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Delacroix. Libertà alla guida del popolo

1830
260x325 cm Louvre, Parigi

“Ho scelto un soggetto moderno, una scena alle barricate. .. Se non ho combattuto per la libertà della patria, almeno devo glorificare questa libertà ", ha detto Delacroix a suo fratello, riferendosi al dipinto" Freedom Leading the People "(lo conosciamo anche con il nome di" Freedom on barricate"). L'appello in esso contenuto alla lotta contro la tirannia fu ascoltato e accolto con entusiasmo dai contemporanei.

Svoboda, a torso nudo, cammina sui cadaveri dei rivoluzionari caduti, invitando i ribelli a seguirlo. Nella mano alzata tiene la bandiera tricolore repubblicana, i cui colori - rosso, bianco e blu - riecheggiano in tutta la tela. Nel suo capolavoro, Delacroix ha combinato l'apparentemente incompatibile - il realismo protocollare del reportage con il tessuto sublime dell'allegoria poetica. Ha dato un suono epico e senza tempo a un piccolo episodio di combattimento di strada. Il personaggio centrale della tela è Liberty, che combinava la postura maestosa di Afrodite di Milo con i lineamenti di cui Auguste Barbier ha dotato Liberty: “Questa è una donna forte con seni potenti, con una voce rauca, con il fuoco negli occhi, veloce , con un passo largo.”

Incoraggiato dal successo della Rivoluzione del 1830, Delacroix iniziò a lavorare al dipinto il 20 settembre per glorificare la Rivoluzione. Nel marzo 1831 ricevette un premio per questo, e in aprile espose il dipinto al Salon. Il quadro, con il suo potere violento, respingeva i visitatori borghesi, che rimproveravano anche all'artista di mostrare solo "marmaglia" in questa azione eroica. Al salone, nel 1831, il Ministero dell'Interno francese acquista "Libertà" per il Museo del Lussemburgo. Dopo 2 anni, "Freedom", la cui trama era considerata troppo politicizzata, è stata rimossa dal museo e restituita all'autore. Il re acquistò il dipinto, ma, spaventato dal suo carattere, pericoloso durante il regno della borghesia, ordinò che fosse nascosto, arrotolato e poi restituito all'autore (1839). Nel 1848, il Louvre richiede il dipinto. Nel 1852 - il Secondo Impero. Il dipinto è nuovamente considerato sovversivo e inviato al magazzino. Negli ultimi mesi del Secondo Impero, la "Libertà" fu nuovamente vista come un grande simbolo e le incisioni di questa composizione servirono la causa della propaganda repubblicana. Dopo 3 anni, viene rimosso da lì ed esposto all'esposizione mondiale. In questo momento, Delacroix lo riscrive di nuovo. Forse scurisce il tono rosso vivo del cappello per ammorbidire il suo aspetto rivoluzionario. Delacroix muore a casa nel 1863. E dopo 11 anni, "Libertà" è di nuovo esposta al Louvre.

Lo stesso Delacroix non prese parte ai "tre giorni gloriosi", osservando quanto accadeva dalle finestre della sua bottega, ma dopo la caduta della monarchia borbonica decise di perpetuare l'immagine della Rivoluzione.

Vista dettagliata dell'immagine: *Realismo e idealismo.*
L'immagine della Libertà potrebbe essere stata creata dall'artista sotto l'impressione, da un lato, del poema romantico di Byron Childe Harold's Pilgrimage, e, dall'altro, dell'antica statua greca della Venere di Milo, che era stata appena ritrovata dagli archeologi dell'epoca. Tuttavia, i contemporanei di Delacroix consideravano il suo prototipo la leggendaria lavandaia Anna-Charlotte, che andò alle barricate dopo la morte di suo fratello e distrusse nove guardie svizzere.
Questa figura in un'alta bombetta è stata a lungo considerata un autoritratto dell'artista, ma ora è correlata a Etienne Arago, fanatico repubblicano e direttore del teatro Vaudeville. Durante gli eventi di luglio, Arago ha fornito ai ribelli armi dagli oggetti di scena del suo teatro. Sulla tela di Delacroix, questo personaggio riflette la partecipazione della borghesia alla rivoluzione.
Sulla testa della Libertà, vediamo il suo attributo tradizionale: un copricapo conico con una punta acuminata, chiamato "berretto frigio". Un tale copricapo era una volta indossato dai soldati persiani.
Alla battaglia partecipa anche un ragazzo di strada. La sua mano alzata con una pistola ripete il gesto della Libertà. L'espressione eccitata sul volto del maschiaccio sottolinea, in primo luogo, la luce che cade di lato e, in secondo luogo, la sagoma scura del copricapo.
La figura di un artigiano che brandisce una lama simboleggia la classe operaia parigina, protagonista della rivolta.
fratello morto Questo cadavere mezzo vestito, secondo gli esperti, è identificato come il fratello defunto di Anna-Charlotte, che divenne il prototipo di Freedom. Il moschetto che Liberty tiene in mano potrebbe essere la sua arma.

325x260 cm.
Louvre.

La trama del dipinto "Libertà alle barricate", esposto al Salon nel 1831, è rivolta agli eventi della rivoluzione borghese del 1830. L'artista ha creato una sorta di allegoria dell'unione tra la borghesia, rappresentata nel quadro da un giovane con un cappello a cilindro, e le persone che lo circondano. È vero, quando l'immagine è stata creata, l'unione del popolo con la borghesia si era già sciolta e per molti anni è stata nascosta allo spettatore. Il dipinto è stato acquistato (commissionato) da Louis-Philippe, che ha finanziato la rivoluzione, ma la classica composizione piramidale di questa tela sottolinea il suo romantico simbolismo rivoluzionario, e gli energici tratti blu e rossi rendono la trama estremamente dinamica. Una giovane donna che personifica la Libertà con un berretto frigio si erge in una chiara sagoma sullo sfondo di un cielo luminoso; il suo petto è scoperto. In alto sopra la sua testa, tiene la bandiera nazionale francese. Lo sguardo dell'eroina della tela è fisso su un uomo con cappello a cilindro e fucile, personificazione della borghesia; alla sua destra, un ragazzo che brandisce delle pistole, Gavroche, è un eroe popolare delle strade parigine.

Il dipinto fu donato al Louvre da Carlos Beistegui nel 1942; Incluso nella collezione del Louvre nel 1953.

Marfa Vsevolodovna Zamkova.
http://www.bibliotekar.ru/muzeumLuvr/46.htm

“Ho scelto un soggetto moderno, una scena alle barricate. .. Se non ho combattuto per la libertà della patria, almeno dovrei glorificare questa libertà", ha detto Delacroix a suo fratello, riferendosi al dipinto "La libertà che guida il popolo" (lo conosciamo anche con il nome "Libertà alle barricate"). L'appello in esso contenuto alla lotta contro la tirannia fu ascoltato e accolto con entusiasmo dai contemporanei.
Svoboda, a torso nudo, cammina sui cadaveri dei rivoluzionari caduti, invitando i ribelli a seguirlo. Nella mano alzata tiene la bandiera tricolore repubblicana, i cui colori - rosso, bianco e blu - riecheggiano in tutta la tela. Nel suo capolavoro, Delacroix ha combinato l'apparentemente incompatibile - il realismo protocollare del reportage con il tessuto sublime dell'allegoria poetica. Ha dato un suono epico e senza tempo a un piccolo episodio di combattimento di strada. Il personaggio centrale della tela è Liberty, che combinava la maestosa postura di Afrodite di Milo con quei lineamenti di cui Auguste Barbier ha dotato Liberty: “Questa è una donna forte con seni potenti, con una voce rauca, con il fuoco negli occhi, veloce , con un passo largo.”

Descrizione del lavoro

Il romanticismo succede all'età dei lumi e coincide con la rivoluzione industriale, segnata dall'avvento della macchina a vapore, della locomotiva a vapore, del battello a vapore e della fotografia e della periferia della fabbrica. Se l'Illuminismo è caratterizzato dal culto della ragione e della civiltà basata sui suoi principi, allora il romanticismo afferma il culto della natura, dei sentimenti e del naturale nell'uomo. Fu nell'era del romanticismo che si formarono i fenomeni del turismo, dell'alpinismo e dei picnic, progettati per ripristinare l'unità tra uomo e natura.

1. Introduzione. Descrizione del contesto storico e culturale dell'epoca.
2- Biografia dell'autore.
3- Specie, appartenenza al genere, trama, caratteristiche del linguaggio formale (composizione, materiale, tecnica, tratti, colorazione), concetto creativo dell'immagine.
4- Dipinto "Libertà sulle barricate".
5- Analisi con un contesto moderno (fondazione della pertinenza).

File: 1 file

Accademia statale di Chelyabinsk

Cultura e Arti.

Lavoro d'esame semestrale su un'immagine d'arte

EUGENE DELACROIX LIBERTÀ SULLE BARRICATE.

Completato da uno studente del secondo anno del gruppo 204 TV

Rusanova Irina Igorevna

Controllato dall'insegnante di belle arti Gindina O.V.

Chelyabinsk 2012

1. Introduzione. Descrizione del contesto storico e culturale dell'epoca.

3- Specie, appartenenza al genere, trama, caratteristiche del linguaggio formale (composizione, materiale, tecnica, tratti, colorazione), concetto creativo dell'immagine.

4- Dipinto "Libertà sulle barricate".

5- Analisi con un contesto moderno (fondazione della pertinenza).

L'ARTE DEI PAESI DELL'EUROPA OCCIDENTALE NELLA METÀ DEL XIX SECOLO.

Lo sviluppo del romanticismo nella pittura è proceduto in un'aspra polemica con un aderente al classicismo. I romantici rimproveravano ai loro predecessori la "fredda razionalità" e l'assenza di un "movimento della vita". Negli anni '20 e '30 le opere di molti artisti si distinguevano per pathos ed eccitazione nervosa; in essi c'è stata una tendenza a motivi esotici e un gioco di fantasia che può allontanare dalla "buia quotidianità". La lotta contro le norme classiciste congelate è durata a lungo, quasi mezzo secolo. Il primo che è riuscito a consolidare una nuova direzione e "giustificare" il romanticismo è stato Theodore Géricault

Le pietre miliari storiche che determinarono lo sviluppo dell'arte dell'Europa occidentale a metà del XIX secolo furono le rivoluzioni europee del 1848-1849. e la Comune di Parigi del 1871. Nei maggiori paesi capitalisti c'è una rapida crescita del movimento operaio. Esiste un'ideologia scientifica del proletariato rivoluzionario, i cui fondatori furono K. Marx e F. Engels. L'impennata dell'attività del proletariato suscita l'odio furioso della borghesia, che riunisce intorno a sé tutte le forze della reazione.

Con le rivoluzioni del 1830 e del 1848-1849. sono collegate le più alte conquiste dell'arte, basate sulle direzioni di cui durante questo periodo c'erano il romanticismo rivoluzionario e il realismo democratico. I rappresentanti più importanti del romanticismo rivoluzionario nell'arte della metà del XIX secolo. C'erano il pittore francese Delacroix e lo scultore francese Rude.

Ferdinand Victor Eugene Delacroix (francese Ferdinand Victor Eugène Delacroix; 1798-1863) - Pittore e grafico francese, leader della direzione romantica nella pittura europea. Il primo dipinto di Delacroix fu Dante's Boat (1822), che espose al Salon.

Il lavoro di Eugene Delacroix può essere diviso in due periodi. Nella prima l'artista era vicino alla realtà, nella seconda se ne allontana gradualmente, limitandosi a trame tratte dalla letteratura, dalla storia e dalla mitologia. Dipinti più significativi:

"Massacro di Chios" (1823-1824, Louvre, Parigi) e "Libertà alle barricate" (1830, Louvre, Parigi)

Dipinto "Libertà sulle barricate".

La tela rivoluzionario-romantica "Libertà sulle barricate" è associata alla Rivoluzione di luglio del 1830 a Parigi. L'artista concretizza il luogo dell'azione: sulla destra si staglia l'isola della Cité e le torri della cattedrale di Notre Dame. Anche le immagini di persone sono piuttosto specifiche, la cui appartenenza sociale può essere determinata sia dalla natura dei loro volti che dai loro costumi. Lo spettatore vede i lavoratori ribelli, gli studenti, i ragazzi e gli intellettuali parigini.

L'immagine di quest'ultimo è l'autoritratto di Delacroix. La sua introduzione nella composizione indica ancora una volta che l'artista si sente partecipe di ciò che sta accadendo. Una donna attraversa la barricata accanto al ribelle. È nuda fino alla cintola: ha in testa un berretto frigio, in una mano un fucile, nell'altra uno stendardo. Questa è un'allegoria della Libertà che guida il popolo (da cui il secondo nome del dipinto è Libertà che guida il popolo). Nel ritmo di mani alzate, fucili, sciabole, che si alzano dalle profondità del movimento, nelle nuvole di fumo di polvere, negli accordi dal suono maggiore dello stendardo rosso-bianco-blu - il punto più luminoso dell'immagine - si può sentire il ritmo rapido della rivoluzione.

Il dipinto fu esposto al Salon del 1831, la tela provocò una bufera di consensi da parte del pubblico. Il nuovo governo ha acquistato il dipinto, ma allo stesso tempo ne ha subito ordinato la rimozione, il suo pathos sembrava troppo pericoloso, ma poi per quasi venticinque anni, a causa della natura rivoluzionaria della trama, l'opera di Delacroix non è stata esposta.

Attualmente si trova nella 77a sala del 1° piano della Galleria Denon del Louvre.

La composizione dell'immagine è molto dinamica. L'artista ha dato un suono epico e senza tempo a un semplice episodio di risse di strada. I ribelli salgono alla barricata riconquistata dalle truppe reali, e la Libertà stessa li guida. I critici vedevano in lei "un incrocio tra un mercante e un'antica dea greca". L'artista, infatti, ha conferito alla sua eroina sia la maestosa postura della Venere di Milo, sia quei lineamenti che il poeta Auguste Barbier, il cantante della rivoluzione del 1830, ha dotato di Freedom: “Questa è una donna forte con un petto potente, con voce roca, con il fuoco negli occhi, veloce, con un passo largo. La Libertà alza il vessillo tricolore della Repubblica Francese; segue una folla armata: artigiani, militari, borghesi, adulti, bambini.

A poco a poco, un muro crebbe e si rafforzò, separando Delacroix e la sua arte dalla realtà. Così chiuso nella sua solitudine, la rivoluzione del 1830 lo trovò. Tutto ciò che pochi giorni fa costituiva il senso della vita della generazione romantica è stato immediatamente gettato indietro nel tempo, ha cominciato a "sembrare piccolo" e inutile di fronte alla grandiosità degli eventi accaduti.

Lo stupore e l'entusiasmo vissuti in questi giorni invadono la vita appartata di Delacroix. La realtà perde per lui il suo guscio ripugnante di volgarità e quotidianità, rivelando una vera grandezza, che non vi ha mai visto e che aveva precedentemente cercato nelle poesie di Byron, nelle cronache storiche, nella mitologia antica e in Oriente.

Le giornate di luglio risuonavano nell'anima di Eugene Delacroix con l'idea di un nuovo quadro. Le battaglie di barricata del 27, 28 e 29 luglio nella storia francese hanno deciso l'esito di uno sconvolgimento politico. In questi giorni è stato rovesciato re Carlo X, ultimo rappresentante della dinastia borbonica odiata dal popolo. Per la prima volta per Delacroix, questa non era una trama storica, letteraria o orientale, ma la vita reale. Tuttavia, prima che questa idea fosse incarnata, ha dovuto affrontare un lungo e difficile percorso di cambiamento.

R. Escollier, il biografo dell'artista, ha scritto: "All'inizio, sotto la prima impressione di ciò che ha visto, Delacroix non intendeva rappresentare la Libertà tra i suoi aderenti ... Voleva semplicemente riprodurre uno degli episodi di luglio, come come la morte di d" Arcole ". Sì , poi sono state compiute molte imprese e sono stati fatti sacrifici. L'eroica morte di d "Arcol è associata alla presa del municipio di Parigi da parte dei ribelli. Il giorno in cui le truppe regie tenevano sotto tiro il ponte sospeso di Greve, apparve un giovane che si precipitò in municipio. Esclamò: "Se muoio, ricordati che mi chiamo d'Arcole". È stato ucciso davvero, ma è riuscito a trascinare con sé la gente e il municipio è stato preso.

Eugene Delacroix ha realizzato uno schizzo con una penna, che, forse, è diventato il primo schizzo per un futuro dipinto. Il fatto che questo non fosse un disegno ordinario è evidenziato dall'esatta scelta del momento, dalla completezza della composizione, dagli accenti premurosi sulle singole figure e dallo sfondo architettonico, fusi organicamente con l'azione e altri dettagli. Questo disegno potrebbe davvero servire come schizzo per un futuro dipinto, ma il critico d'arte E. Kozhina riteneva che rimanesse solo uno schizzo che non aveva nulla a che fare con la tela che Delacroix dipinse in seguito, precipitandosi in avanti e affascinando gli insorti con il suo impulso eroico. .Eugène Delacroix trasferisce questo ruolo centrale alla stessa Libertà.

Quando si lavora a un'immagine nella visione del mondo di Delacroix, due principi opposti si sono scontrati: l'ispirazione ispirata dalla realtà e, d'altra parte, la sfiducia nei confronti di questa realtà che era stata a lungo radicata nella sua mente. Diffidenza sul fatto che la vita possa essere bella di per sé, che le immagini umane e i mezzi puramente pittorici possano trasmettere l'idea del quadro nella sua interezza. Questa sfiducia ha dettato la figura simbolica della Libertà di Delacroix e alcune altre raffinatezze allegoriche.

L'artista trasferisce l'intero evento nel mondo dell'allegoria, riflettiamo l'idea allo stesso modo del Rubens da lui idolatrato (Delacroix disse al giovane Edouard Manet: “Devi vedere Rubens, devi sentire Rubens, devi copiare Rubens, perché Rubens è un dio”) nelle loro composizioni, personificando concetti astratti. Ma Delacroix continua a non seguire in tutto il suo idolo: la libertà per lui non è simboleggiata da un'antica divinità, ma dalla donna più semplice, che però diventa regalmente maestosa.

La libertà allegorica è piena di verità vitale, con un rapido impulso precede la colonna dei rivoluzionari, trascinandoli con sé ed esprimendo il significato più alto della lotta: il potere dell'idea e la possibilità della vittoria. Se non sapessimo che la Nika di Samotracia è stata scavata dal terreno dopo la morte di Delacroix, si potrebbe presumere che l'artista si sia ispirato a questo capolavoro.

Molti storici dell'arte hanno notato e rimproverato a Delacroix il fatto che tutta la grandezza della sua pittura non può oscurare l'impressione che all'inizio risulta essere appena percettibile. Stiamo parlando di uno scontro nella mente dell'artista di aspirazioni opposte, che ha lasciato il segno anche nella tela completata, l'esitazione di Delacroix tra un sincero desiderio di mostrare la realtà (come la vedeva) e un desiderio involontario di elevarla a cothurna , tra un'attrazione per la pittura emotiva, diretta e già consolidata abituata alla tradizione artistica. Molti non erano soddisfatti che il realismo più spietato, che faceva inorridire il pubblico ben intenzionato dei saloni d'arte, fosse combinato in questa immagine con una bellezza impeccabile e ideale. Notando come virtù il sentimento di autenticità della vita, che non si era mai manifestato prima nell'opera di Delacroix (e mai più allora), l'artista fu rimproverato per la generalizzazione e il simbolismo dell'immagine della Libertà. Tuttavia, per la generalizzazione di altre immagini, incolpare l'artista per il fatto che la nudità naturalistica di un cadavere in primo piano è adiacente alla nudità della Libertà.

Ma, indicando la natura allegorica dell'immagine principale, alcuni ricercatori dimenticano di notare che la natura allegorica della Libertà non crea affatto dissonanza con il resto delle figure nella foto, non sembra così aliena ed eccezionale nella foto come potrebbe sembrare a prima vista. Dopotutto, anche il resto dei personaggi recitanti è essenzialmente allegorico e nel suo ruolo. Nella loro persona, Delacroix, per così dire, porta alla ribalta quelle forze che hanno fatto la rivoluzione: i lavoratori, l'intellighenzia e la plebe di Parigi. Un lavoratore in camicetta e uno studente (o artista) con una pistola sono rappresentanti di strati ben definiti della società. Queste sono, senza dubbio, immagini luminose e affidabili, ma Delacroix ne porta questa generalizzazione ai simboli. E questa allegoricità, che già in essi si avverte chiaramente, raggiunge il suo massimo sviluppo nella figura della Libertà. Questa è una dea formidabile e bellissima, e allo stesso tempo è un'audace parigina. E lì vicino, un ragazzo agile e spettinato salta sui sassi, urla di gioia e brandisce pistole (come se orchestrasse eventi), un piccolo genio delle barricate parigine, che Victor Hugo chiamerà Gavroche tra 25 anni.

Il dipinto "Libertà sulle barricate" conclude il periodo romantico nell'opera di Delacroix. L'artista stesso era molto affezionato a questo suo dipinto e fece molti sforzi per portarlo al Louvre. Tuttavia, dopo che la "monarchia borghese" prese il potere, l'esposizione di questa tela fu vietata. Solo nel 1848 Delacroix poté esporre ancora una volta, e anche per molto tempo, la sua pittura, ma dopo la sconfitta della rivoluzione finì per molto tempo nel magazzino. Il vero significato di quest'opera di Delacroix è determinato dal suo secondo nome, non ufficiale: molti sono da tempo abituati a vedere in questo quadro la "Marsigliese della pittura francese".

Il dipinto è su tela. È stata dipinta a olio.

ANALISI DEL QUADRO A CONFRONTO TRA LETTERATURA MODERNA E RILEVANZA.

propria percezione dell'immagine.

Al momento, credo che il dipinto di Delacroix Liberty at the Barricades sia molto rilevante nel nostro tempo.

Il tema della rivoluzione e della libertà entusiasma ancora non solo le grandi menti, ma anche le persone. Ora la libertà dell'umanità è sotto la guida del potere. Le persone sono limitate in tutto, l'umanità è guidata dal denaro e la borghesia è a capo.

Nel 21 ° secolo, l'umanità ha più opportunità di partecipare a manifestazioni, picchetti, manifesti, disegnare e creare testi (ma ci sono eccezioni se il testo è classificato come estremismo), in cui mostra con coraggio le proprie posizioni e opinioni.

Di recente, anche il tema della libertà e della rivoluzione in Russia è diventato più rilevante di prima. Tutto ciò è collegato agli ultimi eventi da parte dell'opposizione (i movimenti "Fronte di sinistra", "Solidarietà", il partito di Navalnov e Boris Nemtsov)

Sempre più spesso sentiamo slogan che chiedono la libertà e una rivoluzione nel Paese. I poeti moderni lo esprimono chiaramente nei loro versi. Un esempio è Alexei Nikonov. La sua ribellione rivoluzionaria e la sua posizione rispetto all'intera situazione del paese si manifesta non solo nella poesia, ma anche nelle sue canzoni.

Credo anche che il nostro paese abbia bisogno di un colpo di stato rivoluzionario. Non puoi prendere la libertà dall'umanità, incatenarla e costringerla a lavorare per il sistema. Una persona ha il diritto di scegliere, la libertà di parola, ma stanno cercando di portarlo via. E non ci sono confini: sei un bambino, un bambino o un adulto. Pertanto, i dipinti di Delacroix mi sono molto vicini, proprio come lui.

Il gotico non è uno stile; Il gotico non è mai finito: le cattedrali furono costruite per 800-900 anni, le cattedrali furono rase al suolo e ricostruite. Le cattedrali furono bombardate e fatte saltare in aria. E l'hanno ricostruito. Il gotico è un'immagine dell'autoriproduzione dell'Europa, della sua voglia di vivere. Il gotico è la forza delle città, perché le cattedrali furono erette per decisione del comune cittadino ed erano una causa comune dei concittadini.

Le cattedrali non sono solo monumenti religiosi. Il gotico è l'immagine della repubblica, perché le cattedrali incarnano la schiena dritta delle città e la volontà unitaria della società. Il gotico è l'Europa stessa e oggi, quando la cattedrale di Notre Dame è stata bruciata, sembra che l'Europa sia giunta al termine.

Niente di più simbolico è accaduto nel mondo dall'11 settembre 2001. È già stato detto: la civiltà europea è finita.

Difficile non inserire l'incendio di Notre Dame in una serie di eventi che distruggono, smentiscono l'Europa. Tutto è uno a uno: la rivolta dei "gilet gialli", la Brexit, la fermentazione nell'Unione europea. E ora è crollata la guglia della grande cattedrale gotica.

No, l'Europa non è finita.

Il gotico in linea di principio non può essere distrutto: è un organismo che si riproduce da solo. Come una repubblica, come l'Europa stessa, il gotico non è mai autentico - su una cattedrale di nuova costruzione, come su una repubblica di nuova creazione, non si può dire "rifacimento" - questo significa non comprendere la natura della cattedrale. La cattedrale e la repubblica si costruiscono con fatica quotidiana, muoiono sempre per risorgere.

L'idea europea di una repubblica è stata bruciata e annegata molte volte, ma sopravvive.

1.

La Zattera della Medusa, 1819, Theodore Géricault

Nel 1819, l'artista francese Théodore Géricault dipinge il dipinto La zattera della Medusa. La trama è nota: lo schianto della fregata "Medusa".

Contrariamente alle letture esistenti, interpreto questa immagine come un simbolo della morte della Rivoluzione francese.

Géricault era un bonapartista convinto: ricordate le sue guardie di cavalleria all'attacco. Nel 1815 Napoleone viene sconfitto a Waterloo e gli alleati lo mandano in esilio mortale sull'isola di Sant'Elena.

La zattera nella foto è Sant'Elena; e la fregata affondata è l'Impero francese. L'impero di Napoleone era una simbiosi di leggi progressiste e conquiste coloniali, costituzione e violenza, aggressione, accompagnata dall'abolizione della servitù nelle aree occupate.

I vincitori della Francia napoleonica - Prussia, Gran Bretagna e Russia - nella persona del "mostro corso" hanno soppresso persino il ricordo della Rivoluzione francese che un tempo aveva abolito l'Antico Ordine (per usare l'espressione di de Tocqueville e Taine). L'impero francese è stato sconfitto, ma con esso è stato distrutto il sogno di un'Europa unita con un'unica costituzione.

Una zattera persa nell'oceano, un rifugio senza speranza dal design un tempo maestoso: così scriveva Théodore Géricault. Gericault finì il dipinto nel 1819 - dal 1815 stava cercando come esprimere la disperazione. La restaurazione dei Borbone ebbe luogo, il pathos della rivoluzione e le gesta della vecchia guardia furono ridicolizzate - e ora l'artista scrisse a Waterloo dopo la sconfitta:

guarda da vicino, i cadaveri sulla zattera giacciono fianco a fianco come su un campo di battaglia.

La tela è scritta dal punto di vista dei perdenti, siamo in piedi tra i cadaveri su una zattera gettata nell'oceano. C'è un comandante in capo alla barricata dei cadaveri, vediamo solo la sua schiena, un eroe solitario che agita un fazzoletto: questo è lo stesso corso che viene condannato a morire nell'oceano.

Géricault ha scritto un requiem per la rivoluzione. La Francia sognava di unire il mondo; l'utopia è crollata. Delacroix, il compagno più giovane di Géricault, ha ricordato come scioccato dalla foto dell'insegnante, corse fuori dallo studio dell'artista e si precipitò a correre - fuggì da sentimenti travolgenti. Non si sa dove sia fuggito.

2.

Delacroix è solitamente definito un artista rivoluzionario, anche se questo non è vero: a Delacroix non piacevano le rivoluzioni.

L'odio di Delacroix per la repubblica è stato trasmesso geneticamente. Dicono che l'artista fosse il figlio biologico del diplomatico Talleyrand, che odiava le rivoluzioni, e il padre ufficiale dell'artista era il ministro degli Affari esteri della Repubblica francese, Charles Delacroix, che fu mandato a onorevoli dimissioni per fare spazio a il vero padre della sua prole. È un peccato credere alle voci, è impossibile non crederci. Il cantante della libertà (chi non conosce il dipinto "La libertà che guida il popolo"?) è la carne della carne di un collaboratore senza principi che ha giurato fedeltà a qualsiasi regime per rimanere al potere - questo è strano, ma se studi Nelle tele di Delacroix si possono trovare somiglianze con la politica di Talleyrand.

La barca di Dante di Delacroix

Subito dopo la tela "La zattera della Medusa", appare il dipinto di Delacroix "La barca di Dante". Un'altra barca persa nell'elemento acqua, e l'elemento, come il piano inferiore del dipinto “La zattera della Medusa”, è pieno di corpi sofferenti. Nell'ottavo canto dell'Inferno, Dante e Virgilio nuotano attraverso il fiume Stige, in cui si contorcono gli "arrabbiati" e gli "offesi": abbiamo davanti a noi la stessa vecchia guardia che giace, uccisa, sulla zattera di Géricault. Confronta gli angoli dei corpi: questi sono gli stessi personaggi. Dante/Delacroix nuota sopra i caduti senza compassione, supera la città infernale in fiamme di Dit (leggi: l'impero bruciato) e si allontana. "Non valgono parole, guarda e passa", disse il fiorentino, ma Dante aveva in mente estirpatori e filistei, Delacroix dice il contrario. Se La Zattera della Medusa è un requiem per un impero rivoluzionario, allora La Barca di Dante lascia il bonapartismo in un fiume di oblio.

Nel 1824, Delacroix scrisse un'altra replica di "The Raft" di Géricault - "The Death of Sardanapalus". Il letto di un tiranno orientale galleggia sulle onde della dissolutezza e della violenza: gli schiavi uccidono concubine e cavalli vicino al letto di morte del sovrano, così che il re morirà insieme ai suoi giocattoli. La Morte di Sardanapalo è una descrizione del regno di Luigi XVIII, il Borbone, segnato da frivoli divertimenti. Byron ha ispirato il paragone della monarchia europea con la satrapia assira: tutti hanno letto il dramma Sardanapalus (1821). Delacroix ha ripetuto il pensiero del poeta: dopo il crollo delle grandi idee che uniscono l'Europa, è arrivato il regno della dissolutezza.

La morte di Sardanapalo di Delacroix

Byron sognava di smuovere l'Europa assonnata: era un luddista, denunciava l'avida Gran Bretagna, combatteva in Grecia; Il coraggio di Byron suscitò la retorica civica di Delacroix (oltre a La morte di Sardanapalo, si veda la tela Massacro di Chio); tuttavia, a differenza del romantico inglese, Delacroix non è incline a progetti brutali. Come Talleyrand, l'artista soppesa le possibilità e sceglie il mezzo aureo. Nelle tele principali - pietre miliari nella storia politica della Francia: dalla repubblica - all'impero; dall'impero alla monarchia; dalla monarchia alla monarchia costituzionale. L'immagine seguente è dedicata a questo progetto.

3.

"La libertà che guida il popolo" di Delacroix

La grande rivoluzione e il grande impero sono scomparsi nell'oceano della storia, la nuova monarchia si è rivelata miserabile - è anche annegata. È così che appare la terza replica di Delacroix de La zattera della Medusa: il dipinto da manuale "La libertà che guida il popolo", raffigurante i parigini sulla barricata. È generalmente accettato che questa tela sia un simbolo della rivoluzione. Davanti a noi c'è la barricata del 1830; il potere di Carlo X, succeduto sul trono a Luigi XVIII, è rovesciato.

I Borboni sono fuori! Ancora una volta vediamo una zattera che galleggia tra i corpi: questa volta è una barricata.

Dietro la barricata c'è un bagliore: Parigi è in fiamme, il vecchio ordine è in fiamme. È così simbolico. Una donna seminuda, incarnazione della Francia, sventola lo stendardo come lo sventurato sulla zattera della Medusa. La sua speranza ha un indirizzo: si sa chi sostituisce i Borboni. Lo spettatore si sbaglia sul pathos dell'opera, davanti a noi c'è solo un cambio di dinastie: i Borboni furono rovesciati, il trono passò a Luigi Filippo, che rappresentava il ramo di Orleans dei Valois. Gli insorti sulla barricata non combattono per il potere popolare, combattono per la cosiddetta Carta del 1814 sotto un nuovo re, cioè per una monarchia costituzionale.

Per non avere dubbi sulla devozione dell'artista alla dinastia dei Valois, Delacroix scrisse nello stesso anno “La battaglia di Nancy”, rievocando l'evento del 1477. In questa battaglia cadde Carlo X di Borgogna e il vasto ducato di Borgogna passò sotto la corona di Valois. (Che rima: Carlo X di Borgogna e Carlo X di Borbone caddero nella maggior gloria dei Valois.) Se non si considera la tela "La libertà che guida il popolo" insieme alla "Battaglia di Nancy", allora il significato di l'immagine sfugge. Davanti a noi, senza dubbio, c'è una barricata e una rivoluzione, ma peculiare.

Quali sono le opinioni politiche di Delacroix? Diranno che è per la libertà, guarda: la libertà guida il popolo. Ma dove?

L'ispiratore della Rivoluzione di luglio del 1830 fu Adolphe Thiers, lo stesso Thiers che, 40 anni dopo, nel 1871, avrebbe fucilato la Comune di Parigi. Fu Adolphe Thiers a dare inizio alla vita di Delacroix scrivendo una recensione della Barca di Dante. Fu lo stesso Adolphe Thiers, chiamato il "mostro nano", e lo stesso "re pera" Luigi Filippo, su cui il socialista Daumier disegnò centinaia di caricature, per le quali fu imprigionato - per amore del loro trionfo è vale Marianne seminuda con uno stendardo. "Ed erano tra le nostre colonne, a volte i portabandiera dei nostri stendardi", come disse amaramente il poeta Naum Korzhavin più di cento anni dopo, dopo che il figlio di Talleyrand dipinse il famoso quadro rivoluzionario.

Caricature di Daumier di Luigi Filippo il Re delle Pere

Si dirà che questo è un volgare approccio sociologico all'arte, e l'immagine stessa dice il contrario. No, l'immagine dice esattamente questo, se leggi cosa è disegnato nell'immagine.

Il quadro invoca una repubblica? Verso una monarchia costituzionale? Verso la democrazia parlamentare?

Purtroppo non ci sono barricate “in generale”, così come non c'è “opposizione non sistemica”.

Delacroix non ha dipinto tele casuali. Il suo cervello freddo e puramente razionale ha trovato le linee giuste nelle battaglie politiche. Ha lavorato con la determinazione del Kukryniksy e con la convinzione di Deineka. La società formava l'ordine; valutandone la fattibilità, l'artista ha preso in mano il pennello. Molti vogliono vedere un ribelle in questo pittore - ma nei "gilet gialli" di oggi molti vedono "ribelli", ei bolscevichi si sono definiti "giacobini" per molti anni. Questa è la curiosità che le visioni repubblicane si trasformano quasi spontaneamente in imperiali - e viceversa.

Le repubbliche nascono dalla resistenza alla tirannia: da un bruco nasce una farfalla; la metamorfosi della storia sociale dà speranza. La costante trasformazione di una repubblica in un impero e viceversa - un impero in una repubblica, questo meccanismo alternativo sembra essere una sorta di perpetuum mobile della storia occidentale.

La storia politica della Francia (e della Russia, tra l'altro) dimostra la costante trasformazione dell'impero in una repubblica e della repubblica in un impero. Che la rivoluzione del 1830 si sia conclusa con una nuova monarchia è metà del problema; l'importante è che l'intellighenzia abbia placato la sua sete di cambiamento sociale: dopotutto, sotto la monarchia si è formato un parlamento.

Un apparato amministrativo invaso con una rotazione ogni cinque anni; con un'abbondanza di membri del parlamento, la rotazione riguarda una dozzina di persone all'anno. Questo è il parlamento dell'oligarchia finanziaria; scoppiarono ribellioni: i brutti furono fucilati. C'è un'acquaforte di Daumier "Rue Transnanin, 19": l'artista nel 1934 dipinse una famiglia di manifestanti fucilati. I cittadini uccisi avrebbero potuto stare sulla barricata di Delacroix, pensando di combattere per la libertà, ma ora giacciono fianco a fianco, come cadaveri sulla zattera della Medusa. E sono stati uccisi dalla stessa guardia con una coccarda che sta accanto a Marianne sulla barricata.

4.

1830 - inizio della colonizzazione dell'Algeria, Delacroix fu delegato con la missione di artista di stato in Algeria. Non dipinge le vittime della colonizzazione, non crea una tela pari al pathos del "Massacro di Chios", in cui ha bollato l'aggressione turca in Grecia. Tele romantiche sono dedicate ad Algeri; rabbia - verso la Turchia, d'ora in poi la principale passione dell'artista - la caccia.

Credo che in leoni e tigri Delacroix vedesse Napoleone - il paragone dell'imperatore con la tigre era accettato - e qualcosa di più di un imperatore specifico: forza e potenza. Predatori che tormentano i cavalli (ricorda la "Corsa di cavalli liberi" di Gericault) - mi sembra davvero solo che sia raffigurato un impero che tormenta la repubblica? Non c'è pittura più politicizzata delle "cacce" di Delacroix - l'artista ha preso in prestito una metafora dal diplomatico Rubens, che attraverso le "cacce" ha trasmesso la trasformazione della mappa politica. I deboli sono condannati; ma condannato e forte, se la persecuzione è organizzata con competenza.

Corsa di cavalli Géricault

Nel 1840, la politica francese mirava a sostenere il sultano egiziano Mahmut Ali, che era in guerra con l'impero turco. In alleanza con l'Inghilterra e la Prussia, il primo ministro francese Thiers chiede la guerra: dobbiamo prendere Costantinopoli! E così Delacroix dipinge nel 1840 la gigantesca tela "La cattura di Costantinopoli da parte dei crociati" - scrive esattamente quando richiesto.

Al Louvre, lo spettatore può passare davanti a La zattera della Medusa, La barca di Dante, La morte di Sardanapalo, La libertà che guida il popolo, La battaglia di Nancy, La presa di Costantinopoli da parte dei crociati, Le donne di Algeri - e lo spettatore è certo queste foto sono una ventata di libertà. Nella mente dello spettatore, infatti, è stata impiantata quell'idea di libertà, diritto e uguaglianza, che faceva comodo alla borghesia finanziaria dell'Ottocento.

Questa galleria è un esempio di propaganda ideologica.

Il Parlamento di luglio sotto Luigi Filippo divenne uno strumento dell'oligarchia. Honoré Daumier ha dipinto i volti gonfi dei ladri parlamentari; dipingeva anche i derubati, ricorda le sue lavandaie e le carrozze di terza classe - eppure sulla barricata Delacroix sembrava essere tutto in una volta. Lo stesso Delacroix non era più interessato al cambiamento sociale. La rivoluzione, come la intendeva il figlio di Talleyrand, avvenne nel 1830; tutto il resto è ridondante. È vero, l'artista dipinge il suo autoritratto del 1837 sullo sfondo di un bagliore, ma non lusingarti: questo non è affatto il fuoco della rivoluzione. Una comprensione dosata della giustizia è diventata popolare nel corso degli anni tra i pensatori sociali. È nell'ordine delle cose fissare i cambiamenti sociali a un punto che sembra progressivo, e poi, dicono, arriverà la barbarie (confronta il desiderio di fermare la rivoluzione russa nella fase di febbraio).

È facile vedere come ogni nuova rivoluzione sembra confutare quella precedente. La rivoluzione precedente appare in relazione alla nuova protesta come "vecchio regime" e persino "impero".

Il Parlamento di luglio di Luigi Filippo somiglia al Parlamento europeo di oggi; in ogni caso, oggi la frase "Impero di Bruxelles" è diventata familiare alla retorica di socialisti e nazionalisti. I poveri, i nazionalisti, la destra e la sinistra si ribellano contro "l'Impero di Bruxelles" - parlano quasi di una nuova rivoluzione. Ma nel recente passato, lo stesso progetto di un'Europa comune è stato rivoluzionario rispetto agli imperi totalitari del ventesimo secolo.

Di recente sembrava che questa fosse una panacea per l'Europa: unificazione su principi repubblicani, socialdemocratici, e non sotto lo stivale dell'impero; ma la metamorfosi nella percezione è una cosa comune.

La simbiosi della repubblica-impero (farfalle-bruchi) è caratteristica della storia europea: l'Impero napoleonico, la Russia sovietica, il Terzo Reich sono precisamente caratterizzati dal fatto che l'impero è nato dalla fraseologia repubblicana. E ora lo stesso insieme di rivendicazioni è stato presentato a Bruxelles.

5.

L'Europa della socialdemocrazia! Da quando Adenauer e de Gaulle hanno rivolto le loro penne d'oca alle dittature totalitarie, per la prima volta in settant'anni e sotto i miei occhi, la tua mappa misteriosa sta cambiando. Il concetto che è stato creato dagli sforzi dei vincitori del fascismo si sta diffondendo e sgretolando. Un'Europa comune rimarrà un'utopia e la zattera nell'oceano non suscita simpatia.

Non hanno più bisogno di un'Europa unita. Gli stati-nazione sono il nuovo sogno.

Le forze centrifughe nazionali e le proteste di stato non coincidono nelle motivazioni, ma agiscono in modo sincrono. Le passioni dei catalani, degli scozzesi, dei gallesi, degli irlandesi; rivendicazioni statali di Polonia o Ungheria; la politica del paese e la volontà del popolo (Gran Bretagna e Francia); la protesta sociale ("gilet gialli" e manifestanti greci) sembrano essere fenomeni di un ordine diverso, ma è difficile negare che, agendo all'unisono, tutti stanno partecipando a una causa comune: stanno distruggendo l'Unione europea.

La furia dei "gilet gialli" si chiama rivoluzione, le azioni dei polacchi si chiamano nazionalismo, la "Brexit" è una politica statale, ma, distruggendo l'Unione Europea, strumenti di varie dimensioni lavorano insieme.

Se dici a un radicale in gilet giallo che sta lavorando con un nazionalista austriaco e dici a un attivista per i diritti greci che sta aiutando il progetto polacco "da mare a mare", i manifestanti non ci crederanno;

come Mélenchon non creda di essere tutt'uno con Marine Le Pen. Come dovrebbe essere chiamato il processo di distruzione dell'Unione Europea: rivoluzione o controrivoluzione?

Nello spirito delle idee delle rivoluzioni americana e francese, hanno messo un segno di uguale tra "popolo" e "stato", ma il vero corso degli eventi separa costantemente i concetti di "popolo", "nazione" e "stato ”. Chi protesta oggi contro l'Europa unita: il popolo? nazione? stato? I “gilet gialli” ovviamente vogliono apparire come “il popolo”, l'uscita della Gran Bretagna dall'UE è un passo dello “stato”, e la protesta della Catalogna è un gesto della “nazione”. Se l'Unione Europea è un impero, quale di questi passaggi dovrebbe essere chiamato "rivoluzione" e quale "controrivoluzione"? Chiedi per le strade di Parigi o di Londra: in nome di cosa è necessario distruggere gli accordi? La risposta sarà degna delle barricate del 1830 - in nome della Libertà!

La libertà è tradizionalmente intesa come i diritti del "terzo stato", le cosiddette "libertà borghesi". Abbiamo concordato di considerare la "classe media" odierna come una sorta di equivalente del "terzo stato" del diciottesimo secolo - e la classe media rivendica i propri diritti a dispetto degli attuali funzionari statali. Questo è il pathos delle rivoluzioni: il produttore insorge contro l'amministratore. Ma diventa sempre più difficile usare gli slogan del "terzo stato": i concetti di "mestiere", "professione", "impiego" sono tanto vaghi quanto i concetti di "proprietario" e "strumento di lavoro". I "gilet gialli" hanno una composizione variegata; ma questo non è affatto il "terzo stato" del 1789.

Il capo di oggi di una piccola impresa francese non è un produttore, lui stesso si occupa dell'amministrazione: prende e smista gli ordini, aggira le tasse, passa ore al computer. In sette casi su dieci i suoi dipendenti sono originari dell'Africa e provenienti dalle repubbliche dell'ex blocco di Varsavia. Sulle barricate degli odierni "gilet gialli" ci sono tanti "ussari americani" - così venivano chiamati gli africani durante la Grande Rivoluzione Francese del 1789, che, approfittando del caos, perpetrarono rappresaglie contro la popolazione bianca.

È imbarazzante parlarne, ma oggi ci sono un ordine di grandezza più "ussari americani" che nel XIX secolo.

La "classe media" sta ora subendo una sconfitta - ma la classe media ha ancora la volontà politica di spingere le chiatte di profughi al largo delle coste europee (ecco un'altra foto di Géricault) e di affermare i propri diritti non solo nei confronti della classe dirigente, ma, soprattutto, e verso gli stranieri. E come si può unire una nuova protesta se mira a disintegrare l'associazione? Protesta nazionale, movimenti nazionalisti, rivendicazioni sociali, revanscismo monarchico e un appello per un nuovo progetto totale - tutto intrecciato insieme. Ma la Vandea, che si ribellò alla Repubblica, fu un movimento eterogeneo. In realtà, la "ribellione vandeana" era contadina, diretta contro l'amministrazione repubblicana, ei "Chuan" erano monarchici; una cosa univa i ribelli: il desiderio di annegare la zattera della Medusa.

"Henri de La Rochejaquelin alla battaglia di Cholet" di Paul-Emile Boutigny - uno degli episodi della ribellione della Vandea

Quello che stiamo vedendo oggi non è altro che la Vandea del 21° secolo, un movimento multi-vettoriale contro una repubblica paneuropea. Uso il termine "Vendée" come definizione specifica, come nome del processo che schiaccerà la fantasia repubblicana. Vandea, c'è un processo permanente nella storia, è un progetto antirepubblicano volto a trasformare una farfalla in un bruco.

Per quanto paradossale possa sembrare, non c'è alcuna lotta per i diritti civili sull'attuale zattera Meduza. La "classe media" sofferente non è privata né del diritto di voto, né della libertà di riunione, né della libertà di parola. La lotta è per qualcos'altro - e se presti attenzione al fatto che la lotta per il rifiuto degli obblighi reciproci in Europa ha coinciso con il rifiuto della simpatia per gli stranieri, allora la risposta suonerà strana.

C'è una lotta per un diritto uniforme all'oppressione.

Prima o poi, ma la Vandea trova il suo leader, e il leader accumula tutte le rivendicazioni antirepubblicane in un unico complotto imperiale.

La “Politia” (l'utopia di Aristotele) fa bene a tutti, ma affinché esistesse una società di cittadini uguali, erano necessari gli schiavi (secondo Aristotele: “schiavi nati”), e questo posto degli schiavi oggi è vacante. La questione non è se la classe media di oggi corrisponda all'ex terzo stato; la domanda è più terribile: chi prenderà esattamente il posto del proletariato e chi sarà nominato al posto degli schiavi.

Delacroix non ha scritto una tela su questo, ma la risposta esiste comunque; la storia lo ha fornito più di una volta.

E l'ufficiale, sconosciuto a nessuno,
guarda con disprezzo, freddo e muto,
Su folle violente cotta insensata
E, ascoltando il loro ululato frenetico,
Infastidito dal fatto che non ci sia la mano
Due batterie: dissipa questo bastardo.

Probabilmente lo farà.

Oggi è bruciata la cattedrale e domani un nuovo tiranno spazzerà via la repubblica e distruggerà l'Unione europea. Questo può accadere.

Ma, statene certi, la storia del Gotico e della Repubblica non finirà qui. Ci sarà un nuovo Daumier, un nuovo Balzac, un nuovo Rabelais, un nuovo de Gaulle e un nuovo Viollet-le-Duc, che ricostruiranno Notre-Dame.

Delacroix creò un dipinto basato sulla Rivoluzione di luglio del 1830, che pose fine al regime di Restaurazione della monarchia borbonica. Dopo numerosi schizzi preparatori, gli ci vollero solo tre mesi per completare il dipinto. In una lettera al fratello del 12 ottobre 1830, Delacroix scrive: "Se non ho combattuto per la Patria, almeno scriverò per lei". L'immagine ha anche un secondo nome: "La libertà che guida il popolo". All'inizio l'artista voleva semplicemente riprodurre uno degli episodi delle battaglie di luglio del 1830. Ha assistito all'eroica morte di d "Arcol quando i ribelli hanno catturato il municipio di Parigi. Un giovane è apparso sul ponte sospeso di Greve sotto il fuoco ed ha esclamato:" Se muoio, ricorda che mi chiamo d "Arcol". Ed è stato davvero ucciso, ma è riuscito ad affascinare la gente.

Nel 1831, al Salon di Parigi, i francesi videro per la prima volta questo dipinto, dedicato ai "tre giorni gloriosi" della Rivoluzione di luglio del 1830. La tela ha fatto un'impressione sbalorditiva sui contemporanei con il potere, la democrazia e il coraggio della decisione artistica. Secondo la leggenda, un rispettabile borghese esclamò: “Dici - il capo della scuola? Dimmi meglio: il capo della ribellione! *** Dopo la chiusura del Salon, il governo, spaventato dal formidabile e stimolante appello emanato dal quadro, si affrettò a restituirlo all'autore. Durante la rivoluzione del 1848, fu nuovamente esposto al pubblico nel Palazzo del Lussemburgo. E di nuovo tornò all'artista. Solo dopo che la tela fu esposta all'Esposizione Universale di Parigi nel 1855, finì al Louvre. Una delle migliori creazioni del romanticismo francese è conservata qui fino ad oggi: un resoconto ispirato di un testimone oculare e un monumento eterno alla lotta del popolo per la propria libertà.

Quale linguaggio artistico ha trovato il giovane romantico francese per fondere insieme questi due principi apparentemente opposti: una generalizzazione ampia e onnicomprensiva e una realtà concreta, crudele nella sua nudità?

La Parigi delle famose giornate di luglio 1830. In lontananza, appena percettibili, ma si innalzano con orgoglio le torri della cattedrale di Notre Dame, simbolo della storia, della cultura e dello spirito del popolo francese. Da lì, dalla città fumosa, sulle rovine delle barricate, sui cadaveri dei compagni morti, gli insorti si fanno avanti ostinatamente e risolutamente. Ognuno di loro può morire, ma il passo dei ribelli è irremovibile: sono ispirati dalla volontà di vincere, di libertà.

Questa forza ispiratrice si incarna nell'immagine di una bellissima giovane donna, in uno sfogo appassionato che la chiama. Con un'energia inesauribile, una velocità di movimento libera e giovanile, è come la dea greca della vittoria, Nike. La sua figura forte è vestita con un abito di chitone, il suo viso dai lineamenti perfetti, con gli occhi ardenti, è rivolto ai ribelli. In una mano tiene la bandiera tricolore della Francia, nell'altra una pistola. Sulla testa c'è un berretto frigio, un antico simbolo di liberazione dalla schiavitù. Il suo passo è rapido e leggero: è così che camminano le dee. Allo stesso tempo, l'immagine di una donna è reale: è la figlia del popolo francese. È la forza guida dietro il movimento del gruppo sulle barricate. Da esso, come da una fonte di luce al centro dell'energia, si irradiano raggi che si caricano di sete e voglia di vincere. Coloro che vi sono vicini, ciascuno a suo modo, esprimono il loro coinvolgimento in questa stimolante chiamata.

A destra c'è un ragazzo, un gamen parigino, che brandisce delle pistole. È il più vicino alla Libertà e, per così dire, acceso dal suo entusiasmo e dalla gioia del libero impulso. In un movimento rapido, fanciullesco impaziente, è anche un po 'più avanti del suo ispiratore. Questo è il predecessore del leggendario Gavroche, interpretato vent'anni dopo da Victor Hugo in Les Misérables: “Gavroche, pieno di ispirazione, radioso, si è assunto il compito di mettere in moto il tutto. Correva avanti e indietro, si alzava, cadeva, si rialzava, faceva rumore, brillava di gioia. Sembrerebbe che sia venuto qui per rallegrare tutti. Aveva qualche motivo per questo? Sì, certo, la sua povertà. Aveva le ali? Sì, certo, la sua allegria. Era una specie di tromba d'aria. Sembrava riempire l'aria di sé, essendo presente ovunque allo stesso tempo... Enormi barricate lo sentivano sulla sua spina dorsale.**

Gavroche nella pittura di Delacroix è la personificazione della giovinezza, un "bellissimo impulso", una gioiosa accettazione dell'idea luminosa di Libertà. Due immagini - Gavroche e Liberty - sembrano completarsi a vicenda: una è un fuoco, l'altra è una torcia accesa da esso. Heinrich Heine ha raccontato quale vivace risposta ha suscitato tra i parigini la figura di Gavroche. "Accidenti! esclamò un droghiere, "quei ragazzi hanno combattuto come giganti!" ***

Sulla sinistra c'è uno studente con una pistola. In precedenza, era visto come un autoritratto dell'artista. Questo ribelle non è veloce come Gavroche. Il suo movimento è più contenuto, più concentrato, significativo. Le mani stringono con sicurezza la canna della pistola, il viso esprime coraggio, ferma determinazione a resistere fino alla fine. Questa è un'immagine profondamente tragica. Lo studente è consapevole dell'inevitabilità delle perdite che subiranno i ribelli, ma le vittime non lo spaventano: la volontà di libertà è più forte. Dietro di lui c'è un lavoratore altrettanto coraggioso e risoluto con una sciabola. Ferito ai piedi della Libertà. Si alza faticosamente per guardare ancora una volta la Libertà, per vedere e sentire con tutto il cuore quella bellezza per la quale sta morendo. Questa figura dà un inizio drammatico al suono della tela di Delacroix. Se le immagini di Gavroche, Liberty, lo studente, il lavoratore sono quasi simboli, l'incarnazione dell'inesorabile volontà dei combattenti per la libertà - ispirano e chiamano lo spettatore, allora l'uomo ferito chiede compassione. L'uomo dice addio alla Libertà, dice addio alla vita. È ancora un impulso, un movimento, ma già un impulso che svanisce.

La sua figura è di transizione. Lo sguardo dello spettatore, ancora affascinato e trascinato dalla determinazione rivoluzionaria dei ribelli, scende fino ai piedi della barricata, ricoperto dai corpi dei gloriosi caduti. La morte è presentata dall'artista in tutta la nudità e l'evidenza del fatto. Vediamo i volti blu dei morti, i loro corpi nudi: la lotta è spietata e la morte è una compagna altrettanto inevitabile dei ribelli quanto la bellissima ispiratrice Libertà.

Dalla terribile vista sul bordo inferiore dell'immagine, alziamo di nuovo gli occhi e vediamo una bellissima figura giovane - no! la vita vince! L'idea di libertà, incarnata in modo così visibile e tangibile, è così focalizzata sul futuro che la morte nel suo nome non è terribile.

L'artista raffigura solo un piccolo gruppo di ribelli, vivi e morti. Ma i difensori della barricata sembrano insolitamente numerosi. La composizione è costruita in modo tale che il gruppo di combattenti non sia limitato, non chiuso in se stesso. Lei è solo una parte di una valanga infinita di persone. L'artista dà, per così dire, un frammento del gruppo: la cornice del quadro taglia le figure da sinistra, destra e in basso.

Di solito il colore nelle opere di Delacroix acquisisce un suono emotivo, gioca un ruolo dominante nel creare un effetto drammatico. I colori, a volte impetuosi, a volte sbiaditi, ovattati, creano un'atmosfera tesa. In Liberty at the Barricades, Delacroix si discosta da questo principio. Scegliendo in modo molto accurato, inequivocabilmente la vernice, applicandola con pennellate larghe, l'artista trasmette l'atmosfera della battaglia.

Ma la gamma di colori è contenuta. Delacroix si concentra sulla modellazione in rilievo della forma. Ciò era richiesto dalla soluzione figurativa dell'immagine. Dopotutto, raffigurando uno specifico evento di ieri, l'artista ha anche creato un monumento a questo evento. Pertanto, le figure sono quasi scultoree. Pertanto, ogni personaggio, essendo parte di un unico insieme del quadro, costituisce anche qualcosa di chiuso in sé, rappresenta un simbolo gettato in una forma compiuta. Pertanto, il colore non solo influenza emotivamente i sentimenti dello spettatore, ma porta anche un carico simbolico. Nello spazio grigio-marrone, qua e là, una solenne triade di bagliori rossi, blu e bianchi, i colori dello stendardo della Rivoluzione francese del 1789. La ripetuta ripetizione di questi colori sostiene l'accordo potente del tricolore che sventola sulle barricate.

Il dipinto di Delacroix "Libertà sulle barricate" è un'opera complessa e grandiosa nella sua portata. Qui si combinano l'autenticità del fatto direttamente visto e il simbolismo delle immagini; realismo, raggiungendo il naturalismo brutale e la bellezza ideale; ruvido, terribile e sublime, puro.

Il dipinto "Libertà sulle barricate" ha consolidato la vittoria del romanticismo nella "Battaglia di Poitiers" francese e "L'assassinio del vescovo di Liegi". Delacroix è autore di dipinti non solo sui temi della Rivoluzione francese, ma anche di composizioni di battaglie su argomenti di storia nazionale ("La battaglia di Poitiers"). Durante i suoi viaggi, l'artista ha realizzato una serie di schizzi dal vero, sulla base dei quali ha creato dipinti dopo il suo ritorno. Queste opere si distinguono non solo per il loro interesse per l'esotico e la colorazione romantica, ma anche per l'originalità profondamente sentita della vita, della mentalità e dei personaggi nazionali.

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