Cos'è un ritratto. Stili e generi della ritrattistica

Mikhail Mikhailovich Prishvin è stato ricordato dal mondo per le sue opere in prosa. Le sue opere sono intrise di amore per la patria. L'autore ha scritto racconti, saggi e racconti, che sono stati illustrati dall'artista O.G. Vereisky. Le sue opere fanno parte del curriculum scolastico, il che indica un alto livello di abilità.

Ritratto biografico di Prishvin

Lo scrittore di prosa è nato nel febbraio 1873. Proveniva da una ricca famiglia di mercanti. Il ragazzo è cresciuto come un bambino attivo e rumoroso, come dimostra la sua espulsione da scuola in quarta elementare per comportamento sfacciato. Essendo un ribelle per natura, lo scrittore Prishvin in seguito ha ammesso che il suo personaggio è stato modellato da due azioni principali nella vita:

• Esclusione dalla scuola superiore.
• Fuga dal liceo.

La biografia di Prishvin non è bianca come la neve. Mentre studiava al Politecnico di Riga, si interessò seriamente al marxismo, per il quale fu arrestato e mandato in esilio per due anni. Questo trucco non è passato inosservato e il giovane ha ricevuto il divieto di proseguire gli studi in Russia. Tuttavia, sua madre era una donna saggia e fece ogni sforzo per assicurarsi che suo figlio continuasse i suoi studi. Nel 1900, Mikhail Prishvin andò a studiare a Lipsia e lì ricevette un'educazione agronomica.

I lunghi viaggi nel nord della Russia e in Scandinavia hanno lasciato un'impronta nell'immaginazione del futuro scrittore, motivo per cui ha scritto la prima storia: "Sashok". Questo fu seguito da altri schizzi di scrittura di Prishvin, ma presto dovette cambiare mestiere. Nel 1914 morì la madre dello scrittore e decise di iniziare a costruire una casa sul terreno lasciatogli. Questo non era destinato ad accadere, poiché iniziò e Prishvin andò al fronte come inserviente part-time.

Alla fine della guerra, Prishvin iniziò a insegnare e contemporaneamente scrisse le sue opere. L'autore morì nel 1954 a Mosca.

Patrimonio creativo dello scrittore

Il ritratto di Prishvin è insignificante in termini di sensazioni biografiche e non risalta sullo sfondo dei ritratti di altri scrittori. Avendo vissuto una vita semplice, Prishvin riuscì a scrivere abbastanza opere che entrarono a far parte del tesoro russo di capolavori letterari.

Le primissime opere dell'autore risalgono al 1906-1907, quando furono pubblicati i libri "Nella terra degli uccelli senza paura" e "Dietro il panino magico". Come risultato dei viaggi di Prishvin in Estremo Oriente negli anni '30. Sono stati scritti la storia "Ginseng" e il romanzo "The Sovereign's Road". Notevole attenzione meritano le raccolte di racconti: Calendar of Nature e Forest Drops. Nel tempo è apparsa la famosa fiaba "La dispensa del sole", riconosciuta come il miglior libro per bambini.

O.G. Vereisky - illustratore

Poche persone pensano a quanto i lettori amerebbero i libri se non avessero illustrazioni sapientemente selezionate. Ciò è particolarmente vero per i giovani lettori, per i quali le immagini sono un attributo essenziale di un buon libro. Tra i geni che hanno trascorso la vita nel cortile dei libri lavorando per la gloria degli scrittori c'era O.G. Vereisky. Non è famoso come Vasnetsov o Vrubel, ma, tuttavia, è difficile sopravvalutare i suoi meriti. Era un artista popolare dell'URSS e membro dell'Accademia delle arti.

Il percorso creativo di Vereisky è iniziato a Leningrado sotto la supervisione di Osmerkin. Tuttavia, l'artista ha guadagnato un'ampia popolarità mentre lavorava nella capitale. Nella sua carriera creativa, il maestro è stato ricordato per le illustrazioni dei classici. Tra gli scrittori più famosi sui cui libri ha lavorato Vereisky ci sono Hemingway, Paustovsky, Sholokhov, Fadeev e Bunin. Gli schizzi per le opere di Prishvin meritano un'attenzione speciale. Nel 1984 l'artista ha ricevuto il premio per il miglior lavoro illustrativo per l'opera "Anna Karenina".

Ritratto di M. M. Prishvin

Orest Georgievich Vereisky, oltre alle illustrazioni per racconti e racconti, ha anche dipinto un ritratto di M. M. Prishvin, che è conservato nell'omonimo museo in Russia. L'opera fu completata nel 1948, ma ciò non la rende meno significativa. Il ritratto di Prishvin è stato dipinto dal vero, come evidenziato dalle annotazioni nel diario personale dello scrittore. La dimensione della tela è piccola - 39,5x48,5 cm. Sulla carta sono raffigurate la testa dello scrittore e la firma dell'artista.

Dov'è il ritratto di M. M. Prishvin, dipinto dall'illustratore Vereisky

Nell'ambiente creativo, spesso osservano una simbiosi di artisti che si aiutano a vicenda a diventare più popolari e lasciano un segno nella storia. Il ritratto di Prishvin M. M., dipinto dalla mano dell'illustratore Vereisky, non era un tentativo di pubbliche relazioni l'uno per l'altro. È piuttosto un omaggio a Mikhail Mikhailovich.

Orest Georgievich ha avuto luogo nel suo mestiere grazie all'abbondanza di opere da cavalletto, litografia dell'autore e molti schizzi ad acquerello. Il ritratto di Prishvin non era per lui il lavoro di tutta la sua vita, come dimostra il modo di scrivere: un disegno a matita. Lo scrittore ha tenuto un diario per tutta la vita, descrivendo in dettaglio tutti gli eventi. Il ritratto dipinto da Vereisky non ha tanto valore artistico quanto biografico.

Nella primavera del 1946, Prishvin riposava nel sanatorio di Porechye vicino a Mosca, dove si occupava di una casa vicina. La moglie dello scrittore ha fatto ogni sforzo per far sembrare la casa un vecchio maniero, dove tutto indicava i versatili interessi del marito. È venuto benissimo. Dopo la morte dello scrittore, la gente è venuta qui e la casa ha ricevuto ufficialmente lo status di museo.

La decorazione della casa illustra la solita routine quotidiana di Prishvin. C'è un samovar sul tavolo e le stanze sono decorate con fiori e libri. Di particolare interesse è la stanza dello scrittore, dove è possibile vedere uno dei ritratti più famosi di Mikhail Mikhailovich, dipinto da Orest Vereisky.

Un dipinto raffigurante la testa di Prishvin è appeso proprio sopra la testata del suo letto nella camera da letto. Una spessa cornice marrone scuro incornicia un foglio di carta giallo su cui è disegnato a matita uno scrittore di prosa. A sinistra al lavoro puoi vedere la data del ritratto. L'intera stanza esprime l'individualità del suo proprietario e indica la sua modestia e accuratezza. A sinistra del ritratto sono appese pistole incrociate, la personificazione dell'amore di Prishvin per la caccia. Il pavimento in legno è decorato con tappeti dal caratteristico motivo a motivi geometrici. Ma, nonostante queste piccole cose, l'elemento centrale della stanza è proprio il ritratto dipinto da Vereisky. Naturalmente, una tale disposizione tradisce il rispetto dello scrittore per il lavoro dell'artista. Questo era il loro ultimo progetto congiunto, pochi anni dopo Prishvin morì.

Che cos'è un ritratto (ritratto - francese antico - portraire - significa ritrarre) - Un ritratto è un tipo di arte dedicata alla rappresentazione di una persona specifica o di un gruppo di persone - un'esposizione esteriormente simile di una persona su tela o carta, con lo scopo di presentarlo agli altri, mostrando il carattere, il mondo interiore, i valori della vita rappresentati.

Disegnare il volto di una persona in un ritratto è la direzione più difficile nelle arti visive. L'artista deve scoprire gli accenti principali della personalità, enfatizzare i tratti caratteristici, l'emotività di una persona e rivelare la disposizione spirituale della persona ritratta. A seconda delle dimensioni del dipinto, il ritratto può essere di diverse tipologie: a mezzo busto, a mezzo busto, generazionale e a figura intera. Posa verticale: dal viso, tre quarti di giro su qualsiasi lato e di profilo. Un ritratto creativo è un dipinto creativo, un genere speciale di pittura legato alla creazione di qualcosa di nuovo a immagine di una persona umana.

Fondamenti del ritratto. La cosa principale e principale nel ritratto è il volto di una persona, su cui i ritrattisti lavorano la maggior parte del tempo, cercando di trasmettere la somiglianza e il carattere, le sfumature di colore della testa nel modo più accurato possibile. Poi il gesto e le espressioni facciali legate a un certo personaggio, l'artista trova tratti di maggiore vitalità, naturalezza nell'immagine del volto, mentre il resto dei dettagli del ritratto, che siano gli abiti, lo sfondo, la cattura di i dettagli di un certo entourage sulla tela, sono considerati più condizionali, poiché la somiglianza non dipende da questo .

La somiglianza nel ritratto occupa il ruolo principale e dominante, se la somiglianza è molto debole, supera tutti gli altri vantaggi positivi del ritratto classico, di conseguenza può essere bella nell'elaborazione e nel colore ma immagine senza volto.

In questo sito, i seguenti stili sono ritratto, olio su tela e pennello asciutto. I ritratti sono disponibili in diversi stili e tecniche, lo stile più notevole, cioè la tecnica di esecuzione, è ovviamente dipingere un ritratto a olio su tela. Dipingere un ritratto a olio è un processo molto lungo e laborioso che richiede molta pazienza e accuratezza. Questo stile viene dal profondo dei secoli e si è guadagnato una grande fama in tutto il mondo.

Spesso gli artisti disegnano schizzi o ritratti rapidi a carboncino, seppia, sanguigna, e molto meno spesso ora soprattutto a matita o pastello e ritratti ad acquerello, anche se questi sono indubbiamente stili di ritratto di prima classe, più laboriosi, ma meritano un'attenzione speciale. Ma anche lo stile a pennello asciutto della ritrattistica sta guadagnando slancio in popolarità. Puoi guardare un video in cui l'artista Igor Kazarin disegna un ritratto di una ragazza in questo meraviglioso stile di ritrattistica.

I generi di ritratto sono suddivisi: da camera, ritratto formale intimo e anche autoritratti, dove, di regola, gli artisti si raffigurano. Il genere del ritratto nelle arti visive è un genere naturale indipendente di pittura che non necessita di giustificazioni specifiche.

Sottogeneri del ritratto: i confini del genere del ritratto riflettono direzioni diverse interconnesse con elementi di altri generi. Ad esempio, un ritratto storico: un'immagine di una persona negli abiti dei secoli passati, è creata dall'immaginazione e secondo i materiali disponibili, i ricordi di quel tempo. Ritratto dipinto: il personaggio è presentato circondato dalla natura, dall'architettura con la trama del mondo delle cose e degli oggetti per la casa. Un ritratto in costume di un personaggio è raffigurato in costumi teatrali storici che sono belli per la percezione e vari accessori legati alla trama.

Dedicato al trasferimento dell'immagine di una persona, così come un gruppo di due o tre persone su tela o carta. Lo stile scelto dall'artista è di particolare importanza. Disegnare il volto di una persona in un ritratto è una delle aree più difficili della pittura. Il maestro del pennello deve trasmettere i tratti caratteristici dell'aspetto, dello stato emotivo e del mondo interiore della persona in posa. La dimensione di un ritratto ne determina l'aspetto. L'immagine può essere a busto, generazionale, a mezzo busto oa figura intera. La posa prevede tre angoli: viso (faccia intera), giro "di tre quarti" in una direzione o nell'altra e di profilo. Un ritratto contiene possibilità illimitate per la realizzazione di idee artistiche. Prima viene realizzato uno schizzo, quindi il disegno stesso.

Storia del genere del ritratto

Il tentativo più antico di raffigurare un volto umano risale a 27.000 anni fa. Il "dipinto" è stato scoperto in una grotta vicino alla città francese di Angouleme. Il ritratto è un contorno delineato con il gesso, che ricorda vagamente i lineamenti di un volto umano. L'antico artista ha delineato le linee principali di occhi, naso, bocca. Successivamente (anche nelle grotte) nei Balcani e in Italia cominciarono ad apparire immagini più nitide e definite, tra le quali predominavano i volti disegnati di profilo. È nella natura umana creare, le persone di talento non possono vivere senza lasciare una traccia dietro di sé. Può essere un disegno fatto di ciottoli in mezzo a un campo, un ornamento scolpito sulla corteccia di un albero, il volto di qualcuno disegnato con carboncino su una roccia. Le opportunità per la creatività sono abbondanti.

immagini in stucco

Un tempo il genere del ritratto tendeva a incarnarsi nella scultura, poiché nell'antichità non c'erano artisti che padroneggiassero a fondo il pennello e sapessero trasmettere il gioco di luci e ombre. L'immagine di un volto in argilla era migliore, e quindi in quei tempi lontani erano i ritratti in stucco a dominare. L'arte della pittura è apparsa molto più tardi, quando l'umanità si è resa conto della necessità della comunicazione culturale.

Sepolture

Anche la comparsa di immagini vicine al disegno appartiene ad un periodo successivo, ei primi ritratti sono stati ritrovati negli antichi territori orientali. Nello stato egiziano ebbe luogo la divinizzazione dei morti. Durante la sepoltura è stata realizzata una sorta di ritratto, che è stato condizionatamente considerato un doppio del defunto. Apparve il principio della mummificazione e poi la ritrattistica. La storia del genere del ritratto contiene molti esempi di immagini iconiche sia nel disegno che nella scultura. I disegni dei volti dei morti sono diventati sempre più simili all'originale. E poi copiare il volto del defunto in un altro mondo è stato sostituito con una maschera. I morti egiziani iniziarono ad essere seppelliti nei sarcofagi, sul cui coperchio era raffigurato il defunto in piena crescita con un bel volto stilizzato. Tali funerali erano organizzati esclusivamente per la nobiltà. I faraoni egizi, ad esempio, venivano collocati non solo in un sarcofago, ma anche in una tomba, che era una struttura enorme.

Varietà di soluzioni

L'artista ha una scelta quando dipinge un ritratto: raffigura il viso e gli abiti di una persona secondo l'originale, oppure sii creativo, creando un'immagine squisitamente creativa. La condizione principale per questo rimane la somiglianza, che gioca un ruolo dominante. Indipendente - ritrattistica, aperta a esperimenti del più ampio spettro. L'artista ha l'opportunità di migliorare le sue capacità, applicando gli ultimi risultati tecnici.

La tecnica di esecuzione, infatti, è determinante per il raggiungimento del risultato ottimale. Il modo più comune di ritrattistica di artisti professionisti è Questo stile è radicato nel profondo dei secoli. Era usato da artisti antichi. Il loro lavoro è sopravvissuto fino ad oggi. Il ritratto come genere di belle arti esiste da tempo immemorabile e oggi è un mezzo popolare di espressione artistica.

"Pennello asciutto"

Recentemente, una tecnica è diventata popolare quando l'immagine non viene creata con tratti, ma sfregando una piccola quantità di vernice. Allo stesso tempo, il pennello è quasi asciutto e il metodo stesso ti consente di ottenere bellissimi mezzitoni. Poiché il genere più sottile di pittura è un ritratto, e l'immagine di un volto nei colori richiede sfumature proprio delicate, la tecnica del "pennello asciutto" è la più adatta a questo scopo.

Tipi

Il genere del ritratto è suddiviso in più tipologie: cerimoniale, da camera, intimo e trama. Esiste anche un tipo speciale chiamato autoritratto, quando l'artista raffigura se stesso. Di norma, questo è un disegno puramente individuale. In generale, il genere del ritratto è completamente indipendente, soggetto a determinate regole. Queste regole non vengono mai violate, sebbene il loro campo di applicazione possa essere esteso in determinate circostanze.

Oltre a quelli già elencati, esiste un altro genere di ritrattistica, che comprende caratteristiche artistiche speciali, una varietà specializzata che richiede un approccio sistematico. Questo è un ritratto in costume, quando una persona moderna è raffigurata sulla tela con gli abiti del passato. La gamma dei soggetti non è limitata: dalle pelli indossate da un uomo primitivo all'abito da sposa del Rinascimento. In questa varietà di ritratti ci sono elementi di teatralità. Nella Federazione Russa, soprattutto a Mosca, il ritratto in costume era molto diffuso, ma ciò non avveniva per amore della moda, bensì come omaggio all'arte.

Genere della ritrattistica nell'arte

Le tele pittoresche, scritte in tempi diversi, sono unite da una condizione obbligatoria: le immagini devono essere autentiche. Un ruolo importante è svolto dalla componente del ritratto, ovvero l'immagine dei volti dei personaggi. Il successo dell'immagine dipende dalla precisione con cui vengono scritti i tratti del viso. L'espressione degli occhi, dei sorrisi o, al contrario, delle sopracciglia aggrottate, tutte le sfumature dovrebbero riflettersi sulla tela. Il compito non è facile, ma il fattore affidabilità testimonia l'abilità dell'artista. Ecco perché il genere del ritratto nell'arte è così inequivocabile e richiede piena dedizione da parte del maestro. Gli artisti esperti sono i migliori nei dipinti che coinvolgono persone, primi piani dei loro volti e movimento accentuato.

Ritratti letterari

Gli scrittori, così come gli artisti, raffigurano molto spesso il volto di una persona. Ci sono molte più tecniche letterarie per questo, la ricca lingua russa consente l'uso di numerose forme artistiche, giri di parole e frasi. L'obiettivo per cui lo scrittore si sforza è identico nel significato all'intenzione dell'artista, lo scrittore descrive le espressioni facciali come risultato degli stati d'animo di una persona, un riflesso dei suoi pensieri, emozioni ed esperienze. il ritratto è piuttosto complicato. È necessario descrivere, evitando formulazioni superficiali. Ciò richiede l'abilità di un vero creatore. Tra gli scrittori russi che sanno esprimere in poche parole l'essenza della forma umana, il grande Maxim Gorky occupa il primo posto. Il suo seguace americano ha anche padroneggiato magistralmente l'arte del disegno di ritratti verbali. Il genere di un ritratto letterario è vario, la descrizione segue un certo stile, può essere allegra o triste, breve o lunga, tutto dipende da ogni singola opera.

Foto

Con l'avvento del dagherrotipo, le possibilità delle belle arti si espansero e i ritratti non fecero eccezione. Un ritratto fotografico costava molto meno di un dipinto a olio e il riconoscimento era al cento per cento. E sebbene gli artisti osservassero causticamente che la fotografia era per i poveri, "il grande pubblico si è rivolto a un'immagine più accurata su un piatto argentato. Il genere della fotografia di ritratto è diventato rapidamente di moda, non c'era fine a coloro che volevano catturare se stessi e il loro cari.

Tuttavia, il nuovo metodo, il dagherrotipo, aveva i suoi svantaggi. La fotografia, a differenza di un ritratto pittoresco, non permetteva di cambiare nulla. L'immagine si è bloccata una volta per tutte, era impossibile aggiustare qualcosa. E dato che la persona è stata fotografata seduta o in piedi (in una posa tesa), allora non è uscito nella foto nel migliore dei modi. Pertanto, ci sono state molte delusioni, reclami e malcontento. Tuttavia, i ritratti hanno messo radici, le persone hanno imparato a posare artisticamente e tutto è andato a posto.

Ritratto (ritratto francese - ritrarre) - una descrizione dell'aspetto del personaggio, delle caratteristiche fisiche e naturali individuali, nonché di tutto ciò che è modellato dall'ambiente socio-culturale nell'aspetto di una persona: vestiti, acconciature, comportamento - gesti, espressioni facciali , posture, espressioni degli occhi, volti, sorrisi, ecc. Il ritratto, insieme al dialogo, all'interno, alla parola, è il mezzo di caratterizzazione più importante. Tipico e individuale sono i componenti più importanti di un ritratto artistico. La descrizione dell'aspetto dell'eroe contribuisce alla divulgazione del suo carattere. I ritratti sono usati nell'epopea; nei testi e nel dramma, la rappresentazione verbale è limitata. Ogni era letteraria era caratterizzata dalle proprie caratteristiche del trasferimento dell'aspetto dei personaggi.

Quindi, nel folklore, nella letteratura dell'antichità, nel Medioevo, i ritratti erano estremamente generalizzati, indicando direttamente lo stato sociale dell'eroe. L'aspetto dell'eroe era spesso denotato da una sorta di epiteto stabile ("Achille veloce", "Apollo dalle braccia d'argento", "Agamennone il potente", "Era dagli occhi pelosi", "Eos dalle dita rosa" in Omero). A partire dal Rinascimento diventa comune un ritratto espositivo statico (una descrizione dettagliata dell'aspetto viene data una volta che, all'inizio della narrazione, si notano i tratti esterni più comuni e immutati). Così, nel romanzo di F. Rabelais "Gargantua e Pantagruel" viene fornito un ritratto di Panurgo. Panurgo era un uomo di circa trentacinque anni, di statura media, né alto né basso, con il naso adunco, come un rasoio, che amava lasciare gli altri con il naso, estremamente cortese, anche se un po' dissoluto, e fin dalla nascita soggetto a una malattia speciale, di cui quei tempi dicevano questo: "La mancanza di denaro è una malattia insopportabile". Con tutto ciò, conosceva sessantatré modi per ottenere denaro, di cui il più onesto e il più comune era furtivo, ed era un malizioso, imbroglione, festaiolo, festaiolo e truffatore, di cui ce ne sono pochi a Parigi. E infatti, il più meraviglioso dei mortali. Vale la pena notare che il ritratto nelle opere del Rinascimento è un certo complesso di qualità, fisiologiche e mentali, l'autore elenca spesso alcune caratteristiche, senza cercare di trovare una connessione interna tra di loro. Quindi, le qualità interiori dell'eroe, se menzionate dall'autore, non trovano il loro riflesso nelle caratteristiche fisiologiche esterne del personaggio. Tale è il ritratto di Niccolò nel Decamerone di G. Boccaccio: "Era bella, ben vestita e per la sua posizione aveva buone maniere e dono della parola".

Quindi, fino all'era del romanticismo, i ritratti idealizzanti hanno dominato la letteratura. Troviamo un tipo simile di ritratto in N.V. Gogol nel racconto “Taras Bulba”: “Alzò lo sguardo e vide una bellezza in piedi alla finestra, che non aveva mai visto in vita sua: occhi neri e bianchi, come la neve, illuminati dal rossore mattutino del sole. Rise di cuore e le risate davano un potere scintillante alla sua bellezza abbagliante.

Nel 19 ° secolo, i ritratti apparvero in letteratura, rivelando la complessità e la versatilità dell'immagine spirituale dell'eroe. Caratteristico è il ritratto di Pecorin nel romanzo di M.Yu. Lermontov: “Era di statura media; la sua corporatura snella e sottile e le spalle larghe dimostravano un fisico robusto, capace di sopportare tutte le difficoltà della vita nomade e del cambiamento climatico, non sconfitto né dalla depravazione della vita metropolitana né dalle tempeste spirituali. La sua andatura era incurante e pigra, ma ho notato che non agitava le braccia, segno sicuro di una certa segretezza di carattere.<…>A prima vista in faccia, non gli avrei dato più di ventitré anni, anche se dopo ero pronto a dargliene trenta. C'era qualcosa di infantile nel suo sorriso.<…>Per completare il ritratto dirò che aveva il naso leggermente all'insù, denti di un candore abbagliante e occhi castani; Devo dire ancora qualche parola sugli occhi.

Primo, non ridevano quando lui rideva. Hai mai notato una tale stranezza in alcune persone? .. Questo è un segno - o di una disposizione malvagia o di costante profonda tristezza. Le loro ciglia semichiuse brillavano di una specie di lucentezza fosforescente, per così dire. Non era un riflesso del calore dell'anima o un'immaginazione giocosa: era uno splendore, come lo splendore dell'acciaio liscio, abbagliante, ma freddo; il suo sguardo - breve, ma penetrante e pesante, lasciava l'impressione sgradevole di una domanda indiscreta e avrebbe potuto sembrare sfacciato se non fosse stato così indifferentemente calmo. Questo ritratto è un ritratto d'impressione in cui dominano le caratteristiche psicologiche dell'eroe.

Nelle opere di scrittori del XIX secolo (seconda metà) iniziano a prevalere i ritratti dinamici (la descrizione dell'aspetto dell'eroe è data in movimento, in azione, i suoi gesti, intonazione, espressioni facciali sono annotati una volta o l'altra ). Tali, ad esempio, sono i ritratti nelle opere di L.N. Tolstoj.

Esistono vari tipi di ritratti: una descrizione del ritratto (una descrizione obiettiva dell'aspetto del personaggio, senza valutazioni dell'autore e commenti psicologici - un ritratto di Masha Mironova nel racconto "La figlia del capitano" di A.S. Pushkin) e un ritratto-impressione ( fissa la valutazione dell'aspetto del personaggio da parte dell'autore o trasmette i pensieri e le impressioni degli altri - un ritratto di Pecorin nel romanzo "Un eroe del nostro tempo"); dettagliato (espanso, dettagliato - un ritratto di Oblomov nell'omonimo romanzo di I.A. Goncharov) e breve (frammentario, composto da 1-2 dettagli - un ritratto di Lisa Muromskaya nel racconto "La giovane contadina" di AS Pushkin); un ritratto statico (un'immagine unica delle caratteristiche invariabili dell'aspetto dell'eroe - il ritratto di Manilov nel poema "Dead Souls") e un ritratto dinamico (la descrizione dell'aspetto dell'eroe è data in dinamica, l'aspetto viene trasmesso attraverso una descrizione complessa delle posture, dei gesti, delle espressioni facciali, dei movimenti, della parola dell'eroe - il ritratto di Raskolnikov nel romanzo "Delitto e castigo" di F. M. Dostoevskij); un ritratto di un pezzo (completamente dato al momento della prima conoscenza con l'eroe - un ritratto di Shvabrin nella storia "La figlia del capitano" di A.S. Pushkin) e un ritratto distratto (i dettagli dell'aspetto sono presentati durante l'intero lavoro - un ritratto di Natasha Rostova nel romanzo epico "Guerra e pace"); ritratto leitmotiv (evidenziando due o tre caratteristiche espressive dell'aspetto del personaggio e l'enfasi dell'autore su di esse con ogni apparizione di questo personaggio - un ritratto di Liza Bolkonskaya nel romanzo "Guerra e pace" di L.N. Tolstoy); un ritratto psicologico (un riflesso del mondo mentale dell'eroe nella descrizione del suo aspetto - un ritratto di Pecorin nel romanzo "Un eroe del nostro tempo" di M.Yu. Lermontov).

Nel post di oggi vorrei soffermarmi su una breve storia dello sviluppo della ritrattistica. Non è possibile coprire completamente tutto il materiale su questo argomento nel volume limitato del post, quindi non ho impostato tale compito.

Una breve digressione nella storia della ritrattistica

Ritratto(dal ritratto francese) - questo è un genere di belle arti, così come opere di questo genere che mostrano l'aspetto di una persona in particolare. Il ritratto trasmette caratteristiche individuali, caratteristiche uniche inerenti a un solo modello (un modello è una persona che posa per un maestro mentre lavora a un'opera d'arte).

"Parigino". Affresco del Palazzo di Cnosso, XVI secolo a.C

Ma la somiglianza esterna non è l'unica e, forse, non la proprietà più importante insita in un ritratto . Un vero ritrattista non si limita a riprodurre le caratteristiche esterne del suo modello, si sforza trasmettere le proprietà del suo carattere, rivelare il suo mondo interiore e spirituale . È anche molto importante mostrare lo stato sociale della persona ritratta, per creare un'immagine tipica di un rappresentante di una certa epoca.
Come genere, il ritratto è apparso diversi millenni fa nell'arte antica. Tra gli affreschi del famoso Palazzo di Cnosso, rinvenuti dagli archeologi durante gli scavi sull'isola di Creta, sono presenti una serie di pittoresche immagini femminili risalenti al XVI secolo a.C. Sebbene i ricercatori chiamassero queste immagini "donne di corte", non sappiamo chi cercassero di mostrare i maestri cretesi: dee, sacerdotesse o nobili dame vestite con abiti eleganti.
Il più famoso era il ritratto di una giovane donna, chiamata dagli scienziati "parigina". Vediamo davanti a noi un'immagine di profilo (secondo le tradizioni dell'arte di quel tempo) di una giovane donna, molto civettuola e che non trascura il trucco, come testimoniano i suoi occhi cerchiati di scuro e le labbra dai colori vivaci.
Gli artisti che hanno realizzato ritratti ad affresco dei loro contemporanei non hanno approfondito le caratteristiche dei modelli e la somiglianza esterna in queste immagini è molto relativa.

"Ritratto di giovane romano", inizi del III secolo d.C

Nell'antica Grecia e nell'antica Roma la pittura da cavalletto non esisteva, quindi l'arte del ritratto si esprimeva principalmente nella scultura. Antichi maestri hanno creato immagini plastiche di poeti, filosofi, capi militari e politici. Queste opere sono caratterizzate dall'idealizzazione e, allo stesso tempo, si trovano anche immagini molto accurate nelle loro caratteristiche psicologiche.
Di grande interesse sono i pittoreschi ritratti realizzati in Egitto nel I-IV secolo d.C. Secondo il luogo del ritrovamento (le tombe di Khavara a nord del Cairo e la necropoli dell'oasi di Fayum, che era chiamata Arsinoe sotto i Tolomei), sono chiamate Fayum. Queste immagini svolgevano funzioni rituali e magiche. Sono apparsi in epoca ellenistica, quando l'antico Egitto fu catturato dai romani. Queste immagini ritratto, realizzate su tavole di legno o su tela, venivano collocate insieme alla mummia nella tomba del defunto.
Nei ritratti di Fayum vediamo egiziani, siriani, nubiani, ebrei, greci e romani che vissero in Egitto nel I-IV secolo d.C. Dall'antica Roma all'Egitto, arrivò l'usanza di conservare in casa i ritratti dei proprietari dipinti su assi di legno, nonché maschere scultoree di parenti defunti.

Ritratto di una mummia di Fayum

I ritratti di Fayum sono stati creati utilizzando la tecnica della tempera o dell'encausto, che è particolarmente caratteristica delle immagini precedenti. L'encausto è dipingere con i colori, dove l'anello principale era la cera. Gli artisti hanno utilizzato vernici a cera fusa (tracce di gocciolamento di tali vernici sono state conservate su molte tavole con immagini di ritratti). Una tale tecnica richiedeva tecniche speciali. Sulle aree delle guance, del mento e del naso, la vernice è stata applicata in strati densi e il resto del viso e dei capelli sono stati dipinti con una vernice più liquida. I maestri usavano sottili tavole di sicomoro (fico di gelso) e cedro libanese per i ritratti.

G. Bellini. Ritratto del donatore. Frammento

Tra i ritratti encaustici più famosi ci sono il "Ritratto di uomo" (seconda metà del I secolo d.C.) e il "Ritratto di uomo anziano" (fine del I secolo d.C.), che sono immagini di vita. In queste opere colpisce la sapiente modellazione di luci e ombre e l'uso del riflesso cromatico. Probabilmente, i maestri che hanno dipinto i ritratti, a noi sconosciuti, hanno attraversato la scuola pittorica ellenistica. Altri due dipinti furono eseguiti allo stesso modo: "Ritratto di un nubiano" e una bellissima immagine femminile, la cosiddetta. "Lady Alina" (II secolo d.C.). L'ultimo ritratto è realizzato su tela con pennello e tempera liquida.
Durante il Medioevo, quando l'arte era subordinata alla chiesa, nella pittura venivano create principalmente immagini religiose. Ma anche in questo momento, alcuni artisti hanno dipinto ritratti psicologicamente accurati. Molto utilizzate erano le immagini dei donatori (donatori, clienti), che venivano mostrati più spesso di profilo, rivolti verso Dio, la Madonna o un santo. Le immagini dei donatori avevano un'indubbia somiglianza esterna con gli originali, ma non andavano oltre i canoni iconografici, svolgendo un ruolo secondario nella composizione. Le immagini di profilo provenienti dall'icona conservarono la loro posizione dominante anche quando il ritratto iniziò ad acquisire un significato autonomo.
Il periodo di massimo splendore del genere del ritratto iniziò nel Rinascimento, quando il valore principale del mondo era una persona attiva e propositiva, capace di cambiare questo mondo e andare contro le avversità. Nel XV secolo, gli artisti iniziarono a creare ritratti indipendenti, che mostravano modelli sullo sfondo di paesaggi panoramici maestosi. Tale è il "Ritratto di ragazzo" di B. Pinturicchio.

B.Pinturicchio. "Ritratto di ragazzo", Galleria d'arte, Dresda

Tuttavia, la presenza di frammenti di natura nei ritratti non crea integrità, unità di una persona e del mondo che la circonda, la persona ritratta sembra oscurare il paesaggio naturale. Solo nei ritratti del Cinquecento compare l'armonia, una sorta di microcosmo.

Molti famosi maestri del Rinascimento si sono rivolti alla ritrattistica, tra cui Botticelli, Raffaello, Leonardo da Vinci. La più grande opera d'arte mondiale fu il famoso capolavoro di Leonardo - il ritratto "Mona Lisa" ("La Gioconda", c. 1503), in cui molti ritrattisti delle generazioni successive videro un modello.
Un ruolo enorme nello sviluppo del genere del ritratto europeo è stato svolto da Tiziano, che ha creato un'intera galleria di immagini dei suoi contemporanei: poeti, scienziati, clero, governanti. In queste opere, il grande maestro italiano ha agito come un sottile psicologo e un eccellente conoscitore dell'animo umano.

Tiziano: Imperatrice Isabella del Portogallo.

Durante il Rinascimento, molti artisti che hanno creato altari e composizioni mitologiche si sono rivolti al genere del ritratto. I ritratti psicologici del pittore olandese Jan van Eyck ("Timothy", 1432; "L'uomo dal turbante rosso", 1433) si distinguono per una profonda penetrazione nel mondo interiore del modello. Il maestro riconosciuto del genere del ritratto era l'artista tedesco Albrecht Dürer, i cui autoritratti deliziano ancora il pubblico e servono da esempio per gli artisti.

Albrecht Dürer, Autoritratto

Durante il Rinascimento, nella pittura europea apparvero varie forme di ritrattistica. Il ritratto del busto era molto popolare in quel momento, sebbene apparissero anche immagini a mezzo busto, generazionali e ritratti a figura intera. Nobili coppie sposate ordinarono ritratti accoppiati, in cui i modelli erano raffigurati su tele diverse, ma entrambe le composizioni erano unite da un concetto comune, colore e sfondo paesaggistico. Un vivido esempio di ritratti in coppia sono le immagini del Duca e della Duchessa di Urbino (Federigo da Montefeltro e Battista Sforza, 1465), create dal pittore italiano Piero della Francesca.
Anche i ritratti di gruppo erano ampiamente utilizzati, quando l'artista mostrava diversi modelli su una tela. Un esempio di tale opera è "Ritratto di papa Paolo III con Alessandro e Ottavio Farnese" (1545-1546) di Tiziano.

Secondo la natura dell'immagine, i ritratti iniziarono a essere divisi in cerimoniali e intimi. I primi sono stati creati con lo scopo di esaltare e glorificare le persone rappresentate su di essi. I ritratti cerimoniali venivano ordinati ad artisti famosi dai regnanti e dai membri delle loro famiglie, cortigiani, ecclesiastici, che occupavano i gradini più alti della scala gerarchica.
Creando ritratti cerimoniali, i pittori hanno ritratto uomini in ricche uniformi ricamate d'oro. Le signore che hanno posato per l'artista indossavano gli abiti più lussuosi e si adornavano di gioielli. Lo sfondo ha svolto un ruolo speciale in tali ritratti. I maestri hanno dipinto i loro modelli sullo sfondo del paesaggio, elementi architettonici (archi, colonne) e lussureggianti tendaggi.
Il più grande maestro del ritratto cerimoniale fu il fiammingo P.P. Rubens, che ha lavorato presso le corti reali di molti stati. I suoi nobili e ricchi contemporanei sognavano che il pittore li catturasse sulle sue tele. I ritratti su misura di Rubens, che colpiscono per la ricchezza di colori e il virtuosismo del disegno, sono alquanto idealizzati e freddi. Le immagini di parenti e amici che l'artista ha creato per sé sono piene di sentimenti caldi e sinceri, non hanno voglia di adulare la modella, come nei ritratti formali per clienti facoltosi.

Allievo e seguace di Rubens fu il talentuoso pittore fiammingo A. van Dyck, che creò una galleria di immagini di ritratti dei suoi contemporanei: scienziati, avvocati, medici, artisti, mercanti, capi militari, clero, cortigiani. Queste immagini realistiche trasmettono sottilmente l'unicità individuale dei modelli.
I ritratti eseguiti da van Dyck nel periodo tardo, quando l'artista lavorava alla corte del re inglese Carlo, sono artisticamente meno perfetti, perché il maestro, che riceveva molti ordini, non poteva farcela e affidò l'immagine di alcuni dettagli ai suoi assistenti. Ma anche in questo periodo, van Dyck dipinse una serie di dipinti piuttosto riusciti (Ritratto del Louvre di Carlo I, 1635 circa; Tre figli di Carlo I, 1635).

A. Van Dyck. "I tre figli di Carlo I", 1635, Royal Collection, Castello di Windsor

Nel XVII secolo, un posto importante nella pittura europea era occupato da un ritratto intimo (da camera), il cui scopo è mostrare lo stato d'animo di una persona, i suoi sentimenti ed emozioni. Il maestro riconosciuto di questo tipo di ritratto era l'artista olandese Rembrandt, che dipinse molte immagini sentite. "Ritratto di una donna anziana" (1654), "Ritratto del figlio di Tito che legge" (1657), "Hendrikje Stoffels alla finestra" (ritratto della seconda moglie dell'artista, 1659 circa) sono intrisi di sentimenti sinceri. Queste opere presentano allo spettatore persone comuni che non hanno né antenati nobili né ricchezza. Ma per Rembrandt, che ha aperto una nuova pagina nella storia del genere del ritratto, era importante trasmettere la gentilezza della sua modella, le sue qualità veramente umane.

Artista sconosciuto. Parsuna "Sovrano di tutta la Rus' Ivan IV il Terribile", fine XVII secolo.

La maestria di Rembrandt si manifestò anche nei suoi ritratti di gruppo di grande formato (Night Watch, 1642; Sindics, 1662), che trasmettono temperamenti diversi e vivide personalità umane.
Uno dei ritrattisti europei più notevoli del XVII secolo fu l'artista spagnolo D. Velasquez, che dipinse non solo moltissimi ritratti cerimoniali che rappresentano i re spagnoli, le loro mogli e figli, ma anche una serie di immagini intime di persone comuni. Le tragiche immagini dei nani di corte sono rivolte ai migliori sentimenti dello spettatore: saggio e sobrio o amareggiato, ma sempre conservando un senso di dignità umana ("Ritratto del giullare Sebastiano Mora", ca. 1648).

Il genere del ritratto fu ulteriormente sviluppato nel XVIII secolo. Il ritratto, a differenza del paesaggio, dava agli artisti un buon reddito. Molti pittori coinvolti nella creazione di ritratti cerimoniali, cercando di adulare un cliente ricco e nobile, hanno cercato di evidenziare le caratteristiche più attraenti del suo aspetto e oscurare i difetti.
Ma gli artigiani più coraggiosi e talentuosi non avevano paura dell'ira dei governanti e mostravano le persone per quello che erano realmente, senza nascondere i loro difetti fisici e morali. In questo senso è interessante il famoso "Ritratto della famiglia del re Carlo IV" (1801) del famoso pittore e grafico spagnolo F. Goya. La National School of Portraiture è nata in Inghilterra. I suoi maggiori rappresentanti sono gli artisti J. Reynolds e T. Gainsborough, che hanno lavorato nel XVIII secolo. Le loro tradizioni furono ereditate dai giovani maestri inglesi: J. Romney, J. Hopner, J. Opie.
Un posto importante era occupato dal ritratto nell'arte della Francia. Uno degli artisti più talentuosi della seconda metà del XVIII - primo quarto del XIX secolo fu J.L. David, che ha creato, insieme a dipinti di genere antico e storico, molti bei ritratti. Tra i capolavori del maestro ci sono un'immagine insolitamente espressiva di Madame Recamier (1800) e un ritratto romanticamente elevato di Napoleone Bonaparte al Passo del San Bernardo (1800).

Un maestro insuperabile del genere del ritratto era J.O.D. Ingres, che ha glorificato il suo nome con ritratti cerimoniali, contraddistinti da colori sonori e linee aggraziate.
Belli esempi di ritratto romantico sono stati presentati al mondo da artisti francesi come T. Gericault, E. Delacroix.
Realisti francesi (J.F. Millet, C. Corot, G. Courbet), impressionisti (E. Degas, O. Renoir) e post-impressionisti (P. Cezanne, V. van Gogh) hanno espresso il loro atteggiamento nei confronti della vita e dell'arte nei ritratti.
Anche i rappresentanti dei movimenti modernisti emersi nel XX secolo si sono rivolti al genere del ritratto. Molti ritratti ci sono stati lasciati dal famoso artista francese Pablo Picasso. Da queste opere si può rintracciare come si è sviluppata l'opera del maestro dal cosiddetto. periodo blu al cubismo.

Nel suo "Periodo blu" (1901-1904), crea ritratti e tipi di genere, in cui sviluppa il tema della solitudine, del dolore, del destino di una persona, penetrando nel mondo spirituale dell'eroe e nel suo ambiente ostile. Tale è il ritratto dell'amico dell'artista, il poeta X. Sabartes (1901, Mosca, Museo Pushkin).

Un contributo significativo allo sviluppo della ritrattistica russa fu dato dal talentuoso artista della prima metà del XVIII secolo, I.N. Nikitin, che, con l'abilità di uno psicologo, ha mostrato nel suo "Ritratto di un Hetman all'aperto" (1720) un'immagine complessa e sfaccettata di un uomo dell'era petrina.

Il dipinto della seconda metà del XVIII secolo è associato ai nomi di famosi ritrattisti come F.S. Rokotov, che ha creato molte immagini spiritualizzate dei suoi contemporanei (ritratto di V.I. Maikov, c. 1765), D.G. Levitsky, autore di bellissimi ritratti cerimoniali e da camera che trasmettono l'integrità della natura dei modelli (ritratti di alunni dell'Istituto Smolny, c. 1773-1776), V.L. Borovikovsky, i cui ritratti incredibilmente lirici di donne deliziano ancora gli spettatori.

Borovikovsky, Vladimir Lukich: Ritratto di Elena Alexandrovna Naryshkina.

Gli anni 1860-1870 furono il periodo della formazione del realismo nella pittura russa, che si manifestò più chiaramente nell'opera degli Erranti. In questo periodo, nel genere del ritratto, il ritratto-tipo ebbe un grande successo tra il pubblico di mentalità democratica, in cui la modella riceveva non solo una valutazione psicologica, ma veniva anche considerata dal punto di vista del suo posto nella società. In tali opere, gli autori hanno prestato uguale attenzione sia alle caratteristiche individuali che a quelle tipiche dei soggetti ritratti.
Un esempio di tale tipo di ritratto fu dipinto nel 1867 dall'artista N.N. Ge ritratto di A.I. Erzen. Guardando le fotografie dello scrittore democratico, si può capire con quanta precisione il maestro abbia colto la somiglianza esterna. Ma il pittore non si è fermato qui, ha catturato sulla tela la vita spirituale di una persona che si sforza di raggiungere la felicità per il suo popolo nella lotta. Nell'immagine di Herzen, Ge ha mostrato il tipo collettivo delle migliori persone della sua epoca.

N.N. Ge ritratto di A.I. Erzen

Le tradizioni della ritrattistica di Ge furono riprese da maestri come V.G. Perov (ritratto di F.M. Dostoevskij, 1872), I.N. Kramskoy (ritratto di L.N. Tolstoy, 1873). Questi artisti hanno creato un'intera galleria di immagini dei loro eccezionali contemporanei.
Ritratti di tipo straordinario sono stati dipinti da I.E. Repin, che è riuscito a trasmettere in modo molto accurato l'individualità unica di ogni persona. Con l'aiuto di gesti, posture, espressioni facciali correttamente notati, il maestro fornisce una descrizione sociale e spirituale del ritratto. Una persona significativa e volitiva appare nel ritratto di N.I. Pirogov. Il profondo talento artistico e la passione per la natura sono visti dallo spettatore sulla sua tela raffigurante l'attrice P.A. Strepetov (1882).

Ritratto dell'attrice Pelageya Antipovna Strepetova nei panni di Elisabetta. 1881

Glazunov_ Ritratto di Ilya Reznik, 1999

Un enorme contributo allo sviluppo della ritrattistica russa è stato dato da A.M. Shilov ("Ritratto dell'accademico I.L. Knunyants", 1974; "Ritratto di Olya", 1974).

SONO. Scilov. "Ritratto di Olya", 1974

Materiali utilizzati nella preparazione del materiale