelleschi di utilizzare in modo creativo le sue osservazioni, che ha incarnato in un edificio veramente rinascimentale. Il porticato dell'Orfanotrofio in Piazza Annunziata a Firenze combinava un arco romano e una colonna greca, questo porticato sembra leggero e molto armonioso. Di solito a lezione suggerivo ai bambini di confrontare l'aspetto della cattedrale gotica e dell'orfanotrofio del Brunelleschi in relazione alle proporzioni umane. Ciò ha contribuito a dimostrare l'incarnazione dell'idea di umanesimo nell'architettura.

Ma questo film non è stato tradotto in russo, ma questo non ci impedisce di capire quale meraviglioso capolavoro abbia creato Filippo Brunelleschi.

Donatello

La scoperta della prospettiva lineare fatta da Brunelleschi, l'amico Donatello la mise in pratica, realizzando le sue bellissime sculture rinascimentali. Donatello per la prima volta dopo un divieto medievale millenario dell'immagine del nudo crea il proprio David. Fa rivivere la scultura rotonda, fonde in bronzo un monumento equestre al condottiero Gattamelata, usa la prospettiva lineare per creare numerosi rilievi. Sul sito troverai informazioni su Donatello con molte illustrazioni

Masaccio

Un giovane amico di Donatello e Brunelleschi, l'artista Masaccio, divenne un rivoluzionario nella pittura. Nemmeno trent'anni di vita, questo pittore riprende e sviluppa ciò che Giotto aveva iniziato in epoca proto-rinascimentale. Usando la scoperta dell'amico Brunelleschi, Masaccio crea l'immagine della "Trinità" in prospettiva, così abilmente che chi guardava quest'opera aveva l'illusione dello spazio reale. Masaccio per la prima volta utilizza i tratti del ritratto di persone reali quando raffigura santi e personaggi biblici. Le figure sugli affreschi della Cappella Brancacci a Firenze sono voluminose, grazie al magistrale uso del chiaroscuro da parte dell'artista.

Troverai una continuazione della storia sul primo Rinascimento in Italia nella presentazione

La presentazione vi farà conoscere l'arte della più grande epoca della storia dell'arte, non solo italiana, ma mondiale.

Alla fine del mio racconto sugli artisti eccezionali Quattrocento Vorrei offrire un piccolo lista di libri per l'arte:

ArganJ.K. Storia dell'arte italiana. - M.: Casa editrice JSC "Rainbow", 2000
Beckett V. Storia della pittura. - M.: Astrel Publishing House LLC: AST Publishing House LLC, 2003
Vipper B.R. Rinascimento italiano XIII - XVI secolo. - M.: Arte, 1977
Dmitrieva N.A. Breve storia dell'arte. Dall'antichità al XVI secolo. Saggi. - M.: Arte, 1988
Emokhonova L.G. Arte mondiale. Libro di testo per studenti. Media Ped. Proc. Istituzioni. - M.: Centro editoriale "Academy", 1988
Muratov P.P. Immagini d'Italia. - M.: Repubblica, 1994

Sarò felice se il mio lavoro sarà richiesto!

Ti auguro il meglio!

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Rinascimento

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Rinascimento - l'era del fiorire della cultura nei paesi dell'Europa occidentale nei secoli XV-XVI. Nella sua forma classica, la cultura rinascimentale si sviluppò nelle città dell'Italia settentrionale e centrale. Il Rinascimento è caratterizzato da una rinascita di interesse per la letteratura, l'arte, la filosofia dell'antica Grecia e di Roma. Il mondo reale e l'uomo sono stati proclamati il valore più alto: l'uomo è la misura di tutte le cose. L'ideale estetico del Rinascimento si è formato sulla base di una nuova visione del mondo: l'umanesimo (riconoscimento del valore della persona umana). Il ruolo della persona creativa è particolarmente aumentato.

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Rinascimento
Rinascimento italiano 1. Protorinascimento (XII-XIII secolo) 2. Primo Rinascimento (XV secolo) 3. Alto Rinascimento (fine XV-inizio XVI secolo) 4. Tardo Rinascimento (martedì, metà del XVI secolo) Rinascimento settentrionale

4
Protorinascimento
Proto-Rinascimento - un periodo nella storia dell'arte italiana, che copre i secoli XIII e XIV, caratterizzato dalla crescita di tendenze realistiche secolari e da un richiamo alle antiche tradizioni. Giotto. Affresco "Bacio di Giuda"

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L'era della gioiosa scoperta del mondo. Centro - Firenze. Architetto Filippo Brunelleschi. L'idea di spazio aperto "città ideale".

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Primo Rinascimento (XV secolo Quattrocento)
Donatello "Davide"
Masaccio "Cacciata dal paradiso"

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Alto Rinascimento Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci (1452-1519), pittore italiano, scultore, architetto, scienziato e ingegnere. Il fondatore della cultura artistica dell'Alto Rinascimento .. L'artista, sviluppando le tradizioni dell'arte del Primo Rinascimento, ha enfatizzato il volume liscio delle forme con morbidi chiaroscuri, a volte ravvivando i volti con un sorriso appena percettibile, ottenendo con il suo aiuto il trasferimento di stati d'animo sottili. Leonardo da Vinci ha raggiunto la nitidezza nel trasferimento delle espressioni facciali e ha portato le caratteristiche fisiche e il movimento del corpo umano in perfetto allineamento con l'atmosfera spirituale della composizione.

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"Dama con l'ermellino"
"Madonna nella roccia" "Madonna Litta"

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Leonardo da Vinci "L'ultima cena"

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Raffaello altorinascimentale
Raffaello (1483-1520), pittore e architetto italiano. Nel suo lavoro, le idee umanistiche dell'Alto Rinascimento su una persona bella e perfetta che vive in armonia con il mondo, gli ideali di bellezza che affermano la vita caratteristici dell'epoca, erano incarnati più chiaramente nel suo lavoro.

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Madonna Costabile
Madonna Sistina

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Alto Rinascimento Michelangelo Buonarroti
Sulla volta della Cappella Sistina in Vaticano l'artista ha realizzato una composizione grandiosa, solenne, ben visibile in generale e nei dettagli, percepita come un inno alla bellezza fisica e spirituale, come affermazione delle illimitate possibilità creative di Dio e dell'uomo creato a sua somiglianza.