Prezentacja mistrzów malarstwa weneckiego. Prezentacja w Moskiewskim Teatrze Artystycznym na temat „Wenecka szkoła malarstwa”

Slajd 10

Andrea Palladio (1508-1580) został największym architektem Wenecji, którego styl wyróżnia doskonałość w konstrukcji starożytnych porządków, naturalna kompletność i ścisłe uporządkowanie kompozycji, przejrzystość i celowość planowania, komunikacja konstrukcje architektoniczne z otaczającą przyrodą.

slajd 11

Pałac Dożów w Wenecji

slajd 12

Pałac Dożów w Wenecji

Pałac mieścił nie tylko kwaterę główną głowy miasta Dożów. Ale także miasto i sale sądowe, więzienie. A także gigantyczna Hall del Maggiorio Consiglio - rezydencja wybranych przedstawicieli ludu weneckiego parlamentu.

Ażurowy ornament w formie kraty sprawia wrażenie orientalnego, ale otwieranie elewacji arkadami miało już w Wenecji długą tradycję, która osiągnęła swój szczyt w budowie późnogotyckich pałaców.

slajd 13

Slajd 14

Kad, Oro. Wenecja. 1421-1440

„Złoty Dom” – tak tłumaczy się Ca d’Oro – jeden z najstarszych budynków w Wenecji. Został zbudowany na zlecenie Mariino Contariniego, prokuratora katedry św. Marka. Jego nazwa wzięła się stąd, że pierwotny ornament i dekoracje rzeźbiarskie były pozłacane. Wrażenie potęgował fakt, że lśniący niebiesko-czerwony dom odbijał się w wodach kanału.

slajd 15

slajd 16

Slajd 17

Giovanni Bellini (ok. 1430-1516)

Za założyciela weneckiej szkoły malarstwa uważa się Giovanniego Belliniego (ok. 1430-1516), którego styl wyróżnia wyrafinowana szlachetność i promienny kolor. Stworzył wiele obrazów przedstawiających Madonny, prostych i poważnych, trochę zamyślonych i zawsze smutnych. Posiada szereg portretów współczesnych – wybitnych mieszkańców Wenecji, którzy marzyli o tym, by ujrzeć siebie uwiecznionych na płótnach wielkiego mistrza.

Slajd 18

Spójrzcie na niezwykle wyraziste rysy Doża Leonarda Loredano – szefa rządu Republiki Weneckiej. Skoncentrowany i spokojny doża jest przedstawiony z najdrobniejszymi szczegółami - od głębokich zmarszczek na starej twarzy po bogaty brokat ubrań. Wąskie rysy twarzy, mocno zaciśnięte usta zdradzają izolację jego natury. Zimne barwy szat ceremonialnych wyraźnie wyróżniają się na lazurowym tle. Artystce umiejętnie udało się ucieleśnić cechy człowieka, który przeszedł do historii jako prześladowca nauki i oświaty.

• Giovanniego Belliniego.
• Portret Doża Leonarda Loredano. 1501
• Galeria Narodowa, Londyn

Slajd 19

Bellini miał wielu uczniów, którym hojnie przekazał swoje bogate doświadczenie twórcze. Wśród nich wyróżniało się dwóch artystów – Giorgione i Tycjan.

Życie Giorgione (1476/1477-1510), owiane tajemnicą, było krótkie i jasne. Umiejętnościami rywalizował z samym Leonardem. Według Vasariego,

„natura obdarzyła go talentem tak lekkim i szczęśliwym, że jego kolorystyka w oleju i fresku była czasem żywa i jasna, czasem miękka, a równa i tak cieniowana w przejściach od światła; do cienia, który wielu ówczesnych mistrzów rozpoznało w nim artystę urodzonego po to, by tchnąć życie w postacie…”

Slajd 20

Giorgione. Judyta. 1502

slajd 21

Piękna i łagodna Judith wcale nie jest wojownicza. Jej wzrok jest skierowany na ziemię, aw pokornej pozie nie ma nawet śladu okrucieństwa i przemocy. Wręcz przeciwnie, postrzegana jest jako uosobienie najwyższej sprawiedliwości i miłosierdzia.

Czy artysta zapomniał o biblijnej historii? Jedyne, co o nim przypomina, to okropne trofeum, które Judith ostrożnie depcze nogą! Trudno nam uwierzyć, że ta kobieta mogła popełnić tak brutalne morderstwo. Judyta nie cieszy się ze zwycięstwa, zamyka oczy i słucha, uśmiechając się lekko kącikami ust. Ten uduchowiony obraz ma wszystko: czułość i godność, łagodność i żal, wewnętrzna siła i urok.

Nastrój obrazu wzmacnia liryczny pejzaż. Delikatne zwiewne tło, ledwo zaróżowione poranne niebo, potężny pień drzewa odcięty krawędzią kadru, starannie nakreślona roślinność mają na celu stworzenie elegijnego nastroju i zwrócenie uwagi aspekt psychologiczny legenda biblijna.

Giorgione. Judyta. 1502

slajd 22

Prawdziwym arcydziełem twórczości Giorgione jest „Śpiąca Wenus” – jedna z najdoskonalszych kobiece obrazy renesans. Wenus, starożytna bogini miłości i piękna, leży na ciemnoczerwonym kocu pośrodku pagórkowatej łąki.

Giorgione. Śpiąca Wenus. 1507"-1508

slajd 23

Giorgione. Śpiąca Wenus. 1507"-1508 Galeria sztuki, Drezno

Śpi spokojnie. Szczególna wzniosłość i czystość nadaje temu obrazowi obraz natury. Za Wenus na horyzoncie rozległe niebo z białymi chmurami, niski grzbiet błękitnych gór, łagodna ścieżka prowadząca na porośnięte roślinnością wzgórze. Strome urwisko, dziwaczny profil wzgórza, naśladujący zarysy postaci bogini, grupa pozornie niezamieszkałych budynków, trawy i kwiaty na łące są starannie wykonane przez artystę. Patrząc na to zdjęcie, chcę powtórzyć za A. S. Puszkinem:

Wszystko w nim jest harmonią, wszystko jest cudowne, Wszystko jest wyższe niż pokój i namiętności. Spoczywa nieśmiało W swej uroczystej urodzie.

Pod wrażeniem „Śpiącej Wenus” Giorgione artyści różnych pokoleń – Tycjan i Dürer, Poussin i Velasquez, Rembrandt i Rubens, Gauguin i Manet – tworzyli swoje prace na ten temat.

slajd 24

Artystyczny świat Tycjana

hiszpański artysta XVII V. Diego Velazquez napisał:

„W Wenecji - cała doskonałość piękna! Pierwsze miejsce daję malarstwu, którego chorążym jest Tycjan.

Tycjan żył długo (prawie sto lat!) (1477-1576) i zdobył światową sławę wraz z innymi tytanami Wielkiego Renesansu. Jego rówieśnikami byli Kolumb i Kopernik, Szekspir i Giordano Bruno. W wieku dziewięciu lat został wysłany do warsztatu mozaikarza, studiował w Wenecji u Belliniego, a później został asystentem Giorgione. Twórcze dziedzictwo artysty, który odznaczał się żywiołowym temperamentem i niezwykłą pracowitością, jest rozległe. Pracując w różnych gatunkach, potrafił oddać ducha i nastrój swojej epoki.

Slajd 25

Tycjanowski. Autoportret. 1567-1568 Prado, Madryt

slajd 26

Kim był Tycjan? Spójrz na jego autoportret (1567-1568), wykonany w wieku 90 lat. Widzimy wysokiego starca o dużych, męskich rysach. Zgarbił się lekko pod ciężarem ciemnego, plisowanego ubrania. Wąski pasek kołnierza wcina się jak belka w bujną srebrzystą brodę. Czarna czapka podkreśla intensywność jego mocnego profilu. Palce prawej ręki delikatnie ściskają delikatną dłoń. Niewątpliwie mamy naturę aktywną, twórczą, pełną pragnienia życia. Artysta pochylił się do przodu, jakby zaglądał w twarz rozmówcy. Majestatyczne i spokojne to przenikliwe spojrzenie człowieka mądrego życiowym doświadczeniem. Czarny strój jest bogaty i elegancki, harmonijnie łączy się ze srebrną gamą całości.

O mistrzowskim opanowaniu koloru przez Tycjana napisano wiele badań.

Autoportret. 67-1568 Prado, Madryt

„Pod względem koloru nie ma sobie równych… dotrzymuje kroku samej naturze. W jego obrazach kolor konkuruje i bawi się cieniami, jak to ma miejsce w samej naturze ”(L. Dolce).

Slajd 27

„Wenus z Urbino”

Wenus z Urbino, 1538

Galeria. Uffizi, Florencja

Slajd 28

„Wenus z Urbino” to prawdziwe arcydzieło artysty. Współcześni mówili o tym obrazie, że Tycjan, w przeciwieństwie do Giorgione, pod którego wpływem z pewnością był, „otworzył oczy Wenus i ujrzeliśmy mokre spojrzenie zakochanej kobiety, obiecujące wielkie szczęście”. Rzeczywiście, wyśpiewał promienne piękno kobiety, malując ją we wnętrzu bogatego weneckiego domu. W tle dwie pokojówki zajęte pracami domowymi: z wielkiej skrzyni wyjmują toalety dla swojej pani. U stóp Wenus, zwinięty w kłębek, drzemie mały piesek. Wszystko jest zwyczajne, proste i naturalne, a jednocześnie wzniośle symboliczne.

Slajd 29

Twarz kobiety leżącej na łóżku do spania jest piękna. Z dumą i spokojem patrzy wprost na widza, wcale nie zawstydzona swoją olśniewającą urodą. Na jej ciele prawie nie ma cieni, a wymięte prześcieradło tylko podkreśla wdzięczną harmonię i ciepło jej elastycznego ciała. Czerwona tkanina pod prześcieradłem, czerwona zasłona, czerwone ubranie jednej z pokojówek, dywany w tym samym kolorze tworzą gorący i drżący kolor.

Obraz jest pełen symboliki. Wenus jest boginią miłości małżeńskiej, mówi o tym wiele szczegółów. Wazon z mirtem na oknie symbolizuje stałość, róża w dłoni Wenus to znak długiej miłości, a pies zwinięty u jej stóp to tradycyjny symbol wierności.

slajd 30

„Pokutująca Maria Magdalena”

Obraz Tycjana „Pokutująca Maria Magdalena” przedstawia wielką grzesznicę, która kiedyś obmyła stopy Chrystusa łzami i została przez niego hojnie przebaczona. Odtąd aż do śmierci Jezusa Maria Magdalena go nie opuściła. Opowiadała ludziom o Jego cudownym Zmartwychwstaniu. Odkładając księgę Pisma Świętego, modli się żarliwie, wpatrując się w niebo. Jej zalaną łzami twarz, fale gęstych, rozwianych włosów, wyrazisty gest przyciśnięty do piersi piękna ręka, proste ubrania są malowane przez artystę z wielką starannością i wprawą. W pobliżu znajduje się szklany słój i czaszka – symboliczne przypomnienie o przemijaniu ziemskiego życia i śmierci. Ciemne burzowe niebo Góry Skaliste a drzewa kołyszące się na wietrze podkreślają dramatyzm tego, co się dzieje.

Pokutująca Maria Magdalena. Około 1565 roku Ermitaż państwowy, Sankt Petersburg

Slajd 31

slajd 32

„Portret młodzieńca w rękawiczce” – jedno z najlepszych dzieł Tycjana. Przeważająca surowa, ciemna tonacja ma za zadanie spotęgować uczucie niepokoju i napięcia. Wyrwane przez światło dłonie i twarz pozwalają przyjrzeć się portretowanej osobie z bliska. Niewątpliwie mamy przed sobą osobowość uduchowioną, którą cechuje inteligencja, szlachetność zarazem - gorycz wątpliwości i rozczarowań. W oczach młodzieńca pojawia się niespokojna refleksja nad życiem, zamęt psychiczny człowieka odważnego i zdecydowanego. Pełne napięcia spojrzenie „w głąb siebie” świadczy o tragicznej niezgodzie duszy, o bolesnym poszukiwaniu własnego „ja”.

W ostatnich latach swojego życia, opanowawszy do perfekcji elementy koloru, Tycjan pracował w szczególny sposób. Oto jak opisał to jeden z jego uczniów:

Slajd 33

Tycjan pracował w szczególny sposób. Oto jak opisał to jeden z jego uczniów:

„Tycjan pokrył swoje płótna kolorową masą, jakby służył… jako podkład pod to, co chciał wyrazić w przyszłości. Sam widziałem tak energicznie wykonane podobrazia, wykonywane gęsto nasyconym pędzlem bądź w tonacji czystej czerwieni, „co miało zarysować półton, bądź bielą. Tym samym pędzlem zanurzając go w czerwieni, potem czerni, potem żółci farbą, rozwinął relief Z tą samą wielką wprawą, przy pomocy zaledwie czterech kolorów, przywołał z zapomnienia obietnicę pięknej figury... Ostatnie retusze wykonał lekkimi pociągnięciami palców, wygładzając przejścia od najjaśniejsze rozjaśnienia do półtonów i wcieranie jednego tonu w drugi.Czasami tym samym palcem nakładał gruby cień na dowolny kąt, aby wzmocnić to miejsce…Pod koniec naprawdę więcej malował palcami niż pędzlem .

slajd 34

Semenkova Natalia Stanisławowna

MOU „Szkoła średnia Sosnowskaja”

Wyświetl wszystkie slajdy

Dziedzictwo weneckiej szkoły malarstwa to najjaśniejsza karta w historii włoskiego renesansu.

Wenecja była jednym z wiodących ośrodków kultury włoskiej. Jest uważana za jedną z głównych włoskich szkół malarstwa. Rozkwit szkoły weneckiej przypisuje się wiekom XV-XVI.
Co oznacza nazwa „szkoła wenecka”?
W tym czasie w Wenecji pracowało wielu ludzi włoscy artyści, zjednoczeni przez wspólne zasady artystyczne. Te zasady to jasne techniki kolorystyczne, posiadanie plastiku obraz olejny, zdolność dostrzegania afirmującego życie znaczenia natury i samego życia w jego najwspanialszych przejawach. Wenecjan charakteryzowało zamiłowanie do wszystkiego, co niepowtarzalne, emocjonalne bogactwo percepcji, podziw dla fizycznej, materialnej różnorodności świata. W czasach, gdy podzielone Włochy były rozdzierane przez konflikty, Wenecja prosperowała i cicho unosiła się na gładkiej powierzchni wód i przestrzeni życiowej, jakby nie zauważając całej złożoności bytu lub nie myśląc o niej szczególnie, w przeciwieństwie do Wysokiego Renesansu , którego kreatywność była karmiona przemyśleniami i złożonymi poszukiwaniami.
Niemało jest wybitnych przedstawicieli weneckiej szkoły malarstwa: Paolo Veneziano, Lorenzo Veneziano, Donato Veneziano, Catarino Veneziano, Niccolo Semitecolo, Jacobello Albereno, Nicolo di Pietro, Jacobello del Fiore, Jacopo Bellini, Antonio Vivarini, Bartolomeo Vivarini, Gentile Bellini, Giovanni Bellini, Giacometto Veneziano, Carlo Crivelli, Vittorio Crivelli, Alvise Vivarini, Lazzaro Bastiani, Carpaccio, Cima da Conegliano, Francesco di Simone da Santacroce, Tycjan, Giorgione, Palma Vecchio, Lorenzo Lotto, Sebastiano del Piombo, Jacopo Bassano, Tintoretto , Paolo Veronese.
Porozmawiajmy o kilku z nich.

Paolo Veneziano (przed 1333-po 1358)

Paolo Veneziano Madonna z Dzieciątkiem (1354), Luwr
Uważany jest za jednego z założycieli Wenecji Szkoła Artystyczna. Wszyscy w rodzinie Paolo Veneziano byli artystami: jego ojciec i synowie: Marco, Luca i Giovanni.

W twórczości Paolo Veneziano nadal występują cechy malarstwa bizantyjskiego: złote tło i jasne kolory, a później - cechy gotyckie.
Artysta stworzył własny warsztat plastyczny, w którym zajmował się głównie mozaikami, dekoracją katedr. Ostatnim sygnowanym dziełem artysty jest ołtarz koronacyjny.

Tycjan (1488/1490-1576)

Tycjan „Autoportret” (ok. 1567 r.)
Tycjan Vecellio to włoski malarz renesansu. Malował obrazy o tematyce biblijnej i mitologicznej, a także portrety. Już w wieku 30 lat dał się poznać jako najlepszy malarz w Wenecji.
Tycjan urodził się w rodzinie męża stanu i przywódcy wojskowego Gregorio Vecellio. Dokładna data jego urodzin nie jest znana.
W wieku 10 lub 12 lat Tycjan przybył do Wenecji, gdzie poznał przedstawicieli szkoły weneckiej i studiował u nich. Pierwszymi dziełami Tycjana, wykonanymi wspólnie z Giorgione, były freski w Fondaco dei Tedeschi, z których zachowały się tylko fragmenty.
Styl ówczesnego Tycjana jest bardzo podobny do stylu Giorgione, skończył nawet dla niego obraz, który pozostał niedokończony (Giorgione zmarł młodo na szalejącą wówczas w Wenecji zarazę).
Pędzel Tycjana należy do wielu portrety kobiet i obrazy Madonny. Są pełne siła życiowa, jasność uczuć i spokojną radość. Kolory są czyste i pełne kolorów. Słynne obrazy z tego okresu: „Madonna Cygańska” (ok. 1511 r.), „Miłość ziemska i miłość niebiańska” (1514 r.), „Kobieta z lustrem” (ok. 1514 r.).

Tycjan „Miłość ziemska i miłość niebiańska” Olej na płótnie, 118x279 cm, Galeria Boghese, Rzym
Ten obraz został zamówiony przez Niccolò Aurelio, sekretarza Rady Dziesięciu Republiki Weneckiej, jako prezent ślubny dla jego oblubienicy. Nowoczesna nazwa obrazy zaczęły być używane 200 lat później, a wcześniej to zrobiła różne tytuły. Wśród krytyków sztuki nie ma zgody co do fabuły. Na tle pejzażu zachodzącego słońca bogato ubrana Wenecjanka siedzi u źródła, trzymając w lewej ręce mandolinę, a naga Wenus trzyma misę ognia. Skrzydlaty amorek bawi się wodą. Wszystko na tym obrazie podlega poczuciu wszechogarniającej miłości i piękna.
Styl Tycjana rozwijał się stopniowo, gdy studiował dzieła wielkich mistrzów renesansu, Rafaela i Michała Anioła. Jego sztuka portretowa osiągnęła szczyt: był bardzo przenikliwy i wiedział, jak dostrzec i przedstawić sprzeczne cechy ludzkich charakterów: pewność siebie, dumę i godność, połączone z podejrzliwością, hipokryzją i oszustwem. Umiał znaleźć odpowiednie rozwiązanie kompozycyjne, pozę, wyraz twarzy, ruch, gest. Stworzył wiele obrazów o tematyce biblijnej.

Tycjan „Oto człowiek” (1543). Płótno, olej. 242x361 cm Kunsthistorisches Museum, Wiedeń
Ten obraz jest uważany za arcydzieło Tycjana. Jest napisana na podstawie ewangelicznej historii, ale artysta umiejętnie przenosi ewangeliczne wydarzenia na rzeczywistość. Piłat staje na stopniach schodów i słowami „to jest człowiek” zdradza Chrystusa, by rozszarpał go tłum, w którym znajdują się wojownicy i młodzieńcy ze szlacheckiej rodziny, jeźdźcy, a nawet kobiety z dziećmi. I tylko jedna osoba zdaje sobie sprawę z grozy tego, co się dzieje - młody człowiek w lewym dolnym rogu zdjęcia. Ale on jest nikim wobec tych, którzy mają władzę nad Chrystusem w tej chwili…
Pod koniec życia Tycjan rozwijał się Nowa technologia obraz. Farbę nanosił na płótno pędzlem, szpatułką i palcami. Do ostatnich arcydzieł artysty należą obrazy „Złożenie do grobu” (1559), „Zwiastowanie” (ok. 1564-1566), „Amor Wenus z zasłoniętymi oczami” (ok. 1560-1565), „Niosenie krzyża” (1560), „ Tarkwiniusza i Lukrecji” (1569-1571), „Św. Sebastian” (ok. 1570), „Koronacja cierniem” (ok. 1572-1576), „Pieta” (połowa lat 70. XVI wieku).
Obraz „Pieta” przedstawia Matkę Boską podtrzymującą ciało Chrystusa przy pomocy klęczącego Nikodema. Po ich lewej stronie stoi Maria Magdalena. Te figury tworzą idealny trójkąt. Rozważany jest obraz „Pieta”. Ostatnia praca artysta. Ukończył go Giacomo Palma Jr. Uważa się, że Tycjan przedstawił się na podobieństwo Nikodema.

Tycjan „Pieta” (1575-1576). Płótno, olej. 389x351 cm Galeria Akademii, Wenecja
W 1575 roku w Wenecji rozpoczyna się epidemia dżumy. Tycjan, zarażony przez syna, umiera 27 sierpnia 1576 r. Znaleziono go martwego na podłodze ze szczotką w dłoni.
Prawo wymagało spalenia ciał zmarłych na zarazę, ale Tycjana pochowano w weneckiej katedrze Santa Maria Gloriosa dei Frari.
Na jego grobie wyryte są słowa: „Tu spoczywa wielki Tycjan Vecelli –
rywal Zeusa i Apellesa”

Giorgione (1476/1477-1510)

Giorgione „Autoportret” (1500-1510)
Inny przedstawiciel weneckiej szkoły malarstwa; jeden z największych mistrzów późnego renesansu.
Jego pełne imię i nazwisko to Giorgio Barbarelli da Castelfranco, po małym miasteczku niedaleko Wenecji. Był uczniem Giovanniego Belliniego. Jako pierwszy z włoskich malarzy wprowadził pejzaż, piękny i poetycki, do obrazów religijnych, mitologicznych i historycznych. Działał głównie w Wenecji: malował tu ołtarze, wykonywał liczne zlecenia portretowe, dekorował swoim malarstwem skrzynie, szkatułki i fasady domów, zgodnie z ówczesnym zwyczajem. Zmarł na zarazę.
W swojej twórczości zauważają umiejętne opanowanie światła i koloru, umiejętność wykonywania płynnych przejść kolorystycznych i tworzenia miękkich konturów przedmiotów. Pomimo faktu, że zmarł bardzo młodo, wielu znanych weneckich artystów uważa się za jego uczniów, w tym Tycjana.
Jeden z najbardziej znane obrazy Giorgione jest uważany za „Judytę”. Nawiasem mówiąc, jest to jedyny obraz artysty znajdujący się w Rosji.

Giorgione „Judyta” (około 1504). Płótno (przetłumaczone z tablicy), olej. 144x68 cm Państwowe Muzeum Ermitażu, Sankt Petersburg
Jedna z wielu prac Dzieła wizualne Przez historia biblijna na temat historii Judyty i Holofernesa. Dowódca Holofernes, dowódca armii Nabuchodonozora, wykonał jego rozkaz „aby dokonać… pomsty na całej ziemi”. W Mezopotamii zniszczył wszystkie miasta, spalił wszystkie plony i zabił mężczyzn, a następnie oblegał małe miasto Betiluia, w którym mieszkała młoda wdowa Judyta. Dotarła do obozu asyryjskiego i uwiodła Holofernesa, a gdy dowódca zasnął, odcięła mu głowę. Armia bez wodza nie mogła oprzeć się mieszkańcom Vetilui i została rozproszona. Judith otrzymała namiot Holofernesa i wszystkie jego przybory jako trofeum i weszła do Vetiluji jako triumfatorka.
Giorgione stworzył nie krwawy, ale spokojny obraz: Judyta trzyma miecz w prawej ręce, a lewą opiera się o niski parapet. Jej lewa noga spoczywa na głowie Holofernesa. W oddali otwiera się spokojny krajobraz, symbolizujący harmonię natury.

Tintoretta (1518/19-1594)

„Autoportret” Tintoretta

Jego prawdziwe nazwisko to Jacopo Robusti. Był malarzem szkoły weneckiej późnego renesansu.
Urodził się w Wenecji i był nazywany Tintoretto (mały farbiarz) z zawodu ojca, który był farbiarzem (tintore). Wcześnie odkrył umiejętność malowania. Przez pewien czas był uczniem Tycjana.
Cechami wyróżniającymi jego twórczość była żywa dramaturgia kompozycji, śmiałość rysunku, swoista malowniczość w rozkładzie światła i cienia, ciepło i siła barw. Był hojny i nie zaborczy, mógł pracować za darmo dla swoich towarzyszy i zwracać sobie tylko koszty farb.
Ale czasami jego praca wyróżniała się pośpiechem, co można wytłumaczyć ogromną liczbą zamówień.
Tintoretto znany jest głównie z malarstwa historycznego, a także portretów, z których wielu zaskakuje kompozycją postaci, wyrazistością i siłą barw.
Tintoretto przekazał również swoim dzieciom swój talent artystyczny: jego córka, Marietta Robusti (1560-1590), była odnoszącą sukcesy malarką portretową. Syn, Domenico Robusti (1562-1637), był także artystą, utalentowanym portrecistą.

Tintoretto" Ostatnia Wieczerza» (1592-1594). Płótno, olej. 365x568 zobacz Kościół San Giorgio Maggiore, Wenecja
Obraz został namalowany specjalnie dla weneckiego kościoła San Giorgio Maggiore, gdzie znajduje się do dziś. Odważna kompozycja obrazu pomogła pomysłowo przedstawić ziemskie i boskie szczegóły. Fabuła płótna to ewangeliczny moment, w którym Chrystus łamie chleb i wypowiada słowa: „To jest Ciało moje”. Akcja toczy się w ubogiej tawernie, jej przestrzeń tonie w półmroku, a dzięki długiemu stołowi wydaje się nieograniczona. Artysta stosuje technikę kontrastu: na pierwszym planie po prawej stronie znajduje się kilka przedmiotów i postaci niezwiązanych z fabułą, a górna część płótna jest nasycona głęboką duchowością i mistycznym podnieceniem.
Poczucie zdumienia nie jest przyćmione widokiem uczty. Pomieszczenie wypełnia się nadprzyrodzonym światłem, głowy Chrystusa i apostołów otoczone są promiennymi aureolami. Przekątna stołu oddziela świat boski od świata ludzkiego.
To płótno jest uważane za ostatnie dzieło Tintoretta. Taka umiejętność jest dostępna tylko dojrzałemu artyście.

Miejska państwowa instytucja edukacyjna Bondarevskaya Liceum Kantemirowskiego Okręgu Miejskiego Obwodu Woroneskiego. SZKOŁA MALARSTWA W WENECJI Nauczyciel MKOU Bondarevskaya Liceum Ponomareva Natalya Nikolaevna

 Szkoła wenecka ma fundamentalne znaczenie dla sztuki malarskiej Włoch. Jego rozkwit przypada na XV-XVI wiek. Mistrzowie szkoły weneckiej w dużej mierze podążali za tradycjami renesansu. Obrazy tych artystów są bardzo malownicze, wyróżniają się niezwykłą plastycznością i barwnością.  Szkoła wenecka narodziła się w trzewiach XIV wieku. Łączyła w sobie cechy malarstwa bizantyjskiego i gotyckiego. Dzieła wczesnych mistrzów szkoły weneckiej wyróżniają się tym, że obrazy były płaskie, tła nieco abstrakcyjne, był ornament, kolory były czyste i jasne.

 Najbardziej znanymi przedstawicielami szkoły weneckiej byli Paolo i Lorenzo Veneziano  W XV wieku szkoła wenecka zwraca się ku tradycjom renesansu.

Giovanni Bellini Giovanni Bellini (ok. 1430-1516), drugi syn Jacopo Belliniego, jest najważniejszym artystą szkoły weneckiej, który położył podwaliny pod sztukę Wielkiego Renesansu w Wenecji.

Portret doża Leonardo Loredana jako weneckiego malarza Portret doża Leonardo Loredana został oficjalnie zamówiony przez Belliniego z Republiki. W utworze tym doża ukazany jest niemal frontalnie – wbrew dotychczasowej tradycji przedstawiania twarzy portretowanych z profilu, m.in. na medalach i monetach.

Ołtarz św. Hioba U stóp wysokiego tronu, na którym uroczyście zasiada Madonna z Dzieciątkiem, błogosławiąc przybyłych, aby się jej pokłonić, stoją muzyczne anioły (św. Hiob był uważany za jednego z mecenasów muzyki). Figurki są naturalnej wielkości. Bellini umieścił dwóch nagich świętych, Hioba i Sebastiana, na bokach tronu Maryi, obok nich – świętych Jana Chrzciciela, Dominika i Ludwika z Tuluzy. Architektura i wystrój apsydy, pokrytej złotą smaltą, przywodzą na myśl katedrę św. Marka. Na złotym tle wyraźnie odczytane są słowa: „Ave, czysty kwiecie dziewicy

Giorgione  Giorgione „Autoportret” (1500-1510) Kolejny przedstawiciel weneckiej szkoły malarstwa; jeden z największych mistrzów późnego renesansu. Jego pełne imię i nazwisko to Giorgio Barbarelli da Castelfranco, po małym miasteczku niedaleko Wenecji. Był uczniem Giovanniego Belliniego. Jako pierwszy z włoskich malarzy wprowadził pejzaż, piękny i poetycki, do obrazów religijnych, mitologicznych i historycznych.

Judyta  Judyta lub Judyta (hebr. z Asyryjczyków. Po oblężeniu jej rodzinnego miasta przez wojska asyryjskie przebrała się i udała do obozu wrogów, gdzie zwróciła na siebie uwagę dowódcy. Kiedy się upił i zasnął, odcięła mu głowę i przywiozła ją do rodzinnego miasta, które okazało się być

Śpiąca Wenus w tym dziele, z wielką humanistyczną pełnią i niemal starożytną wyrazistością, objawił się ideał jedności fizycznego i duchowego piękna człowieka. Zaskakująco czysta, mimo swej nagości, „Śpiąca Wenus” jest w najpełniejszym sensie alegorią, symbolicznym obrazem Natury.

Burza . Głównym bohaterem tego obrazu jest burza. Artysta wziął tło do blasku strzały przypominającej błyskawicę, która niczym wąż błysnęła w powietrzu. Bezpośrednio po prawej i lewej stronie na pierwszym planie znajdują się postacie kobiet i mężczyzn. Kobieta karmi dziecko. Prawie nie ma na sobie ubrania. Obraz jest pełen różnorodności. Dzika przyroda daje o sobie znać wszędzie http://opisanie-kartin.com m/opisanie-kartiny-dzhordz hone-g

Tycjan Tycjan „Autoportret” (ok. 1567) Tycjan Vecheillio – włoski malarz renesansu. Malował obrazy o tematyce biblijnej i mitologicznej, a także portrety. Już w wieku 30 lat dał się poznać jako najlepszy malarz w Wenecji. Tycjan urodził się w rodzinie męża stanu i przywódcy wojskowego Gregorio Vecellio. Dokładna data jego urodzin nie jest znana. W wieku 10 lub 12 lat Tycjan przybył do Wenecji, gdzie poznał przedstawicieli szkoły weneckiej i studiował u nich. Pierwsze prace

Miłość ziemska i niebiańska  Fabuła obrazu wciąż budzi kontrowersje wśród historyków sztuki. Według XIX-wiecznego wiedeńskiego historyka sztuki Franza Wickhoffa scena ta przedstawia spotkanie Wenus i Medei, którą bogini namawia do pomocy Jazonowi. Według innej wersji fabuła została zapożyczona z popularnej wówczas książki Francesca Colonny Hypnerotomachia Poliphila.  Na tle zachodzącego słońca pejzażu bogato ubrana Wenecjanka siedzi u źródła, trzymając w lewej ręce mandolinę i nagą Wenus trzymającą misę ognia. Według S. Zuffi ubrana dziewczyna uosabia miłość w małżeństwie; o małżeństwie świadczy kolor sukni (biały), pasek, rękawiczki na dłoniach, mirtowy wieniec wieńczący głowę, rozpuszczone włosy i róże. W tle przedstawiona para królików - życzenie dużego potomstwa. To nie jest portret Laury Bagarotto, ale alegoria szczęśliwego małżeństwa.  / /

Bachus i Ariadna  Ariadna, porzucona przez Tezeusza na wyspie Naksos, przybyła, by pocieszyć Bachusa. Tycjan przedstawia moment pierwszego spotkania bohaterów. Bachus wychodzi z zarośli ze swoją liczną świtą i pędzi do Ariadny, która się go boi. W tej złożonej kompozycyjnie scenie wszystkie postacie i ich działania są wyjaśnione przez starożytne teksty. Orszak Bachusa odprawia swoje rytuały: jeden satyr demonstruje, jak owijają się wokół niego węże, inny macha nogą cielęcia, a mały satyr ciągnie za sobą głowę zwierzęcia.

Pokutująca Maria Magdalena  Tiziano Vecellio swoje dzieło „Pokutująca Maria Magdalena” namalował na zamówienie w latach 60. XVI wieku. Modelką obrazu była Giulia Festina, która uderzyła artystę burzą złotych włosów. Gotowe płótno wywarło wielkie wrażenie na księciu Gonzagi i postanowił zamówić jego kopię. Później Tycjan, zmieniając tło i pozując kobiety, namalował jeszcze kilka podobnych prac.

Święty Sebastian  „Święty Sebastian” to jedno z najlepszych dzieł malarza. Sebastian Tycjana to dumny chrześcijański męczennik, który według legendy został zastrzelony z łuku z rozkazu cesarza Dioklecjana za odmowę czczenia pogańskich bożków. Potężne ciało Sebastiana jest ucieleśnieniem siły i buntu, jego spojrzenie nie wyraża fizycznej udręki, ale dumne wyzwanie rzucone dręczycielom. Niepowtarzalny efekt mieniącego się koloru Tycjan osiągnął nie tylko za pomocą palety barw, ale również za pomocą faktury farb, reliefu kresek

„Oto człowiek” Ten obraz jest uważany za arcydzieło Tycjana. Jest napisana na podstawie ewangelicznej historii, ale artysta umiejętnie przenosi ewangeliczne wydarzenia na rzeczywistość. Piłat staje na stopniach schodów i słowami „to jest człowiek” zdradza Chrystusa, by rozszarpał go tłum, w którym znajdują się wojownicy i młodzieńcy ze szlacheckiej rodziny, jeźdźcy, a nawet kobiety z dziećmi. I tylko jedna osoba zdaje sobie sprawę z grozy tego, co się dzieje – młody mężczyzna po lewej 1543). Płótno, olej. 242x361 cm Kunsthistorisches Museum, Wiedeń

Ostatnia wieczerza Obraz został namalowany specjalnie dla weneckiego kościoła San Giorgio Maggiore, gdzie znajduje się do dziś. Odważna kompozycja obrazu pomogła pomysłowo przedstawić ziemskie i boskie szczegóły. Fabuła płótna to ewangeliczny moment, w którym Chrystus łamie chleb i wypowiada słowa: „To jest Ciało moje”. Akcja toczy się w biednej tawernie,

Paolo Veronese aolo Veronese urodził się w 1528 roku w Weronie. Był piątym synem w rodzinie. Studiował u swojego wuja, weneckiego malarza Badile, pracował w Weronie i Mantui. W 1553 roku Veronese dekorował Pałac Dożów. W wieku 27 lat został wezwany do Wenecji do dekoracji zakrystii kościoła Stasenko. W 1560 r. Veronese odwiedza Rzym, gdzie we wsi Maser koło Vicenzy maluje św. Weronikę. W 1566 ożenił się z córką swojego nauczyciela Antonio Badile. W 1573 Veronese został oskarżony przez sąd inkwizycji, ale zdołał się usprawiedliwić i został zmuszony dopiero

Opłakiwanie Chrystusa Uczynił kompozycję zwięzłą i prostą, co zwiększyło wyrazistość jej trzech postaci: Chrystusa zmarłego, pochylonej nad nim Matki Bożej i anioła. Miękkie, stonowane kolory łączą się w piękną gamę odcieni zielonkawych, liliowo-wiśniowych, szaro-białych, delikatnie mieniących się w światłach i niejako blaknących w cieniu. Veronese napisał Lamentację dla kościoła San Giovanni e Paolo w Wenecji w latach 1576-1582. W pierwszej połowie XVII wieku kupili go m.in