Questa arte astratta vale milioni di dollari. Ammira questa bellezza! I dipinti più costosi del mondo o daub? Dipinti in stile daub

Scandalo nei circoli artistici degli USA! Dozzine di dipinti che erano considerati capolavori di pittura astratta ritrovati di recente si sono rivelati falsi. Che cos'è: un errore fatale di esperti o un incredibile talento di truffatori?

O solo una conferma obiettiva che in realtà gli originali di questi "capolavori" sono solo una macchia pubblicizzata, che è semplicemente facile da copiare?

La chiusura del Center for Visual Culture presso l'Accademia Mohyla non solo ha portato a un'aspra polemica nella società. Ma mi ha anche fatto riflettere su cosa sia realmente tutto ciò che viene offerto sotto forma di opere d'arte.

Scandalo nei circoli artistici degli USA! Dozzine di dipinti che erano considerati capolavori di pittura astratta ritrovati di recente si sono rivelati falsi. Che cos'è: un errore fatale di esperti o un incredibile talento di truffatori? O solo una conferma obiettiva che in realtà gli originali di questi "capolavori" sono solo una macchia pubblicizzata, che è semplicemente facile da copiare?

Quasi 17 anni fa Glafira Rosales, poco nota mercante d'arte di Long Island (New York), entrava nei lussuosi locali della galleria Knoedler & Company portando con sé un quadro che, secondo lei, sarebbe stato dipinto dall'artista Mark Rothko (uno dei massimi rappresentanti della direzione artistica). .n espressionismo astratto - ca.).

Ha mostrato una tavoletta con due nuvole scure su uno sfondo pesca pallido ad Ann Friedman, il nuovo presidente di Knoedler, la galleria d'arte più antica di New York.

"Immediatamente, a prima vista, questo lavoro mi ha interessato", ha ricordato in seguito la signora Friedman. Era così appassionata che finì per acquisire il lavoro per se stessa.

Nei dieci anni successivi, la signora Rosales ha frequentato la villa della Galleria Knoedler con il suo soffitto riccamente decorato, portando opere di noti artisti modernisti come Jackson Pollock, Willem de Kooning e Robert Motherwell.

Tutti sono apparsi per la prima volta sul mercato. Tutto, ha detto, apparteneva a un collezionista che la signora Rosales ha rifiutato di nominare.

I dipinti furono accolti con entusiasmo sia dalla Knoedler Gallery che da Ann Friedman: almeno venti opere furono rivendute, una delle quali venduta per 17 milioni di dollari.

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Oggi un certo numero di esperti chiama queste opere falsificazione. Uno è stato ufficialmente bollato come "falso" da un ordine del tribunale, mentre altri sono indagati dall'FBI. La Galleria Knoedler, dopo 165 anni di attività, ha chiuso i battenti e ha citato in giudizio un cliente che ha acquistato uno dei dipinti di Rosales (la galleria afferma che la chiusura è stata una decisione commerciale legata alla causa). Anche la signora Friedman, che sostiene ancora che i dipinti sono reali, appare in questa causa.

Ci sono stati pochi eventi negli ultimi anni che hanno scosso il mercato dell'arte come questo misterioso racconto di come un oscuro mercante d'arte sia stato in grado di scoprire una quantità sbalorditiva di oscuri tesori pittorici creati dai titani dell'espressionismo astratto. Ognuna delle possibili spiegazioni comporta l'onere dell'implausibilità.

Se i dipinti sono reali, allora perché la vernice su alcuni di essi contiene pigmenti che non erano ancora stati inventati al momento della loro creazione?

Se sono falsi, allora chi sono questi falsari di talento soprannaturale che sono stati in grado di fuorviare gli esperti?

E se i dipinti sono veri ma rubati, perché i loro proprietari non si sono fatti avanti dopo che la storia è stata resa pubblica?

Sfortunatamente, l'unica persona che potrebbe risolvere questo mistero, la signora Rosales, si rifiuta di parlare, almeno in pubblico. Tuttavia, alcuni dettagli sono stati "trapelati" dagli atti del tribunale e dalle interviste con altri partecipanti a questo caso. E bastano per descrivere cosa è successo.

Dame Rosales, 55 anni, una donna carismatica e istruita di origine messicana, e suo marito, Jose Carlos Bergantinos Diaz, originario della Spagna, un tempo gestivano una piccola galleria, King Fine Arts, situata a Manhattan sulla West 19th Street. La coppia, che aveva conti alle migliori aste Sotheby's e Christie's, ha dichiarato in tribunale di possedere o vendere dipinti di artisti famosi, tra cui Andy Warhol, che il signor Bergantinos ha descritto come un amico.

Sulla base di questi dati, sembra strano che la signora Rosales abbia contattato intermediari come la Knoedler Gallery, le cui commissioni "mordono un pezzo" nelle sue stesse commissioni. Parte della risposta potrebbe risiedere nella distanza tra Rosales e lo status di Friedman nel mondo dell'arte.

Alta, molto magra e molto sicura di sé, la signora Friedman gestiva una delle gallerie più rispettate degli Stati Uniti. Ha incontrato a colazione collezionisti di fascia alta, acquirenti che, senza battere ciglio, hanno sborsato diversi milioni per un dipinto. Lei e suo marito, l'uomo d'affari immobiliare Robert Friedman, erano essi stessi collezionisti.

Le due donne sono state presentate dall'impiegato della galleria Jaime Andrade, che ha incrociato la strada con la signora Rosales a un cocktail party. Secondo Ann Friedman, all'inizio Rosales le disse solo che rappresentava gli interessi della sua amica, proprietaria di immobili a Città del Messico e Zurigo, e di cui si era impegnata a mantenere segreto il nome. Questo non ha sorpreso nessuno, ha spiegato Friedman, i collezionisti privati ​​spesso preferiscono rimanere anonimi. Tuttavia, nel tempo, sono apparsi ulteriori dettagli sul proprietario. Rosales le disse di aver ereditato il dipinto da suo padre, che collezionò i dipinti con l'aiuto di David Herbert, un commerciante di New York morto nel 1995.

Herbert avrebbe progettato di creare una nuova galleria basata su queste opere, che sarebbe stata finanziata dal proprietario della collezione. Ma i due fondatori fuggirono e, alla fine, i quadri finirono nella cantina del collezionista, dove furono custoditi fino alla sua morte.

La signora Rosales ha un ritratto di Herbert di Ellsworth Kelly, che recentemente faceva parte di una mostra al Brooklyn Museum. Quello che non ha sono documenti di proprietà delle oltre due dozzine di dipinti modernisti che ha messo sul mercato.

La vendita di opere di un noto artista senza prova della provenienza è una situazione rara. Nell'affrontare dipinti non documentati che, in teoria, come ha detto un avvocato, avrebbero potuto essere dipinti "nel garage della signora Rosales", Ann Friedman, ha detto, si è concentrata su ciò che conta davvero: la qualità delle opere in quanto tali.

Ed erano straordinari", ha detto Friedman. Ha invitato diversi esperti per verificare le proprie impressioni sui dipinti di Rothko, Pollock, Barnett Newman, Clifford Stills e altri - tele fornite dal commerciante Rosales. Claude Cernuchi, che è l'autore del libro su Pollock, ha autenticato il piccolo dipinto "Senza titolo, 1950" firmato "J. Pollock. La National Gallery of Art, che ha una potente collezione di opere su carta di Rothko, ha affermato che due dei dipinti di Rothko erano reali.

Prima del 2000, la signora Friedman aveva acquistato lei stessa tre delle proposte di Rosales: Rothko dal loro primo incontro, Untitled 1959 per $ 200.000, Pollock per $ 300.000 e Motherwell per $ 20.000. "Se Ann Friedman avesse avuto dei dubbi su questi lavori, lei e suo marito non avrebbero investito centinaia di migliaia di dollari in essi", ha detto il suo avvocato in questa occasione.

Le nuvole iniziarono ad addensarsi nel 2003, quando un alto dirigente della banca d'investimenti Goldman Sachs volle autenticare un (presunto) dipinto di Pollock, Untitled 1949, che acquistò dalla Knoedler Gallery. Ha donato Cortin alla International Foundation for Artistic Research, un'organizzazione indipendente senza scopo di lucro. E dopo l'analisi, la commissione anonima ha rifiutato di confermare l'autenticità del dipinto, mettendone in discussione lo stile e l'origine.

L'acquirente ha chiesto il rimborso. La signora Friedman gli ha prontamente dato due milioni di dollari e ha acquistato lei stessa la tela macchiata di bianco, nero e rosso in collaborazione con la galleria e il collega impresario teatrale canadese David Mirvish. Il signor Mirvish, lui stesso un ex commerciante d'arte, ha detto che non gli importava delle valutazioni anonime (lui e Knoedler hanno anche investito in altre due opere di Pollock fornite da Rosales).

Ma le stime sono state ottenute anche da altre fonti. Mirvis nel 2006 ha portato in galleria l'artista Frank Stella, contemporaneo degli espressionisti astratti. Dopo aver esaminato diverse tele provenienti da Rosales, Stella ha detto: "Ciascuna di esse è troppo bella per essere reale, ma quando le vedi in un contesto generale, come gruppo, capisci che sono reali" - almeno così La conversazione è stata testimoniata in tribunale da Ann Friedman.

La cosa più impressionante è che i dipinti di Rosales sono stati confermati sul mercato. La signora Friedman ha certificato di aver venduto 15 o 16 opere in totale attraverso la Knoedler Gallery, per un totale compreso tra $ 27 milioni e $ 37 milioni.

Il dipinto più costoso era "Untitled 1950", presumibilmente di Pollock, acquistato tramite un intermediario nel 2007 da un direttore di hedge fund londinese di nome Pierre Lagrange. La galleria, insieme al signor Mirvish, aveva acquistato un dipinto con un miscuglio di linee nere, rosse e bianche su uno sfondo argento brillante per 2 milioni di dollari qualche anno prima. Lagrange ha pagato 17 milioni.

Questo è il vero Pollock. E non appena gli esperti non si sono accorti subito di quanto queste linee imbrattate sulla tela siano superiori alle linee imbrattate sulla tela falsificata?

Pochi giorni dopo l'accordo con Lagrange, la signora Friedman ha invitato alla Knoedler Gallery diversi dipendenti della Fondazione no profit Daedalus Foundation, che Robert Motherwell ha creato per proteggere il patrimonio artistico della modernità. Voleva che vedessero il suo ultimo Motherwell.

Era il settimo dipinto che il mercante d'arte Rosales aveva venduto a Friedman oa un altro commerciante di New York, Julian Weisman, in otto anni. Il dipinto, con grandi pennellate nere e macchie sparse sulla tela, sembra appartenere alla celebre serie di Motherwell nota come Elegie spagnole. Il personale della Fondazione ha già visto molte di queste nuove "elegie" e le ha riconosciute come autentiche.

Ma poche settimane dopo la visita alla Galleria Knoedler, durante una riunione del comitato della fondazione, alcuni dei suoi membri iniziarono a mettere in dubbio l'autenticità delle firme e lo stile delle "elegie" appena scoperte. Il presidente della Fondazione Jack Flam ha detto di aver presto appreso che altre opere "da Rosales" attribuite a Pollock e Richard Diebenkorn sono state accolte con scetticismo.

Non tutti nella fondazione hanno deciso di dover dare l'allarme. Joan Banach, assistente personale di Motherwell e impiegata veterana della fondazione, ha affermato che Flam ha fatto affermazioni incondizionate sull'autenticità dei dipinti e quindi ha violato le procedure di valutazione dei dipinti della fondazione. Successivamente ha citato in giudizio la fondazione, sostenendo di essere stata licenziata a causa delle critiche al signor Flem (la fondazione nega).

"Più probabile che no", è il modo in cui la signora Banach ha valutato l'autenticità dei dipinti di Motherwell, che la Knoedler Gallery ha acquisito tramite Rosales, nei documenti del tribunale.

Ma il presidente della fondazione, Jack Flam, era determinato a dimostrare che questi dipinti erano contraffatti. Ha assunto un investigatore privato per indagare sulle attività di Rosales e di suo marito e ha insistito per una serie di esami forensi.

In una fresca sera di gennaio del 2009, Flem e Friedman si sono incontrati per discutere i risultati. Si sedettero nella sala sbagliata dove erano appese due "elegie", una delle quali apparteneva alla signora Friedman. Lo specialista forense ha concluso che entrambi contenevano pigmenti inventati dieci anni dopo il 1953 e il 1955, le date indicate sulle tele.

Ann Friedman non era d'accordo con questi risultati. Agli artisti venivano spesso dati nuovi pigmenti con cui sperimentare, anche prima che fossero brevettati e immessi sul mercato. Ma la Fondazione Daedalus ha mantenuto la sua posizione: il mercante d'arte Rosales è stato successivamente confermato negli atti del tribunale come "la persona chiave che ha portato sul mercato una serie di sette false 'elegie spagnole'".

La disputa sui dipinti di Motherwell raggiunse presto l'FBI, che aprì un'indagine. L'avvocato di Rosales ha riconosciuto che la sua cliente era sotto inchiesta e ha aggiunto che "non ha mai venduto consapevolmente dipinti sapendo che erano falsi".

Ann Friedman ha ricevuto un mandato dall'FBI nel settembre 2009, anche se il suo avvocato afferma che l'FBI non la considera oggetto di un'indagine. Si è ritirata dalla galleria il mese successivo. Sia Friedman che la galleria sostengono che l'indagine non ha avuto nulla a che fare con il suo licenziamento, dovuto alla riluttanza di Friedman a fondere la Knoedler Gallery con un'altra galleria.

Tuttavia, è stato molto più difficile allontanarsi dai problemi con i dipinti di Rosales. L'anno scorso, una delle "elegie" è diventata la base per una causa intentata da una galleria irlandese che ha acquistato questo dipinto e, dopo uno scandalo, ha chiesto la restituzione di 650.000 dollari.

La Fondazione Daedalus è stata coinvolta in questa causa perché, dopo controlli forensi, è stato lui a dichiarare false tutte le "elegie" ricevute tramite Rosales. Compresi quelli che aveva precedentemente riconosciuto in modo informale come autentici, e tra questi c'era il dipinto venduto agli irlandesi.

La causa è stata chiusa nel mese di ottobre. Rosales ha accettato di pagare la maggior parte del costo del dipinto e delle spese legali, e il dipinto stesso, su richiesta della Fondazione Daedalus, è stato timbrato sul retro con un timbro a inchiostro "falso" che non poteva essere rimosso. Daedalus una volta dichiarò che il dipinto era reale e un'altra volta che era falso. Nonostante ciò, l'altra parte, tramite i propri avvocati, sostiene ancora che il dipinto è autentico.

Poche settimane dopo, un'altra immagine divenne la causa della disputa. Pierre Lagrange stava divorziando dalla moglie e volevano vendere Untitled 1950. Ma le aste Sotheby's e Christie's si sono rifiutate di occuparsi di questo dipinto a causa della dubbia provenienza e della sua assenza nel catalogo completo delle opere di Pollock. Lagrange ha chiesto alla Galleria Knoedler di riprendere il dipinto e ha ordinato il proprio esame forense della tela.

Il 29 novembre arrivarono i risultati dell'analisi: i due pigmenti gialli utilizzati nel dipinto furono inventati solo dopo la morte di Pollock nel 1956. La conclusione è stata inviata alla Galleria Knoedler. Il giorno successivo, ha annunciato la sua chiusura.

A dicembre, Rosales e Friedman si sono incontrati di nuovo, ma questa volta l'incontro ha avuto luogo presso il tribunale distrettuale federale di Manhattan, dove sono stati convocati per causa del signor Lagrange. Voleva indietro i suoi 17 milioni.

Questo dipinto di Motherwell è ora stampato in modo permanente "falsificazione" sul retro. Allo stesso tempo, lo stesso fondo artistico che ha insistito sull'aspetto di questo marchio, in precedenza, ha confermato l'autenticità del dipinto. Foto: Robert Caplin per il New York Times

Le due donne si salutarono brevemente, dopodiché Rosales si rivolse al quinto emendamento della costituzione degli Stati Uniti, che conferisce a un cittadino il diritto di non autoincriminarsi. Da allora, non hanno comunicato, secondo i loro avvocati.

Impossibile dire ora se un tribunale o un'inchiesta penale potranno dare una risposta convincente sul mistero di queste opere.

L'autenticità è difficile da confermare. La datazione del pigmento è generalmente considerata un metodo affidabile, ma questo non è necessariamente l'argomento decisivo. Ad esempio, il CEO di Golden Artist Colors Mark Golden, il cui padre Sam ha creato vernici sperimentali per artisti come Pollock, ha dichiarato la sua convinzione che suo padre non abbia mai realizzato i gialli nel discutibile dipinto. Tuttavia, ha notato che i singoli costituenti di questi pigmenti esistevano alla fine degli anni '40.

Nei casi penali, l'asticella è ancora più alta. L'accusa deve dimostrare che le opere di Rosales sono false - e questo è quando anche gli esperti non sono d'accordo su questo. E se sono falsi, le autorità devono dimostrare che la signora Rosales è stata coinvolta in una frode e non è stata ingannata allo stesso modo.

Nel frattempo, il dipinto all'epicentro della causa civile, "Senza titolo 1950", non occupa più un posto d'onore sulla parete del soggiorno del signor Lagrange. La tavola da 15" per 28" è diventata orfana nel mondo dell'arte ed è in una specie di inferno artistico. E sta aspettando che lei sia sollevata nei cieli come un capolavoro, o saranno diffamati come un falso.

Patricia Cohen, Il New York Times

Traduzione dall'originale all'ucraino:TESTI , originale"Adatto per querela" Di PATRICIA COHEN Pubblicato: 22 febbraio 2012

Al giorno d'oggi, ci sono molte persone strane che danno decine di milioni di dollari per quello che a una persona comune come me sembra essere un vero e proprio scarabocchio). In ogni caso, propongo di conoscere i dieci dipinti più costosi al mondo al momento!

A qualcuno piaceranno, qualcuno non capirà tale arte, ma il fatto che ci fossero persone pronte a dare molti soldi per loro è un fatto indiscutibile.

Quindi il numero 10 della lista quadri più costosi abbiamo il Secondo ritratto di Adele Bloch-Bauer di Gustav Klimt, venduto per 89,1 milioni di dollari. Un po' di storia. Nel 1912, l'artista austriaco Gustav Klimt dipinse un ritratto di Adele Bloch-Bauer II - la moglie di Ferdinand Bloch-Bauer, un ricco industriale dell'epoca che sponsorizzava vari tipi di arte, tra cui lo stesso Gustav Klimt) Adele Bloch-Bauer era la unica modella che Klimt ha dipinto due volte - appare anche in Il primo ritratto di Adele Bloch-Bauer. Apparentemente Ferdinand ha sponsorizzato bene l'artista;)

9 ° posto - un autoritratto di Vincent van Gogh, per il quale all'asta sono stati pagati 90,1 milioni di dollari.In generale, al danese Van Gogh piaceva dipingere autoritratti - e tutti loro, insieme ai famosi "Girasoli", sono popolari e sono i suoi dipinti più famosi. In totale, ha dipinto più di 12 autoritratti dal 1886 al 1889.

All'ottavo posto c'è il dipinto "Dora Maar con un gattino" di Pablo Picasso, il cui prezzo era di 97 milioni di dollari. Il dipinto, dipinto nel 1941, raffigura l'amante croata di Picasso, Dora Maar, seduta su una sedia, con un gattino sulla spalla (anche se sembra più che il gattino stia ancora camminando sullo schienale della sedia). Quando ho visto questa foto, ho improvvisamente capito che i gattini di Picasso erano i migliori))

Il 7 ° posto è nuovamente occupato da un dipinto di Van Gogh, solo che questa volta non è un autoritratto) L'acquirente ha dovuto pagare 97,5 milioni di dollari per il dipinto "Iris", ma almeno sembra più o meno un dipinto - io non mi pentirei nemmeno di 10 dollari per questo! Questa è una delle prime opere di Van Gogh, scritta da lui durante la sua permanenza nell'ospedale di St. Paul de Mosol nella provincia francese di Sanremo un anno prima della sua morte nel 1890

Sulla sesta riga - di nuovo Picasso) Sembra che abbiano deciso di "misurare" con Van Gogh =) In ogni caso, per il dipinto di Pablo Picasso "Ragazzo con la pipa" dalla collezione personale di John Hay Whitney all'asta di Sotheby's tenutasi a New York il 5 maggio 2004, ha donato 104,1 milioni di dollari a un prezzo di partenza di 70 milioni di dollari. Tuttavia, molti storici dell'arte ritengono che un prezzo così alto fosse più probabilmente associato al grande nome dell'artista che all'effettivo valore storico della sua pittura.

5° posto, per così dire, all'equatore della classifica quadri più costosi, è occupata da Pierre-August Renoir con il dipinto “Ballo a Montmartre”. Al momento della vendita, questo dipinto, insieme al "Ritratto del dottor Gachet" di Van Gogh, era il dipinto più costoso mai venduto ed entrambi appartenevano all'industriale giapponese Saito. Una storia interessante è collegata a lui: il fatto è che Saito ha lasciato in eredità dopo la sua morte (ed è successo nel 1991) per cremare questi due dipinti con lui, il che ha causato un'ondata di indignazione in tutto il mondo. Tuttavia, i suoi compagni hanno deciso di fare diversamente e, di fronte alla minaccia di bancarotta, hanno venduto Renoir da Sotheby's per 122,8 milioni di dollari: l'acquirente ha voluto rimanere anonimo, ma si presume che il dipinto sia ora in Svizzera.

Al 4° posto ancora Van Gogh, con il già citato “Ritratto del dottor Gachet”. Esistono infatti due versioni di questo dipinto, entrambe realizzate nel 1890, negli ultimi mesi di vita dell'artista - e in entrambe il dottore è seduto al tavolo, con la testa appoggiata alla mano destra, ma la differenza tra loro può essere visto anche ad occhio nudo. Questo dipinto è stato venduto per 129,7 milioni di dollari.

Abbiamo già menzionato il dipinto, che si trova sul "bronzo", terzo gradino della nostra lista all'inizio: questo è il "Primo ritratto di Adele Bloch-Bauer" di Gustav Klimt. Come puoi vedere, questo ritratto è risultato migliore e più costoso) È stato dipinto nel 1907 e, secondo informazioni provenienti da fonti specializzate, è stato venduto nel 2006 al proprietario della galleria newyorkese Neue Galerie Ronald Lauder per 135 milioni di dollari, che ha reso il dipinto il più costoso mai venduto o venduto in quel momento

Al secondo posto c'è una macchia che mi è del tutto incomprensibile chiamata "Woman 3" dell'espressionista astratto Willem de Kooning, anche se se guardi l'artista stesso e gli altri suoi dipinti, puoi sostanzialmente dire che questo è il coronamento del suo opera))) "Woman 3" è uno dei sei dipinti dell'artista, in cui il tema centrale è, sorprendentemente, una donna) La tela di 170 x 121 cm è stata dipinta nel 1953 e nel novembre 2006 è stata venduta da David Geffen a miliardario Stephen Cohen per 137,5 milioni di dollari, rendendolo il secondo dipinto più costoso al mondo mai venduto.

Quindi primo della lista “I quadri più costosi del mondo” al momento è "No. 5, 1948", scritto da Jackson Pollock, un artista americano che ha dato un contributo significativo al movimento dell'espressionismo astratto. Il dipinto è stato dipinto su un foglio di fibra di 2,5 x 1,2 metri applicando una piccola quantità di macchie marroni e gialle sulla parte superiore, che hanno fatto sembrare il dipinto un enorme nido. Questo capolavoro di Pollock è stato venduto per la cifra record di 142,7 milioni di dollari.

lifeglobe.net/entry/1228

Guardando alcuni dei dipinti che oggi vengono venduti all'asta, mi viene da piangere. Piangi, perché queste tele sembrano una macchia di un bambino, ma stanno come una villa a Miami. È giunto il momento di presentare i capolavori assurdi più costosi che sono usciti dall'asta per milioni di dollari.

"Green and White" di Ellsworth Kelly - $ 1,6 milioni

blog

Questo non è solo un cerchio verde frastagliato su uno sfondo bianco. Questo è un esempio di pittura, dove l'oggetto principale è il colore stesso. Questa creazione è stata acquistata all'asta di Christie's a New York nel 2008.

In realtà, nel resto dei dipinti dell'artista non troverai motivi complessi e paesaggi realistici, solo le figure più semplici su uno sfondo bianco, nero o luminoso.

The Blue Fool, Christopher Wool - 5 milioni di dollari

Pinterest

Il dipinto ha lasciato l'asta da Christie's (New York) nel 2010. L'artista americano moderno Christopher Wool è andato oltre i suoi colleghi e, oltre a "imbrattare" e "scarabocchiare", ha iniziato a posizionare iscrizioni a caratteri cubitali sulle tele.

C'è una notevole dose di ironia nel fatto che una delle opere più costose di questa serie fosse una tela con la scritta "FOOL" (Matto).

“Il concetto di spazio. Aspettando, Lucio Fontana - $ 12,8 milioni

fonte: forbes

La tela bianca a fessura è stata venduta da Sotheby's a Londra nel 2015. L'artista Lucio Fontana è noto per il suo atteggiamento "barbaro" nei confronti delle sue tele: le tagliava e le perforava senza pietà. Ma lo ha fatto in modo tale da poter poi mostrare allo spettatore l'immagine "mutilata".

Per il maestro, le sue fessure personificavano l'infinito stesso. “Quando mi siedo davanti a una delle mie fessure e comincio a contemplarla, improvvisamente sento che il mio spirito si libera. Mi sento una persona sfuggita alle catene della materia, appartenente all'infinita distesa del presente e del futuro”, ha detto Fontana.

Dipinto "Colomba protagonista di Joan Miró 36,9 milioni di dollari

karenruimy

Uno dei lotti più costosi dell'asta di Sotheby's, tenutasi nella capitale britannica nel 2012. Questo è il primo dipinto della nostra lista su cui sembra essere stato dipinto. Solo cosa?

La tela è stata creata dall'artista surrealista spagnolo Joan Miro. Un tempo il pittore stava morendo di fame, motivo per cui spesso osservava allucinazioni sui muri. Il creatore ha trasferito le immagini che ha visto nei dipinti. Ora i suoi dipinti vengono venduti per milioni di dollari.

La ragazza addormentata di Roy Lichtenstein - 44,8 milioni di dollari

New York Times

Sleeping Girl è stata messa all'asta nel 2012 da Sotheby's a New York. Per il lavoro di Lichtenstein, che una volta era chiamato "il peggior artista d'America", oggi danno soldi favolosi.

Roy Lichtenstein è noto per la creazione di dipinti basati sui fumetti: l'artista ha semplicemente preso e ridisegnato il lavoro di altre persone, aggiungendo qualcosa di suo. Per questo ha dovuto sopportare gli attacchi della critica, ma anche questo lo ha reso famoso. I dipinti del Liechtenstein compaiono costantemente negli elenchi dei dipinti più costosi.

Senza titolo, Cy Twombly - 69,6 milioni di dollari

gazeta

Il dipinto è stato venduto all'asta di New York della casa d'aste Christie's nel 2014. Quando un bambino lo disegna, è uno scarabocchio. Ma quando lo fa un artista esaltato, è un capolavoro per cui vale la pena pagare soldi pazzi. Altre opere di Twombly sono tutte gli stessi scarabocchi e sono altrettanto indecentemente costose.

"Black Fire" di Barnett Newman - 84,2 milioni di dollari

bloomberg

Questo capolavoro è stato venduto da Christie's a New York nel 2014. Firma Barnett Newman - linee verticali, che sono soprannominate "fulmini".

Altri dipinti del maestro differiscono da quello presentato sopra, tranne forse per il colore, ma per la larghezza di questi stessi fulmini. I prezzi dei dipinti dell'artista aumentano di asta in asta.

"Orange, Red, Yellow" di Marco Rothko - 86,9 milioni di dollari

Efficienza delle pubbliche relazioni: manicotti "brillanti".

Se prendo un pennello e dipingo sulla tela una specie di paesaggio o ritratto, allora chiunque, guardando il mio lavoro, può tranquillamente dire: che imbrattatura! E sarà giusto, perché non so disegnare. Tuttavia, il mio daub potrebbe essere venduto per milioni di dollari se avessi la reputazione di grande artista. Teoricamente, è difficile immaginare che i miei quadri non dipinti, ma non per questo meno terribili, possano essere promossi come grandi opere d'arte e venduti per "soldi pazzi". Ma nella vita reale, questo è accaduto più di una volta: la seconda metà del XIX secolo e l'intero XX secolo è un continuo trionfo dell'imbrattatura nell'arte.

Dal momento in cui nasce la pittura moderna, il cui padre è considerato l'italiano Giotto di Bondone (1267-1337), e nei secoli successivi l'abilità dell'artista nel mostrare la realtà su qualsiasi superficie adatta al disegno (tela, muro o lavagna) ). La fotografia allora non esisteva, ma molti volevano avere il proprio ritratto o un'immagine dei loro parenti. Anche la vista sulle foreste e sui campi circostanti è stata apprezzata. Ci piace ancora appendere riproduzioni di vari dipinti nei nostri appartamenti, ea chi le condizioni materiali lo consentono, poi gli originali stessi. Nel Medioevo anche ai ricchi piaceva decorare con dipinti i muri delle case e dei castelli, e alcuni dei ricchi accumulavano enormi collezioni. Qualcuno lo ha fatto per amore della pittura, altri per migliorare il proprio status.

Oltre ai ricchi, la chiesa aveva bisogno anche di opere d'arte. La Chiesa non aveva bisogno di dipinti che rappresentassero la vita reale - avevano bisogno di scene bibliche che sembrassero vere - come fotografie di eventi reali (anche se allora non avevano idea delle fotografie). La gente doveva credere in Cristo, in Maria, negli apostoli e in altre figure religiose, e per questo i personaggi biblici dovevano sembrare persone viventi.

Quali erano le richieste dei clienti - tali erano le immagini. Le idee folli abbozzate sulla tela da una mano inetta non servivano a nessuno. Nessuno comprerebbe un ritratto di se stesso che non assomigli all'originale, e ancor di più uno che, in linea di principio, non assomigli all'immagine di una persona. A quei tempi, per dipingere un ritratto, era necessario un artista che padroneggiasse il mestiere di pittore. Non essendo un professionista, non potresti vendere quadri e guadagnarti da vivere. Coloro che collezionavano dipinti avevano già bisogno non solo di calchi della realtà: volevano ottenere cose esclusive che nessuno potesse ripetere. Cioè, l'artista ha dovuto aggiungere qualcosa di suo a un'immagine realistica - un certo stile unico, in modo che la sua immagine si distinguesse tra la maggior parte dei prodotti artigianali di alta qualità. Potrebbe essere una tecnica unica come Leonardo da Vinci, un uso innovativo di luci e ombre come Van Eyck, immagini fantastiche come Bosch...

15-17 secoli in Europa è il periodo di massimo splendore della pittura mondiale. A questo punto, negli stati europei economicamente sviluppati (Venezia, Firenze, Paesi Bassi, Fiandre, Germania), è apparso un numero sufficiente di clienti per i dipinti - grazie a questo, abbiamo ricevuto un'intera galassia di artisti eccezionali, le cui opere adornano ancora i musei più famosi del mondo. Insieme a grandi pittori del Rinascimento universalmente riconosciuti come Leonardo da Vinci, Raffaello e Michelangelo Buonarroti, all'epoca lavorarono diverse dozzine di artisti altrettanto eccezionali: l'olandese Robert Campin, Jan Van Eyck, Hieronymus Bosch, Peter Brueghel Sr., Peter Paul Rubens, Antonis Van Dyck, Jan Vermeer, gli italiani Giorgione, Tiziano, Correggio, Caravaggio, i tedeschi Albrecht Dürer, Hans Holbein Jr., lo spagnolo Diego Velazquez... Tutti avevano un modo originale di rappresentare la realtà, ma allo stesso allo stesso tempo erano uniti dal fatto che tutti scrivevano immagini superbamente esclusivamente realistiche. Realistico non secondo la trama: le stesse immagini bibliche non sono mai state così. Realistico - dalla somiglianza raffigurata con la vita reale. Nessuno ha dipinto cubi o quadrati - presumibilmente è così che vede il mondo, poiché i "capolavori" in uno stile simile non troverebbero il loro acquirente. I clienti dei dipinti a quei tempi erano persone semplici, come la nostra Nikita Khrushchev. C'è una storia che una volta ha chiesto su uno dei dipinti in una mostra astrattista: "Che razza di culo è questo?". Noto che per quanto riguarda i dipinti di Raffaello o Correggio, nessuno ha mai detto niente del genere, compreso Krusciov - chiunque abbia la vista capisce cosa è raffigurato su di loro: Madonne sotto forma di belle donne, e non alcune terribili e incomprensibili creature come nei quadri di Picasso. Ogni artista eccezionale era in qualche modo un innovatore, ma tutte le tecniche innovative nella pittura avevano senso solo se l'artista poteva rappresentare adeguatamente la vita in tutte le sue manifestazioni. La novità nell'immagine è stata usata per amore del realismo, e non in sé. Possiamo dire che i pittori hanno cercato di lavorare come costruttori: ogni casa deve avere fondamenta, muri e tetto, e tutti gli esperimenti erano consentiti solo all'interno di questo quadro.

Come professionisti, gli artisti del Rinascimento raggiunsero l'apice della pittura. E possiamo tranquillamente affermare che è impossibile superare Raphael o Van Eyck: possono solo essere ripetuti. Oppure crea qualcosa di tuo, che negli anni è diventato sempre più difficile. Già nel XVII secolo c'erano meno artisti eccezionali rispetto al XVI secolo e nel XVIII si contano sulle dita. Sullo sfondo dei maestri del Rinascimento, è estremamente difficile distinguersi: questo è il più alto livello di abilità, che, in linea di principio, solo pochi possono raggiungere.

E in un tale contesto, quando ci sono molti artigiani e pochi maestri eccezionali, nel mondo dell'arte è in atto una vera rivoluzione: i "grandi artisti" hanno cominciato a essere creati artificialmente. Questo era difficile da fare nel Medioevo.- senza i media, le tecnologie di PR sono inefficaci, poiché le informazioni devono essere trasmesse attraverso voci che le distorcono. Soprattutto quando si tratta della diffusione di informazioni su lunghe distanze. Solo i media possono creare e introdurre rapidamente ed efficacemente nella coscienza di massa l'immagine di qualsiasi oggetto (prodotto, marchio) come ideale e necessario nella vita. Non è un caso che quando, nella seconda metà dell'Ottocento, la stampa iniziò a svolgere un ruolo sempre più importante nella vita degli stati dell'Europa occidentale, già entrati nell'era della rivoluzione industriale, allora “i grandi artisti di un nuovo tipo” cominciarono ad apparire. In altre parole: muffin.

Chi ha reindirizzato in modo specifico gli acquirenti di pittura a un vero e proprio daub? Ce ne sono molti. Fondamentalmente, queste sono persone che erano impegnate nella critica d'arte nei media, così come coloro che hanno organizzato mostre. Ad esempio, il critico Roger Fry ha "lavato" i post-impressionisti, il francese Guillaume Apollinaire ha promosso ai consumatori i prodotti di Matisse e Picasso. Ma ancora più importante per il mercato della pittura è stato il fatto che nel mondo sono apparsi collezionisti sempre più ricchi, soprattutto nella seconda metà del XX secolo. In condizioni in cui opere d'arte veramente eccezionali si trovano nei musei statali o di proprietà di chiese che non vendono i loro capolavori per soldi, perché collezionare collezioni? - Da ciò che è considerato alla moda. Ciò che è diventato di moda è stato acquisito dagli acquirenti.

E come è stata creata la moda per questo o quel "pittore"? Fondamentalmente, tutto è iniziato con uno scandalo. Alla fine del XIX secolo, la semplice esibizione in pubblico di una terribile imbrattatura sotto le spoglie di opere d'arte significava uno scandalo pubblico. È stata una vera sfida per la società. Le persone, vedendo "tale", erano indignate, tutto questo è stato procrastinato nella stampa e nei luoghi bohémien, la fama dell'autore e dei suoi dipinti è cresciuta - ed è così che è apparsa la moda per questo o quel personaggio. Prima in circoli ristretti e poi, se sei fortunato, il grande pubblico ha appreso dell'emergere di un nuovo "grande pittore". "Se parlano di te, allora esisti" - questa è la regola di base delle pubbliche relazioni. Se diventi famoso, almeno qualcuno comprerà i tuoi dipinti, indipendentemente dal loro valore artistico. Non appena le persone mediocri in un ambiente bohémien si sono rese conto quel daub - anche questo è un prodotto caldo, quindi tali dipinti hanno letteralmente spazzato il mercato. Molti grandi manicotti in futuro hanno iniziato con dipinti realistici, ma sono passati al daubing nel tempo. E alcuni non hanno avuto bisogno di cambiare nulla - inizialmente non lo sapevano come disegnare.

In periodi diversi, c'era una moda per una direzione artistica, poi per un'altra: impressionismo, post-impressionismo, astrattismo, cubismo, espressionismo ... E la moda è il motore principale del commercio. Non appena l '"artista" è diventato un marchio, da allora tutto ciò che è stato prodotto con questo marchio "è andato a ruba". Non importava cosa dipingesse esattamente questo o quell'"artista": l'industria della moda opera secondo leggi diverse rispetto all'industria artigianale. La moda per questo o quel manicotto, ovviamente, non è nata immediatamente, e all'inizio gli "allori" sotto forma di enormi soldi non sono andati agli artisti stessi, ma agli acquirenti di dipinti. I soldi folli che iniziarono a essere pagati per le macchie alla moda nelle aste apparvero solo verso la fine della seconda metà del XX secolo. Un numero enorme di persone con denaro facile ottenuto nei mercati finanziari mondiali, così come durante il saccheggio di proprietà statali in Russia, semplicemente non sapeva dove metterle - di conseguenza, qualsiasi feci spalmata sulla tela è diventata una merce estremamente calda .

Con chi iniziò il trionfo dell'imbrattatura nell'arte?

La strada per impressionisti e cubisti è stata aperta dall'inglese Joseph Turner, che ha "creato" nella prima metà del XIX secolo. Il suo unico merito come artista era quello di non essere molto bravo a dipingere paesaggi. Aveva anche dipinti quasi buoni, ma divenne noto per le imbrattature franche, come la tela "Sailing to Venice". Se Venezia fosse la stessa della sua foto, quasi nessuno ci avrebbe navigato ... Turner una volta ha semplicemente scioccato il pubblico, grazie al quale è diventato famoso. C'è una sua caricatura: Turner si trova di fronte a un dipinto con un pennello (che all'epoca era usato per dipingere le recinzioni) e dipinge qualcosa ...

Successivamente, il francese Edgar Degas ha raccolto il testimone: sapeva disegnare e talvolta ha realizzato immagini meravigliose, ma per qualche motivo Edgar è stato attratto dal dipingere le donne nude più brutte che si stavano preparando a lavare, lavare o appena finite le procedure dell'acqua . .. - Per tali disegni vengono espulsi da 1 corso di scuola d'arte per incompetenza, ma Degas è diventato popolare soprattutto grazie a loro.

Alla fine del XIX e all'inizio del XX secolo, il numero di muffin iniziò ad aumentare notevolmente.

In questo momento stanno creando i "grandi impressionisti" Claude Monet (che non deve essere confuso con il famoso artista Edouard Manet) e Auguste Renoir. Renoir sapeva disegnare, ma lui, come Degas, veniva spesso portato a dipingere a titolo definitivo. All'inizio Monet cercò anche di diventare un vero artista, ma si rese conto che non ci sarebbe riuscito - di conseguenza, può essere definito uno dei successori più eclatanti dell'opera di Joseph Turner - i paesaggi di Monet sono terribili quasi quanto quelli del suo predecessore.

Il suo "capolavoro" principale è "Cattedrale di Rouen, facciata ovest alla luce del sole" - un tipico intonaco per bambini. Monet ha rivettato molte opere in questo "stile", e tutte sono ancora popolari: "Water Lilies" (senza nome non si riconosce subito che si tratta di gigli sull'acqua ...) è andato all'asta per 36,7 milioni di dollari (2007. ), Waterloo Bridge (nella foto sotto) venduto per $ 35,9 milioni (2007),

"Stagno con ninfee..." (rispetto a "Waterloo Bridge" può anche essere definito un dipinto) - per 33 milioni di dollari (1998). Il quotidiano Times nel 2009 ha condotto un sondaggio tra i lettori, i cui risultati hanno determinato gli artisti più famosi del 20 ° secolo: Claude Monet si è classificato al 4 ° posto!

All'inizio del secolo, anche i postimpressionisti si misero al lavoro: Vincent van Gogh, Henri Toulouse-Lautrec, Edvard Munch, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Gustav Klimt. Chi di loro era l'artista "più grande" o, in altre parole, più alla moda del nostro tempo? Cezanne ha almeno un dipinto che può essere descritto come "interessante" - lo ha dipinto all'età di 27 anni. Poi tutto è andato molto peggio - senza illuminazione, imbrattatura dopo imbrattatura. Tuttavia, non è sicuramente il "più grande". I prezzi per alcuni dei suoi dipinti ammontano a decine di milioni di dollari (il più costoso - "Natura morta con brocca e drappeggio" è stato acquistato per 60,5 milioni di dollari (!), Ma la popolarità delle sue opere tra i collezionisti è chiaramente inferiore alla popolarità delle opere di Gauguin, e ancor di più Van Gogh Ma i lettori di The Times hanno messo Cezanne al 2 ° posto tra gli artisti del XX secolo!

Il malato di mente Van Gogh dipinto come un bambino di 5-7 anni senza talento che non è mai cresciuto. Un tempo fu curato in una clinica psichiatrica, ma questo non aiutò e all'età di 40 anni si suicidò. La sua biografia è più simile a una biografia di un "grande artista". Ciò è dimostrato dai prezzi dei suoi dipinti: $ 40,3 milioni per un terribile ritratto di Madame Ginoux, $ 40,5 milioni per "Girasoli", $ 47,5 milioni per "Contadina con cappello di paglia", 53, $ 9 milioni per Iris, $ 57 milioni per Cypress Wheat Field, $ 71 milioni per un autoritratto e $ 82,5 milioni per il dottor Gachet. Questo Gachet, tra l'altro, si è preso cura di Van Gogh poco prima del suo suicidio - probabilmente, l '"artista" ha deciso di vendicarsi del dottore per il suo lavoro con il suo ritratto caratteristico.

L'amante di Van Gogh, Gauguin, dipinse da ragazzo un po' più grande del ragazzo di Van Gogh. Questo è un chiaro svantaggio per lui come "grande artista". Inoltre, Gauguin non era pazzo come Van Gogh, anche se c'è un episodio meraviglioso nella sua biografia quando è venuto a visitare Van Gogh e alla fine si è tagliato l'orecchio - questa è davvero una pesante affermazione di "grandezza"! Tuttavia, la domanda per i dipinti di Gauguin non è così grande come per Van Gogh: solo pochi dei suoi dipinti sono stati venduti per oltre 30 milioni di dollari.

Il quasi nano Toulouse-Lautrec era pazzo delle brutte puttane francesi, che incarnava nei suoi dipinti non meno brutti. Se guardi l'immagine qui sotto sotto il nome condizionale "puttane in ispezione", avrai un'idea del modo creativo di Toulouse-Lautrec.

Era piuttosto un maestro dello schizzo, ma non si è mai preso la briga di scrivere un'immagine a tutti gli effetti. Rispetto a Gauguin e Van Gogh, Toulouse-Lautrec è del tutto impopolare, e il norvegese Munch chiaramente non è all'altezza di loro, sebbene la sua biografia sia molto personale: soffriva costantemente di una terribile depressione ed è stato curato più volte per disturbi mentali. Molti dei suoi dipinti compaiono nella lista dei "100 dipinti più costosi della storia", ma questo è tutto.

Ma l'austriaco Gustav Klimt è davvero il più grande post-impressionista. È popolare quanto Van Gogh e il suo dipinto più costoso è stato acquistato per 135 milioni di dollari! E la cosa più sorprendente per il grande artista del 20 ° secolo: l'immagine mostra una donna dal volto umano! Tutto lo spazio rimanente è occupato da una tipica imbrattatura, ma il volto si è rivelato realistico. E altri dipinti di Klimt, in cui sono raffigurate persone, sono simili a questo quadro: gli stessi volti tra lo sporco "post-impressionista".

La gente rispetta anche Klimt - 3° posto tra i migliori artisti del 20° secolo - solo Picasso e Cézanne sono avanti.

Passiamo al XX secolo. Come ha scritto Wendy Beckett nella sua Storia della pittura, "due regnano nell'arte del XX secolo: Henri Matisse e Pablo Picasso". È difficile dire perché esattamente questi due, perché c'erano centinaia di questi manicotti, ma i modi della moda sono imperscrutabili. Pablo, a proposito, e secondo un sondaggio tra i lettori di The Times, ha preso il 1 ° posto.

Lo spagnolo Pablo Picasso sapeva disegnare, ma non voleva. Era lontano dal livello di Da Vinci (che non crede - guarda il suo primo dipinto "Ragazzo con la pipa" - non male, ma non eccezionale), ma semplicemente i buoni dipinti erano già irrilevanti nel 20 ° secolo. Daubing divenne sempre più di moda e Pablo decise di navigare per volere delle onde. E ha fatto benissimo!

Nel 1907 dipinse il dipinto "Le ragazze di Avignone", che divenne la prima opera del genere cubista. All'inizio l'artista era imbarazzato nel mostrare questa macchia agli estranei, il che, in generale, è comprensibile: cinque creature assolutamente terribili ti guardano dalla foto e mostrare agli altri simili sciocchezze è come dire pubblicamente: sono pazzo! Sono uno psicopatico completo! Comunque Pablo azzardò ad esporre il suo "capolavoro" e non ho indovinato. Nessuno lo nascose in un ospedale e Picasso continuò a rovinare le tele. Ha messo in pratica il postulato del materialismo dialettico: la quantità si sviluppa in qualità. In questo caso, reputazione. Picasso ha dipinto per circa 70 anni e non sorprende che sia diventato il manicotto più popolare del nostro tempo.

Il suo Ritratto di Dora Maar (acquistato per 95,2 milioni di dollari all'asta nel 2006, nella foto sopra), Woman Seated in a Garden (49,5 milioni di dollari nel 1999), Dream (48,4 milioni di dollari nel 1997), "Nude in a black chair" (45,1 milioni di dollari) dollari nel 1999) - è entrato nel "fondo d'oro" del daub del XX secolo.

Ci sono stati molti gloriosi pittori del XX secolo - molto più dei grandi artisti del Rinascimento, il che non sorprende: rompere - non costruire, rovinare tele - non dipingere. Anche i nostri Vasya Kandinsky e Kazimir Malevich sono stati notati in questo campo - sebbene siano eccezionali, non sono grandi manicotti per gli standard mondiali. Certo, i russi hanno la loro spiritualità speciale, ma nel daub non si è manifestata troppo. Entro la metà del XX secolo, l'americano Pollack e l'olandese de Kooning, "espressionisti astratti", iniziarono a dargli il tono.

Tutto nel nostro mondo è relativo, e sullo sfondo di Pollack e dei suoi fratelli, anche Monet o Gauguin sembrano bravi artisti. I critici d'arte hanno chiamato questo più alto grado di imbrattatura "espressionismo astratto", e direi che questa è imbrattatura completamente folle! I suoi rappresentanti più in vista non furono solo i già citati Willem de Kooning e Jackson Pollack, ma anche Mark Rothko, americano di origine russa. Questi tre sono solo l'apice del fango del 20° secolo!

Un espressionista astratto è una persona che, in linea di principio, non disegna. Van Gogh dipinse almeno al livello di un bambino di 5 anni, ma Pollak non riuscì nemmeno a raggiungere questo livello. Per citare The History of Painting di Wendy Beckett: “Pollack è stato il primo ad abbandonare il pennello, la tavolozza e tutte le convenzioni della trama. Ha ballato in estasi sulle tele stese sul pavimento, completamente immerso nella creatività, schizzando e versando vernici sotto completo controllo. “La pittura”, ha detto, “ha una vita propria. Cerco di lasciarglielo fare". Non c'è nemmeno nulla da commentare qui: l'uomo era molto, molto malato. La foto del suo dipinto lo conferma.

Mark Rothko è un artista ancora peggiore di Pollack. Dirai che non può essere così - dopotutto, ho appena detto che Pollak non sapeva disegnare. Forse! I dipinti di Pollack assomigliavano almeno alla carta da parati caotica, quelli di Rothko sono solo tele dipinte con colori diversi, ad esempio la parte superiore è nera e quella inferiore è grigia. O ancora più "lavoro eccezionale" - in fondo è cremisi, in alto - una specie di giallo scuro, e nel mezzo - bianco.

Il dipinto si chiama "White Center" ed è stato acquistato da Sotheby's nel 2007. per 72,8 milioni di dollari. - quasi 73 milioni per una tela danneggiata! E questo, a proposito, è il 12 ° posto nella lista dei dipinti più costosi del mondo! Ma il dipinto più costoso al mondo oggi (2010) appartiene a Jackson Pollack e si chiama "No. 5" - venduto nel 2006 da Sotheby's per 140 milioni di dollari! Il mondo occidentale non è solo pieno di artisti pazzi: c'è un numero enorme di milionari pazzi. Anche la gente comune, a proposito, non è molto sana in Occidente: in un sondaggio del quotidiano Times, Pollack si è classificato al 7 ° posto tra gli artisti più popolari del XX secolo.

Il suo, come si suol dire, "eterno rivale" Willem de Kooning in questo sondaggio è diventato nono. Lo definirei il più divertente di tutti i manicotti. Il dipinto più costoso di Kooning, Woman No. 3 (acquistato nel 2006 per 137,5 milioni di dollari!) farà ridere a crepapelle qualsiasi persona sana. Ancora più divertente è Donna con bicicletta.

Penso che Willem avesse dei problemi con le donne, quindi si è vendicato sottilmente di loro.

Sull'esempio di Pollack, Kooning e Rothko, vediamo chiaramente a cosa è arrivato il mercato dell'arte oggi. Se Krusciov fosse vivo, avrebbe detto: a tutto culo!

Quindi, grazie al potere magico di Pu relazioni bliche le macchie di alcuni individui mentalmente squilibrati furono riconosciute come opere d'arte eccezionali e messe alla pari con le tele dei grandi artisti del Rinascimento. Per la prima volta, il potere delle pubbliche relazioni si è manifestato così chiaramente proprio nella promozione dei manicotti. Fino al XIX secolo PR ha agito efficacemente solo in politica (la storia e la religione hanno anche avuto obiettivi politici e non possono essere considerate separatamente dalla politica). Nel caso dell'annuncio di manicotti mediocri come artisti brillanti, incontriamo un fenomeno quando PR si è distinto nel campo della moda. Ed è stato così efficace e duraturo che anche adesso, più di un secolo dopo che la macchia di mediocri psicopatici è entrata in voga, incontriamo molte persone che credono sinceramente che Van Gogh sia un grande artista. Ancora più milioni sanno chi è Van Gogh. Diverse centinaia di ricchi fannulloni che non sanno cosa fare con i loro soldi comprano imbrattature alla moda alle aste. Tutti gli altri sentono parlare di un acquisto multimilionario di daub, poi di un altro. Beh, non possono pagare $ 30 milioni per feci franche, vero? - così sostiene il profano. - Possono, anche se possono ... L'importante è che sia di moda.

Hai desiderato a lungo cimentarti nella pittura, ma non sei riuscito a decidere di prendere un pennello e una tavolozza e stare al cavalletto? Tutti intorno a te pensano che i tuoi sforzi creativi siano patetici imbrattamenti? Quindi sei un perdente! Quindi, una selezione di dipinti dell'artista canadese Kim Dorland (Kim Dorland) ti servirà come una buona consolazione. O forse anche ispirazione.

Gli esperti chiamano il lavoro di Dorland "arte ingenua", critici dispettosi - macchie incuranti e fan del talento originale credono che i dipinti che Kim crea siano psicologicamente e stilisticamente inaspettati. Ed è vero: nessuno si aspetta invece dei paesaggi e dei ritratti promessi di vedere una tela intonacata di vernice, sulla quale, inoltre, l'autore non ha lasciato tratti e linee nette, ma solchi ruvidi. Come se un trattore attraversasse un campo fertilizzato e bagnato ...

Il principio con cui Kim Dorland disegna i suoi dipinti originali può essere descritto in una breve frase: "l'importante è non risparmiare la vernice". Dopotutto, se guardi da vicino, i dipinti sono letteralmente graffiati su uno spesso strato di olio, con cui l'autore unge generosamente le sue tele. Si scopre che le immagini non sono disegnate, ma modellate, come se fossero sculture.

E l'artista non cerca l'accuratezza e il realismo. Crea in uno stile speciale, una sorta di astrazione infantile, senza curarsi del mantenimento delle proporzioni, del volume delle immagini o dell'estetica delle tele. Sembra che il compito principale dell'autore sia il più casualmente possibile, con la mano sinistra da sotto il ginocchio destro, gettare la vernice sulla tela, mettere una macchia: questa è pittura!
Anche se, potrebbe benissimo essere, a noi cittadini sembra solo che sia facile e semplice disegnare in questo modo. Dopotutto, in un modo o nell'altro, e Kim Dorland partecipa abbastanza spesso a mostre, i suoi dipinti sono presentati nelle gallerie di Toronto, dove vive e lavora, e vende con successo le sue opere sia in Canada che all'estero.