Rokotov, Fedor Stepanovich. Ritratto di A.P. Struyskaya. 1772. Galleria Tretyakov
Tela, olio. 59,8 x 47,5

La donna del ritratto sembra emergere dall'oscurità, lui è semiassorto nella foschia. Solo gli occhi espressivi sono chiaramente definiti: luminosi, accattivanti. Di particolare successo nel ritratto di Struyskaya, gli occhi sono sempre interessanti nei ritratti di Rokotov. Esprimono una gamma di sentimenti, sono sempre particolarmente luminosi e formano il centro del ritratto. Parlano persino degli "occhi di Rokotov" come di uno speciale "saper fare".
Il ritratto è stato commissionato da Nikolai Struysky, il marito di Alexandra Petrovna. Allo stesso tempo, Rokotov ha anche dipinto un ritratto dello stesso Nikolai Struysky. Eseguito allo stesso modo, Nikolai Struysky è ancora molto meno conosciuto. Questo ritratto può essere visto anche nella Galleria Tretyakov, in un'altra stanza.
Presumibilmente, per il matrimonio sono stati ordinati ritratti accoppiati e, in questo caso, Alexandra Struyskaya non ha più di 18 anni nel ritratto.
Rokotov rimase amico della famiglia Struysky per molti anni, e Nikolai Struysky fu quasi l'unico ammiratore del talento di Rokotov, e fu il primo a raccogliere una raccolta delle sue opere.
Molte storie contrastanti vengono raccontate su Nikolai Struysky. Amante della pittura e della letteratura, impegnato nell'editoria, rimase comunque un tiranno in casa, per i servi - un piccolo tiranno.
Lo "strano gentiluomo", tra l'altro, si immaginava un poeta e dedicava alla sua adorata moglie mazzi di versi goffi e ingombranti. Ironia della sorte, nessuno di loro è passato alla storia, ma la poesia dedicata non alla bellezza stessa, ma al ritratto di Rokotov, è diventata un libro di testo.
Questo è il famoso "Ritratto" di Nikolai Zabolotsky, dipinto nel XX secolo, dopo la morte di tutti e tre i personaggi: l'artista ed entrambi i suoi modelli.
Ama la pittura, poeti!
Solo lei, l'unica, è data
Anime dai segni mutevoli
Trasferisci su tela.
Ti ricordi come dall'oscurità del passato,
Appena avvolto in raso
Di nuovo dal ritratto di Rokotov
Struyskaya ci ha guardato?
I suoi occhi sono come due nuvole
Mezzo sorriso, mezzo pianto
I suoi occhi sono come due bugie
Coperto dalla nebbia dei fallimenti.
Combinazione di due misteri
Mezza gioia, metà paura
Un impeto di folle tenerezza,
L'anticipazione dei tormenti di morte.
Quando arriva l'oscurità
E la tempesta sta arrivando
Dal profondo della mia anima sfarfallio
I suoi begli occhi.

Borovikovsky Vladimir Lukich
Ritratto di MI Lopukhina
1797
Tela, olio
72 x 53,5

"È morta da tempo e non ci sono più quegli occhi
E non c'è sorriso che sia stato espresso silenziosamente
La sofferenza è l'ombra dell'amore e i pensieri sono l'ombra del dolore,
Ma Borovikovsky ha salvato la sua bellezza.
Quindi parte della sua anima non è volata via da noi,
E ci sarà questo aspetto e questa bellezza del corpo
Per attirare a lei una prole indifferente,
Insegnandogli ad amare, soffrire, perdonare, tacere"
(Y. Polonsky)

Borovikovsky ha una cosa misteriosa: un ritratto di M. I. Lopukhina, senza dubbio, la sua opera migliore, il suo capolavoro. Colpisce innanzitutto la luce di cui è inondata la figura di una donna, che, come ha giustamente notato T. Alekseeva, “assorbe la luminosità del colore”, e le macchie di colore (useremo la sua osservazione, che però riguarda, tuttavia, a un altro ritratto di Borovikovsky) sorgono "come dal profondo dello sfondo aereo". Lopukhina è immersa in questo flusso d'aria.
Come sempre con Borovikovsky, indossa un abito bianco e una sciarpa colorata, come sempre è leggermente spostata a destra in modo da poter vedere il paesaggio. È un po 'civettuola a sua volta, estremamente indipendente e sovrana, guarda con una certa sfida. Ma questa luce che scivola su un viso giovane, questi riccioli volanti, queste labbra così teneramente delineate (semplicemente non tremano) - tutto in questo viso accattivante è pieno di morbidezza e lirismo - la stessa creduloneria che ispira perfetta fiducia. Ma la sensazione di leggerezza, lirismo e creduloneria scompare subito, basta guardarla negli occhi: hanno il verde duro dell'uva. No, anzi di più: sono alienati, quasi ostili. In ogni caso, la barriera è ancora più netta e netta di quella dei modelli di Rokotov. Con quale abilità realistica è scritta la faccia di Lopukhina, eppure la realtà più alta risulta essere un'esperienza profonda sconosciuta che indoviniamo (che, più precisamente, stiamo cercando di svelare). Per quanto diversi possano essere i due artisti, anche polari, nel modo di scrivere, nello stile, in relazione al modello, nella visione del mondo, Borovikovsky si avvicina ancora a Rokotov nella sua opera migliore, e il terreno comune per il riavvicinamento è la vicinanza all'inconoscibile e la sensazione di un velo.
Chaikovskaya O.G. "Like a Curious Scythian...": Ritratto russo e memorie della seconda metà del XVIII secolo. - M.: Libro, 1990. S.267.
(

Valentin Alexandrovich Serov
Ragazza illuminata dal sole (Ritratto di M.Ya.Simonovich)
Tela, olio. 89,5x71 cm.
Galleria Statale Tretyakov, Mosca.

Maria Yakovlevna Simonovich (1864-1955), sua cugina, ha posato per l'artista. L'originalità della composizione si esprimeva nel fatto che il modello è posto sotto la chioma degli alberi. Con tratti frazionari, Serov trasmette il gioco dei raggi di sole, lo sfarfallio delle ombre colorate. I raggi caldi e delicati non disturbano lo stato incantato della giovane eroina. La sua postura rilassata esalta l'impressione di dissolvenza in riflessi di luce e bagliori iridescenti. Solo il viso, la camicetta bianca e le mani della ragazza sono ricoperte di riflessi impressionistici di colore, ei dettagli che incorniciano la sua figura sono dipinti con colori scuri. Colpisce l'abilità dell'artista nel raffigurare gli occhi della modella, da cui sembra scaturire una luce soffusa. Nasce così un'immagine della compenetrazione della luce solare e della luce dell'anima umana.

Somov Konstantin Andreevich
(1869-1939)
Ritratto di EP Nosova. 1911
Tela, olio. 138,5 x 88 cm
Galleria Statale Tretyakov

Nel 1910, nei giorni in cui Somov arrivò a Mosca e iniziò a lavorare a un ritratto di Evfemia Pavlovna Nosova, scrisse nelle lettere: “Bionda, magra, con un viso pallido, uno sguardo fiero e molto intelligente, buon gusto allo stesso tempo .”
Evfimiya Pavlovna è nota per essere stata la figlia di uno dei Ryabushinsky, famosi mercanti e industriali della terza generazione, partecipanti diretti, guidati dall'architetto Shekhtel, allo sviluppo dell'Art Nouveau russo. È nata nel 1883 (indicano anche il 1881, ma l'anno della morte è in dubbio). In ogni caso, nel libro “K.A. Somov. Il mondo dell'artista. Lettere. Diari. Giudizi dei contemporanei. Mosca, 1979, che ho tenuto tra le mani nello stesso 1979, è stato riferito che E.P. Nosova vive a Roma.
Il ritratto fu ordinato a Somov, che venne a Mosca per dipingere un ritratto di G. L. Girshman, apparentemente in relazione a un matrimonio, imminente o passato, nello stesso 1910. Con la data di nascita e morte, c'è ancora un completo disaccordo. Se Evfimiya Pavlovna (nome di una nonna di una famiglia di Old Believer) è nata nel 1883, è strano che si sposi solo a 27 anni. Studiava musica e pittura, amava il teatro, forse sognava un palcoscenico? E secondo altre fonti, è nata nel 1881, è morta nel 1970. Quindi si è sposata solo a 29 anni? È una sposa bella e ricca?
Ci sono anche dati su nascita e morte: 1886-1976. Anche i giorni ei mesi sono elencati. Sembra che questi siano i più fedeli. Si sposa a 24 anni, e vediamo una giovane donna a un punto di svolta nella sua vita, orgogliosa e ostinata nella sua giovinezza. Il libro che ho citato era pronto per la pubblicazione due o tre anni prima della sua pubblicazione, se non prima, secondo il piano, i libri venivano pubblicati in quel momento ed Evfemia Pavlovna poteva ancora vivere a Roma.
E il suo ritratto di Somov finì nella Galleria Tretyakov insieme alla sua collezione, dove lo trasferì nel 1917 per la conservazione. La sua collezione comprendeva dipinti di Rokotov, completamente dimenticati a quel tempo, Borovikovsky, Kiprensky, Venetsianov. Strano, non ricordo se ho visto un ritratto di E.P. Nosova nelle pareti della Galleria Tretyakov? Potrei non sapere ancora nulla dell'artista, ma il tipo di bellezza della sua modella avrebbe sicuramente attirato la mia attenzione.
Somov ha scritto: “È seduta con un abito di raso bianco, decorato con pizzo nero e coralli, è di Lamanova, ha 4 fili di perle intorno al collo, i suoi capelli sono mozzafiato ... come una specie di enorme scarabeo in testa .” Lo si vede anche dalla riproduzione nel libro: Evfimiya Pavlovna è, infatti, una modella straordinaria. E questo non è solo nella ricchezza, ma nello stile, figlio della modernità russa, il suo modello vivente, pur non essendo l'ombra della decadenza, ma la bellezza e il potere dell'affermazione della vita.
Somov ha scritto: “Ero nel palco di Nosova, che era vestita in modo mozzafiato, un abito di raso blu brillante, ricamato con sete di madreperla con spalle di tulle rosa, sul collo una riviera con lunghe estremità pendenti di grandi trefl di diamanti, collegati da diamanti...”
Evfimiya Pavlovna, socialite e collezionista di dipinti di artisti russi del XVIII - inizio XIX secolo, 27 anni. Prenderemo in considerazione 24. L'età migliore della bellezza femminile, quando la giovinezza fa ancora capolino attraverso la femminilità matura, ma non un'ombra di frivolezza e vanità, ma serietà premurosa e l'orgoglio più naturale di una personalità eccezionale.
"Lei è molto bella. Ma che tormento è il suo vestito, non esce niente ... ”- l'artista cade direttamente nella disperazione. Ma posare per una bellezza brillante giorno dopo giorno non è un compito facile. Va anche notato che l'abito di Lamanova non è stato facile per lei. Non a causa del prezzo. Nadezhda Pavlovna Lamanova (1861-1941) creò abiti come opera d'arte e non in generale, ma sotto una modella, passando da manichino a modella vivente, alterazioni e lavorazioni, come una pittrice, portandola spesso allo svenimento. Le signore hanno resistito, perché sapevano: si sarebbe consumata, ma il vestito sarebbe uscito come da Parigi. Da una prospettiva storica è chiaro, meglio che da Parigi.
Somov prende nota: "Ho confessato il mio fallimento, lei mi rinvigorisce, dice che è testarda e paziente".
Possedendo gusto artistico, sapeva che sia l'abito di Lamanova che il suo ritratto di Somov sarebbero stati dei capolavori, e cercava ostinatamente e pazientemente per la sua parte lo stesso di questi artisti, ciascuno nella sua sfera, e la sua sfera era la vita stessa in sue più alte manifestazioni.
Somov, sempre insoddisfatto di se stesso, sempre disperato nel corso del lavoro, ha lavorato scrupolosamente dove altri non avrebbero trovato cos'altro si potesse fare e ha creato qualcosa di unico. Il ritratto fu completato nel 1911. Un'interessante valutazione di Mikhail Nesterov, che sembrava non aver visto la famosa bellezza a Mosca, partecipante alle riunioni della Society of Free Aesthetics.
Da una lettera di M. Nesterov del 3 marzo 1911 (Mosca):
“Bene, per finire degnamente la mia scrittura, ti parlerò del nuovo grande ritratto di Somov con una certa Nosova esposto qui al World of Art - qui, fratello, è un vero capolavoro! - un'opera tanto attesa, su cui ti rilassi. Quindi è penetrante, sobrio-nobile, magistralmente rifinito. Questo non è Levitsky e non Kramskoy, ma qualcosa di vicino per bellezza al primo e per serietà al secondo. Immediatamente l'uomo divenne un grandissimo maestro.
L'artista vede prima di tutto il lavoro dell'artista, intanto è chiaro: alla base del successo c'è un modello straordinario con il suo interesse per l'arte, soprattutto per la pittura russa del XVIII - inizio XIX secolo. E al Rinascimento in Italia.
Evfimia Pavlovna, dopo aver sposato VV Nosov, figlio di un produttore di tessuti, si stabilì in una villa in piazza Vvedenskaya, i cui interni furono immediatamente modificati a suo piacimento. Ha attirato alla sua idea famosi architetti e artisti, anche Valentin Serov, con il quale, dicono, non andava d'accordo, ma molto probabilmente è morto presto, e ha persino mandato Mstislav Dobuzhinsky in Italia, probabilmente per visitare dove era già stata, e lui Al suo ritorno, realizzò un affresco nello spirito di quelli visti nel palazzo di Cosimo Medici: su fondo cobalto con dorature, è riprodotta una trama mitologica con l'inserimento di ritratti dei proprietari del palazzo. Si parla di neoclassicismo quando c'è la stessa estetica rinascimentale di Sandro Botticelli.
Le modifiche all'interno del palazzo, la creazione di un affresco nello spirito del Rinascimento sono andate di pari passo con il lavoro di Somov sul ritratto di E.P. In effetti, un capolavoro, un capolavoro mondiale dell'arte russa. Somov non ha niente del genere. Un puro classico tra le sue fantasie romantiche.
Petr Kile

Serebryakova Zinaida Evgenievna. Dietro la toilette. Auto ritratto. 1909.
Galleria Statale Tretyakov, Mosca
Tela su cartone, olio.
75x65 cm

La composizione è presentata come un riflesso in uno specchio, che è tradizionale per il genere dell'autoritratto. Questa tecnica porta un tocco di intimità e allo stesso tempo crea il distacco necessario. L'artista dietro la toilette mattutina sembra guardarsi di lato, come se fosse una modella in posa. Il motivo di "attraverso lo specchio" non evoca un senso di mistero. Anche le candele, che di solito simboleggiano la caducità del tempo nella pittura, sembrano dimenticare il loro significato nell'atmosfera luminosa del quadro. Lo spazio della stanza è pieno di sfumature di bianco. Dagli enormi occhi castani lucenti, il volto amichevole dell'eroina irradia calore. Mani e capelli incorniciano il viso. Invece degli attributi della pittura, sulla toletta ci sono gli attributi della bellezza femminile. Serebryakova non dimostra in alcun modo la sua appartenenza ai suoi colleghi artisti. Si ha la sensazione che l'autoritratto sia stato scritto per persone vicine alla cerchia familiare.

ALTMAN Natan Isaevich (1889-1970)

"... Altman è rimasto colpito dal suo aspetto, dalla sua magnifica capacità di sopportare il peso della sua improvvisa fama, che già dava a questa giovane donna, la sua età, qualcosa di regale. Quando Altman ha chiesto ad Akhmatova di posare per lui, lei ha accettato, anche se lei era già proprietario di uno splendido disegno di Modigliani, che però Altman non poteva vedere: Anna Andreevna, la giovane moglie di Lev Gumilyov, non poteva mostrarlo a nessuno All'inizio, N. Altman fece una caricatura amichevole con un colpo solo , poco conosciuto oggi. Il famoso ritratto è apparso più tardi, quando sono iniziate lunghe sessioni nello studio della soffitta sull'isola Vasilyevsky , dove Anna Akhmatova viveva in un dormitorio studentesco. Natan Altman viveva nelle vicinanze, o nella "casa arredata di New York", come Akhmatova in seguito ricordato, o nelle stanze arredate "Knyazhy Dvor", come lui stesso ha ricordato Altman ha dipinto una donna dell'era futuristica , che è simile al ritmo urbano, vi scriveva fiducia in se stessi, salute, flessibilità quasi acrobatica della figura. sottotesto e drammaturgia nascosta. E si possono solo immaginare i motivi che hanno costretto Altman a ripensare l'immagine di Akhmatova. Quando questo ritratto è stato dipinto, Anna Andreevna viveva da sola a San Pietroburgo, avendo lasciato Tsarskoe Selo e la casa di Gumilev. La sua rottura definitiva con Gumilyov è arrivata, ed è stato come se fosse iniziata un'altra vita, ha provato la sensazione di una nuova nascita e, probabilmente, lei stessa non aveva idea di come sarebbe stata. Almeno, una tale conclusione può essere tratta dalle poesie di Akhmatov su questo ritratto di se stesso:

Come in uno specchio, ho guardato con ansia
Su una tela grigia, e ogni settimana
Tanto più amara e strana era la somiglianza
Il mio con la mia nuova immagine...

Questo è uno dei migliori ritratti di Altman, uno in cui la sua passione per il collegamento di ciò che non è connesso ha avuto un effetto inaspettato. Se omettiamo le sfumature liriche, il ritratto di Akhmatova è un ritratto tipicamente secolare e, allo stesso tempo, un ritratto d'avanguardia. C'è sia nitidezza che giustificazione estetica in una tale miscela di stili. Il ritratto di Akhmatova fece scalpore in una delle mostre d'arte a San Pietroburgo nel 1915. Il noto critico L. Bruni ha scritto che "questa non è una cosa, ma una pietra miliare nell'arte" ... Il potere del ritratto di Altman non solo ha fissato l'immagine di Akhmatova nelle menti dei contemporanei, ma si è rivelato ipnotico molti anni dopo, quando esistevano già altri suoi ritratti e la stessa Akhmatova era già diversa. Il ritratto è stato ricordato anche cinque anni dopo la sua apparizione: "Ti conosco e ti amo dal giorno in cui ho visto il tuo ritratto di Akhmatova", ha scritto Vyach. Ivanov nell'album dell'artista nel 1920. Ricordato vent'anni dopo. MV Alpatov, che vide per la prima volta Akhmatova negli anni '30, ricordò lo stesso ritratto: "In quel momento la porta si aprì e lei stessa entrò nella stanza, impercettibilmente e facilmente, come se fosse uscita dal ritratto di Altman". È interessante notare che alla stessa Akhmatova non è mai piaciuto il ritratto di Altman, ripetendo ancora e ancora che non le piace il ritratto di Altman "come qualsiasi stilizzazione nell'arte". Non tollerava l'immagine mitologica che aveva preso forma negli anni '10 e che aveva seguito Akhmatova per tutta la vita, sebbene il suo destino non fosse affatto secondo questo ritratto.
(

Marina Cvetaeva "Anna Akhmatova"
Campo stretto, non russo -
Sopra i fogli.
Scialle dai paesi turchi
Cadde come un mantello.

Sarai consegnato a uno
Linea nera spezzata.
Freddo - in divertimento, caldo -
Nella tua disperazione.

Tutta la tua vita è un brivido
E finirà - che cos'è?
Nuvoloso - scuro - fronte
Giovane Demone.

Ognuno dei terreni
Giochi - una sciocchezza!
E un verso disarmato
Mira al nostro cuore.

Nell'ora assonnata del mattino
- Penso che siano le cinque e un quarto, -
ti ho amato
Anna Achmatova.

La pittura russa si distingue giustamente dall'arte mondiale. Il fatto è che fino al XVII secolo la pittura domestica era associata esclusivamente a un tema religioso. La situazione cambiò con l'avvento al potere dello zar riformatore, Pietro il Grande. Grazie alle sue riforme, i maestri russi iniziarono a dedicarsi alla pittura secolare e la pittura di icone si separò come una direzione separata. Il diciassettesimo secolo è il tempo di artisti come Simon Ushakov e Iosif Vladimirov. Poi, nel mondo dell'arte russa, è nato il ritratto, che è diventato rapidamente popolare. Nel diciottesimo secolo apparvero i primi artisti che passarono dalla ritrattistica alla pittura di paesaggio. Si nota la spiccata simpatia dei maestri per i panorami invernali. Il Settecento è ricordato anche per la nascita della pittura quotidiana. Nel diciannovesimo secolo, tre tendenze hanno guadagnato popolarità in Russia: romanticismo, realismo e classicismo. Come prima, gli artisti russi hanno continuato a rivolgersi al genere del ritratto. Fu allora che apparvero ritratti e autoritratti di fama mondiale di O. Kiprensky e V. Tropinin. Nella seconda metà del diciannovesimo secolo, gli artisti ritraggono sempre più spesso il semplice popolo russo nel suo stato di oppressione. Il realismo diventa la tendenza centrale della pittura di questo periodo. Fu allora che apparvero gli Erranti, raffiguranti solo la vita reale e reale. Bene, il ventesimo secolo è, ovviamente, l'avanguardia. Gli artisti di quel tempo hanno influenzato in modo significativo sia i loro seguaci in Russia che in tutto il mondo. I loro dipinti divennero i precursori dell'astrattismo. La pittura russa è un enorme mondo meraviglioso di artisti di talento che hanno glorificato la Russia con le loro creazioni

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Prima di tutto sappiamo due cose del dipinto: il suo autore e, forse, la storia della tela. Ma del destino di chi ci guarda dalle tele, non sappiamo molto.

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Giovanna Samary
Auguste Renoir, Ritratto dell'attrice Jeanne Samary, 1877

L'attrice Jeanne Samary, sebbene non potesse diventare una star del palcoscenico (interpretava principalmente cameriere), fu fortunata in qualcos'altro: per qualche tempo visse non lontano dalla bottega di Renoir, che le dipinse quattro ritratti nel 1877-1878, glorificando così molto più di quanto avrebbe potuto fare la sua carriera di attrice. Zhanna ha recitato in spettacoli dall'età di 18 anni, a 25 si è sposata e ha avuto tre figli, poi ha anche scritto un libro per bambini. Ma questa affascinante signora, purtroppo, non visse a lungo: all'età di 33 anni si ammalò di febbre tifoide e morì.

Cecilia Gallerani
Leonardo da Vinci, Dama con l'ermellino
1489-1490

Cecilia Gallerani era una ragazza di nobile famiglia italiana che era già fidanzata all'età di 10 (!) anni. Tuttavia, quando la ragazza aveva 14 anni, il fidanzamento fu annullato per motivi sconosciuti, e Cecilia fu mandata in un monastero, dove incontrò (o fu tutto organizzato) il duca di Milano, Ludovico Sforza. Iniziò una relazione, Cecilia rimase incinta e il duca stabilì la ragazza nel suo castello, ma poi venne il momento di contrarre un matrimonio dinastico con un'altra donna, a cui, ovviamente, non piaceva la presenza della sua padrona nella loro casa. Poi, dopo la nascita del Gallerani, il duca prese per sé il figlio, e la sposò con un povero conte.

In questo matrimonio Cecilia diede alla luce quattro figli, tenne quasi il primissimo salotto letterario d'Europa, visitò il duca e giocò con piacere con suo figlio da una nuova amante. Dopo poco il marito di Cecilia morì, scoppiò la guerra, lei perse il benessere e trovò rifugio nella casa della sorella della stessa moglie del duca - in un rapporto così meraviglioso riuscì a stare con le persone. Dopo la guerra, la Gallerani tornò nella sua tenuta, dove visse fino alla sua morte all'età di 63 anni.

Zinaida Yusupova
VA Serov, "Ritratto della principessa Zinaida Yusupova", 1902

La più ricca ereditiera russa, l'ultima della famiglia Yusupov, la principessa Zinaida era incredibilmente bella e, nonostante il fatto che le persone auguste, tra le altre, cercassero il suo favore, voleva sposarsi per amore. Ha soddisfatto il suo desiderio: il matrimonio è stato felice e ha portato due figli. Yusupova ha speso molto tempo ed energia in attività di beneficenza e dopo la rivoluzione l'ha continuata in esilio. L'amato figlio maggiore è morto in un duello quando la principessa aveva 47 anni e difficilmente poteva sopportare questa perdita. Con l'inizio dei disordini, gli Yusupov lasciarono San Pietroburgo e si stabilirono a Roma, e dopo la morte del marito, la principessa si trasferì da suo figlio a Parigi, dove trascorse il resto dei suoi giorni.

Maria Lopuchina
VL Borovikovsky, “Ritratto di M.I. Lopuchina", 1797

Borovikovsky ha dipinto molti ritratti di nobildonne russe, ma questo è il più affascinante. Maria Lopukhina, membro della famiglia dei conti Tolstoj, è qui raffigurata alla tenera età di 18 anni. Il ritratto è stato commissionato dal marito Stepan Avraamovich Lopukhin poco dopo il matrimonio. La disinvoltura e uno sguardo leggermente altezzoso sembrano essere o la solita posa per un simile ritratto dell'era del sentimentalismo, oppure segni di una disposizione malinconica e poetica. Il destino di questa misteriosa ragazza si è rivelato triste: solo 6 anni dopo il dipinto, Maria è morta di consumo.

Giovannina e Amacilia Pacini
Karl Bryullov, Cavallerizza, 1832

La "cavallerizza" di Bryullov è un brillante ritratto cerimoniale in cui tutto è lussuoso: la luminosità dei colori, lo splendore dei tendaggi e la bellezza delle modelle. Raffigura due ragazze che portavano il cognome Pacini: la maggiore Giovannina è seduta su un cavallo, la minore Amacilia la guarda dal portico. Il dipinto a Karl Bryullov, suo amante da molti anni, è stato ordinato dalla loro madre adottiva, la contessa Yulia Pavlovna Samoilova, una delle donne più belle della Russia ed erede di una colossale fortuna. La contessa garantì una cospicua dote per le sue figlie adulte. Ma si è scoperto che per vecchiaia era praticamente rovinata, e poi le figlie adottive di Jovanin e Amacilia, tramite il tribunale, hanno raccolto dalla contessa il denaro e le proprietà promesse.

Simonetta Vespucci
Sandro Botticelli, La nascita di Venere
1482–1486

Il famoso dipinto di Botticelli raffigura Simonetta Vespucci, la prima bellezza del Rinascimento fiorentino. Simonetta nasce in una famiglia benestante, a 16 anni sposa Marco Vespucci (parente di Amerigo Vespucci, che “scoprì” l'America e diede il suo nome al continente). Dopo le nozze, i novelli sposi, stabilitisi a Firenze, furono ricevuti alla corte di Lorenzo Medici, in quegli anni famosa per sontuosi banchetti e ricevimenti.

La bella, allo stesso tempo molto modesta e benevola Simonetta si innamorò rapidamente degli uomini fiorentini. Il sovrano di Firenze, lo stesso Lorenzo, cercò di prendersi cura di lei, ma suo fratello Giuliano fu il più attivo nel cercarla. La bellezza di Simonetta ha ispirato molti artisti dell'epoca, tra cui Sandro Botticelli. Si ritiene che dal momento in cui si sono conosciuti, Simonetta sia stata il modello per tutte le Madonne e Veneri di Botticelli. A 23 anni Simonetta morì di tisi, nonostante gli sforzi dei migliori medici di corte. Successivamente, l'artista ha raffigurato la sua musa ispiratrice solo a memoria, e nella sua vecchiaia ha lasciato in eredità per essere sepolto accanto a lei, cosa che è stata fatta.

Vera Mamontova
VA Serov, "Ragazza con le pesche", 1887

Il dipinto più famoso del maestro ritrattista Valentin Serov è stato dipinto nella tenuta del ricco industriale Savva Ivanovich Mamontov. Ogni giorno per due mesi, sua figlia, la dodicenne Vera, ha posato per l'artista. La ragazza è cresciuta e si è trasformata in una ragazza affascinante, sposata per amore reciproco Alexander Samarin, che appartiene a una famosa famiglia nobile. Dopo un viaggio di nozze in Italia, la famiglia si stabilì nella città di Bogorodsk, dove nacquero tre figli uno dopo l'altro. Ma inaspettatamente nel dicembre 1907, appena 5 anni dopo il matrimonio, Vera Savvishna morì di polmonite. Aveva solo 32 anni e suo marito non si è mai risposato.

Alexandra Petrovna Struyskaya
FS Rokotov, "Ritratto di Struyskaya", 1772

Questo ritratto di Rokotov è come un suggerimento arioso. Alexandra Struyskaya aveva 18 anni quando era sposata con un vedovo molto ricco. C'è una leggenda che per il matrimonio suo marito le abbia regalato niente di meno che una nuova chiesa. E per tutta la vita le ha scritto poesie. Non si sa con certezza se questo matrimonio sia stato felice, ma tutti coloro che sono stati a casa loro hanno prestato attenzione a quanto siano diversi i coniugi. Per 24 anni di matrimonio, Alexandra ha dato alla luce suo marito 18 figli, 10 dei quali sono morti durante l'infanzia. Dopo la morte del marito, visse altri 40 anni, gestì con fermezza la tenuta e lasciò ai figli una discreta fortuna.

Insieme a suo marito, Lisa ha cresciuto cinque figli e, molto probabilmente, il suo matrimonio era basato sull'amore. Quando suo marito morì di peste e anche Lisa fu colpita da questa grave malattia, una delle figlie non ebbe paura di portarla da lei e di lasciarla andare. Mona Lisa si riprese e visse per qualche tempo con le sue figlie, morendo all'età di 63 anni.

Pubblicazioni sezione musei

Tatyana prima e dopo Pushkin: ritratti di tre secoli

Si legge che il nome Tatyana è diventato popolare dopo la pubblicazione del romanzo "Eugene Onegin". Tuttavia, anche prima, questo nome non era raro tra la nobiltà. Ricordiamo i ritratti di Tatyana dal XVIII al XX secolo insieme a Sofia Bagdasarova.

A. Antropov. Ritratto della principessa Tatyana Alekseevna Trubetskoy. 1761. Galleria Tretyakov

A. Peng. Ritratto della principessa Tatyana Borisovna Kurakina. 1 ° piano XVIII secolo, GE

Artista sconosciuto. Ritratto di Anastasia Naryshkina con le sue figlie Tatyana e Alexandra. Primi anni 1710, Galleria Statale Tretyakov

Le ragazze della famiglia Romanov furono battezzate Tatyana nel XVII secolo: ad esempio, quello era il nome della sorella del primo zar Mikhail Fedorovich e della sua figlia più giovane. Quindi questo nome scomparve dalla dinastia reale e la successiva Tatyana apparve nella famiglia imperiale negli anni '90 dell'Ottocento. Tuttavia, nelle famiglie nobili del XVII e XVIII secolo, il nome rimase popolare. Una delle Tatyana più famose è Tatyana Shuvalova. Suo figlio, Ivan Shuvalov, il favorito dell'imperatrice Elisabetta, scelse l'onomastico di sua madre per firmare un decreto sulla fondazione dell'Università di Mosca. Quindi il giorno di Tatyana è diventato il giorno dello studente. Il ritratto di Tatyana Shuvalova non è stato conservato.

Il ritratto russo più antico con Tatyana, a quanto pare, era il ritratto della famiglia Naryshkin del 1710. Raffigura la figlia del primo comandante di San Pietroburgo, il governatore di Mosca Kirill Naryshkin con sua madre e sua sorella. Un artista sconosciuto non ha elaborato i volti in modo molto sottile, ma ha scritto con cura i motivi sul tessuto e la fontange di pizzo alla moda (copricapo) della madre.

Per dipingere un ritratto della figlia del principe Boris Kurakin - e nipote dell'imperatrice Evdokia Lopukhina - hanno invitato il pittore di corte del re prussiano Antoine Pen. Il direttore dell'Accademia delle arti di Berlino, nella tradizione del classicismo, ha elaborato il chiaroscuro, le pieghe dei vestiti e ha persino trasmesso i più sottili straripamenti di tessuto costoso sulle spalle della principessa Tatyana Kurakina.

La principessa Tatyana Trubetskaya, sorella del poeta Fyodor Kozlovsky, sembra sorprendente in un ritratto del 1761: l'artista Alexei Antropov l'ha raffigurata in un abito decorato con fiocchi e fiori rossi e verdi. La principessa con il trucco completo: in quegli anni era di moda non solo la cipria, ma anche applicare il fard, disegnare le sopracciglia.

D. Levitsky. Ritratto di Tatyana Petrovna Raznatovskaya. 1781. Museo statale d'arte della Bielorussia

N. Argunov. Ritratto della ballerina Tatyana Vasilievna Shlykova-Granatova. 1789. Kuskovo

E. Vigée-Lebrun. Ritratto di Tatyana Vasilievna Engelhardt. 1797. Museo Fuji, Tokio

Vent'anni dopo, Dmitry Levitsky scrisse Tatyana Raznatovskaya. Una giovane donna con una postura orgogliosa sembra nobile ed elegante. Il suo vestito azzurro e la cappa di seta bianca contrastano con lo sfondo scuro e profondo della tradizione pittorica di quegli anni.

Una delle donne più ricche della Russia, la nipote del principe Potemkin, Tatyana Engelhardt, sposò uno degli Yusupov e portò alla loro famiglia una fortuna gigantesca e il nome ereditario Tatyana. Nel ritratto del ritrattista francese in visita Vigée-Lebrun, Tatiana Engelhardt intreccia una ghirlanda di rose ed è già vestita in modo nuovo: con un abito a vita alta.

I ricercatori ritengono che tra i contadini il nome Tatiana nei secoli XVIII-XIX fosse tre volte più popolare che tra i nobili. Il pittore servo di Sheremetev Nikolai Argunov ha interpretato una contadina, Tatyana Shlykova, un'attrice in un teatro dei servi, in un elegante costume di scena. Successivamente, il conte raccolse cognomi "preziosi" per le sue belle attrici. Shlykova divenne Granatova e i suoi "colleghi" - Zhemchugova e Turquoise.

A. Bryullov. Ritratto di Tatyana Borisovna Potëmkina. 1830 VMP

V. Tropinin. Ritratto di Tatyana Sergeevna Karpakova. 1818. Museo di Belle Arti della Repubblica del Tatarstan

K. Reichel. Ritratto di Tatyana Vasilievna Golitsyna. 1816, RM

Tra gli immortalati sulle tele di Tatyana ci sono altre attrici. Nel 1818, Vasily Tropinin interpretò la giovane ballerina Karpakova. I suoi genitori suonavano nei teatri imperiali e lei stessa amava il balletto fin dall'infanzia. Tatyana Karpakova balla sul palcoscenico del Teatro Bolshoi dall'età di 12 anni, i suoi contemporanei ammiravano le sue espressioni facciali espressive, la facilità di danza e la tecnica impeccabile.

Nello stesso anno è stato creato un ritratto della principessa Tatyana Golitsyna. La nuora di Natalya Golitsyna, il prototipo della regina di picche di Pushkin, è raffigurata con indosso un berretto nero. Nel primo terzo del XIX secolo, questi copricapi erano tradizionalmente indossati da donne sposate. È vero, più spesso le donne della moda preferivano i colori vivaci: lampone, verde, scarlatto.

“La larghezza del berretto si estende fino a dodici pollici; la parte superiore è una, la parte inferiore è di un altro colore. Anche i materiali con cui sono realizzati tali berretti sono diversi: raso e velluto. Questi berretti sono messi sulla testa in modo così storto che un bordo tocca quasi la spalla.

Estratto da una rivista di moda del XIX secolo

Un acquerello del 1830 di Alexander Bryullov raffigura Tatyana Potemkina. Su di essa, la modella è vestita con un abito che copre non solo le spalle, ma anche il collo, le orecchie ei capelli della principessa: Potemkina era molto religiosa. Diventando la figlia spirituale di Sant'Ignazio (Bryanchaninov), si occupò della diffusione dell'Ortodossia, costruì chiese, donò molti soldi in beneficenza e, naturalmente, non si permise di indossare una scollatura.

V. Vasnetsov. Ritratto di Tatyana Anatolyevna Mamontova (1884, Galleria Statale Tretyakov)

I. Repin. Ritratto di Tatyana Lvovna Tolstaya (1893, Yasnaya Polyana)

F. Winterhalter. Ritratto di Tatyana Alexandrovna Yusupova (1858, GE)

Nel 1825-1837 Eugene Onegin di Alexander Pushkin fu pubblicato in parti. Tatyana Larina divenne la "prima Tatyana" della letteratura russa - prima di allora, gli scrittori preferivano altri nomi. Dopo l'uscita del romanzo, il nome è diventato molto più popolare: molti hanno chiamato le loro figlie in onore dell'eroina romantica e virtuosa di Pushkin.

Ma non sono stati conservati così tanti ritratti di Tatyana di questi anni. Tra questi c'è una tela su cui il ritrattista alla moda Franz Xaver Winterhalter ha ritratto Tatyana Yusupova. L'eroina del ritratto lo ha ereditato da sua nonna Tatyana Engelhardt, e Yusupova ha anche nominato una delle sue figlie.

I ritratti delle figlie di Leo Tolstoy e Anatoly Mamontov furono creati negli anni 1880 e 1890 da B. Kustodiev. Ritratto di Tatyana Nikolaevna Chizhova. 1924. Museo d'arte regionale di Ivanovo

M. Vrubel. Ritratto di Tatyana Spiridonovna Lyubatovich come Carmen. 1890 GTG

All'inizio del XX secolo, a Mosca e nella provincia di Mosca, il nome Tatiana divenne il quinto più popolare dopo Maria, Anna, Catherine e Alexandra.

Anche il ritratto di uno dei Tatyana appartiene al pennello di Mikhail Vrubel. La cantante lirica Tatyana Lubatovich è raffigurata come Carmen, un'immagine molto popolare tra gli artisti e le eroine dei loro dipinti all'inizio del XX secolo.

Nel 1908, l'artista di Saratov Alexander Savinov dipinse la tela "Harpist". La sua eroina era la moglie del famoso filosofo Semyon Frank, Tatyana Frank (nata Bartseva). Savinov ha creato un ritratto ornamentale con un tono strutturato e colori tenui nelle tradizioni del nuovo stile che sta guadagnando slancio: il modernismo.

In questo circolo artistico di Tatyana, è degno di nota il "Ritratto dell'artista Tatyana Chizhova", dipinto da Boris Kustodiev nel 1924. Il titolo della foto è un'inesattezza. Dopo la morte di Kustodiev, il ritratto è stato trasferito al Museo Russo e l'abbreviazione nella firma "architetto". decifrato come "artista". In effetti, Tatyana Chizhova era un'archeologa. Nel ritratto è raffigurata nel suo vestito preferito e con l'anello della nonna al dito.

L'accuratezza nella scrittura di singoli dettagli e motivi di motivi tessuti dalle mani di ricamatrici russe, o chiari ornamenti su calici e ciotole intagliati, sorprende e delizia gli spettatori del passato e del presente.

Abiti lussuosi ricamati con perle, copricapi incredibilmente belli di quel tempo, bellissimi biancospini decorati con preziose collane, boiardi in caftani di broccato: tutto è sentito con quale amore per la bellezza e la cultura nazionale russa, per il ricco patrimonio dei nostri antenati, queste immagini sono state dipinte . Puoi stare vicino a ciascuno di loro per molto tempo: ammirare gli schemi russi e provare orgoglio per te stesso e allo stesso tempo tristezza, tristezza che molto è andato perduto, non è stato preservato e non è conservato oggi. Pertanto, tali dipinti, in cui sono rimaste prove uniche della cultura della terra russa, sono particolarmente preziosi per noi.

Biografia dell'artista Konstantin Makovsky

E Konstantin Yegorovich, avendo ereditato la passione di suo padre, raccolse tutti i capolavori dell'antico artigianato russo, ma era "bella antichità". Aggiunse abilmente qualcosa ai salotti e ai laboratori, e poi lo usò nei suoi dipinti, e qualcosa che mise semplicemente nel suo vecchio grande armadio di ebano, in modo che in seguito potesse ammirare e ammirare la bellezza e l'abilità dei maestri russi.

Sulla cornice del camino c'erano vecchi utensili domestici: mestoli d'argento, tazze, lavabi, ventagli - oggetti dei tempi dei boiardi. Antichi costumi boiardi in broccato, prendisole colorati, corrimano tempestati di perle, kokoshnik ricamati con pizzo di perle: tutto questo può essere visto nei dipinti dell'artista. E oltre alle cose amorevolmente raccolte da Konstantin Yegorovich, anche le persone che si sono radunate intorno a lui hanno preso parte ai suoi dipinti. A volte recitavano scene della vita boiardo, che venivano poi trasferite sulla tela. E questo ha indubbiamente suscitato il vivo interesse del pubblico, perché attraverso i dipinti di Makovsky erano attaccati alla conoscenza della storia della Rus' e della cultura dei loro antenati.

La figlia dell'artista nelle sue memorie ha raccontato come sono state messe in scena "... lussuose" immagini viventi "della vita dei boiardi ...". A volte erano invitate a queste serate fino a 150 persone, tra cui rappresentanti di antiche famiglie, discendenti di quelle raffigurate dall'artista. Loro "... abilmente e magnificamente vestiti con abiti di broccato e velluto ..." per riprodurre in loro la scena concepita dall'artista. Ecco come apparivano i dipinti: "Il banchetto di nozze", "La scelta della sposa" e molti altri dipinti.

Dipinti di Konstantin Makovsky

Collezionare oggetti dell'antichità russa K.E. Makovsky ha continuato a studiare per tutta la vita. Collezionando capolavori di maestri russi, l'artista ha acquisito familiarità con la storia della Russia e, ammirandoli, è stato ispirato da nuove idee. Ora, le sue tele evocano in noi non solo l'ammirazione per il più ricco patrimonio dei nostri antenati, ma anche il desiderio di conoscere sempre di più la nostra patria.

A proposito di come K.E. Makovsky ha usato la sua collezione nel suo lavoro, lo scrittore E.I. Fortunato, che ebbe la fortuna di essere il suo modello.

KE Makovsky non era solo un artista. Comunicando con eminenti storici, divenne lui stesso un grande specialista nel campo dell'antichità russa. K.E. Makovsky ha cercato di preservare il patrimonio artistico della Russia. Non è quindi un caso che nel 1915 diventi membro della Society for the Revival of Artistic Rus', il cui compito principale era quello di preservare, studiare e promuovere l'antichità russa.

È amaro e triste che la collezione, raccolta da mezzo secolo, che ha occupato un posto così importante nella vita dell'artista, che è diventata il riflesso di un'intera epoca della cultura russa, sarà esposta per all'asta appena sei mesi dopo la sua morte. Nel settembre 1915, K.E. Makovsky fu investito da un taxi in una delle strade di Pietrogrado. Dopo aver subito un grave trauma cranico, l'artista è morto due giorni dopo. La morte improvvisa ha rovinato tutti i piani...

All'asta sono stati elencati più di 1.000 oggetti, alcuni dei quali sono andati ai musei della capitale: il Museo Russo, l'Ermitage, il Museo della Scuola di Disegno Tecnico del Barone Stieglitz e i musei di Mosca. Molti oggetti sono stati acquistati da rappresentanti di aziende di antiquariato di Mosca. Costumi autentici, calici d'argento, mestoli, bicchieri passati nelle mani di importanti collezionisti moscoviti.

Ma non tutti ammiravano i dipinti di K. Makovsky e il suo modo di lavorare.

All'inizio della sua carriera creativa, K. Makovsky condivideva le opinioni degli Erranti, dipingeva bambini contadini ("Bambini che scappano da un temporale", "Appuntamento"), ma già negli anni Ottanta dell'Ottocento l'artista si allontanò irrevocabilmente da loro e iniziò organizzare mostre personali.

Nel 1883 dipinse Il banchetto di nozze del boiardo nel XVII secolo, seguito da La scelta di una sposa dello zar Alexei Mikhailovich (1886), La morte di Ivan il Terribile (1888), La vestizione della sposa per la corona (1890), Il rito del bacio " (1895,). I dipinti hanno avuto successo sia in Russia che in mostre internazionali. Per alcuni di loro, all'Esposizione mondiale del 1889 a Parigi, K. Makovsky ricevette una medaglia d'oro.

I prezzi dei suoi quadri erano sempre alti. PM Tretyakov a volte non riusciva a ottenerli. Ma i collezionisti stranieri acquistarono volentieri tele del ciclo "boiardo", quindi la maggior parte delle opere dell'artista lasciò la Russia.

Grazie a questo successo, K.E. Makovsky è diventato una delle persone più ricche. Per tutta la vita è stato circondato dal lusso, che nessun artista russo sognava. Makovsky ha eseguito qualsiasi ordine su qualsiasi argomento con la stessa brillantezza. È stato quest'ultimo a causare molti malintesi e persino condanne. Alcuni, a quanto pare, invidiavano il successo, altri credevano che le persone con la loro vita quotidiana dovessero essere presenti nei dipinti. Ma tali dipinti erano esauriti non così volentieri, e molti credevano che Makovsky scrivesse su quegli argomenti che erano richiesti, cioè per il proprio arricchimento.

Tuttavia, ha sempre vissuto come voleva e ha scritto quello che voleva. La sua visione della bellezza coincideva semplicemente con le esigenze e le richieste di quelle persone che erano disposte a pagare molti soldi per i suoi quadri. Il suo facile successo è stato il motivo principale dell'atteggiamento negativo nei suoi confronti e nel suo lavoro degli Erranti. È stato accusato di usare l'arte e il suo talento per guadagni materiali.

K.E. Makovsky ha iniziato il suo percorso artistico insieme agli Erranti, esponendo dipinti sul tema della vita delle persone. Tuttavia, nel tempo, i suoi interessi cambiarono e dal 1880 divenne un ritrattista da salone di successo. Non si può credere al fatto che ciò sia accaduto per amore della ricchezza materiale. Dopotutto, ciò è dimostrato dalle sue numerose collezioni e dal suo talento poliedrico. Ma non si può negare che Makovsky non abbia cercato riconoscimento all'estero. Inoltre, gli europei erano interessati alla storia russa, quindi il suo lavoro è stato rapidamente venduto.

Nella sua vita personale, anche Makovsky era felice. Il suo aspetto piacevole, la socievolezza, lo sguardo sempre aperto e sorridente di occhi chiari hanno reso Konstantin Yegorovich sempre un gradito ospite. È stato sposato tre volte. La sua prima moglie, Lenochka Burkova, attrice del Teatro Alexandrinsky, visse con lui per una breve vita. Una ragazza affascinante e gentile ha portato molta gioia e calore nella sua vita. Ma la malattia l'ha portata via presto dalla vita terrena.

Spensierato e avido delle gioie della vita, Konstantin Yegorovich si consolò rapidamente quando vide al ballo una ragazza di straordinaria bellezza: Yulenka Letkova. La ragazza aveva solo sedici anni e l'affascinante pittore trentasei. Il matrimonio ha avuto luogo poco dopo. Dopo aver vissuto vent'anni di felice vita familiare, Konstantin Yegorovich ha dipinto molti dipinti, molti dei quali contengono un'immagine carina della sua giovane moglie. Per molti anni, Yulia Pavlovna Makovskaya è stata la sua musa e modella per i ritratti.

Nel 1889, Konstantin Makovsky andò all'Esposizione Mondiale di Parigi, dove espose molti dei suoi dipinti. Lì si interessò alla giovane Maria Alekseevna Matavtina (1869-1919). Nel 1891 nacque un figlio illegittimo Konstantin. Ho dovuto confessare tutto a mia moglie. Yulia Pavlovna non ha perdonato il tradimento. Alcuni anni dopo, è stato presentato un divorzio. E Konstantin Yegorovich ha continuato una felice vita familiare con la sua terza moglie, che ha usato anche come modello. Ha anche raffigurato spesso i suoi figli sia dal secondo che dal terzo matrimonio sulle sue tele.