Lapin I.L., Golubovich N.V.: Letteratura straniera. Letteratura del XVII secolo

Letteratura straniera del XVII-XVIII secolo
XVII secolo nello sviluppo letterario mondiale.

Il processo letterario in Europa nel XVII secolo è molto complesso e contraddittorio. Il XVII secolo è l'epoca che ha segnato il passaggio dal Rinascimento all'Illuminismo, e questo ha determinato i tratti dello sviluppo storico e culturale nei paesi europei, la posizione della reazione feudale cattolica si è rafforzata e questo ha causato una crisi dell'umanesimo rinascimentale, espressi con maggior forza nell'arte barocca.

Il barocco come stile si forma non solo nella letteratura, ma anche nella pittura e nella musica. Come tendenza letteraria, il barocco ha una serie di principi filosofici e artistici generali.

Il barocco si basa sul concetto polemico dell'uomo in relazione alle tradizioni rinascimentali. Una creatura debole e fragile, una persona, come credevano gli scrittori barocchi, è destinata a vagare nel tragico caos della vita. Una concezione profondamente pessimistica dell'essere conduce la letteratura barocca a ideali religiosi ascetici.

Il barocco crea una teoria elitaria dell'arte, afferma uno speciale stile ornamentale metaforico. Basandosi sull'idea di disarmonia del mondo, gli scrittori barocchi, cercando di esprimere l'idea di disarmonia nel sistema figurativo stesso dell'opera, si lasciano trasportare dai contrasti semantici e pittorici. I principi barocchi erano incarnati in modo più vivido nell'opera del grande drammaturgo spagnolo P. Calderon.

Nel barocco europeo si formano due correnti: alta e di base, o democratica, barocca. Alle idee elitarie, la sublime retorica dell'alto barocco, rappresentata dal teatro di P. Calderon, la poesia di L. de Gongora, D. Donne, il romanzo pastorale e galante-eroico, il barocco di base oppone lo stile del comico burlesque, che per molti aspetti parodia consapevolmente l'immaginario sublime (queste tendenze erano espresse più chiaramente in un romanzo picaresco del XVII secolo).

Un'altra tendenza letteraria del XVII secolo fu il classicismo, che ricevette una fioritura speciale in Francia. Va ricordato che le origini del classicismo risalgono all'estetica del Rinascimento, che ha creato il culto dell'antichità come fulcro dell'ideale artistico. Il classicismo rifletteva l'ascesa della coscienza nazionale della società francese. Nel primo terzo del XVII secolo in Francia si stava istituendo una monarchia assoluta, che portò all'eliminazione del conflitto civile feudale e alla formazione di un unico stato centralizzato. Questo processo storicamente progressivo crea i prerequisiti oggettivi per lo sviluppo del classicismo. Le idee di R. Descartes, il creatore della scuola filosofica razionalista, hanno avuto un profondo impatto sull'estetica del classicismo.

Nel suo sviluppo, il classicismo del XVII secolo ha attraversato due fasi principali. Nella prima metà del XVII secolo affermò le alte idee di cittadinanza ed eroismo, che si riflettevano nelle tragedie politiche di P. Corneille.

Nella seconda metà del XVII secolo, dopo i tragici eventi della Fronda, i motivi tragici si approfondirono nel classicismo. Il classicismo ha creato una teoria estetica coerente, che è stata completata nel trattato "Arte poetica" di N. Boileau. I classicisti svilupparono una teoria normativa dell'arte, inclusa una chiara differenziazione tra "alto" e "basso", canoni di genere e stile rigorosi. L'atteggiamento razionalista ha determinato il concetto di uomo, le caratteristiche del conflitto nelle opere classiche. Allo stesso tempo, i classicisti difendevano il principio di "imitazione della natura", "ragionevole verosimiglianza", che permetteva loro di ricreare nelle loro opere i tratti tipici della vita sociale del XVII secolo.
^ XVII secolo nello sviluppo letterario mondiale

Il Rinascimento è difficile da separare dalla storia e dalla cultura del XVII secolo. All'inizio del XVII secolo, i luminari del Rinascimento continuarono a creare. La transizione tra le epoche è molto fluida e dura per diverse generazioni. La stessa cosa accade ai limiti superiori del periodo. XVII - XVIII secolo - un'epoca fondamentale per lo sviluppo della moderna cultura europea. In questa era vengono creati stati di tipo moderno. In Francia, sotto l'influenza della cultura del classicismo, si creano le norme della letteratura e della lingua, che hanno messo radici fino al XX secolo. Il movimento illuminista e la letteratura razionalista avevano una funzione regolatrice simile in Inghilterra.

Il Rinascimento è un'era di ottimismo sociale, la scoperta dell'universo e delle capacità umane. Il sistema sociale diventa più dinamico, si aprono le possibilità della personalità umana e del destino. C'è una convinzione nel superare gli ostacoli sociali in varie aree. L'ideale dell'uomo rinascimentale è tipologicamente simile nelle diverse culture. L'ideale universale incarnava la trinità di bellezza, bontà e verità. Ma già alla fine del Rinascimento, nel XVI secolo, questo ideale comincia a vacillare. Nel XVI secolo ci sono le guerre di religione, la lotta degli stati per le colonie, la competizione nell'arena europea. Un'unica cultura europea viene scossa. Si perde l'influenza generalizzante dell'origine latina. Appare una cultura nazionale e vengono creati diversi tipi di stati: borghesi (rivoluzione in Olanda e Inghilterra), emersi come risultato del processo di rifeudalizzazione, ritorno ai vecchi rapporti sociali (Spagna, Germania, Italia). In Germania regnava l '"assolutismo nano", lo stato era in uno stato di frammentazione. La situazione fu aggravata dalla Guerra dei Trent'anni avvenuta nel XVI secolo. In Francia, c'è stato un graduale movimento verso il capitalismo. La Francia di quell'epoca è una delle principali potenze europee. È considerata un classico per la letteratura dell'epoca. Manifesta più chiaramente le tendenze alla centralizzazione: le differenze regionali scompaiono, il centro si rafforza, si crea un unico sistema legale e culturale - e l'assolutismo (il ruolo esclusivo del potere reale).

Nel XVII secolo appare il concetto di potere. Il potere diventa una forza transpersonale che non può essere controllata. Il filosofo inglese Hobbes ha immaginato lo stato nella forma del mostro Leviatano, che controlla tutto, richiede sottomissione e agisce con metodi duri. C'è una completa unificazione della vita, sottomissione al re. La categoria della maneggevolezza diventa quella dominante nell'epoca. In Europa ci sono rituali che controllano la vita culturale e sociale, viene introdotta l'etichetta. Nell'era di Luigi XIV, l'etichetta era esagerata. Il rigido controllo statale diventa una forza vincolante. Avvengono le rivoluzioni, seguite dalla dittatura e dalla successiva restaurazione della monarchia.

Durante il XVII secolo si stava formando un nuovo ideale religioso. C'è la ricerca di un Dio "personale", il suo approccio alla vita quotidiana. La borghesia presuppone l'iniziativa personale. L'incarnazione di questa ricerca è la Riforma nelle sue manifestazioni estreme (puritanesimo, calvinismo). Il lato rituale viene scartato e rimane la nuda fede. Il postulato di base del protestantesimo è la prova individuale che sei degno della salvezza divina. Il contenuto dell'epoca è anche il movimento di controriforma, che si sta sviluppando soprattutto in Spagna e in Italia. Secondo i controriformatori, Dio è relegato nell'empireo, agisce come una forza cieca e irrazionale. Portatrice di questa fede è la Chiesa, anch'essa relegata nell'empireo. Questa strategia è attuata dall'ordine dei Gesuiti, il cui slogan è “Il fine giustifica i mezzi”.

Il XVII secolo è un punto di svolta, quando i valori umani stanno cambiando catastroficamente. I simboli dell'epoca sono le ricerche infinite, la fiducia nelle categorie irrazionali e la ribellione, il tumulto della propria volontà. L'uomo dell'epoca cerca sostegno nella ricerca. Questo supporto diventa o ragione o sentimento. Verità, bontà e bellezza iniziano a esistere separatamente l'una dall'altra. Di conseguenza, sorgono due tendenze opposte: razionalismo e irrazionalismo, rispettivamente.

Il sintomo più evidente del razionalismo è l'ascesa della scienza. Nella ricerca sull'empirismo si pone il problema del metodo, avvicinando la scienza alla letteratura (René Descartes, Spinoza, Hobbes). Queste ricerche scientifiche trovano la loro continuazione fino al XX secolo.

Il rovescio di queste ricerche è l'irrazionalismo. L'irrazionalismo dubita delle possibilità della conoscenza umana. Cerca di identificare le aree dell'ignoto, per mostrare la diversità e il gioco dei fenomeni. Nell'irrazionalismo spicca la categoria del concetto: la convergenza di categorie diverse, ma misticamente correlate. La metafora si sviluppa dal concetto. La letteratura di quest'epoca è metaforica. La scelta tra verità particolari dipende dalla propria volontà.

Uno degli universali dell'epoca è un senso di crisi, una svolta, una rivalutazione degli ideali del Rinascimento. La letteratura dell'epoca è polemica e propagandistica. L'ideale del Rinascimento è cercare di ripristinarlo o negarlo. C'è anche un rifiuto del principio di armonia. Nel XVII secolo c'è un'installazione sulle categorie dominanti. La dialettica è determinata dall'unità e dalla lotta degli opposti: l'interazione di ragione e sentimenti, personalità e società. L'era barocca è interessata ai processi personali. L'umanesimo sta cambiando - diventa "umanesimo nonostante". Il valore di una persona non è fissato inizialmente, è acquisito. Un'altra caratteristica dell'epoca è l'analitismo, un approccio di ricerca. Viene sviluppato un metodo per smembrare la realtà nei dettagli e nella sua combinazione inaspettata. L'era si impegna per ampi panorami epici. Gli scrittori sottolineano la centralizzazione dell'idea. Grazie alla scoperta dell'idea, c'è un'interazione tra creatività giornalistica e artistica. L'idea stessa in un testo letterario si rivela attraverso il pathos e la logica. La logica organizza la composizione, la connessione delle parti. Uno dei problemi principali dell'epoca è la verità e la credibilità. C'è una ricerca di criteri di verità.
^ Letteratura barocca (descrizione generale).

Scrittori e poeti dell'era barocca percepivano il mondo reale come un'illusione e un sogno. Le descrizioni realistiche erano spesso combinate con la loro rappresentazione allegorica. Sono ampiamente utilizzati simboli, metafore, tecniche teatrali, immagini grafiche (linee di poesia formano un'immagine), saturazione di figure retoriche, antitesi, parallelismi, gradazioni, ossimori. C'è un atteggiamento burlesco-satirico nei confronti della realtà. La letteratura barocca è caratterizzata dal desiderio di diversità, di sommatoria della conoscenza del mondo, inclusività, enciclopedismo, che a volte si trasforma in caos e raccolta di curiosità, il desiderio di studiare l'essere nei suoi contrasti (spirito e carne, oscurità e luce, tempo ed eternità). L'etica barocca è segnata da un desiderio per il simbolismo della notte, il tema della fragilità e dell'impermanenza, il sogno della vita (F. de Quevedo, P. Calderon). La commedia di Calderon "La vita è un sogno" è ben nota. Si stanno sviluppando anche generi come il romanzo galante-eroico (J. de Scudery, M. de Scudery), il romanzo di vita reale e satirico (Furetière, C. Sorel, P. Scarron). Nell'ambito dello stile barocco nascono le sue varietà e direzioni: Marinismo, Gongorismo (Cultranesimo), Concettualismo (Italia, Spagna), Scuola Metafisica ed Eufuismo (Inghilterra) (Vedi Letteratura Precisa).

Le azioni dei romanzi sono spesso trasferite nel mondo immaginario dell'antichità, in Grecia, i cavalieri e le dame di corte sono raffigurati come pastorelle e pastorelle, che si chiama pastorale (Honoré d'Urfe, "Astrea"). La poesia fiorisce la pretenziosità, l'uso di metafore complesse. Forme comuni come sonetto, rondò, concetti (una breve poesia che esprime un pensiero spiritoso), madrigali.

In occidente, nel campo del romanzo, un rappresentante eccezionale è G. Grimmelshausen (il romanzo "Simplicissimus"), nel campo del dramma - P. Calderon (Spagna). V. Voiture (Francia), D. Marino (Italia), Don Luis de Gongora y Argote (Spagna), D. Donne (Inghilterra) divennero famosi nella poesia. In Russia, la letteratura barocca include S. Polotsky, F. Prokopovich. In Francia fiorì in questo periodo la "letteratura preziosa". Veniva poi coltivato principalmente nel salotto di Madame de Rambouillet, uno dei salotti aristocratici di Parigi, il più alla moda e famoso. In Spagna, la tendenza barocca in letteratura era chiamata "gongorismo" dal nome del rappresentante più importante (vedi sopra).
letteratura barocca (caratteristiche generali).

gli universali dell'epoca compaiono nel barocco e nel classicismo. Nella letteratura europea, il classicismo è presentato come una versione semplificata del barocco; nella letteratura russa, il barocco e il classicismo sono considerati movimenti artistici diversi. Ma nel lavoro di uno scrittore, entrambe queste tendenze possono convergere. In Spagna, il barocco occupava una posizione dominante. La sua estetica e poetica sono state sviluppate dai rappresentanti della scuola Lope de Vega. Il classicismo lì si sviluppò solo teoricamente. In Inghilterra nessuno dei metodi era dominante, poiché lì le tradizioni del Rinascimento erano forti. Solo verso la metà del secolo i tratti classicistici si svilupparono nell'arte inglese (teoria di Ben Jonson), ma non attecchirono in questo paese. In Germania si sta sviluppando il barocco di base, i cui generi preferiti sono il dramma sanguinario e il romanzo picaresco. Il classicismo diventa il metodo fondamentale in Francia, ma anche qui compaiono tendenze barocche. Insieme al classico c'è anche la letteratura da salotto, la poesia dei libertini.

Il barocco si realizza non solo nella letteratura. Inizialmente, è stato evidenziato in architettura (le opere del Bernini, le fontane di Versailles). Nella musica, il barocco era rappresentato dalle opere di Bach e Handel, nella pittura da Tiziano e Caravaggio, nella letteratura da Jean-Baptiste Marino e Calderon. Il barocco è strettamente legato al Rinascimento. Yu.B. Wipper parla del Manierismo, il tragico umanesimo del tardo Rinascimento. Questa è un'uscita verso spazi allegorici con conflitti filosofici che dimostrano la fede nell'uomo e la tragedia dell'esistenza umana.

La stessa parola "barocco" non ha una spiegazione esatta. Questo termine si riferisce a una vasta gamma di fenomeni. Il barocco, per definizione, non ha canoni. Il canone è individuale, qui regna la diversità.
Impostazioni della visione del mondo del barocco:
1. Sentire la natura contraddittoria del mondo, la mancanza di forme stabilite, la lotta senza fine. Il compito dell'autore è cogliere la realtà nella sua variabilità.

2. Tono emotivo pessimista. Viene dalla frammentazione, dalla dualità del mondo. Nella letteratura di questa tendenza si trova spesso il motivo del doppio.

3. Motivi principali: la lotta della carne e dello spirito, del visibile e del reale. Uno dei temi preferiti è la lotta tra la vita e la morte. Gli autori barocchi spesso raffigurano una persona nei suoi stati limite (sonno, malattia, follia, una festa durante una pestilenza).

4. Teatralità, gioco, esperimenti di eroi con la vita, atteggiamento riverente nei confronti delle gioie terrene, ammirazione delle piccole cose della vita. Le opere barocche mostrano un caleidoscopio di vita.

5. L'eroe barocco è un individualista completo. Questa è una creatura brillante, ma inizialmente viziosa che ha bisogno di espiare i suoi peccati, o una persona inizialmente gentile, ma sfigurata dalle circostanze della vita. Il secondo tipo di eroe cerca di fuggire dal mondo nella creatività o creando utopie di vita.
L'estetica barocca è esposta nei trattati Wit or the Art of a Quick Mind (Balthasar Grassian) e Aristotle's Spyglass (Emmanuel Tesauro). L'arte dal punto di vista del barocco è creatività soggettiva. Non esprime la verità, ma crea un'illusione, obbedendo alla volontà dell'autore. Il compito dello scrittore è la trasformazione della realtà. Il volo del pensiero deve essere esagerato. Gli autori barocchi sono interessati a tutto ciò che è insolito. Conoscendo l'inedito, il lettore può essere sorpreso. Lo strumento artistico principale è la metafora. La metafora si interseca con l'amplificazione - esagerazione. Lo stesso oggetto viene ruotato da lati diversi.
^ Caratteristiche della letteratura inglese del XVII secolo.

La prima metà del XVII secolo fu segnata in Inghilterra dal fiorire della poesia barocca, rappresentata principalmente dalla scuola dei poeti metafisici. Uno dei poeti più talentuosi di questa direzione, che ha aperto nuovi orizzonti della poesia europea dei tempi moderni, è stato John Donne (1572-1631), il cui lavoro è consigliato agli studenti per conoscere. La rivoluzione borghese inglese (1640-1650) ebbe un'influenza decisiva sullo sviluppo della letteratura inglese nel XVII secolo. Si è svolto sotto slogan religiosi puritani, che hanno determinato le specificità del pensiero artistico dell'epoca.

L'attenzione principale nello studio della letteratura inglese del XVII secolo dovrebbe essere data all'opera di D. Milton (1608-1674). Un eccezionale pubblicista rivoluzionario, Milton riflette nelle sue poesie i conflitti politici più urgenti del nostro tempo. La sua poesia "Paradise Lost" è un tentativo di comprensione socio-filosofica dello sviluppo del mondo e dell'umanità nel suo insieme. Nel mondo artistico del poema, le tendenze barocche e classiciste si combinano organicamente, il che dovrebbe essere notato durante l'analisi.

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Letteratura straniera del XVII secolo

Principali movimenti letterari

Il Seicento è stato interpretato per quasi tutta la metà del Novecento come “l'era del classicismo”. Tutti i fenomeni artistici che emergevano dalla categoria del classicismo erano considerati o come opere artisticamente imperfette (nella critica letteraria straniera, per eccellenza), o come creazioni realistiche, le più importanti nella prospettiva dello sviluppo letterario (nella critica letteraria sovietica). Una peculiare moda barocca nata nella scienza occidentale negli anni 30-40 del XX secolo e sempre più diffusa, compresa la nostra, ha dato vita al fenomeno opposto, quando il XVII secolo si trasformò nell '"era barocca" e il classicismo iniziò ad essere considerata una variante dell'arte barocca in Francia, tanto che negli ultimi tempi lo studio del classicismo richiede forse più impegno e coraggio scientifico dello studio del barocco.

Particolare attenzione dovrebbe essere prestata al problema del "realismo del XVII secolo". Questo concetto era molto popolare a un certo punto dello sviluppo della critica letteraria interna: nonostante la richiesta proclamata a metà degli anni Cinquanta da importanti e autorevoli studiosi di letteratura di non usare il "realismo" come concetto complementare e valutativo, tuttavia, gli esperti hanno visto il sviluppo della letteratura come una sorta di "accumulo" di elementi di realismo, movimenti letterari democratici associati volentieri, letteratura comica e satirica di base, ecc. con tendenze realistiche. Dichiarazioni che nel processo letterario del XVII secolo il realismo partecipa in una forma o nell'altra. Verità artistica, autenticità e persuasività di immagini, motivi, conflitti, ecc. sono stati raggiunti e incarnati secondo leggi estetiche diverse da quelle che sarebbero nel realismo, un fenomeno della letteratura del diciannovesimo secolo.

Boroque e classicismo

Nella scienza moderna, è ormai praticamente universalmente riconosciuto che le principali tendenze letterarie del XVII secolo furono il barocco e il classicismo. Il loro sviluppo è stato contraddittorio e irregolare, tra le poetiche di queste tendenze c'erano somiglianze e differenze, influenze reciproche e polemiche. Il barocco e il classicismo si diffusero in varia misura nelle diverse regioni e in diverse fasi all'interno di quell'epoca storica e letteraria.

Prima di tutto, soffermiamoci sui punti chiave nello studio della letteratura barocca. È necessario comprendere la complessa etimologia del termine "barocco": gli scienziati ne hanno discusso dall'inizio degli anni '30 alla metà degli anni '50 del nostro secolo. Va anche ricordato che gli scrittori a cui la scienza odierna fa riferimento al movimento barocco non conoscevano questo termine (quanto meno letterario) e non si definivano scrittori barocchi. La stessa parola "barocco" come termine nella storia dell'arte iniziò ad essere applicata a una certa gamma di fenomeni artistici del XVII secolo solo nel successivo XVIII secolo e con una connotazione negativa. Quindi, nell '"Enciclopedia" degli illuministi francesi, la parola "barocco" è usata con i significati "strano, bizzarro, insapore". È difficile trovare un'unica fonte linguistica per questo termine, perché la parola è stata usata, con sfumature di significato, in italiano, in portoghese e in spagnolo. Va sottolineato che, sebbene l'etimologia non esaurisca il significato moderno di questo concetto letterario, ci consente di cogliere alcune caratteristiche della poetica barocca (stranezze, insolitezze, ambiguità), correla con esso, dimostra che la nascita della terminologia nella storia della letteratura, sebbene accidentale, non è del tutto arbitraria, ha una certa logica.

Il design del barocco come concetto terminologico non significa che oggi non ci siano punti discutibili nella sua interpretazione. Spesso questo termine riceve interpretazioni opposte da parte degli storici della cultura. Quindi, una certa parte dei ricercatori inserisce un contenuto molto ampio nel concetto di "barocco", vedendo in esso una certa fase ripetitiva nello sviluppo dello stile artistico - la fase della sua crisi, "malattia", che porta a una sorta di fallimento del gusto. Il noto scienziato G. Wölfflin, ad esempio, contrappone l'arte "sana" del Rinascimento all'arte "malata" del Barocco. E. Ors distingue il cosiddetto barocco ellenistico, medievale, romanico, ecc. In contrasto con questa interpretazione, la maggior parte degli studiosi preferisce una specifica comprensione storica del termine "barocco". È questa interpretazione dell'arte barocca che è diventata più diffusa nella critica letteraria russa. Ma anche tra i nostri scienziati ci sono differenze nell'analisi della poetica barocca, discussioni su alcuni aspetti della sua teoria.

Devi sapere che per molto tempo l'interpretazione del barocco nel nostro paese è stata influenzata dal suo volgare concetto sociologico, schiettamente ideologico. Fino ad ora, nella letteratura si possono trovare affermazioni secondo cui l'arte del barocco è l'arte della Controriforma, che fiorì principalmente dove i circoli nobili prevalevano sulla borghesia, che esprime le aspirazioni estetiche della nobiltà di corte, ecc. . Dietro c'è la credenza nello stile “reazionario” del barocco: se gli scrittori di questa tendenza sono apprezzati per la raffinatezza formale dello stile, non possono perdonare loro la loro “inferiorità ideologica”. Questo, a quanto pare, è il significato della famigerata definizione di barocco nel manuale di S.D. Artamonova: "Il barocco è un bambino malaticcio, nato da un padre strano e una madre bellissima". Pertanto, per una comprensione veramente profonda e corretta delle caratteristiche della letteratura barocca, non sono particolarmente necessari libri di testo obsoleti, ma nuove ricerche scientifiche.

Proviamo a caratterizzare brevemente i principali parametri della poetica barocca, come appaiono in questi studi, prima di raccomandare la corrispondente letteratura aggiuntiva.

L'importanza che gli scienziati, compresi quelli russi, attribuiscono allo stato attuale alla cultura e alla letteratura del barocco, a volte porta ad affermare che il barocco "non è affatto uno stile e non una direzione". Questo tipo di affermazione sembra essere un estremo polemico. Il barocco, ovviamente, è sia uno stile artistico che un movimento letterario. Ma è anche un tipo di cultura, che non annulla, ma include i significati precedenti di questo termine. Va detto che il pathos generale dell'articolo di A.V. Mikhailov è molto importante, poiché il barocco è molto spesso percepito come uno stile nel senso stretto del termine, ad es. come somma di dispositivi estetici formali.

L'atteggiamento dell'uomo barocco nei confronti del mondo, il barocco come sistema artistico è ancora studiato, a quanto pare, un po' meno e peggio. Come ha osservato il noto specialista barocco svizzero J. Rousset, "l'idea del barocco è una di quelle che ci sfuggono, più la esamini da vicino, meno la padroneggi". È molto importante capire come si pensa l'obiettivo e il meccanismo della creazione artistica nel barocco, qual è la sua poetica, come si correla con la nuova visione del mondo, la cattura. Certo, AV ha ragione. Mikhailov, che sottolinea che il barocco è la cultura della "parola pronta", cioè. una cultura retorica che non ha uno sbocco diretto alla realtà. Ma proprio questa idea del mondo e dell'uomo, passata attraverso la “parola preconfezionata”, fa sentire il profondo cambiamento storico-sociale avvenuto nella mente di una persona del XVII secolo, riflesso della crisi del la visione del mondo rinascimentale. È necessario tracciare la correlazione tra Manierismo e Barocco sulla base di questa crisi, che rende il Manierismo ancora parte del processo letterario della letteratura del tardo Rinascimento, e il Barocco va oltre, includendo il XVII secolo in una nuova fase letteraria. Osservazioni che permettono di percepire la differenza tra Manierismo e Barocco sono nell'ottimo articolo di L.I. Tanaeva "Alcuni concetti del manierismo e lo studio dell'arte dell'Europa orientale alla fine del XVI e XVII secolo".

La base filosofica della visione del mondo barocca è la nozione della struttura antinomica del mondo e dell'uomo. È possibile confrontare alcuni aspetti costruttivi della visione barocca (l'opposizione del corporeo e dello spirituale, dell'alto e del basso, del tragico e del comico) con la percezione dualistica medievale della realtà. Sottolineiamo, tuttavia, che le tradizioni della letteratura medievale sono incluse nella letteratura barocca in una forma alterata e correlata a una nuova comprensione delle leggi dell'essere.

Innanzitutto, le antinomie barocche sono espressione del desiderio di padroneggiare artisticamente le dinamiche contraddittorie della realtà, di trasmettere a parole il caos e la disarmonia dell'esistenza umana. La stessa allibratezza del mondo dell'arte barocca deriva dalle idee ereditate dal Medioevo sull'Universo come libro. Ma per una persona barocca, questo libro è disegnato come un'enorme enciclopedia dell'essere, e quindi anche le opere letterarie del barocco si sforzano di essere enciclopedie, di disegnare il mondo nella sua interezza e scomponibilità in elementi separati: parole, concetti. Nelle creazioni barocche si possono trovare entrambe le tradizioni dello stoicismo e dell'epicureismo, ma questi opposti non solo combattono, ma convergono anche in un comune senso pessimistico della vita. La letteratura barocca esprime un senso di impermanenza, variabilità e natura illusoria della vita. Attualizzando la tesi "la vita è un sogno" già nota nel Medioevo, il Barocco richiama l'attenzione principalmente sulla fragilità dei confini tra sonno" e "vita", sul costante dubbio di una persona se si trova in uno stato di sonno o da sveglio, ai contrasti o ai bizzarri accostamenti tra volto e maschera, "essere" e "sembrare".

Il tema dell'illusione, della parvenza, è uno dei più popolari nella letteratura barocca, ricreando spesso il mondo come un teatro. Va chiarito che la teatralità del barocco si manifesta non solo nella percezione drammatica degli alti e bassi della vita esteriore di una persona e dei suoi conflitti interni, non solo nel confronto antinomico tra le categorie del volto e della maschera, ma in un predilezione per una sorta di stile artistico dimostrativo, decoratività e splendore dei mezzi visivi, la loro esagerazione. Ecco perché il barocco a volte è giustamente chiamato l'arte dell'iperbole, parlano del predominio nella poetica barocca del principio dello spreco di mezzi artistici. Si dovrebbe prestare attenzione alla natura polisemantica del mondo e della lingua, all'interpretazione multivariata di immagini, motivi, parole nella letteratura barocca. D'altra parte, non bisogna perdere di vista il fatto che il barocco combina ed esprime l'emotivo e il razionale nella poetica delle sue opere, ha una certa "stravaganza razionale" (S.S. Averintsev). La letteratura barocca non solo non è estranea, ma organicamente inerente al profondo didatticismo, ma quest'arte cercava, soprattutto, di emozionare e sorprendere. Ecco perché è possibile trovare tra le opere letterarie del barocco quelle in cui le funzioni didattiche non sono espresse in modo diretto, il che è notevolmente facilitato dal rifiuto della linearità nella composizione, dallo sviluppo del conflitto artistico (è così specifico sorgono labirinti barocchi spaziali e psicologici), un complesso sistema ramificato di immagini e la natura metaforica del linguaggio.

Sulle specificità del metaforismo nel barocco, troviamo importanti osservazioni in Yu.M. Lotman: "... qui ci troviamo di fronte al fatto che i tropi (i confini che separano un tipo di tropi dagli altri acquisiscono un carattere eccezionalmente traballante nei testi barocchi) non sono una sostituzione esterna di alcuni elementi del piano espressivo con altri, ma un modo per formare una struttura speciale di coscienza ". La metafora nel barocco non è quindi solo un mezzo per abbellire la narrazione, ma un particolare punto di vista artistico.

È inoltre necessario apprendere le caratteristiche del sistema di genere barocco. I generi più caratteristici che si sviluppano in linea con questa tendenza letteraria sono la poesia pastorale, i drammatici pastorali e il romanzo pastorale, i testi filosofici e didattici, la poesia satirica, burlesca, il romanzo comico, la tragicommedia. Ma un'attenzione particolare dovrebbe essere prestata a un genere come l'emblema: incarnava le caratteristiche più importanti della poetica barocca, il suo allegorismo ed enciclopedismo, una combinazione di visivo e verbale.

Indubbiamente, bisogna essere consapevoli delle principali correnti ideologiche e artistiche all'interno del movimento barocco, ma è necessario mettere in guardia contro una ristretta interpretazione sociologica di queste correnti. Pertanto, la divisione della letteratura barocca in "alta" e "bassa", sebbene sia correlata ai concetti di barocco "aristocratico" e "democratico", non si riduce a loro: dopotutto, il più delle volte l'appello alla poetica di l'ala “alta” o “dal basso” del barocco non è dettata dalla posizione sociale dello scrittore o dalle sue simpatie politiche, ma è una scelta estetica, spesso guidata dalla tradizione del genere, dalla gerarchia stabilita dei generi, e talvolta consapevolmente contrastata a questa tradizione. Si può facilmente vedere analizzando l'opera di molti scrittori barocchi che a volte creavano opere sia di "alto" che di "basso" quasi contemporaneamente, ricorrevano volentieri a contaminazioni di trame "laico-aristocratiche" e "democratiche", introdotte nel sublime Versione barocca dell'artistico mondo del burlesque, personaggi ridotti, e viceversa. Quindi quei ricercatori che ritengono che nel barocco "l'elitario e il plebeo costituiscano facce diverse dello stesso insieme" hanno assolutamente ragione. All'interno della direzione barocca, come puoi vedere, c'è una divisione ancora più frazionata. Bisogna avere un'idea delle caratteristiche di fenomeni come il cultismo e il concettualismo in Spagna, il marinismo in Italia, la letteratura libertina in Francia e la poesia dei metafisici inglesi. Particolare attenzione dovrebbe essere prestata al concetto di "precisione" applicato ai fenomeni del barocco in Francia, che viene interpretato in modo errato sia nei nostri libri di testo che nelle opere scientifiche. Tradizionalmente, la "precisione" è intesa dagli esperti domestici come sinonimo della letteratura del barocco "aristocratico". Nel frattempo, i moderni studi occidentali su questo fenomeno non solo chiariscono le sue radici socio-storiche (la precisione non sorge nell'ambiente aristocratico di corte, ma principalmente nell'ambiente urbano, borghese-nobile), il quadro cronologico - la metà degli anni '40 - '50 XVII secolo (così, ad esempio, il romanzo di Jurfe "Astrea" (1607-1627) non può essere considerato così preciso), ma rivelano anche la sua specificità artistica come una speciale creatività di tipo classicista-barocca, basata sulla contaminazione dei principi estetici di entrambe le direzioni.

Va anche ricordato l'evoluzione del barocco nel corso del XVII secolo, il suo movimento relativo dalla "materialità" dello stile ereditato dal Rinascimento, il pittoresco e il colorito dei dettagli empirici al rafforzamento della generalizzazione filosofica, delle immagini simboliche e allegoriche , intellettualità e raffinato psicologismo (cfr., ad esempio, barocco i romanzi picareschi del primo Seicento in Spagna con il romanzo filosofico spagnolo di metà secolo, o la prosa di C. Sorel e Pascal in Francia, o gli scritti poetici di le prime Donne con la poesia di Milton in Inghilterra, ecc.). È anche importante sentire la differenza tra le varianti nazionali del barocco: il suo tumulto speciale, la tensione drammatica in Spagna, un grado significativo di analiticità intellettuale che unisce barocco e classicismo in Francia, ecc.

È necessario considerare ulteriori prospettive per lo sviluppo delle tradizioni barocche nella letteratura. Di particolare interesse sotto questo aspetto è il problema del rapporto tra barocco e romanticismo. Gli articoli elencati nell'elenco dei riferimenti aiuteranno a familiarizzare con il livello moderno di risoluzione di questo problema. Rilevante è anche il problema dello studio delle tradizioni del Barocco nel XX secolo: chi è interessato alla moderna letteratura straniera può facilmente trovare tra le sue opere quelle la cui poetica riecheggia chiaramente il Barocco (questo vale, ad esempio, per il romanzo latinoamericano del cosiddetto “realismo magico”, ecc.).

Iniziando a studiare un'altra importante tendenza letteraria nella letteratura straniera del XVII secolo - il classicismo, si può seguire la stessa sequenza di analisi, a partire dal chiarire l'etimologia del termine "classico", che è più chiara dell'etimologia di "barocco", come se cattura l'inclinazione del classicismo stesso alla chiarezza e alla logica. Come nel caso del Barocco, il "classicismo" come definizione dell'arte del Seicento, incentrata su una sorta di competizione con gli "antichi", antichi scrittori, contiene nel suo significato originario alcuni tratti della poetica classica, ma non non spiegarli tutti. E proprio come gli scrittori del barocco, i classicisti del XVII secolo non si definivano tali, iniziarono a essere definiti con questa parola nell'Ottocento, nell'era del romanticismo.

Quasi fino alla metà del XX secolo, il XVII secolo è stato considerato dagli storici della letteratura "l'epoca del classicismo". Ciò era dovuto non solo alla sottovalutazione delle conquiste artistiche del barocco o, al contrario, alla sopravvalutazione del classicismo (poiché per alcuni paesi i classicisti sono anche i classici della letteratura nazionale, questa tendenza è “difficile da sopravvalutare”) , ma soprattutto con il significato oggettivo di quest'arte nel XVII secolo, con il fatto, in particolare, che le riflessioni teoriche sulla creatività artistica erano prevalentemente classiche in questo periodo. Lo si può vedere facendo riferimento all'antologia "Manifesti letterari dei classicisti dell'Europa occidentale" (M., 1980). Sebbene nel Seicento vi fossero teorici del barocco, le loro concezioni tendevano spesso a contaminare principi barocchi e classici, comprendevano una buona dose di analiticità razionalista e talvolta anche di normatività (come la teoria del romanzo dello scrittore francese M. de Scuderi), che cercato di creare le “regole” di questo genere).

Il classicismo non è solo uno stile o una tendenza, ma, come il barocco, un sistema artistico più potente che iniziò a prendere forma nel Rinascimento. Quando si studia il classicismo, è necessario rintracciare come le tradizioni del classicismo rinascimentale si rifrangono nella letteratura classica del XVII secolo, prestare attenzione a come l'antichità si trasformi da oggetto di imitazione e ricreazione esatta, "revival", in un esempio di la corretta osservanza delle leggi eterne dell'arte e oggetto di competizione. È estremamente importante ricordare che il classicismo e il barocco sono stati generati dallo stesso tempo, contraddittorio, ma un'unica visione del mondo. Tuttavia, le circostanze socioculturali specifiche dello sviluppo di un determinato paese hanno spesso portato a gradi molto diversi della sua prevalenza in Francia e, ad esempio, in Spagna, Inghilterra e Germania, ecc. A volte in letteratura ci si può imbattere nell'affermazione che il classicismo è una sorta di arte "di stato", poiché la sua massima fioritura è associata a paesi e periodi caratterizzati da un aumento della stabilizzazione del potere monarchico centralizzato. Tuttavia, non bisogna confondere l'ordine, la disciplina del pensiero e dello stile, la gerarchia come principi estetici con la gerarchia, la disciplina, ecc. Come principi di rigida statualità, e ancor di più, vedere nel classicismo una sorta di arte semi-ufficiale. È molto importante sentire il dramma interiore della visione classicista della realtà, che non viene eliminata, ma, forse, addirittura esaltata dalla disciplina delle sue manifestazioni esterne. Il classicismo, per così dire, cerca di superare artisticamente la contraddizione che l'arte barocca cattura in modo stravagante, di superarla attraverso una rigorosa selezione, ordinamento, classificazione di immagini, temi, motivi, tutto il materiale della realtà.

Puoi anche trovare affermazioni secondo cui la base filosofica del classicismo era la filosofia di Cartesio. Tuttavia, vorrei mettere in guardia contro la riduzione del classicismo a Cartesio, così come Cartesio al classicismo: ricordiamo che le tendenze classiciste iniziarono a prendere forma nella letteratura prima di Cartesio, nel Rinascimento, e Cartesio, da parte sua, generalizzò molto che aleggiava nell'aria, sistematizzava e sintetizzava la tradizione razionalista del passato. Allo stesso tempo, meritano attenzione gli indubbi principi "cartesiani" nella poetica del classicismo ("separazione delle difficoltà" nel processo di ricostruzione artistica di complessi fenomeni della realtà, ecc.). Questa è una delle manifestazioni dell '"intenzionalità" estetica generale (J. Mukarzhovsky) dell'arte classica.

Conoscendo le più importanti teorie dei classicisti europei, si può rintracciare la logica fondatezza da parte loro dei principi del primato del progetto sull'implementazione, della creatività razionale “corretta” sull'ispirazione capricciosa. È molto importante prestare particolare attenzione all'interpretazione nel classicismo del principio dell'imitazione della natura: la natura appare come una creazione bella ed eterna, costruita "secondo le leggi della matematica" (Galileo).

Uno specifico principio di verosimiglianza gioca un ruolo significativo nel classicismo. Si noti che questo concetto è lontano dall'uso quotidiano comune di questa parola, non è affatto sinonimo di "verità" o "realtà". Come scrive un famoso studioso moderno, "la cultura classica ha vissuto per secoli con l'idea che la realtà non potesse in alcun modo essere mescolata con la plausibilità". La plausibilità nel classicismo implica, oltre alla persuasività etica e psicologica di immagini e situazioni, decenza ed edificazione, l'attuazione del principio di "insegnare, intrattenere".

La caratterizzazione del classicismo, quindi, non può ridursi all'enumerazione delle regole delle tre unità, ma nemmeno queste regole possono essere ignorate. Per i classicisti sono, per così dire, un caso speciale di applicazione delle leggi universali dell'arte, un modo per mantenere la libertà della creatività entro i confini della ragione. È necessario rendersi conto dell'importanza della semplicità, della chiarezza, della sequenza logica della composizione come importanti categorie estetiche. I classicisti, a differenza degli artisti barocchi, rifiutano dettagli artistici, immagini, parole "superflui", aderiscono all '"economia" dei mezzi espressivi.

È necessario sapere come è stato costruito il sistema gerarchico dei generi nel classicismo, basato sull'allevamento coerente di fenomeni "alti" e "bassi", "tragici" e "comici" della realtà secondo diverse formazioni di genere. Allo stesso tempo, è necessario prestare attenzione al fatto che la teoria del genere del classicismo e la pratica non coincidono completamente: dando la preferenza nel ragionamento teorico ai generi "alti" - tragedia, epica, i classicisti si sono cimentati nel "basso" " generi - satira, commedia e persino nei generi non canonici, che escono dalla gerarchia classicista (come il romanzo: vedi sotto sul romanzo classico di M. de Lafayette).

I classicisti giudicavano le opere d'arte in base a quelle che consideravano le leggi "eterne" dell'arte, e leggi non secondo il costume, l'autorità, la tradizione, ma secondo un ragionevole giudizio. Pertanto, va notato che i classicisti pensano alla loro teoria come un'analisi delle leggi dell'arte in generale, e non la creazione di un programma estetico separato di una scuola o di una direzione. Il ragionamento dei classicisti sul gusto non significa gusto individuale, non la capricciosità della preferenza estetica, ma "buon gusto" come norma collettiva ragionevole di "persone ben educate". Tuttavia, in realtà, si è scoperto che i giudizi specifici dei classicisti su alcune questioni di creatività artistica, le valutazioni di opere specifiche, divergono in modo abbastanza significativo, il che ha portato sia alle polemiche all'interno del classicismo sia alla reale differenza tra le versioni nazionali della letteratura classica . È necessario comprendere i modelli storici, sociali e culturali dello sviluppo delle tendenze letterarie del XVII secolo, capire perché in Spagna, ad esempio, prevalse l'arte barocca e in Francia il classicismo, perché i ricercatori parlano di "classicismo barocco " di M. Opitz in Germania, su una sorta di armonia o equilibrio di principi barocchi e classici nell'opera di Milton in Inghilterra, ecc. È importante sentire che la vita reale delle tendenze letterarie di quell'epoca non era schematica, che non si sostituivano successivamente, ma si intrecciavano, combattendo e interagendo, entrando in relazioni diverse.

poetica letteraria del classicismo barocco

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trascrizione

1 Annotazione La pubblicazione, destinata agli studenti di filologia e scritta sotto forma di lezioni frontali, descrive le condizioni per la formazione della letteratura europea nei secoli XVII e XVIII, analizza l'opera di scrittori di spicco, le cui opere riflettevano i tratti caratteristici della cultura artistica sistemi di quel tempo: realismo rinascimentale, barocco, classicismo, classicismo illuminista, realismo illuminista, sentimentalismo. Dopo ogni argomento, viene offerto un elenco di riferimenti, che facilita notevolmente l'orientamento degli studenti all'interno di questo corso.

2 Veraksich I.Yu. Storia della letteratura straniera dei secoli XVII-XVIII Corso di lezioni frontali

3 Premessa Il corso "Storia della letteratura straniera dei secoli XVII-XVIII" è parte integrante del corso universitario "Storia della letteratura straniera". Il manuale, scritto sotto forma di lezioni frontali, ha lo scopo di aiutare gli studenti a padroneggiare materiale difficile ma interessante, per prepararli alla percezione della letteratura dei secoli XVII-XVIII. Tutto il materiale è organizzato in modo tale che, di conseguenza, gli studenti abbiano una visione olistica delle peculiarità del processo letterario dei secoli XVII-XVIII. La letteratura straniera del XVII secolo è stata a lungo considerata un fenomeno che precede l'Illuminismo. Tuttavia, gli studi degli ultimi decenni hanno dimostrato che ha le sue caratteristiche distintive, compreso lo stile. Fu il XVII secolo a determinare a lungo lo sviluppo dei principali sistemi artistici dell'epoca: classicismo, barocco, realismo rinascimentale. Gli illuministi si sono basati in gran parte sull'esperienza dei loro predecessori nello sviluppo di concetti epici (onore, ragione, rapporto tra onore e dovere, ecc.). I sistemi artistici del XVIII secolo (classicismo illuminista, realismo illuminista, sentimentalismo) sono considerati in dettaglio. Il materiale teorico complesso è completato da un'analisi delle opere dei rappresentanti più importanti di un particolare sistema artistico. Ciò tiene conto dei concetti ben noti dei critici letterari, presentati in libri di testo, libri di testo sulla storia della letteratura e pubblicazioni di riferimento, che facilitano notevolmente l'orientamento degli studenti all'interno di questo corso. Il numero di ore previste dal curriculum per lo studio del corso "Storia della letteratura straniera dei secoli XVII-XVIII", purtroppo, è esiguo, pertanto questo manuale fornisce un sistema di conoscenze di base necessarie agli studenti. Dopo ogni argomento, agli studenti viene offerto un elenco di riferimenti, il cui studio consentirà loro di riassumere le conoscenze acquisite durante le lezioni, nonché durante il lavoro indipendente sull'argomento.

4 Contenuti Lezione 1. Caratteristiche generali del processo letterario del Seicento. Il lavoro di Lope de Vega. Lezione 2. La letteratura barocca spagnola del XVII secolo. Lezione 3. Letteratura tedesca del XVII secolo. Lezione 4. Il classicismo francese (Cornel, Racine, Molière). Conferenza 5. L'età dell'illuminismo. Caratteristiche generali dell'Illuminismo inglese. Conferenza 6. Illuminismo inglese. D. Swift. R. Burns. Conferenza 7. Illuminismo tedesco. Il programma estetico di Lessing. Conferenza 8. L'opera di Goethe. Conferenza 9. Illuminismo francese. Voltaire. J.-J. Rousseau. Conferenza 10. Creatività di Beaumarchais.

5 Lezione 1 Caratteristiche generali del processo letterario del XVII secolo. Creatività Piano Lope de Vega 1. Caratteristiche dello sviluppo del processo letterario del XVII secolo. 2. Principali tendenze letterarie del XVII secolo: a) classicismo; b) barocco; c) Realismo rinascimentale. 3. Creatività di Lope de Vega: a) una breve panoramica della vita e del percorso creativo del drammaturgo; b) l'originalità ideologica e artistica del dramma "Fuente Ovehuna"; c) l'originalità ideologica e artistica del dramma "La stella di Siviglia". 1. Peculiarità dello sviluppo del processo letterario del XVII secolo Le epoche letterarie sono difficili da inserire nel rigido quadro del calendario. Parlando della letteratura del XVIII secolo, abbiamo in mente, prima di tutto, l'età dell'illuminazione. Esiste un contenuto ideologico ed estetico simile nel concetto di "letteratura straniera del XVII secolo"? Non c'è consenso su questo tema sia nella scienza domestica che all'estero. Molti studiosi di letteratura rispondono negativamente a questa domanda e avanzano molti argomenti che suonano molto convincenti. Chiunque si rivolga allo studio di quest'epoca è colpito innanzitutto dalla varietà dei processi economici, sociali, politici e culturali che hanno avuto luogo in quel momento nei diversi paesi d'Europa. Nell'economia dell'Inghilterra e dei Paesi Bassi, i rapporti borghesi nel XVII secolo divennero predominanti; in Francia l'ordine capitalista trionfò nell'industria, nel commercio e nelle banche, ma nell'agricoltura il sistema feudale era ancora abbastanza forte; in Spagna, Italia, Germania i rapporti borghesi erano appena visibili, assumendo la forma dell'usura. Altrettanto evidenti sono i contrasti nella correlazione delle forze sociali. All'inizio del XVII secolo finì la rivoluzione borghese nei Paesi Bassi, che si fuse con la lotta di liberazione nazionale contro il dominio spagnolo e portò all'emergere dello stato borghese dell'Olanda. C'è stata una rivoluzione borghese in Inghilterra. Tuttavia, in Italia, Spagna e Germania, le forze feudali stanno cercando di consolidare il loro potere.

6 Quadro non meno variegato della vita politica dell'Europa occidentale. Nel XVII secolo l'assolutismo era la forma di stato dominante. Non è un caso che il secolo in esame sia chiamato il secolo dell'assolutismo. Tuttavia, le forme del sistema assolutista erano diverse nei paesi europei. Il XVII secolo è l'era delle continue guerre in Europa, delle continue conquiste coloniali nel Nuovo Mondo, in Asia e in Africa. Allo stesso tempo, i vecchi paesi coloniali di Spagna e Portogallo vengono gradualmente messi in secondo piano dai giovani stati di Olanda e Inghilterra. Con una tale diversità di relazioni economiche, politiche e sociali nei paesi europei, sembrerebbe impossibile parlare di unità della cultura dell'Europa occidentale nel XVII secolo. Eppure faremo riferimento al punto di vista di S.D. Artamonova, Z.T. Civile, che considera quest'epoca come una fase indipendente nella storia della letteratura straniera, poiché attraverso la varietà di forme specifiche di sviluppo storico e culturale dei singoli paesi, sono visibili le caratteristiche della comunità tipologica dei processi sociali, politici e culturali di quest'epoca . Quindi, il XVII secolo è un periodo indipendente nell'era di transizione dal feudalesimo al capitalismo, che si trova tra il Rinascimento e l'Illuminismo. Questo è un periodo storico denso di eventi, segnato da una lotta di classe estremamente intensa e caratterizzato da una crescente esplorazione della natura. Entrano nell'arena politica due gruppi: l'Unione protestante (Francia, Olanda, Inghilterra, Danimarca, Svezia fondata nel 1607) e la Lega cattolica (Austria, Spagna, Vaticano fondata nel 1609). La rivalità tra questi due schieramenti politici portò alla Guerra dei 30 anni, l'evento chiave del XVII secolo. La guerra iniziò nel 1618 e fu caratterizzata da una lotta tra il primo ordine borghese, stabilito nei Paesi Bassi a seguito del movimento di liberazione, e una speciale forma reazionaria del tardo sistema feudale. D'altra parte, è sorto un conflitto armato tra paesi feudali con diversi livelli di sviluppo. La guerra si concluse con la conclusione della pace di Vestfalia nel 1648, il definitivo riconoscimento degli Stati Generali (Paesi Bassi) e la rivoluzione borghese inglese del 1649. È così che sono sorti i primi stati-nazione borghesi e il dominio della Spagna reazionaria è stato infranto. Vediamo quindi che la cosa principale che caratterizza la storia dell'Europa nel XVII secolo è la transizione, la crisi dell'epoca. Le fondamenta secolari si stanno sgretolando; l'ordine feudale conserva ancora il suo predominio, ma nel profondo del feudalesimo si rivelano le contraddizioni più acute, che fanno presagire il crollo del vecchio sistema.

7 L'inizio di questo periodo fu posto dall'era precedente. La visione del mondo rinascimentale viene sostituita da una nuova. Anche i cambiamenti nel campo della scienza hanno contribuito alla sua formazione. In Europa compaiono le prime comunità e accademie scientifiche, inizia la pubblicazione di riviste scientifiche. La scienza scolastica del Medioevo cede il passo al metodo sperimentale. La matematica divenne il principale campo della scienza nel XVII secolo. In queste condizioni storiche, oltre che sotto l'influenza della tradizione rinascimentale che in parte continuò, si svilupparono concetti di comprensione della realtà, basati su visioni opposte del mondo e dello scopo dell'uomo. Questi processi non potevano che riflettersi nella sfera della creatività letteraria e nello sviluppo del pensiero filosofico dell'epoca. Se gli scrittori, da un lato, propugnavano la liberazione dell'individuo, dall'altro osservavano un graduale ritorno al vecchio ordine sociale, che, in luogo della precedente sottomissione personale, instaurava una nuova forma di dipendenza umana da un base materiale e ideologica. Questo nuovo ha dato origine alla fede nel destino. Una novità nel concetto di uomo, proposto dalla letteratura di questo periodo, era la comprensione della responsabilità delle sue azioni e azioni, indipendentemente dai rapporti politici e religiosi con cui era incatenato. La questione del rapporto dell'uomo con Dio occupava un posto decisivo nel pensiero del XVII secolo. Dio rappresentava l'ordine supremo, l'armonia, che veniva presa a modello per la caotica struttura terrena. La partecipazione a Dio avrebbe dovuto aiutare una persona a resistere alle prove della vita. 2. Principali tendenze letterarie del XVII secolo L'aggravamento della lotta politica e ideologica si rifletteva nella formazione e nel confronto dei due sistemi artistici del barocco e del classicismo. Di solito, caratterizzando questi sistemi, si concentra sulle loro differenze. La loro dissomiglianza è indiscutibile, ma non c'è dubbio che questi due sistemi abbiano caratteristiche tipologicamente comuni: 1) i sistemi artistici sorsero come consapevolezza della crisi degli ideali rinascimentali; 2) i rappresentanti del barocco e del classicismo rifiutarono l'idea di armonia alla base del concetto umanistico rinascimentale: invece dell'armonia tra uomo e società, l'arte del XVII secolo rivela una complessa interazione tra l'individuo e l'ambiente; invece dell'armonia tra ragione e sentimento, viene proposta l'idea di subordinare le passioni alla ragione.

8 A. Classicismo Il classicismo del XVII secolo divenne una sorta di riflesso dell'umanesimo post-rinascimentale. I classicisti sono caratterizzati dal desiderio di esplorare la personalità nelle sue connessioni con il mondo. Il classicismo come sistema artistico combina un orientamento verso l'antichità con una profonda penetrazione nel mondo interiore dei personaggi. La lotta tra sentimento e dovere è il principale conflitto del classicismo. Attraverso il suo prisma, gli scrittori hanno cercato di risolvere molte delle contraddizioni della realtà. Classicismo dal lat. classicus di prima classe, esemplare nato in Italia nel XVI secolo negli ambienti universitari come pratica di imitazione dell'antichità. Gli studiosi umanisti cercarono di opporre al mondo feudale l'alta ottimistica arte degli antichi. Hanno cercato di far rivivere l'antico dramma, hanno cercato di derivare dalle opere di antichi maestri le regole generali sulla base delle quali sarebbero state costruite le antiche commedie greche. In effetti, la letteratura antica non aveva regole, ma gli umanisti non capivano che l'arte di un'epoca non poteva essere "trapiantata" in un'altra. Dopotutto, qualsiasi lavoro nasce non sulla base di determinate regole, ma sulla base di specifiche condizioni di sviluppo sociale. Nella Francia del XVII secolo il classicismo non solo si sviluppa rapidamente, trova nella filosofia la sua giustificazione metodologica, ma diventa anche, per la prima volta nella storia, un movimento letterario ufficiale. Ciò è stato facilitato dalla politica della corte francese. L'assolutismo francese (una forma transitoria dello stato, quando l'aristocrazia indebolita e la borghesia, che non si è ancora rafforzata, sono ugualmente interessate al potere illimitato del re) ha cercato di ristabilire l'ordine in tutti gli ambiti della vita, per stabilire i principi della disciplina civile. Il classicismo, con il suo rigido sistema di regole, era conveniente per l'assolutismo. Ha permesso al potere reale di interferire nella sfera artistica della vita pubblica, per controllare il processo creativo. Fu per tale controllo che negli anni '40 del XVII secolo fu creata la famosa Académie de Reshelie. La filosofia di René Descartes (), che sosteneva che l'uomo, e non Dio, è la misura di tutte le cose, si oppose per molti aspetti alla reazione cattolica di quel tempo. Invece di affermare l'ascetismo e l'obbedienza, Descartes proclama "Cogito, ergo sum" "Penso, quindi sono". L'annuncio della ragione umana aveva un carattere oggettivamente anticlericale. Questo è ciò che ha attratto i teorici dell'estetica del classicismo negli insegnamenti del pensatore francese. La filosofia del razionalismo ha predeterminato la natura delle idee dei classicisti sull'ideale e sull'eroe positivo. I classicisti vedevano l'obiettivo dell'arte nella conoscenza della verità, che fungeva da ideale di bellezza. Propongono un metodo per raggiungerlo, basato su tre loro categorie centrali

9 estetica: ragione, modello, gusto. Tutte queste categorie erano considerate criteri oggettivi di abilità artistica. Dal punto di vista dei classicisti, le grandi opere non sono il frutto del talento, non dell'ispirazione, non della fantasia artistica, ma seguendo ostinatamente i dettami della ragione, studiando le opere classiche dell'antichità e conoscendo le regole del gusto. I classicisti credevano che solo quella persona che può subordinare i suoi sentimenti e le sue passioni alla ragione fosse un degno esempio. Ecco perché una persona capace di sacrificare i propri sentimenti per amore della ragione è sempre stata considerata un eroe positivo della letteratura classica. Così, secondo loro, è Sid, il personaggio dell'omonima commedia di Corneille. La filosofia razionalista ha anche predeterminato il contenuto del sistema artistico del classicismo, che si basa sul metodo artistico come sistema di principi attraverso i quali avviene lo sviluppo artistico della realtà in tutta la sua diversità. Appare il principio di gerarchia (cioè di subordinazione) dei generi, affermando la loro disuguaglianza. Questo principio era in buon accordo con l'ideologia dell'assolutismo, che paragonava la società a una piramide, in cima alla quale sta il re, così come con la filosofia del razionalismo, che richiedeva chiarezza, semplicità e un approccio sistematico a qualsiasi fenomeno. Secondo il principio della gerarchia, esistono generi "alti" e "bassi". Ai generi "alti" (tragedia, ode) veniva assegnato un tema nazionale, potevano solo raccontare di re, generali e della più alta nobiltà. Il linguaggio di queste opere aveva un carattere ottimista e solenne ("calma alta"). Nei generi "bassi" (commedia, favola, satira) si poteva toccare solo problemi particolari o vizi astratti (avarizia, ipocrisia, vanità, ecc.), agendo come tratti privati ​​assolutizzati del carattere umano. Gli eroi nei generi "bassi" potrebbero essere rappresentanti delle classi inferiori della società. L'allontanamento di persone nobili era consentito solo in casi eccezionali. Nel linguaggio di tali opere erano consentiti maleducazione, allusioni ambigue, giochi di parole ("bassa calma"). L'uso delle parole "alta calma" qui, di regola, era di natura parodica. In accordo con i principi del razionalismo, i classicisti avanzavano la richiesta della purezza dei generi. I generi misti, come la tragicommedia, vengono eliminati. Ciò colpisce la capacità di un particolare genere di riflettere in modo completo la realtà. D'ora in poi, solo l'intero sistema dei generi è in grado di esprimere la diversità della vita. In altre parole, nel classicismo la ricchezza e la complessità della realtà si rivelano non attraverso il genere, ma attraverso il metodo.

10 Entro la metà del XVII secolo, era fermamente radicata l'opinione che il genere letterario più importante fosse la tragedia (in architettura un palazzo, in pittura un ritratto cerimoniale). In questo genere, le leggi erano le più severe. La trama (storica o leggendaria, ma plausibile) dovrebbe riprodurre tempi antichi, la vita di stati lontani. Dovrebbe essere intuito già dal nome, come l'idea dalle prime righe. La fama della trama si opponeva al culto dell'intrigo. Si trattava di affermare la logica della vita, in cui la regolarità trionfava sul caso. Un posto speciale nella teoria della tragedia era occupato dal principio delle tre unità. Fu formulato nelle opere degli umanisti italiani e francesi del XVI secolo (J. Trissino, J. Scaliger), che si affidarono ad Aristotele nella loro lotta con il teatro medievale. Ma solo i classicisti del XVII secolo (soprattutto Boileau) lo elevarono a legge indiscutibile. L'unità dell'azione richiedeva la riproduzione di un'azione integrale e completa che unisse tutti i personaggi. L'unità di tempo è stata ridotta all'obbligo di mettere le azioni in un giorno. L'unità del luogo si esprimeva nel fatto che l'azione dell'intera opera doveva svolgersi in un unico luogo. Il principale lavoro teorico, che ha delineato i principi che abbiamo considerato, è stato il libro di N. Boileau "Poetic Art" (1674). I rappresentanti più famosi del classicismo: Jean Lafontaine (), Pierre Corneille (), Jean Racine (), Jean-Baptiste Moliere (). B. Barocco Ci sono diverse spiegazioni per il termine "barocco". E ognuno di loro dà molto per capire lo stile stesso. Si ritiene che il nome di questa direzione derivi dal portoghese perola barrocca, che significa preziosa perla di forma irregolare, luccicante e luccicante di tutti i colori dell'arcobaleno. Secondo la seconda versione del barocco, un intricato sillogismo scolastico. Infine, la terza versione di barocco significa falsità e inganno. Il fatto che questa perla dalla forma irregolare contrasti immediatamente il barocco con l'armoniosa arte del Rinascimento, vicina all'ideale classico. In riavvicinamento con una perla preziosa, si nota il desiderio barocco di lusso, raffinatezza e decoro. La menzione del sillogismo indica la connessione del barocco con la scolastica medievale. Infine, il fatto che il barocco sia interpretato come falsità e inganno sottolinea il momento illusorio, che è molto forte in quest'arte.

11 Il barocco si basa sulla disarmonia e sul contrasto. Questo è il contrasto tra la natura umana irragionevole e una mente sobria. Il barocco è anche caratterizzato dal contrasto tra il prosaico e il poetico, il brutto e il bello, la caricatura e l'alto ideale. Gli scrittori barocchi hanno sottolineato la dipendenza dell'uomo dalle condizioni oggettive, dalla natura e dalla società, dall'ambiente materiale e dall'ambiente. La loro visione di una persona è sobria e spietatamente dura. Rifiutando l'idealizzazione dell'uomo, che era alla base della letteratura rinascimentale, gli artisti barocchi dipingono le persone come malvagie ed egoiste o prosaiche e ordinarie. L'uomo stesso è ai loro occhi portatore di disarmonia. Nella sua psicologia cercano contraddizioni e stranezze. Pertanto, ombreggiano la complessità del mondo interiore di una persona e sottolineano in esso, per così dire, caratteristiche che si escludono a vicenda. Ma non solo l'uomo è disarmonico. Uno dei principi della letteratura barocca è anche il principio della dinamica, del movimento. Il movimento è visto come basato su contraddizioni interne e antagonismo. In questa disarmonia interna, riflessa nella letteratura del barocco, si manifestava il fatto che la disarmonia regna nella società stessa, derivante dalla lotta di interessi egoistici. A questo è collegata una caratteristica importante della comprensione della bellezza, l'idea di bellezza nell'arte barocca. La vita è prosaica, l'uomo è per natura debole e vizioso. Pertanto, tutto ciò che è bello è al di fuori del principio naturale materiale. Solo un impulso spirituale può essere bello. Il bello è fugace, ideale e non appartiene al reale, ma all'altro mondo, il mondo della fantasia. Per gli scrittori del Rinascimento, la bellezza era contenuta nella natura stessa, per esempio nella poesia naturale delle persone. Per gli scrittori barocchi, la bellezza è il risultato di un'abilità consapevole, di un'attività mentale consapevole. È bizzarro, peculiare, pretenzioso. Nel XVI e XVII secolo, scrittori di diversi paesi discutevano su ciò che era più alto: questa immediatezza della natura stessa o arte, artigianato. Le simpatie degli scrittori barocchi erano dalla parte dell'artigianato. Questo vale anche per lo stile letterario, che hanno cercato di rendere inaccessibile, intricato, pieno di metafore e confronti complessi, iperbole e figure retoriche. Nonostante il barocco sia uno stile completo, da un punto di vista ideologico non era integrale. Basti ricordare la feroce politica perseguita da Gongora e Quevedo. Gongora rappresentava il barocco nella sua forma aristocratica. Contrapponeva la realtà a un mondo illusorio, simile a uno scenario condizionale. La creazione di questo mondo è stata anche servita dallo stile di Gongora, pieno di intricate iperboli e immagini bizzarre e

12 trasforma la vita in una fantasia. Questo stile era chiamato "culteranismo" (dalla parola culto lavorato, vestito). In contrasto con Gongora, il suo avversario Quevedo cercava contrasti e contraddizioni nella stessa realtà spagnola, portando i vizi della vita al punto di caricatura e grottesco. Il suo stile di "concettismo" (dalla parola concepto pensiero) si oppone a ciò che rappresentava Gongora. Per completare la caratterizzazione del Barocco occorre aggiungere quanto segue. I più grandi scrittori di quest'epoca, Quevedo, Tirso de Molina, Calderon, erano persone religiose. Molte delle loro opere sono intrise di un'idea religiosa e appartengono all'arte religiosa. Sulla base di ciò, è molto facile dichiararli reazionari. Tuttavia, i più grandi di loro (Calderon, Quevedo, Gracian, Tirso de Molina) sono entrati in contatto nel loro lavoro con le idee popolari e il punto di vista popolare. Hanno dato una critica sobria e tagliente al mondo monetario emergente, hanno dipinto una persona comune e hanno contribuito così alla democratizzazione dell'arte. B. Realismo rinascimentale Il realismo rinascimentale, che si sviluppò parallelamente al classicismo e al barocco, gettò nuova luce sulle contraddizioni dell'epoca, soprattutto nelle opinioni sui valori morali, il più alto dei quali era l'uomo. I rappresentanti del realismo rinascimentale erano per molti versi oppositori del classicismo con il suo sistema di regole e norme e barocco, aspirando al mondo dell'esotico e della fantasia. Non accettavano i manierismi, l'eccessiva raffinatezza delle opere barocche. I seguaci dell'umanesimo rimasero sostenitori della chiarezza, veridicità nell'arte, ma non avevano più fretta di affermare il potere della mente umana e le possibilità illimitate dell'individuo. Sperimentando la stessa delusione per gli ideali umanistici dei contemporanei, gli scrittori del realismo rinascimentale non avevano paura di sollevare domande scottanti. Un posto speciale tra loro è occupato dal concetto di virtù, compresa la dignità umana, l'orgoglio, l'onore, che sono in conflitto con i pregiudizi di classe del feudalesimo. Inoltre, i rappresentanti del realismo rinascimentale si sono rivolti alla descrizione della vita quotidiana delle persone. Hanno continuato a sviluppare la tradizione della letteratura urbana. Per la prima volta i rappresentanti del realismo rinascimentale hanno sollevato la questione del rapporto tra il carattere morale di una persona e il suo patrimonio, con l'ambiente in cui è stato educato. Allo stesso tempo, i rappresentanti del popolo si sono rivelati più alti e moralmente più spesso nelle loro opere, e Lope de Vega, ad esempio, per la prima volta ha mostrato ai contadini una comunità di individui brillanti, persone capaci di discutere questioni elevate e, se necessario, difendere fino in fondo la loro dignità umana.

13 Il rimprovero fatto dai critici agli scrittori umanisti è l'assenza di un'acuta critica sociale nei loro scritti. Ma non dobbiamo dimenticare che sia nella drammaturgia che nella prosa, le questioni etiche sono strettamente connesse con le questioni politiche. Solo ora non vengono messi in primo piano. La quotidianità terrena di una persona non richiede un alto pathos e raffinatezza nell'espressione dei pensieri. Allo stesso tempo, dietro l'apparente semplicità di descrivere la realtà, gli scrittori nascondono serie riflessioni sul destino del loro paese e della loro gente. Ecco perché la drammaturgia di Lope de Vega o la prima drammaturgia di Tirso de Molina non hanno ancora perso il loro suono civile. E non è un caso che in varie fonti letterarie gli scrittori del realismo rinascimentale della prima metà del XVII secolo siano spesso classificati tra gli autori del tardo Rinascimento, e la loro opera è considerata nella sezione della storia della letteratura rinascimentale. Troviamo un tale approccio nelle opere di A.L. Stein, V.S. Uzina, N.I. Balashova. 3. Creatività di Lope de Vega A. Panoramica della vita e del percorso creativo del drammaturgo A cavallo tra il XVI e il XVII secolo, Lope de Vega (), basandosi sulle tradizioni del teatro popolare spagnolo e sulla potente tradizione realistica di il Rinascimento, creò la drammaturgia spagnola. Tra la galassia di drammaturghi eccezionali, occupa il primo posto. Gli spagnoli adoravano il loro genio nazionale. Il suo nome è diventato un simbolo di tutto ciò che è bello. Lope Felix de Vega Carpio nacque il 25 novembre 1562 a Madrid. Suo padre, originario di una famiglia di contadini asturiani, era un uomo ricco che aveva il suo stabilimento di ricamo d'oro a Madrid. Diede al figlio una buona educazione e anche la nobiltà, avendo acquistato, secondo l'usanza di quei tempi, patente per titolo nobiliare. Dopo aver ricevuto la sua prima educazione in un collegio dei gesuiti, il giovane si è laureato all'università. Già da giovane era al servizio di persone nobili, si esibiva presto con compagnie di recitazione per le quali scriveva opere teatrali, un tempo era un soldato, si sposava più volte, aveva un numero infinito di relazioni amorose, all'età di a cinquant'anni divenne impiegato dell'Inquisizione, poi monaco e prete, il che non gli impedì di condurre uno stile di vita laico, senza interrompere le sue relazioni amorose fino alla sua età avanzata. Solo poco prima della sua morte, sotto l'influenza di difficili esperienze personali (la morte del figlio, il rapimento della figlia), Lope de Vega iniziò a dedicarsi a credenze ascetiche ea mostrare un debole per il misticismo. Morì circondato dall'onore universale. Più di cento poeti hanno composto poesie per la sua morte. La vita versatile di Lope de Vega si riflette nella sua opera letteraria. La facilità con cui scriveva, la ricchezza e la brillantezza

14 delle sue opere furono ammirate dai suoi contemporanei, che lo definirono "un miracolo della natura", "fenice", "un oceano di poesia". All'età di cinque anni, Lope de Vega scriveva già poesie ea dodici anni componeva una commedia, che fu messa in scena. Successivamente, come ha assicurato, ha scritto la commedia più di una volta in un giorno. Ha provato tutti i generi poetici e di prosa. Secondo lo stesso Lope de Vega, ha scritto 1800 commedie, a cui si devono aggiungere 400 drammi religiosi e un numero molto elevato di intermezzi. Tuttavia, lo stesso Lope de Vega si preoccupava poco della sicurezza delle sue opere drammatiche, che erano considerate il tipo più basso di letteratura, per cui la maggior parte di esse non fu pubblicata durante la sua vita. Ci è pervenuto il testo di sole 400 commedie di Lope de Vega (quasi interamente poetiche), e altre 250 sono note solo per titolo. Il drammaturgo ha notato presto che i drammi scritti secondo le rigide regole del classicismo non trovano una risposta adeguata tra la gente. Le magnifiche frasi degli eroi sono percepite con freddezza, le passioni sembrano eccessive. Lope de Vega voleva compiacere il pubblico, scriveva per la gente comune. I fondatori del teatro classico chiedevano unità di impressione, tragico per tragedia, divertente per commedia. Lope de Vega ha rifiutato questo, affermando che tutto nella vita non è tragico o tutto è divertente, e per amore della verità della vita ha stabilito per il suo teatro "una miscela del tragico con il divertente", "una miscela del sublime e il divertente." Lope de Vega credeva che limitare il drammaturgo a un limite di ventiquattro ore, esigere da lui l'unità del luogo fosse assurdo, ma l'unità della trama è necessaria, l'unità dell'azione è obbligatoria. Il drammaturgo sviluppa una teoria dell'intrigo scenico. L'intrigo è il nervo del gioco. Lega insieme lo spettacolo e trattiene con forza lo spettatore affascinato dal palcoscenico. Fin dall'inizio, l'intrigo dovrebbe già legare saldamente il nodo degli eventi e condurre lo spettatore attraverso un labirinto di ostacoli scenici. Lope de Vega si è cimentato in vari generi. Ha scritto sonetti, poemi epici, racconti, poesie spirituali. Tuttavia, Lope de Vega era per eccellenza un drammaturgo. La gamma di trame delle opere è ampia: storia umana, storia nazionale della Spagna, in particolare tempi eroici, eventi della vita dei contemporanei di vari strati sociali del paese, episodi vividi della vita di tutti i popoli. Ci sono 3 periodi nell'opera del drammaturgo: I periodo () in questo momento riassume attivamente le conquiste del teatro nazionale, afferma il diritto dello scrittore alla libera creatività. Le migliori opere teatrali di questo periodo sono The Dance Teacher (1594), The Valencian Widow (1599), The New World Discovered by Christopher Columbus (1609).

15 Nel secondo periodo (), lo scrittore crea i propri drammi storici nazionali, utilizzando le trame dei romanzi popolari Fuente Ovehuna (1613), Figlio illegittimo di Mudarra (1612). In questo periodo apparvero le commedie più famose: "Il cane nella mangiatoia" (1613), "Il matto" (1613). III periodo () scrive i drammi "The Best Alcalde King" (), "The Star of Seville" (1623), la commedia "Girl with a Jug" (1623), "To Love Without Knows Who" (1622). Nonostante la complessità di classificare l'eredità dello scrittore per genere, di solito si distinguono tre gruppi di opere: drammi folk-eroici, nazionali-storici e sociali; commedie domestiche, chiamate "commedie di cappa e spada"; autos attività spirituali. B. L'originalità ideologica e artistica del dramma "Fuente Ovejuna" Il dramma "Fuente Ovejuna" è uno degli apici dell'opera di Lope de Vega. Può anche essere attribuito al numero di rappresentazioni storiche, poiché la sua azione si svolge alla fine del XV secolo, durante il regno di Ferdinando e Isabella. La cosa più notevole di questa commedia, intrisa di pathos veramente rivoluzionario, è che il suo eroe non è un personaggio individuale, ma le masse popolari. La città di Fuente Ovehuna, tradotto significa "Sorgente delle pecore", si trova in Spagna vicino alla città di Cordoba. Qui, nel 1476, scoppiò una rivolta contro l'arbitrarietà del comandante dell'Ordine di Calatrava, Fernand Gomez de Guzman. Il comandante è stato ucciso dai ribelli. Questo fatto storico è stato riprodotto nella sua commedia dal drammaturgo. Il concetto di "ordine spirituale" ci porta alla profonda antichità della Spagna. Già nel XII secolo nel paese furono creati ordini spirituali e cavallereschi, organizzazioni militari e monastiche per combattere i Mori. A capo dell'ordine c'era il Gran Maestro, soggetto ai consigli dell'ordine e del Papa. Il potere del Gran Maestro era esercitato dai comandanti dei governatori militari regionali. Questi ordini conquistarono presto vasti territori, divennero economicamente più forti e poiché erano direttamente subordinati al Papa, e non al re, divennero una sorta di roccaforte dell'anarchia feudale nel paese. Il comandante dell'Ordine di Calatrava, Fernand Gomez, che è di stanza con il suo distaccamento nel villaggio di Fuente Ovehuna, compie violenze contro gli abitanti, insulta l'alcalde locale e cerca di disonorare sua figlia Laurencia. Il contadino Frondoso, che la ama, riesce a proteggere la ragazza. Ma durante le nozze di Frondoso e Laurencia, il comandante si presenta con i suoi scagnozzi, disperde i radunati, picchia l'alcalde, vuole impiccare Frondoso e rapisce Laurencia per poi impossessarsene con la forza. I contadini non possono sopportare tanto disonore: sono tutti uomini,

16 donne, bambini senza eccezioni si armano e picchiano gli stupratori. Durante l'inchiesta giudiziaria nominata dal re in questo caso, quando i contadini vengono torturati, chi ha ucciso esattamente Fernand Gomez, tutti come una risposta: "Fuente Ovejuna!" Il re è costretto a fermare la corte: "perdona" i contadini e prende Fuente Ovejuna sotto la sua diretta autorità. Tale è il potere della solidarietà popolare. Il comandante Fernand Gomez, come dice la cronaca storica, prese arbitrariamente possesso della città di Fuente Ovehuna, contro la volontà del re e delle autorità della città di Cordoba. I contadini che si ribellarono contro di lui personificavano non solo combattenti contro gli oppressori del popolo, ma anche combattenti per l'unità politica del paese, che Lope de Vega sottolineava nella sua commedia. Ciò ha coinciso con il programma politico delle autorità spagnole. Pertanto, è stato possibile glorificare i contadini ribelli in modo così audace. I problemi politici dell'opera sono interpretati da Lope de Vega in una prospettiva storica. Il matrimonio dell'infante aragonese Ferdinando con Isabella di Castiglia significò l'annessione del regno d'Aragona di Castiglia, cioè l'unificazione di tutta la Spagna. A Lope de Vega, i contadini di Fuente Ovehuna sono devoti a Ferdinando e Isabella, mentre il comandante, insieme a tutto il suo ordine, agisce da traditore, sostenendo le pretese al trono castigliano di un altro pretendente, che porterebbe alla frammentazione del Spagna. Così, nella commedia di Lope de Vega, l'unità nazionale, la nazionalità e la vera nobiltà sono internamente collegate. Il personaggio centrale della commedia Laurencia. Questa è una semplice contadina. Affascinante, orgoglioso, dalla lingua tagliente, intelligente. Ha un'autostima molto sviluppata e non si lascerà offendere. Lawrencia è corteggiata dai ragazzi del villaggio, ma per ora lei e la sua amica Pascuala hanno deciso che gli uomini sono tutti furfanti. I soldati cercano di sedurre Laurencia con doni, inclinandola al favore del comandante, ma la ragazza risponde loro con disprezzo: la gallina non è così stupida, sì, e dura per lui. (Tradotto da K. Balmont) Tuttavia, la ragazza sa già che l'amore esiste nel mondo; Ha già una certa filosofia al riguardo. In una delle scene della commedia inizia una disputa sull'amore tra giovani contadini e ragazze. Che cos'è l'amore? Esiste? Il contadino Mengo, uno dei personaggi più interessanti della commedia, nega l'amore. Barrildo non è d'accordo con lui: se l'amore non esistesse, non potrebbe esistere neanche il mondo. (Tradotto da K. Balmont)

17 Questo giudizio è ripreso da altri. L'amore, secondo Laurencia, è "il desiderio di bellezza" e il suo obiettivo finale è "gustare il piacere". Davanti a noi c'è la filosofia che afferma la vita del Rinascimento. Il personaggio di Laurencia non viene immediatamente rivelato allo spettatore. Non sappiamo ancora quali forze d'animo nasconda in sé questa contadina. Ecco la scena in riva al fiume: Laurencia sta sciacquando i panni, il contadino Frondoso, languendo d'amore per lei, le racconta i suoi sentimenti. La spensierata Laurencia ride di lui. Le dà gioia prendere in giro il suo amante, ma le piace lui, questo giovane onesto e sincero. Appare il comandante. Vedendolo, Frondoso si nasconde e il comandante, credendo che la ragazza sia sola, le si attacca sgarbatamente. Laurencia è in grave pericolo e non ha altra scelta che chiedere aiuto. Non fa il nome di Frondoso, nascosto dietro un cespuglio, chiama il cielo. Ecco una prova del coraggio di Frondoso: il suo amore è forte, è abbastanza altruista? E il giovane si precipita in soccorso. È minacciato di morte, ma salva la ragazza. Frondoso è costretto a nascondersi. I soldati del comandante gli danno la caccia per catturarlo e giustiziarlo. Ma è disattento. Cerca di incontrare Laurencia, la ama e ancora una volta le racconta del suo amore. Ora la ragazza non può che amarlo, è pronta a sposarlo. Così, la sbadata Laurencia, che considerava tutti gli uomini ingannatori e ladri, si innamorò. Tutto promette la sua felicità. Il matrimonio avrà luogo tra poco. I genitori dei giovani accettano di unirli. Nel frattempo, il comandante ei suoi soldati sono oltraggiosi, traboccando dalla coppa della pazienza del popolo. A Fuente Ovehuna stanno accadendo cose terribili. Ma il poeta non può essere cupo, parlando anche di questo. Gli stati d'animo di sconforto e pessimismo gli sono estranei, così come i suoi eroi contadini. Lo spirito di allegria e fede nella verità è invisibilmente presente sul palco. Frondoso e Laurencia sono sposati. I contadini cantano canti salutari. Il corteo nuziale viene superato dal comandante con i suoi soldati. Il comandante ordina di sequestrare entrambi. E la folla festosa è dispersa, i giovani sposi vengono catturati, i genitori sfortunati piangono i loro figli. Frondoso è minacciato di morte. Dopo lunghe torture, sporche molestie, Laurencia fugge dal comandante. E come è cambiata! È apparsa all'assemblea nazionale, dove le donne non erano ammesse: non ho bisogno del diritto di voto, una donna ha il diritto di lamentarsi (Tradotto da K. Balmont) Ma non è venuta qui per lamentarsi, ma per esprimere il suo disprezzo per gli uomini miserabili che non sanno difendersi. Lei rifiuta suo padre. Denuncia i contadini codardi:

18 Siete pecore, e la chiave delle pecore è giusta per voi in cui vivere!.. Siete selvaggi, non spagnoli, codardi, prole di lepre. Infelice! Dai le tue mogli a uomini strani! Perché porti le spade? Appendi dal lato del mandrino! Te lo giuro, farò in modo che le donne stesse lavino il loro onore macchiato nel sangue di infidi tiranni, e ti lasceranno al freddo (Tradotto da K. Balmont) Il discorso di Laurencia ha acceso i contadini, si sono ribellati. La furia dei ribelli è spietata. Il comandante viene ucciso. Allegra e timida, una contadina piuttosto ordinaria all'inizio della commedia, Laurencia nel corso dell'azione diventa il leader riconosciuto dei ribelli. E non solo il risentimento personale e l'amore per Frondoso guidano le sue azioni, ma anche gli interessi comuni del villaggio. Il gioco si conclude con un lieto fine. I contadini hanno vinto. E non potrebbe essere altrimenti, perché la vita vince sempre. Questa è la principale differenza tra Lope de Vega e poeti e drammaturghi barocchi. L'essenza della domanda non è nei temi e nelle trame, non negli eventi rappresentati, ma nell'atteggiamento dell'autore nei confronti di questi argomenti, trame ed eventi. B. Originalità ideologica e artistica del dramma "La stella di Siviglia" (1623) Lo spettacolo si svolge a Siviglia, il centro dell'Andalusia, in tempi antichi, quando il paese era governato dal re contadino Sancio IV il Temerario. Il conflitto si sviluppa tra il re, che non tiene conto della dignità umana degli altri, e la vecchia Spagna, che conserva le tradizioni e vive secondo le leggi dell'alto onore. Due concetti di onore determinano lo sviluppo del conflitto. Entrambi sono incarnati nel personaggio centrale Sancho Ortiz. Al re piaceva Estrella, soprannominata dal popolo per la sua bellezza la "Stella di Siviglia". Vuole impossessarsi della bella, ma il fratello della ragazza, Busto Tabera, si mette sulla sua strada. Trovando il re nella sua casa, si precipita contro di lui con una spada. Il monarca decide di uccidere il nemico, ma per questo usa il nobile Sancho Ortiz, il fidanzato di Estrella. Il re gioca sull'onestà di Sancho. Prima di ordinare l'assassinio di Busto Tabera, porta Sancho fuori per un franco discorso

19 devozione e lealtà al re e prende la sua parola per eseguire tutti gli ordini del padrone senza discutere. Conoscendo perfettamente la natura orgogliosa di Sancho, porge al giovane un foglio che giustifica tutte le azioni successive, ma Sancho lo strappa. E solo dopo che il re si è finalmente convinto della disponibilità di Sancho a vendicare l'insulto al monarca, dà un ordine scritto con il nome della vittima e subito se ne va frettolosamente con un'osservazione che indica completa indifferenza per il destino dei suoi subordinati: Leggi dopo e scopri chi devi uccidere. Anche se il nome può confonderti, ma non tirarti indietro (Tradotto da T. Shchepkina-Kupernik) Avendo appreso che deve uccidere Busto Taber, il suo migliore amico e fratello di Estrella, Sancho si trova di fronte a una scelta: soddisfare i desideri del re ordinare o rifiutare. In entrambi i casi, è un ostaggio d'onore. Per la prima volta, il drammaturgo ha parlato della mancanza di libertà di una persona in una società disumana e dell'insensatezza della vita. Sancho uccide Busto Tabera e perde per sempre Estrella. Il culmine del dibattito sull'onore sarà la scena del tribunale, in cui Sancho si rifiuta di nominare la persona che ha ordinato l'omicidio. Concentrandosi su questioni d'onore e tradizioni della vecchia Spagna, Lope de Vega ha allo stesso tempo sottolineato che, allevato nello spirito di queste tradizioni, Sancho Ortiz diventa il loro ostaggio, diventando uno strumento nelle mani del potere reale. Una caratteristica dell'opera è che l'autore introduce nella narrazione scenica il sapore storico insito nell'era di Sancho IV il Temerario, che conferisce all'azione una poesia emozionante. Come molte altre opere, anche la "Stella di Siviglia" è caratterizzata dall'umorismo, uno scherzo furbo. Subito dopo la patetica spiegazione dei giovani innamorati, fa parodiare i loro padroni dai servi, che si sono rivelati testimoni accidentali di questo evento. Qui, Lope de Vega segue la sua tradizione, portando "sublime e divertente" nella narrativa scenica. Elenco della letteratura consigliata e utilizzata 1. Artamonov, S.D. Storia della letteratura straniera dei secoli XVII-XVIII / S.D. Artamonov. Mosca: Illuminismo, S. Artamonov, S.D. Letteratura straniera del XVII-XVIII secolo: un'antologia. Proc. indennità per gli studenti. ped. in-tov / S.D. Artamonov. M.: Illuminismo, S

20 3. Vipper, Yu.B., Samarin, R.M. Un corso di lezioni sulla storia delle letterature straniere del XVII secolo / Yu.B. Vipper, R.M. Samarin; ed. SS Ignatov. M.: Universitetskoe, S Erofeeva, N.E. Letteratura straniera. XVII secolo: un libro di testo per studenti ped. università / N.E. Erofeev. Mosca: Otarda, S Plavskin, Z.I. Lope de Vega / Z.I. Plavskin. M.; L., s. 6. Stein, A.L. Storia della letteratura spagnola / A.L. Opaco. 2a ed. Mosca: Editoriale URSS, S

21 Lezione 2 La letteratura barocca spagnola del XVII secolo Piano 1. Caratteristiche dello sviluppo della letteratura barocca spagnola. 2. Scuole letterarie del barocco spagnolo. 3. Luis de Gongora come rappresentante di spicco della lirica barocca spagnola. 4. Drammaturgia barocca spagnola (Calderon). 5. Francisco de Quevedo e la prosa barocca spagnola. 1. Caratteristiche dello sviluppo della letteratura barocca spagnola XVII secolo in Spagna, l'era del più profondo declino economico, crisi politica e reazione ideologica. Quando alla fine del XV secolo sorse uno stato spagnolo unificato e la Reconquista fu completata, nulla sembrò far presagire una rapida catastrofe. La colonizzazione servì dapprima come impulso per lo sviluppo dell'economia, l'emergere delle prime relazioni borghesi nell'industria e nel commercio. Ben presto, però, si rivelò il profondo declino dello stato spagnolo, della sua economia e della sua politica. L'oro americano ha permesso alle classi dirigenti e al potere reale della Spagna di trascurare lo sviluppo dell'industria e del commercio nazionali. Di conseguenza, alla fine del XVI secolo, l'industria si esaurì. Sparirono interi rami di produzione, il commercio era nelle mani degli stranieri. L'agricoltura è crollata. La gente mendicava e la nobiltà e l'alto clero stavano annegando nel lusso. Le contraddizioni sociali e nazionali all'interno del paese si sono fortemente intensificate. Nel 1640 iniziò una diffusa rivolta separatista in Catalogna (la regione più industrializzata di quella che allora era la Spagna), accompagnata da numerose rivolte e rivolte contadine. A poco a poco, la Spagna iniziò a perdere le sue colonie. Tutto ciò non poteva che lasciare un'impronta nella letteratura spagnola del XVII secolo. Tratti distintivi della letteratura spagnola del Seicento: 1) nei primi decenni del Seicento l'arte rinascimentale mantenne una posizione di forza in Spagna, pur manifestando già tratti di crisi. I principali scrittori stanno diventando sempre più chiaramente consapevoli dell'incoerenza interna degli ideali del Rinascimento, della loro incoerenza con la cupa realtà;

22 2) il sistema artistico dominante in Spagna per tutto il secolo fu il barocco. Le sue tendenze sono inerenti al lavoro degli artisti del XVII secolo Velazquez ("Venere davanti a uno specchio"), Murillo ("Gesù distribuisce il pane ai viandanti") e altri.L'interazione del barocco e del Rinascimento in Spagna era più intenso che in altri paesi dell'Europa occidentale. Non è un caso che nell'opera dei maggiori personaggi della letteratura del barocco spagnolo Quevedo, Calderon e altri, siano chiaramente rintracciati echi di ideali e problemi rinascimentali; 3) L'arte barocca spagnola era orientata verso l'élite intellettuale. In generale, l'arte del barocco spagnolo si distingue per: severità e tragedia; evidenziando il principio spirituale; il desiderio di sfuggire alle grinfie della prosa della vita. Nella seconda metà del XVII secolo fu caratterizzato da un aumento delle tendenze mistiche. 2. Scuole letterarie del barocco spagnolo Nella letteratura del barocco spagnolo (soprattutto nella prima metà del secolo) c'era una lotta tra le sue due principali scuole di culto (cultarismo) e concettualismo. Il cultismo (dallo spagnolo cultos elaborato, coltivato) era concepito per essere percepito da persone selezionate e finemente istruite. Non accettando la realtà, contrapponendola al perfetto e bellissimo mondo dell'arte, i cultisti usavano il linguaggio principalmente come mezzo per rifiutare la brutta realtà. Hanno creato uno speciale "stile oscuro", sovraccaricando le opere di metafore insolite e complesse, neologismi (per lo più di origine latina) e complesse costruzioni sintattiche. Il più grande e talentuoso poeta-cultista era Gongora (ecco perché il cultismo è anche chiamato gongorismo). Il concettualismo (dallo spagnolo consepto pensiero), in contrasto con il cultismo, pretendeva di esprimere la complessità del pensiero umano. Il compito principale dei concettualisti è rivelare connessioni profonde e inaspettate tra concetti e oggetti distanti tra loro. I concettualisti chiedevano la massima ricchezza semantica dell'enunciato. I trucchi preferiti dei concettisti sono l'uso della polisemia di una parola, un gioco di parole, la distruzione di frasi stabili e familiari. La loro lingua è più democratica della lingua dei cultisti, ma non è meno difficile da capire. Non è un caso che l'eminente filologo spagnolo R. Menendez Pidal definisse il modo dei concettualisti "stile difficile". Gli scrittori concettualisti più importanti furono Quevedo, Guevara e Gracian (quest'ultimo è anche un teorico concettualista).

23 Tuttavia, entrambe le scuole hanno più in comune che differenze. Entrambe le direzioni mettono soprattutto una metafora in cui la "mente veloce" abbina concetti inaspettati e lontani, combina l'incongruo. Con estrema adesione ai propri dogmi, le scuole arricchirono la letteratura di nuovi mezzi espressivi e ne influenzarono lo sviluppo successivo. Il cultismo era incarnato in modo più vivido nella poesia, il concettualismo nella prosa. E questa non è una coincidenza. I cultisti hanno espresso le più sottili sfumature di sentimento: la loro poesia è emotivamente satura. I concettualisti hanno trasmesso tutta la ricchezza e la flessibilità del pensiero acuto: la loro prosa è secca, razionalista, spiritosa. 3. Luis de Gongora come rappresentante di spicco dei testi barocchi spagnoli Luis de Gongora y Argote () uno dei poeti più complessi e talentuosi della letteratura mondiale, è stato a lungo considerato "astruso", "oscuro", inaccessibile al lettore comune . L'interesse per il suo lavoro è rinato nel XX secolo grazie agli sforzi di poeti come R. Dario e F. Garcia Lorca. Le opere di Gongora non furono pubblicate durante la sua vita. Furono pubblicati postumi nella raccolta Opere nei versi dell'omero spagnolo (1627) e nella raccolta delle sue opere, pubblicata nel 1629. Romanticismo, letrilla (forme popolari di poesia popolare), sonetto, poema lirico - generi in cui il poeta ha immortalato il suo nome. Gongora ha creato uno speciale "stile oscuro" nella poesia, che escludeva la lettura sconsiderata della poesia ed era per lui una sorta di mezzo per rifiutare la brutta realtà. Di grande importanza per la formazione dello stile del poeta furono le liriche arabo-andaluse medievali (Gongora nacque a Cordoba, l'antica capitale del califfato arabo, che conservava le tradizioni di una cultura millenaria). Ha riprodotto la realtà su due piani, reale e condizionale. La costante sostituzione di un piano reale con uno metaforico è l'espediente più comune nella poesia di Gongora. I temi delle sue poesie sono quasi sempre semplici, ma la loro realizzazione è estremamente difficile. Le sue linee devono essere svelate, e questa è la sua impostazione creativa consapevole. L'autore credeva che la vaghezza delle espressioni, lo "stile oscuro" inducesse una persona all'attività e alla co-creazione, mentre le solite parole ed espressioni cancellate cullano la sua coscienza. Ecco perché ha saturato il suo discorso poetico con neologismi e arcaismi esotici, usando parole familiari in un contesto insolito, e ha abbandonato la sintassi tradizionale. La poesia di Gongora dimostra la molteplicità dei punti di vista sull'argomento (pluralismo) e l'ambiguità della parola, tipica del sistema artistico barocco. Nel suo vocabolario poetico ci sono peculiari

24 parole chiave su cui è costruito un intero sistema di metafore: cristallo, rubino, perle, oro, neve, garofano. Ciascuno di essi, a seconda del contesto, acquisisce l'uno o l'altro significato aggiuntivo. Quindi, la parola "cristallo" può significare non solo acqua, fonte, ma anche il corpo di una donna o le sue lacrime. "Gold" è l'oro dei capelli, l'oro dell'olio d'oliva, l'oro dei favi; "neve volante" un uccello bianco, "neve filata" una tovaglia bianca, "neve in fuga" il viso candido di una persona amata. Negli anni ancora piuttosto giovane, Gongora crea circa 30 sonetti, che scrive sulla base di Ariosto, Tasso e altri poeti italiani. Già queste, spesso ancora poesie di studenti, sono caratterizzate da originalità d'intenzione e attenta levigatura della forma. La maggior parte di essi è dedicata al tema della fragilità della vita, della fragilità della bellezza. Il motivo del famoso sonetto "Mentre scorre il vello dei tuoi capelli" risale ad Orazio. È stato sviluppato da molti poeti, incluso Tasso. Ma anche nel tragico Tasso non suona così senza speranza come in Gongora: la bellezza non solo svanirà o svanirà, ma si trasformerà in un nulla onnipotente ... Affrettati ad assaporare il piacere del potere nascosto nella pelle, nel ricciolo, in bocca. Fino a quando il bouquet dei tuoi garofani e gigli non solo senza gloria non è appassito, ma gli anni non ti hanno trasformato in cenere e terra, in cenere, fumo e polvere. (Tradotto da S. Goncharenko) La disarmonia del mondo, in cui la felicità è fugace di fronte all'onnipotente Nulla, è sottolineata dalla composizione armoniosamente armoniosa della poesia, pensata nei minimi dettagli. Lo stile poetico di Gongora è stato espresso in modo più completo nelle sue poesie The Tale of Polyphemus and Galatea (1612) e Solitude (1614). La trama di Polifemo e Galatea è presa in prestito dalle Metamorfosi di Ovidio. Gongora è stato attratto dalla trama con il suo personaggio fantastico e le immagini stravaganti. Partendo dall'immagine classica, Gongora ha creato un poema barocco completo e perfetto, più lirico che narrativo. È internamente musicale. Il ricercatore del lavoro di Gongora Belmas lo ha confrontato con una sinfonia. La poesia, scritta in ottave, è costruita sulle antitesi del mondo bello e luminoso di Galatea e della sua amata Aside e del mondo oscuro di Polifemo, così come il brutto aspetto del Ciclope e quel sentimento gentile e potente che lo riempiva completamente . Al centro del poema c'è l'incontro di Asis e Galatea. Non sentiamo il loro discorso, è pantomima silenziosa o balletto. L'appuntamento sembra un idillio, intriso dello spirito di armonia e serenità. Viene interrotto dall'apparizione di un mostro infuriato dalla gelosia. Gli amanti corrono ma il disastro

25 li supera. Arrabbiato, Polifemo lancia un sasso su Asis e lo seppellisce sotto di esso. Asis si trasforma in un ruscello. Gongora conduce il lettore al pensiero: il mondo è disarmonico, la felicità è irraggiungibile in esso, la bellezza muore in esso, proprio come muore la bella Asis sui frammenti di una roccia. Ma la disarmonia della vita è bilanciata dalla rigorosa armonia dell'arte. La poesia è completata. E con tutta la disarmonia interna, ha un equilibrio delle sue parti costitutive. Il vero apice del lavoro di Gongora è la poesia "Loneliness" (sono state scritte solo la "Prima solitudine" e parte della "Seconda" delle 4 parti previste). Il nome stesso è ambiguo e simbolico: la solitudine dei campi, delle foreste, dei deserti, il destino umano. I vagabondaggi del vagabondo solitario, l'eroe del poema, sono percepiti come un simbolo dell'esistenza umana. Non c'è praticamente trama nella poesia: un giovane senza nome, deluso da tutto, affetto da un amore non corrisposto, a seguito di un naufragio finisce su una spiaggia disabitata. La trama serve solo come pretesto per rivelare le associazioni più sottili della coscienza dell'eroe che contempla la natura. La poesia è satura di immagini, metafore, il più delle volte basate sulla fusione in un'unica immagine di concetti molto lontani l'uno dall'altro (il cosiddetto "concetto"). La compattazione figurativa del verso portata al limite crea l'effetto del "buio" dello stile. Quindi, vediamo che il lavoro di Gongora richiedeva un lettore attento, istruito, familiare con la mitologia, la storia, conoscendo storicismi e aforismi. Per un lettore perfetto, la sua poesia, ovviamente, è più comprensibile, ma per i contemporanei di Gongora sembrava misteriosa e soprannaturale. 4. Drammaturgia barocca spagnola (Calderón) Il dramma barocco si è formato nel contesto dell'intensificarsi della lotta ideologica del teatro. I sostenitori più fanatici della controriforma hanno ripetutamente avanzato richieste per il divieto di spettacoli teatrali secolari. Tuttavia, non solo le figure umanistiche del teatro spagnolo, ma anche i rappresentanti moderati dell'élite dominante della società si opposero a questi tentativi, vedendo nel teatro un potente mezzo per affermare i propri ideali. Tuttavia, fin dall'inizio del XVII secolo, le classi dirigenti attaccarono sempre più risolutamente le forze democratiche che si erano affermate nel teatro spagnolo. Questo obiettivo è stato raggiunto con la riduzione del numero delle compagnie teatrali, l'istituzione di una rigida censura laica ed ecclesiastica sul repertorio e, in particolare, la progressiva restrizione delle attività dei teatri pubblici cittadini (i cosiddetti "recinti") e il rafforzamento del ruolo dei teatri di corte. Il legislatore della moda teatrale, ovviamente, non è una massa violenta e ribelle di cittadini, come nei "recinti",

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Dopo aver studiato questo capitolo, lo studente:

Sapere

• sull'esistenza di vari principi di periodizzazione del processo storico-culturale;
• cause della crisi dell'umanesimo rinascimentale;
• il contenuto del nuovo concetto di uomo, formatosi nel XVII secolo;
• i principi fondamentali dell'estetica e della poetica del classicismo e del barocco;

essere in grado di

• evidenziare la caratteristica principale nel contenuto del XVII secolo, che ne determina la specificità come epoca culturale e storica speciale;
• caratterizzare i cambiamenti nell'atteggiamento e nelle prospettive di una persona del XVII secolo;
• identificare elementi di poetica barocca e classica in un'opera d'arte;

Proprio

• un'idea delle principali tendenze nel processo storico e culturale del XVII secolo;
• l'idea della relatività del confronto tra barocco e classicismo;
• le principali disposizioni della poetica e dell'estetica del classicismo.

Tra gli storici moderni e i ricercatori della cultura ci sono quelli che diffidano dei principi esistenti di periodizzazione della storia della società umana. Alcuni di loro credono che "la natura umana in ogni momento tende alla costanza" e quindi la ricerca delle differenze tra le generazioni successive è fondamentalmente priva di significato. Altri sono sicuri che i cambiamenti non avvengano secondo una logica storica, ma sotto l'influenza di singole personalità brillanti, quindi sarebbe più ragionevole chiamare i periodi storici con i nomi di tali figure ("L'età di Beethoven", " L'età di Napoleone”, ecc.). Tuttavia, queste idee non hanno ancora avuto un impatto notevole sulla scienza storica e la maggior parte delle discipline umanistiche si basa sulla periodizzazione tradizionale.

Allo stesso tempo, il XVII secolo crea alcune difficoltà nel determinare la sua specificità come epoca culturale e storica indipendente. La complessità è già indicata dalla stessa designazione terminologica - "XVII secolo". Le epoche adiacenti sono chiamate "Rinascimento" e "Illuminismo", e già nei nomi stessi c'è un'indicazione del contenuto di queste epoche e delle linee guida ideologiche fondamentali. Il termine "XVII secolo" segna solo la posizione sull'asse cronologico. Furono fatti ripetuti tentativi per trovare altre designazioni per questo periodo (l'era della Controriforma, l'era dell'assolutismo, l'era barocca, ecc.), ma nessuna di esse attecchiva, poiché non rifletteva pienamente la natura del era. Eppure, nonostante l'incoerenza e l'eterogeneità di questo periodo storico, molti studiosi lo sottolineano transitività come caratteristica principale del XVII secolo come epoca culturale e storica.

In un'ampia prospettiva storica, qualsiasi epoca è di transizione da una fase storica all'altra, ma il XVII secolo occupa una posizione speciale in questa serie: funge da collegamento tra il Rinascimento e l'Illuminismo. Molte tendenze in vari ambiti della vita della società europea, nate nel profondo del Rinascimento, hanno ricevuto la loro logica conclusione e formalizzazione solo nel XVIII secolo, quindi il secolo "ad interim" è diventato un periodo di cambiamento radicale. Questi cambiamenti hanno interessato principalmente l'economia: i rapporti feudali sono stati attivamente sostituiti da quelli capitalistici, il che ha portato al rafforzamento della posizione della borghesia, che ha iniziato a rivendicare un ruolo più influente nella società dell'Europa occidentale. In larga misura, la lotta della nuova classe per un posto al sole ha causato cataclismi sociali in vari paesi: la rivoluzione borghese in Inghilterra, che si è conclusa con l'esecuzione del re Carlo I, il tentativo di colpo di stato in Francia nel metà del secolo, chiamata Fronda, le rivolte contadine che attraversarono l'Italia e la Spagna.

Poiché il rafforzamento di nuove relazioni economiche nei paesi dell'Europa occidentale è avvenuto a ritmi diversi, anche l'equilibrio di potere nell'arena internazionale ha subito cambiamenti nel XVII secolo. La Spagna e il Portogallo hanno perso il loro precedente potere economico e influenza politica, Inghilterra, Olanda e Francia, dove il capitalismo si è sviluppato in modo più dinamico, sono entrati in prima linea nella storia europea. Questa nuova ridistribuzione dell'Europa occidentale divenne il pretesto per la Guerra dei Trent'anni (1618-1648), una delle guerre più lunghe e sanguinose dei tempi moderni. In questo conflitto militare, in cui alla Lega asburgica, che univa principalmente paesi cattolici (Spagna, Austria, principati cattolici di Germania), si opposero i principi protestanti di Germania, Francia, Svezia, Danimarca, sostenuti da Inghilterra e Olanda. Secondo gli storici, più di 7 milioni di persone su una popolazione di 20 milioni morirono a causa della sola Lega degli Asburgo. Non sorprende che i contemporanei abbiano paragonato questo evento al Giudizio Universale. La descrizione degli orrori della Guerra dei Trent'anni si trova spesso nelle opere della letteratura tedesca di questo periodo. Un quadro esteso e molto cupo dei disastri che colpirono la Germania durante gli anni della guerra fu presentato da Hans Jakob Christoffel Grimmelshausen nel suo romanzo Le avventure di Simplicius Simplicissimus (1669).

La base del conflitto tra gli stati europei non erano solo contraddizioni economiche e politiche, ma anche religiose. Nel 17 ° secolo la Chiesa cattolica, per correggere le sue posizioni frantumate e riconquistare la sua precedente influenza, inizia un nuovo ciclo di lotta contro la Riforma. Questo movimento è chiamato Controriforme. La Chiesa, ben consapevole delle possibilità propagandistiche dell'arte, incoraggia la penetrazione in essa di temi e motivi religiosi. La cultura barocca si è rivelata più aperta a tale introduzione, si è rivolta più spesso e più volentieri a trame e immagini religiose. È naturale che uno dei paesi in cui il barocco conobbe il suo massimo splendore fosse la Spagna, la principale roccaforte della Coitreformation in Europa.

Letteratura del XVII secolo

Dal 17 ° secolo, è consuetudine contare il Nuovo Tempo nella storia della civiltà umana. Occupando una posizione di confine tra il Rinascimento (XIV-XVI secolo) e l'Illuminismo (XVIII secolo), il XVII secolo ha preso molto dal Rinascimento e molto ha lasciato.

Le principali tendenze letterarie del XVII secolo furono il barocco e il classicismo.

Il barocco gioca un ruolo significativo nella letteratura del XVII secolo. I segni di un nuovo stile iniziarono ad apparire alla fine del XVI secolo, ma fu il XVII secolo a diventare il suo periodo di massimo splendore. Il barocco è una risposta all'instabilità sociale, politica, economica, una crisi ideologica, la tensione psicologica dell'era di frontiera, questa è la volontà di ripensare creativamente il tragico esito del programma umanistico del Rinascimento, questa è la ricerca di una via d'uscita di uno stato di crisi spirituale.

Il contenuto tragicamente sublime determinò anche le caratteristiche principali del barocco come metodo artistico. Le opere barocche sono caratterizzate da teatralità, natura illusoria (non è un caso che il dramma di P. Calderon si chiami "La vita è un sogno"), antinomia (lo scontro tra principi personali e dovere sociale), il contrasto della natura sensuale e spirituale di uomo, l'opposizione del fantastico e del reale, dell'esotico e dell'ordinario, del tragico e del comico. Il barocco è pieno di metafore complesse, allegorie, simbolismo, si distingue per l'espressività della parola, l'esaltazione dei sentimenti, l'ambiguità semantica, la mescolanza di motivi dell'antica mitologia con simboli cristiani. I poeti barocchi prestarono grande attenzione alla forma grafica del verso, crearono poesie "ricci", le cui linee formavano un disegno di un cuore, una stella, ecc.

Un'opera del genere non solo poteva essere letta, ma anche considerata un'opera d'arte. Gli scrittori hanno proclamato l'originalità dell'opera come il suo vantaggio più importante e le caratteristiche necessarie: la difficoltà di percezione e la possibilità di varie interpretazioni. Il filosofo spagnolo Gracian ha scritto: "Più è difficile conoscere la verità, più è piacevole comprenderla". Artisti della parola arguzia molto apprezzata, giudizi paradossali: “In nome della vita, non affrettarti a nascere. / Affrettati a nascere - affrettati a morire ”(Gongora).

Gli scrittori barocchi più famosi furono: in Spagna Luis de Gongora (1561-1627), Pedro Calderon (1600-1681), in Italia Torquato Tasso (1544-1595), Giambattista Marino (1569-1625), in Germania Hans Jacob von Grimmelshausen ( ca. 1621-1676), in Bielorussia e Russia Simeone di Polotsk (1629-1680). I ricercatori notano l'influenza dello stile barocco sul lavoro degli scrittori inglesi W. Shakespeare e J. Milton.

La seconda tendenza letteraria, che si diffuse nel XVII secolo, è il classicismo. La sua patria era l'Italia (XVI secolo). Qui, il classicismo è sorto insieme al teatro antico rianimato ed è stato originariamente concepito come una diretta opposizione al dramma medievale. Gli umanisti del Rinascimento decisero speculativamente, senza tener conto dell'unicità di epoche e popoli storici specifici, di far rivivere la tragedia di Euripide e Seneca, la commedia di Plauto e Terenzio. Sono stati i primi teorici del classicismo. Pertanto, il classicismo inizialmente ha agito come teoria e pratica dell'imitazione dell'arte antica: rigore razionalistico e logica dell'azione scenica, astrattezza dell'immagine artistica, pathos della parola, posture e gesti maestosi, versi senza rima di undici sillabe. Sono questi i tratti della tragedia Sofonisba di Trissino (1478-1550), scritta sul modello delle tragedie di Sofocle ed Euripide e che apre l'era del classicismo europeo.

Campioni di arte classica furono creati nel XVII secolo in Francia. È qui che la sua teoria si è cristallizzata.

La dottrina razionalista di Descartes divenne la base filosofica del metodo classico. Il filosofo credeva che l'unica fonte di verità fosse la ragione. Partendo da questa affermazione, i classicisti crearono un rigido sistema di regole che armonizzassero l'arte con i requisiti di ragionevole necessità in nome dell'osservanza delle leggi artistiche dell'antichità. Il razionalismo divenne la qualità dominante dell'arte classica.

L'orientamento della teoria classica all'antichità era associato principalmente all'idea di eternità e all'assolutezza dell'ideale di bellezza. Questa dottrina ha confermato la necessità dell'imitazione: se un tempo si creano esempi ideali di bellezza, allora il compito degli scrittori delle epoche successive è quello di avvicinarsi il più possibile a loro. Da qui il rigido sistema di regole, la cui osservanza obbligatoria era considerata garanzia della perfezione di un'opera d'arte e indicatore dell'abilità dello scrittore.

I classicisti stabilirono anche una gerarchia chiaramente regolamentata dei generi letterari: furono determinati i confini esatti del genere e le sue caratteristiche. Tragedia, epica, ode erano alti. Rappresentavano la sfera della vita pubblica, eventi fatidici, recitavano eroi che si addicevano a un genere elevato: monarchi, capi militari, persone nobili. Una caratteristica distintiva era uno stile elevato, sentimenti elevati, nella tragedia: conflitti drammatici, passioni disastrose, sofferenze disumane. Il compito dei generi alti è scioccare lo spettatore.

I generi bassi (commedia, satira, epigramma, favola) riflettevano la sfera della vita privata, il suo modo di vivere e le sue usanze. Gli eroi erano persone normali. Tali opere sono state scritte in un semplice linguaggio colloquiale.

I drammaturghi classicisti dovevano seguire le regole delle "tre unità": tempo (non più di un giorno), luogo (uno scenario), azione (nessuna trama secondaria). Sono state stabilite regole per creare l'illusione della certezza.

Una componente importante della teoria classica è il concetto di tipi generali di carattere umano. Da qui la ben nota astrattezza delle immagini artistiche. Hanno enfatizzato le caratteristiche universali, "eterne" (misantropo, avaro). Gli eroi erano divisi in positivi e negativi.

Il carattere scenico dei classicisti è prevalentemente unilaterale, statico, senza contraddizioni e sviluppo. Questa è un'idea-personaggio: è tanto aperta quanto richiede l'idea incorporata in essa. La tendenziosità dell'autore, quindi, si manifesta in modo abbastanza diretto. Senza la rappresentazione dell'individuo, personale-individuo nel carattere umano, era difficile per i classicisti evitare le immagini schematiche e convenzionali. Il loro coraggioso eroe è coraggioso in tutto e fino alla fine; una donna amorevole ama fino alla tomba; un ipocrita è ipocrita fino alla tomba, ma un avaro è avaro. Una qualità distintiva del classicismo era la dottrina del ruolo educativo dell'arte. Punendo il vizio e premiando la virtù, gli scrittori classicisti cercarono di migliorare la natura morale dell'uomo. Le migliori opere del classicismo sono piene di un alto pathos civico.

Letteratura della Spagna

All'inizio del XVII secolo, la Spagna era in uno stato di profonda crisi economica. La sconfitta dell '"Invincible Armada" (1588) al largo delle coste dell'Inghilterra, l'irragionevole politica coloniale, la debolezza dell'assolutismo spagnolo, la sua miopia politica fecero della Spagna un piccolo paese europeo. Nella cultura spagnola, al contrario, si identificavano chiaramente nuove tendenze che avevano un significato non solo nazionale, ma anche paneuropeo.

Una potente eco della cultura rinascimentale è l'opera di un talentuoso drammaturgo spagnolo Lope de Vega (1562-1635). Rappresentante del realismo rinascimentale, contrapponeva alla tragedia del barocco l'energia ottimistica, una visione luminosa, la fiducia nell'inesauribilità della vitalità. Il drammaturgo ha anche respinto la normatività "scientifica" della teoria classica. Lo scrittore ha affermato ideali amanti della vita, ha lottato per il riavvicinamento con il pubblico del popolo e ha difeso la libera ispirazione dell'artista.

L'ampio e variegato patrimonio drammaturgico di Lope de Vega - secondo i contemporanei, scrisse più di 2.000 opere teatrali, di cui circa 500 pubblicate - è solitamente diviso in tre gruppi. I primi di questi sono drammi socio-politici, il più delle volte costruiti su materiale storico (Fuente Ovejuna, Il Granduca di Mosca).

Il secondo gruppo comprende commedie quotidiane di natura amorosa ("Insegnante di danza", "Cane nella mangiatoia", "Ragazza con brocca", "Contadina di Getafe", "Stella di Siviglia"); a volte vengono chiamate commedie "mantello e spada", poiché il ruolo principale in esse appartiene al nobile giovane, che si esibisce in questo abbigliamento caratteristico per loro (in impermeabile e con una spada).

Il terzo gruppo comprende spettacoli di natura religiosa.

Per comprendere le peculiarità delle opere drammatiche di Lope de Vega, è di grande importanza il trattato "La nuova arte di comporre commedie ai nostri giorni" (1609). In sostanza, ha formulato le principali disposizioni della drammaturgia nazionale spagnola con un focus sulle tradizioni del teatro popolare, con il desiderio di soddisfare le esigenze del pubblico, con la plausibilità mostrata sul palco e l'abile costruzione dell'intrigo, il nodo strettamente legato di cui non permetterebbe al gioco di cadere a pezzi in episodi separati.

Le opere d'arte che seguirono il trattato divennero la realizzazione dei principi estetici dello scrittore. La migliore di queste commedie è il dramma "Fuente Ovejuna" ("The Sheep Spring", 1614). Il dramma ha una base storica. Nel 1476, nella città di Fuente Ovejuna, scoppiò una rivolta contadina contro le atrocità dell'ordine cavalleresco di Calatavra e del suo comandante, Fernand Gomez de Guzman, che commise atrocità e ogni tipo di violenza. La rivolta si concluse con l'assassinio del comandante. Nel dramma di Lope de Vega, il Comandante è un tiranno e uno stupratore che invade l'onore delle contadine, una delle quali, l'orgogliosa Laurencia, chiede ai compaesani una giusta vendetta. Ci sono molte immagini vivide nell'opera, eppure il personaggio principale qui sono le persone unite nel loro desiderio di ripristinare la giustizia.

Le commedie di Lope de Vega si distinguono per il pathos che afferma la vita, l'atteggiamento comprensivo nei confronti della gente comune, la fede nella loro resistenza morale.

Dopo la rapida ascesa vissuta dalla Spagna durante il Rinascimento, a partire dalla fine degli anni '30 del XVII secolo, si fanno sempre più netti i segni del declino, dovuto principalmente a ragioni socio-politiche. La cessazione dell'afflusso di oro dall'America, il completo crollo della vita economica interna del paese, una serie di fallimenti di politica estera: tutto ciò ha finalmente minato il potere economico e politico della Spagna.

I problemi socio-politici, la crisi della coscienza umanistica, la più severa reazione cattolico-feudale, la distruzione del sistema feudale nel suo insieme hanno causato stati d'animo decadenti nella società. Un tentativo di comprendere ciò che sta accadendo, di uscire da uno stato di crisi spirituale, di trovare fondamenti morali nelle nuove condizioni storiche è stato il barocco, rappresentato più chiaramente nell'opera di Luis de Gongora (1561-1627) E Pedro Calderón (1600-1681).

Gongora è stato il più grande poeta del barocco spagnolo. Lo stile di Gongora si distingue per la ricchezza metaforica, l'uso di neologismi, arcaismi. Il poeta abbandona la sintassi tradizionale. Il vocabolario è pieno di parole ambigue: "I rubini delle tue labbra nella neve della cornice" - sul candore del viso, "neve volante" - su un uccello bianco, "neve in fuga" - su Galatea che fugge da Polifemo. Nonostante la ricchezza figurativa, Gongora crea "poesia per la mente", richiedendo un lavoro intellettuale attivo da parte del lettore. L'abilità poetica di Gongora si manifestò in modo più completo nelle poesie Il racconto di Polifemo e Galatea (1612) e La solitudine (1614). La poesia "Solitude" intreccia strettamente l'idea rinascimentale dell'armoniosa convivenza tra uomo e natura con il concetto barocco dell'eterna solitudine dell'uomo nel mondo.

L'arte di Calderon ha assorbito le migliori tradizioni del Rinascimento, ma, essendo generata da un'epoca diversa, dà una visione del mondo completamente diversa. Calderon ha scritto 120 commedie di vario contenuto, 80 "autos sacramentales" (o "azioni sacre") e 20 intermezzi. Con la sua coscienza artistica, Calderon è connesso sia con il Rinascimento spagnolo che con i fenomeni di crisi del suo tempo.

Continuando la tradizione del grande predecessore di Lope de Vega, Calderon scrisse commedie "capo e spada". La più famosa è la commedia spiritosa e allegra The Invisible Lady (1629), scritta in un linguaggio semplice ed elegante. Esprime l'idea del gioco d'azzardo che domina la vita. La casualità qui, come in altre commedie, gioca un ruolo di formazione della trama.

Tuttavia, non sono state le commedie rinascimentali e i drammi folk-realistici a portare Calderon alla fama mondiale. La vitalità e l'ottimismo non sono diventati il ​​​​tono del suo lavoro. Il vero Calderon è da ricercarsi nei suoi "autos sacramentales" e nei suoi drammi filosofici e simbolici, pieni di umori escatologici, problemi esistenziali che travolgono con la loro insolubilità, contraddizioni che drenano la coscienza. Già nel dramma giovanile dell '"Adorazione della Croce" di Calderon (1620), lo stato d'animo scettico nei confronti della religione, caratteristico degli umanisti, è sostituito da una cupa frenesia religiosa. God Calderon è una forza formidabile e spietata, di fronte alla quale una persona si sente insignificante e persa.

Nel dramma filosofico e allegorico Life is a Dream (1634), la glorificazione della dura dottrina cattolica si unisce alla predicazione della necessità dell'umiltà e della sottomissione alla divina provvidenza. Il principale concetto drammatico di Calderon è l'idea che il destino umano sia predeterminato dal destino, che la vita terrena temporanea sia illusoria, è solo una preparazione per l'eterno aldilà.

Il tempo e l'ambiente hanno determinato non solo la natura della visione del mondo, la direzione generale del lavoro di Calderon, ma anche la sua originalità come artista. La drammaturgia di Calderon è notevole per la sua profondità filosofica, la raffinatezza dei conflitti psicologici e l'agitato lirismo dei monologhi. La trama nelle commedie di Calderon gioca un ruolo secondario, tutta l'attenzione è rivolta a rivelare il mondo interiore dei personaggi. Lo sviluppo dell'azione è sostituito da un gioco di idee. Lo stile di Calderon è caratterizzato da pathos retorico, alte immagini metaforiche, che lo rendono imparentato con il gongorismo, una delle correnti del barocco letterario spagnolo.

L'audacia poetica di Calderon è stata molto apprezzata da A. S. Pushkin.

Letteratura d'Italia

Nel XVII secolo l'Italia vive una crisi degli ideali umanistici.

In questa situazione, il barocco viene in primo piano, espresso più chiaramente nel marinismo, una tendenza che ha preso il nome dal poeta italiano Giambattista Marino (1569-1625). Nelle opere dei pittori di marine, seguaci di Marino, la forma oscurava il contenuto con la sua raffinatezza verbale e il suo narcisismo. Non ci sono argomenti socialmente importanti qui, nessun problema di attualità del nostro tempo. La particolarità della lettera sono metafore complesse, immagini bizzarre, confronti inaspettati. Marino è stato l'inventore dei cosiddetti "concetti" - frasi virtuose, paradosso verbale, epiteti usati in modo insolito, giri di parole insoliti ("dotto ignoramus", "dolore gioioso").

La gloria di Marino in Italia era onnipresente. Tuttavia, i contemporanei del poeta videro il pericolo del Marinismo e vi si opposero con poesie di attualità politica che esprimessero i bisogni e le aspirazioni del popolo italiano, raccontandone le sofferenze (Fulvio Testi, Vincenzo Filicaia, Alessandro Tassoni).

Alessandro Tassoni (1565-1635) Rifiutò sia i poeti barocchi (Marinisti) sia i difensori dell'imitazione e dell'autoritarismo nella poesia italiana (i Classicisti). Come poeta patriottico, intervenne attivamente nella vita politica del Paese, si oppose alla frammentazione regionale dell'Italia, invocò la lotta per la sua indipendenza (la poesia "Il secchio rubato").

La prosa italiana del XVII secolo è rappresentata da nomi Galileo Galilei (1564-1642), che ha utilizzato l'arte polemica del giornalismo per diffondere le sue idee scientifiche ("Dialogo sui due principali sistemi del mondo"), Traiano Boccalini (1556-1613), protestando contro il predominio degli spagnoli in Italia, contro lo snobismo aristocratico, contro gli apologeti del classicismo, che riconoscono solo i canoni estetici di Aristotele (la satira "Notizie dal Parnaso").

Letteratura di Francia

La politica dello stato assolutista, volta all'eliminazione del regionalismo feudale e alla trasformazione della Francia in una potente potenza nell'Europa occidentale, corrispondeva alla tendenza storicamente progressista dell'epoca, che determinò il carattere del classicismo come fenomeno letterario avanzato per il suo tempo. Il metodo artistico principale, ufficialmente riconosciuto dal governo della Francia assolutista, era il classicismo. La letteratura classica rifletteva l'ascesa dell'autocoscienza nazionale degli strati progressisti della società francese durante il periodo di transizione dalla frammentazione feudale all'unità nazionale.

Sotto il cardinale Richelieu (1624-1642), la creazione di un potente stato monarchico, iniziata dal predecessore di Luigi XIII, Enrico IV, fu sostanzialmente completata. Richelieu regolava e subordinava al trono tutti gli aspetti della vita statale, sociale e culturale. Nel 1634 creò l'Accademia di Francia. Richelieu ha patrocinato la stampa periodica che stava emergendo in Francia.

Durante il suo regno, Theophrastus Renaudeau fondò il primo giornale francese, la Gazett de France (1631). (Il Premio Théophrastus Renaudeau è uno dei più alti riconoscimenti letterari nella Francia contemporanea.)

La progressività storica del classicismo si manifesta nella sua stretta connessione con le tendenze avanzate dell'epoca, in particolare con la filosofia razionalista. René Descartes (1596-1650), il cosiddetto cartesianesimo. Cartesio combatté coraggiosamente contro l'ideologia feudale medievale, la sua filosofia era basata sui dati delle scienze esatte. Il criterio di verità per Cartesio era la ragione. “Penso, dunque esisto”, diceva.

Il razionalismo divenne la base filosofica del classicismo. Contemporanei di Cartesio, teorici del classicismo Francesco Malherbe (1555-1628) E Nicolas Boileau (1636-1711) creduto nel potere della ragione. Credevano che i requisiti elementari della ragione - il criterio più alto del valore oggettivo di un'opera d'arte - obbligassero l'arte alla veridicità, chiarezza, coerenza, chiarezza e armonia compositiva delle parti e del tutto. Lo hanno chiesto anche in nome dell'osservanza delle leggi dell'arte antica, che hanno guidato nella creazione del programma classico.

L'ammirazione degli scrittori del XVII secolo per la ragione si rifletteva anche nelle famigerate regole sulle "tre unità" (tempo, luogo e azione) - uno dei principi fondamentali della drammaturgia classica.

Il poema didattico di N. Boileau "Poetic Art" (1674) divenne il codice del classicismo francese.

È stato notato sopra che i classicisti, come gli artisti del Rinascimento, si affidavano all'arte antica nella loro estetica e creatività artistica. Tuttavia, a differenza degli scrittori del Rinascimento, i teorici del classicismo si sono rivolti principalmente non al greco antico, ma alla letteratura romana del periodo dell'impero. La monarchia di Luigi XIV, il "Re Sole", come si definiva, era paragonata all'Impero Romano, gli eroi delle tragedie classiche erano dotati di valore e grandezza romani. Da qui la ben nota convenzionalità della letteratura del classicismo, il suo carattere pomposo e decorativo.

Eppure i classicisti francesi non erano pazzi imitatori di scrittori antichi. Il loro lavoro aveva un carattere profondamente nazionale, era strettamente connesso alle condizioni sociali in Francia durante il periodo di massimo splendore dell'assolutismo. I classicisti, riuscendo a coniugare l'esperienza della letteratura antica con le tradizioni del loro popolo, hanno creato il proprio stile artistico originale. Corneille, Racine e Molière hanno creato esempi di arte classica in modo drammatico.

La concezione classica dell'arte, nonostante tutta la sua monumentalità, non può essere immaginata come qualcosa di congelato e immutabile. All'interno del campo classicista non c'era una completa unità di visioni socio-politiche, filosofiche ed etiche. Anche Corneille e Racine - i creatori dell'alta tragedia classica - differivano in molti modi.

A differenza dei certosini ortodossi Boileau e Racine, Molière e La Fontaine erano studenti del materialista Gassendi (1592-1655), un eccezionale scienziato francese che considerava l'esperienza sensoriale la principale fonte di ogni conoscenza. Il suo insegnamento si rifletteva sia nell'estetica di questi scrittori che nel democratismo, ottimismo e orientamento umanistico del loro lavoro.

Il genere principale del classicismo era la tragedia, raffigurante eroi nobili e passioni idealizzate. Il creatore del teatro della tragedia francese era Pietro Corneille (1608-1684). Corneille iniziò la sua attività letteraria con poesie e commedie, che non ebbero molto successo.

La gloria arriva a Corneille con l'apparizione sul palcoscenico della tragedia "Sid" (1636). Lo spettacolo si basa sul tragico conflitto tra passione e dovere, su cui è costruita la tragedia.

Il giovane e valoroso cavaliere Rodrigo, vendicando l'insulto inflitto al padre, uccide in duello il padre della sua amata Jimena. Jimena giustifica l'atto di Rodrigo, che ha adempiuto al dovere dell'onore familiare, e adempie al proprio: chiede al re la morte della sua amata. Adempiendo al loro dovere familiare, Rodrigo e Jimena diventano profondamente infelici. Dopo l'attacco alla Castiglia da parte dei Mori, una brillante vittoria su di loro, Rodrigo diventa un eroe nazionale. Corneille contrappone il dovere familiare al dovere verso la madrepatria. L'onore feudale deve lasciare il posto all'onore civile. Cercano di convincere Jimena dell'incoerenza delle sue richieste: gli interessi della famiglia devono essere sacrificati in nome della necessità sociale. Jimena accetta la nuova moralità, soprattutto perché risponde ai suoi sentimenti personali. Corneille ha dimostrato in modo convincente che la nuova morale di stato è più umana della morale feudale. Ha mostrato l'emergere di un nuovo ideale di stato nell'era dell'assolutismo. Il re di Castiglia, Don Fernando, è raffigurato nella commedia come un autocrate ideale, garante del benessere generale e della felicità personale dei suoi sudditi, se conformano le loro azioni agli interessi dello stato.

Così, in "Sid" si afferma l'idea di progressività della monarchia assolutista, che, in determinate condizioni storiche, rispondeva alle esigenze del tempo.

Nonostante il suo successo di pubblico, "Sid" ha causato serie polemiche nei circoli letterari. Nel "Parere dell'Accademia di Francia sul lato" (1638), l'opera di Corneille fu condannata per incoerenza con i canoni del classicismo. In uno stato depresso, Corneille parte per la sua terra natale. Tuttavia, quattro anni dopo, Corneille portò da Rouen due nuove tragedie, che sono già abbastanza coerenti con i canoni classici (Orazio, Cinna). Come tragico, Corneille preferiva la tragedia storica e politica. I problemi politici delle tragedie determinarono anche la norma di comportamento che Corneille voleva insegnare allo spettatore: questa è l'idea di coscienza eroica, patriottismo.

Nella tragedia "Orazio" (1640), il drammaturgo ha utilizzato la trama della storia di Tito Livio. Al centro del drammatico conflitto c'è il combattimento unico di due città: Roma e Alba Longa, che dovrebbe essere risolto dal duello dei fratelli Orazi e Curi, legati da legami di amicizia e parentela. Nella commedia, il dovere è inteso in modo inequivocabile: è un dovere patriottico.

Incapace di perdonare il fratello Orazio per la morte del fidanzato, Camilla maledice Roma, distruggendo la sua felicità. Orazio, considerando sua sorella una traditrice, la uccide. La morte di Camilla provoca un nuovo conflitto: secondo il diritto romano l'assassino deve essere giustiziato. Il padre di Horace dimostra che la giusta rabbia, il dovere civico e il sentimento patriottico lo hanno spinto a uccidere suo figlio. Orazio, che ha salvato Roma, è necessario per la sua patria: compirà molte altre imprese. Re Tull concede la vita a Horace. Il valore civile ha espiato il delitto. La tragedia di "Orazio" divenne l'apoteosi dell'eroismo civico.

La tragedia "Cinna, o la misericordia di Augusto" (1642) raffigura i primi giorni del regno dell'imperatore Ottaviano-Augusto, che apprende che si sta preparando una cospirazione contro di lui. Lo scopo della tragedia è mostrare quale tattica sceglierà il sovrano in relazione ai cospiratori. Corneille è convinto che gli interessi dello stato possano coincidere con le aspirazioni private delle persone se al potere è un monarca intelligente e giusto.

I cospiratori della tragedia - Cinna, Maxim, Emilia - agiscono per due motivi. Il primo motivo è politico: vogliono riportare Roma a una forma di governo repubblicana, non rendendosi conto della loro miopia politica. Sostenitori delle libertà politiche, non capiscono che la repubblica è diventata obsoleta e Roma ha bisogno di un governo fermo. Il secondo motivo è personale: Emilia vuole vendicare il padre, ucciso da Augusto; Cinna e Maxim, innamorati di Emilia, vogliono raggiungere un sentimento reciproco.

L'imperatore, soppressa la sua ambizione, vendetta, crudeltà, decide di perdonare i cospiratori. Stanno attraversando un processo di rinascita. La misericordia ha trionfato sulle loro passioni egoistiche. Videro in Augusto un monarca saggio e divennero suoi sostenitori.

La più alta saggezza statale, secondo Corneille, si manifesta nella misericordia. Una saggia politica pubblica deve combinare il ragionevole con l'umano. Un atto di misericordia, quindi, è un atto politico, compiuto non dal buon Ottaviano, ma dal saggio imperatore Augusto.

Durante il periodo della "prima maniera" (fino al 1645 circa), Corneille invocò il culto di uno stato ragionevole, creduto nella giustizia dell'assolutismo francese ("Martyr Polyeuct", 1643; "Death of Pompey", 1643; "Theodora - vergine e martire”, 1645; commedia “Bugiardo”, 1645).

Corneille della "seconda maniera" sopravvaluta molti dei principi politici della monarchia francese che sembravano così forti ("Rodogonda - la principessa dei Parti", 1644; "Eraclio - Imperatore d'Oriente", 1646; "Nycomedes", 1651, ecc. .). Corneille continua a scrivere tragedie storiche e politiche, ma l'accento si sta spostando. Ciò è dovuto ai cambiamenti nella vita politica della società francese dopo l'ascesa al trono di Luigi XIV, che ha significato l'instaurazione di un dominio illimitato del regime assolutista. Ora Corneille, il cantante della ragionevole statualità, stava soffocando nell'atmosfera del vittorioso assolutismo. L'idea del servizio pubblico sacrificale, interpretato come il dovere più alto, non era più uno stimolo per il comportamento degli eroi delle commedie di Corneille. La molla dell'azione drammatica sono gli interessi personali ristretti, le ambizioni ambiziose dei personaggi. L'amore da un sentimento moralmente elevato si trasforma in un gioco di passioni sfrenate. Il trono reale sta perdendo stabilità morale e politica. Non la ragione, ma il caso decide il destino degli eroi e dello stato. Il mondo diventa irrazionale e traballante.

Le ultime tragedie di Corneille, vicine al genere della tragicommedia barocca, sono la prova di un allontanamento dalle rigide norme classiciste.

Il classicismo francese ha ricevuto la sua espressione più completa e completa nelle opere di un altro grande poeta nazionale di Francia. Jean Racine (1639-1690). Al suo nome è associata una nuova fase nello sviluppo della tragedia classica. Se Corneille ha sviluppato principalmente il genere dell'eroica tragedia storica e politica, allora Racine ha agito come l'ideatore di una tragedia amorosa-psicologica, satura allo stesso tempo di un grande contenuto politico.

Uno dei principi creativi più importanti di Racine era il desiderio di semplicità e plausibilità, in contrasto con l'attrazione di Corneille per lo straordinario e l'eccezionale. Inoltre, questo desiderio è stato esteso da Racine non solo alla costruzione della trama della tragedia e dei caratteri dei suoi personaggi, ma anche al linguaggio e allo stile dell'opera teatrale.

Basandosi sull'autorità di Aristotele, Racine ha rifiutato l'elemento principale del teatro di Corneille: "l'eroe perfetto". "Aristotele non solo è molto lontano dal pretendere da noi eroi perfetti, ma, al contrario, vuole che i personaggi tragici, cioè quelli le cui disgrazie creano una catastrofe nella tragedia, non siano né completamente buoni né completamente cattivi".

Per Racine era importante affermare il diritto dell'artista di raffigurare la “persona media” (non in senso sociale, ma in senso psicologico), di ritrarre le debolezze di una persona. Gli eroi, secondo Racine, dovrebbero avere virtù medie, cioè una virtù capace di debolezza.

La prima grande tragedia di Racine fu Andromaca (1667). Passando al tema mitologico greco, già sviluppato nell'antichità da Omero, Virgilio ed Euripide, Racine, invece, interpreta in modo nuovo la trama classica. Cedendo all'influenza delle passioni, gli eroi della tragedia - Pirro, Hermione, Oreste - nel loro egoismo si sono rivelati persone crudeli capaci di crimine.

Creando l'immagine di Pirro, Racine risolve un problema politico. Pirro (monarca) dovrebbe essere responsabile del benessere dello stato, ma, cedendo alla passione, le sacrifica gli interessi dello stato.

Anche Hermione diventa vittima della passione, una delle immagini più convincenti della tragedia, il cui stato interno è ottimamente motivato psicologicamente. Respinta da Pirro, l'orgogliosa e ribelle Hermione diventa egoista e dispotica nelle sue aspirazioni e azioni.

Ad Andromaca seguì il Britannico (1669), la prima tragedia di Racine dedicata alla storia dell'antica Roma. Come in Andromaca, il monarca è qui ritratto come uno spietato tiranno. Il giovane Nerone distrugge a tradimento il fratellastro Britannico, il cui trono occupava illegalmente e che Junia, a cui piaceva, ama. Ma Racine non si limitò a condannare il dispotismo di Nerone. Ha mostrato la forza del popolo romano come giudice supremo della storia.

"Il cantante di donne e re innamorati" (Pushkin), Racine ha creato un'intera galleria di immagini di eroine positive, unendo un senso di dignità umana, resistenza morale, capacità di sacrificio di sé, capacità di resistere eroicamente a qualsiasi violenza e arbitrarietà. Tali sono Andromaca, Junia, Berenice ("Berenice", 1670), Monima ("Mitridate", 1673), Ifigenia ("Iphigenia in Aulis", 1674).

L'apice dell'opera poetica di Racine in termini di potere artistico di rappresentare le passioni umane, in termini di perfezione del verso, è la Fedra scritta nel 1677, che lo stesso Racine considerava la sua migliore creazione.

La regina Fedra ama appassionatamente il figliastro Ippolito, innamorato della principessa ateniese Arikia. Avendo ricevuto false notizie sulla morte del marito Teseo, Fedra confessa i suoi sentimenti a Ippolito, ma lui la rifiuta. Al ritorno di Teseo, Fedra, in un impeto di disperazione, paura e gelosia, decide di calunniare Ippolito. Poi, tormentato dalle fitte del pentimento e dell'amore, prende il veleno; confessando tutto al marito, muore.

La principale innovazione di Racine è legata al personaggio di Fedra. In Racine Fedra è una donna sofferente. La sua tragica colpa è l'incapacità di far fronte al sentimento, che Fedra stessa definisce criminale. Racine comprende e incarna nella sua tragedia non solo i conflitti morali e psicologici della sua epoca, ma scopre anche i modelli generali della psicologia umana.

Il primo traduttore russo di Racine fu Sumarokov, che ricevette il soprannome di "Russian Racine". Nel 19 ° secolo, A. S. Pushkin ha mostrato un atteggiamento premuroso nei confronti di Racine. Ha attirato l'attenzione sul fatto che il drammaturgo francese è riuscito a mettere un contenuto profondo nella forma galantemente raffinata delle sue tragedie, e questo gli ha permesso di collocare Racine accanto a Shakespeare. In un articolo incompiuto del 1830 sullo sviluppo dell'arte drammatica, che servì da introduzione all'analisi del dramma di M. P. Pogodin “Martha Posadnitsa”, Pushkin scrisse: “Cosa si sviluppa nella tragedia, qual è il suo scopo? L'uomo e la gente. Il destino dell'uomo, il destino del popolo. Ecco perché Racine è fantastico, nonostante la forma ristretta della sua tragedia. Ecco perché Shakespeare è fantastico, nonostante la disuguaglianza, la negligenza, la bruttezza del finale ”(Pushkin - critico. - M., 1950, p. 279).

Se i migliori esempi di tragedia classica sono stati creati da Corneille e Racine, allora la commedia classica è stata interamente creata da Molière (1622-1673).

La biografia dello scrittore di Molière (Jean Baptiste Poquelin) inizia con la commedia poetica in cinque atti "Naughty, or Everything Out of Place" (1655) - una tipica commedia di intrighi. Nel 1658, la fama arriverà a Molière. Le sue esibizioni riscuoteranno un grande successo, sarà patrocinato dallo stesso re, ma persone invidiose, pericolosi avversari, tra coloro che Molière metteva in ridicolo nelle sue commedie, lo perseguitarono fino alla fine della sua vita.

Molière ha riso, esposto, accusato. Le frecce della sua satira non risparmiavano né i membri ordinari della società né i nobili di alto rango.

Nella prefazione alla commedia "Tartuffe" Molière scrive: "Il teatro ha un grande potere correttivo". "Infliggiamo ai vizi un duro colpo esponendoli al pubblico ridicolo". "Il compito della commedia è correggere le persone divertendole." Il drammaturgo era ben consapevole del significato sociale della satira: "La cosa migliore che posso fare è esporre i vizi della mia età in immagini divertenti".

Nelle commedie "Tartuffe", "The Miser", "The Misanthrope", "Don Juan", "The Philistine in the Nobility" Molière solleva profondi problemi sociali e morali, offre la risata come la medicina più efficace.

Molière è stato l'ideatore della "commedia di carattere", dove un ruolo importante non è stato svolto dall'azione esterna (sebbene il drammaturgo abbia abilmente costruito un intrigo comico), ma dallo stato morale e psicologico dell'eroe. Il personaggio di Molière è dotato, secondo la legge del classicismo, di un tratto caratteriale dominante. Ciò consente allo scrittore di dare un'immagine generalizzata dei vizi umani: avarizia, vanità, ipocrisia. Non c'è da stupirsi che alcuni dei nomi dei personaggi di Molière, ad esempio Tartuffe, Harpagon, siano diventati nomi comuni; un ipocrita e un ipocrita si chiamano tartufo, un avaro si chiama arpagone. Molière osservava le regole del classicismo nelle sue commedie, ma non rifuggiva dalla tradizione popolare del teatro farsesco, scriveva non solo "alte commedie", in cui sollevava seri problemi sociali, ma anche allegre "commedie-balletti". . Una delle famose commedie di Molière, "Il filisteo nella nobiltà", unisce con successo la serietà e l'attualità del problema posto con l'allegria e la grazia della "commedia-balletto". Moliere vi disegna una vivida immagine satirica del ricco borghese Jourdain, che si inchina alla nobiltà e sogna di entrare a far parte dell'ambiente aristocratico.

Lo spettatore ride delle affermazioni infondate di una persona ignorante e maleducata. Sebbene Molière rida del suo eroe, non lo disprezza. Il credulone e ottuso Jourdain è più attraente degli aristocratici che vivono dei suoi soldi, ma disprezzano Jourdain.

Un esempio di commedia classica "seria" è stata la commedia "Il misantropo", dove il problema dell'umanesimo si risolve nelle controversie tra Alceste e Philint. Nelle parole di Alceste, piene di disperazione, sui vizi e le ingiustizie che regnano nel mondo umano, c'è una critica tagliente delle relazioni sociali. Le rivelazioni di Alceste rivelano il contenuto sociale della commedia.

Moliere ha fatto una scoperta nel campo della commedia. Utilizzando il metodo della generalizzazione, il drammaturgo, attraverso un'immagine individuale, ha espresso l'essenza del vizio sociale, ha ritratto i tratti sociali tipici del suo tempo, il livello e la qualità dei suoi rapporti morali.

Il classicismo francese si manifestava più chiaramente nella drammaturgia, ma era anche espresso abbastanza chiaramente in prosa.

Esempi classici del genere dell'aforisma furono creati in Francia da La Rochefoucauld, La Bruyère, Vauvenart, Chamfort. Era un brillante maestro dell'aforisma Francesco de La Rochefoucauld (1613-1689). Nel libro "Riflessioni, o detti morali e massime" (1665), lo scrittore ha creato un modello peculiare di "uomo in generale", ha delineato una psicologia universale, un ritratto morale dell'umanità. Il quadro dipinto era uno spettacolo cupo. Lo scrittore non crede nella verità o nella bontà. Anche l'umanità e la nobiltà, secondo lo scrittore, sono solo una posa spettacolare, una maschera che copre l'interesse personale e la vanità. Generalizzando le sue osservazioni, vedendo una legge universale nel fenomeno storico, La Rochefoucauld arriva all'idea dell'essenza egoistica della natura umana. L'egoismo come istinto naturale, come potente meccanismo da cui dipendono le azioni di una persona, è alla base delle sue motivazioni morali. Per una persona l'odio per la sofferenza e il desiderio di piacere sono naturali, quindi la moralità è un raffinato egoismo, un "interesse" ragionevolmente inteso di una persona. Per frenare il naturale amor proprio, una persona ricorre all'aiuto della ragione. Seguendo Descartes, La Rochefoucauld chiede un ragionevole controllo sulle passioni. Questa è l'organizzazione ideale del comportamento umano.

Jean La Bruyère (1645-1696) noto come l'autore dell'unico libro, Characters, or Morals of this Age (1688). Nell'ultima nona edizione del libro, La Bruyère ha descritto 1120 caratteri. Prendendo come modello l'opera di Teofrasto, La Bruyère complicò notevolmente la maniera dell'antico greco: non solo scopre le cause dei vizi e delle debolezze delle persone. Lo scrittore stabilisce la dipendenza del carattere umano dall'ambiente sociale. La Bruyère fa derivare regolarità tipiche, generalissime, dalla diversità concreta e individuale. I "Personaggi" raffigurano i vari strati della società parigina e provinciale dell'epoca di Luigi XIV. Dividendo il libro in capitoli "Corte", "Città", "Sovrano", "Nobili", ecc., L'autore ne costruisce la composizione secondo la classificazione interna dei ritratti (principi, avari, pettegoli, chiacchieroni, adulatori, cortigiani, banchieri, monaci, borghesi, ecc.). La Bruyère, l'ultimo grande classicista del XVII secolo, combinando nel suo libro vari generi (massime, dialoghi, ritratto, racconto, satira, moralità morale), segue una logica rigorosa, subordina le sue osservazioni a un'idea generale, crea personaggi tipici.

Nel 1678 apparve il romanzo La principessa di Cleves, scritto da Marie de Lafayette (1634-1693). Il romanzo si distingueva per un'interpretazione approfondita delle immagini e un'accurata rappresentazione delle circostanze reali. Lafayette racconta la storia dell'amore della moglie del principe di Cleves per il duca di Nemours, sottolineando la lotta tra passione e dovere. Vivendo una passione amorosa, la Principessa di Cleves la supera con uno sforzo di volontà. Dopo essersi ritirata in una dimora pacifica, è riuscita con l'aiuto della sua mente a mantenere la pace e la purezza spirituale.

Letteratura della Germania

Nel XVII secolo la Germania porta l'impronta tragica della Guerra dei Trent'anni (1618-1648). La pace di Vestfalia ne formalizzò la divisione in tanti piccoli principati. La frammentazione, il declino del commercio, la produzione artigianale hanno portato al declino della cultura.

Il poeta ha svolto un ruolo enorme nella rinascita della cultura tedesca dei tempi moderni. Martin Opitz (1597-1639) e il suo trattato teorico Il libro della poesia tedesca.

Instillando il canone classicista nella letteratura tedesca, Opitz invita a studiare l'esperienza poetica dell'antichità, formula i compiti principali della letteratura e pone l'accento sul compito dell'educazione morale. Opitz ha introdotto il sistema sillabico-tonico di versificazione, ha cercato di regolare la letteratura e ha stabilito una gerarchia di generi. Prima di Opitz, i poeti tedeschi scrivevano principalmente in latino. Opitz ha cercato di dimostrare che i capolavori poetici possono essere creati anche in tedesco.

Opitz divenne uno dei primi cronisti della Guerra dei Trent'anni. Una delle opere migliori è la poesia "Una parola di consolazione tra i disastri della guerra" (1633). Il poeta invita i suoi compatrioti a elevarsi al di sopra del caos della vita, a trovare sostegno nelle proprie anime. Il tema della condanna della guerra si sente nelle poesie "Zlatna" (1623) e "Lode al dio della guerra" (1628). Il "classicismo colto" di Opitz non ebbe ampio sviluppo, e già nel lavoro dei suoi studenti Fleming e Logau si nota chiaramente l'influenza della poetica barocca.

Un eccezionale poeta del barocco tedesco era Andreas Grifio (1616-1664), catturando con toni penetranti e tristi la visione del mondo dell'era della Guerra dei Trent'anni.

La poesia di Gryphius è satura di immagini emotive, visive, simboli, emblemi. I trucchi preferiti di Grifio sono l'enumerazione, l'accumulo deliberato di immagini, il confronto contrastante. "Una fredda foresta oscura, una grotta, un teschio, un osso - // Tutto dice che sono un ospite nel mondo, // Che non sfuggirò né alla debolezza né al decadimento."

Gryphius è anche il fondatore del dramma tedesco, il creatore della tragedia barocca tedesca ("Il leone dell'armeno, o il regicida" (1646), "La maestà assassinata, o Charles Stewart, re di Gran Bretagna" (1649) , eccetera.).

Una figura sorprendente del barocco tedesco era un poeta originale Johann Gunther (1695-1723). Gunther sviluppa l'idea di Gryphius sui migliori sentimenti saccheggiati dalla guerra, sulla patria che ha dimenticato i suoi figli ("To the Fatherland"). Il poeta si oppone all'ottusità della vita, alla miseria, alla realtà tedesca, alla sua arretratezza e inerzia. Molti dei motivi della sua poesia saranno poi ripresi e sviluppati dai rappresentanti del movimento Sturm und Drang.

Il più grande rappresentante in prosa barocca è Hans Jacob Christoffel Grimmelshausen (1622-1676). La sua opera migliore è il romanzo Simplicissimus (1669). L'autore descrive l'insolito viaggio dell'eroe, il cui nome - Simplicius Simplicissimus - si traduce come "il più semplice dei più semplici". Un giovane contadino ingenuo e disinteressato, camminando lungo il sentiero della vita, incontra rappresentanti di vari strati sociali della società tedesca. L'eroe deve affrontare l'arbitrarietà, la crudeltà che regna nel mondo, la mancanza di onestà, giustizia, gentilezza.

Nel palazzo del sovrano di Hanau, vogliono fare di Simplicio un giullare: indossano una pelle di vitello, lo conducono su una corda, fanno una smorfia, lo prendono in giro. L'ingenuità e la sincerità dell'eroe è percepita da tutti come follia. Attraverso l'allegoria, Grimmelshausen vuole raccontare al lettore la cosa più importante: un mondo terribile in cui la sfortuna di una persona funge da divertimento. La guerra ha indurito il popolo. Simplicissimus cerca la gentilezza nei cuori umani, chiama tutti alla pace. Tuttavia, l'eroe trova la pace della mente su un'isola deserta, lontano da una feroce civiltà.

Grimmelshausen è stato il primo nella letteratura tedesca a mostrare quale effetto distruttivo ha la guerra sulle anime umane. Nel suo eroe, lo scrittore incarnava il sogno di un'intera persona fisica che vive secondo le leggi della moralità popolare. Ecco perché anche oggi il romanzo è percepito come una vivida opera contro la guerra.

Letteratura d'Inghilterra

Nello sviluppo della letteratura inglese del XVII secolo, indissolubilmente legata agli eventi politici, si distinguono tradizionalmente tre periodi:

1. Periodo pre-rivoluzionario (1620-1630).

2. Periodo di rivoluzione, guerra civile e repubblica (1640-1650).

3. Periodo della Restaurazione (1660-1680).

Nel primo periodo (anni 20-30 del XVII secolo) nella letteratura inglese si assiste a un declino della drammaturgia e del teatro. L'ideologia della reazione assolutista trionfante trova espressione nelle attività della cosiddetta "scuola metafisica", che crea letteratura speculativa astratta dai problemi della realtà, così come la "scuola carolina", che comprendeva poeti monarchici. Nel lavoro di D. Donn, D. Webster,

Si sentono motivi di solitudine, predestinazione fatale, disperazione di T. Dekker.

Questo era il più giovane contemporaneo di Shakespeare Ben Jonson (1573-1637), autore delle commedie che affermano la vita e realistiche Volpone (1607), Episin, or the Silent Woman (1609), The Alchemist (1610), Bartholomew's Fair (1610).

Negli anni 1640 e 1650, il giornalismo (tratti, opuscoli, sermoni) era di grande importanza. Le opere pubblicitarie e artistiche degli scrittori puritani avevano spesso una colorazione religiosa e allo stesso tempo erano sature di protesta, lo spirito di una feroce lotta di classe. Riflettevano non solo le aspirazioni della borghesia guidata da Cromwell, ma gli stati d'animo e le aspettative delle grandi masse popolari, espresse nell'ideologia dei Livellatori ("equalizzatori"), e in particolare dei "veri Livellatori" o "scavatori". ("scavatori"), che facevano affidamento sui poveri delle campagne.

L'opposizione democratica degli anni Quaranta e Cinquanta del Seicento fece avanzare il talentuoso pubblicista di Leveler John Lilburn (1618-1657). Il famoso opuscolo di Lilburne "The New Chains of England" era diretto contro l'ordine di Cromwell, che si trasformò da comandante rivoluzionario in un signore protettore dai modi dispotici. Le tendenze democratiche sono distinte nell'opera di Gerald Winstanley (1609 - circa 1652). I suoi trattati e opuscoli accusatori (The Banner Raised by the True Levellers, 1649; Declaration of the Poor, Oppressed People of England, 1649) sono diretti contro la borghesia e la nuova nobiltà.

Il rappresentante più importante del campo rivoluzionario nella letteratura inglese degli anni 40-50 del XVII secolo fu Giovanni Milton (1608-1674).

Nel primo periodo del suo lavoro (1630), Milton scrisse una serie di poesie liriche e due poesie "Cheerful" e "Pensive", che delineano le principali contraddizioni del lavoro successivo: la coesistenza di puritanesimo e umanesimo rinascimentale. Negli anni Quaranta e Cinquanta del Seicento Milton fu attivamente coinvolto nella lotta politica. Quasi non si rivolge alla poesia (scrive solo 20 sonetti) e si dedica interamente al giornalismo, creando alla fine esempi eccezionali di prosa giornalistica del XVII secolo. Il terzo periodo dell'opera di Milton (1660-1674) coincide con l'era della Restaurazione (1660-1680). Milton si allontana dalla politica. Il poeta si rivolge alla creatività artistica e scrive poemi epici su larga scala Paradise Lost (1667), Paradise Regained (1671) e la tragedia Samson the Wrestler (1671).

Scritte su argomenti biblici, queste opere sono intrise di un ardente spirito rivoluzionario. In Paradise Lost, Milton racconta la storia della ribellione di Satana contro Dio. L'opera ha molte caratteristiche dell'era Milton contemporanea. Anche nel periodo della reazione più severa, Milton rimane fedele ai suoi principi tirannici e repubblicani. La seconda trama è collegata alla storia della caduta di Adamo ed Eva: questa è una comprensione del difficile percorso dell'umanità verso la rinascita morale.

In Paradise Regained, Milton continua la sua riflessione sulla rivoluzione. La glorificazione della fortezza spirituale di Cristo, che rifiuta tutte le tentazioni di Satana, è servita da edificazione ai recenti rivoluzionari, che avevano paura della reazione e si sono affrettati a schierarsi dalla parte dei monarchici.

Anche l'ultima opera di Milton - la tragedia "Samson the Wrestler" - è allegoricamente collegata agli eventi della Rivoluzione inglese. In esso, tormentato dai nemici politici, Milton chiede vendetta e continua la lotta delle persone per un'esistenza degna.