Le fasi principali della creatività. La carriera di Shakespeare è divisa in tre periodi Cronache teatrali della storia dell'Inghilterra

Nei primi anni del diciassettesimo secolo si verificò un netto cambiamento nell'opera di Shakespeare. Motivi allegri lasciano il posto a profonde riflessioni sulle contraddizioni più dolorose della vita e crea opere piene di una tragica visione del mondo.

Un tale cambiamento di umore non significa in alcun modo un declino dell'opera di Shakespeare. Al contrario, è il momento dei suoi più grandi successi come artista. Crea "Amleto", "Otello", "Re Lear" e "Macbeth" - questi quattro capolavori, grazie ai quali Shakespeare è stato riconosciuto come un artista di importanza mondiale, che è passato dai limiti della sua epoca all'eternità.

Il cambiamento nell'opera di Shakespeare è avvenuto gradualmente. La cronologia delle sue opere mostra che non c'era una linea netta tra il secondo e il terzo periodo. Quasi contemporaneamente, Shakespeare crea le allegre commedie Come vi piace e La dodicesima notte e la tragedia Giulio Cesare. Se la datazione de Le allegre comari di Windsor, rivendicata da Chambers (1600-1601), è corretta, allora, dopo aver creato Amleto, Shakespeare poté scrivere un'altra parte della falstafiada.

Questa è la vera immagine dell'opera di Shakespeare nel 1598-1601. Le opere create da Shakespeare in questo momento ci permettono di parlare del graduale passaggio del drammaturgo a un nuovo genere ea un nuovo problema.

Il terzo periodo dell'opera di Shakespeare copre da otto a nove anni. Il suo inizio è solitamente datato da "Amleto" (1600-1601), e la fine è "Timone di Atene" (1607-1608). Le opere realizzate dal drammaturgo in questi anni non sono omogenee e all'interno del terzo periodo si possono distinguere almeno tre fasi.

Il primo è stato transitorio. I motivi tragici caratteristici di questo periodo si trovano già in Giulio Cesare (1599). Pertanto, ai fini di una considerazione concentrata dell'evoluzione ideologica di Shakespeare, consideriamo questa tragedia insieme alle tragedie del terzo periodo. In termini di trama, è vicino a commedie come Antonio e Cleopatra e Coriolano. È simile a loro in termini di stile. Questi tre drammi formano un ciclo delle tragedie romane di Shakespeare, a cui appartiene anche il primo "Tito Andronico".

In termini ideologici, alcuni motivi mettono in relazione "Giulio Cesare" con "Amleto" * . Prima di Bruto, come prima del Principe di Danimarca, c'è lo stesso problema di scegliere mezzi efficaci nella lotta contro il male. Come Amleto, Giulio Cesare è una tragedia socio-filosofica.

* (Per motivi paralleli in entrambe le tragedie, vedi: K. Fischer, Shakespeare's Hamlet, M. 1905, pp. 159-162.)

Entrambe le tragedie non hanno come soggetto la rappresentazione delle passioni, che è il contenuto di altre tragedie shakespeariane. Né Bruto né Amleto sono guidati dagli impulsi che caratterizzano il comportamento di Otello, Lear, Macbeth, Antonio, Coriolano o Timone. Persone di ragione, non di passioni, si trovano di fronte alla necessità di una soluzione etica ai problemi più acuti della vita e sono essi stessi consapevoli della natura fondamentale del loro compito. Queste tragedie possono essere giustamente definite problematiche.

Seguono tre commedie che non appartengono al genere della tragedia: "Troilus and Cressida", "The End is the Crown" e "Measure for Measure". Il primo di loro ha un carattere vicino alla tragedia, ma manca del tragico epilogo che è usuale per Shakespeare. L'eroe, che sta attraversando una crisi mentale non meno profonda di Amleto, però non muore. Troilus and Cressida può essere considerato una tragicommedia, ma questa commedia è ancora più vicina a quello che la poetica successiva ha definito un dramma, cioè un dramma di contenuto serio senza epilogo cruento.

Le altre due commedie sono formalmente commedie, ma differiscono dalle altre commedie di Shakespeare. Ad eccezione di Il mercante di Venezia, nessuna commedia dei primi due periodi è andata oltre i limiti dei problemi appartenenti alla sfera delle relazioni personali. In "The End is the Crown of Things" il tema personale è messo in diretta connessione con il problema sociale (l'amore di Elena per Bertram e la disparità del loro status sociale), mentre in "Measure for Measure" i destini personali dei personaggi sono direttamente dipendente da tutta una serie di problemi di moralità sociale. La gravità delle questioni sollevate in esse, così come l'importanza secondaria degli elementi comici nella trama, hanno dato motivo di chiamare queste commedie "oscure" o "problematiche". Formano davvero un gruppo speciale di spettacoli. Sono accomunati dalla ricchezza e dal significato del contenuto ideologico, dall'importanza sociale delle questioni in essi proposte. Il titolo di Troubled è quindi più adatto a queste tre commedie. Insieme alle tragedie "Giulio Cesare" e "Amleto" formano un folto gruppo di drammi problematici di Shakespeare.

Questa è la prima fase di questo periodo.

La seconda comprende tre tragedie: "Otello", "Re Lear" e "Macbeth", scritte nel triennio 1604-1606. Queste sono le più grandi tragedie della passione, intrise allo stesso tempo di un profondo significato morale-filosofico e sociale. È stato a lungo riconosciuto che Amleto e questi tre drammi sono le più grandi tragedie di Shakespeare. "Grandi tragedie" è il termine shakespeariano per queste quattro commedie. Sono loro che costituiscono l'apice del tragico in Shakespeare e, allo stesso tempo, nell'intera drammaturgia mondiale.

"Amleto", per la ragione di cui sopra, consideriamo un po' a parte le altre tre grandi tragedie, più vicine tra loro per i motivi drammatici e l'impatto ideologico ed emotivo che producono.

"Otello", "Re Lear" e "Macbeth" sono tragedie davvero strazianti, che non si possono dire di "Amleto". L'intensità delle passioni degli eroi raggiunge il limite più alto, la loro sofferenza è incommensurabile, e se "Amleto" è una tragedia del dolore dalla mente *, allora "Otello", "King Air" e "Macbeth" sono tragedie in cui la sofferenza degli eroi è causato, al contrario, dal fatto che la loro mente era oscurata e agivano sotto l'influenza delle passioni.

* (Cfr. G. Kozintsev, Our contemporary William Shakespeare, L.-M. 1962, pp.)

Le grandi tragedie sono piene di osservazioni amare sulla vita. Sono gli esempi più classici del tragico nell'arte fin dall'antichità. Qui Shakespeare ha raggiunto la più alta sintesi di pensiero e abilità artistica, poiché ha dissolto la sua visione del mondo in immagini così integre e organiche che la loro vitalità è fuori dubbio.

Nella terza fase furono creati "Antonio e Cleopatra", "Coriolano" e "Timone di Atene". Riguardo alla prima di queste tragedie, Coleridge ha detto che in termini di merito artistico non è inferiore alle quattro grandi tragedie. "Coriolano", sempre interessato alle sue questioni politiche, non suscitò grandi entusiasmi, forse perché l'aridità spirituale dell'eroe non suscitava in nessuno il desiderio di entrare nel suo mondo spirituale. Timone di Atene non è stato completato da Shakespeare. Sebbene ritenuta un'opera molto significativa, manca delle perfezioni dei tragici capolavori di Shakespeare.

Tuttavia, non sono le valutazioni estetiche che ci spingono a individuare queste tre tragedie in un gruppo speciale. La loro particolarità è che il centro di gravità dell'azione tragica qui è in qualche modo spostato rispetto alle grandi tragedie. Lì, le contraddizioni della vita, della società, dello stato, della moralità si sono rivelate in modo più completo nei personaggi degli eroi e attraverso il loro mondo spirituale. Qui il mondo esterno diventa il centro di tragiche contraddizioni. "Antonio e Cleopatra" a questo riguardo occupa una posizione intermedia e di transizione. Ma già "Coriolano" e "Timone di Atene" sono pienamente tali nella loro struttura. Qui non vediamo il processo psicologico in sé, ma solo il suo risultato esterno. E questo vale anche per "Antonio e Cleopatra", dove la variabilità dei sentimenti del triumviro e della regina egizia è data da una linea tratteggiata, e talvolta si è lasciati a congetture per stabilire i motivi del loro comportamento. Coriolano e Timone sono piuttosto caratterizzati da un'eccessiva semplicità di reazioni emotive, i loro estremi elementari. Ma ciò che l'arte perde qui nel rivelare la dialettica del cuore umano è compensato dalle scoperte nel campo della dialettica delle relazioni sociali.

Il primo periodo dell'opera di Shakespeare (1590 - 1600)

Giochi di cronaca dalla storia dell'Inghilterra

Fin dall'inizio, l'opera di Shakespeare è caratterizzata dall'ampiezza della rappresentazione della realtà. Durante il primo decennio della sua attività drammatica, crea un'ampia serie di cronache storiche in cui ripercorre il passato del paese per tre secoli. La commedia "King John" descrive eventi accaduti all'inizio del XIII secolo. Riccardo III termina con l'istituzione della monarchia Tudor nel 1485. Enrico VIII descrive gli eventi dell'inizio del XVI secolo.

Usando come fonte le Cronache di Inghilterra e Scozia di Golinshed (1577), Shakespeare riproduce nelle sue cronache teatrali alcuni dei momenti più drammatici della storia inglese durante il periodo del feudalesimo. "... La morte di classi precedenti, ad esempio la cavalleria", ha scritto Marx, "potrebbe fornire contenuto a grandiose opere d'arte tragiche" * . Questo tema costituisce la base dell'intero ciclo dei drammi storici di Shakespeare nel primo periodo della sua opera. Le cronache descrivono la lotta intestina che i feudatari intrapresero sia tra loro che contro il potere reale. Nella seconda e terza parte di "Enrico VI", così come in "Riccardo III", è raffigurato il periodo delle guerre delle rose scarlatte e bianche (seconda metà del XV secolo). In "Riccardo II" e in entrambe le parti di "Enrico IV" viene mostrata la lotta tra la monarchia ei baroni feudali all'inizio del XV secolo. In "King John" la lotta è tra il re da un lato e la Chiesa cattolica romana ei signori feudali dall'altro. La prima parte di "Enrico VI" e "Enrico V" raffigurano i due momenti salienti della Guerra dei Cent'anni tra Inghilterra e Francia, il periodo segnato dalle attività di Giovanna d'Arco e dalla battaglia di Azincourt.

* (K. Marx e F. Engels, Opere, volume VIII, p.270.)

Tutte le cronache di Shakespeare sono intrise dell'idea della necessità dell'unità statale; riflettono il processo di formazione della nazione inglese e la formazione della monarchia assoluta inglese. Shakespeare mostra la natura distruttiva del conflitto civile feudale, il loro danno per le persone.

O miserabile spettacolo! O tempo di sanguinosi disastri! I leoni reali combattono per le loro tane e le povere pecore spaventate portano tutto il fardello del conflitto ... ("Enrico VI", parte 3. Traduzione di A. Sokolovsky)

L'intero ciclo delle cronache storiche è intriso dell'idea dell'inevitabilità della vittoria del potere statale centralizzato sull'anarchia feudale.

Il ciclo delle cronache si scompone, per così dire, in due tetralogie, ognuna delle quali copre un periodo significativo della storia inglese. Il primo di essi - le tre parti di "Enrico VI" e "Riccardo III" - mostra l'anarchia feudale che raggiunge il suo apice, fino a quando finalmente appare il monarca, che pone fine a ogni conflitto e stabilisce un forte potere. Un quadro simile è disegnato dalla seconda tetralogia, che comprende le commedie "Riccardo II", "Enrico IV" (due parti) ed "Enrico V". Anche qui la lotta tra i baroni feudali e la monarchia assoluta si corona con la vittoria di quest'ultima.

Shakespeare ha mostrato grande interesse per la questione della personalità del monarca. Le sue opere danno ritratti di vari re. Il problema politico del potere acquistò in Shakespeare, come in altri umanisti, una connotazione morale.

Shakespeare condanna la debolezza di Enrico VI, che non riesce a salvare il Paese dall'anarchia. Un altro re dalla volontà debole, Riccardo II, è cattivo perché considera l'Inghilterra come il suo feudo e usa il potere come mezzo per soddisfare i suoi interessi privati. Riccardo III è l'altro estremo. È un re forte, ma eccessivamente crudele, e la sua crudeltà non ha come giustificazione l'opportunità statale; vede nel suo potere solo un mezzo per soddisfare le aspirazioni personali. Re Giovanni ha il vantaggio su di lui che mira alla distruzione del doppio potere e cerca di sbarazzarsi della partecipazione della chiesa agli affari del governo. Ma anche lui non corrisponde all'ideale del monarca, poiché mantiene il suo potere con crudeli rappresaglie e omicidi di possibili rivali. Enrico IV si sta già avvicinando all'ideale umanistico. Ma il senso di colpa grava su di lui per l'omicidio che ha commesso del suo predecessore, Riccardo II. Pertanto, sebbene agisca come portatore del principio di centralizzazione e unità nazionale, non soddisfa pienamente l'ideale morale degli umanisti.

Il monarca ideale di Shakespeare è Enrico V. Il suo obiettivo è l'unità di tutte le classi nella lotta per gli interessi comuni del paese. Nella cronaca di Enrico V, Shakespeare mise in bocca all'arcivescovo la descrizione di un alveare, che è il prototipo di una monarchia immobiliare ideale.

La monarchia immobiliare ideale era, ovviamente, un'illusione degli umanisti. Shakespeare ci credeva solo per il momento. SÌ. e nelle sue cronache non sono queste illusioni ad essere essenziali, ma il quadro reale che dipinge. E questa immagine è contraria all'ideale. E questo è stato spiegato non solo dal materiale storico che Shakespeare ha usato per creare le sue cronache, ma anche dalla realtà moderna che ha visto intorno a lui.

Una caratteristica essenziale delle cronache storiche di Shakespeare è che combinavano la riproduzione del passato storico con il riflesso della realtà contemporanea. Shakespeare era generalmente fedele ai fatti raccolti dalla storia. Nel complesso, ha trasmesso correttamente l'essenza dei conflitti politici dell'era rappresentata. Ma anche in costumi feudali, i suoi eroi interpretavano drammi abbastanza moderni per il XVI secolo. Questo, in sostanza, è stato sottolineato da Engels quando ha scritto: "È impossibile non considerare un tentativo artificioso di trovare radici medievali romantiche in Corneille, o di avvicinarsi a Shakespeare su una scala simile (con l'eccezione della materia prima che ha preso in prestito dal Medioevo)" * .

* (K. Marx e F. Engels, Opere, volume II, p.86.)

Shakespeare ha scelto materiale storico che gli ha permesso di unire la rappresentazione dei conflitti avvenuti in epoca feudale con la divulgazione della psicologia del popolo del Rinascimento. Pertanto, gli eroi delle cronache sono portatori dell'ostinazione feudale nella stessa misura dell'individualismo borghese.

Un esempio di ciò è Riccardo III, una delle figure più straordinarie di tutto il primo dramma di Shakespeare. Richard, duca di York, è un brutto gobbo; è pieno di un odio ardente per le persone per essere private dei piaceri della vita a disposizione di tutti.

E sono offeso dalla mia altezza e armonia, sfigurato dalla natura ingannevole, non finito, contorto e in anticipo sul tempo sono gettato in un mondo agitato ... ... Ecco perché, non avendo speranza di passare questi giorni negli amanti, io ha maledetto i nostri oziosi divertimenti e si è precipitato in affari malvagi * .

* (Traduzione di A. Druzhinin.)

Richard è figlio di quell'età in cui, rifiutato l'ascetismo medievale, alcuni si gettarono nel vivo della vita per cogliere i frutti della fortuna, della ricchezza, del potere, mentre altri si dedicarono alla creatività, alla scienza, alla creazione. Richard è ossessionato dal desiderio di affermare la sua personalità, per dimostrare che, nonostante tutta la sua bruttezza, non solo non è peggiore delle altre persone, ma anche superiore a loro. Le autorità dovrebbero aiutarlo a garantire che le persone si inchinino davanti a lui, riconoscano la sua superiorità. L'ambizione sconfinata di Richard non è frenata da alcun principio morale. Tutte le persone sono nemiche per lui e non si ferma davanti a nessun crimine. Cosparge il suo cammino verso il trono con i cadaveri dei rivali che ha ucciso e dei possibili contendenti alla corona. Richard ha una grande mente, ma tutti i suoi pensieri sono diretti verso un obiettivo. Con l'inganno, l'astuzia, riesce a diventare re. Ma non solo il gol lo affascina. È soddisfatto del processo stesso della lotta, quando affina la sua mente con invenzioni insidiose, piani audaci. Gli piace porsi i compiti più difficili e gode del suo successo. Quindi, ottiene che Lady Anna, di cui ha ucciso il padre e il marito, accetti di diventare sua moglie. Non amando nessuno e non fidandosi di nessuno, uccide persino il suo Buckingham preferito, un fedele assistente nelle sue sanguinose azioni.

Come politico, Richard comprende la necessità di sostenere le persone. Quando ha già eliminato tutti i suoi rivali e la corona è effettivamente nelle sue mani, vuole che gli venga consegnata su richiesta del popolo. Fingendo che le preoccupazioni mondane gli siano estranee, finge di diventare monaco, ma gli arriva una delegazione, inviata da lui stesso, che lo prega di diventare re. Ma questo non è abbastanza per Richard, vuole che il popolo accolga con favore la sua ascesa al trono. Su suo ordine, i cittadini di Londra vengono espulsi dalle loro case, ma quando Riccardo III guida per le strade, dalla folla si sentono rare voci di inviati che gridano: "Lunga vita al re!" La gente tace.

La malvagità di Richard provoca un'indignazione generale. Contro di lui sta sorgendo una rivolta, guidata dal conte di Richmond.

La notte prima della battaglia decisiva contro i ribelli, a Richard appaiono in sogno i fantasmi di tutte le persone da lui uccise e torturate. Ma il pentimento è estraneo all'anima crudele di Richard. Nessun potere del paradiso e dell'inferno può fermarlo. E solo una cosa lo deprime: la sensazione della sua solitudine.

La disperazione mi rode. Nessuno di tutte le persone può amarmi. Morirò... Chi piangerà per me?

Anche quando Richard vede che tutti gli sono contro, non intende arrendersi. Cerca di ispirare le sue truppe con un discorso bellicoso. Con furioso coraggio Richard combatte contro i suoi nemici e, avendo perso il suo cavallo, si precipita sul campo di battaglia, esclamando:

Cavallo! Cavallo! Tutto il regno per un cavallo!

Non riconciliato con il mondo, fedele alla sua crudele ambizione fino all'ultimo respiro, muore e la commedia si conclude con Richmond che diventa re con il nome di Enrico VII.

Le cronache di Shakespeare sono incluse nel sistema generale della sua opera come i primi schizzi di quelle immagini della vita che saranno poi catturate con la massima perfezione nelle opere tragiche del secondo periodo. Sentiamo nelle cronache lo spirito avventuroso del Rinascimento, vediamo nei loro eroi persone che non sono incatenate dall'antica moralità feudale. Attraverso la patina feudale, il nuovo, contemporaneo a Shakespeare, fa capolino ovunque qui. Già qui, per la prima volta, si delineano quei conflitti che poi si svilupperanno in forma più compiuta in Amleto, Lear e Macbeth. Ma ci sono significative differenze qualitative tra cronache e tragedie. Prima di tutto, i personaggi delle tragedie si rivelano più profondi, multiformi. Più profonda è la comprensione di Shakespeare delle contraddizioni sociali. La lotta degli interessi degli individui, lo scontro tra nobiltà ed egoismo, onore e tradimento: questi e altri conflitti si risolvono nelle cronache nel trionfo del principio della monarchia assoluta. Lo stato agisce qui come una forza frenante in relazione all'arbitrarietà non solo degli individui, ma anche di interi gruppi sociali. Pertanto, la monarchia ideale di Shakespeare è un potere giustamente organizzato che soddisfa e concilia interessi privati ​​contrastanti. Durante la stesura delle cronache, Shakespeare nutriva illusioni sulla possibilità che uno stato assolutista diventasse un tale potere. Successivamente, si rese conto che lo stato del suo tempo non poteva essere un'organizzazione che unisce tutte le persone, né una forza morale che frena l'egoismo.

L'azione delle cronache copre sia conflitti individuali che conflitti in cui operano grandi forze sociali: proprietà, classi, persino interi stati che si combattono tra loro. La monarchia, la chiesa, la nobiltà feudale, la nobiltà, i cittadini, i contadini: tutte queste forze della società di quel tempo sono presentate nelle cronache in tutta la loro ampiezza. Sul palco non ci sono solitari, ma interi gruppi di persone con vari interessi personali, che generalmente rappresentano un certo ceto o ceto sociale. Il realismo di Shakespeare si manifesta con grande forza nel fatto che raffigura non solo gli "elementi ufficiali dell'allora movimento", come li chiama Engels, ma anche gli "elementi plebei e contadini non ufficiali" * che hanno partecipato alla lotta di classe. In Shakespeare le masse popolari costituiscono lo sfondo attivo del conflitto tra monarchia e nobiltà che si gioca in primo piano. In un certo numero di casi, Shakespeare fornisce un'immagine in rilievo della lotta delle masse. Così, nella seconda parte di "Enrico VI" mostra la rivolta di artigiani e contadini, chiedendo la distruzione dello stato feudale e l'istituzione di un tale sistema quando "lo stato diventerà proprietà comune".

* (K. Marx e F. Engels, Opere, vol XXV, p.260.)

Shakespeare non simpatizzava con i tentativi di contadini e artigiani di risolvere autonomamente i problemi dell'organizzazione sociale. Tuttavia, a differenza di Greene, che ha rappresentato il rapporto tra la famiglia reale e il popolo in una forma idilliaca, Shakespeare ha visto gli interessi speciali del popolo e ha mostrato nelle sue opere storiche che il popolo stesso è consapevole di questi interessi, il che lo pone in opposizione al forze dominanti della società feudale-nobile.

Nella sua corrispondenza con Lassalle sulla sua tragedia Franz von Sickingen, Engels, caratterizzando la situazione sociale del Rinascimento, indicò la presenza dell '"allora, sorprendentemente eterogeneo pubblico plebeo". "Quali immagini sorprendentemente caratteristiche non offre quest'era di disintegrazione dei legami feudali nella persona di re mendicanti erranti, mendicanti landsknecht e tutti i tipi di avventurieri - un vero background falstaffiano ..." *

* (K. Marx e F. Engels, Opere, volume XXV, pp.)

"Il background di Falstaff" è una parte essenziale del quadro dipinto da Shakespeare nelle sue cronache. È particolarmente espressivo nella cronaca "Enrico IV" (due parti). Mentre la drammatica lotta tra il re Enrico IV ei suoi recalcitranti feudatari si svolge in prima linea nell'azione storica, una compagnia dalla composizione molto eterogenea si riunisce spesso nella taverna "Testa di cinghiale". Comprende il dissoluto principe ereditario Enrico, in fuga dalla rigidità della corte, e il cavaliere impoverito Sir John Falstaff, e i cittadini comuni Nim e Bardolph. Rapinano i mercanti sulle autostrade e il denaro così ottenuto viene sperperato nelle taverne. L'anima di questa azienda è Falstaff. Pushkin ha dato una vivida descrizione di questa immagine: "... Da nessuna parte, forse, il genio versatile di Shakespeare si rifletteva con tanta diversità come in Falstaff, i cui vizi, uno con l'altro, formano una catena divertente e brutta, come un antico baccanale. Analizzando il personaggio di Falstaff, vediamo che la sua caratteristica principale è la voluttà; fin dalla giovinezza, probabilmente la burocrazia rozza e scadente è stata la sua prima preoccupazione, ma ha già superato i cinquant'anni, è ingrassato, decrepito; la gola e il vino sono notevolmente diminuiti il meglio di Venere.In secondo luogo, è un codardo, ma dopo aver passato la vita con giovani libertini, costantemente esposti al loro ridicolo e alle loro burle, copre la sua codardia con un'insolenza evasiva e beffarda.Ha visto la buona società.Non ha regole. È debole come una donna, ha bisogno di vino forte spagnolo (il sacco), di una cena abbondante e di denaro per le sue amanti, per averle è pronto a tutto, solo non a un chiaro pericolo" * .

* (AS Pushkin, Sobr. cit., vol.VII, p.517.)

Tali tipi nascono in momenti di svolta nella storia. Due secoli dopo, alla vigilia della rivoluzione borghese francese, Diderot ci mostrerà un discendente di Falstaff, nipote di Rameau.

Tale è Falstaff in Enrico IV. Si incontrerà di nuovo in The Gossips of Windsor, ma nella commedia sarà in qualche modo diverso. Qui viene presentato mentre cerca di adattarsi alla vita dei cittadini. Ma nulla viene fuori dal suo tentativo di sposare la figlia di un ricco borghese, né dal suo prudente flirt con i birichini cittadini.

Caratteristica del comportamento di Falstaff in Enrico IV è la sua opposizione alla società "ufficiale", di cui non vuole condividere le preoccupazioni e gli interessi. In The Windsor Gossips, o "veste le sembianze di una persona appartenente ai circoli di corte e trionfa con la sua nobiltà. Ne ha bisogno per essere accettato con onore tra i cittadini. E qui è chiaramente rivelato che Falstaff non è in grado di né vivere come un nobile, perché non ha mezzi per questo, né adattarsi all'ambiente borghese.E il tentativo stesso di adattarsi a questo mondo porta alla perdita di quella libertà interiore che prima era caratteristica di lui.Quindi, se prima, in virtù di ciò la sua libertà poteva ridere di tutto e di tutti, ora gli altri ridono di lui.Perduta la sua libertà e caduto in disgrazia, Falstaff perde il suo umorismo;più volte ingannato, non può ridere della sua posizione ridicola, e solo alla fine di la commedia, rendendosi conto dell'inutilità dei suoi tentativi, riacquista il dono dell'umorismo e partecipa al divertimento generale. L'immagine di Falstaff collega le cronache di Shakespeare con le commedie.

"La questione shakespeariana".

La documentazione estremamente scarsa della biografia di Shakespeare ha dato origine alla cosiddetta "questione shakespeariana" - una discussione sull'identità di Shakespeare l'autore e Shakespeare l'attore. Gli "anti-Strettfordiani" (ricercatori che negano la tradizionale biografia di Shakespeare) credono che il vero creatore di grandi opere teatrali sia stato uno dei nobili elisabettiani altamente istruiti che hanno assunto l'attore di Shakespeare come "scrittore di punta". Argomentazione: l'attore Shakespeare non aveva sufficiente erudizione, prospettiva ed esperienza per creare testi di tale completezza e profondità. Gli “Stretfordiani” (sostenitori della versione tradizionale) obiettano: Shakespeare è solo un caso di genio autodidatta tipico del Rinascimento: del resto nessuno considera Leonardo, Dürer o Brueghel dei creatori fittizi; quindi non c'è motivo di dubitare delle possibilità creative di Shakespeare.

Periodizzazione dell'opera di Shakespeare.

Negli studi shakespeariani russi, è consuetudine distinguere tre periodi nell'opera di Shakespeare, in anglo-americano - quattro, che è probabilmente più accurato: 1) il periodo di apprendistato (1590-1592); 2) periodo "ottimista" (1592-1601); 3) il periodo delle grandi tragedie (1601-1608); 4) il periodo dei "drammi romantici" (1608-1612).

24. Il carattere universale del tragico conflitto in Re Lear.

Il male è punito in Re Lear, ma chi osa negare che Re Lear sia una tragedia. Il male viene punito, ma anche il bene non trionfa, il conflitto del re e di Gloucester con i bambini si è concluso in una tomba collettiva e nel paese regna il caos. È lo stesso in Amleto. Il principe si vendica dell'assassino di suo padre, ma allo stesso tempo non solo muore lui stesso, ma "trascina" nella tomba anche sua madre, la sua amata, gli amici di ieri. Anche qui i conflitti non vengono risolti, i loro portatori semplicemente muoiono. Probabilmente perché l'autore stesso non sa come risolverli. È possibile riconciliare Amleto con se stesso e Claudio, rieducare Arbenin, costringere Cirano ad aprirsi a Roxana, Maria Stuarda ed Elisabetta a perdonarsi a vicenda?

Apparentemente, c'è un certo destino dell'eroe tragico: al destino, alla scelta inevitabile e sempre sbagliata, al confronto senza speranza, alla sofferenza. E in una situazione di sventura, il conflitto non può esaurirsi. L'eroe dei fumetti è spesso condannato alla vita e alla felicità. Tragico: morte, follia o sofferenza senza fine. Questa è una tragedia della dignità umana in una società ingiusta.

L'essenza e l'evoluzione del personaggio di Lear sono state definite in modo molto accurato da N. A. Dobrolyubov: “Lear ha una natura davvero forte, e il servilismo generale nei suoi confronti lo sviluppa solo in modo unilaterale - non per grandi azioni d'amore e bene comune, ma solo per la soddisfazione dei propri capricci personali. Ciò è perfettamente comprensibile in una persona abituata a considerarsi la fonte di ogni gioia e dolore, l'inizio e la fine di tutta la vita nel suo regno.

Qui, con la portata esterna delle azioni, con la facilità di soddisfare tutti i desideri, non c'è nulla che esprima la sua forza spirituale. Ma ora la sua adorazione di sé supera ogni limite del buon senso: trasferisce direttamente nella sua personalità tutta quella genialità, tutto quel rispetto di cui godeva per la sua dignità; decide di abbandonare il potere, fiducioso che anche dopo la gente non smetterà di tremare davanti a lui. Questa folle convinzione gli fa dare il suo regno alle sue figlie e, attraverso ciò, dalla sua posizione barbaramente insensata, passa al semplice titolo di persona comune e sperimenta tutti i dolori associati alla vita umana. “Guardandolo, proviamo prima odio per questo despota dissoluto; ma, seguendo lo svolgersi del dramma, ci riconciliamo sempre più con lui come con un uomo e finiamo pieni di sdegno e di bruciante malizia non più verso di lui, ma per lui e per il mondo intero, verso quella situazione selvaggia, disumana. che può portare a tale dissolutezza anche di uomini come Lear"

"Re Lear" è una tragedia sociale. Mostra la delimitazione dei diversi gruppi sociali nella società. I rappresentanti dell'antico onore cavalleresco sono Lear, Gloucester, Kent, Albany; il mondo della predazione borghese è rappresentato da Goneril, Regan, Edmond, Cornwall. Tra questi mondi c'è una dura lotta. La società è in uno stato di profonda crisi. Gloucester caratterizza la distruzione delle fondamenta sociali come segue: “L'amore si sta raffreddando, l'amicizia si sta indebolendo, il conflitto fratricida è ovunque. Ci sono rivolte nelle città, nei villaggi della discordia, nei palazzi del tradimento, e il legame familiare tra genitori e figli si sta sgretolando... Il nostro tempo migliore è passato. Amarezza, tradimento, disordini disastrosi ci accompagneranno nella tomba ”(Tradotto da B. Pasternak).

È in questo ampio contesto sociale che si svolge la tragica storia di Re Lear. All'inizio dell'opera, Lear è un re con potere, che comanda il destino delle persone. Shakespeare in questa tragedia (dove penetra più profondamente nelle relazioni sociali dell'epoca che in altre sue opere) ha mostrato che il potere di Lear non è nella sua regalità, ma nel fatto che possiede ricchezze e terre. Non appena Lear divise il suo regno tra le sue figlie Goneril e Regan, lasciandosi solo il regno, perse il suo potere. Senza i suoi averi, il re si trovò nella posizione di un mendicante. La proprietà nella società ha distrutto le relazioni umane di parentela patriarcale. Goneril e Regan hanno giurato il loro amore per il padre quando era al potere e gli hanno voltato le spalle quando ha perso i suoi averi.

Dopo aver attraversato tragiche prove, attraverso una tempesta nella sua stessa anima, Lear diventa un uomo. Ha riconosciuto la dura sorte dei poveri, si è unito alla vita della gente e ha capito cosa succedeva intorno a lui. Re Lear acquisisce saggezza. Nell'emergere di una nuova visione del mondo, un incontro nella steppa, durante una tempesta, con lo sfortunato senzatetto Poor Tom ha avuto un ruolo importante. (Era Edgar Gloucester, che si nascondeva dalla persecuzione di suo fratello Edmond.) Nella mente scioccata di Lear, la società appare sotto una nuova luce e la sottopone a critiche spietate. La follia di Lear diventa epifania. Lear simpatizza con i poveri e rimprovera i ricchi:

Senzatetto, sfortunati nudi,

Dove sei ora? Come rifletti

I colpi di questo tempo feroce -

Di stracci, a capo scoperto

E una pancia magra? Quanto poco ho pensato

A proposito di questo prima! Ecco una lezione per te

Il ricco è arrogante! Prendi il posto dei poveri

Senti quello che provano

E dai loro un po' del tuo eccesso

Come segno della più alta giustizia del cielo.

(Tradotto da B. Pasternak)

Lear parla con indignazione di una società dominata dall'arbitrarietà. Il potere gli appare sotto forma di un'immagine simbolica di un cane che insegue un mendicante che fugge da lui. Lear definisce il giudice un ladro, un politico che finge di capire ciò che gli altri non capiscono: un mascalzone.

Il nobile Kent e il giullare rimangono fedeli a Lear fino alla fine. L'immagine del giullare gioca un ruolo molto importante in questa tragedia. Le sue battute, le battute paradossali rivelano audacemente l'essenza delle relazioni tra le persone. Il giullare tragicomico racconta l'amara verità; espresso nelle sue argute osservazioni

Il punto di vista delle persone su ciò che sta accadendo.

La trama legata al destino del conte di Gloucester, padre di due figli, dà il via al destino di Lear, conferendole un significato generalizzante. Anche Gloucester vive la tragedia dell'ingratitudine. Gli si oppone il figlio illegittimo, Edmond.

L'ideale umanistico è incarnato nell'immagine di Cordelia. Non accetta né il vecchio mondo cavalleresco né il nuovo mondo machiavellico. Nel suo carattere, il senso della dignità umana è enfatizzato con una forza speciale. A differenza delle sorelle ipocrite, è sincera e veritiera, non teme il carattere dispotico del padre e gli dice quello che pensa. Nonostante la moderazione nella manifestazione dei sentimenti, Cordelia ama veramente suo padre e accetta con coraggio il suo sfavore. Successivamente, quando Lear, dopo aver attraversato dure prove, acquisì dignità umana e senso di giustizia, Cordelia gli fu accanto. Queste due bellissime persone stanno morendo in una società crudele.

Alla fine della tragedia, il bene trionfa sul male. Il nobile Edgar diventerà re. Come sovrano, si rivolgerà alla saggezza che Lear ha trovato nel suo tragico destino.

E il risultato e l'apice dello sviluppo del teatro. La base filosofica è l'umanesimo rinascimentale. Poiché l'intero risveglio si adatta alla vita di una persona, sperimenta sia l'ottimismo che la crisi. Per la prima volta solleva la questione "Cos'è la morale borghese?". Shakespeare non ha risolto questo problema. La sua fine è legata all'utopia. La personalità di Shakespeare è leggendaria. La domanda di Shakespeare: era lui, ha scritto. Nato a Stratford-on-Avon, sposato. Biografie di massa di Shakespeare, ma niente di significativo, sappiamo di più su suo padre. Padre John teneva una fabbrica di guanti, ma non era un nobile. La madre è una nobildonna impoverita. Non c'è un'istruzione regolare, una scuola elementare a Stratford. Le informazioni di Shakespeare sull'antichità sono molto frammentarie. Sposa Anna Hathaway, 8 anni più grande, tre anni vissuti, figli, Shakespeare scompare. 1587-1588 circa. 1592 - informazioni su di lui, è già un famoso drammaturgo. La quota delle entrate di Shakespeare nelle compagnie teatrali è nota. Primo drammaturgo professionista. L'atteggiamento statale nei confronti del teatro era molto sprezzante. Potevano muoversi solo se obbedivano. 2 Servi del Lord Ciambellano. La qualità delle opere teatrali prima di Shakespeare era bassa, ad eccezione delle "menti universitarie". O i ricchi hanno scritto e pagato per la produzione, o le stesse compagnie di recitazione. Di bassa qualità.

Shakespeare è stato un successo immediato. Nel 1592 articoli a favore e contro di lui. Verde "Per un centesimo di una mente acquistata per un milione di rimorsi", "Upstart, corvo, adornato con le nostre piume, il cuore di una tigre nel guscio di un attore". La storia di Amleto è stata sviluppata dalla CU, ma di qualità molto bassa. La capacità di utilizzare il materiale degli altri. Ha scritto opere teatrali, contando su un certo pubblico.

Dopo l'emergere del primo teatro, sorse un decreto dei Puritani, secondo i quali i teatri non avevano il diritto di essere collocati all'interno della città. Confine Londra-Tamigi. Ci sono 30 teatri in legno a Londra, all'inizio non c'erano pavimenti e tetti. Il teatro era basato su diverse figure: un cerchio, un quadrato, un esagono. Il palcoscenico è completamente aperto allo spettatore. Trapezio. La gente era seduta per terra. C'era un giullare sul palco principale: ha distratto il pubblico. Loro sono intelligenti. I costumi non corrispondevano all'epoca. Tragedia: è stata alzata la bandiera nera, la commedia blu. La troupe è composta da 8-12 persone, raramente 14. Non c'erano attrici. 1667 donne apparvero sulla scena. La prima commedia è Otello. Shakespeare ha scritto per questa particolare scena. Ha anche tenuto conto del fatto che non esisteva un testo stabile dell'opera, non c'erano diritti d'autore, conosciamo molte opere teatrali da dischi piratati. La prima edizione delle opere di Shakespeare apparve 14 anni dopo la sua morte. 36 ascolti, non tutti impostati esattamente.

Diverse teorie della questione shakespeariana. Uno di loro collega Shakespeare con Christopher Marlowe. Fu ucciso poco prima della comparsa di Shakespeare. Ha anche tragedie e cronache storiche. Il tipo di eroe è una personalità titanica, incredibili abilità, abilità, ecc. Non sa dove applicare tutto questo, non ci sono criteri per il bene e il male.

"Tamerlano il Grande". Un semplice pastore, ha realizzato tutto da solo. Shakespeare troverà i criteri per la bontà e l'attività. KM era un truffatore, poi ha smesso. Combatti nella taverna. La leggenda del suo nascondiglio. Francis Bacon, la teoria, vive ancora. Si ritiene che FB abbia crittografato la sua biografia nelle opere di Shakespeare. La cifra principale è "Storm". Shakespeare non è istruito, a differenza di Bacon. Nel 1613 il Globe andò a fuoco. La calligrafia di Shakespeare è un testamento redatto da una persona molto meschina. La storia continua nel XIX secolo, con Delia Bacon in America che rivendica i diritti della sua antenata su tutte le opere di Shakespeare. DB è pazzo. 1888 - Il libro di Donelly, che racconta in modo affascinante di aver trovato la chiave delle opere di Shakespeare. All'inizio tutti hanno reagito con interesse, poi hanno riso dell'opuscolo.

Un altro candidato di Shakespeare. Galilov "Un gioco su William Shakespeare" - Lord Rutland. Anche sua moglie, Mary Rutland, è nel cerchio. Shakespeare era, per così dire, con uno stipendio, ci sono documenti. In Amleto, reminiscenze, nomi, ecc. Anche i sonetti di Shakespeare. Dopo la morte dei Rutland, Shakespeare smette di scrivere e parte per Stratford. Si ritiene che esista un ritratto a vita di Shakespeare. Galilov crede di essere un frutto dell'immaginazione, perché non è realistico. Davanti a noi c'è una maschera con orbite vuote, metà della canotta è data dalla parte posteriore.

Periodizzazione dell'opera di Shakespeare. Negli studi shakespeariani russi, è consuetudine distinguere tre periodi nell'opera di Shakespeare, in anglo-americano - quattro, che è probabilmente più accurato: 1) il periodo di apprendistato (1590-1592); 2) periodo "ottimista" (1592-1601); 3) il periodo delle grandi tragedie (1601-1608); 4) il periodo dei "drammi romantici" (1608-1612). L.E. Pinsky sulle peculiarità della poetica delle opere di Shakespeare. Il noto studioso domestico di Shakespeare L.E. Pinsky ha individuato diversi elementi di poetica comuni a tutti i principali generi del dramma shakespeariano: cronache, commedia e tragedia. Tra questi, Pinsky ha attribuito la trama principale, la realtà dominante dell'azione e il tipo di relazione che i personaggi hanno con la realtà dominante. La trama principale è la situazione iniziale per tutte le opere di questo genere, variando in ciascuna di esse. C'è una trama principale di cronache, commedie e tragedie. realtà dominante. In un certo numero di opere shakespeariane, la fonte dell'azione non è un conflitto nelle relazioni dei personaggi, ma un certo fattore dietro e sopra di loro. Dota gli attori di funzioni che determinano il loro comportamento scenico. Questa dipendenza vale per le cronache e le commedie, ma non vale per i protagonisti delle tragedie.

1. Ottimista, poiché coincide con il periodo del primo risveglio e il primo risveglio è associato all'umanesimo. Tutto porta al bene, gli umanisti credono nel trionfo dell'armonia. Predominano le cronache storiche e le commedie. A cavallo del periodo 1-2, viene creata l'unica tragedia "Romeo e Giulietta". Questa tragedia non è del tutto triste. L'ambientazione è solare, un'atmosfera luminosa di gioia universale. Quello che è successo agli eroi è successo per caso: l'omicidio di Mercuzio, Romeo uccide Tebaldo. Quando R e D si sposano segretamente, il messaggero arriva accidentalmente in ritardo. Shakespeare mostra come una serie di incidenti porti alla morte degli eroi. La cosa principale è che il male del mondo non entra nelle anime degli eroi, muoiono puliti. Shakespeare intende dire che morirono come le ultime vittime del Medioevo.

Cronache storiche: "Henry 6", "Richard 3.2", "King John", "Henry 4, 5". Le cronache sono molto voluminose. Sebbene in essi si svolgano gli eventi più oscuri, la base è ottimista. Trionfo sul Medioevo. Shakespeare è un sostenitore della monarchia e nelle cronache cerca di creare l'immagine di un monarca forte, intelligente e morale. Gli storici e Shakespeare hanno prestato attenzione alla personalità nella storia.

In Enrico 4, Enrico è giusto, onesto, ma arriva al potere destituendo il monarca, in modo cruento. Ma non c'è pace nello stato. Ci pensa e giunge alla conclusione che è perché è salito al potere in modo disonesto. Heinrich spera che tutto andrà bene con i suoi figli. In Richard 3, quando Richard è preoccupato, ha bisogno del sostegno della gente, ma il backgammon tace. Un'immagine positiva appare nelle cronache.

L'immagine che determina il programma positivo delle cronache è il tempo. L'immagine fuori scena del tempo è presente in tutte le cronache. Shakespeare è stato il primo a parlare della connessione tra passato, presente e futuro. Il tempo metterà ogni cosa al suo posto.

La vita, la storia dell'Inghilterra non offre l'opportunità di creare l'immagine di un monarca ideale. Il pubblico simpatizza con Richard 3 perché è un eroe attivo. Durante la creazione di Richard 3, Shakespeare si è avvicinato al concetto di tragico e alla contemplazione dello stato da parte di un nuovo eroe. Richard 3 fa il male. Gli studiosi discutono se Shakespeare abbia creato le cronache secondo un unico piano o spontaneamente. Quando Shakespeare ha creato le prime cronache, non c'era un piano, ma in seguito ha creato consapevolmente. Tutte le cronache possono essere considerate come un gioco multi-atto. Con la morte di un eroe, la trama non si esaurisce, ma passa alla commedia successiva. Enrico 5 è un monarca ideale, è impossibile guardarlo e leggerlo, perché è immaginario. Heinrich 4 è interessante da guardare.

2. Commedie. Shakespeare è in anticipo sui tempi. Le commedie di Shakespeare sono una cosa speciale, sono create su altri principi. Questa è una commedia di umorismo e gioia. Non c'è un inizio satirico e accusatorio. Non sono domestici. Lo sfondo su cui si svolge l'azione è del tutto arbitrario. L'azione si svolge in Italia. Per i londinesi, questo era un mondo speciale del sole, il carnevale. Nessuno prende in giro nessuno, solo origliare. Le commedie di Shakespeare sono cabaret. L'effetto del fumetto è creato dall'ipertrofia del carattere o dei sentimenti. "Molto rumore per nulla". La scaramuccia tra Benedetto e Beatrice è divertente. La gelosia è un conflitto. "12a notte" Ipertrofia dei sentimenti. La contessa piange il suo matrimonio, ma la morte attraversa tutti i confini. Shakespeare per primo ebbe l'idea che il comico e il tragico provenissero dallo stesso punto, due facce della stessa medaglia. 12a notte. L'ambizione del maggiordomo è esagerata. Macbeth è una tragedia dell'ambizione, la sua regalità umana non è coronata da una corona reale. Tutti gli eventi possono trasformarsi in un lato comico e tragico. Quasi tutte le commedie sono state scritte nel primo periodo. "La bisbetica domata" "Due veronesi" "Sogno di una notte di mezza estate" "Il mercante di Venezia" "La dodicesima notte". Le seguenti commedie sono inferiori a queste. Le commedie sollevano le stesse questioni importanti delle tragedie e delle cronache. "Il mercante di Venezia". Gli eroi positivi che trionfano non sono così positivi e viceversa. Il conflitto principale riguarda il denaro.

3. Associato allo sviluppo del genere tragico. Shakespeare crea principalmente solo tragedie. Shakespeare si rende presto conto che la morale borghese non è migliore di quella medievale. Shakespeare lotta con il problema di cosa sia il male. Il tragico è inteso idealisticamente. Shakespeare è inorridito dal fatto che la tragedia scaturisca dalla stessa fonte della commedia. Shakespeare inizia a osservare come la stessa qualità porti al bene e al male. Amleto è una tragedia della mente. Qui il male non è ancora penetrato del tutto nell'anima di Amleto. L'amletismo è un'inazione che corrode l'anima associata alla riflessione. Amleto è un umanista del Rinascimento. "Otello" - scritto sulla trama del romanzo italiano. Al centro del conflitto c'è il confronto tra due personalità del Rinascimento. Umanista - Otello, idealista rinascimentale - Iago. Otello vive per gli altri. Non è geloso, ma molto fiducioso. Iago gioca su questa credulità. Otello che uccide Desdemona uccide il male del mondo in una bella veste. Le tragedie non finiscono senza speranza.

La tragedia "Amleto" apre il secondo periodo dell'opera di Shakespeare (1601-1608).

Le nuvole temporalesche sembrano incombere sull'opera di Shakespeare. Una dopo l'altra nascono grandi tragedie: "Otello", "Re Lear", "Macbeth", "Timone di Atene". Anche Coriolano appartiene alle tragedie; Tragico è l'epilogo di Antonio e Cleopatra. Anche le commedie di questo periodo - "The End Is the Crown" e "Measure for Measure" - sono lontane dall'allegria giovanile diretta delle commedie precedenti, e la maggior parte dei ricercatori preferisce chiamarle drammi.

Il secondo periodo è stato il momento della piena maturità creativa di Shakespeare e, allo stesso tempo, il momento in cui ha affrontato grandi domande, a volte insolubili per lui, quando i suoi eroi dai creatori del proprio destino, come nelle prime commedie, sono diventati sempre più i suoi vittime. Questo periodo può essere definito tragico.

La storia di Amleto fu registrata per la prima volta alla fine del XII secolo dal cronografo danese Saxo Grammaticus. Nel 1576, Belforet riprodusse questa antica leggenda nei suoi Tragic Tales. Per Belforet, come per Saxo Grammaticus, la trama era basata sull'attuazione di una faida. La storia si conclude con il trionfo di Amleto. "Dì a tuo fratello, che hai ucciso così crudelmente, che sei morto di morte violenta", esclama Amleto, dopo aver ucciso suo zio, "lascia che la sua ombra si calmi con questa notizia tra gli spiriti benedetti e liberami dal debito che mi ha costretto a vendicare il mio stesso sangue” (Belforet).

Nel 1680, sul palcoscenico londinese fu messa in scena un'opera teatrale su Amleto. Questa commedia non è arrivata fino a noi. Sembra che sia stato scritto da Thomas Kidd. In Kid's "Spanish Tragedy", il vecchio Hieronimo e Belimperia, persone di sentimento, si confrontano con "Machiavelli" - il figlio del re portoghese e fratello di Belimperia. Il vecchio Jeronimo, il cui figlio è stato ucciso, esita, come l'Amleto di Shakespeare, con l'attuazione della vendetta. Come Amleto, sente la sua solitudine. Si paragona a un compagno in piedi in "una tempesta invernale in pianura". Un grido gli esce dalla bocca: "O mondo! - no, non il mondo, ma un accumulo di falsità: un caos di omicidi e crimini".

Nell'atmosfera di questi sentimenti e pensieri, conoscendo la commedia di Kid persa per noi e, naturalmente, la sua "tragedia spagnola", così come il romanzo francese di Belforet e, probabilmente, la storia di Saxo Grammar, Shakespeare ha creato il suo "Amleto". . C'è motivo di credere che "Amleto" sia stato eseguito nelle università di Oxford e Cambridge da studenti dilettanti. La tragedia è stata, ovviamente, sul palcoscenico del Globe.

La base dell'antica storia era la vendetta di sangue. Shakespeare "tolse" questo motivo da Amleto e lo "trasferì" a Laerte. La vendetta di sangue richiedeva solo l'adempimento del dovere filiale. L'assassino di suo padre deve essere vendicato almeno con una lama avvelenata, così sostiene Laerte, secondo la sua moralità feudale. Non sappiamo se Laerte amasse Polonio. Il fantasma chiede vendetta in un modo diverso: "Se hai amato tuo padre, vendica il suo omicidio". Questa è vendetta non solo per il padre, ma anche per l'uomo che Amleto amava e apprezzava molto. "Ho visto tuo padre una volta", disse Orazio, "era un bel re." "Era un uomo", corregge Amleto il suo amico. E la più terribile per Amleto è la notizia dell'omicidio di suo padre - la notizia che gli rivela tutto il crimine del "mondo crudele". Il compito della vendetta personale si sviluppa per lui nel compito di correggere questo mondo. Tutti i pensieri, le impressioni, i sentimenti, tratti dall'incontro con il fantasma del padre, Amleto riassume nelle parole sulla "palpebra slogata" e sul gravoso dovere che lo chiama a "fissare questa lussazione".

Il luogo centrale della tragedia è il monologo "essere o non essere". "Cos'è meglio", si chiede Amleto, "sopportare silenziosamente le fionde e le frecce di un destino furioso, o prendere le armi contro un mare di disastri?" Contemplare silenziosamente e docilmente Amleto, una persona attiva per natura, non può. Ma per una persona sola prendere le armi contro un intero mare di disastri significa morire. E Amleto passa al pensiero della morte ("Morire. Addormentarsi."). Il "mare dei disastri" qui non è solo una "metafora estinta", ma un'immagine vivente: un mare su cui corrono innumerevoli file di onde. Questa immagine, per così dire, simboleggia lo sfondo dell'intera tragedia. Davanti a noi c'è l'immagine di un uomo solo in piedi con una spada sguainata in mano davanti alle onde che si susseguono e pronte a inghiottirlo.

Amleto è uno dei personaggi shakespeariani più versatili. Se vuoi, è un sognatore, perché ha dovuto portare in sé il sogno di un altro, migliore rapporto umano, per essere così indignato per le bugie e la bruttezza che lo circondano. È anche un uomo d'azione. Non ha confuso l'intera corte danese e ha affrontato i suoi nemici: Polonio, Rosencrantz, Guildenstern, Claudio? Ma i suoi poteri e le sue possibilità sono inevitabilmente limitati. Non c'è da stupirsi che si opponga a Ercole. L'impresa sognata da Amleto poteva essere compiuta solo da Ercole, il cui nome è il popolo. Ma il solo fatto che Amleto vedesse l'orrore delle "scuderie auguste" che lo circondavano, il fatto che allo stesso tempo lui, l'umanista Amleto, apprezzasse così tanto un uomo, costituisce la sua grandezza. Amleto è il più brillante dei personaggi di Shakespeare. E non si può non essere d'accordo con i commentatori che hanno notato che di tutti gli eroi di Shakespeare, solo Amleto poteva scrivere le opere di Shakespeare.

La trama della tragedia "King Lear" (King Lear) ci porta in un lontano passato. La storia del vecchio re britannico e delle sue figlie ingrate fu registrata per la prima volta in latino all'inizio del XII secolo. Nel corso del XVI secolo questa storia fu raccontata più volte sia in versi che in prosa. Varianti di esso si trovano nelle "cronache" di Golinshed, nello "Specchio dei governanti" e in "La regina delle fate" di Edmund Spenser. Alla fine, all'inizio del 1690, apparve sul palcoscenico londinese un'opera teatrale su Re Lear. A differenza della tragedia di Shakespeare, il "Lear" pre-Shakespeare in tutte le sue varianti porta gli eventi a un lieto fine. Lear e Cordelia alla fine vengono premiati. Nel loro benessere, sembrano fondersi con la realtà che li circonda, assimilarsi ad essa.

Al contrario, gli eroi positivi delle tragedie di Shakespeare si elevano al di sopra di questa realtà. Questa è la loro grandezza e, allo stesso tempo, il loro destino. Se la ferita inferta dalla spada avvelenata di Laerte non si fosse rivelata fatale, Amleto non avrebbe comunque potuto regnare sul mondo degli Osric, dei nuovi Rosencrantiani, dei Guildenstern e dei Poloni, così come non avrebbe potuto tornare a pacifica Wittenberg. Se la peluria sulle labbra di Cordelia si muovesse e lei prendesse vita, Lear, "che ha visto molto", come dice di lui il Duca di Albany nelle ultime parole dell'ultimo atto, non sarebbe ancora in grado di tornare in quella magnifica sala del castello reale, dove lo abbiamo visto all'inizio della tragedia. Non poteva, vagando a capo scoperto in una tempesta e pioggia attraverso la steppa notturna, dove gli ricordavano "poveri sfortunati nudi", non avrebbe potuto accontentarsi del rifugio sereno e appartato che Cordelia avrebbe creato per lui.

I fili vanno da "Re Lear" all'antica tragedia "Gorboduk", scritta negli anni '50 del XVI secolo da Sackville e Norton. Il re Gorboduk ha diviso il potere tra i suoi due figli, il che ha portato a guerre intestine, torrenti di sangue e grandi disastri per il paese. Così Lear, dividendo il potere tra le sue due figlie, ha quasi reso il "regno in frantumi" preda degli stranieri, come dice Kent.

Ma la tragedia di Shakespeare differisce dalle sue fonti, prima di tutto, nella formulazione di un problema umanistico, veramente shakespeariano. Lear sul trono, "Olimpico", circondato dallo splendore del cortile (la scena iniziale è senza dubbio la più grandiosa dell'intera tragedia), è lontano dalla terribile realtà dietro le mura del castello. La corona, il manto regale, i titoli sono ai suoi occhi attributi sacri e hanno la pienezza della realtà. Accecato dall'adorazione sottomessa durante i lunghi anni del suo regno, prese questo splendore esteriore come la vera essenza.

Ma sotto lo splendore esterno del "cerimoniale" non c'era niente. "Nulla verrà fuori dal nulla", come dice lo stesso Lear. È diventato "zero senza numero", come dice il giullare. Gli abiti reali caddero dalle sue spalle, un velo cadde dai suoi occhi e per la prima volta Lear vide il mondo della realtà nuda e cruda, un mondo crudele dominato dai Regani, dai Goneril e dagli Edmund. Nella steppa notturna, realizzando per la prima volta la realtà, Lear inizia a vedere chiaramente.

La scena nella steppa è il momento della completa caduta di Lear. È stato espulso dalla società. "Un uomo non equipaggiato", dice, "non è che un povero animale bipede, nudo". Eppure, questa scena è la sua più grande vittoria. Strappato dalla rete di relazioni sociali che lo intrappolavano, riuscì a elevarsi al di sopra di esse e comprendere ciò che lo circondava. Ha capito fin dall'inizio quello che ha capito il giullare, che conosceva già da tempo la verità.

Non c'è da stupirsi che Lear lo chiami "un giullare amaro". "Destino, puttana delle puttane", canta il giullare, "non apri mai la porta ai poveri". La vita intorno, come la vede il giullare, è bruttamente distorta. Tutto in lei deve cambiare. "Allora verrà il momento - chi vivrà per vederlo! - in cui inizieranno a camminare con i piedi", canta il giullare. È un "pazzo". Nel frattempo, a differenza dei cortigiani di Lear, conserva la dignità umana fino alla fine. Seguendo Lear, il giullare mostra vera onestà e lui stesso ne è consapevole. "Quel padrone", canta il giullare, "che serve per amore del profitto e cerca il profitto, e che solo in apparenza segue il suo padrone, si soffierà i piedi quando inizia a piovere, e ti lascerà in una tempesta. Ma io lo farò resta; lo stolto non se ne andrà; lascia che fugga un uomo saggio; un mascalzone che fugge sembra un giullare, ma il giullare stesso, per Dio, non è un mascalzone. Quindi, il giullare aveva già la libertà che Lear ottenne gettando via il mantello e la corona reali.

Edgar, che vaga per la steppa sotto la maschera di un pazzo, acquisisce la stessa libertà, così come l'accecato Gloucester, che, secondo le sue stesse parole, "è inciampato quando è stato visto". Ora, cieco, vede la verità. Rivolgendosi a Edgar, che non riconosce e prende per un povero senzatetto, dice: “Che una persona che possiede l'eccesso ed è sazia di lusso, che ha trasformato la legge in suo schiavo e che non vede perché non vede senti, senti rapidamente il tuo potere, allora la distribuzione distruggerà la superfluità e tutti avranno abbastanza per vivere ". L'indignazione per l'ingiusta distribuzione dei beni terreni coincide con il momento di massima tensione di questa meditata tragedia di Shakespeare.

Il destino di Gloucester, mostrato in parallelo con il destino di Lear, è di importanza decisiva nella composizione ideologica dell'opera. La presenza di due trame a sviluppo parallelo e in gran parte simili rende l'opera universale. Quello che potrebbe essere considerato un caso particolare, acquista, grazie a una trama parallela, tipicità.

Il teatro mondiale si è rivolto alle opere successive di Shakespeare relativamente raramente, e questo non è casuale. Il realismo purosangue di Shakespeare acquista una colorazione psicologica che gli è in gran parte estranea in Antonio e Cleopatra, crea un'immagine potente ma monotona di Coriolano e lungi dal raggiungere, ad eccezione dei singoli monologhi, la sua precedente altezza artistica in Timone di Atene, sebbene questa tragedia sia di grande importanza per comprendere la visione del mondo shakespeariano. Le commedie del secondo periodo, ad eccezione di "Misura per misura", appartengono alle opere artisticamente più deboli di Shakespeare. Anche in opere dell'ultimo periodo come The Winter's Tale e The Tempest - magnifiche nella luminosità dei colori, nelle immagini pittoresche e nella ricchezza del linguaggio, intrise di una fede incrollabile nella vita e dell'amore per essa - a volte si avverte una certa lentezza d'azione .