Dipinti di artisti russi degli anni 20-30. Pittura sovietica - storia dell'arte moderna

"Giocatori di carte"

Autore

Paolo Cézanne

Un paese Francia
Anni di vita 1839–1906
Stile post impressionismo

L'artista è nato nel sud della Francia nella piccola città di Aix-en-Provence, ma ha iniziato a dipingere a Parigi. Il vero successo gli arriva dopo una mostra personale organizzata dal collezionista Ambroise Vollard. Nel 1886, 20 anni prima della sua partenza, si trasferì alla periferia della sua città natale. I giovani artisti chiamavano i viaggi da lui "un pellegrinaggio ad Aix".

130x97 cm
1895
prezzo
250 milioni di dollari
venduto nel 2012
all'asta privata

Il lavoro di Cezanne è facile da capire. L'unica regola dell'artista era il trasferimento diretto del soggetto o della trama sulla tela, quindi i suoi dipinti non provocano sconcerto nello spettatore. Cézanne ha combinato nella sua arte due principali tradizioni francesi: il classicismo e il romanticismo. Con l'aiuto della trama colorata, ha conferito alla forma degli oggetti una straordinaria plasticità.

Una serie di cinque dipinti "Giocatori di carte" fu scritta nel 1890-1895. La loro trama è la stessa: diverse persone giocano a poker con entusiasmo. Le opere differiscono solo per il numero di attori e per le dimensioni della tela.

Quattro dipinti sono conservati in musei in Europa e in America (il Musée d'Orsay, il Metropolitan Museum of Art, la Barnes Foundation e il Courtauld Institute of Art), e il quinto, fino a poco tempo fa, era un ornamento della collezione privata del L'armatore miliardario greco George Embirikos. Poco prima di morire, nell'inverno del 2011, decise di metterlo in vendita. I potenziali acquirenti dell'opera "gratuita" di Cezanne erano il mercante d'arte William Aquavella e il gallerista di fama mondiale Larry Gagosian, che gli offrirono circa 220 milioni di dollari. Di conseguenza, il dipinto è andato alla famiglia reale dello stato arabo del Qatar per 250 milioni e nel febbraio 2012 è stato chiuso il più grande affare d'arte nella storia della pittura. Lo ha riferito a Vanity Fair la giornalista Alexandra Pierce. Ha scoperto il costo del dipinto e il nome del nuovo proprietario, quindi l'informazione è penetrata nei media di tutto il mondo.

Nel 2010 sono stati aperti in Qatar il Museo Arabo di Arte Moderna e il Museo Nazionale del Qatar. Ora le loro collezioni stanno crescendo. Forse la quinta versione di The Card Players è stata acquistata dallo sceicco per questo scopo.

Piùimmagine costosanel mondo

Proprietario
Sceicco Hamad
bin Khalifa al Thani

La dinastia al-Thani governa il Qatar da oltre 130 anni. Circa mezzo secolo fa qui sono state scoperte enormi riserve di petrolio e gas, che hanno reso immediatamente il Qatar una delle regioni più ricche del mondo. Grazie all'esportazione di idrocarburi, questo piccolo paese ha registrato il più alto PIL pro capite. Lo sceicco Hamad bin Khalifa al-Thani ha preso il potere nel 1995, mentre suo padre era in Svizzera, con il sostegno dei familiari. Il merito dell'attuale sovrano, secondo gli esperti, sta nella chiara strategia di sviluppo del Paese, creando un'immagine di successo dello Stato. Il Qatar ora ha una costituzione e un primo ministro, e le donne hanno ottenuto il diritto di voto alle elezioni parlamentari. A proposito, è stato l'emiro del Qatar a fondare il canale di notizie Al Jazeera. Le autorità dello stato arabo prestano grande attenzione alla cultura.

2

"Numero 5"

Autore

Jackson Pollock

Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1912–1956
Stile espressionismo astratto

Jack the Sprinkler - un tale soprannome è stato dato a Pollock dal pubblico americano per la sua speciale tecnica pittorica. L'artista ha abbandonato il pennello e il cavalletto e ha versato la vernice sulla superficie della tela o del pannello di fibra durante un movimento continuo intorno e dentro di essi. Fin da piccolo amava la filosofia di Jiddu Krishnamurti, il cui messaggio principale è che la verità viene rivelata durante una libera "effusione".

122x244 cm
1948
prezzo
140 milioni di dollari
venduto nel 2006
sull'asta Sotheby's

Il valore del lavoro di Pollock non sta nel risultato, ma nel processo. L'autore non ha chiamato a caso la sua arte "pittura d'azione". Con la sua mano leggera, è diventata la risorsa principale dell'America. Jackson Pollock ha mescolato vernice con sabbia, vetri rotti e ha scritto con un pezzo di cartone, una spatola, un coltello, una pala. L'artista era così popolare che negli anni '50 c'erano persino imitatori in URSS. Il dipinto "Numero 5" è riconosciuto come uno dei più strani e costosi al mondo. Uno dei fondatori di DreamWorks, David Geffen, lo acquistò per una collezione privata e nel 2006 lo vendette da Sotheby's per 140 milioni di dollari al collezionista messicano David Martinez. Tuttavia, lo studio legale ha presto emesso un comunicato stampa per conto del suo cliente affermando che David Martinez non era il proprietario del dipinto. Solo una cosa è certa: il finanziere messicano ha infatti recentemente collezionato opere d'arte contemporanea. È improbabile che si sarebbe perso un "pesce grosso" come il "Numero 5" di Pollock.

3

"Donna III"

Autore

Willem de Kooning

Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1904–1997
Stile espressionismo astratto

Originario dei Paesi Bassi, emigrò negli Stati Uniti nel 1926. Nel 1948 ebbe luogo una mostra personale dell'artista. I critici d'arte hanno apprezzato le complesse e nervose composizioni in bianco e nero, riconoscendo nel loro autore un grande artista modernista. Per la maggior parte della sua vita ha sofferto di alcolismo, ma la gioia di creare nuova arte si fa sentire in ogni opera. De Kooning si distingue per l'impulsività della pittura, i tratti ampi, motivo per cui a volte l'immagine non rientra nei confini della tela.

121x171 cm
1953
prezzo
137 milioni di dollari
venduto nel 2006
all'asta privata

Negli anni '50, nei dipinti di de Kooning compaiono donne con occhi vuoti, seni enormi e lineamenti brutti. "Woman III" è stata l'ultima opera di questa serie a partecipare all'asta.

Dagli anni '70 il dipinto è conservato nel Museo di arte moderna di Teheran, ma dopo l'introduzione di rigide regole morali nel paese, si è cercato di liberarsene. Nel 1994, l'opera è stata portata fuori dall'Iran e 12 anni dopo, il suo proprietario David Geffen (lo stesso produttore che ha venduto "Numero 5" di Jackson Pollock) ha venduto il dipinto al milionario Stephen Cohen per 137,5 milioni di dollari. È interessante che in un anno Geffen abbia iniziato a vendere la sua collezione di dipinti. Ciò ha dato origine a molte voci: ad esempio, che il produttore ha deciso di acquistare il Los Angeles Times.

In uno dei forum d'arte è stata espressa un'opinione sulla somiglianza di "Donna III" con il dipinto di Leonardo da Vinci "Dama con l'ermellino". Dietro il sorriso a trentadue denti e la figura informe dell'eroina, l'intenditore della pittura ha scorto la grazia di una persona di sangue reale. Ciò è evidenziato anche dalla corona scarsamente tracciata che incorona la testa di una donna.

4

"Ritratto di AdeleBloch Bauer I"

Autore

Gustav Klimt

Un paese Austria
Anni di vita 1862–1918
Stile moderno

Gustav Klimt è nato nella famiglia di un incisore ed era il secondo di sette figli. Tre figli di Ernest Klimt divennero artisti e solo Gustav divenne famoso in tutto il mondo. Ha trascorso la maggior parte della sua infanzia in povertà. Dopo la morte di suo padre, era responsabile dell'intera famiglia. Fu in questo momento che Klimt sviluppò il suo stile. Davanti ai suoi dipinti, ogni spettatore si blocca: sotto i sottili tratti d'oro è chiaramente visibile l'erotismo franco.

138x136 cm
1907
prezzo
135 milioni di dollari
venduto nel 2006
sull'asta Sotheby's

Il destino del dipinto, che si chiama "La Gioconda austriaca", potrebbe facilmente diventare la base per un bestseller. Il lavoro dell'artista è diventato la causa del conflitto dell'intero stato e di una signora anziana.

Quindi, il "Ritratto di Adele Bloch-Bauer I" raffigura un'aristocratica, la moglie di Ferdinand Bloch. La sua ultima volontà fu quella di trasferire il dipinto alla Galleria di Stato austriaca. Tuttavia, Bloch annullò la donazione nel suo testamento ei nazisti espropriarono il dipinto. Successivamente, la galleria ha appena acquistato l'Adele d'oro, ma poi è apparsa l'ereditiera: Maria Altman, la nipote di Ferdinand Bloch.

Nel 2005 è iniziato il processo di alto profilo "Maria Altman contro la Repubblica d'Austria", a seguito del quale la foto "è partita" con lei a Los Angeles. L'Austria ha adottato misure senza precedenti: sono stati negoziati prestiti, la popolazione ha donato denaro per acquistare il ritratto. Il bene non ha mai vinto il male: Altman ha alzato il prezzo a 300 milioni di dollari. Al momento del processo aveva 79 anni ed è passata alla storia come la persona che ha cambiato il testamento di Bloch-Bauer in favore di interessi personali. Il dipinto fu acquistato da Ronald Lauder, proprietario della New Gallery di New York, dove si trova ancora oggi. Non per l'Austria, per lui Altman ha ridotto il prezzo a 135 milioni di dollari.

5

"Grido"

Autore

Edvard Munch

Un paese Norvegia
Anni di vita 1863–1944
Stile espressionismo

Il primo dipinto di Munch, diventato famoso in tutto il mondo, "The Sick Girl" (esiste in cinque copie) è dedicato alla sorella dell'artista, morta di tubercolosi all'età di 15 anni. Munch è sempre stato interessato al tema della morte e della solitudine. In Germania, la sua pittura pesante e maniacale provocò persino uno scandalo. Tuttavia, nonostante le trame deprimenti, i suoi dipinti hanno un magnetismo speciale. Prendi almeno "Scream".

73,5x91 cm
1895
prezzo
$ 119,992 milioni
venduto dentro 2012
sull'asta Sotheby's

Il nome completo del dipinto è Der Schrei der Natur (tradotto dal tedesco come "il grido della natura"). Il volto di una persona o di un alieno esprime disperazione e panico: lo spettatore prova le stesse emozioni guardando l'immagine. Una delle opere chiave dell'espressionismo avverte i temi che sono diventati acuti nell'arte del XX secolo. Secondo una versione, l'artista l'ha creato sotto l'influenza di un disturbo mentale, che ha sofferto per tutta la vita.

Il dipinto è stato rubato due volte da diversi musei, ma è stato restituito. Leggermente danneggiato dopo il furto, L'urlo è stato restaurato ed era pronto per essere nuovamente esposto al Munch Museum nel 2008. Per i rappresentanti della cultura pop, il lavoro è diventato una fonte di ispirazione: Andy Warhol ha creato una serie delle sue stampe-copie e la maschera del film "Scream" è stata realizzata a immagine e somiglianza dell'eroe del film.

Per una trama, Munch ha scritto quattro versioni dell'opera: quella in una collezione privata è realizzata a pastello. Il miliardario norvegese Petter Olsen lo ha messo all'asta il 2 maggio 2012. L'acquirente è stato Leon Black, che non ha risparmiato una cifra record per "Scream". Fondatore di Apollo Advisors, L.P. e Lion Advisors, L.P. noto per il suo amore per l'arte. Black è un mecenate del Dartmouth College, del Museum of Modern Art, del Lincoln Art Center e del Metropolitan Museum of Art. Ha la più grande collezione di dipinti di artisti contemporanei e maestri classici dei secoli passati.

6

"Nudo sullo sfondo di un busto e foglie verdi"

Autore

Pablo Picasso

Un paese Spagna, Francia
Anni di vita 1881–1973
Stile cubismo

Di origine è spagnolo, ma nello spirito e nel luogo di residenza è un vero francese. Picasso ha aperto il suo studio d'arte a Barcellona quando aveva solo 16 anni. Poi andò a Parigi e vi trascorse la maggior parte della sua vita. Ecco perché c'è un doppio stress nel suo cognome. Lo stile inventato da Picasso si basa sulla negazione dell'opinione che l'oggetto raffigurato sulla tela possa essere visto da un solo angolo.

130x162 cm
1932
prezzo
$ 106,482 milioni
venduto nel 2010
sull'asta Christie's

Durante il suo lavoro a Roma, l'artista ha incontrato la ballerina Olga Khokhlova, che presto divenne sua moglie. Ha messo fine al vagabondaggio, si è trasferito con lei in un lussuoso appartamento. A quel punto, il riconoscimento aveva trovato un eroe, ma il matrimonio era stato distrutto. Uno dei dipinti più costosi al mondo è stato creato quasi per caso, per un grande amore che, come sempre con Picasso, ebbe vita breve. Nel 1927 si interessa alla giovane Marie-Therese Walter (lei aveva 17 anni, lui 45). Segretamente dalla moglie, partì con la sua amante per una città vicino a Parigi, dove dipinse un ritratto raffigurante Marie-Therese nell'immagine di Daphne. Il dipinto fu acquistato dal commerciante di New York Paul Rosenberg e venduto nel 1951 a Sidney F. Brody. I Brody hanno mostrato il dipinto al mondo solo una volta, e solo perché l'artista aveva 80 anni. Dopo la morte del marito, la signora Brody ha messo l'opera all'asta da Christie's nel marzo 2010. In sei decenni, il prezzo è aumentato di oltre 5.000 volte! Un collezionista sconosciuto lo ha acquistato per $ 106,5 milioni. Nel 2011 si è tenuta in Gran Bretagna una “mostra di un dipinto”, dove ha visto la luce per la seconda volta, ma il nome del proprietario è ancora sconosciuto.

7

"Otto Elvis"

Autore

Andy Warhole

Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1928-1987
Stile
pop Art

"Il sesso e le feste sono gli unici luoghi in cui devi apparire di persona", ha detto l'artista pop di culto, regista e uno dei fondatori della rivista Interview, il designer Andy Warhol. Ha lavorato con Vogue e Harper's Bazaar, disegnato copertine di dischi e disegnato scarpe per I.Miller. Negli anni '60 apparvero dipinti raffiguranti i simboli dell'America: la zuppa Campbell e la Coca-Cola, Presley e Monroe - che lo resero una leggenda.

358x208 cm
1963
prezzo
$ 100 milioni
venduto nel 2008
all'asta privata

Gli anni '60 di Warhol: la cosiddetta era della pop art in America. Nel 1962 lavora a Manhattan al Factory Studio, dove si riunisce tutta la bohémien di New York. I suoi rappresentanti più brillanti: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote e altri personaggi famosi nel mondo. Allo stesso tempo, Warhol ha provato la tecnica della serigrafia: più ripetizioni di un'immagine. Ha usato questo metodo anche durante la creazione di "Otto Elvis": allo spettatore sembra di vedere i fotogrammi di un film in cui la star prende vita. Tutto ciò che l'artista amava così tanto è qui: un'immagine pubblica vantaggiosa per tutti, colore argento e una premonizione di morte come messaggio principale.

Sono due i mercanti d'arte che oggi promuovono l'opera di Warhol sul mercato mondiale: Larry Gagosian e Alberto Mugrabi. Il primo nel 2008 ha speso 200 milioni di dollari per acquistare più di 15 opere di Warhol. Il secondo compra e vende i suoi quadri come cartoline di Natale, solo più costosi. Ma non furono loro, ma l'umile consulente d'arte francese Philippe Segalo che aiutò l'intenditore d'arte romano Annibale Berlinghieri a vendere gli Otto Elvis a un acquirente sconosciuto per la cifra record di Warhol di 100 milioni di dollari.

8

"Arancia,Rosso Giallo"

Autore

Marco Rothko

Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1903–1970
Stile espressionismo astratto

Uno dei creatori della pittura a colori è nato a Dvinsk, in Russia (ora Daugavpils, Lettonia), in una numerosa famiglia di un farmacista ebreo. Nel 1911 emigrarono negli Stati Uniti. Rothko ha studiato al dipartimento artistico della Yale University, ha ottenuto una borsa di studio, ma i sentimenti antisemiti lo hanno costretto a lasciare gli studi. Nonostante tutto, i critici d'arte hanno idolatrato l'artista ei musei lo hanno perseguitato per tutta la vita.

206x236 cm
1961
prezzo
$ 86,882 milioni
venduto nel 2012
sull'asta Christie's

I primi esperimenti artistici di Rothko erano di orientamento surrealista, ma nel tempo semplificò la trama in macchie di colore, privandole di ogni obiettività. All'inizio avevano tonalità luminose, e negli anni '60 erano piene di marrone, viola, che si ispessiva fino al nero al momento della morte dell'artista. Mark Rothko ha messo in guardia dal cercare qualsiasi significato nei suoi dipinti. L'autore ha voluto dire esattamente quello che ha detto: solo il colore che si dissolve nell'aria, e niente di più. Ha raccomandato di guardare le opere da una distanza di 45 cm, in modo che lo spettatore sia "trascinato" nel colore, come in un imbuto. Attenzione: la visione secondo tutte le regole può portare all'effetto della meditazione, cioè arriva gradualmente la consapevolezza dell'infinito, la completa immersione in se stessi, il rilassamento, la purificazione. Il colore nei suoi dipinti vive, respira e ha un forte impatto emotivo (a volte si dice che sia curativo). L'artista ha detto: "Lo spettatore dovrebbe piangere guardandoli" - e ci sono stati davvero casi del genere. Secondo la teoria di Rothko, in questo momento le persone vivono la stessa esperienza spirituale che ha avuto mentre lavorava all'immagine. Se sei riuscito a capirlo a un livello così sottile, non sorprenderti se queste opere di astrattismo vengono spesso confrontate dai critici con le icone.

L'opera "Orange, Red, Yellow" esprime l'essenza della pittura di Mark Rothko. Il suo costo iniziale all'asta di Christie's a New York è di 35-45 milioni di dollari. Un acquirente sconosciuto ha offerto un prezzo doppio rispetto alla stima. Il nome del felice possessore del dipinto, come spesso accade, non è stato reso noto.

9

"Trittico"

Autore

Francesco Bacone

Un paese
Gran Bretagna
Anni di vita 1909–1992
Stile espressionismo

Le avventure di Francis Bacon, omonimo completo e, per di più, lontano discendente del grande filosofo, iniziarono quando il padre lo rinnegò, incapace di accettare le inclinazioni omosessuali del figlio. Bacon andò prima a Berlino, poi a Parigi, e poi le sue tracce si confondono in tutta Europa. Anche durante la sua vita, le sue opere sono state esposte nei principali centri culturali del mondo, tra cui il Museo Guggenheim e la Galleria Tretyakov.

147,5x198 cm (ciascuno)
1976
prezzo
86,2 milioni di dollari
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's

Prestigiosi musei si sforzavano di possedere dipinti di Bacon, ma il primitivo pubblico inglese non aveva fretta di sborsare per tale arte. Il leggendario primo ministro britannico Margaret Thatcher ha detto di lui: "L'uomo che dipinge questi quadri orribili".

Il periodo iniziale nel suo lavoro, l'artista stesso considerava il dopoguerra. Di ritorno dal servizio, riprese a dipingere e creò i principali capolavori. Prima della partecipazione all'asta di "Triptic, 1976", l'opera più costosa di Bacon era "Studio per un ritratto di Papa Innocenzo X" (52,7 milioni di dollari). Nel "Trittico, 1976" l'artista ha raffigurato la trama mitica della persecuzione di Oreste da parte delle furie. Certo, Oreste è Bacon stesso, e le furie sono i suoi tormenti. Per più di 30 anni il dipinto è stato in una collezione privata e non ha partecipato a mostre. Questo fatto gli conferisce un valore speciale e, di conseguenza, ne aumenta il costo. Ma cosa sono pochi milioni per un intenditore d'arte, e anche generoso in russo? Roman Abramovich ha iniziato a creare la sua collezione negli anni '90, in questo è stato notevolmente influenzato dalla sua ragazza Dasha Zhukova, che è diventata una gallerista alla moda nella Russia moderna. Secondo dati non ufficiali, l'imprenditore possiede opere di Alberto Giacometti e Pablo Picasso, acquistate per importi superiori ai 100 milioni di dollari. Nel 2008 diventa proprietario del Trittico. A proposito, nel 2011 è stata acquisita un'altra preziosa opera di Bacon: "Tre schizzi per un ritratto di Lucian Freud". Fonti nascoste affermano che Roman Arkadievich è diventato di nuovo l'acquirente.

10

"Laghetto con ninfee"

Autore

Claude Monet

Un paese Francia
Anni di vita 1840–1926
Stile impressionismo

L'artista è riconosciuto come il fondatore dell'impressionismo, che ha "brevettato" questo metodo nelle sue tele. La prima opera significativa è stata il dipinto "Colazione sull'erba" (la versione originale dell'opera di Edouard Manet). In gioventù disegnava caricature e si dedicava alla pittura vera e propria durante i suoi viaggi lungo la costa e all'aria aperta. A Parigi conduceva uno stile di vita bohémien e non lo lasciò nemmeno dopo aver prestato servizio nell'esercito.

210x100 cm
1919
prezzo
80,5 milioni di dollari
venduto nel 2008
sull'asta Christie's

Oltre al fatto che Monet era un grande artista, era anche impegnato con entusiasmo nel giardinaggio, adorava la fauna selvatica e i fiori. Nei suoi paesaggi lo stato di natura è momentaneo, gli oggetti sembrano sfocati dal movimento dell'aria. L'impressione è esaltata da grandi tratti, da una certa distanza diventano invisibili e si fondono in un'immagine strutturata e tridimensionale. Nel dipinto del defunto Monet, un posto speciale è occupato dal tema dell'acqua e della vita in essa. Nella città di Giverny, l'artista aveva il suo stagno, dove coltivava ninfee da semi portati appositamente dal Giappone. Quando i loro fiori sbocciarono, iniziò a dipingere. La serie Water Lilies è composta da 60 opere che l'artista ha dipinto in quasi 30 anni, fino alla sua morte. La sua vista si è deteriorata con l'età, ma non si è fermato. A seconda del vento, della stagione e del tempo, la vista dello stagno cambiava costantemente e Monet voleva catturare questi cambiamenti. Attraverso un attento lavoro, gli è arrivata una comprensione dell'essenza della natura. Alcuni dei dipinti della serie sono conservati nelle principali gallerie del mondo: National Museum of Western Art (Tokyo), Orangerie (Parigi). La versione del successivo "Stagno con ninfee" è andata nelle mani di un acquirente sconosciuto per una cifra record.

11

Falsa Stella T

Autore

Jasper John

Un paese Stati Uniti d'America
Anno di nascita 1930
Stile pop Art

Nel 1949, Jones entrò nella scuola di design di New York. Insieme a Jackson Pollock, Willem de Kooning e altri, è riconosciuto come uno dei principali artisti del XX secolo. Nel 2012 ha ricevuto la Presidential Medal of Freedom, il più alto riconoscimento civile negli Stati Uniti.

137,2x170,8 cm
1959
prezzo
80 milioni di dollari
venduto nel 2006
all'asta privata

Come Marcel Duchamp, Jones ha lavorato con oggetti reali, raffigurandoli su tela e in scultura in piena conformità con l'originale. Per le sue opere utilizzava oggetti semplici e comprensibili a tutti: una bottiglia di birra, una bandiera o mappe. Non c'è una composizione chiara nell'immagine False Start. L'artista sembra giocare con lo spettatore, firmando spesso “erroneamente” i colori nell'immagine, capovolgendo il concetto stesso di colore: “Volevo trovare un modo per rappresentare il colore in modo che potesse essere determinato da qualche altro metodo." Il suo dipinto più esplosivo e "insicuro", secondo i critici, è stato acquisito da un acquirente sconosciuto.

12

"Sedutonudosul divano"

Autore

Amedeo Modigliani

Un paese Italia, Francia
Anni di vita 1884–1920
Stile espressionismo

Modigliani era spesso malato fin dall'infanzia, durante un delirio febbrile, riconobbe il suo destino di artista. Studiò disegno a Livorno, Firenze, Venezia e nel 1906 partì per Parigi, dove fiorì la sua arte.

65x100 cm
1917
prezzo
$ 68,962 milioni
venduto nel 2010
sull'asta Sotheby's

Nel 1917 Modigliani conobbe la diciannovenne Jeanne Hébuterne, che divenne la sua modella e in seguito sua moglie. Nel 2004, uno dei suoi ritratti è stato venduto per 31,3 milioni di dollari, l'ultimo record prima della vendita di Seated Nude on a Sofa nel 2010. Il dipinto è stato acquistato da un acquirente sconosciuto al prezzo massimo per Modigliani al momento. Le vendite attive di opere sono iniziate solo dopo la morte dell'artista. Morì in povertà, affetto da tubercolosi, e il giorno dopo anche Jeanne Hébuterne, incinta di nove mesi, si suicidò.

13

"Aquila su un pino"

Autore

Qi Baishi

Un paese Cina
Anni di vita 1864–1957
Stile guohua

L'interesse per la calligrafia ha portato Qi Baishi a dipingere. All'età di 28 anni divenne allievo dell'artista Hu Qingyuan. Il Ministero della Cultura della Cina gli ha conferito il titolo di "Grande Artista del Popolo Cinese", nel 1956 ha ricevuto il Premio Internazionale per la Pace.

10x26 cm
1946
prezzo
65,4 milioni di dollari
venduto nel 2011
sull'asta Guardiano della Cina

Qi Baishi era interessato a quelle manifestazioni del mondo circostante, a cui molti non attribuiscono importanza, e questa è la sua grandezza. Un uomo senza istruzione è diventato un professore e un eccezionale creatore della storia. Pablo Picasso ha detto di lui: "Ho paura di andare nel tuo paese, perché c'è Qi Baishi in Cina". La composizione "Aquila su un pino" è riconosciuta come l'opera più grande dell'artista. Oltre alla tela, comprende due cartigli geroglifici. Per la Cina, l'importo per il quale è stato acquistato il prodotto è un record: 425,5 milioni di yuan. Solo il rotolo dell'antico calligrafo Huang Tingjian è stato venduto per 436,8 milioni di dollari.

14

"1949-A-#1"

Autore

Clifford ancora

Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1904–1980
Stile espressionismo astratto

All'età di 20 anni visitò il Metropolitan Museum of Art di New York e ne rimase deluso. Successivamente, si è iscritto a un corso della lega artistica studentesca, ma se n'è andato 45 minuti dopo l'inizio della lezione - si è scoperto che "non era suo". La prima mostra personale ha suscitato risonanza, l'artista ha ritrovato se stesso e con essa riconoscimento

79x93 cm
1949
prezzo
61,7 milioni di dollari
venduto nel 2011
sull'asta Sotheby's

Tutte le sue opere, che sono più di 800 tele e 1600 opere su carta, sono ancora lasciate in eredità alla città americana, dove sarà aperto un museo a lui intitolato. Denver divenne una città del genere, ma solo la costruzione era costosa per le autorità e quattro opere furono messe all'asta per completarla. È improbabile che le opere di Still vengano mai più messe all'asta, il che ha aumentato il loro prezzo in anticipo. Il dipinto "1949-A-No.1" è stato venduto per un importo record per l'artista, anche se gli esperti hanno previsto una vendita di un massimo di 25-35 milioni di dollari.

15

"Composizione suprematista"

Autore

Kazimir Malevich

Un paese Russia
Anni di vita 1878–1935
Stile Suprematismo

Malevich ha studiato pittura alla Kyiv Art School, poi all'Accademia delle arti di Mosca. Nel 1913 iniziò a dipingere dipinti geometrici astratti in uno stile che chiamò Suprematismo (dal latino "dominio").

71x88,5 cm
1916
prezzo
60 milioni di dollari
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's

Il dipinto è stato conservato nel museo cittadino di Amsterdam per circa 50 anni, ma dopo una disputa di 17 anni con i parenti di Malevich, il museo lo ha ceduto. L'artista ha dipinto quest'opera nello stesso anno di The Manifesto of Suprematism, quindi Sotheby`s, anche prima dell'asta, ha annunciato che non sarebbe andata in una collezione privata per meno di $ 60 milioni. E così è successo. È meglio guardarlo dall'alto: le figure sulla tela ricordano una veduta aerea della terra. A proposito, qualche anno prima, gli stessi parenti avevano espropriato un'altra "composizione suprematista" dal Museo MoMA per venderla a Phillips per 17 milioni di dollari.

16

"Bagnanti"

Autore

Paolo Gauguin

Un paese Francia
Anni di vita 1848–1903
Stile post impressionismo

Fino all'età di sette anni l'artista ha vissuto in Perù, poi è tornato in Francia con la sua famiglia, ma i ricordi dell'infanzia lo hanno costantemente spinto a viaggiare. In Francia, ha iniziato a dipingere, era amico di Van Gogh. Trascorse anche diversi mesi con lui ad Arles, finché Van Gogh non si tagliò l'orecchio durante una lite.

93,4x60,4 cm
1902
prezzo
55 milioni di dollari
venduto nel 2005
sull'asta Sotheby's

Nel 1891, Gauguin organizzò una vendita dei suoi dipinti per utilizzare i proventi per andare in profondità nell'isola di Tahiti. Lì ha creato opere in cui si può sentire la sottile connessione tra natura e uomo. Gauguin viveva in una capanna dal tetto di paglia e sulle sue tele sbocciava un paradiso tropicale. Sua moglie era una tahitiana Tehura di 13 anni, il che non ha impedito all'artista di impegnarsi nella promiscuità. Dopo aver contratto la sifilide, partì per la Francia. Tuttavia, Gauguin era angusto lì e tornò a Tahiti. Questo periodo è chiamato il "secondo tahitiano" - fu allora che fu dipinto il dipinto "Bathers", uno dei più lussuosi del suo lavoro.

17

"Narcisi e una tovaglia blu e rosa"

Autore

Enrico Matisse

Un paese Francia
Anni di vita 1869–1954
Stile Fauvismo

Nel 1889, Henri Matisse ebbe un attacco di appendicite. Quando si è ripreso dall'operazione, sua madre gli ha comprato dei colori. Prima, per noia, Matisse ha copiato cartoline colorate, poi - le opere di grandi pittori che ha visto al Louvre, e all'inizio del XX secolo ha inventato uno stile: il fauvismo.

65,2x81 cm
1911
prezzo
46,4 milioni di dollari
venduto nel 2009
sull'asta Christie's

Il dipinto "Narcisi e una tovaglia in blu e rosa" è appartenuto a Yves Saint Laurent per molto tempo. Dopo la morte del couturier, tutta la sua collezione d'arte passò nelle mani del suo amico e amante Pierre Berger, che decise di metterla all'asta da Christie's. La perla della collezione venduta è stata il dipinto "Narcisi e una tovaglia in blu e rosa", dipinto su una normale tovaglia invece che su tela. Come esempio di fauvismo, è pieno dell'energia del colore, i colori sembrano esplodere e urlare. Della nota serie di dipinti su tovaglia, quest'opera è oggi l'unica che si trova in una collezione privata.

18

"Ragazza addormentata"

Autore

RoyLee

chtenstein

Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1923–1997
Stile pop Art

L'artista è nato a New York e, dopo essersi diplomato, è andato in Ohio, dove ha frequentato corsi d'arte. Nel 1949, il Liechtenstein ha conseguito il Master in Belle Arti. L'interesse per i fumetti e la capacità di essere ironici lo hanno reso un artista di culto del secolo scorso.

91x91 cm
1964
prezzo
$ 44,882 milioni
venduto nel 2012
sull'asta Sotheby's

Una volta, la gomma da masticare è caduta nelle mani del Liechtenstein. Ha ridisegnato l'immagine dall'inserto sulla tela ed è diventato famoso. Questa trama della sua biografia contiene l'intero messaggio della pop art: il consumo è il nuovo dio, e non c'è meno bellezza in un involucro di gomma che in Monna Lisa. I suoi dipinti ricordano fumetti e cartoni animati: Lichtenstein ha semplicemente ingrandito l'immagine finita, disegnato raster, utilizzato serigrafia e serigrafia. Il dipinto "La ragazza addormentata" è appartenuto per quasi 50 anni ai collezionisti Beatrice e Philip Gersh, i cui eredi lo hanno venduto all'asta.

19

"Vittoria. Boogie Woogie"

Autore

Piet Mondrian

Un paese Olanda
Anni di vita 1872–1944
Stile neoplasticismo

Il suo vero nome - Cornelis - l'artista cambiò in Mondrian quando si trasferì a Parigi nel 1912. Insieme all'artista Theo van Doesburg, ha fondato il movimento neoplastico. Il linguaggio di programmazione Piet prende il nome da Mondrian.

27x127 cm
1944
prezzo
40 milioni di dollari
venduto nel 1998
sull'asta Sotheby's

Il più "musicale" degli artisti del Novecento si guadagnava da vivere con le nature morte acquerellate, anche se divenne famoso come artista neoplastico. Si trasferì negli Stati Uniti negli anni '40 e vi trascorse il resto della sua vita. Jazz e New York: ecco cosa lo ha ispirato di più! Dipinto "Vittoria. Boogie Woogie ne è il miglior esempio. I quadrati ordinati "marchiati" sono stati ottenuti attraverso l'uso del nastro adesivo, il materiale preferito di Mondrian. In America, è stato chiamato "l'immigrato più famoso". Negli anni Sessanta, Yves Saint Laurent produce i famosissimi abiti "Mondrian" con una stampa a quadri colorati di grandi dimensioni.

20

"Composizione n. 5"

Autore

BasilicoKandinsky

Un paese Russia
Anni di vita 1866–1944
Stile avanguardia

L'artista è nato a Mosca e suo padre era della Siberia. Dopo la rivoluzione cercò di collaborare con le autorità sovietiche, ma presto si rese conto che le leggi del proletariato non erano state create per lui ed emigrò in Germania non senza difficoltà.

275x190 cm
1911
prezzo
40 milioni di dollari
venduto nel 2007
sull'asta Sotheby's

Kandinsky è stato uno dei primi ad abbandonare completamente la pittura di oggetti, per la quale ha ricevuto il titolo di genio. Durante il nazismo in Germania, i suoi dipinti furono classificati come "arte degenerata" e non furono esposti da nessuna parte. Nel 1939 Kandinsky prese la cittadinanza francese, a Parigi partecipò liberamente al processo artistico. I suoi dipinti “suonano” come fughe, motivo per cui molti sono chiamati “composizioni” (il primo è stato scritto nel 1910, l'ultimo nel 1939). "Composizione n. 5" è una delle opere chiave di questo genere: "La parola "composizione" mi suonava come una preghiera", ha detto l'artista. A differenza di molti seguaci, ha pianificato ciò che avrebbe raffigurato su un'enorme tela, come se scrivesse appunti.

21

"Studio di una donna in blu"

Autore

Fernand Leger

Un paese Francia
Anni di vita 1881–1955
Stile cubismo-post-impressionismo

Leger ha ricevuto un'educazione architettonica e poi è stato studente alla School of Fine Arts di Parigi. L'artista si considerava un seguace di Cézanne, era un apologeta del cubismo e nel XX secolo ebbe successo anche come scultore.

96,5x129,5 cm
1912-1913
prezzo
39,2 milioni di dollari
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's

David Normann, presidente di Sotheby's International Impressionism and Modernism, ritiene che l'enorme somma pagata per The Lady in Blue sia del tutto giustificata. Il dipinto appartiene alla famosa collezione Leger (l'artista ha dipinto tre dipinti su una trama, l'ultimo dei quali è oggi in mani private. - Ed.), e la superficie della tela è stata conservata nella sua forma originale. L'autore stesso ha donato quest'opera alla galleria Der Sturm, poi è finita nella collezione di Hermann Lang, collezionista tedesco di modernismo, e ora appartiene ad un acquirente ignoto.

22

"Scena di strada. Berlino"

Autore

Ernst LudovicoKirchner

Un paese Germania
Anni di vita 1880–1938
Stile espressionismo

Per l'espressionismo tedesco, Kirchner divenne una persona di riferimento. Tuttavia, le autorità locali lo accusarono di adesione all '"arte degenerata", che colpì tragicamente il destino dei suoi dipinti e la vita dell'artista, che si suicidò nel 1938.

95x121 cm
1913
prezzo
$ 38,096 milioni
venduto nel 2006
sull'asta Christie's

Dopo essersi trasferito a Berlino, Kirchner ha creato 11 schizzi di scene di strada. È stato ispirato dal trambusto e dal nervosismo della grande città. Nel dipinto, venduto nel 2006 a New York, l'ansia dell'artista è particolarmente acuta: le persone in una strada di Berlino assomigliano a uccelli: aggraziati e pericolosi. Era l'ultima opera della famosa serie, venduta all'asta, il resto è conservato nei musei. Nel 1937 i nazisti trattarono brutalmente Kirchner: 639 delle sue opere furono sequestrate dalle gallerie tedesche, distrutte o vendute all'estero. L'artista non potrebbe sopravvivere a questo.

23

"Riposoballerino"

Autore

Edgar Degas

Un paese Francia
Anni di vita 1834–1917
Stile impressionismo

La storia di Degas come artista è iniziata con il fatto che ha lavorato come copista al Louvre. Sognava di diventare "famoso e sconosciuto", e alla fine ci è riuscito. Alla fine della sua vita, sordo e cieco, l'ottantenne Degas ha continuato a frequentare mostre e aste.

64x59 cm
1879
prezzo
$ 37,043 milioni
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's

"Le ballerine sono sempre state per me solo una scusa per rappresentare tessuti e catturare il movimento", ha detto Degas. Le scene della vita delle danzatrici sembrano essere sbirciate: le ragazze non posano per l'artista, ma semplicemente diventano parte dell'atmosfera colta dallo sguardo di Degas. Resting Dancer è stata venduta per 28 milioni di dollari nel 1999 e meno di 10 anni dopo è stata acquistata per 37 milioni di dollari: oggi è l'opera più costosa dell'artista mai messa all'asta. Degas prestava molta attenzione alle montature, le disegnava lui stesso e vietava di cambiarle. Mi chiedo quale cornice sia installata sul dipinto venduto?

24

"Pittura"

Autore

Juan Mirò

Un paese Spagna
Anni di vita 1893–1983
Stile arte astratta

Durante la guerra civile spagnola, l'artista era dalla parte dei repubblicani. Nel 1937 fugge dal potere fascista a Parigi, dove vive in povertà con la sua famiglia. Durante questo periodo, Miro dipinge il dipinto "Aiuta la Spagna!", Attirando l'attenzione di tutto il mondo sul dominio del fascismo.

89x115 cm
1927
prezzo
$ 36,824 milioni
venduto nel 2012
sull'asta Sotheby's

Il secondo nome del dipinto è "Blue Star". L'artista lo scrisse nello stesso anno in cui annunciò: “Voglio uccidere la pittura” e derideva senza pietà le tele, graffiando la vernice con i chiodi, incollando piume alla tela, coprendo l'opera con la spazzatura. Il suo obiettivo era sfatare i miti sul mistero della pittura, ma, avendo affrontato questo, Miro ha creato il suo mito: un'astrazione surreale. La sua "Pittura" si riferisce al ciclo delle "immagini-sogni". Quattro acquirenti hanno combattuto per questo all'asta, ma una telefonata in incognito ha risolto la controversia e "Painting" è diventato il dipinto più costoso dell'artista.

25

"Rosa blu"

Autore

Yves Klein

Un paese Francia
Anni di vita 1928–1962
Stile pittura monocromatica

L'artista è nato in una famiglia di pittori, ma ha studiato le lingue orientali, la navigazione, il mestiere di doratore di cornici, il buddismo zen e molto altro. La sua personalità e le sue buffonate sfacciate erano molte volte più interessanti dei dipinti monocromatici.

153x199x16 cm
1960
prezzo
$ 36,779 milioni
venduto nel 2012
all'asta di Christie's

La prima mostra di opere solide gialle, arancioni, rosa non ha suscitato interesse pubblico. Klein si offese e la volta successiva presentò 11 tele identiche, dipinte con blu oltremare mescolato a una speciale resina sintetica. Ha persino brevettato questo metodo. Il colore è passato alla storia come "International Klein Blue". L'artista vendeva anche il vuoto, creava dipinti esponendo la carta alla pioggia, dando fuoco al cartone, realizzando stampe di un corpo umano su tela. In una parola, ho sperimentato come meglio potevo. Per creare la "Rosa Blu" ho usato pigmenti secchi, resine, sassolini e una spugna naturale.

26

"Alla ricerca di Mosè"

Autore

Sir Lawrence Alma-Tadema

Un paese Gran Bretagna
Anni di vita 1836–1912
Stile neoclassicismo

Lo stesso Sir Lawrence aggiunse al suo cognome il prefisso "alma" per comparire per primo nei cataloghi d'arte. Nell'Inghilterra vittoriana, i suoi dipinti erano così richiesti che l'artista fu insignito del titolo di cavaliere.

213,4x136,7 cm
1902
prezzo
$ 35,922 milioni
venduto nel 2011
sull'asta Sotheby's

Il tema principale del lavoro di Alma-Tadema era l'antichità. Nei dipinti ha cercato di rappresentare nei minimi dettagli l'era dell'Impero Romano, per questo si è anche impegnato in scavi archeologici nella penisola appenninica, e nella sua casa londinese ha riprodotto gli interni storici di quegli anni. Le storie mitologiche sono diventate un'altra fonte di ispirazione per lui. L'artista era molto richiesto durante la sua vita, ma dopo la sua morte fu rapidamente dimenticato. Ora l'interesse sta rinascendo, come dimostra il costo del dipinto "Alla ricerca di Mosè", sette volte superiore alla stima di prevendita.

27

"Ritratto di un funzionario nudo addormentato"

Autore

LucianoFreud

Un paese Germania,
Gran Bretagna
Anni di vita 1922–2011
Stile pittura figurativa

L'artista è il nipote di Sigmund Freud, il padre della psicoanalisi. Dopo l'instaurazione del fascismo in Germania, la sua famiglia emigrò nel Regno Unito. Le opere di Freud sono nella Wallace Collection di Londra, dove nessun artista contemporaneo ha mai esposto.

219,1x151,4 cm
1995
prezzo
33,6 milioni di dollari
venduto nel 2008
sull'asta Christie's

Mentre gli artisti alla moda del XX secolo creavano "macchie di colore sul muro" positive e le vendevano a milioni, Freud dipingeva quadri estremamente naturalistici e li vendeva ancora di più. "Catturo le grida dell'anima e la sofferenza della carne che appassisce", ha detto. I critici ritengono che tutto questo sia "l'eredità" di Sigmund Freud. I dipinti sono stati così attivamente esposti e venduti con successo che gli esperti hanno avuto un dubbio: hanno proprietà ipnotiche? Venduto all'asta, "Ritratto di un funzionario nudo addormentato", secondo il Sun, è stato acquistato dall'intenditore di bellezza e miliardario Roman Abramovich.

28

"Violino e chitarra"

Autore

Xuno grigio

Un paese Spagna
Anni di vita 1887–1927
Stile cubismo

Nato a Madrid, dove si è diplomato alla Scuola di Arti e Mestieri. Nel 1906 si trasferisce a Parigi ed entra nella cerchia degli artisti più influenti dell'epoca: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Leger, lavora anche con Sergei Diaghilev e la sua troupe.

5x100 cm
1913
prezzo
$ 28,642 milioni
venduto nel 2010
sull'asta Christie's

Gris, secondo le sue stesse parole, era impegnato in "un'architettura planare e colorata". I suoi dipinti sono pensati con precisione: non ha lasciato un solo tratto accidentale, il che rende la creatività legata alla geometria. L'artista ha creato la sua versione del cubismo, sebbene nutrisse un grande rispetto per Pablo Picasso, il padre fondatore del movimento. Il successore gli dedicò persino la sua prima opera cubista, Omaggio a Picasso. Il dipinto "Violino e chitarra" è riconosciuto come eccezionale nel lavoro dell'artista. Durante la sua vita, Gris era conosciuto, favorito da critici e critici d'arte. Le sue opere sono esposte nei più grandi musei del mondo e sono conservate in collezioni private.

29

"RitrattoCampi di Eluard»

Autore

Salvador Dalì

Un paese Spagna
Anni di vita 1904–1989
Stile surrealismo

"Il surrealismo sono io", ha detto Dali quando è stato espulso dal gruppo surrealista. Nel tempo, è diventato l'artista surrealista più famoso. Il lavoro di Dalì è ovunque, non solo nelle gallerie. Ad esempio, è stato lui a inventare la confezione per Chupa-Chups.

25x33 cm
1929
prezzo
20,6 milioni di dollari
venduto nel 2011
sull'asta Sotheby's

Nel 1929, il poeta Paul Eluard e sua moglie russa Gala vennero a visitare il grande provocatore e attaccabrighe Dalì. L'incontro fu l'inizio di una storia d'amore durata più di mezzo secolo. Il dipinto "Ritratto di Paul Eluard" è stato dipinto proprio durante questa storica visita. "Ho sentito che mi era stato affidato il compito di catturare il volto del poeta, dal cui Olimpo ho rubato una delle muse", ha detto l'artista. Prima di incontrare Gala, era vergine ed era disgustato al pensiero di fare sesso con una donna. Il triangolo amoroso è esistito fino alla morte di Eluard, dopodiché è diventato il duetto Dali-Gala.

30

"Anniversario"

Autore

Marco Chagall

Un paese Russia, Francia
Anni di vita 1887–1985
Stile avanguardia

Moishe Segal nacque a Vitebsk, ma nel 1910 emigrò a Parigi, cambiò nome e si avvicinò ai principali artisti d'avanguardia dell'epoca. Negli anni '30, quando i nazisti presero il potere, partì per gli Stati Uniti con l'aiuto di un console americano. Tornò in Francia solo nel 1948.

80x103 cm
1923
prezzo
14,85 milioni di dollari
venduto nel 1990
all'asta di Sotheby's

Il dipinto "Jubilee" è riconosciuto come una delle migliori opere dell'artista. Ha tutte le caratteristiche del suo lavoro: le leggi fisiche del mondo vengono cancellate, il sentimento di una fiaba è preservato nello scenario della vita piccolo-borghese e l'amore è al centro della trama. Chagall non ha disegnato le persone dalla natura, ma solo dalla memoria o dalla fantasia. Il dipinto "Giubileo" raffigura l'artista stesso con sua moglie Bela. Il dipinto è stato venduto nel 1990 e da allora non è stato più oggetto di offerte. È interessante notare che il MoMA Museum of Modern Art di New York mantiene esattamente lo stesso, solo sotto il nome di "Birthday". A proposito, è stato scritto prima - nel 1915.

bozza preparata
Tatiana Palasova
valutazione compilata
secondo l'elenco www.art-spb.ru
rivista tmn №13 (maggio-giugno 2013)

Dettagli Categoria: Belle arti e architettura del periodo sovietico Pubblicato il 14.09.2018 13:37 Visualizzazioni: 1845

Dagli anni '30 del XX secolo. l'arte ufficiale in Russia si è sviluppata in linea con il realismo socialista. La varietà di stili artistici è stata messa fine.

La nuova era dell'arte sovietica è stata caratterizzata da un rigido controllo ideologico e da elementi di propaganda.
Nel 1934, al Primo Congresso di tutta l'Unione degli scrittori sovietici, Maxim Gorky formulò i principi di base del realismo socialista come metodo della letteratura e dell'arte sovietiche:

Nazionalità.
Ideologia.
Concretezza.

I principi del realismo socialista non sono stati solo dichiarati, ma anche sostenuti dallo stato: ordini governativi, viaggi d'affari creativi per artisti, mostre tematiche e anniversari, rinascita dell'arte monumentale come indipendente, perché. rifletteva "grandi prospettive per lo sviluppo della società socialista".
I rappresentanti più significativi della pittura da cavalletto di questo periodo furono Boris Ioganson, Sergei Gerasimov, Arkady Plastov, Alexander Deineka, Yuri Pimenov, Nikolai Krymov, Arkady Rylov, Pyotr Konchalovsky, Igor Grabar, Mikhail Nesterov, Pavel Korin e altri. articoli ad alcuni artisti.

Boris Vladimirovich Ioganson (1893-1973)

B. Ioganson. auto ritratto

Uno dei principali rappresentanti del realismo socialista nella pittura. Ha lavorato nelle tradizioni della pittura russa del XIX secolo, ma ha introdotto nelle sue opere "un nuovo contenuto rivoluzionario, in sintonia con l'epoca".
Fu anche insegnante di pittura, direttore della Galleria statale Tretyakov nel 1951-1954, primo segretario dell'Unione degli artisti dell'URSS, caporedattore dell'enciclopedia "Arte dei paesi e dei popoli del mondo", ha avuto molti premi e titoli statali.
Due dei suoi dipinti sono particolarmente famosi: "Interrogatorio dei comunisti" e "Alla vecchia fabbrica degli Urali" (1937).

B. Ioganson "Interrogatorio dei comunisti" (1933). Tela, olio. 211 x 279 cm Galleria Statale Tretyakov (Mosca)
La storia della creazione dell'immagine in questo caso è necessaria per comprenderne l'idea. “Sono stato personalmente perseguitato dall'idea di giustapporre le classi, dal desiderio di esprimere nella pittura contraddizioni di classe inconciliabili.
La Guardia Bianca è una conseguenza speciale della storia, è una marmaglia in cui si mescolano i resti dei vecchi ufficiali, profittatori in uniforme militare, veri e propri banditi e predoni della guerra. In netto contrasto con questa banda erano i nostri commissari militari, i comunisti, che erano i leader ideologici e i difensori della loro patria socialista e dei lavoratori. Era mio compito creativo esprimere questo contrasto, confrontarlo” (B. Ioganson).
Un ufficiale della Guardia Bianca siede su una sedia dorata con le spalle allo spettatore. Il resto degli ufficiali bianchi sta affrontando. Per migliorare l'effetto drammatico, l'artista fornisce un'illuminazione notturna artificiale. La figura della scorta è posta nel bordo scuro superiore dell'angolo sinistro ed è una sagoma appena percettibile. Nell'angolo destro c'è una finestra con una tenda, attraverso di essa filtra un'ulteriore luce notturna.
I comunisti sembrano essere su un'elevazione rispetto ai bianchi.
I comunisti sono una ragazza e un lavoratore. Stanno nelle vicinanze e guardano con calma in faccia i loro nemici, la loro eccitazione interiore è nascosta. I giovani comunisti simboleggiano un nuovo tipo di popolo sovietico.

Sergei Vasilievich Gerasimov (1885-1964)

S. Gerasimov. Autoritratto (1923). Tela, olio. 88 x 66 cm Museo d'arte di Kharkov (Kharkov, Ucraina)
Artista russo, rappresentante dell'impressionismo russo, particolarmente manifestato nei suoi paesaggi. Ha anche creato una serie di dipinti realisti socialisti standard.

S. Gerasimov “Primavera. Marzo". Tela, olio
Nel genere storico, la sua opera più famosa è Il giuramento dei partigiani siberiani.

S. Gerasimov "Il giuramento dei partigiani siberiani" (1933). Tela, olio. 173 x 257 cm Museo Statale Russo (Pietroburgo)
L'immagine è severa nel contenuto, ma espressiva ed espressiva. Ha una chiara composizione e orientamento ideologico.
Il dipinto di genere di S. Gerasimov "Collective Farm Holiday" (1937) è considerato una delle opere più significative dell'arte sovietica degli anni '30 del XX secolo.

S. Gerasimov "Agriturismo collettivo" (1937). Tela, olio. 234 x 372 cm Galleria Statale Tretyakov (Mosca)
Uno dei dipinti più famosi sulla guerra è stato il dipinto di S. Gerasimov "Madre di un partigiano".

S. Gerasimov "Madre di un partigiano" (1943-1950). Tela, olio. Galleria Statale Tretyakov (Mosca)
L'artista stesso ha parlato dell'idea del dipinto come segue: "Volevo mostrare a sua immagine tutte le madri che hanno mandato i loro figli in guerra".
La donna è ferma nella sua correttezza, personifica il grande potere della rabbia del popolo. Soffre, ma questa è la sofferenza di una persona orgogliosa e forte, quindi il suo viso sembra calmo in questo tragico momento.

Arkadij Aleksandrovich Plastov (1893-1972)

P.Bendel. Ritratto dell'artista Plastov

L'artista A. Plastov è chiamato "il cantante dei contadini sovietici". Tutti i suoi dipinti di genere sono creati sullo sfondo di un paesaggio. La natura russa dell'artista è sempre lirica e animata. I suoi dipinti si distinguono per l'espressività poetica e quasi privi di conflitti.

A. Plastov "Prima neve" (1946)
L'artista ha raffigurato un piccolo frammento della vita del villaggio. Sulla soglia di una casa di legno ci sono due bambini contadini, molto probabilmente una sorella e un fratello. Quando si sono svegliati la mattina, hanno visto una nevicata e sono corsi fuori in veranda. La ragazza non ha nemmeno avuto il tempo di allacciarsi un caldo scialle giallo, l'ha semplicemente gettato su un vestito da casa leggero e ha messo i piedi negli stivali di feltro. I bambini guardano la prima neve con sorpresa e gioia. E questa gioia, questa gioia infantile dalla bellezza della natura viene trasmessa al pubblico.
Plastov è un convinto realista. La ricerca di qualcosa di assolutamente nuovo e senza precedenti gli era estranea. Viveva nel mondo e ne ammirava la bellezza. Plastov credeva: la cosa principale per un artista è vedere questa bellezza e trasmetterla sulla tela. Non c'è bisogno di scrivere magnificamente, devi scrivere la verità e sarà più bello di qualsiasi fantasia.

A. Plastov "Golden Edge" (1952). Tela, olio. 57 x 76 cm Riserva-museo statale del Cremlino di Rostov

A. Plastov "Fienagione" (1945). Tela, olio. 193 x 232 cm Galleria Statale Tretyakov (Mosca)
L'artista ha creato una serie di dipinti sulla Grande Guerra Patriottica. La tela "Il fascista è volato via" è piena di tragedia, è considerata un capolavoro dell'arte sovietica del periodo militare e del dopoguerra.

A. Plastov "Il fascista è volato via" (1942). Tela, olio. 138 x 185 cm Galleria Statale Tretyakov (Mosca)
L'artista A. Deineka continua a lavorare sui suoi temi preferiti.

Yuri Ivanovich Pimenov (1903-1977)

Conosciuto come pittore, artista teatrale, scenografo e grafico, cartellonista, insegnante.
Il suo dipinto più famoso è Nuova Mosca.

Y. Pimenov "Nuova Mosca" (1937). Tela, olio. 140 × 170 cm Galleria Statale Tretyakov (Mosca)
Scritto nel bel mezzo della ricostruzione della capitale. Una donna al volante è un evento piuttosto raro per quegli anni. È un simbolo di nuova vita. Insolita anche la soluzione compositiva: l'immagine sembra il fotogramma di una macchina fotografica. La donna è mostrata di spalle e questo angolo, per così dire, invita lo spettatore a guardare la città mattutina attraverso i suoi occhi. Crea una sensazione di gioia, freschezza e atmosfera primaverile. Ciò è facilitato dallo stile di scrittura impressionista dell'artista e dalla delicata colorazione del dipinto. L'immagine è intrisa di un atteggiamento ottimista, caratteristico di quel tempo.
L'artista ha utilizzato questa tecnica anche per dipingere il dipinto "Front Road". Il contenuto emotivo dell'immagine è costruito sul contrasto tra l'immagine di una Mosca pacifica e mutevole e la città saccheggiata e distrutta a seguito dell'invasione fascista, raffigurata nel dipinto "Front Road".

Y. Pimenov "Front Road" (1944)
Nel primo periodo del suo lavoro, Pimenov fu influenzato dall'espressionismo tedesco, che spiega in gran parte la drammatica nitidezza dei suoi migliori dipinti di questi anni: "Invalids of War", "Give Heavy Industry!" (1927), "I soldati vanno dalla parte della rivoluzione" (1932). A poco a poco, è passato all'impressionismo, aderendo al principio creativo del "bel momento".

Yu Pimenov "Invalidi di guerra" (1926). Museo Statale Russo (Pietroburgo)

Georgij Grigorievich Nissky (1903-1987)

Georgy Nissky durante questo periodo è stato attivamente impegnato nell'arte del paesaggio. I suoi dipinti si distinguono per il loro pittoresco laconicismo, dinamica, brillanti soluzioni compositive e ritmiche. La natura dell'artista è sempre trasformata dalle mani dell'uomo.

G. Nissky “Autunno. Semafori" (1932)

G. Nissky “Regione di Mosca. febbraio" (1957). Tela, olio. Galleria Statale Tretyakov (Mosca)
I pittori di paesaggi della vecchia generazione includono Nikolai Krymov.

Nikolai Petrovich Krymov (1884-1958)

Nikolaj Krymov (1921)
NP Krymov è nato nella famiglia di un artista itinerante, quindi la direzione originale del suo lavoro era la stessa. Negli anni di studio (1905-1910) era incline a un'immagine impressionistica della natura, delicati colori pastello e pennellate leggere davano alle sue tele un aspetto spirituale e senza peso. Negli anni '20 divenne un sostenitore della pittura realistica russa.

NP Krymov “Mattina nel Central Park of Culture and Leisure intitolato a I. M. Gorky a Mosca” (1937). Tela, olio. 81 x 135 cm Galleria Statale Tretyakov (Mosca)
L'ultimo periodo del lavoro del pittore è legato al fiume Oka e alla cittadina di Tarusa, dove Krymov venne in visita. Era affascinato dal paesaggio locale e dal fiume Oka, che "respirava libertà".

N. Krymov "Strada a Tarusa" (1952)
I dipinti “Before Twilight”, “Polenovo. River Oka "e molti altri. L'artista ha molti paesaggi invernali.

N. Krymov “Inverno. Tetti" (1934)

Arkadij Aleksandrovich Rylov (1870-1939)

R. Rylov. Autoritratto con uno scoiattolo (1931). Carta, inchiostro, matita italiana. Galleria Statale Tretyakov (Mosca)

Pittore paesaggista, grafico e insegnante russo e sovietico.
Il suo dipinto più famoso è "Lenin in Razliv".

A. Rylov “V.I. Lenin a Razliv nel 1917 (1934). Tela, olio. 126,5 × 212 cm Museo Statale Russo (Pietroburgo)
Questa è una delle migliori opere dell'artista nel suo ultimo periodo di creatività. In questo dipinto l'artista unisce il paesaggio al genere storico. Il soggiorno di Lenin a Razliv nell'estate del 1917 è uno dei temi principali del tema leninista nell'arte sovietica. Nel paesaggio e nella figura dinamica del leader si percepisce l'eccitazione e la tensione del momento. Le nuvole corrono nel cielo, il vento piega alberi possenti, nella lotta contro queste forze naturali, la figura di Lenin si precipita verso il vento con una ferma determinazione a vincere in nome del futuro.
Il lago tempestoso e il cielo inquietante simboleggiano la tempesta. Il crepuscolo scende sulla terra. Lenin, non accorgendosi di nulla di tutto ciò, scruta intensamente in lontananza. Questa interpretazione dell'immagine del leader è l'ordine ideologico dell'era sovietica.
Il genere del ritratto sovietico si sta sviluppando attivamente in questo momento, in cui Pyotr Konchalovsky, Igor Grabar, Mikhail Nesterov si manifestano più chiaramente.

P. Konchalovsky. Ritratto del compositore Sergei Sergeevich Prokofiev (1934). Tela, olio. 181 x 140,5 cm Galleria Statale Tretyakov (Mosca)

P. Konchalovsky. Ritratto di V.E. Meyerhold (1938). Tela, olio. 211 x 233 cm Galleria Statale Tretyakov (Mosca)
Durante il periodo della repressione di massa, poco prima dell'arresto e della morte di Meyerhold, P. Konchalovsky ha creato un ritratto di questa eccezionale figura teatrale. Il 7 gennaio 1938, il Comitato per le arti adottò una risoluzione per liquidare il Meyerhold State Theatre.
L'artista ha trasmesso il conflitto della personalità con la realtà circostante attraverso una complessa soluzione compositiva. La tela raffigura non un sognatore, ma un uomo il cui destino è in bilico, e lui lo sa. Attraverso la giustapposizione di un tappeto luminoso, densamente ricoperto di ornamenti, e la figura monocromatica del regista, Konchalovsky rivela l'immagine tragica del regista-riformatore.

I. Grabar. Ritratto dell'accademico N.D. Zelinsky (1935). Tela, olio. 95 x 87 cm Galleria Statale Tretyakov (Mosca)

I. Grabar. Ritratto di Vladimir Ivanovich Vernadsky (1935)

Pavel Dmitrievich Korin (1892-1967)

Paul Korin (1933)
Pittore russo e sovietico, muralista, ritrattista, restauratore e insegnante, professore.
È cresciuto a Palekh e ha iniziato a dipingere icone. Ha studiato alla Scuola di scultura e architettura di Mosca, alla fine è diventato uno dei più importanti maestri del primo ritratto sovietico, ha creato un'intera galleria di ritratti degli intellettuali del suo tempo.
Le opere di questo artista sono caratterizzate da monumentalità, una gamma aspra e forme chiaramente scolpite.
Le opere più famose di P. Korin: il trittico "Alexander Nevsky", i ritratti di Georgy Zhukov e Maxim Gorky.

P.Korin. Trittico "Alexander Nevsky"
Il trittico fu commissionato all'artista nell'anno della Grande Guerra Patriottica, quando il tema del confronto con l'invasore era centrale nell'arte.
Ai lati sinistro e destro del trittico, i soldati vanno in guerra. Sono scortati da donne: una vecchia madre, una moglie che tiene in braccio un bambino piccolo. Loro, così come la loro terra natale, hanno bisogno di protezione.

Al centro c'è l'immagine di un guerriero. Alexander Nevsky nei tempi antichi ha fermato i cavalieri tedeschi, quindi può ispirare i difensori a combattere contro gli invasori fascisti. La sua figura è monumentale: è il ricordo degli eroi russi. Lo stendardo con il volto di Cristo richiama la santità della terra russa. Sta appoggiato alla spada: i nemici devono morire per la spada con cui sono venuti.
Dietro di lui c'è la sua terra natale, che deve essere protetta.
I dipinti e i ritratti tematici eseguiti dal maestro sono caratterizzati da spiritualità e compostezza di immagini, rigore di composizione e disegno.
L'interesse per le personalità creative è caratteristico dell'atmosfera di questo periodo.

S. Gerasimov "Agriturismo collettivo"

Conoscendo le opere d'arte sovietiche, si nota subito che è molto diverso dal periodo precedente nella storia dell'arte. Questa differenza sta nel fatto che tutta l'arte sovietica è permeata dall'ideologia sovietica ed è stata chiamata a guidare tutte le idee e le decisioni dello stato sovietico e del Partito Comunista, in quanto forza trainante della società sovietica. Se nell'arte del XIX e dell'inizio del XX secolo gli artisti sottoponevano la realtà esistente a serie critiche, allora nel periodo sovietico tali opere erano inaccettabili. Il pathos della costruzione di uno stato socialista era legato come un filo rosso a tutte le belle arti sovietiche. Ora, 25 anni dopo il crollo dell'URSS, c'è un accresciuto interesse per l'arte sovietica da parte del pubblico, soprattutto sta diventando interessante per i giovani. Sì, e la vecchia generazione sta ripensando molto alla storia passata del nostro paese ed è anche interessata a opere apparentemente molto familiari di pittura, scultura e architettura sovietiche.

Arte del periodo della Rivoluzione d'Ottobre, della Guerra Civile e degli anni '20 -'30.

Nei primi anni dopo la rivoluzione e durante gli anni della guerra civile, è stato svolto un ruolo enorme manifesto politico di combattimento. D.S. Moore e V.N. Denis sono giustamente considerati dei classici della locandina. Poster di Moor "Ti sei iscritto come volontario?" e ora affascina con l'espressività dell'immagine.

Oltre al manifesto stampato, durante gli anni della Guerra Civile, sorsero manifesti disegnati a mano e stampati. Questa è "ROSTA Windows", dove il poeta V. Mayakovsky ha preso parte attiva.

Durante la guerra civile, VI Lenin elaborò un monumentale piano di propaganda, il cui significato era costruire monumenti in tutto il paese a personaggi famosi che in un modo o nell'altro contribuirono alla preparazione e alla realizzazione della rivoluzione socialista. Gli interpreti di questo programma includono, prima di tutto, gli scultori N.A. Andreev I.D. Shadr.

Negli anni '20 fu costituita un'associazione che svolse un ruolo significativo nella costruzione di una nuova società sovietica: la Russia "(AHRR)" Association of Artists of Revolutionary Russia (AHRR).

Negli anni '30 fu creata un'unica Unione degli artisti dell'URSS, che univa tutti gli artisti che, nel loro lavoro, dovevano seguire il metodo del realismo socialista. Gli artisti della vecchia generazione (B. Kustodiev, K. Yuon e altri) e quelli più giovani hanno cercato di riflettere il nuovo nella realtà sovietica.

Nel lavoro di I.I. Brodsky rifletteva il tema storico e rivoluzionario. Lo stesso tema nelle opere di M. Grekov e K. Petrov-Vodkin è sublimemente romantico.

Negli stessi anni fu posata l'epopea "Leniniana", che creò un numero innumerevole di opere dedicate a V.I. Lenin durante il periodo sovietico.

M. Nesterov, P. Konchalovsky, S. Gerasimov, A. Deineka, Y. Pimenov, G. Ryazhsky e altri artisti dovrebbero essere chiamati pittori di genere (maestri del genere quotidiano) e ritrattisti degli anni '20 -'30.

Artisti come K.Yuon, A.Rylov, V.Baksheev e altri hanno lavorato nel campo del paesaggio.

Dopo la rivoluzione e la guerra civile, ci fu una rapida costruzione di città, in cui furono creati molti monumenti a figure di spicco della rivoluzione, del partito e dello stato. Famosi scultori erano A. Matveev, M. Manizer, N. Tomsky, S. Lebedeva e altri.

Belle arti sovietiche 1941-1945 e i primi anni del dopoguerra

Durante la Grande Guerra Patriottica, l'arte sovietica confutò risolutamente il detto che "quando le pistole rimbombano, le muse tacciono". No, durante il periodo delle guerre più crudeli e terribili della storia dell'umanità, le muse non tacquero. Subito dopo il perfido attacco dei fascisti tedeschi all'Unione Sovietica, il pennello, la matita e lo scalpello degli artisti divennero un'arma formidabile nella lotta contro il nemico.

L'eroica impennata del popolo, la sua unità morale divenne la base su cui sorse l'arte sovietica della guerra patriottica. Era permeato dalle idee del patriottismo. Queste idee hanno ispirato i cartellonisti, hanno ispirato i pittori a creare dipinti che raccontano le gesta del popolo sovietico e hanno determinato il contenuto delle opere in tutti i tipi di arte.

Un ruolo enorme in questo momento, come negli anni della guerra civile, è stato svolto da un poster politico, dove hanno lavorato artisti come V.S. Ivanov, V.B. Koretsky e altri. Un pathos rabbioso è insito nelle loro opere, nelle immagini che hanno creato, si rivela la volontà inflessibile delle persone che si sono alzate per difendere la Patria.

Un autentico rinascimento viene vissuto durante la guerra da un poster disegnato a mano. Seguendo l'esempio di "Windows ROSTA" nel 1941 - 1945, furono creati numerosi fogli di "Windows TASS". Hanno ridicolizzato gli invasori, esposto la vera essenza del fascismo, invitato il popolo a difendere la Patria. Tra gli artisti che lavorano in "Windows TASS", in primo luogo dovrebbe essere chiamato Kukryniksy (Kupriyanov, Krylov, Sokolov).

Le serie grafiche di questo periodo raccontano in modo convincente le esperienze del popolo sovietico durante gli anni della guerra. Una magnifica serie di disegni di D.A. Shmarinov "Non dimenticheremo, non perdoneremo!" La gravità della vita della Leningrado assediata è catturata nel ciclo di disegni di A.F. Pakhomov "Leningrado nei giorni del blocco".

Era difficile per i pittori lavorare durante gli anni della guerra: dopotutto, ci vogliono tempo e condizioni adeguate, materiali per creare un'immagine finita. Tuttavia, poi c'erano molte tele incluse nel fondo d'oro dell'arte sovietica. I pittori dello studio di artisti militari intitolato ad A.B. Grekov ci raccontano la difficile quotidianità della guerra, sugli eroi guerrieri. Hanno viaggiato ai fronti, hanno preso parte alle ostilità.

Gli artisti militari hanno catturato sulle loro tele tutto ciò che loro stessi hanno visto e vissuto. Tra loro ci sono P.A. Krivonogov, l'autore del dipinto "Vittoria", B.M. Nemensky e il suo dipinto "Madre", una contadina che ospitava soldati nella sua capanna, sopravvissuta molto in un momento difficile per la Patria.

Tele di grande valore artistico sono state create in questi anni da AA Deineka, AA Plastov, Kukryniksy. I loro dipinti, dedicati alle gesta eroiche del popolo sovietico del popolo sovietico davanti e dietro, sono intrisi di sincera eccitazione. Gli artisti affermano la superiorità morale del popolo sovietico sulla forza brutale del fascismo. Questo manifesta l'umanesimo delle persone, la loro fede negli ideali di giustizia e bontà. Il coraggio del popolo russo è testimoniato da tele storiche realizzate durante la guerra, tra cui il ciclo di dipinti di E.E. Lansere "Trofei di armi russe" (1942), il trittico di P.D. Korin "Alexander Nevsky", la tela di A.P. .Bubnova "Mattina sul campo di Kulikovo".

Anche la ritrattistica ci ha raccontato molto sulle persone in tempo di guerra. Molte opere di eccezionale valore artistico sono state create in questo genere.

La galleria dei ritratti del periodo della guerra patriottica è stata riempita con molte opere scultoree. Persone di volontà inflessibile, personaggi coraggiosi, segnati da brillanti differenze individuali, sono rappresentate nei ritratti scultorei di S.D. Lebedeva, N.V. Tomsky, V.I. Mukhina, V.E. Vuchetich.

Durante la guerra patriottica, l'arte sovietica adempì con onore al suo dovere patriottico. Gli artisti giunsero alla vittoria dopo aver attraversato esperienze profonde, che permisero nei primi anni del dopoguerra di realizzare opere dal contenuto complesso e sfaccettato.

Nella seconda metà degli anni Quaranta e Cinquanta l'arte si arricchisce di nuovi temi e immagini. I suoi compiti principali durante questo periodo erano riflettere i successi della costruzione del dopoguerra, l'educazione della moralità e degli ideali comunisti.

Il fiorire dell'arte negli anni del dopoguerra fu ampiamente facilitato dalle attività dell'Accademia delle arti dell'URSS, che comprende i maestri più significativi.

L'arte degli anni del dopoguerra è caratterizzata anche da altre caratteristiche che riguardano principalmente il suo contenuto. In questi anni è aumentato l'interesse degli artisti per il mondo interiore dell'uomo. Da qui l'attenzione che pittori, scultori e grafici prestano ai ritratti e alle composizioni di genere, che consentono di immaginare persone in una varietà di situazioni di vita e mostrano l'originalità dei loro caratteri ed esperienze. Da qui la speciale umanità e il calore di molte opere dedicate alla vita e alla vita del popolo sovietico.

Naturalmente, in questo momento, gli artisti continuano a preoccuparsi degli eventi della recente guerra. Ancora e ancora si rivolgono alle gesta del popolo, alle dolorose esperienze del popolo sovietico in un momento difficile. Sono note tele di quegli anni come "Mashenka" di B. Nemensky, "Lettera dal fronte" di A. Laktionov, "Riposo dopo la battaglia" di Y. Nemensky , "Return" di V. Kostecki e molti altri.

Le tele di questi artisti sono interessanti perché il tema della guerra è risolto in esse in un genere quotidiano: disegnano scene della vita del popolo sovietico in guerra e nelle retrovie, parlano della loro sofferenza, coraggio, eroismo.

È interessante notare che anche i dipinti di contenuto storico sono spesso risolti durante questo periodo nel genere quotidiano. A poco a poco, la vita pacifica del popolo sovietico, che ha sostituito le difficoltà degli anni della guerra, trova un'incarnazione sempre più completa e matura nel lavoro di molti artisti. Appare un gran numero di dipinti di genere (cioè dipinti del genere quotidiano), che colpiscono con una varietà di temi e trame. Questa è la vita della famiglia sovietica, con le sue semplici gioie e dolori ("Again a due!" F. Reshetnikova), questo è un lavoro caldo nelle fabbriche e nelle fabbriche, nelle fattorie collettive e nelle fattorie statali ("Pane" di T. Yablonskaya , "Sui campi pacifici" di A. Mylnikov ). Questa è la vita della gioventù sovietica, lo sviluppo delle terre vergini, ecc. Un contributo particolarmente importante alla pittura di genere fu dato in questo periodo dagli artisti A. Plastov, S. Chuikov, T. Salakhov e altri.

Ha continuato a svilupparsi con successo in questi anni, ritrattistica - questi sono P. Korin, V. Efanov e altri artisti. Nel campo della pittura di paesaggio durante questo periodo, oltre agli artisti più antichi, hanno lavorato M. Saryan, R. Nissky, N. Romadin e altri.

Negli anni successivi, le belle arti del periodo sovietico continuarono a svilupparsi nella stessa direzione.

DS Moore

DS Moore

K. Petrov-Vodkin "1918 a Pietrogrado" (1920)

I. D. Shadr "Arma di ciottoli del proletariato"

Gerasimov - vacanza collettiva in fattoria 1937

S. Gerasimov "Madre di un partigiano"

DS Moore

P. Konchalovsky "Lilla in un cesto" (1933)

N. A. Andreev "V. I. Lenin"

M. Grekov "Stendardo e trombettista" (1934)

Nel 1934, al Primo Congresso di tutta l'Unione degli scrittori sovietici, Maxim Gorky formulò i principi di base del realismo sociale come metodo della letteratura e dell'arte sovietiche. Questo momento segna l'inizio di una nuova era dell'arte sovietica, con schemi di controllo ideologico e propaganda più stretti.

Principi di base:

• - Nazionalità. Di norma, gli eroi delle opere realiste socialiste erano lavoratori cittadini e rurali, operai e contadini, rappresentanti dell'intellighenzia tecnica e personale militare, bolscevichi e persone non di partito.
• - Ideologia. Mostra la vita pacifica delle persone, la ricerca di modi per una vita nuova e migliore, azioni eroiche per ottenere una vita felice per tutte le persone.
• - Specificità. Nell'immagine della realtà, mostra il processo di sviluppo storico, che, a sua volta, deve corrispondere alla comprensione materialistica della storia (nel processo di cambiamento delle condizioni della loro esistenza, le persone cambiano coscienza e atteggiamento nei confronti della realtà circostante).

Negli anni successivi a questa risoluzione del Comitato centrale del Partito comunista sindacale dei bolscevichi sulla ristrutturazione delle organizzazioni letterarie e artistiche, si sono svolti numerosi eventi importanti volti a sviluppare l'arte nella direzione richiesta dallo stato. La pratica di ordini statali, viaggi di lavoro creativi, mostre tematiche e anniversari su larga scala si sta espandendo. Gli artisti sovietici creano molte opere (pannelli, monumentali, decorative) per il futuro di VDNKh. Ciò ha significato una tappa importante nella rinascita dell'arte monumentale come arte indipendente. In queste opere è diventato evidente che l'attrazione dell'arte sovietica per la monumentalità non è casuale, ma riflette "le grandiose prospettive di sviluppo di una società socialista".

Nel 1918 Lenin, in una conversazione con K. Zetkin, definì i compiti dell'arte nella società sovietica: “L'arte appartiene al popolo. Deve avere le sue radici più profonde nel profondo delle grandi masse lavoratrici. Deve essere compreso da queste masse e amato da loro. Deve unire il sentimento, il pensiero e la volontà di queste masse, elevarle. Dovrebbe risvegliare gli artisti in loro e svilupparli.

Nel periodo in esame, insieme alle aree artistiche già esistenti, ne sono apparse diverse fondamentalmente nuove, ad esempio l'avanguardia.

Nell'ambito dello stile del monumentalismo, la scultura è di grande interesse. Come tutte le altre tendenze dell'arte sovietica, la scultura del periodo aveva un focus agitativo e un contenuto patriottico nelle trame. Di grande importanza per lo sviluppo della scultura fu il piano di Lenin per la propaganda monumentale, adottato nel 1918. Secondo questo piano, in tutto il paese dovevano essere installati monumenti che promuovessero nuovi valori rivoluzionari. Importanti scultori sono stati coinvolti nel lavoro: N.A. Andreev (che in seguito divenne il creatore della scultorea Leniniana). Un altro importante scultore di questo periodo è Ivan Shadr. Nel 1922 creò le statue "Operaio", "Seminatore", "Contadino", "Armata Rossa". L'originalità del suo metodo è la generalizzazione dell'immagine sulla base di una trama di genere specifica, potente modellazione dei volumi, espressività del movimento, pathos romantico. La sua opera più sorprendente è “Il ciottolo è uno strumento del proletariato. 1905" (1927). Nello stesso anno, sul territorio di una centrale idroelettrica nel Caucaso, ZAGES ha eretto un monumento a Lenin della sua opera - "uno dei migliori". Anche Vera Mukhina si forma come maestro negli anni '20. In questo periodo realizza un progetto per il monumento "Lavoro emancipato" (1920, non conservato), "Contadina" (1927). Dei maestri più maturi si nota il lavoro di Sarah Lebedeva, che ha creato ritratti. Nella sua comprensione della forma, tiene conto delle tradizioni e dell'esperienza dell'impressionismo. Alexander Matveev è caratterizzato dalla classica chiarezza nel comprendere le basi costruttive della plasticità, l'armonia delle masse scultoree e il rapporto dei volumi nello spazio ("Undressing Woman", "Woman Putting on a Shoe"), così come il famoso "Ottobre" (1927), dove nella composizione sono inclusi 3 uomini nudi figure - una combinazione di tradizioni classiche e l'ideale dell '"uomo dell'era della Rivoluzione" (attributi - falce, martello, budenovka).

Le forme d'arte capaci di "vivere" per le strade nei primi anni dopo la rivoluzione hanno svolto un ruolo cruciale nel "plasmare la coscienza sociale ed estetica del popolo rivoluzionario". Pertanto, insieme alla scultura monumentale, il manifesto politico ha ricevuto lo sviluppo più attivo. Si è rivelata la forma d'arte più mobile e operativa. Durante la Guerra Civile, questo genere era caratterizzato dalle seguenti qualità: “la nitidezza della presentazione del materiale, la reazione istantanea a eventi in rapida evoluzione, l'orientamento propagandistico, grazie al quale le caratteristiche principali del linguaggio plastico del poster erano formato. Si sono rivelati laconicismo, convenzionalità dell'immagine, chiarezza della silhouette e del gesto. I poster erano estremamente comuni, stampati in gran numero e affissi ovunque. Un posto speciale nello sviluppo del poster è occupato da ROSTA Windows of Satire, in cui Cheremnykh, Mikhail Mikhailovich e Vladimir Mayakovsky hanno svolto un ruolo eccezionale. Si tratta di poster stampati, colorati a mano e con iscrizioni poetiche sull'argomento del giorno. Hanno svolto un ruolo enorme nella propaganda politica e sono diventati una nuova forma figurativa. Il design artistico dei festeggiamenti è un altro nuovo fenomeno dell'arte sovietica che non aveva una tradizione. Le festività includevano gli anniversari della Rivoluzione d'Ottobre, il 1 maggio, l'8 marzo e altre festività sovietiche. Ciò ha creato una nuova forma d'arte non tradizionale che ha dato alla pittura un nuovo spazio e una nuova funzione. Per le festività sono stati realizzati pannelli monumentali, caratterizzati da un enorme pathos propagandistico monumentale. Gli artisti hanno creato schizzi per la progettazione di piazze e strade.

Le seguenti persone hanno preso parte alla progettazione di queste festività: Petrov-Vodkin, Kustodiev, E. Lansere, S. V. Gerasimov.

La storia dell'arte sovietica divideva i maestri della pittura sovietica di questo periodo in due gruppi:

• - artisti che hanno cercato di catturare le trame nel consueto linguaggio pittorico della visualizzazione fattuale;
• - artisti che hanno utilizzato una percezione più complessa e figurativa della modernità.

Hanno creato immagini simboliche in cui hanno cercato di esprimere la loro percezione "poetica e ispirata" dell'era nel suo nuovo stato. Konstantin Yuon ha realizzato una delle prime opere dedicate all'immagine della rivoluzione (New Planet, 1920, State Tretyakov Gallery), dove l'evento è interpretato su scala universale, cosmica. Petrov-Vodkin nel 1920 realizzò il dipinto "1918 a Pietrogrado (Petrograd Madonna)", risolvendo in esso i problemi etici e filosofici dell'epoca. Arkady Rylov, come si credeva, nel suo paesaggio “In the Blue Space” (1918) pensa anche simbolicamente, esprimendo “il respiro libero dell'umanità, la fuga nelle vaste distese del mondo, alle scoperte romantiche, alle esperienze libere e forti .”

La grafica mostra anche nuove immagini. Nikolai Kupreyanov "nella complessa tecnica dell'incisione su legno cerca di esprimere le sue impressioni sulla rivoluzione" ("Auto blindate", 1918; "Volley of Aurora", 1920). Negli anni '30 la pittura monumentale diventa una parte indispensabile dell'intera cultura artistica. Dipendeva dallo sviluppo dell'architettura ed era saldamente connesso con essa. Le tradizioni pre-rivoluzionarie furono continuate a quel tempo dall'ex artista del World of Art Evgeny Lansere: il dipinto della sala ristorante della stazione di Kazan (1933) dimostra il suo desiderio di una forma barocca mobile. Sfonda il piano del soffitto, espandendo lo spazio verso l'esterno. Deineka, che anche in questo momento dà un grande contributo alla pittura monumentale, lavora in modo diverso. I suoi mosaici della stazione Mayakovskaya (1938) sono stati creati utilizzando uno stile moderno: la nitidezza del ritmo, la dinamica dei punti colorati locali, l'energia degli angoli, le convenzioni di rappresentazione di figure e oggetti. Gli argomenti sono principalmente sportivi. Anche Favorsky, noto artista grafico, ha dato un contributo alla pittura monumentale: ha applicato il suo sistema di costruzione della forma, sviluppato nell'illustrazione del libro, a nuovi compiti. I suoi murales al Museo della Maternità e dell'Infanzia (1933, insieme a Lev Bruni) e alla Casa dei Modelli (1935) mostrano la sua comprensione del ruolo del piano, la combinazione dell'affresco con l'architettura basata sull'esperienza dell'antica pittura russa. (Entrambe le opere non sono sopravvissute).

Il costruttivismo divenne lo stile dominante nell'architettura degli anni '20.

I costruttivisti hanno cercato di utilizzare nuove possibilità tecniche per creare forme semplici, logiche, funzionalmente giustificate, progetti utili. Un esempio dell'architettura del costruttivismo sovietico sono i progetti dei fratelli Vesnin. Il più grandioso di loro - il Palazzo del Lavoro non è mai stato messo in pratica, ma ha avuto un impatto significativo sullo sviluppo dell'architettura domestica. Purtroppo anche i monumenti architettonici furono distrutti: solo negli anni '30. a Mosca, la Torre Sukharev, la Cattedrale di Cristo Salvatore, il Monastero dei Miracoli al Cremlino, la Porta Rossa e centinaia di oscure chiese urbane e rurali, molte delle quali di valore storico e artistico, furono distrutte.

In connessione con la natura politica dell'arte sovietica, vengono create molte associazioni e raggruppamenti artistici con le proprie piattaforme e manifesti. L'arte era alla ricerca ed era diversa. I raggruppamenti principali erano AHRR, OST e anche "4 Arts". L'Associazione degli artisti della Russia rivoluzionaria è stata fondata nel 1922. Il suo nucleo era costituito da ex Wanderers, i cui modi hanno avuto una grande influenza sull'approccio del gruppo: il linguaggio di scrittura quotidiano realistico degli ultimi Wanderers, "andare dalla gente" ed esposizioni tematiche. Oltre ai temi dei dipinti (dettati dalla rivoluzione), l'AHRR si caratterizzava per l'organizzazione di mostre tematiche come "Vita e vita dei lavoratori", "Vita e vita dell'Armata Rossa".

I principali maestri e opere del gruppo: Isaac Brodsky ("Discorso di Lenin alla fabbrica Putilov", "Lenin a Smolny"), Georgy Ryazhsky ("Delegato", 1927; "Presidente", 1928), ritrattista Sergei Malyutin (" Ritratto di Furmanov", 1922 ), Abram Arkhipov, Efim Cheptsov ("Incontro del villaggio", 1924), Vasily Yakovlev ("Il trasporto sta migliorando", 1923), Mitrofan Grekov ("Tachanka", 1925, poi "Al Kuban” e “Trombettieri della prima cavalleria”, 1934). La Society of Easel Artists, fondata nel 1925, comprendeva artisti con opinioni meno conservatrici in termini di pittura, principalmente studenti di VKHUTEMAS. Questi erano: Williams "Rivolta di Amburgo"), Deineka ("Alla costruzione di nuovi laboratori", 1925; "Prima di scendere nella miniera", 1924; "Difesa di Pietrogrado", 1928), Labas Luchishkin ("La palla volò via ", "Amo la vita ”), Pimenov ("Industria pesante"), Tyshler, Shterenberg e altri. Sostenevano lo slogan della rinascita e dello sviluppo della pittura da cavalletto, ma non erano guidati dal realismo, ma dall'esperienza degli espressionisti contemporanei. Tra gli argomenti erano vicini all'industrializzazione, alla vita cittadina e allo sport. La Four Arts Society è stata fondata da artisti già parte del Mondo dell'Arte e della Rosa Blu, che si preoccupavano della cultura e del linguaggio della pittura. I membri più importanti dell'associazione: Pavel Kuznetsov, Petrov-Vodkin, Saryan, Favorsky e molti altri maestri eccezionali. La società era caratterizzata da un background filosofico con un'adeguata espressione plastica. La Society of Moscow Artists comprendeva ex membri delle associazioni Moscow Painters, Makovets e Genesis, nonché membri del Jack of Diamonds. Gli artisti più attivi: Pyotr Konchalovsky, Ilya Mashkov, Lentulov, Alexander Kuprin, Robert Falk, Vasily Rozhdestvensky, Osmerkin, Sergei Gerasimov, Nikolai Chernyshev, Igor Grabar. Gli artisti hanno creato dipinti "tematici", utilizzando il "jack di quadri" accumulato e così via. tendenze della scuola d'avanguardia. La creatività di questi gruppi era un sintomo del fatto che la coscienza dei maestri della vecchia generazione stava cercando di adattarsi alle nuove realtà. Negli anni '20 si tennero due grandi mostre che consolidarono le tendenze: per il decimo anniversario di ottobre e dell'Armata Rossa, nonché la "Mostra d'arte dei popoli dell'URSS" (1927).

La principale sfera di sviluppo della letteratura negli anni '20. indubbiamente è poesia. In termini di forma, la vita letteraria è rimasta in gran parte la stessa. Come all'inizio del secolo, i circoli letterari ne danno il tono, molti dei quali sopravvissero a tempi sanguinosi e continuarono ad operare negli anni '20: simbolisti, futuristi, acmeisti, ecc. Nascono nuovi circoli e associazioni, ma la rivalità tra ora va oltre le sfere artistiche e spesso assume sfumature politiche. Le associazioni RAPP, Pereval, Serapionov Brothers e LEF sono state della massima importanza per lo sviluppo della letteratura.

RAPP (Russian Association of Proletarian Writers) prese forma alla I All-Union Conference of Proletarian Writers nel 1925. Comprendeva scrittori (tra i più famosi A. Fadeev e D. Furmanov) e critici letterari. Il predecessore del RAPP era Proletkult, una delle organizzazioni più massicce fondata nel 1917. Trattavano come "nemici di classe" quasi tutti gli scrittori che non erano membri della loro organizzazione. Tra gli autori attaccati dai membri della RAPP non c'erano solo A. Akhmatova, Z. Gippius, I. Bunin, ma anche "cantanti della rivoluzione" riconosciuti come M. Gorky e V. Mayakovsky. L'opposizione ideologica alla RAPP era costituita dal gruppo letterario "Pass".

Il gruppo Serapion Brothers è stato creato nel 1921 nella Casa delle arti di Pietrogrado. Il gruppo comprendeva scrittori famosi come V. Ivanov, M. Zoshchenko, K. Fedin e altri.

LEF - il fronte sinistro delle arti. Le posizioni dei membri di questa organizzazione (V. Mayakovsky, N. Aseev, S. Eisenstein e altri) sono molto contraddittorie. Combinando il futurismo con l'innovazione nello spirito del proletario, hanno avuto un'idea davvero fantastica di creare una sorta di arte "produttiva", che avrebbe dovuto svolgere nella società la funzione utilitaristica di fornire un'atmosfera favorevole alla produzione materiale. L'arte era considerata come un elemento di costruzione tecnica, senza alcun sottotesto, finzione di psicologismo, ecc.

Di grande importanza per lo sviluppo della letteratura russa del ventesimo secolo. ha interpretato l'opera poetica di V. Ya Bryusov, E. G. Bagritsky, O. E. Mandelstam, B. L. Pasternak, D. Poor, poeti "contadini", il cui rappresentante più brillante era l'amico di Yesenin N. A. Una pagina speciale nella storia della letteratura russa è l'opera di poeti e scrittori che non accettarono la rivoluzione e furono costretti a lasciare il Paese. Tra loro ci sono nomi come M. I. Tsvetaeva, Z. N. Gippius, I. A. Bunin, A. N. Tolstoy, V. V. Nabokov. Alcuni di loro, rendendosi conto dell'impossibilità per se stessi di vivere lontano dalla loro patria, successivamente tornarono (Cvetaeva, Tolstoj). Le tendenze moderniste in letteratura si sono manifestate nell'opera di E. I. Zamyatin, l'autore del fantastico romanzo distopico "Noi" (1924). Letteratura satirica degli anni '20. rappresentato dalle storie di M. Zoshchenko; romanzi dei coautori I. Ilf (I. A. Fainzilberg) ed E. Petrov (E. P. Kataev) "The Twelve Chairs" (1928), "The Golden Calf" (1931), ecc.

Negli anni '30. sono apparse diverse opere importanti che sono entrate nella storia della cultura russa. Sholokhov crea i romanzi "Quiet Flows the Don", "Virgin Soil Upturned". Il lavoro di Sholokhov ha ricevuto riconoscimenti in tutto il mondo: per i suoi meriti letterari è stato insignito del Premio Nobel. Negli anni Trenta, M. Gorky completò il suo ultimo romanzo epico, The Life of Klim Samgin. Il lavoro di N. A. Ostrovsky, l'autore del romanzo "How the Steel Was Tempered" (1934), era molto popolare. A. N. Tolstoy ("Pietro I" 1929-1945) divenne un classico del romanzo storico sovietico. Gli anni Venti e Trenta furono il periodo di massimo splendore della letteratura per ragazzi. Diverse generazioni di persone sovietiche sono cresciute sui libri di K. I. Chukovsky, S. Ya. Marshak, A. P. Gaidar, S. V. Mikhalkov, A. L. Barto, V. A. Kaverin, L. A. Kassil, V P. Kataeva.

Nel 1928, vessato dalla critica sovietica, M. A. Bulgakov, senza alcuna speranza di pubblicazione, inizia a scrivere il suo miglior romanzo, Il maestro e Margherita. Il lavoro sul romanzo è continuato fino alla morte dello scrittore nel 1940. Questo lavoro è stato pubblicato solo nel 1966. Alla fine degli anni '80 furono pubblicate le opere di A.P. Platonov (Klimentov) "Chevengur", "Pit", "Juvenile Sea". I poeti A. A. Akhmatova, B. L. Pasternak hanno lavorato "sul tavolo". Il destino di Mandelstam (1891-1938) è tragico. Il poeta di straordinaria forza e grande accuratezza figurativa, fu tra gli scrittori che, avendo accettato a suo tempo la Rivoluzione d'Ottobre, non se la sentivano di stare nella società di Stalin. Nel 1938 fu represso.

Negli anni '30. L'Unione Sovietica sta gradualmente iniziando a separarsi dal resto del mondo. Dietro la "cortina di ferro" c'erano molti scrittori russi che, nonostante tutto, continuano a lavorare. Lo scrittore di prima grandezza fu il poeta e scrittore di prosa Ivan Alekseevich Bunin (1870-1953). Bunin fin dall'inizio non accettò la rivoluzione ed emigrò in Francia (il racconto "L'amore di Mitya", il romanzo "La vita di Arsenyev", la raccolta di racconti "Dark Alleys"). Nel 1933 fu insignito del Premio Nobel.

All'inizio degli anni '30. l'esistenza di circoli e gruppi creativi liberi è giunta al termine. Nel 1934, al Primo Congresso di tutta l'Unione degli scrittori sovietici, fu organizzata l '"Unione degli scrittori", alla quale furono costrette ad aderire tutte le persone impegnate nel lavoro letterario. L'Unione degli Scrittori è diventata uno strumento di controllo totale del potere sul processo creativo. Era impossibile non essere membri dell'Unione, perché in questo caso lo scrittore era privato della possibilità di pubblicare le sue opere e, inoltre, poteva essere perseguito per "parassitismo". M. Gorky era alle origini di questa organizzazione, ma la sua presidenza non durò a lungo. Dopo la sua morte nel 1936, A. A. Fadeev divenne presidente. Oltre all'Unione degli Scrittori, furono organizzati altri sindacati "creativi": l'Unione degli Artisti, l'Unione degli Architetti, l'Unione dei Compositori. Nell'arte sovietica iniziò un periodo di uniformità.

La rivoluzione ha scatenato potenti forze creative. Ciò ha influenzato anche lo sviluppo dell'arte teatrale domestica. Sorsero numerosi gruppi teatrali. Il Bolshoi Drama Theatre di Leningrado, il cui primo direttore artistico fu A. Blok, ebbe un ruolo importante nello sviluppo dell'arte teatrale. V. Meyerhold, il teatro. E. Vakhtangov, Teatro di Mosca. Consiglio comunale di Mosca.

Verso la metà degli anni '20 risale l'emergere della drammaturgia sovietica, che ebbe un enorme impatto sullo sviluppo dell'arte teatrale. I grandi eventi delle stagioni teatrali del 1925-1927. acciaio "Storm" V. Bill-Belotserkovsky nel teatro. MGSPS, "Love Yarovaya" di K. Trenev al Maly Theatre, "The Rupture" di B. Lavrenev al Theatre. E. Vakhtangov e al Bolshoi Drama Theatre, “Armored Train 14-69” di V. Ivanov al Moscow Art Theatre. I classici occupavano un posto forte nel repertorio teatrale. Tentativi di rileggerlo furono fatti sia dai teatri accademici (Heart Heart di A. Ostrovsky al Moscow Art Theatre) sia dalla "sinistra" ("The Forest" di A. Ostrovsky e "Inspector General" di N. Gogol al V. Teatro Meyerhold).

Se i teatri drammatici hanno ricostruito il loro repertorio entro la fine del primo decennio sovietico, il posto principale nelle attività dei gruppi di opera e balletto era ancora occupato dai classici. L'unico grande successo nel riflettere il tema contemporaneo è stata la messa in scena del balletto di R. Glière Il papavero rosso (Il fiore rosso). Nei paesi dell'Europa occidentale e dell'America, L.V. Sobinov, A.V. Nezhdanova, N.S. Golovanov, la compagnia del Moscow Art Theatre, il Chamber Theatre, lo Studio. E. Vakhtangov, Quartetto di antichi strumenti russi

La vita musicale del paese in quegli anni è associata ai nomi di S. Prokofiev, D. Shostakovich, A. Khachaturian, T. Khrennikov, D. Kabalevsky, I. Dunaevsky e altri Giovani direttori E. Mravinsky, B. Khaikin venuto alla ribalta. Furono creati ensemble musicali, che in seguito glorificarono la cultura musicale domestica: il Quartetto. Beethoven, la Grand State Symphony Orchestra, la State Philharmonic Orchestra, ecc. Nel 1932 fu costituita l'Unione dei compositori dell'URSS.

Insieme agli attori della vecchia generazione (M. N. Ermolova, A. M. Yuzhin, A. A. Ostuzhev, V. I. Kachalov, O. L. Knipper-Chekhova), stava emergendo un nuovo teatro rivoluzionario. La ricerca di nuove forme di espressione scenica è caratteristica del teatro che ha lavorato sotto la direzione di V. E. Meyerhold (ora Meyerhold Theatre). Le commedie di V. Mayakovsky Mystery Buff (1921), The Bedbug (1929) e altre furono messe in scena sul palcoscenico di questo teatro Un importante contributo allo sviluppo del teatro fu dato dal direttore del 3 ° studio del Moscow Art Theatre ; l'organizzatore e leader del Chamber Theatre, il riformatore dell'arte teatrale A. Ya Tairov.

Uno dei fenomeni più importanti e interessanti della storia della cultura degli anni '20. fu l'inizio dello sviluppo del cinema sovietico. Si sta sviluppando il cinema documentario, che è diventato uno degli strumenti più efficaci per la lotta e l'agitazione ideologica insieme al poster. Un'importante pietra miliare nello sviluppo del cinema di finzione è stato il film di Sergei Mikhailovich Eisenstein (1898 - 1948) "Battleship Potemkin" (1925), che è diventato uno dei capolavori del mondo. I simbolisti, i futuristi, gli impressionisti, gli immaginari, ecc. Il compositore D. Shostakovich, il regista S. Eisenstein, gli scrittori B. Pasternak, Yu Olesha e altri erano tra gli "alieni" Molti artisti furono repressi.

cultura politica totalitarismo ideologia

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Ministero dell'Istruzione della Federazione Russa

Magnitogorsk State University

Test

Artisti degli anni 20-30

Completato da: Timeeva Alena

Magnitogorsk 2001

introduzione

L'ottobre 1917 aprì una nuova era non solo nella vita sociale, ma anche nella vita dell'arte. Ogni rivoluzione distrugge qualcosa e quindi inizia la creazione di una nuova. Quello che sta avvenendo non è un semplice sviluppo, ma un decisivo riattrezzamento delle fondamenta delle precedenti strutture sociali, politiche, ideologiche e di altro genere, compresa l'arte.

La rivoluzione ha sollevato almeno due problemi. Il primo problema è la natura di classe dell'arte. Il tentativo di collegarlo strettamente alla lotta di classe ha portato a una distorsione della sua natura multifunzionale. Una comprensione particolarmente nettamente semplificata della natura di classe dell'arte si è manifestata nelle attività del famigerato Proletcult. L'elemento di lotta ha portato alla distruzione dei monumenti culturali, causata non solo dalle operazioni militari durante la guerra civile e dall'intervento straniero, ma anche da una politica volta a schiacciare la cultura borghese. Così, molti monumenti scultorei, opere di architettura antica associate al culto religioso furono demoliti o distrutti.

Il secondo problema è il problema della politica di classe nell'arte. Tutte le forze sono state coinvolte nella sua soluzione: "borghesi" e "proletari", distruttivi e costruttivi, sovietici e non sovietici, "sinistra" e "destra", culturali e ignoranti, professionisti e dilettanti.

I principi dello sviluppo sociale proclamati dallo stato determinarono in gran parte il graduale movimento dell'arte. Si è verificata una sorta di stratificazione delle forze, dalla cui somma si è formato un vettore del vero stato dell'arte. Da un lato, questa è la forza dell'auto-sviluppo dell'arte, che ha influenzato i modelli di movimento delle forme contenute nella natura della creatività artistica; dall'altra l'influenza delle forze sociali, delle istituzioni pubbliche, interessate a questo e non ad un altro movimento dell'arte, nelle sue determinate forme. Sul terzo - i dettami della politica statale, che, basandosi o meno sulle forze sociali, hanno avuto un impatto incondizionato sulla struttura dell'arte, sulla sua essenza, sul suo potenziale evolutivo e rivoluzionario. Dalla fine degli anni '20, la politica ha cominciato chiaramente a distorcere il normale processo di sviluppo dell'arte, a esercitare su di essa una certa pressione vietando o condannando certe manifestazioni "non proletarie".

Artisti e associazioni artistiche degli anni '20.

Gli anni '20 furono un periodo turbolento per l'arte. C'erano molte fazioni diverse. Ognuno di loro ha presentato una piattaforma, ognuno ha parlato con il proprio manifesto. L'arte, ossessionata dall'idea della ricerca, era diversa; ribolliva e ribolliva, cercando di tenere il passo con l'era e guardare al futuro.

I raggruppamenti più significativi le cui dichiarazioni e pratiche creative riflettevano i principali processi creativi di quel tempo erano l'AHRR, l'OST e le "4 Arti" (8, p. 87).

Il gruppo AHRR (Associazione degli artisti della Russia rivoluzionaria) sorse nel 1922 (nel 1928 fu ribattezzato AHRR - Associazione degli artisti della rivoluzione). Il nucleo dell'AHRR era formato principalmente da ex membri dell'Associazione delle mostre itineranti. La dichiarazione dell'AHRR è stata esposta nel catalogo della mostra del 1922: "Il nostro dovere civico verso l'umanità è la cattura artistica e documentaria del più grande momento della storia nel suo scoppio rivoluzionario. Rappresenteremo oggi: la vita dell'Armata Rossa, la vita degli operai, dei contadini, dei rivoluzionari e degli eroi del lavoro".

Gli artisti AHRR hanno cercato di rendere la loro pittura accessibile al pubblico di massa di quel tempo. Nel loro lavoro, usavano spesso meccanicamente il linguaggio di scrittura quotidiano degli ultimi Wanderers. AHRR ha organizzato una serie di mostre d'arte tematiche, i cui nomi stessi sono: "Vita e vita dei lavoratori" (1922), "Vita e vita dell'Armata Rossa" (1923), "Rivoluzione, vita e lavoro" (1924 - 1925), "Life and Life of Peoples USSR" (1926) - parlano dei compiti del riflesso diretto della realtà moderna.

La particolarità della pratica degli "Akhroviti" era che andavano nelle fabbriche e negli stabilimenti, nelle caserme dell'Armata Rossa, per osservare lì la vita e la vita dei loro eroi. Durante la preparazione della mostra "Vita e vita dei popoli dell'URSS", i suoi partecipanti hanno visitato gli angoli più remoti del paese sovietico e riportato un numero significativo di schizzi che hanno costituito la base delle loro opere. Gli artisti AHRR hanno svolto un ruolo importante nella padronanza di nuovi temi, influenzando i rappresentanti di vari gruppi artistici dell'epoca.

La creatività si distingue tra gli artisti AHRR io.Brodsky(1883 - 1939), che si è posto come compito una fedele riproduzione documentaria degli avvenimenti e degli eroi della rivoluzione. Le sue tele dedicate alle attività di V.I. Lenin. La nascita della pittoresca Leniniana si basava sul dipinto di Brodsky del 1929 "Il discorso di Lenin alla fabbrica Putilov" e su una delle sue opere più famose "Lenin in Smolny" (1930), raffigurante Lenin nel suo ufficio al lavoro. Brodsky ha visto Lenin molte volte e ne ha fatto degli schizzi (12, p. 92).

Le opere di Brodsky hanno una qualità importante: l'autenticità, che ha un grande significato storico e cognitivo. Tuttavia, il desiderio di documentario a volte ha portato a un'interpretazione empirica e naturalistica dell'evento. Il significato artistico dei dipinti di Brodsky è stato ridotto anche dal secco naturalismo e dai colori dietetici caratteristici di una parte significativa delle sue opere.

Maestro della ritrattistica G.G.Ryazsky(1895 - 1952) entra a far parte dell'AHRR nel 1923. Le sue opere più famose sono "Delegate" (1927) e "Chairwoman" (1928), in cui l'artista rivela i tratti socio-psicologici tipici di una donna di una nuova società, partecipante attivo alla vita industriale e sociale del paese. La sua "presidente" è una lavoratrice attivista. Nella sua postura, gesto, autostima, scioltezza si rivelano come prova della posizione di una donna in una nuova società lavorativa.

Tra i ritrattisti dell'AHRR, un ruolo di primo piano è stato svolto da S.V.Malyutin(1859 - 1937). La galleria di ritratti che iniziò prima della rivoluzione fu integrata in epoca sovietica con i ritratti di V.K. Byalynitsky-Biruli, A.V. Lunacharsky e molti altri. Tra questi, il ritratto più interessante di Dmitry Furmanov, dipinto nel 1922, rivela in modo convincente l'immagine di uno scrittore guerriero, rappresentante della nuova intellighenzia sovietica.

Un partecipante attivo alle mostre AHRR è stato un importante pittore russo della svolta tra il XIX e il XX secolo. A.E. Arkhipov. Negli anni '20, Arkhipov creò immagini di contadine: "Donna con una brocca", "Contadina con grembiule verde", "Contadina con una sciarpa rosa in mano", ecc. Questi dipinti erano dipinti con un pennello largo, temperamentalmente e colorato.

L'attenta osservazione e l'attenzione ai nuovi fenomeni della vita hanno segnato il lavoro di E.M. Cheptsov (1874-1943), che ha continuato le tradizioni erranti nel campo del genere quotidiano. Ampiamente noto è il suo dipinto "Incontro della cellula del villaggio" (1924), che raffigura gli attivisti del villaggio nei primi anni della rivoluzione. L'osservazione e la sincerità dell'autore, la semplicità dell'aspetto dei suoi personaggi, la semplicità degli accessori circostanti hanno reso la piccola e modesta opera pittorica di Cheptsov uno degli esempi più interessanti dell'arte AHRR.

Lo stesso si può dire di una delle opere del paesaggista B.N. Jakovlev (1880-1972). Il suo "Il trasporto sta migliorando" (1923) è una storia modesta e allo stesso tempo profonda sull'era difficile dei primi anni della rivoluzione, sul lavoro quotidiano delle persone. Dipinto con calma e semplicità, questo dipinto è uno dei primi esempi di paesaggio industriale nella pittura sovietica.

Un posto speciale nella pittura dell'AHRR è occupato dal lavoro di M.B. Grekov (1882-1934) - il fondatore del genere di battaglia nell'arte sovietica. Per un decennio e mezzo - fino alla fine della sua vita - fu impegnato nella realizzazione di una serie di dipinti dedicati alla Prima Armata di Cavalleria, alle cui campagne e battaglie prese parte l'artista. Nel suo lavoro, soprattutto nel primo periodo, si fanno sentire chiaramente le tradizioni di Vereshchagin. Il protagonista di Grekov sono le persone che si sono fatte carico di tutte le difficoltà della guerra. Le opere di Grekov affermano la vita. In dipinti della metà degli anni '20 come "Tachanka" (1925), l'accuratezza itinerante dell'immagine è combinata con l'euforia romantica. Successivamente, continuando la cronaca pittorica originale della Prima Armata di Cavalleria, Grekov crea tele epiche, tra le quali spiccano i dipinti "Al Kuban" e "Trombettieri della Prima Armata di Cavalleria" (entrambi - 1934).

Insieme all'AHRR, che comprendeva artisti delle generazioni più anziane e medie, che al tempo della rivoluzione avevano già una vasta esperienza creativa, un ruolo attivo nella vita artistica di quegli anni fu svolto dal gruppo OST (Society of Easel Painters) , organizzato nel 1925. Ha unito la gioventù artistica della prima università d'arte sovietica - VHU-TEMAS. (3)

Il compito principale dell'associazione era la lotta per la rinascita e l'ulteriore sviluppo di dipinti da cavalletto su temi moderni o con contenuti moderni. Tuttavia, le aspirazioni ei metodi creativi degli artisti dell'OST presentavano differenze caratteristiche. Si sono sforzati di riflettere nei singoli fatti le nuove qualità della loro epoca contemporanea in relazione all'epoca precedente. Il loro tema principale era l'industrializzazione della Russia, recentemente ancora agraria e arretrata, il desiderio di mostrare le dinamiche del rapporto tra la produzione moderna e l'uomo.

Uno dei rappresentanti più talentuosi del gruppo OST era AA.Deineka. Le dichiarazioni OST più vicine sono i suoi dipinti: "Alla costruzione di nuovi laboratori" (1925), "Prima di scendere nella miniera" (1924), "Giocatori di calcio" (1924), "Operai tessili" (1926). Il pathos figurativo di Deineka, gli Ostovets, ha trovato una via d'uscita nella grafica giornalistica, in cui l'artista ha agito come illustratore in riviste di lettura generale - come "At the machine", "The godless at the machine", "Spotlight" , "Gioventù", ecc. L'opera centrale Deineka del periodo Ostovo divenne il dipinto "Difesa di Pietrogrado", scritto nel 1928 per la mostra tematica "10 anni dell'Armata Rossa". Questo lavoro rivela il pathos e il significato principali delle tradizioni innovative dell'OST, le più vivificanti e sviluppate nell'arte sovietica dei periodi successivi. Deineka incarnava in questo quadro tutta l'originalità del suo stile, riduceva al minimo i mezzi espressivi, ma li rendeva molto attivi ed efficaci (8, p. 94).

Degli altri membri dell'OST, Yu.I. Pimenov, P.V. Williams, SA Luchiškin. Le opere "Heavy Industry" di Pimenov, "Hamburg Uprising" di Williams, "The Ball Has Flew" e "I Love Life" di Luchishkin, realizzate nello stesso periodo, rivelano e riflettono in modo innovativo le qualità importanti della realtà moderna,

In contrasto con il gruppo Ostovo, che era giovanile nella sua composizione, c'erano altri due gruppi creativi che occupavano un posto importante nella vita artistica di quegli anni: "4 Arts" e OMX. (Society of Moscow Artists), - ha unito i maestri della vecchia generazione, che si erano formati in modo creativo in epoca pre-rivoluzionaria, che trattavano i problemi della conservazione della cultura pittorica con particolare rispetto e consideravano il suo linguaggio e la sua forma plastica molto importanti parte del lavoro. La 4 Arts Society è nata nel 1925. I membri più importanti di questo gruppo erano P.V. Kuznetsov, K.S. Petrov-Vodkin, M.S. Saryan, N.P. Ulyanov, K.N. Istomin, VA Favorsky.

Le opere di Petrov-Vodkin - come "After the Battle" (1923), "The Girl at the Window" (1928), "Anxiety" (1934), esprimono più pienamente il significato etico di vari periodi - pietre miliari nello sviluppo della società sovietica. Il suo dipinto "La morte di un commissario" (1928), come "Difesa di Pietrogrado" di Deineka, dipinto in connessione con la mostra "10 anni dell'Armata Rossa", in contrasto con la pubblicità specifica - alla base delle decisioni figurative di Deineka - dà la sua soluzione filosofica al compito: attraverso fatti che generalizzano idee su eventi che si svolgono sull'intero pianeta Terra, rivelando l'essenza etica di questi eventi. Un commissario è una persona che, sia nella vita che nella morte, compie un'impresa in nome dell'umanità. La sua immagine è espressione dell'invincibilità delle idee brillanti che vinceranno in futuro, indipendentemente e nonostante la morte dei portatori più attivi di queste idee. Lo sguardo d'addio del commissario morente è come una parola d'addio a un distaccamento di combattenti prima di un attacco: è pieno di fiducia nella vittoria.

Le idee filosofiche di Petrov-Vodkin trovano un'adeguata espressione plastica. Lo spazio raffigurato, per così dire, si estende sulla superficie sferica del pianeta. La combinazione di prospettiva diretta e inversa trasmette in modo convincente e nitido il panorama "planetario" di ciò che sta accadendo. I problemi figurativi sono chiaramente risolti nel sistema coloristico. Nella sua pittura l'artista aderisce al principio del tricolore, come se incarnasse i colori principali della terra: aria fredda e blu, acqua blu; terra rosso-marrone; verde del mondo vegetale.

Un segno significativo nella storia della pittura sovietica è stato lasciato dagli artisti del gruppo OMX, organizzato nel 1927. Molti di loro si sono avvicinati negli anni pre-rivoluzionari nell'associazione "Fante di quadri". I più attivi in ​​​​OMChe erano P.P. Konchalovsky, I.I. Mashkov, A.V. Lentulov, A.V. Kuprin, R.R. Falk, V.V. Rozhdestvensky, A.A. Osmerkin. arte ritratto artistico

Nella loro dichiarazione, gli artisti dell'OMHa hanno affermato: "Pretendiamo dall'artista la massima efficienza ed espressività degli aspetti formali del suo lavoro, che sono inseparabili dal lato ideologico di quest'ultimo". In questo programma c'è un'affinità per il gruppo "4 Arts".

Uno dei massimi esponenti di questo programma nell'arte sovietica dei primi anni fu P.P. Konchalovsky. Ha cercato di combinare le tendenze del "jack di quadri" con l'eredità degli artisti realistici russi, che hanno notevolmente ampliato la sua gamma creativa e lo hanno aiutato a entrare in modo più organico nell'arte sovietica degli anni '20. Le opere del maestro come "Autoritratto con sua moglie" (1922), "Ritratto di O.V. Konchalovskaya" (1925), "Ritratto della figlia di Natasha" (1925) si distinguono per l'integrità coloristica con l'intensità dei singoli colori. In quegli stessi anni P.P. Konchalovsky tenta di creare dipinti tematici, tra i quali i migliori sono Novgorodiani (1921) e Dalla fiera (1926). L'artista è interessato alle immagini tradizionali dei "contadini russi": potenti, tarchiati, che vivono circondati da oggetti familiari, secondo le leggi delle antiche usanze e, insieme al loro ambiente, costituiscono qualcosa di tipicamente nazionale.

Artisti e associazioni artistiche degli anni '30.

Gli anni '30 nella storia dell'arte sovietica sono un periodo difficile, che riflette le contraddizioni della realtà stessa. Avendo percepito i notevoli cambiamenti avvenuti nella società, il pathos dell'industrializzazione, i maestri d'arte, allo stesso tempo, hanno notato a malapena le principali contraddizioni sociali, non hanno espresso conflitti sociali associati al rafforzamento del culto della personalità di Stalin (1).

Il 23 aprile 1932 il Comitato centrale del partito adottò una risoluzione "Sulla ristrutturazione delle organizzazioni letterarie e artistiche". Questo decreto eliminava tutti i raggruppamenti artistici precedentemente esistenti e indicava le vie e le forme generali di stabilizzazione e sviluppo di tutte le forze creative dell'arte sovietica. La delibera indebolì il confronto tra le singole associazioni, tanto inasprito a cavallo tra gli anni '20 e '30. Ma d'altra parte, le tendenze all'unificazione si sono intensificate nella vita artistica. Gli esperimenti d'avanguardia che si fecero sentire negli anni '20 furono interrotti. Si sviluppò una lotta contro il cosiddetto formalismo, a seguito della quale molti artisti furono costretti ad abbandonare le loro precedenti conquiste.

La creazione di un'unica unione coincise con l'istituzione del principio del realismo socialista, formulato da A.M. Gorky al primo congresso di tutti i sindacati degli scrittori sovietici. Il realismo socialista ha assunto l'eredità delle tradizioni dell'arte realistica del XIX secolo. e artisti mirati a rappresentare la realtà nel suo sviluppo rivoluzionario. Tuttavia, come ha dimostrato l'ulteriore pratica dell'arte sovietica, il termine "realismo socialista" si è rivelato insufficientemente capiente e adeguato alle tendenze complesse e multistrato della nuova cultura. La sua applicazione formale alla pratica artistica gli ha spesso conferito il ruolo di freno dogmatico allo sviluppo dell'arte. Nelle condizioni di ristrutturazione sociale degli anni '80, il termine "realismo socialista" è stato oggetto di discussione negli ambienti professionali a vari livelli.

Molte tendenze progressiste apparse negli anni '20 continuano a svilupparsi negli anni '30. Ciò riguarda, ad esempio, la proficua interazione di varie scuole nazionali.

Artisti di tutte le repubbliche dell'Unione Sovietica partecipano alle grandi mostre d'arte organizzate negli anni '30. Allo stesso tempo, a Mosca vengono organizzate mostre repubblicane in connessione con i decenni dell'arte nazionale. Le questioni dell'arte nazionale sono di particolare interesse per gli artisti delle repubbliche fraterne.

Negli anni '30 si espanse la pratica degli ordini statali e dei viaggi di lavoro creativi per gli artisti. Si stanno organizzando grandi mostre: "15 anni dell'Armata Rossa", "20 anni dell'Armata Rossa", "20 anni del Komsomol", "Industria del socialismo", "Mostra delle migliori opere della pittura sovietica", ecc. Gli artisti sovietici partecipano a mostre internazionali a Parigi e New York, eseguono opere per l'Esposizione agricola dell'Unione a Mosca, in relazione alla cui preparazione è stato creato un numero significativo di opere monumentali e decorative, il che, in sostanza, significava un tappa importante nella rinascita della pittura monumentale come forma d'arte indipendente che aveva i propri obiettivi e schemi. In queste opere trovò espressione l'attrazione dell'arte sovietica per il monumentalismo.

Uno dei rappresentanti più significativi della pittura da cavalletto di questo periodo è l'artista Boris Vladimirovich Ioganson(1893-1973), che nel suo lavoro si è rivolto alle più alte tradizioni della pittura russa del XIX secolo. Interpreta l'eredità di Surikov e Repin, introducendo nelle sue opere nuovi contenuti rivoluzionari, in sintonia con l'epoca. Particolarmente importanti da questo punto di vista sono i dipinti di Ioganson "Interrogation of the Communists" (1933) e "At the Old Ural Plant" (1937).

Il dipinto "Interrogazione dei comunisti" è stato esposto per la prima volta alla mostra "15 anni dell'Armata Rossa". In esso, l'artista ha mostrato i comunisti che si sono alzati per difendere la patria rivoluzionaria e i loro oppositori: le Guardie Bianche, che hanno cercato di strangolare lo stato sovietico durante la guerra civile. L'artista conduce la sua generalizzazione storica nella tradizione di Repin, attraverso la dimostrazione di un'azione specifica in un contesto specifico. Non conosciamo i nomi delle persone qui raffigurate, più storicamente l'immagine nel suo insieme è da noi percepita come universale. I comunisti nel dipinto di Ioganson sono condannati a morte. Ma l'artista mostra la loro calma, coraggio, forza e resistenza, che contrastano con l'ansia, il nervosismo, la disunione psicologica che regna nel gruppo delle Guardie Bianche, impotenti non solo in questa situazione, ma, per così dire, di fronte alla storia .

Nel dipinto "At the Old Ural Factory", dipinto per la mostra "Industry of Socialism", Ioganson contrappone le immagini di un allevatore e di un operaio, in cui rivela un senso di nascente coscienza di classe e superiorità interna sullo sfruttatore. Con questo dipinto, l'artista ha mostrato il conflitto storico tra il vecchio e il nuovo, il reazionario e il progressista, e ha affermato il potere vittorioso del rivoluzionario e del progressista. Questi sono i nuovi tratti caratteristici del genere storico-rivoluzionario sovietico sull'esempio della pittura di Ioganson.

Un posto speciale in questo periodo è sfaccettato in immagini, temi e generi di creatività Sergei Vasilievich Gerasimov. L'opera più sorprendente del genere storico nel suo lavoro è il dipinto "The Oath of the Siberian Partisans" (1933), che colpisce per la sua espressività aperta, l'espressività coloristica rivelata, il disegno nitido e la composizione dinamica. Lavorando nel genere domestico, S.V. Gerasimov ha prestato l'attenzione principale al tema contadino. Per risolverlo, l'artista ha esaminato il ritratto, creando una serie di convincenti immagini contadine. Durante la costruzione del villaggio agricolo collettivo, dipinse uno dei ritratti più suggestivi, "The Collective Farm Watchman" (1933). Tra le opere più significative della pittura di genere degli anni '30 c'era il dipinto Agriturismo collettivo (1937), esposto alla mostra Industria del socialismo. Caratterizza accuratamente e sinteticamente questa immagine del più grande accademico critico d'arte sovietico I.E. Grabar: "Quando è apparsa la meravigliosa tela "Vacanze in fattoria collettiva", uno dei migliori dipinti della mostra "Industria del socialismo", è diventata evidente una nuova, straordinaria crescita del maestro. Quasi nessuno degli artisti sovietici, ad eccezione di Sergei Gerasimov ", potrebbe far fronte a un compito così compositivo, leggero e cromatico, e anche con l'aiuto di mezzi e tecniche così semplici. Era l'immagine più solare della pittura russa durante la rivoluzione, nonostante fosse eseguita secondo un piano sobrio " (1, pag. 189).

Il "cantante" dei contadini sovietici era Arkady Alexandrovich Plastov(1893 - 1983), associato al villaggio russo dalla sua origine. Fu fortemente influenzato per tutta la sua vita dalle impressioni dell'infanzia trascorsa a stretto contatto con la natura, con la terra, con i contadini che vivevano su questa terra.

Dopo la Grande Rivoluzione Socialista d'Ottobre, Plastov, trascinato dal lavoro nel suo villaggio natale di Prislonikhe, dedicando il suo tempo libero alla pittura, accumulò schizzi e impressioni per le sue future opere dedicate alla vita contadina. Una delle prime opere significative di Plastov - piena di aria e luce, il dipinto "Bathing the Horses" - è stata da lui realizzata per la mostra "20 Years of the Red Army". Per la mostra "Industria del socialismo" Plastov ha dipinto una grande tela "Vacanze in fattoria collettiva". Un'altra brillante opera di Plastov di quel tempo è "Collective Farm Herd" (1938). Tutti questi dipinti mostrano alcune caratteristiche comuni. Plastov non pensa alla scena di genere al di fuori del paesaggio, al di fuori della natura russa, interpretata sempre in modo lirico, rivelando la sua bellezza nelle manifestazioni più semplici. Un'altra caratteristica delle opere di genere di Plastov è l'assenza di qualsiasi conflitto o momento speciale nella trama scelta dall'artista. A volte nei suoi quadri, come, ad esempio, in "Collective Farm Herd", non ci sono eventi, non succede niente. Ma allo stesso tempo, l'artista raggiunge sempre l'espressività poetica dell'immagine.

Il talento si è sviluppato a modo suo negli anni '30 AA.Deineka. Ha continuato ad aderire ai suoi precedenti temi, trame, immagini preferite, colore e sistema compositivo. È vero, il suo stile pittorico si ammorbidisce un po ', esempi dei quali sono le migliori opere degli anni '30: "Mother" (1932), "Lunch Break in the Donbass" (1935), "Future Pilots" (1938). Lo sport, l'aviazione, il corpo nudo e allenato, il laconismo e la semplicità del linguaggio pittorico, gli accostamenti sonori del bruno-arancio e del blu sono addolciti in alcuni casi dal lirismo, momento di contemplazione. Deineka ha anche ampliato il quadro tematico del suo lavoro, includendo scene della vita di paesi stranieri, apparse a seguito di viaggi negli Stati Uniti, Francia, Germania e Italia.

Un altro ex membro dell'OST - Yu.I.Pimenov(1903--1977) ha creato uno dei migliori dipinti degli anni '30 "Nuova Mosca" (1937). Il paesaggio del centro di Mosca (Piazza Sverdlov) sembra essere visto da un'auto in corsa guidata da una giovane donna che dà le spalle allo spettatore. Nuovi edifici eretti, la corsa veloce di un'auto, colori chiari, abbondanza d'aria, ampiezza dello spazio e cornice della composizione: tutto è intriso di una visione ottimistica del mondo.

Negli anni '30, l'arte paesaggistica di G.G. Nissky (1903 - 1987), seguace degli Ostovtsy, che ne adottò il laconicismo, la nitidezza delle soluzioni compositive e ritmiche. Questi sono i suoi dipinti "Autumn" (1932) e "On the Way" (1933). Nei paesaggi di Nissa è sempre visibile l'attività trasformativa dell'uomo.

Dei paesaggisti della vecchia generazione, l'opera di N.P. Krymov (1884-1958), che nel 1937 creò il famoso dipinto "Mattina nel Gorky Central Park of Culture and Leisure in Moscow". Un'ampia vista panoramica del parco, le distanze che si aprono dietro di esso, una linea piatta dell'orizzonte che conduce l'occhio dello spettatore oltre la tela: tutto respira freschezza e spaziosità.

A. Rylov, la cui opera si è formata all'inizio del XX secolo, nel dipinto "Lenin in Razliv" (1934) combina il paesaggio con il genere storico, raggiungendo un senso di vastità della natura, pensiero, sentimento, affermazione storica ottimismo.

L'attrazione per il paesaggio panoramico si è manifestata nelle opere di molti pittori di diverse repubbliche. Questa gravitazione era associata a quel senso acuto della Patria, terra natale, che negli anni '30 si rafforzò e crebbe. D.N. Kakabadze (1889 - 1952) nel suo "Imeretian landscape" (1934) offre un'ampia diffusione delle montagne caucasiche, che si estendono in lontananza - cresta dopo cresta, pendio dopo pendio. Nell'opera di M.S. Saryan Gli anni '30 furono segnati anche dall'interesse per il paesaggio nazionale, per le vedute panoramiche dell'Armenia.

Durante questo periodo, anche il genere del ritratto ha ricevuto un fruttuoso sviluppo, in cui gli artisti della vecchia generazione P.P. Konchalovsky, I.E. Grabar, M.V. Nesterov e alcuni altri.

P.P. Konchalovsky, noto per le sue opere nei più diversi generi di pittura, ha creato un'intera serie di ritratti di figure della scienza e dell'arte sovietiche negli anni '30 e '40. Tra i migliori ritratti di V.V. Sofronitsky al pianoforte (1932), S.S. Prokof'ev (1934), V.E. Meyerhold (1937). In queste opere Konchalovsky porta la sua eccellente capacità di esprimere la vita attraverso il sistema plastica-colore. Combina le migliori tradizioni della vecchia arte con l'innovativa nitidezza della visione dei colori, l'affermazione della vita, il suono emotivamente potente dell'immagine.

Il vero apice dello sviluppo della ritrattistica di quel periodo furono le opere di M.V. Nesterov. Durante il suo lavoro, che ha unito il XIX e il XX secolo, Nesterov ha mantenuto un legame vivo con la vita. Negli anni '30 visse una brillante ascesa, riscoprendo il suo talento di ritrattista. Il significato figurativo nei ritratti di Nesterov è l'affermazione dello spirito creativo del tempo attraverso l'identificazione del pathos creativo delle persone più diverse che rappresentano questo tempo. La cerchia degli eroi di Nesterov è composta da rappresentanti dell'intellighenzia sovietica della vecchia generazione, persone con professioni creative. Quindi, tra le opere più significative di Nesterov ci sono i ritratti di artisti: i fratelli Korin (1930), lo scultore I.D. Shadra (1934), Accademico I.P. Pavlov (1935), chirurgo S.S. Yudin (1935), scultore V.I. Muchina (1940). Nesterov funge da successore delle tradizioni dei ritratti di V.A. Serov. Sottolinea le caratteristiche, sottolinea i gesti, le posture caratteristiche dei suoi personaggi. L'accademico Pavlov strinse fermamente i pugni posti sul tavolo, e questa posa rivela una forza d'animo, che contrasta con l'evidente vecchiaia. Anche il chirurgo Yudin è raffigurato di profilo, seduto al tavolo. Ma l'espressività di questa immagine si basa sul caratteristico gesto "volante" della mano alzata. Le dita tese di Yudin sono le tipiche dita del chirurgo, abili e forti, pronte a soddisfare la sua volontà. Mukhina è raffigurata al momento della creazione. Scolpisce una scultura - con concentrazione, senza prestare attenzione all'artista, obbedendo completamente al suo impulso.

Gli accessori sono sinteticamente indicati in questi ritratti. Sono giustamente e attivamente inclusi nelle caratteristiche delle persone raffigurate con il loro colore, illuminazione, silhouette. La colorazione dei ritratti è drammaticamente attiva, satura di toni aggiuntivi sonori e sottilmente armonizzati. Pertanto, il colore complesso nel ritratto di Pavlov, costruito su una combinazione delle migliori sfumature di toni freddi e caldi, caratterizza la chiarezza spirituale e l'integrità del mondo interiore dello scienziato. E nel ritratto dei fratelli Korin, si addensa in blu intenso, nero, marrone intenso, esprimendo la natura drammatica del loro stato creativo. I ritratti di Nesterov hanno introdotto nell'arte un inizio fondamentalmente nuovo, che afferma la vita, un ardore creativo come le manifestazioni più tipiche e vivide dello stato delle persone in un'epoca di grande entusiasmo lavorativo.

L'artista più vicino a Nesterov Pavel Dmitrievich Korin(1892 - 1967). Cresciuto tra i pittori Palekh, iniziò la sua carriera con la pittura di icone e nel 1911, su consiglio di Nesterov, entrò alla Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca. Severamente esigente con se stesso e con le persone, Korin ha portato questa qualità in tutto il suo lavoro. AM ha svolto un ruolo significativo nello sviluppo creativo, e in effetti nella vita dell'artista. Gorky, che ha incontrato nel 1931. Gorky ha aiutato Korin a fare un viaggio all'estero per studiare i migliori monumenti dell'arte mondiale.

Forse è per questo che la galleria di ritratti di scienziati, artisti, scrittori del nostro tempo, che Korin crea da molti anni, è iniziata con l'immagine di A.M. Gorky (1932). In sostanza, già in quest'opera si svelano le caratteristiche principali del ritrattista Korin. Il ritratto di Gorky è un'opera davvero monumentale, dove una silhouette ben definita, uno sfondo contrastante, un ampio riempimento cromatico di ampie aree della tela, un disegno espressivo nitido esprimono la generalizzazione storica della personalità dello scrittore. Per questo, come per altri ritratti di Korin, è caratteristica una gamma severa con un'abbondanza di toni grigio scuro, blu scuro, che a volte raggiungono il nero. Questa gamma, così come la forma chiaramente scolpita della testa e della figura della persona ritratta, esprime le qualità emotive della natura dell'artista (6).

Negli anni '30, Korin ha creato ritratti di attori L.M. Leonidov e V.I. Kachalov, artista M.V. Nesterov, scrittore A.N. Tolstoj, scienziato N.F. Gamaleya. È ovvio che per lui, così come per il suo maestro spirituale M.V. Nesterov, l'interesse per una personalità creativa è tutt'altro che casuale.

I successi della pittura negli anni '30 non significano che il percorso del suo sviluppo sia stato semplice e privo di contraddizioni. In molte opere di quegli anni, i tratti generati dal culto di I.V. Stalin. Questo è un falso pathos di un atteggiamento nei confronti della vita pseudo-eroico, pseudo-romantico, pseudo-ottimista, che determina l'essenza e il significato dell'arte "cerimoniale". Nacque una competizione tra artisti nella lotta per inconfondibili "supertrame" associate all'immagine di I.V. Stalin, i successi dell'industrializzazione, i successi dei contadini e della collettivizzazione. Sono emersi numerosi artisti che si "specializzano" nell'argomento. Il più tendenzioso in questo senso è stato Alexander Gerasimov ("Stalin e KE Voroshilov al Cremlino" e altre sue opere).

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