Henrik Ibsen. Ibsen Henrik: biografia, creatività, citazioni Il dramma di Ibsen è un dramma letterario

Henrik Ibsen è il primo nome che ogni persona colta ricorderà quando si parla di letteratura norvegese. Ma il lavoro di Ibsen non è più norvegese, ma patrimonio mondiale. Difendendosi per la rinascita della cultura norvegese, trattando il folklore con trepidazione, il drammaturgo ha lasciato la sua terra natale per ventisette anni. Le commedie, dopo le quali Ibsen ha ricevuto riconoscimenti in tutto il mondo, sono state create in Germania e in Italia. E i personaggi di Ibsen, guidati dall'autore nella rigida struttura della trama, erano sempre vivi.

Infanzia e giovinezza

Il 20 marzo 1828 nacque un ragazzo in una ricca famiglia Ibsen, a cui i suoi genitori diedero il nome Henryk. Nel 1836 la famiglia Ibsen fallì e dovette ipotecare tutti i loro beni per saldare i creditori.

Questo cambiamento di posizione sociale colpì duramente il piccolo Henryk. E prima non distinto dalla socievolezza, il ragazzo si è completamente chiuso nel suo piccolo mondo. Più luminoso si manifestava il talento: anche in palestra, Ibsen iniziò a rivestire fantasie, a volte terribilmente favolose, in parole.

In Norvegia, pur essendo stata una colonia danese per 400 anni, anche i poveri potevano studiare. Ma Henryk doveva guadagnarsi da vivere invece di studiare. Il ragazzo di quindici anni fu mandato dai suoi genitori nel 1843 nella vicina città di Grimstad, dove divenne apprendista farmacista.

Lavorare in farmacia non ha interferito con la creatività, al contrario, l'anima ha chiesto l'autorealizzazione. Grazie a poesie, epigrammi e caricature dei cittadini, nel 1847 Henryk guadagnò popolarità tra i giovani radicali di Grimstad.

Dopo gli eventi rivoluzionari in Europa nel 1848, Ibsen riprese i testi politici e scrisse la prima commedia, Catiline, che non era popolare.

Letteratura

Nel 1850 il giovane si recò a Christiania (come si chiamava Oslo fino al 1924) per entrare all'università, ma il posto degli studi fu preso da attività quasi politiche: insegnamento alla scuola domenicale dell'associazione operaia, manifestazioni di protesta, cooperazione con il giornale dei lavoratori e la rivista degli studenti.

Tre opere teatrali sono state scritte in tre anni e, allo stesso tempo, ha avuto luogo una conoscenza con Bjornstjerne Bjornson, drammaturgo, teatro e personaggio pubblico. Ibsen andò rapidamente d'accordo con lui, poiché entrambi credevano nella necessità di un'autocoscienza nazionale dei norvegesi.

Nel 1852, la fortuna si rivolse al giovane drammaturgo: Ibsen fu invitato a Bergen, al primo teatro nazionale norvegese, dove fu direttore artistico fino al 1857. Le nuove commedie di Ibsen hanno subito acquisito un'incarnazione scenica, e c'è stata anche l'opportunità di studiare la cucina teatrale, che ha sicuramente permesso di crescere le capacità drammaturgiche.

Dal 1857 al 1862, Ibsen diresse il teatro norvegese a Christiania e combatté contro il teatro cristiano, in cui gli spettacoli erano messi in scena in danese e gli attori erano interamente danesi. E, naturalmente, non ha smesso di creare, scrivendo opere teatrali, prendendo come base le saghe norvegesi. Nel 1863, quando Henrik Ibsen aveva già lasciato la carica di regista, i due teatri si fusero in uno solo e gli spettacoli erano ora solo in norvegese.

Henrik Ibsen al lavoro

L'attività tempestosa del drammaturgo si basava sul desiderio di vivere in abbondanza, avendo il giusto livello sociale, compreso il riconoscimento pubblico. Qui, indubbiamente, ha colpito un'infanzia difficile. Per un anno e mezzo, Ibsen ha cercato una borsa di studio per scrittori dallo Storting (parlamento norvegese).

Ottenendo finalmente ciò che voleva nel 1864, con l'aiuto di amici, Ibsen e la sua famiglia lasciarono la loro patria e si stabilirono in Italia. Lì, in due anni, ha creato due commedie, "Brand" e "Peer Gynt", mettendoci tutta la sua anima, tutta l'esperienza accumulata, sia di vita che letteraria.

Musica di Edvard Grieg per Peer Gynt di Henrik Ibsen

"Peer Gynt" è stato percepito negativamente da danesi e norvegesi. ha parlato della commedia come del peggior lavoro che avesse mai letto. Solveig ha salvato la situazione. E anche - chi ha scritto la musica per la commedia "Peer Gynt" su richiesta del drammaturgo.

L'ulteriore lavoro di Ibsen è passato dalle reti delle saghe norvegesi alla corrente principale del realismo. I capolavori della drammaturgia "A Doll's House", "Ghosts", "Wild Duck", "The Builder Solnes" e altre commedie parlano di problemi sociali.

Ad esempio, il dramma "A Doll's House" era basato su eventi reali. Il tema principale del lavoro è la "questione delle donne", ma non solo la posizione delle donne nella società ne risente. Riguarda anche la libertà individuale in generale. E il prototipo del personaggio principale era Laura Keeler, una scrittrice amica di Ibsen, che, infatti, consigliò alla giovane ragazza di 19 anni di dedicarsi alla letteratura.

Nella bibliografia di Henrik Ibsen, il lettore non troverà né romanzi né racconti, solo poesie, poesie e opere teatrali. Anche il drammaturgo non ha lasciato i suoi diari. Ma le commedie sono state incluse nel "fondo d'oro" del dramma mondiale. I libri con le opere di Ibsen sono pubblicati in diverse lingue e i suoi aforismi sono andati da tempo alla gente.

Vita privata

Il giovane Ibsen era timido con le donne. Tuttavia, Henryk è stato fortunato ad incontrare Suzanne Thoresen. L'energica figlia di un prete divenne la moglie del drammaturgo nel 1858 e nel 1859 diede alla luce l'unico figlio di Ibsen, Sigurd.

Henrik Ibsen non è mai stato coinvolto in scandali legati alla sua vita personale. Le nature creative sono persone dipendenti e amorose, e Ibsen non fa eccezione. Ma nonostante questo, Suzanne è rimasta la sua unica donna fino alla sua morte.

Morte

Nel 1891, divenuto famoso in Europa, Ibsen tornò da un esilio volontario durato 27 anni. Henryk ha vissuto a Christiania per 15 anni, essendo riuscito a scrivere le ultime quattro commedie. Il 23 maggio 1906, dopo una lunga e grave malattia, terminò la biografia del drammaturgo norvegese.

Un fatto interessante è stato raccontato dal Dr. Edward Bull. Prima della morte di Ibsen, i parenti si sono riuniti nella sua stanza e l'infermiera ha notato che oggi il paziente ha un aspetto migliore. Il drammaturgo ha detto:

"Al contrario!" - e morì.

Citazioni

“La maggior parte delle persone muore senza vivere veramente. Fortunatamente per loro, semplicemente non se ne rendono conto".

"Per peccare veramente, questa questione deve essere presa sul serio."

"Il più forte è colui che combatte da solo."

"... ami alcune persone più di ogni altra cosa al mondo, ma in qualche modo desideri soprattutto stare con gli altri."

Bibliografia

• 1850 - Catilina
• 1850 - "Bogatyrsky Kurgan"
• 1852 - "Norma, o amore del politico"
• 1853 - "Notte di mezza estate"
• 1855 - "Fru Inger di Estrot"
• 1856 - "Festa a Sulhaug"
• 1856 - "Guerrieri nell'Helgeland"
• 1857 - Olaf Liljekrans
• 1862 - "Commedia d'amore"
• 1863 - "Lotta per il trono"
• 1866 - "Marchio"
• 1867 - "Peer Gynt"
• 1869 - "Unione della Gioventù"
• 1873 - dilogia "Cesare e il Galileo"
• 1877 - "Pilastri della società"
• 1879 - "Una casa di bambola"
• 1881 - "Fantasmi"
• 1882 - "Nemico del popolo"
• 1884 - "Anatra selvatica"
• 1886 - "Rosmerholm"
• 1888 - "La donna del mare"
• 1890 - "Hedda Gabler"
• 1892 - "Costruttore Solnes"
• 1894 - "Piccolo Eyolfe"
• 1896 - "Jun Gabriel Borkman"
• 1899 - "Quando siamo morti svegli"

Fotografia di Henrik Ibsen

Agli occhi dei suoi contemporanei, Ibsen sembrava un vero gigante, che fu il primo a dichiarare la falsità che permea la morale pubblica contemporanea, il primo a invocare "la vita non per bugie", il primo a pronunciare le parole: "Uomo, Sii chi sei." La sua voce arrivava lontano. Ibsen è stato ascoltato non solo in patria, ma anche in Francia, Germania, Inghilterra, America e persino Russia. Era considerato un sovvertitore delle fondamenta, molto più influente e, soprattutto, molto più audace e originale rispetto, ad esempio, al filosofo tedesco Friedrich Nietzsche. In realtà, agli occhi dei discendenti, Nietzsche occupava la nicchia che i contemporanei assegnavano a Ibsen, apparentemente per il fatto che i testi filosofici si conservano meglio nel tempo rispetto alle opere teatrali che dipendono maggiormente dai gusti artistici dell'epoca.

Le famose parole di Nietzsche "tutti gli dèi sono morti" agli occhi dell'europeo moderno sono lo spartiacque che traccia una linea netta tra l'antica antichità e il presente facilmente riconoscibile. Non importa come ti senti riguardo a queste parole e a tutto ciò che hanno rilasciato - disprezzo per "idoli" di qualsiasi tipo, esaltazione di tutto ciò che è individualmente soggettivo, abbandono di "umano, troppo umano" per amore di "sovrumano", non si può negare che senza di loro noi oggi saremmo essenzialmente altri. Tuttavia, Nietzsche divenne noto al grande pubblico solo dopo che il critico danese Georg Brandes attirò l'attenzione sui suoi scritti nel 1888 nel suo famoso corso di lezioni di storia culturale tenute a Copenaghen. Nel frattempo, Peer Gynt dell'omonimo poema drammatico di Ibsen, nel 1867, chiedeva disperato: "Quindi è davvero vuoto ovunque? .. Né nell'abisso, né nel cielo c'è nessuno? .."

Fino al 1864, la biografia creativa di Ibsen si sviluppò in modo abbastanza prevedibile. Nasce in provincia, nella famiglia di un mercante in rovina, a quindici anni inizia a comporre poesie, a vent'anni termina la sua prima commedia ("Catilina") e decide fermamente di dedicarsi al teatro. Prima si trasferì a Christiania (come si chiamava Oslo fino al 1925), e poi a Bergen, dove a quel tempo c'era l'unico teatro nazionale di tutta la Norvegia, e dal 1852 al 1857 vi prestò servizio come drammaturgo e direttore artistico. .

Il teatro di Bergen sorse sulla scia dell'ascesa dell'autocoscienza nazionale dei norvegesi, e i suoi dirigenti volevano opporre le loro produzioni alla moda allora imperante per il salotto francese e danese (ma anche a imitazione del francese), il cosiddetto "ben -made" gioca. Durante questo periodo, Ibsen scrisse sulla base di materiale "nazionale": saghe islandesi e ballate popolari norvegesi. Nascono così i drammi The Heroic Mound (1850), Fru Inger from Estrot (1854), Feast in Sulhaug (1855), Olaf Liljekrans (1856), Warriors in Helgeland (1857), Fight for throne" (1863). Quasi tutti sono stati messi in scena al Norwegian Theatre, dove il giovane drammaturgo ha avuto un pieno successo sul palcoscenico. Ma Ibsen, che alla fine degli anni Cinquanta era rimasto deluso dagli ideali del pan-scandinavismo, si sentiva angusto nel quadro della drammaturgia romantica convenzionale, stilizzata come antichità.

Ibsen lasciò il teatro e si trasferì a Christiania. Aveva la ferma convinzione che il teatro moderno non fosse adatto alla realizzazione dei suoi piani, che non avrebbe potuto avere successo come artista in patria, e quindi, avendo ricevuto una borsa di studio dal parlamento norvegese, lo scrittore si recò all'estero nel 1864. Il desiderio di indipendenza spirituale, di liberazione da ogni sorta di "idoli", compreso il patriottismo norvegese, lo tenne lontano dalla Norvegia per quasi trent'anni, durante i quali Ibsen visse principalmente in Italia e Germania. Solo nel 1891, dopo aver scritto le sue opere migliori ed essere diventato famoso in tutta Europa, si concesse di tornare in patria.

La primissima opera, pubblicata da Ibsen all'estero, attirò su di lui l'attenzione di un lettore europeo. Nell'estate del 1865 a Roma, lo scrittore rapidamente, in tre mesi, rielaborò in dramma la bozza di un grande poema epico, al quale aveva lavorato per un anno intero. È così che è apparso "Brand": un lungo dramma in cinque atti, sebbene scritto in versi, ma che rappresenta la vita moderna. Il personaggio del titolo del dramma - prest (parroco) di un piccolo villaggio norvegese sulle rive del fiordo - dedica la sua vita al servizio senza compromessi a Dio, intendendo il dovere religioso come una costante disponibilità sacrificale a separarsi da tutto ciò che ha, fino a la vita stessa e la vita dei suoi cari. La devota religiosità di Brand spaventa coloro che lo circondano, perché persegue obiettivi completamente diversi, che - secondo l'opinione generalmente accettata - la religione dovrebbe servire. Invece della consolazione, il sacerdote offre ai suoi parrocchiani una prova costante, fa loro sforzare la volontà per il bene di sforzarsi di realizzarsi pienamente come persona spirituale. "Tutto o niente" è il motto di Brand (preso da Ibsen dall'opera del filosofo danese Soren Kierkegaard; il lettore russo lo conosce come "O - o").

Pertanto, da asceta della fede cristiana, Brand si trasforma rapidamente in un asceta della volontà umana individuale, che è in grado di superare tutto: sia le dure circostanze della vita che le leggi del determinismo interno, biologico. Brand non ha paura di sfidare Dio stesso - non quel "vecchio calvo" con gli occhiali e uno yarmulke (Brand parla in modo così irrispettoso dell'oggetto di un culto tradizionale), ma il suo, il dio di Brand, spietato, esigente da una persona di più e altre nuove vittime, senza concedere minuti di tregua. Di fronte alla debolezza della natura umana ("Chi ha visto Dio morirà", dice sua moglie prima di morire), Brand - vent'anni prima dell'uscita di "Zarathustra"! - si accende di speranza con uno sforzo di volontà per trasformare la carne, superare la morte, diventare un Superuomo e condurre il suo gregge fino alle cime ghiacciate delle montagne.

Migliore del giorno

Ibsenovsky Brand è il creatore di se stesso, che ha dedicato tutta la sua vita alla "creazione di sé". La sua spietatezza verso se stesso e coloro che lo circondano è simile alla passione di un vero artista, che, in previsione della nascita di un capolavoro, è sopraffatto dalla passione per realizzare il suo piano a tutti i costi. Brand intende la creatività come rifiuto della naturalezza, dell '"umano", non ha il diritto di rovinare il suo lavoro con pietà o codardia accidentali.

Il finale del dramma rimane aperto - per giudicare Brand, per chiamare la sua vita un crimine o un'impresa, Ibsen lo lascia ai lettori - proprio come nel suo prossimo drammatico poema in versi, scritto su una specie di anti-Brand chiamato Peer Gynt (1867). In questa commedia, il drammaturgo ha regolato i conti con tutto ciò che ha lasciato a casa. La commedia "Peer Gynt", piena di fantasia e favolosi motivi folcloristici, che ridicolizzano la ferocia scandinava, l'inerzia contadina, il patriottismo di una piccola città, l'impotenza di una mente oziosa, il meschino spreco della vita, Ibsen ha definito "il più norvegese" di tutto ciò che ha creato . Peer Gynt, che è rimasto soddisfatto di se stesso per tutta la vita, si rende conto nella sua vecchiaia che in realtà stava solo eludendo il suo compito principale: diventare ciò che avrebbe dovuto diventare. Respinto dal paradiso e dall'inferno, Per trova conforto accanto a Solveig, che lo aspetta da decenni ed è diventato cieco per l'attesa. La famosa musica di Edvard Grieg, che contribuì notevolmente alla divulgazione di questo dramma ibseniano, romanticizzò il rapporto tra Per e Solveig, ammorbidì l'intenzione di Ibsen. Lo stesso drammaturgo, come nel caso di "Brand", non dà una risposta alla domanda: l'amore disinteressato di un'altra persona è sufficiente perché la vita dissoluta di Per acquisisca almeno un senso, e c'è un senso in questo amore stesso ?

Nel 1873 Ibsen creò il suo ultimo dramma in versi, Cesare e il galileo, per poi, passando alla prosa, passare ai drammi sulla modernità, presentandola in modo completamente diverso. Un'ampia portata epica, monologhi filosofici senza fretta, fantasia violenta, esotismo e mitologia: tutto questo se ne va, aprendo la strada all'inizio del nuovo. "Pillars of Society" (1877), "A Doll's House" (1879), "Ghosts" (1881), "Enemy of the People" (1882), "Wild Duck" (1884) - queste sono le commedie che hanno posto il fondamento del "nuovo dramma" e, con esso, del processo di rinnovamento dell'attività teatrale in tutta Europa.

Essendo scomunicato dal teatro, non sperando di vedere le sue opere sul palco, Ibsen poteva permettersi audaci esperimenti. Si è rivolto all'esperienza della giovane letteratura naturalistica, che ha proclamato l'uomo una funzione derivata dell'ambiente, biologico e storico-sociale, e si è posta l'obiettivo dell'arte di esplorare questo ambiente. Questioni di eredità e temperamento, impatto delle cattive abitudini, influenza dell'ambiente familiare, impronta lasciata dalla professione, stato sociale e patrimoniale: questi sono il cerchio dei "fattori" che determinano, secondo i naturalisti, il destino e l'essenza di ogni persona. Ibsen non è mai stato un naturalista nel vero senso della parola - era ancora interessato all'esperienza di Brand di superamento volontario di questi fattori ("A Doll's House"), o all'esperienza di Gynt di arrendersi a loro ("Ghosts"), ma ogni tempo il soggetto dei suoi drammi si è riempito di tragedia la storia della formazione della personalità (che i naturalisti hanno appena rifiutato). Tuttavia, dal naturalismo, Ibsen ha tratto temi proibiti per una società "decente", il desiderio di esplorare le sorgenti interne ed esterne nascoste che governano il comportamento umano, il gusto per una rappresentazione letterale e realistica della realtà. Ma soprattutto, l'appello al naturalismo nel dramma richiedeva altri principi per organizzare il lavoro teatrale.

Il vecchio teatro era basato sullo stile di recitazione "benefico". Attori, soprattutto noti, sono saliti sul palco per dimostrare la loro capacità di recitare e gesticolare, di "assolo", a volte a scapito dell'impressione generale della performance. Le stesse tecniche di recitazione erano formali, progettate per una gamma ristretta di "personaggi" o, in modo moderno, "temperamenti". Le esibizioni erano basate su una "stella" o un gruppo di "stelle" (a volte proprio sul palco in feroce competizione tra loro per l'attenzione del pubblico), tutto il resto era relegato in secondo piano. La scenografia era estremamente convenzionale, i costumi corrispondevano più ai gusti e alle ambizioni degli attori che agli obiettivi della rappresentazione. Le comparse erano di solito persone a caso assunte per una sera per una misera paga. Il regista in un teatro del genere era una persona minorenne che aiutava a organizzare la produzione, ma non era affatto responsabile dei suoi meriti artistici. Il drammaturgo, creando un'opera teatrale, l'ha subito preparata per l'uno o l'altro gruppo di interpreti, tenendo conto dei punti di forza e di debolezza di ciascuna delle "star" e cercando di non andare oltre il loro solito, "eroico" o "amore", ma sempre situazioni psicologiche stereotipate.

Ibsen è stato il primo che è riuscito a trovare il dramma nella vita quotidiana e quotidiana dei suoi contemporanei, a rinnovare l'insieme dei mezzi di espressione artistica e psicologica, a rifiutare la schiavitù del drammaturgo davanti alle tradizioni della recitazione. Tutti i famosi riformatori del palcoscenico dell'ultimo quarto del XIX secolo, creatori di club teatrali sperimentali in tutta Europa: Andre Antoine (Paris Free Theatre), Otto Brahm (Berlin Free Stage), Konstantin Stanislavsky (Moscow Art Theatre); drammaturghi, creatori di drammi naturalistici e simbolisti: i tedeschi Gerhart Hauptman e Josef Schlaf, gli austriaci Frank Wedekind, Hugo von Hofmannsthal, Arthur Schnitzler, lo svedese August Strindberg, gli inglesi Bernard Shaw e Oscar Wilde, l'irlandese John Millington Sing, il belga Maurice Maeterlinck, i francesi Eugene Brie e Paul Claudel, lo spagnolo Jacinto Benavente y Martinez, il russo Leo Tolstoy e Anton Cechov - hanno seguito le orme dello scrittore norvegese, ispirati dalle sue scoperte o respinti da esse.

"New Drama" ha posto fine al predominio dei capricci della recitazione, subordinando gli affari teatrali al drammaturgo e al regista. D'ora in poi, problemi filosoficamente acuti, socialmente significativi, il cui studio è stato intrapreso dal drammaturgo, e l'impressione artistica complessiva della performance, per la cui creazione era responsabile il regista, che ha ricevuto pieno potere sull'insieme di attori e rispetto ad altri mezzi di espressione teatrale - l'accompagnamento musicale, sono stati messi in primo piano. , decorazione, scenografia, ecc. La performance non era più un insieme di frasi, gesti, situazioni note. "New Drama" si prefiggeva l'obiettivo di esplorare la società e l'uomo, di rappresentare una vita "vera", di evitare le "bugie" in ogni modo possibile - sia estetiche (l'attore non doveva "recitare" un ruolo, ma "vivere " in esso), ed etico (drammaturghi e registi erano pronti a rivolgersi agli aspetti più oscuri e spiacevoli della vita, se non altro per abbellire la realtà, per mostrarla "veritiero", nella forma più accurata, clinicamente nuda). Lo scenario condizionale e l'entourage delle commedie "ben fatte" sono stati sostituiti da un'accurata riproduzione sul palcoscenico delle condizioni quotidiane e delle circostanze storiche, gli attori hanno iniziato a realizzare un'immagine del ruolo tale da trasmettere non solo uno stato psicologico astratto, ma portano anche l'impronta di condizioni sociali e sociali specifiche, ogni volta uniche, "l'ambiente" in cui, secondo il progetto del drammaturgo, questo personaggio è cresciuto e si è formato. "New Drama" ha introdotto il concetto di "quarto palcoscenico", separando invisibilmente il palcoscenico dall'auditorium. Gli attori sono saliti sul palco non per mostrarsi allo spettatore, ma per vivere una vita ordinaria, mentre lo spettatore ora doveva solo “sbirciarli”, come attraverso il buco della serratura. È stato allora che si è scoperto che dietro la "quarta parete", "lontano" da occhi indiscreti, stanno accadendo molte cose interessanti e inaspettate.

Ibsen non ha avuto paura di portare in scena temi e situazioni scandalose. Quindi, al centro della commedia "A Doll's House" c'è Nora, una donna normale di una normale famiglia borghese, che vive delle meschine cure della padrona di una casa ricca, prendendosi amorevolmente cura del marito e dei figli. Ma Ibsen ci svela un gioco analitico, penetra nel passato di Nora, e poi si scopre che lei ha un segreto di vecchia data, che protegge gelosamente da suo marito. Dietro l'aspetto di una giovane donna graziosa e un po' eccentrica, si celano una forte volontà e un carattere che si dichiarano non appena il segreto di Nora viene alla luce. La verità individuale della sua trasgressione di lunga data è in conflitto con la moralità sociale che il marito di Nora impersona, e Nora improvvisamente si rende conto che l'ambiente stesso in cui vive non implica che una donna single abbia una propria verità, le assegna il ruolo di una bambola stupida. E poi, davanti agli occhi del pubblico, la "bambola" si trasforma in un personaggio dotato della forte volontà di Brandon, pronto a scavalcare gli standard generalmente accettati per il bene dell'autorealizzazione, la verità, a cui ogni "bugia" può essere sacrificato. Questa nuova Nora interrompe le istruttive farneticazioni del marito con parole inaspettatamente dure: "Siediti, Torvald. Abbiamo qualcosa di cui parlare ... Parleremo di conti".

L'azione scenica cede il passo alla discussione, tecnica tipica dell'Ibsen maturo e segno importante del "nuovo dramma" (in seguito Shaw svilupperà al massimo questa tecnica, trasformando il "nuovo dramma" britannico in un "dramma di idee") . Dove il vecchio dramma avrebbe tirato il suo ultimo sipario, Ibsen arriva all'aspetto più importante. I personaggi smettono di muoversi sul palco e discutono di quello che è successo tra loro. Nora dice a suo marito che lascia lui ei bambini e se ne va di casa per "sistemare se stessa e tutto il resto". «O non hai doveri verso tuo marito ei tuoi figli?», esclama patetico Torvald. "Ne ho altri che sono altrettanto sacri." - "Non ne hai! Cosa sono?" - Dovere verso se stessi. "Sei prima di tutto una moglie e una madre." "Non ci credo più. Penso di essere umano prima di tutto." Il finale dell'opera è indicativo (e scandaloso per l'epoca): Nora, vinta una vittoria morale, lascia da un giorno all'altro la Casa delle bambole, che le è diventata estranea.

Ancora più scandalosa fu la commedia "Fantasmi" (forse la più "naturalistica" di Ibsen), a lungo perseguitata dalla censura in tutta Europa (fu messa in scena per la prima volta solo nel 1903). Il suo personaggio principale è anche una donna, Fru Alving, che un tempo, a differenza di Nora, non è riuscita a proteggere la sua dignità umana ed è stata costretta a soffrire per questo per tutta la vita. La grave malattia mentale di suo figlio è una punizione per il passato selvaggio di suo marito, la signora Alving, le cui avventure ha accuratamente nascosto per paura di offuscare l'onore della famiglia. Solo una volta, in gioventù, la signora Alving, incapace di sopportarlo, è scappata di casa da un uomo dal quale, come le sembrava, poteva trovare sostegno. Ma quest'uomo, un pastore locale, per motivi di morale cristiana la costrinse a tornare dall'odiato marito. Solo molti anni dopo, quando il figlio gravemente malato mostra una dipendenza incestuosa nei confronti di una giovane domestica che vive in casa (in realtà sua sorellastra di padre), la signora Alving non lo sopporta e scaglia rimproveri in faccia allo stesso parroco. che la vita delle persone la sua cerchia è piena di "fantasmi" - questi sono "tutti i tipi di credenze, concetti e simili vecchi e obsoleti". "Siamo così miserabili vigliacchi, abbiamo paura della luce!" esclama amaramente.

Nelle commedie di Ibsen del 1890 - "Hedda Gabler" (1890), "The Builder Solness" (1892), "Rosmersholm" (1896), "Quando noi, i morti, ci svegliamo" (1899) e altri - una nuova estetica ibseniana , non più gravitante verso il naturalismo, ma verso il simbolismo. L'orgogliosa Hedda Gabler, che per amore della "bellezza" incoraggia il suicidio di un uomo che amava e che si è rivelato indegno del suo amore, si rallegra quando apprende che quest'uomo è morto per un proiettile sparato da un revolver che lei presentata. "Nel petto, hai detto?" - "Si, esattamente". - "E non nel tempio?" - "Nel petto". - "Sì, sì, e nemmeno niente nel petto." Ma un minuto dopo viene informata che la morte è stata accidentale: il revolver stesso ha sparato nel momento in cui l'ex prescelto di Hedda stava girando una scena bassa in un bordello, e il proiettile ha colpito lo stomaco ... e mi segue sul tacchi di un divertente e volgare, come una specie di maledizione! "Ma, Dio misericordioso... non lo fanno!", esclama impaurito uno dei personaggi quando vede questa morte. Ma gli eroi delle opere successive di Ibsen si staccano finalmente dalla terrosità naturalistica e dal determinismo socio-biologico. Il principio del marchio ricomincia a parlare in loro a piena voce, e l'accogliente soggiorno nelle dimore norvegesi diventa affollato dalla pressione della volontà creativa individuale, che ora agisce come un principio distruttivo e distruttivo enfatizzato.

Hilda Wangel di "The Builder of Solnes", una giovane ragazza innamorata di un vecchio maestro, stanca della vita, che idolatra in lui un artista che non può avere paura delle altezze - sia nel senso letterale della parola (Solnes è il costruttore dei campanili delle chiese), e in quella metafisica, gli fa andare contro la propria natura debole, le proprie paure e sensi di colpa, per riprendere l'impresa della creazione. Solnes si sottomette alla sua volontà inflessibile e muore, cadendo dalla torre. "La giovinezza è una punizione", avverte Solnes e il lettore; come facendogli eco, raccogliendo il testimone della creatività, Hilda alla fine della commedia grida con entusiasmo: "Ma è arrivato in cima. E ho sentito nell'aria i suoni di un'arpa. Il mio ... il mio costruttore!"

Ibsen, che ha creato nelle sue commedie un'intera galleria di immagini femminili forti ed eccezionali, si è guadagnato la reputazione di sostenitore dell'emancipazione femminile. Tuttavia, lo stesso scrittore non si è mai considerato un sostenitore della "questione femminile". "Io ... devo rifiutare l'onore di contribuire consapevolmente al movimento delle donne. Non ne ho nemmeno compreso appieno l'essenza. La causa per cui le donne stanno combattendo mi sembra universale. E chi legge attentamente i miei libri lo capirà. , come se lungo la strada, e la domanda delle donne, ma questa non è tutta la mia idea. Il mio compito era rappresentare le persone ", ha scritto in seguito.

In effetti, Ibsen ha interpretato solo due persone per tutta la vita: Brand, che è diventato se stesso, e Peer Gynt, che si è abbandonato. Questi due eroi sono apparsi in qualche modo in varie commedie del drammaturgo, hanno assunto una varietà di sembianze, esprimendo simbolicamente i due lati di un unico paradosso personale. Entrambi sono morti loro stessi e hanno causato molta sofferenza ai loro cari. Cosa dovrebbe scegliere lo spettatore di Ibsen?

È improbabile che oggi, cento anni dopo la morte del drammaturgo, sia più facile rispondere a questa domanda che ai suoi tempi.

"Nuovo dramma" (Ibsen, Shaw, Hauptmann, Maeterlinck)

La formazione a cavallo del secolo del cosiddetto "nuovo dramma"

noi" nelle opere di Ibsen, Strindberg, Shaw, Hauptmann, Me-

telinka, ecc.).

Tratti caratteristici del "nuovo dramma":

lottare per l'affidabilità dell'immagine;

rilevanza e attualità del problema;

la natura sociale del conflitto;

l'influenza di varie tendenze e scuole ideologiche e stilistiche.

generi principali. Evoluzione.

"New Drama" come l'inizio della drammaturgia del XX secolo.

Ibsen come fondatore filosofico moderno e

dramma psicologico.

Periodizzazione dell'opera di Ibsen.

"Dramma delle idee" e principio della composizione retrospettiva ("analitica"); il problema del metodo artistico di Ibsen (sintesi dei principi di realismo, naturalismo, simbolismo).

L'originalità ideologica e artistica delle commedie "A Doll's House (Nora)", "Ghosts", "The Builder Solness".

teoria estetica simbolista Teatro Maeterlink(libro

"Tesori degli umili"):

comprendere l'essenza del tragico;

il concetto di mondo duale e il principio del "secondo dialogo";

l'idea di Rock;

teatro del silenzio.

Motivo dell'attesa nelle parabole in un atto

Maeterlinck "Blind", "Unbidden", "Là, dentro".

B. Mostra. Periodizzazione della creatività. Critico-letterario

le attività del giovane Shaw, l'influenza del fabianismo sullo scrittore.

Shaw e Ibsen ("La quintessenza dell'ibsenismo"). Funzionalità drammatiche-

turgy Spettacolo degli anni '90. ("Giochi spiacevoli", "Giochi piacevoli").

Il tema dell'emancipazione ("La professione della signora Warren"). Innovazione

Il metodo drammatico di Shaw: il genere del sociale e dell'intellettuale

dramma di discussione ("Chocolate Soldier", "Caesar and Cle

opatra", "Pigmalione"). Shaw e la prima guerra mondiale. Problema

intellighenzia nella commedia "Casa dove si spezzano i cuori".

Metodo creativo di Hauptmann, periodizzazione della creatività.

Naturalismo del primo Hauptmann ("Prima dell'alba").

L'immagine dell '"eroe di massa" nel dramma "Weavers", l'innovazione dell'opera. Neoromanticismo e simbolismo nell'opera di Hauptmann ("The Sunken Bell") e K. Hamsun ("Hunger", "Pan", "Victoria", "Mysteries").

Un esempio di un nuovo dramma: (chi non ha letto questo lavoro potrebbe non capire qualcosa, quindi ricorda cosa è in grassetto)

"A Doll's House" di Ibsen - "dramma di idee"

Il primo dramma in cui i nuovi principi sono stati mostrati più pienamente è stato A Doll's House. 1879, (anno di nascita del "dramma delle idee", cioè dramma socio-psicologico realistico con scontri ideologici tesi).

La questione dei diritti delle donne sta diventando un problema disuguaglianza sociale Nel complesso

composizione retrospettiva crea un'opportunità per penetrare nella vera essenza delle relazioni sociali e morali, nascoste da occhi indiscreti, quando una donna ha paura di ammettere di essere capace di azioni nobili indipendenti (salvare un marito malato e proteggere un padre morente dai disordini) e leggi statali e la moralità ufficiale qualificano queste azioni proprio come un crimine.

La firma falsa sulla banconota rappresenta la caratteristica "segreta" del metodo di Ibsen. Chiarificazione dell'essenza sociale e morale questo "segreto" è il vero contenuto del dramma.

Il conflitto è sorto otto anni prima dell'inizio dell'azione scenica, ma non è stato riconosciuto. Gli eventi che passano davanti ai nostri occhi si trasformano in un chiarimento dell'essenza del disaccordo sorto in passato. Conflitto opinioni ufficiali e bisogni umani naturali.

Tuttavia, nessun finale drammatico, come era tipico della drammaturgia prima di Ibsen, risoluzione del conflitto: Nora lascia la casa del marito, non trovando una soluzione positiva, ma sperando di capire con calma cosa è successo e rendersene conto. L'incompletezza dell'azione è sottolineata dal fatto che Helmer, suo marito, rimane in attesa del "miracolo dei miracoli": il ritorno di Nora, la loro reciproca rinascita.

Azione incompleta, "finale aperto"è una conseguenza del fatto che Ibsen non è in conflitto con disaccordi individuali che possono essere rimossi nell'ambito del tempo drammatico, ma il drammaturgo trasforma le sue opere in un forum in cui vengono discussi i problemi principali, che possono essere risolti solo con gli sforzi dell'intera società e non nel quadro di un'opera d'arte.

Un dramma retrospettivo è un climax che è emerso dopo gli eventi che lo hanno preceduto, e nuovi eventi lo seguiranno.

Una caratteristica del dramma di Ibsen sono trasformare i disaccordi intrinsecamente sociali in morali e risolverli sotto l'aspetto psicologico. L'attenzione è focalizzata su come Nora percepisce le sue azioni e quelle degli altri, come cambia la sua percezione del mondo e delle persone. La sua sofferenza e la sua intuizione pesante diventano il contenuto principale dell'opera.

Nel dramma psicologico di Ibsen, un ruolo significativo sarà svolto da simbolismo. La piccola donna si ribella alla società, non vuole essere una bambola in una casa delle bambole. Anche il nome dell'opera è simbolico: "A Doll's House".

Il simbolo "casa delle bambole" indica l'idea principale del dramma: il la desolazione dell'umano nell'uomo.

Il drammaturgo ha ottenuto che lo spettatore diventasse il suo "coautore", ei suoi personaggi hanno risolto proprio i problemi che preoccupavano spettatori e lettori.

21. Il dramma di Ibsen Peer Gynt. Il protagonista e contadini, troll. BIOGRAFIA Henrik Johan Ibsen

la lingua in cui ha scritto Bokmål (questo è un tipo norvegese) Direzioni in cui ha scritto: simbolismo, naturalismo

Heinrich Ibsen proviene da un'antica e ricca famiglia danese di armatori che si trasferì in Norvegia intorno al 1720. Il padre del drammaturgo, Knud Ibsen., era attivo in una natura sana; la madre, tedesca di nascita, figlia di un ricco mercante di Skien, era particolarmente severa, irascibile ed estremamente devota.Nel 1836 Knud Ibsen fallì e la vita di una famiglia ricca e ben consolidata cambiò radicalmente. Gli ex amici e conoscenti iniziarono gradualmente ad allontanarsi, iniziarono i pettegolezzi, il ridicolo, ogni tipo di difficoltà. La crudeltà umana si è riflessa molto duramente sul futuro drammaturgo. E così già per natura poco socievole e selvaggio, ora iniziò a cercare ancora di più la solitudine e si indurì: a 16 anni di vita, Ibsen dovette farlo. iscriversi come apprendista nella farmacia della vicina città di Grimstadt, con una popolazione di soli 800 abitanti. I. avendo lasciato Skien senza alcun rimpianto, non vi fece più ritorno. Nella farmacia, dove rimase per 5 anni, il giovane sognava segretamente di proseguire gli studi e di ottenere un dottorato... Le idee rivoluzionarie del 1848 trovarono in lui un ardente sostenitore. Nella sua prima poesia, un'ode entusiasta, ha cantato dei martiri patrioti ungheresi. La vita di Ibsen a Grimstadt divenne per lui sempre più insopportabile. Attivò contro di sé l'opinione pubblica della città con le sue teorie rivoluzionarie, il libero pensiero e la durezza.Infine, Ibsen. decise di lasciare la farmacia e andò a Christiania, dove all'inizio dovette condurre una vita piena di ogni sorta di difficoltà. A Christiania, Ibsen incontrò e strinse amicizia con Bjornson, che in seguito divenne il suo feroce avversario. Insieme a Bjornson, Vigny e Botten-Hansen, Ibsen fondò nel 1851 il settimanale Andhrimner, che esistette per diversi mesi. Qui Ibsen collocò diverse poesie e un'opera satirica drammatica in 3 atti "Norma" anni e nel 1857 tornò a Christiania, anche come direttore del teatro. Qui rimase fino al 1863. Ibsen si sposò. nel 1858 ed era molto felice nella sua vita coniugale. Nel 1864, dopo molte difficoltà, Ibsen ricevette una pensione di scrittore dallo Storting e la usò per viaggiare verso sud. Dapprima si stabilì a Roma, dove visse in completa clausura, poi si trasferì a Trieste, poi a Dresda e Monaco, da dove si recò a Berlino, e fu presente anche all'apertura del Canale di Suez. I più noti sono i drammi romantici basati sulle trame delle saghe scandinave e dei drammi storici, i poemi drammatici filosofici e simbolici Brand (1866) e Peer Gynt (1867), i drammi socio-realistici fortemente critici A Doll's House (Nora, 1879), Ghosts "(1881)," Nemico del popolo "(1882).

PERSONAGGIO PRINCIPALE Peer Gynt - un'immagine presa in prestito da Ibsen da un racconto popolare su un abile intrattenitore e canaglia Peer Gynt. Ma solo il personaggio principale e alcune collisioni di trama sono tratte dal folklore. Nel dramma, Gynt incarna per l'autore tutte le caratteristiche di un moderno norvegese, in altre parole, una tipica persona della società borghese. Per è privato di ogni interezza, di ogni stabilità nella vita. Un ragazzo coraggioso e audace che ama sua madre, capace di sfidare i ricchi, si trasforma improvvisamente in un opportunista che scambia deliberatamente i motti "sii te stesso" e "sii soddisfatto di te stesso". Con la stessa facilità cambia aspetto: con i troll è pronto per essere un troll, con i proprietari di schiavi americani - un proprietario di schiavi, con le scimmie - una scimmia, ecc. Il suo nulla appare in una veste grandiosa. Il suo vuoto e il suo vuoto creano una speciale filosofia "Gyntian". Una piccola persona è data in un'immagine simbolica di grandi dimensioni. Per aspira al successo, sogna fama, potere, vuole essere re. L'intera commedia di Ibsen è dedicata all'esposizione di questo programma. Peer Gynt è uno spietato egoista, preoccupato solo della propria persona. I semi del male seminati nella sua anima dai "troll" danno i loro frutti: Per va avanti ostinatamente e non evita alcun mezzo per raggiungere il suo obiettivo. Tuttavia, l'egoismo del protagonista riceve una certa "giustificazione filosofica". Gynt commette i suoi crimini per manifestare più pienamente la sua individualità, il suo "io" gynziano. In una scena raffigurante il manicomio del Cairo, la filosofia dell'io di Gynt viene ridicolizzata senza pietà. L'eroe di Ibsen risulta essere meno valoroso del suo favoloso prototipo. Così, almeno nell'episodio con la Grande Curva, il favoloso Gynt risulta essere il vincitore, mentre nella commedia si salva solo grazie all'intercessione della madre e della fidanzata Solveig, che lo ama. Nell'immagine di Solveig, che da molti anni attende la sua amata, l'autrice crea un mondo speciale di sentimenti elevati, una sorta di area sacra riservata in cui verrà salvato l'eroe del dramma. Solo a volte una persona si sveglia a Gynt - in un incontro con Solveig, nell'ora della morte di sua madre. Ma ogni volta gli manca la determinazione per fare la scelta giusta. Nel quarto atto dell'opera, Per diventa un grande speculatore, essendosi arricchito con l'aiuto dei mezzi più spudorati dell'estirpazione di denaro capitalista. Fa fortuna commerciando schiavi, vendendo idoli ai cinesi e vendendo la Bibbia e il pane ai missionari intenti a convertire i cinesi al cristianesimo. Per ha quattro compagni, tra i quali spicca in particolare il signor Cotton, che incarna l'utilitarismo e la praticità inglesi. Il mondo intero per lui è solo un oggetto di speculazione, per spremere profitti. Anche l'immagine di von Eberkopf è inequivocabile. Eberkopf è il portatore dello spirito dell'aggressione prussiana. Nonostante Eberkopf ostenti una terminologia filosofica astratta, è sempre pronto a qualsiasi azione violenta a proprio vantaggio. È Eberkopf che decide di rapinare il Gynt addormentato e, dopo aver corrotto la sua squadra, sequestrare il suo yacht. Tali sono i compagni di Gynt, ma difficilmente merita un ambiente migliore. Ibsen, parlando del degrado morale del protagonista, lo paragona a una cipolla selvatica vuota: “Non c'è un pezzo dentro. Cos'è rimasto? Una conchiglia. Eppure l'autore non nega a Gynt la possibilità della purificazione morale. Solveig attende docilmente e pazientemente il suo amante. Lei è la salvezza per Per L'immagine di Solveig si fonde nell'opera con l'immagine della patria di Gynt CONTADINI cazzo sa cosa dire di loro. Trovato L'immagine della folla contadina, che Peer Gynt incontra a un matrimonio a Hägstad, ricorda meno di tutte la rappresentazione della moderna vita contadina, non solo nella prima drammaturgia romantica norvegese di Bjeregaard o Riis, ma anche nel romanzo contadino di Bjornson.

I contadini sono invidiosi e arrabbiati. Il loro capo, il fabbro Aslak, è un maleducato e prepotente. Le ragazze sono prive di pietà e compassione. Sia i giovani che gli anziani non sono contrari a ridere di una persona sola e infelice che non è come le altre. I ragazzi fanno ubriacare Per per prenderlo in giro. Ovunque domina il desiderio di denaro, di ricchezza, dei piaceri materiali più grossolani. Ingrid è sposata con un barbone degenerato perché i suoi genitori sono ricchi contadini. Altrettanto poco attraente è l'aspetto della folla nel quinto atto, nella scena dell'asta. Povertà e squallore, mancanza di onore e almeno una certa comprensione degli aspetti superiori della vita: questo è ciò che caratterizza i vecchi Mas Mon e Aslak, ragazzi e curiosi che affollano l'asta. La valutazione sprezzante che Peer Gynt dà a questa folla nella sua parabola del diavolo e del maiale è del tutto giustificata.

Ibsen è altrettanto spietato nei confronti dei motivi folcloristici e delle immagini riccamente rappresentate nell'opera. Li usa in due modi per compromettere l'ideologia romantica.

TROLL l'autore conduce Per dai Troll - creature fantastiche e brutte ostili alle persone - e lo vede internamente pronto ad accettare per tutta la vita la loro formula - "sii soddisfatto di te stesso", che è l'opposto del motto di vita di Brand - "sii te stesso". Il motto del popolo è uno stimolo per il miglioramento dell'individuo. La formula dei troll è una scusa per la stagnazione, il compiacimento filisteo, la stupida sottomissione alle circostanze, la morte dell'individuo.

Laura Cole / Monumento a Henrik Ibsen al Teatro Nazionale della Norvegia a Oslo

Henrik Ibsen è la prima associazione che nasce quando si parla della letteratura norvegese. In effetti, l'opera del grande drammaturgo norvegese è diventata da tempo proprietà non solo della cultura norvegese, ma anche mondiale.

La vita e il lavoro di Ibsen sono pieni delle contraddizioni più sorprendenti. Pertanto, essendo un appassionato sostenitore della liberazione nazionale e della rinascita della cultura nazionale della Norvegia, trascorse comunque ventisette anni in esilio autoimposto in Italia e Germania.

Studiando con entusiasmo il folklore nazionale, distrugge costantemente l'alone romantico delle saghe popolari nelle sue opere. La struttura della trama delle sue opere è costruita in modo così rigido che a volte rasenta la tendenziosità, ma non sono affatto personaggi abbozzati, ma vivaci e sfaccettati.

Il latente relativismo morale di Ibsen, unito alla logica "ferrea" e persino tendenziosa dello sviluppo della trama, consente di interpretare le sue opere in modo estremamente vario. Quindi, Ibsen è riconosciuto come drammaturgo di una direzione realistica, ma i simbolisti lo considerano uno dei più importanti fondatori del loro movimento estetico.

Allo stesso tempo, a volte veniva chiamato "Freud in drammaturgia". Il gigantesco potere del talento gli ha permesso di combinare organicamente nel suo lavoro i temi, le idee, i problemi, i mezzi di espressione artistica più diversi, anche polari.

Nasce il 20 marzo 1828 nella cittadina norvegese di Skien in una famiglia benestante, ma nel 1837 il padre fallisce e la situazione della famiglia cambia. Una brusca transizione verso le classi sociali inferiori divenne un grave trauma psicologico per il ragazzo, e questo si rifletteva in qualche modo nel suo lavoro futuro.

Dall'età di 15 anni fu costretto a iniziare a guadagnarsi da vivere: nel 1843 partì per la piccola città di Grimstad, dove trovò lavoro come apprendista farmacista. La vita praticamente mendicante di un emarginato sociale ha costretto Ibsen a cercare l'autorealizzazione in un'area diversa: scrive poesie, epigrammi satirici sul rispettabile borghese di Grimstad e disegna cartoni animati.

Questo sta dando i suoi frutti: nel 1847 sta diventando molto popolare tra i giovani radicali della città. Fu molto colpito dagli eventi rivoluzionari del 1848, che inghiottirono una parte significativa dell'Europa occidentale.

Ibsen integra il suo lavoro poetico con testi politici e scrive anche la prima opera teatrale Catilina (1849), intrisa di motivi tirannici. Lo spettacolo non ebbe successo, ma rafforzò la sua decisione di dedicarsi alla letteratura, all'arte e alla politica.

Nel 1850 partì per Christiania (dal 1924 - Oslo). Il suo obiettivo è entrare all'università, ma il giovane viene catturato dalla vita politica della capitale. Insegna alla scuola domenicale dell'associazione operaia, partecipa a manifestazioni di protesta, collabora con la stampa - il giornale operaio, il giornale della società studentesca, partecipa alla creazione di una nuova rivista socio-letteraria "Andhrimner".

E continua a scrivere opere teatrali: Bogatyrsky Kurgan (1850, iniziato a Grimstad), Norma, o Love of Politics (1851), Midsummer Night (1852). Nello stesso periodo conosce il drammaturgo, teatro e personaggio pubblico Bjornstjerne Bjornson, con il quale trova un linguaggio comune sulla base della rinascita dell'identità nazionale della Norvegia.

Questa burrascosa attività del drammaturgo nel 1852 portò al suo invito alla carica di direttore artistico del primo Teatro Nazionale Norvegese di recente creazione a Bergen. Rimase in questo incarico fino al 1857 (fu sostituito da B. Bjornson).

Questa svolta nella vita di Ibsen può essere considerata uno straordinario colpo di fortuna. E non è solo che tutte le opere teatrali che ha scritto durante il periodo di Bergen sono state immediatamente messe in scena; lo studio pratico del teatro "dall'interno" aiuta a svelare molti segreti professionali, il che significa che contribuisce alla crescita dell'abilità del drammaturgo. Durante questo periodo furono scritte le commedie Fru Inger of Estrot (1854), Feast at Sulhaug (1855), Olaf Liljekrans (1856).

Nel primo di questi, è passato prima alla prosa nella sua drammaturgia; gli ultimi due sono scritti nello stile delle ballate popolari norvegesi (le cosiddette "canzoni eroiche"). Queste commedie, ancora una volta, non ebbero particolare successo sul palcoscenico, ma giocarono un ruolo necessario nello sviluppo professionale di Ibsen.

Nel 1857-1862 diresse il teatro norvegese a Christiania. Parallelamente alla gestione del teatro e del lavoro teatrale, continua attività sociali attive, volte principalmente a combattere il teatro cristiano di lavoro della direzione filo-danese (la compagnia di questo teatro era composta da attori danesi e le rappresentazioni erano in danese) .

Questa ostinata lotta fu coronata dal successo dopo che Ibsen lasciò il teatro: nel 1863 le compagnie di entrambi i teatri furono unite, le rappresentazioni iniziarono ad andare solo in norvegese e il programma sviluppato con la sua partecipazione attiva divenne la piattaforma estetica del teatro unito. Allo stesso tempo scrisse le commedie The Warriors in Helgeland (1857), The Comedy of Love (1862), The Struggle for the Throne (1863); così come il poema On the Heights (1859), che divenne il precursore del primo vero successo drammatico di principio: l'opera teatrale Brand (1865).

Le diverse attività di Ibsen nel periodo norvegese erano più probabilmente dovute a un complesso dei problemi psicologici più complessi che a una posizione pubblica di principio. Il principale era il problema della prosperità materiale (soprattutto da quando si sposò nel 1858 e un figlio nacque nel 1859) e una degna posizione sociale: i complessi dei suoi figli giocarono senza dubbio qui il loro ruolo.

Questo problema si collegava naturalmente con le questioni fondamentali della vocazione e dell'autorealizzazione. Non senza ragione, in quasi tutte le sue ulteriori commedie, in un modo o nell'altro, viene considerato il conflitto tra la posizione di vita dell'eroe e la vita reale. E un altro fattore importante: le migliori commedie di Ibsen, che gli hanno portato la meritata fama mondiale, sono state scritte fuori dalla sua terra natale.

Nel 1864, ricevuta una borsa di studio di scrittura dallo Storting, che cercò per quasi un anno e mezzo, Ibsen e la sua famiglia partirono per l'Italia. I fondi ricevuti erano estremamente insufficienti e dovette rivolgersi agli amici per chiedere aiuto. A Roma, per due anni, scrisse due commedie che assorbirono tutta la vita precedente e l'esperienza letteraria: Brand (1865) e Peer Gynt (1866).

Negli studi teatrali e nell'ibsenismo, è consuetudine considerare queste commedie in modo complesso, come due interpretazioni alternative dello stesso problema: l'autodeterminazione e la realizzazione dell'individualità umana.

I personaggi principali sono polari: l'inflessibile massimalista Brand, pronto a sacrificare se stesso ei suoi cari per compiere la propria missione, e l'amorfo Peer Gynt, che si adatta prontamente a qualsiasi condizione. Il confronto di queste due commedie fornisce un quadro chiaro del relativismo morale dell'autore. Separatamente, sono stati considerati dalla critica e dal pubblico molto contraddittori.

La situazione con Peer Gynt è ancora più paradossale. È in questa commedia che Ibsen dimostra la sua rottura con il romanticismo nazionale, in cui i personaggi del folklore sono rappresentati come creature brutte e viziose, i contadini come persone crudeli e maleducate.

All'inizio, in Norvegia e Danimarca, lo spettacolo è stato percepito in modo molto negativo, quasi come una bestemmia. GH Andersen, ad esempio, ha definito Peer Gynt il peggior lavoro che avesse mai letto. Tuttavia, nel tempo, l'atmosfera romantica è tornata a questa commedia, ovviamente, principalmente grazie all'immagine di Solveig.

Ciò è stato ampiamente facilitato dalla musica di Edvard Grieg, scritta su richiesta di Ibsen per la produzione di Peer Gynt, e in seguito ha guadagnato fama mondiale come brano musicale indipendente. Paradossalmente, ma vero: Peer Gynt, che nell'interpretazione dell'autore protesta contro le tendenze romantiche, rimane ancora l'incarnazione del romanticismo popolare norvegese nella coscienza culturale.

Brand e Peer Gynt divennero per Ibsen commedie di transizione che lo indirizzarono verso il realismo e le questioni sociali (è in questo aspetto che viene considerato principalmente tutto il suo lavoro successivo). Si tratta di Pillars of Society (1877), A Doll's House (1879), Ghosts (1881), Enemy of the People (1882), Wild Duck (1884), Rosmersholm (1886), Woman from the Sea (1888), Hedda Gabler (1890), Solness the Builder (1892), Little Eyolf (1894), Joon Gabriel Borkman (1896).

Qui il drammaturgo ha sollevato temi di attualità della realtà contemporanea: ipocrisia ed emancipazione femminile, ribellione alla consueta morale borghese, bugie, compromesso sociale e fedeltà agli ideali. Simbolisti e filosofi (A. Blok, N. Berdyaev, ecc.) Molto di più, insieme a Brand e Peer Gynt, apprezzarono altre commedie di Ibsen: Cesare e la dilogia galileiana (L'apostasia di Cesare e l'imperatore Giuliano; 1873), Quando noi, il risveglio dei morti (1899).

Un'analisi imparziale permette di capire che in tutte queste opere l'individualità di Ibsen rimane la stessa. Le sue commedie non sono effimeri sociali tendenziosi, né astratte costruzioni simboliche; contengono pienamente realtà sociali e simbolismo estremamente semanticamente carico e complessità psicologica sorprendentemente sfaccettata e stravagante dei personaggi.

La distinzione formale tra la drammaturgia di Ibsen in opere "sociali" e "simboliche" è piuttosto una questione di interpretazione soggettiva, un'interpretazione parziale del lettore, critico o regista.

Nel 1891 tornò in Norvegia. In terra straniera ha ottenuto tutto ciò a cui aspirava: fama mondiale, riconoscimento, benessere materiale. A quel tempo, le sue opere erano ampiamente rappresentate sui palcoscenici dei teatri di tutto il mondo, il numero di studi e articoli critici dedicati al suo lavoro non poteva essere contato e poteva essere confrontato solo con il numero di pubblicazioni su Shakespeare.

Sembrerebbe che tutto ciò possa curare il grave trauma psicologico che ha subito durante l'infanzia. Tuttavia, l'ultima commedia, When We, the Dead, Awaken, è piena di una tragedia così toccante che è difficile crederci.

Henrik Ibsenuno dei drammaturghi più interessanti dell'Ottocento.Il suo dramma è sempre in sintonia con il presente.L'amore per Ibsen in Norvegia è, se non un sentimento innato, probabilmente nato nella prima infanzia.

Henrik Johan Ibsen nacque il 20 marzo 1828 nella piccola città norvegese di Skien nella famiglia di un uomo d'affari. Dopo aver lasciato la scuola, Henryk è entrato come apprendista nella città farmaceutica di Grimstadt, dove ha lavorato per cinque anni. Poi si è trasferito a Christiania (Oslo), dove ha iniziato a studiare medicina. Nel tempo libero leggeva, disegnava e scriveva poesie.

Ibsen è diventato un drammaturgo per caso quando gli è stato offerto di lavorare come "scrittore di opere teatrali" per il teatro norvegese nella città di Bergen. INNel 1856, la prima commedia di Ibsen fu messa in scena con successo a teatro. Nello stesso anno conosce Susanna Thoresen. Due anni dopo si sono sposati, il matrimonio è stato felice. Nel 1864 Ibsen ricevette una pensione da scrittore. Nel 1852-1857 diresse il primo teatro nazionale norvegese a Bergen e nel 1857-1862 diresse il teatro norvegese a Christiania. Dopo austro-prussiano-daneseDurante la guerra, Ibsen e la sua famiglia andarono all'estero: visse a Roma, Dresda, Monaco. Le sue prime commedie di fama mondiale furono i drammi poetici "Brand" e "Peer Gynt".
Ibsenaveva 63 anni quando tornò in patria, era già famoso nel mondo. 23 maggio 1906 Ibsenmortoda un ictus.

Primo lavoroIbsen- un'applicazione per la pronuncia della Parola - la commedia "Catilina". Questo personaggio della storia romana,nell'opinione generalmente accettata, che appare come simbolo della peggiore depravazione, a immagine di Ibsen non è un mascalzone, ma, al contrario, un nobile, tragico eroe. Questa prima commedia ha creato il percorso per Ibsen, il percorso dell'individualista, del ribelle e del trasgressore delle regole. A differenza di Nietzsche, la ribellione di Ibsen lo funon all'esaltazione dell'istinto, ma al salto verso lo spirito, verso la trasgressione.Una differenza importante tra la posizione di Ibsen e Nietzsche in relazione alle donne. I famigerati "vai da una donna - prendi una frusta" e "un uomo per la guerra, una donna per un uomo" sono citati anche da chi è lontano dalla filosofia. Ibsen, al contrario, professa una sorta di culto di una donna, crede che una donna si libererà dalle catene dell'incoscienza davanti a un uomo e che il suo percorso non sia meno individuale.

Ciò si rifletteva in modo particolarmente vivido nelle sue opere: "Woman from the Sea" e "A Doll's House". Nella prima, una coppia di sposi di successo si trova di fronte al fatto che sta arrivando l'amante di lunga data della moglie, "dal mare", che vuole portarla via. Quest'amante è un tipico "uomo d'istinto", un "barbaro", l'esatto contrario del marito intellettuale. La solita dinamica di tali trame, di regola, è irragionevolmente tragica e, di conseguenza, la donna è condannata a morire o ad andarsene con un valoroso conquistatore. I suoi sballottamenti, percepiti come l'orrore dell'ineluttabilità, si rivelano all'improvviso una ricerca della sua individualità non rivelata: non appena il marito è pronto ad accettare la sua scelta e a darle completa libertà, si scopre che "l'uomo della mare", cioè l'animus non integrato, non è altro che un mito, e lei resta con il marito. La trama, con una descrizione così superficiale, può sembrare banale, ma la sua sorpresa e ribellione sta nel fatto che è l'individualità della moglie che deve essere liberata che viene enfatizzata in ogni modo possibile, e la sua opportunità di stare con il marito appare solo dopo che lui la lascia andare consapevolmente. La chiave dell'opera è che trova in se stesso la forza per superare il "complesso del patriarca", cioè i suoi diritti sociali e biologici di proprietario, che sono germogliati come veleno dall'eone di Osiride.

"" (1879) è una delle commedie più popolari e interessanti di Ibsen. In esso, per la prima volta, una donna nella letteratura mondiale afferma che, oltre ai doveri di madre e moglie, "ci sono altri doveri ugualmente sacri" - "doveri verso se stessa". La protagonista Nora ha dichiarato: “Non posso più accontentarmi di quello che dice la maggioranza e di quello che dicono i libri. Devo pensare a queste cose da solo. Vuole riconsiderare tutto, sia la religione che la moralità. Nora in realtà afferma il diritto di un individuo di creare le proprie regole morali e idee sulla vita, diverse da quelle generalmente accettate e tradizionali. Cioè, Ibsen afferma la relatività delle norme morali.Ibsen è in realtà il primo a proporre l'idea di una donna libera e individuante. Prima di lui non c'era niente del genere, e la donna era strettamente inscritta nel contesto patriarcale della completa subordinazione biologica e praticamente non si ribellava a questo.

La commedia "Ghosts" è, infatti, un dramma familiare. Riguarda il fatto che gli errori dei genitori, come in uno specchio, si riflettono nel comportamento dei bambini e, ovviamente, sui fantasmi. Ma non quelli che vivono sul tetto, ma completamente diversi. In Ibsen, si tratta di persone viventi che non stanno realmente cercando di vivere, ma semplicemente esistono nelle circostanze proposte.

La protagonista è la signora Alving, padrona di una grande casa, innamorata da tempo del pastore locale, ma che conserva sacro il ricordo del marito, il capitano. E altrettanto seriamente protegge dal grande sentimento del figlio dell'artista, che viene seriamente portato via da una graziosa cameriera. Il potere dell'amore materno lo trasformerà nello stesso di lei stessa, un fantasma vivente.

« Peer Gynt"una delle opere principali di Ibsenche è diventatoclassicograzie a Grieg.

Marco Zacharov:"Peer Gynt è una drammatica notizia a cavallo tra XIX e XX secolo, che ha affermato i fondamenti dell'esistenzialismo. Semplificando un po' il problema, diciamo che Peer Gynt non interagisce con i singoli personaggi - interagisce con l'Universo. L'intero mondo che lo circonda è il partner principale di Peer Gynt.Il mondo, in continua evoluzione, attacca la sua coscienza in modi diversi, e in questo allegro vortice ne cerca solo uno, l'unico che gli appartiene.
Mi interessa Peer Gynt, forse perché ho superato il "punto di non ritorno" e ho sentito davvero che la vita non è infinita, come mi sembrava durante l'infanzia e anche dopo essermi diplomato al Theatre Institute. Ora puoi guardare la tua vita come una scacchiera e capire quali caselle ha attraversato il mio percorso, cosa ho girato e in cosa sono finito, a volte rimpiangendo quello che è successo dopo. L'importante è iniziare correttamente e, soprattutto, capire dov'è, il tuo inizio. Come indovinare il tuo unico percorso possibile attraverso i labirinti delle circostanze della vita e le tue convinzioni, se le hai ... E se no? Trovare! Modulo! Rivela dalle viscere del subconscio, cattura nell'assenza di dimensione cosmica. . . Ma a volte ciò che è già stato trovato sfugge di mano, lascia l'anima, trasformandosi in un miraggio, e poi una nuova dolorosa ricerca attende nel caos di eventi, speranze, ricordi ardenti e preghiere tardive.
A volte si scriveva del nostro eroe come portatore dell'idea di compromesso. Questo è troppo piatto e indegno dell'eroe eccentrico unico, allo stesso tempo ordinario e persino riconoscibile creato da G. Ibsen. In Peer Gynt non ci sono solo sciocchezze, ed è vivo non solo di echi folcloristici, c'è coraggio e audacia, c'è maleducazione e gentile umiltà. G. Ibsen ha presentato al mondo l'immagine di un uomo di cui, in quanto eroe di Cechov, è molto difficile dire chi sia.
Ho iniziato il mio percorso di regista quando la “persona semplice” era molto apprezzata e lodata. Sembra che ora quasi tutti noi, insieme a Dostoevskij, Platonov, Bulgakov e altri veggenti, abbiamo realizzato la verità o ci siamo avvicinati ad essa - ci sono persone molto difficili intorno a noi, anche se fingono di essere ingranaggi, unicellulari creature o mostri.
Quindi volevo parlare di Peer Gynt e di altre persone, senza le quali la sua vita unica non avrebbe potuto svolgersi. Raccontalo a modo tuo, non troppo seriamente, meglio che possiamo. E, pensando alle cose più serie, per evitare pretese di profondità obbligata... L'idea è pericolosa. Comporre un'opera teatrale oggi è un affare rischioso". MARCO ZACHAROV
Nel 1874, il principale drammaturgo norvegese Henrik Ibsen concepì l'idea di mettere in scena una nuova commedia. Ha invitato il giovane ma già noto compositore Edvard Grieg a lavorare insieme a una nuova produzione. La musica per la performance è stata scritta in sei mesi. Questo brano musicale è composto da 27 parti. Questa produzione si chiama Peer Gynt.

Alla prima nel 1886, il dramma di Ibsen e la musica di Grieg ebbero lo stesso successo. Questa è stata la seconda nascita dell'opera di Ibsen. Quindi la musica divenne più popolare e iniziò la sua vita concertistica separata.

Peer Gynt è un'opera teatrale su un giovane. Per ha lasciato la casa e la sua ragazza ed è andato alla ricerca della felicità. Ha incontrato molte cose lungo la strada. Ha vagato per il mondo, incontrando troll malvagi e donne frivole, strani gobbi e ladri, stregoni arabi e molto altro. Un giorno Gynt entra nella caverna del re della montagna.L'autore in un'unica immagine ha mostrato due elementi: lo stesso re della montagna e le sue forze del male. Tra loro c'era la principessa, che, con la sua danza, sta cercando di attirare l'attenzione di Per.

Peer Gynt, l'eroe del nostro tempo

Peer Gynt è una figura odiosa. Un motivo per cui le persone si divertono e spettegolano. Tutti lo considerano un fannullone, un bugiardo e un chiacchierone. È così che viene percepito anche da sua madre, che è stata la sua prima musa ispiratrice (dalle sue fiabe, con le quali lo ha sovralimentato durante l'infanzia, l'immaginazione di Per ha guadagnato libertà e cammina costantemente su e giù):
Peer Gynt distingue a malapena la realtà dai sogni, la realtà per lui è pronta a trasformarsi in finzione da un momento all'altro e la finzione a diventare verità.

Nel villaggio, Pera è odiata, derisa e temuta (perché non capiscono). Alcuni lo considerano uno stregone, anche se ne parlano con un ghigno.
Nessuno gli crede. E continua a vantarsi e raccontare storie su se stesso che sono note da tempo a tutti.
In effetti, tutti questi racconti di Gynt sono solo una libera presentazione di antiche leggende. Ma in questa "bugia" si manifesta la capacità del poeta di reincarnarsi. Come il cavaliere Gluck di Hoffmann (o un pazzo o un artista che si abitua all'immagine), Gynt ricrea leggende. Non è solo uno spettatore, un ascoltatore o un esecutore, ma un ricreatore, che dà nuova vita a immagini e miti apparentemente morti. "L'intera storia della terra è un mio sogno", avrebbe potuto esclamare Peer Gynt.
Così, in Peer Gynt, il problema tradizionale (incomprensione da parte della società di un artista che crea una nuova realtà e forma nuove forme culturali) si sviluppa in un manifesto per tutte le persone d'arte che vanno nella loro ricerca fino alla fine, indipendentemente da qualsiasi confine, convenzioni e stabilimenti.
Ecco perché questo testo era così amato, ad esempio, dai simbolisti. Dopotutto, come ha detto Khodasevich nel suo articolo programmatico, il simbolismo era “una serie di tentativi, a volte veramente eroici, di trovare una fusione tra vita e creatività, una sorta di pietra filosofale dell'arte. Il simbolismo cercava ostinatamente al suo interno un genio che fosse in grado di fondere insieme vita e creatività.
E, in particolare, per questo il Peer Gynt di Ibsen è ancora attuale.

Paura di essere creativi

D'altra parte, sono il suo narcisismo e la sua pigrizia a fare di Peer Gynt un tipo universale e senza tempo. Ibsen attribuisce il narcisismo alla natura non di una persona, ma di un troll. Ma il troll è un simbolo. L'incarnazione concentrata di tutto ciò che è inferiore in una persona: vanità, egoismo, lussuria e altri vizi.
Il ventenne Per vaga per la periferia del suo villaggio, litigando, bevendo, seducendo ragazze, raccontando storie sulle sue avventure. E non appena il narcisismo si impossessa di lui, incontra i troll: la Donna in Verde e il Dovre Elder. Da loro apprende la differenza tra un troll e un essere umano. E preferisce rimanere un uomo: un emarginato tra le persone e non un re tra i troll.
L'intera scena con i troll (e il resto delle scene in cui prendono parte personaggi favolosi e mitici) si svolge nell'immaginazione dell'eroe, e non nel mondo esterno. E se noti indicazioni abbastanza chiare di ciò nel testo, allora Peer Gynt può essere letto come un'opera completamente realistica in cui i troll, come altri personaggi mitici, rappresentano solo varie funzioni del mondo interiore di Gynt.

Il problema è che a Per Gynt non viene mai in mente di scrivere i suoi sogni ad occhi aperti. Ciò consente ai critici letterari di parlare di lui come di un eroe, in cui Ibsen esprimeva, dicono, tutta l'incoerenza di un uomo del XIX secolo, un uomo che ha dimenticato il proprio destino. Talento sepolto sotto terra.
Il Perù sembra essere troppo pigro per scrivere i suoi sogni. Anche se è più probabile che non sia nemmeno pigrizia, ma "paura di una tabula rasa".
Quando Peer Gynt vede come qualcuno gli taglia un dito per non arruolarsi nell'esercito (cioè, in effetti, per codardia), esce da questo atto con genuina ammirazione (il corsivo è di Ibsen):
Puoi pensare, puoi desiderare
Ma fare? Una cosa incomprensibile...
Questo è l'intero Peer Gynt: fantastica, vuole fare qualcosa, ma non osa (o ha paura) ...
Tuttavia, tornando al citato articolo di Khodasevich e dei simbolisti, si può guardare a Gynt come a un poeta che non scrive, ma vive solo la sua poesia. Sull'artista che crea una poesia non nella sua arte, ma nella vita. Lo stesso motivo per cui i poeti della Silver Age veneravano Ibsen come uno dei loro guru.
Ma è sufficiente per un artista creare la propria vita senza creare altre opere? La risposta a questa domanda la dà proprio Peer Gynt.

Mitologia di Gynt

Solveig ha rinunciato a tutti per stare con Peer Gynt. Per va a costruire il palazzo reale, felice e orgoglioso dell'aspetto di Solveig. Ma all'improvviso si imbatte in una donna anziana vestita di stracci verdi (lo sta sognando, apparentemente perché è troppo orgoglioso della sua "vittoria" su Solveig, perché i troll compaiono proprio in quei momenti in cui Per è sopraffatto dalla vanità). La vecchia gli chiede di cacciare Solveig, gli presenta un figlio strano come i suoi diritti sulla sua casa, ma lui le risponde: "Vattene, strega!". Lei scompare, e poi Peer Gynt comincia a riflettere:

"Circonvallazione!" - mi ha detto quello storto. E, lei-lei
Giusto. Il mio edificio è crollato.
Tra me e quello che sembrava mio
D'ora in poi, il muro. Non c'è motivo di essere entusiasti!
Circonvallazione! Non hai più modo
Che potresti andare direttamente da lei.
Direttamente verso di lei? Ci sarebbe anche un modo.
Ma cosa? Ho perso la Sacra Scrittura.
Ho dimenticato come viene interpretato il pentimento lì.
Dove posso ottenere edificazione nella foresta?
Rimorso? Gli anni passeranno,
Finché sei salvo. La vita diventerà brutta.
Fai a pezzi il mondo, a me immensamente caro,
E rimettere insieme mondi da frammenti?
Difficilmente puoi incollare una campana rotta,
E ciò che fiorisce, non osi calpestare!
Naturalmente il diavolo è solo una visione
È scomparsa dalla vista per sempre.
Tuttavia, aggirando la visione ordinaria,
Un pensiero impuro entrò nella mia anima.

Così si rivolge Per prima di lasciare Solveig fino alla vecchiaia.
Per usare la terminologia del filosofo danese Kierkegaard (vicino nello spirito a Ibsen), Per sta cercando in questo momento di passare dalla fase estetica dell'esistenza a quella etica, di assumersi la responsabilità. E questa è la garanzia della sua futura salvezza. Dopotutto, lanciando Solveig, fa l'unica grande cosa di cui è capace: per sempre "si tiene nel suo cuore". Allora può già vivere come vuole (cosa che, in effetti, fa). L'atto della sua vita è completo. Scopo realizzato. La poesia è stata scritta.
Solveig è la musa ispiratrice di Peer Gynt, una donna che "vive nell'attesa", ricordandolo giovane e bello. Grande Madre, Anima del mondo, Eterna femminilità (sia in senso goethiano che simbolista di questo mitologema). Ha mantenuto l'immagine di Peer Gynt nel suo cuore e, alla fine, ha così salvato Peer.
Gynt è sempre sotto il patrocinio (sotto copertura) dell'Eterna Femminilità. Alla fine della battaglia con i troll, grida: "Salvami mamma!" E dopo, la conversazione con Crooked, con una voce sfocata e informe dall'oscurità, si conclude con le parole di Crooked che respira a malapena: “Le donne lo tengono; Avere a che fare con lui è difficile".
La curva è solo un simbolo di "pigrizia", ​​"paura", "inattività" di Per ("La grande curva vince senza combattere", "La grande curva attende vittorie dalla pace"). Da un lato, è una funzione della psiche e, dall'altro, è il dio norvegese del sottosuolo (il dio delle profondità sotterranee, incarnato più chiaramente nell'eroe di Appunti dal sottosuolo di Dostoevskij, nella mitologia slava , questo è Ovinnik).

La mitologia ribolliva attraverso Ibsen. Forse pensava di scrivere del declino in cui si trovava la Norvegia contemporanea, dei norvegesi più piccoli (è così che vengono spesso interpretati Peer Gynt e altri testi di Ibsen). Ma ha ottenuto un manifesto per superare il cristianesimo e tornare al paganesimo. (Il simbolismo è un caso speciale di tale superamento.)

Se guardiamo alle opere di Ibsen come un riflesso del loro tempo, solo nel senso in cui Carl Gustav Jung ha parlato di opere di tipo visionario nella sua opera "Psicologia e creatività poetica". Quelli in cui (spesso scavalcando la volontà dell'autore) si esprimeva lo spirito dei tempi. Nel momento in cui scrive un'opera visionaria, l'autore diventa una sorta di portavoce dell'inconscio collettivo, trasmettendo attraverso se stesso informazioni provenienti dalle profondità più riservate dell'esperienza umana.
“Per questo motivo è abbastanza comprensibile che il poeta si rivolga nuovamente a figure mitologiche per trovare un'espressione corrispondente alla sua esperienza. Immaginare che stia semplicemente lavorando con questo materiale che ha ereditato significherebbe distorcere tutto; infatti, crea sulla base della prima esperienza, la cui natura oscura ha bisogno di immagini mitologiche, e quindi le raggiunge avidamente come qualcosa di correlato per esprimersi attraverso di esse ”, scrive Jung.
Indubbiamente, le opere di Ibsen (soprattutto Peer Gynt) appartengono a questo tipo visionario.
Cristianesimo, paganesimo e nietzscheanesimo

A partire dal quarto atto, tutto in Peer Gynt si svolge su un livello diverso: non ci sono mostri mitici e voci dall'oscurità. Peer Gynt (ora un ricco commerciante di schiavi) che è maturato e esteriormente sistemato insegna:

Da dove viene il coraggio?
Sul nostro percorso di vita?
Senza batter ciglio, devi andare
Tra le tentazioni del male e del bene,
Nella lotta, tieni conto che i giorni di lotta
La tua età non è affatto compiuta,
E la giusta via del ritorno
Salvo per un salvataggio in ritardo
Ecco la mia teoria!

Informa i suoi compagni di bevute che vuole diventare il re del mondo:

Se non fossi diventato me stesso, - il signore
Un cadavere senza volto diventerà il mondo.
Qualcosa di simile era il patto -
E non credo sia meglio!

E alla domanda “Cosa significa “diventare se stessi?” risponde: essere diverso da chiunque, così come il diavolo è diverso da Dio.
La domanda su cosa significhi “essere se stessi” tormenta Peer Gynt, lo perseguita. Questa è la domanda principale dell'opera. E alla fine gli viene data una risposta semplice ed esaustiva. Un'indicazione dell'unica opportunità per una persona di "essere se stessa" ... (E l'unica opportunità per un artista di connettere veramente la poesia con la vita.)

Nella critica letteraria, Peer Gynt è spesso messo in contrasto con un altro eroe ibseniano, il prete Brand (dal dramma omonimo). E dicono che sia stato Brand a rimanere sempre "se stesso".
Se Gynt per la tradizione letteraria è una tipica persona "né pesce né pollame", una specie di raro egoista che ha evitato il suo destino per tutta la vita, a seguito della quale la sua personalità (e la sua vita) è andata in pezzi, allora Brand è solitamente interpretato come un amato eroe di Ibsen, vedono in lui una sorta di ideale di una persona - intera e completa.
E in effetti, non è affatto tormentato dalla ricerca del proprio S. Ma se guardi da vicino, si scopre che Brand non è nemmeno una persona. È una specie di funzione sovrumana senz'anima. Spinge a cadere tutti i deboli che lo circondano, è pronto a sacrificare la sua vita e quella degli altri, perché... perché si considera (così ha deciso!) l'eletto di Dio. Questi sacrifici brandiani non sono più nemmeno i sacrifici di Abramo, non "la fede per il potere dell'assurdo" di cui parlava Kierkegaard, ma la decisione razionale di un uomo orgoglioso volitivo. L'arbitrarietà crowleyana. Orgoglio nietzschiano.
Pertanto, è logico che Brand perisca, a differenza di Peer Gynt, che è completamente cristiano, sebbene in un entourage pagano, salvato.
Questa salvezza avviene già nel quinto atto, che si rivela nuovamente pieno di visioni simboliche. Quando Peer Gynt fugge nella foresta (nelle profondità dell'inconscio), si fonde così tanto con la natura che l'elemento, personificato dall'immaginazione del poeta, inizia a raccontargli i propri pensieri su se stesso:

Noi siamo canzoni, tu sei noi
Non ho cantato a squarciagola
Ma mille volte
Ci ha messo a tacere ostinatamente.
Nell'anima della tua destra
Stiamo aspettando la libertà.
Non ci hai lasciato andare.
Hai del veleno.

Parabola biblica dei talenti. Uno schiavo che seppellisce il suo talento nel terreno e non aumenta la ricchezza del suo padrone cade in disgrazia. Il fabbricante di bottoni (un personaggio mitologico la cui funzione è quella di prendere l'anima di Peer Gynt, che non è degna né dell'inferno né del paradiso) per fonderla, dice:

Essere se stessi significa essere
Il fatto che il proprietario ha rivelato in te.

Per in ogni modo possibile si dimena, si scusa, schiva. Ma l'accusa (autoaccusa) sembra piuttosto impressionante: è un uomo che non ha compiuto il suo destino, ha seppellito un talento nel terreno, che non sapeva nemmeno peccare correttamente. Tutto ciò che ha creato è un brutto troll che ha generato la sua stessa specie. Crollo o inferno: la punizione sembra comunque inevitabile...

Per vuole che Solveig lo condanni, poiché crede che sia di lei la colpa maggiore. Ma di fronte a Solveig, il condannato incontra la Vestale. Solveig nomina il Perù il luogo dove è sempre rimasto lui stesso:
Nella fede, nella mia speranza e nell'amore!
FINE. Il salvataggio. Il fabbricante di bottoni sta aspettando dietro la capanna...

"Ho parlato sopra del tentativo di unire vita e lavoro insieme come della verità del simbolismo", scrive Khodasevich. - Questa verità rimarrà con lui, anche se non appartiene solo a lui. Questa è la verità eterna, solo sperimentata più profondamente e vividamente dal simbolismo. Come il Faust di Goethe, Peer Gynt evita la punizione alla fine del dramma di Ibsen, perché la creazione principale della sua vita era l'amore.

Salvato uno spirito elevato dal male
L'opera di Dio:
"La cui vita nelle aspirazioni è passata,
Possiamo salvarlo".
E per chi l'amore stesso
La petizione non si blocca
Sarà una famiglia di angeli
Accolto in paradiso.

E come punto finale:

Tutto è veloce-
Simbolo, confronto.
L'obiettivo è infinito
Ecco il successo.
Ecco il comandamento
Tutta verità.
Eterna femminilità
Ci attira da lei.

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