Fatti interessanti sui dipinti. Fatti sconosciuti su artisti famosi Fatti interessanti sui capolavori della pittura mondiale

Non è un segreto che personaggi famosi si trovino in situazioni di vita straordinarie e storie varie più spesso di altre, che, grazie a testimoni oculari, sono impresse nelle loro biografie da secoli. Di norma, queste storie sono aneddoticamente divertenti, a volte curiose e poco piacevoli, oltre che istruttive, che sono passate alla categoria delle parabole. Oggi parleremo di fatti interessanti della vita di famosi artisti classici russi ed europei.

L'autografo di un artista vale dieci volte di più del dipinto stesso

Ilya Efimovich Repin. Una volta una certa signora acquistò un dipinto con la firma “I. Repin", pagando 100 rubli per questo. Dopo un po ', venuta nello studio del pittore, ha mostrato all'artista la sua acquisizione. Repin, ridendo dello sfortunato cliente, ha scritto in fondo alla tela: "Questo non è Repin". Successivamente, la signora ha rivenduto il dipinto, ma per mille rubli.

La pittura è immortale

Pablo Picasso. Un medico abbastanza noto alla mostra si è avvicinato a Picasso e ha detto in modo importante: - Conosco abbastanza bene la struttura anatomica del corpo umano. Quindi, posso dire che le persone sulle tue tele causano un po' di rimpianto e sconcerto. "Molto probabilmente", ribatté Picasso. - Ma posso assicurarti che vivranno molto più a lungo dei tuoi pazienti.

L'individualismo dei bambini

Autoritratti. Pablo Picasso a 15 e 90 anni. Una volta, dopo aver visitato una mostra di disegni per bambini, Pablo Picasso disse pensieroso: - Quando avevo la loro età, potevo dipingere come Raffaello, ma ci è voluta tutta la mia vita per imparare a disegnare come loro. Ritratto della madre dell'artista (1896), dipinto dal quindicenne Picasso.

Assegno costoso

Salvador Dalì. Salvador Dali aveva uno stratagemma molto intelligente per i proprietari di ristoranti. Visitando per la prima volta un luogo di intrattenimento, ha riunito una numerosa compagnia di amici e conoscenti e per tutta la serata ha offerto a tutti i piatti e le bevande del menu. Quando è arrivato il momento di pagare i conti, l'artista ha scritto con aria di sfida un assegno per un importo enorme, e poi... ha girato l'assegno e ha scritto alcune parole gentili sul retro in segno di gratitudine al proprietario dello stabilimento e ha messo suo autografo. Il calcolo del maestro era semplice e senza problemi: sfruttando la sua fama di genio vivente, Dalì era sicuro che il proprietario del ristorante non avrebbe mai osato incassare un assegno con la firma originale dello stesso Dalì! Di solito accadeva così: i ristoratori capirono che con il tempo avrebbero potuto ottenere molti più soldi per questo assegno rispetto alla semplice cifra del conto, ma il padrone risparmiò molti soldi.

Chi è pazzo?

Salvador Dalì. Una volta, in una conversazione con i suoi amici, Salvador Dalì disse che tutti i cataclismi che si verificano in natura non lo sorprendono più. Quindi l'interlocutore ha iniziato a fare con entusiasmo un esempio di una possibile situazione: - Ebbene, così sia, ma se a mezzanotte all'orizzonte apparisse improvvisamente una luce che annuncia l'alba del mattino? Guardi e vedi che il sole sta sorgendo. Non ti sorprenderebbe? Non pensi di essere impazzito? “Al contrario”, disse Dalì senza esitazione, “avrei pensato che questo sole fosse impazzito.

Unioni creative

Isaac Levitan./“Giorno d'autunno. Sokolniki. (1879)./ Nikolai Cechov. Come sapete, l'artista Isaac Levitan "si è specializzato" solo nella pittura di paesaggi, ma nella sua eredità c'è una tela raffigurante una figura femminile che cammina nel parco. "Giorno d'autunno. Sokolniki "- questo è il nome di questa immagine, scritta da lui nei suoi anni da studente. L'artista non si è mai impegnato a disegnare persone, e in tutta onestà va notato che l'unica immagine di una donna non è stata dipinta dall'artista stesso, ma dal suo amico della scuola d'arte, fratello del famoso scrittore, Nikolai Cechov.
Ivan Aivazovsky./ "Pushkin in riva al mare"./ Ilya Repin. A proposito, questa non è stata l'unica collaborazione creativa nella storia dell'arte. Perché non aiutare un amico artista che sta fallendo in qualche modo? Non molte persone sanno che la figura di Pushkin nel dipinto di Aivazovsky "Pushkin in riva al mare" è stata dipinta da Ilya Repin.
K. A. Savitsky e I. I. Shishkin. Primi anni 1880 Foto. / "Mattina in una pineta". E i famosi orsi nel dipinto di Shishkin "Morning in a Pine Forest" sono stati dipinti dall'artista Savitsky. Bene, questi animali divertenti non hanno funzionato per il geniale maestro del paesaggio. Ma il compenso di quattromila rubli dalla vendita di questo dipinto è stato diviso fraternamente e originariamente c'erano due autografi sulla tela. Va tutto bene... Tuttavia, il proprietario del dipinto, Pavel Tretyakov, ha deciso di lasciare la paternità a Shishkinin e ha cancellato personalmente la firma di Savitsky.

Complimentato dalla lettera "B" al nome dell'artista dallo stesso imperatore

Karl e Alexander Bryullov. Fino all'inizio del XIX secolo, il nome Bryullov non esisteva in Russia. Karl Bryullov, il famoso artista russo, è nato nella famiglia dell'accademico della scultura ornamentale Pavel Bryullo, i cui antenati provenivano dalla Francia. La lettera "v" alla fine del cognome è stata concessa a Karl e suo fratello Alexander, architetto di professione, dal più alto decreto imperiale prima del viaggio di un pensionato in Italia.

Mostra di un capolavoro

Arkhip Kuinzhi. Nel 1880 si verificò un evento senza precedenti nel mondo dell'arte russa. A San Pietroburgo, per la prima volta, il dipinto di Arkhip Kuindzhi "Moonlight Night on the Dnieper" è stato esposto al pubblico. Era sorprendente che fosse l'unica nella mostra. Le voci sulla straordinaria tela si diffusero in città molto prima che fosse mostrata, e il giorno stesso dell'inaugurazione sembrava che l'intera città l'avrebbe guardata. Molte carrozze bloccavano tutte le strade vicine e la gente si accalcava in lunghe file all'ingresso. Molti hanno visitato la mostra più volte.
"Notte di luna sul Dnepr". Il pubblico è rimasto affascinato dallo straordinario realismo del chiaro di luna nel quadro, molti hanno suggerito che l'artista usasse colori luminosi, alcuni addirittura guardavano di nascosto dietro il quadro, cercando di scoprire se c'era una lampada che illuminava la luna.

Voto di Modigliani

Amedeo Modigliani. Amedeo Modigliani, un famoso artista italiano, si è interessato al disegno e alla pittura in tenera età. Prese la decisione definitiva di diventare un artista all'età di undici anni dopo una grave pleurite, quando, sdraiato in delirio, Amedeo decise: se fosse sopravvissuto, si sarebbe dedicato alla pittura. E ha mantenuto la sua parola.

Kuindzhi e uccelli

Arkhip Kuinzhi. Arkhip Kuindzhi amava molto gli uccelli. Poteva stare seduto per ore sul tetto della sua casa, "parlando" con piccioni e corvi. E spesso diceva ai suoi amici che gli uccelli capivano le sue parole e andavano facilmente nelle sue mani. Ebbene, ancora ... Dopotutto, ogni mese l'artista spendeva molti soldi per nutrire gli uccelli, acquistando 60 panini francesi, fino a 10 kg di carne e 6 sacchi di avena. E una volta che l'illustratore Pavel Shcherbov ha pubblicato un cartone animato in cui Kuindzhi mette un clistere su un uccello. Dicono che Arkhip Ivanovich, che non aveva uno speciale senso dell'umorismo, fosse terribilmente offeso dal suo collega.
Caricatura. Pazienti piumati (A.I. Kuindzhi sul tetto di casa sua). Autore: Pavel Shcherbov.

Cinquemila per il soffitto

Konstantin Egorovich Makovsky. / Ragazza vestita da Flora. Konstantin Makovsky era famoso non solo per i ritratti da salone delle mogli di ricchi mariti, ma anche per i loro prezzi esorbitanti. E l'artista amava molto il cibo delizioso, che è definito un vero buongustaio. Ma un giorno si è quasi messo nei guai. Il barone Akkurti, avendo appena acquistato una lussuosa villa con plafoni dipinti da Makovsky, ma senza i suoi autografi, ha invitato l'artista più popolare a fare colazione in un ristorante. Nella speranza che l'artista firmi gratuitamente i plafoni in segno di riconoscenza. Quindi sarebbe successo se non fosse stato per un "ma" ... Makovsky era già addolcito in previsione di un pasto squisito e ha promesso di andare subito dopo e firmare gratuitamente tutti e tre i plafond. E il barone dal pugno chiuso finalmente fece un ordine: ordinò che fossero serviti odore e pane. “Puzzava? Io?» Makovsky protestò tra sé. E disse ad alta voce: "Cinquemila rubli per una firma su ogni soffitto!"

Valentin o Anton Serov

Ritratto di Mika Morozov. / Valentin Serov. Amici e parenti chiamavano Valentin Serov Anton. Questo nome gli era saldamente attaccato durante l'infanzia, quando i genitori, per un eccesso di sentimenti per il bambino, chiamavano il piccolo Valentine Valentosha, Tosha, a volte Tonya. Poco dopo, nella famiglia Mamontov, Tosha si trasformò in Antosha. E le lettere che Ilya Repin scriveva al già adulto Serov spesso iniziavano con un appello: "Anton, Anton!".

Piccolo ricattatore

*Ragazza con le pesche*. Autore: V. Serov. Il fatto che Valentin Serov lavorasse lentamente era particolarmente noto ai suoi parenti. E quando l'artista ha deciso di dipingere un ritratto della figlia di 11 anni di Savva Mamontov, Vera, (e la tela è stata concepita come regalo di compleanno per Elizabeth Mamontova, la madre della ragazza), Serov si è imbattuta in una protesta categorica del futuro modello . Vera ha subito capito cosa minaccia il suo consenso a posare per l'artista. Non era affatto tentata di stare seduta per settimane in una posa immobile, invece di correre in campagna con i suoi coetanei. Vera era testarda e Serov non aveva altra scelta che accettare di non accettare le sue condizioni: dopo ogni sessione, andare a cavallo con lei.
*Ragazza con le pesche*. frammento. / Veročka Mamontova.

Testo richiesta: "Ciao!
Mi è piaciuta la tua rivista!
Sono un "visualista" perché fotografo e sono più interessato alle immagini visive. Il carico semantico non è così importante.
Se leggi, allora sono particolarmente interessato a tutto ciò che riguarda la storia delle belle arti, non solo la fotografia. Ho enormi lacune educative.
Ma mi sembra che tali materiali ridurrebbero la direzione e persino la frequentazione della tua rivista. Quindi sono abbastanza contento di quello che vedo da te.
Sul serio :)"
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Non credo che un post del genere ridurrà le presenze della rivista :)...
ma alcuni fatti sono davvero molto interessanti - ti consiglio di leggere

Fatti non del tutto ordinari della vita di talenti leggendari.

Puoi trovare un'enorme quantità di informazioni su artisti famosi: come hanno vissuto, come hanno creato le loro opere immortali. Molti di solito non pensano alle caratteristiche del carattere e allo stile di vita dell'artista. Ma alcuni fatti della biografia o della storia della creazione di un'immagine particolare a volte sono molto divertenti e persino provocatori.

Pablo Picasso

I bravi artisti copiano, i grandi artisti rubano.

Quando è nato Pablo Picasso, l'ostetrica pensava che fosse nato morto. Il bambino è stato salvato da suo zio, che ha fumato sigari e ha visto il bambino sdraiato sul tavolo, gli ha soffiato il fumo in faccia, dopodiché Pablo ha ruggito. Quindi, si può dire che il fumo ha salvato la vita di Picasso.

Apparentemente, Pablo è nato artista - la sua prima parola è stata PIZ, abbreviazione di LAPIZ ("matita" in spagnolo).

Nei primi anni della sua vita a Parigi, Picasso era così povero che a volte era costretto a riscaldarsi con i suoi quadri invece che con la legna da ardere.

Picasso indossava abiti lunghi e aveva anche i capelli lunghi, cosa inaudita a quel tempo.

Il nome completo di Picasso è composto da 23 parole: Pablo-Diego-Jose-Francisco-de-Paula-Juan-N epomuseno-Maria de los Remedios-Cypriano-d e-la-Santisima-Trinidad-Martir-Patricio-C lito -Ruiz- e-Picasso.

Vincent van Gogh

Non aver paura di sbagliare. Molti credono che diventeranno buoni se non fanno nulla di male.

Si ritiene che l'abbondanza di colore giallo e macchie gialle di diverse sfumature nei suoi dipinti sia causata dalla grande quantità di farmaci per l'epilessia, che si sviluppava dall'uso eccessivo di assenzio. "Notte stellata", "Girasoli".

Durante la sua vita frenetica, Van Gogh ha visitato più di un ospedale psichiatrico con diagnosi che vanno dalla schizofrenia alla psicosi maniaco-depressiva. Il suo dipinto più famoso, Notte stellata, fu dipinto nel 1889 in un ospedale della città di San Remy.

Si è suicidato. Si è sparato allo stomaco mentre si nascondeva nell'aia dietro un mucchio di sterco. Aveva 37 anni.

Per tutta la vita, Van Gogh ha sofferto di una bassa autostima. Ha venduto solo una delle sue opere durante la sua vita: Red Vineyard ad Arles. E la fama gli è venuta solo dopo la sua morte. Se solo Van Gogh sapesse quanto sarebbe diventato popolare il suo lavoro.

Van Gogh non si è tagliato tutto l'orecchio, ma solo un pezzo del lobo dell'orecchio, che praticamente non è doloroso. Tuttavia, è ancora diffusa la leggenda secondo cui l'artista si sarebbe amputato l'intero orecchio. Questa leggenda si rifletteva persino nelle caratteristiche del comportamento di un paziente che opera su se stesso o insiste su una certa operazione: era chiamato sindrome di Van Gogh.

Leonardo Da Vinci

Chi vive nella paura muore di paura.

Leonardo fu il primo a spiegare perché il cielo è blu. Nel libro "Sulla pittura" ha scritto: "L'azzurro del cielo è dovuto allo spessore delle particelle d'aria illuminate, che si trova tra la Terra e l'oscurità sopra"

Leonardo era ambidestro: era ugualmente abile con la mano destra e sinistra. Si dice addirittura che potesse scrivere contemporaneamente testi diversi con mani diverse. Tuttavia, ha scritto la maggior parte delle sue opere con la mano sinistra da destra a sinistra.

Suonava magistralmente la lira. Quando il caso di Leonardo fu considerato al tribunale di Milano, vi si presentò proprio come musicista, e non come artista o inventore.

Leonardo è stato il primo pittore a smembrare i cadaveri per comprendere la posizione e la struttura dei muscoli.

Leonardo da Vinci era un vegetariano rigoroso e non beveva mai latte di mucca, poiché lo considerava un furto.

Salvador Dalì

Se non avessi nemici, non sarei quello che sono. Ma, grazie a Dio, c'erano abbastanza nemici.

Arrivato a New York nel 1934, portava tra le mani una pagnotta lunga 2 metri come accessorio e, mentre visitava una mostra di arte surrealista a Londra, indossava uno scafandro.

La tela "La persistenza della memoria" ("Soft Clock") Dali ha scritto sotto l'impressione della teoria della relatività di Einstein. L'idea nella testa di El Salvador ha preso forma quando ha guardato un pezzo di formaggio Camembert in un caldo giorno di agosto.

Salvador Dalì ricorreva spesso al sonno con una chiave in mano. Seduto su una sedia, si addormentò con una pesante chiave tra le dita. A poco a poco, la presa si è indebolita, la chiave è caduta e ha colpito un piatto steso sul pavimento. I pensieri che sono sorti durante il pisolino potrebbero essere nuove idee o soluzioni a problemi complessi.

Il grande artista, durante la sua vita, ha lasciato in eredità per seppellirlo in modo che le persone potessero camminare sulla tomba, quindi il suo corpo è stato murato nel muro del Museo Dalì a Figueres. La fotografia con il flash non è consentita in questa stanza.

Il soprannome di Salvador Dali era "Avida Dollars", che significa "dollari che amano appassionatamente".

Il logo di Chupa Chups è stato disegnato da Salvador Dalì. In una forma leggermente modificata, è sopravvissuto fino ad oggi.

Quasi tutte le opere di Dalì hanno un suo ritratto o una sua sagoma.

Enrico Matisse

I fiori sbocciano ovunque per tutti coloro che vogliono solo vederli.

Nel 1961, Le Bateau di Henri Matisse, esposto al Museum of Modern Art di New York, rimase appeso a testa in giù per quarantasette giorni. L'immagine è stata appesa in galleria il 17 ottobre e solo il 3 dicembre qualcuno ha visto l'errore.

Henri Matisse soffriva di depressione e insonnia, a volte singhiozzando nel sonno e svegliandosi urlando. Un giorno, senza motivo, ebbe improvvisamente paura di diventare cieco. E ha persino imparato a suonare il violino per guadagnarsi da vivere come suonatore ambulante quando ha perso la vista.

Per molti anni Matisse visse in povertà. Aveva circa quarant'anni quando finalmente poté provvedere da solo alla sua famiglia.

Henri Matisse non ha mai dipinto rocce, case di cristallo trasparente, campi coltivati.

Durante gli ultimi 10 anni della sua vita, gli è stato diagnosticato un cancro al duodeno e ha dovuto rimanere su una sedia a rotelle.

Edvard Munch

Nella mia arte ho cercato di spiegare a me stesso la vita e il suo significato, ho anche cercato di aiutare gli altri a spiegare la loro vita.

Munch aveva solo cinque anni quando sua madre morì di tubercolosi, e poi perse la sorella maggiore. Da allora, il tema della morte è apparso più volte nel suo lavoro e il percorso di vita dell'artista fin dai primi passi si è dichiarato un dramma della vita.

Il suo dipinto "The Scream" è l'opera d'arte più costosa mai venduta in un'asta pubblica.

Era ossessionato dal lavoro e lui stesso ne parlava così: “Scrivere per me è una malattia e un'ebbrezza. Una malattia di cui non voglio liberarmi e un'intossicazione in cui voglio essere".

Paolo Gauguin

L'arte è un'astrazione, estraila dalla natura, fantastica sulla sua base e pensa più al processo di creazione che al risultato.

L'artista è nato a Parigi, ma ha trascorso la sua infanzia in Perù. Da qui il suo amore per i paesi esotici e tropicali.

Gauguin cambiava facilmente tecnica e materiale. Amava anche l'intaglio del legno. Spesso incontrando difficoltà finanziarie, non era in grado di acquistare la vernice. Poi prese il coltello e la legna. Decorò le porte della sua casa nelle Marchesi con pannelli scolpiti.

Paul Gauguin ha lavorato come operaio sul Canale di Panama.

L'artista ha scritto nature morte per lo più senza ricorrere a un modello.

Nel 1889, dopo aver studiato a fondo la Bibbia, dipinse quattro tele, sulle quali si raffigurò a immagine di Cristo.

La frequente e la promiscuità con le ragazze portarono al fatto che Gauguin si ammalò di sifilide.

Renoir Pierre-Auguste

A quarant'anni ho scoperto che il re di tutti i colori è il nero.

Intorno al 1880, Renoir si rompe per la prima volta il braccio destro. Invece di essere sconvolto e addolorato per questo, prende il pennello a sinistra, e dopo un po 'nessuno dubita che sarà in grado di scrivere capolavori con entrambe le mani.

È riuscito a dipingere circa 6.000 dipinti in 60 anni.

Renoir era talmente innamorato della pittura che non smise di lavorare nemmeno in età avanzata, soffrendo di varie forme di artrite, e dipingeva con un pennello legato alla manica. Un giorno il suo caro amico Matisse gli chiese: “Auguste, perché non lasci la pittura, soffri così tanto?” Renoir si è limitato alla sola risposta: “La douleur passe, la beauté reste” (Il dolore passa, ma la bellezza rimane).

In questa sezione del sito, abbiamo cercato di raccogliere i fatti più sorprendenti e interessanti sui dipinti creati dagli artisti di sempre.

Una truffatrice che si faceva chiamare principessa Tarakanova

Nel famoso dipinto di Flavitsky "Princess Tarakanova" l'eroina è raffigurata prima della sua morte durante l'alluvione di San Pietroburgo del 1777. Tuttavia, il vero truffatore, che si chiamava principessa Tarakanova e fingeva di essere la figlia di Elizabeth Petrovna e la sorella di Emelyan Pugachev, morì in cattività per consumo due anni prima.

"Black Square" è appeso a testa in giù nella Galleria Tretyakov

Gli studi sul "Quadrato nero" di Malevich con l'aiuto di un microscopio e raggi X hanno rivelato che sotto di esso sono nascoste contemporaneamente due opere precedenti dipinte con vernici colorate: una appartiene al periodo cubo-futuristico dell'opera dell'artista, la seconda al proto-Suprematista. Inoltre, sotto uno strato di vernice, è stata trovata l'iscrizione "Battaglia dei negri di notte" realizzata da Malevich, che si riferisce alla tela comica assolutamente nera di Alphonse Allais, scritta 30 anni prima. E la posizione e la direzione dell'iscrizione indicano che l'immagine è appesa a testa in giù nella Galleria Tretyakov.

Quale falsario è diventato così famoso che i falsi dei suoi falsi sono apparsi in vendita?

L'artista di origine ungherese Elmir de Hory divenne famoso come uno dei più abili falsificatori di famosi pittori. Iniziando la sua "carriera" con l'imitazione delle opere di Picasso, de Hory è riuscito a vendere migliaia di falsi nella sua vita, anche se in senso legale non è del tutto corretto chiamarli falsi, poiché de Hory non ha firmato un solo dipinto con il nome del creatore dell'originale. Il fatto della sua maestria nell'imitazione è diventato così famoso nel mondo dell'arte che ora ci sono falsi che appaiono sotto lo stesso de Hory. Nel 2014 due dipinti a lui attribuiti nello stile di Claude Monet sono stati messi all'asta in Nuova Zelanda, ma un esperto delle opere di de Hory ha potuto riconoscere il fatto di una doppia falsificazione.

Gli scienziati hanno implorato Kustodiev di dipingere il loro ritratto, non essendo ancora famoso

Nel 1921, due giovani scienziati si rivolsero all'artista Boris Kustodiev chiedendogli di dipingere il loro ritratto. La loro tesi era che Kustodiev disegna solo celebrità, e sono sicuri che diventeranno famosi anche loro, anche se ora non sono particolarmente conosciuti da nessuno. Questi scienziati erano Pyotr Kapitsa e Nikolai Semyonov, rispettivamente futuri premi Nobel per la fisica e la chimica. Come compenso diedero all'artista un sacco di miglio e un gallo ricevuto per la riparazione del mulino.

Il titolo di quale dipinto di Rembrandt è l'opposto dell'intento dell'artista?

Scritto nel 1642, il dipinto di Rembrandt "L'esibizione della compagnia di fucilieri del capitano Frans Banning Cock e del tenente Willem van Ruytenbürg" alla fine divenne meglio noto come "Ronda di notte". Tuttavia, durante il restauro della tela nel 1947, si è scoperto che la parola "notte" qui non è molto appropriata. Rembrandt ha ricoperto il dipinto con diversi strati di vernice scura e, durante i lunghi anni trascorsi nel municipio di Amsterdam, è diventata anche vittima della fuliggine del camino. La pulizia della tela, unita all'analisi delle ombre dei personaggi, ha dimostrato che l'azione si svolge tra mezzogiorno e le due del pomeriggio.

Perché gli insegnanti americani hanno dipinto sopra le decorazioni di George Washington nel dipinto?

Washington Crossing the Delaware di Emanuel Leutze raffigura una forza ribelle che attraversa il fiume in barca durante la Rivoluzione americana. Allo stesso George Washington, in piedi in posa con la gamba destra piegata al ginocchio, si possono vedere due ornamenti rossi arrotondati che sporgono da sotto l'orlo della canotta, che sono un dettaglio della catena dell'orologio. Poiché l'immagine è stata ripetutamente stampata nei libri di testo delle scuole americane, molti insegnanti hanno cercato di dipingere su queste decorazioni in modo che i bambini non le associassero ai genitali.

Gioconda nuda

Uno degli studenti di Leonardo da Vinci era un giovane di nome Salai. Molti critici d'arte sono sicuri che sia stato lui a fare da modello per i dipinti di Leonardo "Giovanni Battista" e "Bacco". Ci sono anche versioni secondo cui Salai, vestito con un abito da donna, fungeva da immagine della stessa Gioconda e che esisteva una relazione intima tra lo studente e l'insegnante. Le opere dello stesso Salai sono poco conosciute, una di queste è una versione nuda della Gioconda chiamata "Monna Vanna".

Quale famoso dipinto russo è stato ispirato dalla corrida?

Ilya Repin è stato ispirato a creare il dipinto "Ivan il Terribile e suo figlio Ivan" da diversi eventi. Il primo è l'assassinio dello zar Alessandro II a causa dell'esplosione di una bomba, il secondo è la visita di Repin al concerto di Rimsky-Korsakov nello stesso anno, dove rimase colpito dalla musica della suite sinfonica Antar e volle trasmettere questo stato d'animo su tela. E lo stimolo finale per l'artista è stata una visita a una corrida in Spagna, dopo di che ha scritto nel suo diario: “Disgrazie, morte vivente, omicidi e sangue costituiscono una forza attrattiva ... E io, essendomi probabilmente contagiato da questo la sanguinosità, all'arrivo a casa, è subito iniziata per la sanguinosa scena.

Chi, oltre all'artista Manet, ha dipinto il dipinto "Colazione sull'erba"?

Gli artisti Edouard Manet e Claude Monet a volte sono confusi: dopotutto erano entrambi francesi, vivevano contemporaneamente e lavoravano nello stile dell'impressionismo. Anche il nome di uno dei dipinti più famosi di Manet, "Colazione sull'erba", Monet prese in prestito e scrisse la sua "Colazione sull'erba".

Perché il "Villaggio bretone nella neve" di Gauguin è stato venduto con il nome di "Cascate del Niagara"?

Il dipinto di Paul Gauguin Breton Village in the Snow è stato venduto all'asta dopo la sua morte. Il banditore l'ha erroneamente appeso a testa in giù e l'ha messo sotto il nome di "Cascate del Niagara".

Perché uno dei cosacchi nella foto "Cosacchi" è seduto senza maglietta?

Nel dipinto di Repin "Cosacchi" c'è solo un cosacco al tavolo, nudo sopra la vita. Il fatto è che questo personaggio è un appassionato giocatore d'azzardo, c'è un mazzo proprio accanto a lui. Quando si giocava per soldi nel Sich, c'era la tradizione di togliersi le magliette in modo che nessuno potesse imbrogliare nascondendo le carte nelle maniche.

Quale artista amava collocare riproduzioni di altri suoi dipinti sulle pareti delle stanze raffigurate?

Nell'angolo in alto a sinistra del dipinto di Reshetnikov "Again a due" c'è una riproduzione dell'altro suo famoso dipinto - "I Arrived on Vacation". A sua volta, una riproduzione di "Again deuces" si trova nell'angolo in alto a sinistra del dipinto "Re-examination", per il quale lo stesso ragazzo ha posato. Il suo protagonista siede a tavola d'estate in una casa rurale e si stipa, mentre il resto dei bambini gioca all'aperto.

Quale affare multimilionario è fallito a causa di un goffo colpo di gomito?

Nel 2006, il magnate americano Steve Wynn ha accettato di vendere The Dream di Pablo Picasso per 139 milioni di dollari, uno dei prezzi più alti nella storia per un'opera d'arte. Tuttavia, durante la dimostrazione del dipinto, Wynn ha agitato troppo le braccia e ha strappato la tela con il gomito. Il proprietario lo considerò un segno dall'alto e decise di non vendere il dipinto dopo il restauro.

Quando Repin ha quasi rovinato il suo dipinto "Ivan il Terribile e suo figlio Ivan"?

Nel 1913, un pittore di icone malato di mente tagliò con un coltello il dipinto di Repin "Ivan il Terribile e suo figlio Ivan". Grazie al tempestivo lavoro dei restauratori, il dipinto è stato riportato alla sua forma originaria. Lo stesso Repin è venuto a Mosca e ha ridipinto la testa del Terribile in una spiacevole scala lilla, che non si adattava al resto della scala dell'immagine: le opinioni dell'artista sulla pittura sono cambiate molto in 20 anni. I restauratori hanno rimosso queste correzioni e hanno portato il dipinto a una corrispondenza esatta con le sue fotografie dettagliate. E Repin, vedendo in seguito l'immagine restaurata, non si è accorto di nulla.

Perché Picasso ha riscaldato i fornelli con i suoi quadri?

Nei primi anni della sua vita a Parigi, Picasso era così povero che a volte era costretto a riscaldarsi con i suoi quadri invece che con la legna da ardere.

Quale quadro è rimasto a lungo appeso a testa in giù nel museo?

Nel Museum of Modern Art di New York nel 1961 fu esposto il dipinto "The Boat" di Henri Matisse. Solo dopo 47 giorni qualcuno si accorse che il quadro era appeso a testa in giù.

Ogni creazione dell'artista è unica, in ogni immagine c'è un pezzo dell'anima del suo creatore. Ma come ogni altra cosa, la pittura ha le sue sfumature, gli artisti hanno i loro trucchi. Ogni immagine è associata Fatti interessanti, più i curiosi di cui vi presenteremo.

1. Apelle(370 - 306 a.C.) fu un eccezionale artista greco antico, amico di Alessandro Magno. Molti fatti interessanti sono associati al suo nome. Secondo una delle leggende, Apelle indisse un concorso con un altro artista per il realismo dell'immagine. Quando la tela è stata rimossa dal dipinto del concorrente, gli uccelli si sono immediatamente riversati sul tralcio di vite sorprendentemente vivace. Quindi iniziarono a rimuovere il velo dal dipinto di Apelle, ma gli assistenti non ci riuscirono: il velo era raffigurato nella foto!

2. In uno dei dipinti più famosi Rubens"La festa degli dei sull'Olimpo" per lungo tempo è rimasta sconosciuta la data di creazione. Alla fine, gli astronomi lo hanno esaminato più da vicino e si è scoperto che i personaggi si trovavano esattamente come si trovavano nel cielo del pianeta nel 1602.

3. In epoca sovietica, ogni artista doveva poter far passare il proprio quadro attraverso una commissione, spesso poco esperta nelle belle arti. Ho dovuto inventare le mosse più interessanti e inaspettate. Quindi un artista ha dipinto un cane giallo completamente inappropriato nell'angolo del quadro. È stato questo cane giallo a diventare il principale argomento di discussione per la commissione, che non ha più prestato attenzione a nient'altro. È stato emesso un verdetto: accettare la foto, dopo la rimozione del cane.

4. Van Meegeren era un talentuoso artista olandese. Purtroppo le sue opere non furono apprezzate, ma le sue copie di dipinti di famosi pittori godettero di una popolarità senza precedenti. Furono queste copie che vendette ai nazisti. Dopo la guerra, ha dovuto affrontare un dilemma: essere accusato di aver venduto il tesoro nazionale o dimostrare che si trattava di falsi. È interessante notare che in pochi giorni, sotto la supervisione del tribunale, ha effettivamente creato una nuova immagine.

5. Vasily Dmitrievich Polenov(1844-1927) fu un maestro riconosciuto della pittura storica. Il suo pennello appartiene a un interessante dipinto dal titolo originale "Cristo e il peccatore". Ma l'immagine non fu accettata in quel momento, poiché l'artista raffigurava Cristo senza l'aureola obbligatoria, infatti, come la persona più comune. L'immagine è riuscita ad essere esposta al pubblico solo dopo averla ribattezzata "The Prodigal Wife".

6. Un artista è riuscito a presentare il suo falso nel modo più originale. Dipinse un altro quadro sopra una finta tela e portò tutto al restauratore. Nel corso del suo lavoro, ha scoperto questo fatto "doppio" interessante ed è stato annunciato che aveva trovato un "sconosciuto Monet”, la cui autenticità non è stata messa in dubbio per molto tempo.

7. Un altro modo originale ti consente di vendere un falso. Nella cornice sono inseriti due quadri di cui uno autentico. L'intero "sandwich" viene testato e riceve una conclusione ufficiale sull'autenticità dell'opera. Successivamente, uno dei dipinti viene rimosso e il secondo viene venduto a un ingenuo acquirente.

8. Immagini Viktor Mikhailovich Vasnetsov su storie epiche tra gli altri artisti russi non erano particolarmente apprezzati, alcuni addirittura chiamavano "Dead" il suo "Dopo la battaglia di Igor Svyatoslavovich con il Polovtsy", e "Tappeto con le orecchie" il suo favoloso "Tappeto volante".

9. Un affare interessante è stato fatto da una signora in un dipinto autografato da Ilya Efimovich Repin. Ha appena comprato un certo dipinto per soli 10 rubli, ma con una firma orgogliosa " I. Repin"La signora ha mostrato questo lavoro a Ilya Efimovich dopo un po '. L'artista ha riso e ha aggiunto "Questo non è Repin", dopodiché la signora ha venduto il suo autografo (ovviamente insieme alla foto) per 100 rubli.

10. Gli artisti spesso si sono aiutati a vicenda, perché ognuno ha le sue storie preferite, ma ci sono anche dei punti deboli. Naturalmente, in questo caso, usa l'aiuto di un amico: Repin ha scritto a Pushkin per la foto Aivazovsky"Pushkin in riva al mare", Nikolai Cechov ha raffigurato una signora in nero per il dipinto "Autumn Day. Sokolniki" Levitano, e hanno scritto gli orsi più famosi di "Morning in a Pine Forest" di Shishkin Savicsky.

Curiosità sulla pittura
Alcuni dipinti famosi hanno una storia della creazione molto interessante e talvolta persino divertente. I fatti ti diranno quello che forse non sapevi sugli artisti famosi e sui loro capolavori.

1 Leonardo da Vinci per molto tempo non è riuscito a trovare un soggetto per l'immagine di Giuda nell'Ultima Cena.

Per molti storici e storici dell'arte, L'Ultima Cena di Leonardo da Vinci è la più grande opera d'arte mondiale. In Il codice da Vinci, Dan Brown focalizza l'attenzione dei lettori su alcuni degli elementi simbolici del dipinto quando Sophie Neveu, mentre si trova a casa di Lee Teabing, scopre che Leonardo potrebbe aver codificato qualche grande segreto nel suo capolavoro.
L'Ultima Cena è un affresco sulla parete del refettorio del monastero di Santa Maria della Grazie a Milano. Anche nell'era dello stesso Leonardo, era considerata la sua opera migliore e più famosa. L'affresco fu realizzato tra il 1495 e il 1497, ma già nel primo ventennio della sua esistenza, come risulta dalle testimonianze scritte di quegli anni, iniziò a deteriorarsi. Le sue dimensioni sono di circa 15 per 29 piedi. L'affresco è stato dipinto con uno spesso strato di tempera all'uovo su intonaco asciutto. Sotto lo strato principale di pittura c'è uno schizzo compositivo approssimativo, uno studio, inscritto in rosso in un modo che anticipa l'uso consueto del cartone. È una specie di strumento preparatorio.
È noto che il committente del dipinto era il duca di Milano Lodovico Sforza, alla cui corte Leonardo si guadagnò fama di grande pittore, e per niente i monaci del monastero di Santa Maria della Grazie.
Il tema dell'immagine è il momento in cui Gesù Cristo annuncia ai suoi discepoli che uno di loro lo tradirà. Ne scrive Pacioli nel terzo capitolo del suo libro Divina proporzione. Fu in questo momento - quando Cristo annuncia il tradimento - che Leonardo da Vinci catturò. Per ottenere precisione e verosimiglianza, ha studiato le posture e le espressioni facciali di molti dei suoi contemporanei, che in seguito ha raffigurato nella foto. L'identità degli apostoli è stata più volte oggetto di controversia, tuttavia, a giudicare dalle iscrizioni sulla copia del quadro conservata a Lugano, si tratta (da sinistra a destra): Bartolomeo, Giacomo il Giovane, Andrea, Giuda, Pietro, Giovanni, Tommaso, Giacomo il Vecchio, Filippo, Matteo, Taddeo e Simone lo Zelota.
Molti storici dell'arte ritengono che questa composizione debba essere presa come un'interpretazione iconografica dell'Eucaristia - comunione, poiché Gesù Cristo indica con entrambe le mani la tavola con vino e pane.
Quasi tutti gli studiosi dell'opera di Leonardo concordano nel ritenere che il luogo ideale per guardare il dipinto sia da un'altezza di circa 13-15 piedi dal pavimento e ad una distanza di 26-33 piedi da esso. C'è un'opinione - ora contestata - che la composizione e il sistema della sua prospettiva siano basati sul canone musicale della proporzione.
Il carattere unico dell'Ultima Cena è dato dal fatto che, a differenza di altri dipinti di questo tipo, mostra la straordinaria varietà e ricchezza delle emozioni dei personaggi causate dalle parole di Gesù che uno dei discepoli lo tradirà. Nessun altro dipinto basato sull'Ultima Cena può nemmeno avvicinarsi alla composizione unica e all'attenzione ai dettagli del capolavoro di Leonardo.
Quindi quali segreti potrebbe criptare il grande artista nella sua creazione? In The Discovery of the Templars, Clive Prince e Lynn Picknett sostengono che diversi elementi della struttura dell'Ultima Cena sono indicativi dei simboli codificati al suo interno.
In primo luogo, credono che la figura alla destra di Gesù (per lo spettatore è a sinistra) non sia Giovanni, ma una certa donna. Indossa una veste, il cui colore contrasta con le vesti di Cristo, è inclinata nella direzione opposta rispetto a Gesù, che è seduto al centro. Lo spazio tra questa figura femminile e Gesù è a forma di V, e le figure stesse formano la lettera M.
In secondo luogo, nella foto, secondo loro, è visibile una certa mano accanto a Peter, che stringe un coltello. Prince e Picknett sostengono che questa mano non appartiene a nessuno dei personaggi nella foto.
In terzo luogo, seduto direttamente alla sinistra di Gesù (a destra - per il pubblico), Tommaso, rivolgendosi a Cristo, alzò il dito. Secondo gli autori si tratta di un gesto tipico di Giovanni Battista.
E infine, c'è l'ipotesi che l'apostolo Taddeo, seduto con le spalle a Cristo, sia in realtà un autoritratto dello stesso Leonardo.

La sezione aurea di Leonardo da Vinci

L'opera più famosa di Leonardo, la famosa "Ultima cena" nel monastero domenicano di Santa Maria delle Grazie a Milano, fu eseguita tra il 1495 e il 1497.
Il pennello di Leonardo ha catturato l'ultimo pasto congiunto (cena) di Gesù Cristo e dei dodici apostoli alla vigilia del giorno (Venerdì Santo) della morte di Cristo sulla croce.

Leonardo si preparò con cura e a lungo per la pittura milanese. Ha completato molti schizzi in cui ha studiato le posture ei gesti delle singole figure. L'Ultima Cena lo ha attratto non per il suo contenuto dogmatico, ma per l'opportunità di svolgere davanti allo spettatore un grande dramma umano, mostrare vari personaggi, rivelare il mondo spirituale di una persona e descrivere accuratamente e chiaramente le sue esperienze. Ha preso L'Ultima Cena come una scena di tradimento e si è posto l'obiettivo di introdurre in questa immagine tradizionale quell'inizio drammatico, grazie al quale avrebbe acquisito un suono emotivo completamente nuovo.

Pensando al concetto dell'Ultima Cena, Leonardo non solo ha fatto degli schizzi, ma ha anche scritto i suoi pensieri sulle azioni dei singoli partecipanti a questa scena: guarda il suo compagno, l'altro mostra i palmi delle mani, alza le spalle al suo orecchie ed esprime sorpresa con la bocca ... "Il record non indica i nomi degli apostoli, ma Leonardo, a quanto pare, immaginava chiaramente le azioni di ciascuno di essi e il posto che ognuno era chiamato occupare nella composizione complessiva. Specificando pose e gesti nei disegni, cercava forme espressive tali da coinvolgere tutte le figure in un unico vortice di passioni. Voleva catturare persone vive nelle immagini degli apostoli, ognuno dei quali risponde all'evento a modo suo.

L'Ultima Cena è l'opera più matura e completa di Leonardo.
Sono diverse le leggende che raccontano del grande Maestro e della sua pittura.

Quindi, secondo uno di loro, durante la creazione dell'affresco "L'ultima cena", Leonardo da Vinci ha affrontato un'enorme difficoltà: ha dovuto rappresentare il Bene, incarnato nell'immagine di Gesù, e il Male - nell'immagine di Giuda, che ha deciso di tradirlo a questo pasto. Leonardo interruppe a metà il lavoro e lo riprese solo dopo aver trovato i modelli ideali.

Una volta, quando l'artista era presente a un'esibizione del coro, vide in uno dei giovani cantanti l'immagine perfetta di Cristo e, invitandolo nel suo studio, ne fece diversi schizzi e schizzi.
Sono passati tre anni. L'Ultima Cena era quasi completata, ma Leonardo non aveva ancora trovato un soggetto adatto per Giuda. Il cardinale, incaricato di dipingere la cattedrale, lo affrettò, chiedendo che l'affresco fosse completato il prima possibile.
E dopo molti giorni di ricerche, l'artista ha visto un uomo sdraiato nella grondaia: giovane, ma prematuramente decrepito, sporco, ubriaco e cencioso. Non c'era più tempo per gli studi e Leonardo ordinò ai suoi assistenti di consegnarlo direttamente alla cattedrale, cosa che fecero.
Con grande difficoltà lo trascinarono lì e lo misero in piedi. Non capiva davvero cosa stesse succedendo e Leonardo catturò sulla tela il peccato, l'egoismo, la malvagità che respirava il suo viso.
Quando ebbe finito il lavoro, il mendicante, che a questo punto si era già un po' smaltito, aprì gli occhi, vide la tela davanti a sé e gridò spaventato e angosciato:
- Ho già visto questa foto!
- Quando? chiese Leonardo sconcertato.
“Tre anni fa, prima che perdessi tutto. A quel tempo, quando cantavo nel coro e la mia vita era piena di sogni, un artista dipinse Cristo da me.

Secondo un'altra leggenda, insoddisfatto della lentezza di Leonardo, il priore del monastero pretese insistentemente che terminasse il suo lavoro il prima possibile. “Gli sembrava strano vedere che Leonardo era immerso nei suoi pensieri per tutta la metà della giornata. Voleva che l'artista non lasciasse andare i pennelli, come se non smettessero di lavorare in giardino. Non limitato a ciò, si lamentò con il duca e cominciò a tormentarlo tanto che fu costretto a mandare a chiamare Leonardo e in forma delicata a chiedergli di riprendere l'opera, facendo capire in ogni modo che stava facendo tutto questo su insistenza del priore. Dopo aver avviato una conversazione con il duca su argomenti artistici generali, Leonardo gli fece quindi notare che era vicino a finire il dipinto e che gli erano rimaste solo due teste da dipingere: Cristo e il traditore Giuda. “Lui vorrebbe cercare quest'ultima testa, ma alla fine, se non trova di meglio, è pronto ad usare la testa di questo proprio priore, così invadente e indiscreto. Questa osservazione divertì molto il duca, il quale gli disse che aveva mille volte ragione. In questo modo, il povero priore imbarazzato continuò a spingere i lavori nell'orto e lasciò solo Leonardo, che terminò la testa di Giuda, che si rivelò la vera incarnazione del tradimento e della disumanità.

2 Si scopre che il termine "miniatura" non ha nulla a che fare con le piccole dimensioni. Questa parola deriva dal latino "minium" - il nome della vernice al piombo rosso, che aveva il colore del cinabro rosso. Le lettere iniziali dei testi sono state scritte con tale vernice e piccole illustrazioni sono state disegnate in libri antichi e medievali.

3 Marcelino Sanz de Sautola, la cui figlia fu la prima a trovare le pitture rupestri nella grotta di Altamira, fu accusato di aver falsificato le immagini. Presumibilmente, le persone primitive non potevano creare un capolavoro con una composizione così complessa.

4 I ricercatori, dopo aver esaminato decine di dipinti di grandi artisti dipinti tra il 1000 e il 1800, hanno concluso che la quantità di cibo raffigurato è aumentata del 69% durante quel periodo.

Questa conclusione è stata fatta dagli scienziati che hanno analizzato le dinamiche dei cambiamenti nelle porzioni di cibo raffigurate sulle tele di...

L'uomo moderno mangia il doppio del suo antenato vissuto mille anni fa. Questa conclusione è stata fatta da scienziati americani che hanno analizzato le dinamiche dei cambiamenti nelle porzioni di cibo raffigurate sulle tele di maestri di epoche diverse.

Gli esperti hanno studiato 52 dipinti della serie dell'Ultima Cena, dipinti dal 1000 al 2000. I ricercatori hanno confrontato le dimensioni dei piatti raffigurati sulle tele e i volumi delle porzioni di cibo. Per un indicatore costante, sulla base del quale è stato effettuato il confronto, sono state prese le dimensioni delle teste dei discepoli di Cristo.

Si è scoperto che di secolo in secolo il volume del cibo raffigurato nei dipinti è aumentato. In particolare, negli ultimi mille anni, la porzione del piatto principale è aumentata del 69%, il pezzo di pane è diventato più grande del 25% e le dimensioni dei piatti sono aumentate del 66%.

L'uomo moderno ingrassa non solo perché mangia di più. La maggior parte dei prodotti moderni ha un alto contenuto calorico e un basso valore nutritivo. Oltre al fatto che le persone moderne non ricevono abbastanza nutrienti, le cellule renali ed epatiche possono far fronte a conservanti, coloranti e lievito, che sono ricchi nei prodotti di oggi. Pertanto, il carico su questi organi aumenta e il metabolismo viene disturbato.

Recentemente, la cosiddetta dieta delle caverne sta guadagnando popolarità. I suoi aderenti credono che se rifiuti il ​​\u200b\u200bcibo moderno, in 3-4 mesi puoi perdere da 7 a 18 kg di peso in eccesso e allo stesso tempo purificare il corpo dalle sostanze nocive.

La quantità di cibo nei dipinti che raffigurano l'ultima cena di Cristo e degli apostoli è aumentata notevolmente negli ultimi 1000 anni. Come ha mostrato uno studio su 52 capolavori dell'arte mondiale, questa tendenza è in linea con lo sviluppo di una società dei consumi che tende a mangiare sempre di più.

Due fratelli professori - specialista in psicologia nutrizionale e teologo - Brian e Craig Wansinky, hanno analizzato insieme la quantità di cibo raffigurata in 52 dei dipinti più famosi della storia biblica dell'Ultima Cena. Fu allora che Gesù disse ai suoi discepoli: "In verità vi dico, uno di voi mi tradirà". Inoltre, è stato l'ultimo pasto di Cristo a diventare il prototipo del rito della comunione, dove il pane personifica il corpo del Signore e il vino è il suo sangue.

Gli scienziati hanno studiato i dipinti creati negli ultimi mille anni. Ha misurato la dimensione del cibo raffigurato e l'ha correlata con la dimensione media della testa dell'apostolo in ogni dipinto per arrivare a una dimensione specifica indipendente dalla dimensione della tela. È venuta fuori una cosa curiosa: le dimensioni delle porzioni, le dimensioni dei piatti e le dimensioni dei pezzi di pane dall'XI secolo ai giorni nostri sono costantemente aumentate. Pertanto, la dimensione del piatto principale è aumentata del 69%, la dimensione dei piatti del 66% e la dimensione delle pagnotte del 23%.

L'analisi dei dipinti ha rivelato una serie di punti interessanti. Nel Medioevo, gli apostoli erano raffigurati come asceti. Tuttavia, il pasto che compare nei dipinti prima del 1498 (questo è l'anno in cui fu dipinta l'Ultima Cena di Leonardo da Vinci più famosa al mondo) era piuttosto abbondante. Il cibo più “generoso” fu l'artista del XVI secolo, il manierista Jacopo Tintoretto: nel suo quadro i piatti sono i più pieni.

Gli scienziati ritengono che il graduale aumento delle dimensioni delle porzioni nei dipinti rifletta l'aumento complessivo del consumo nel mondo. Secondo gli autori del lavoro scientifico, i dipinti sono solo un riflesso dell '"impressionante crescita socio-storica nella produzione, disponibilità, sicurezza, abbondanza ed economicità del cibo".

5 "Black Square" non è stato il primo dipinto in questo stile. Molto prima di Malevich, Alle Alphonse ha esposto il suo capolavoro "La battaglia dei negri in una grotta nel cuore della notte" alla Vivienne Gallery - una tela rettangolare completamente nera.

Black Square" fu scritto per la prima volta non da Malevich, ma dal poeta francese Bilo, chiamando il dipinto "Battaglia dei negri nel tunnel"

Nel 1882 (33 anni prima del Quadrato nero di Malevich) alla mostra Exposition des Arts Incohérents di Parigi, il poeta Paul Bilot presentò il dipinto Combat de nères dans un tunnel (La battaglia dei negri nel tunnel). È vero, non era un quadrato, ma un rettangolo.

Al giornalista, scrittore ed eccentrico umorista francese Alphonse Allais piacque così tanto l'idea che la sviluppò nel 1893, chiamando il suo rettangolo nero "Combat de nègres dans une cave, pendant la nuit" ("Battaglia dei negri in una grotta nella morte di notte"). Non fermandosi al successo ottenuto, Alle ha poi esposto un foglio bianco vergine di carta Bristol intitolato "La prima comunione delle ragazze che soffrono di clorosi nella stagione nevosa"

. Sei mesi dopo, l'immagine successiva di Alphonse Allais fu percepita come una sorta di "esplosione coloristica". Il paesaggio rettangolare "Raccolta di pomodori sulle rive del Mar Rosso da parte di cardinali apoplettici" era un dipinto monocolore rosso vivo senza il minimo segno di immagine (1894). Alla fine, nel 1897, Allais pubblicò un libro di 7 dipinti "Album primo-avrilesque" (Album dei pesci d'aprile).

Così, vent'anni prima delle rivelazioni suprematiste di Kazimir Malevich, il venerabile artista Alphonse Allais divenne l'"autore ignoto" dei primi quadri astratti. Alphonse Allais è diventato famoso anche per il fatto di aver inaspettatamente anticipato in quasi settant'anni il celebre brano musicale minimalista “4′33″” di John Cage, che sono quattro “minuti e mezzo di silenzio”. Forse l'unica differenza tra Alphonse Allais ei suoi seguaci era che lui, esibendo il suo lavoro straordinariamente innovativo, non cercava affatto di sembrare un filosofo significativo o un serio scopritore.

6 Un dipinto astratto di Henri Matisse, La barca, è rimasto appeso a testa in giù nel Museo d'Arte Moderna per quarantasette giorni. Durante questo periodo, 116mila persone sono riuscite a vederlo.

Viene raffigurata una barca che naviga e il suo riflesso sulla superficie dell'acqua)) E devi guardarla ruotandola di 90 gradi
testo al passaggio del mouse
Wash, una meravigliosa illustrazione del vero "valore" di tale arte.

7 L'idea di raffigurare un orologio morbido è venuta a Salvador Dali quando ha visto il formaggio Camembert sciogliersi al sole.

8 Vincent van Gogh ha venduto un solo quadro in tutta la sua vita.

La tragica vita di Vincent van Gogh è popolare oggi come una sorta di leggenda sacra di cui le persone sembrano aver bisogno più dello splendore delle sue stelle e dei suoi girasoli. Un'esistenza affamata, quasi mendicante, piena di solitudine e disprezzo per gli altri, si è già trasformata in un clamore e interesse mondiale nel XX secolo. Durante la sua vita, Van Gogh ha venduto un solo dipinto ("Red Vineyards in Arles"), ed esattamente cento anni dopo, all'asta di Christie's a New York, il suo "Ritratto del dottor Gachet" è stato acquistato per 82,5 milioni di dollari (un record tra i dipinti). Sullo sfondo di questo culto malsano, si perde l'immagine dell'artista stesso, potente e vulnerabile allo stesso tempo, che ha concluso il suo drammatico viaggio sulla terra nella disperazione e nel suicidio. Van Gogh visse solo 37 anni, di cui solo gli ultimi sette e mezzo furono dedicati alla pittura. Tuttavia, il suo patrimonio creativo è sorprendente. Si tratta di circa un migliaio di disegni e quasi lo stesso numero di dipinti creati a seguito di eruzioni creative vulcaniche, quando Van Gogh dipingeva uno o due dipinti ogni giorno per lunghe settimane. Van Gogh è diventato l'ultimo vero grande artista della storia, un esempio irraggiungibile per gli altri, la cui arte disinteressata ed eroica, come una torcia, come un arcobaleno, ora risplende sull'umanità. I suoi dipinti sono uno straordinario dialogo pieno di amore e sofferenza - con se stessi, con Dio, con il mondo...

9 Edgar Degas ha dipinto circa 1.500 dipinti di ballerini. .

10 Dipinto di Ivan Aivazovsky “Caos. La creazione del mondo”, scritta sulla base della Bibbia, fu acquistata da Papa Gregorio XVI, che premiò l'artista con una medaglia d'oro.

I dipinti "italiani" di Aivazovsky, presentati alle mostre di Napoli e Roma, hanno portato riconoscimento e successo al pittore. I critici hanno scritto che nessuno aveva mai rappresentato la luce, l'aria e l'acqua in modo così vivido e autentico. L'artista inglese Joseph Mallord William Turner, che ha visitato una delle mostre in cui erano esposte le opere del pittore russo, è rimasto così scioccato da ciò che ha visto che gli ha dedicato una poesia:

Perdonami, grande artista, se sbaglio,
Prendere la tua foto per la realtà.
Ma il tuo lavoro mi ha affascinato,
E l'estasi si impossessò di me.
La tua arte è alta e monumentale,
Perché il genio ti ispira.

Creazione del mondo. Caos. 1841

L'opera più grande realizzata dal maestro in Italia è “La creazione del mondo. Chaos” (1841, Museo della Congregazione Armena Mkhitarista, Venezia).

Concentrandosi sull'abilità di Karl Petrovich Bryullov, Aivazovsky ha creato una tela, grandiosa nella sua espressività, raffigurante il confronto e allo stesso tempo il rapporto di due elementi primordiali: il cielo e l'acqua, che la luce divina illumina, trafiggendoli e unendoli. Quest'opera, che si basa sulle parole del libro della Genesi: “La terra era informe e vuota, e le tenebre riempivano l'abisso, e lo Spirito di Dio aleggiava sulle acque” fu molto apprezzata da Papa Gregorio XVI.

Grazie..

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