Zagraj w świętego sansa. Zabawny i edukacyjny blog „koktajl”: Camille Saint-Saens
, Algieria) – francuski kompozytor, organista i pianista, krytyk muzyczny I osoba publiczna. Członek (1881), doktor honoris causa Uniwersytetu w Cambridge (1893), członek honorowy petersburskiego oddziału Rosyjskiego Towarzystwa Muzycznego (1909)
- Kompozycje na organy
1.5. Prace wokalne
- Piosenki i romanse oparte na wierszach autorów francuskich
1.6. dzieła literackie
- „Harmonia i melodia” (1885),
- „Portrety i wspomnienia” (1900),
- „Sztuczki” (1913),
- „Germanofilia” (1916).
2. Multimedialne
Literatura
- Rolland R., K. Saint-Saens w swojej książce: Muzycy naszych czasów, Sobr. soch., t. 16, L., 1935; Kremlew Yu., K. Saint-Saens, M., 1970; Harding J., Saint-Sa?ns i jego krąg, L., .
- Schönberg, Harold C. Żywoty wielkich kompozytorów.- WW Norton & Company, 1997. ISBN 0-393-03857-2 .
- Michael Stegemann: Camille Saint-Saens i Francuski koncert solowy od 1850 do 1920. Portland OR: Amadeus Press, 1991. ISBN 0-931340-35-7
- Saint-Saens, Camille Hugh Macdonald, w „The New Grove Dictionary of Opera”, wyd. Stanley Sadie (Londyn, 1992) ISBN 0-333-73432-7
Charles-Camille Saint-Saens (francuski Charles-Camille Saint-Saëns; 9 października 1835, Paryż - 16 grudnia 1921, Algieria) -
Francuski kompozytor, organista, dyrygent, pianista, krytyk i pedagog. Do najsłynniejszych dzieł kompozytora należą: Introdukcja i Rondo Capriccioso, II Koncert fortepianowy, Koncert na wiolonczelę i fortepian nr 1 i nr 3, poemat symfoniczny „Taniec śmierci”, opera „Samson i Dalila”, III Symfonia i suita „Karnawał zwierząt”.
karnawał zwierząt
Bardzo słynne dzieło Saint-Saens - „Karnawał zwierząt” (1887), choć wykracza poza gatunek muzyka kameralna, skomponowana na zespół 11 muzyków, aw Grove Dictionary odnosi się do twórczości kameralnej kompozytora. W artykule czytamy, że „Karnawał” to „najwspanialsze dzieło o charakterze komicznym, w którym można usłyszeć parodię Offenbacha, Berlioza, Mendelssohna, Rossiniego, własnego Tańca śmierci Saint-Saensa, a także parodię innego słynna muzyka».
Uznając to dzieło jedynie za muzyczny żart, Saint-Saens za życia zabronił jego publikowania, nie chcąc być uważanym za autora „niepoważnej” muzyki.
Jedyną częścią suity, którą Saint-Saëns zezwolił na publikację i wykonanie, był utwór „Łabędź” na wiolonczelę i fortepian: jeszcze za życia kompozytora na stałe wszedł do repertuaru wiolonczelistów.
umierający łabędź
Numer baletowy „Umierający łabędź” został wystawiony przez MM Fokin dla Anny Pawłowej w 1907 roku.
Łabędź żyje całym życiem w dwie i pół minuty, a w kolejnych odsłonach Fokin nazwał szkic choreograficzny dramaturgią całego baletu Umierający łabędź, choć w finale utwór muzyczny Saint-Saens nie miał tragicznego końca. Saint-Saens był zaskoczony taką interpretacją: w jego sztuce łabędź nie umiera, a muzyka jest napisana w tonacji durowej (G-dur).
„Łabędź” (balet filmowy 1975). Maya Plisetskaya zaczęła wykonywać ten numer od szesnastego roku życia, choreografia S. M. Messerera.
Kankan i żółwie
Bardzo słynna melodia dla tańca „kankanem” był „Infernal galop” (z francuskiego - „galop infernal / galop piekła”) kompozytora Jacquesa Offenbacha z operetki „Orfeusz w piekle”: wraz z jego produkcją w 1858 roku taniec trafił na dużą scenę.
Parodią kankana Offenbacha są czterokrotnie spowolnione „Żółwie” z „Karnawału zwierząt” Saint-Saensa.
Kamila Saint-Saensa. Główne prace (7)
Najbardziej słynne pisma. Jeśli nie znalazłeś go na liście słynna kompozycja, prosimy o zaznaczenie tego w komentarzach, abyśmy mogli dodać pracę do listy.
Prace uszeregowane są według popularności (rozpoznawalności) - od najpopularniejszej do najmniej popularnej. W celu zapoznania się z najsłynniejszym fragmentem każdej melodii.
- № 1:
Camille Saint-Saens „Taniec śmierci”
Muzyka klasycznaKończy transfer „Co? Gdzie? Kiedy?”
- № 3:
Camille Saint-Saens „Karnawał zwierząt. Łabędź”
Muzyka klasyczna
Słynny „Umierający łabędź”. Numer stał się sławny w wykonaniu Anny Pavlovej, a następnie Mayi Plisetskiej
- № 4:
Camille Saint-Saens „Karnawał zwierząt. Finał”
Muzyka klasyczna
Carnival of the Animals (fr. Le carnaval des animaux) to suita („fantazja zoologiczna”) na zespół instrumentalny Camille'a Saint-Saensa, jedna z jego najpopularniejszych kompozycji.
Charles Camille Saint-Saens(fr. Charles-Camille Saint-Sans; 9 października 1835, Paryż - 16 grudnia 1921, Algieria) - francuski kompozytor, organista, dyrygent, pianista, krytyk i pedagog.
Do najsłynniejszych dzieł kompozytora należą: Introdukcja i Rondo Capriccioso (1863), II Koncert fortepianowy (1868), Koncert na wiolonczelę i fortepian nr 1 (1872) i nr 3 (1880), poemat symfoniczny „Taniec śmierci” (1874), operę „Samson i Dalila” (1877), III Symfonię (1886) i suitę „Karnawał zwierząt” (1887).
Biografia
Camille Saint-Saens urodził się w Paryżu. Ojciec kompozytora, Victor Saint-Saens, był Normanem i służył w Ministerstwie Spraw Wewnętrznych, jego żona pochodziła z Haute-Marne. Camille urodziła się przy Rue du Patio w szóstej dzielnicy Paryża i została ochrzczona w pobliskim kościele Saint-Sulpice. Niecałe dwa miesiące po chrzcie Victor Saint-Saens zmarł z powodu gruźlicy w pierwszą rocznicę swojego małżeństwa. Mały Camille został wywieziony z kraju w celu poprawy jego zdrowia i przez dwa lata mieszkał z pielęgniarką 29 kilometrów na południe od Paryża w miejscowości Corbeil. Kiedy Saint-Saens wrócił do Paryża, był wychowywany przez matkę i cioteczną babkę, Charlotte Masson. Zanim Kamil skończył trzy lata, miał ton absolutny. Podstaw gry na fortepianie uczyła go cioteczna babka, aw wieku siedmiu lat Saint-Saëns został uczniem Camille Stamati, byłego ucznia Friedricha Kalkbrennera.
Jako dziecko Camille dawał okazjonalne koncerty dla młodych słuchaczy w wieku od pięciu do dziesięciu lat, kiedy to miał swój oficjalny publiczny debiut w Salle Pleyel z programem obejmującym Koncert fortepianowy (K450) Mozarta i III Koncert dla fortepian i orkiestrę Beethovena. Koncert okazał się wielkim sukcesem, o czym świadczy fakt, że Saint-Saens zagrał program z pamięci (co było nietypowe dla tej epoki). Camille Stamati poleciła Saint-Saensa kompozytorowi Pierre'owi Maledanowi, którego Saint-Saens nazwał później „niezrównanym nauczycielem”, oraz organiście Alexandre'owi Pierre'owi François Boely'emu. To Boel zaszczepił w Saint-Saens miłość do mało znanej wówczas we Francji muzyki Bacha. Oprócz muzyki młody Saint-Saens żywo interesuje się francuską historią, literaturą, filozofią, religią, starożytnymi językami oraz naukami przyrodniczymi - matematyką, astronomią i archeologią. Zachowa zainteresowanie nimi przez całe życie.
W 1848 roku, w wieku 13 lat, Saint-Saens wstąpił do Konserwatorium Paryskiego. Sprowadził go dyrektor Daniel Aubert, który objął w 1842 r. po Luigim Cherubinim pozytywne zmiany jednak w tryb uczenia się konspekt pozostał bardzo konserwatywny. Studenci nawet wybitni pianiści, podobnie jak Saint-Saensowi, zaproponowano drugą specjalizację w dziedzinie organisty, ponieważ kariera organisty kościelnego dawała więcej możliwości niż kariera pianisty. Jego nauczycielem gry na organach był profesor François Benois, którego Saint-Saens uważał za przeciętnego organistę, ale nauczyciela pierwszej klasy. Do uczniów Benois należeli Adolphe Adam, César Franck, Charles Alkan i Georges Bizet. W 1851 roku Saint-Saëns zdobył główną nagrodę Konserwatorium dla organistów iw tym samym roku rozpoczął nauczanie kompozycji. Jego profesorem był protegowany Cherubiniego, Fromental Halévy, którego uczniami byli Charles Gounod i Georges Bizet.
Spośród prac studenckich Saint-Saensa na uwagę zasługuje Symfonia A-dur, napisana w 1850 roku. W 1852 Saint-Saens rywalizował o rzymską nagroda Muzyczna, ale bezskutecznie. Aubert uważał, że Saint-Saëns powinien był zdobyć nagrodę jako muzyk o większym potencjale niż zwycięzca, którym został Leons Cohen. W tym samym roku Saint-Saens odniósł wielki sukces w konkursie zorganizowanym przez Towarzystwo św. Cecylii w Paryżu, gdzie wykonano jego „Odę do św. Cecylii”, za którą sędziowie jednogłośnie przyznali Saint-Saensowi pierwszą nagrodę.
Wczesna praca
Po ukończeniu konserwatorium w 1853 roku Saint-Saens przyjął posadę organisty w starożytnej paryskiej świątyni Saint-Merry, znajdującej się w pobliżu ratusza. Parafia była znacząca i liczyła około 26 000 parafian; zwykle odbywało się ponad dwieście ślubów rocznie, przy których pobierano opłatę za organistę. Za usługi organisty na pogrzebie pobierano też opłatę, a to wszystko, wraz ze skromnym stypendium podstawowym, dawało Saint-Saensowi niezłe dochody. Organy stworzone przez François-Henri Clicquota zostały poważnie zniszczone w okresie po Wielkim rewolucja Francuska i nie jest dobrze odrestaurowany. Instrument nadawał się do nabożeństw, ale nie do wystawnych koncertów, które odbywały się w wielu paryskich kościołach.
Francuski kompozytor, organista, dyrygent, pianista, krytyk i pedagog
krótki życiorys
Charles Camille Saint-Saens(Francuski Charles-Camille Saint-Saëns [ʃaʁl kamij sɛ̃sɑ̃s]; 9 października 1835, Paryż - 16 grudnia 1921, Algier) - francuski kompozytor, organista, dyrygent, pianista, krytyk i pedagog.
Najsłynniejsze dzieła kompozytora: Introdukcja i Rondo Capriccioso (1863), II Koncert fortepianowy (1868), Koncert na wiolonczelę i fortepian nr 1 (1872) i nr 3 (1880), poemat symfoniczny „Taniec śmierci” ( 1874), operę „Samson i Dalila” (1877), III Symfonię (1886) i suitę „Karnawał zwierząt” (1887).
Camille Saint-Saens urodził się w Paryżu. Ojciec kompozytora, Victor Saint-Saens, był Normanem i służył w Ministerstwie Spraw Wewnętrznych, jego żona pochodziła z Haute-Marne. Camille urodziła się przy Rue du Patio w szóstej dzielnicy Paryża i została ochrzczona w pobliskim kościele Saint-Sulpice. Niecałe dwa miesiące po chrzcie Victor Saint-Saens zmarł na gruźlicę w pierwszą rocznicę swojego małżeństwa. Mały Camille został wywieziony z kraju w celu poprawy jego zdrowia i przez dwa lata mieszkał z pielęgniarką 29 kilometrów na południe od Paryża w miejscowości Corbeil. Kiedy Saint-Saens wrócił do Paryża, był wychowywany przez matkę i cioteczną babkę, Charlotte Masson. Zanim Kamil skończył trzy lata, pokazał doskonały słuch. Podstaw gry na fortepianie uczyła go cioteczna babka, aw wieku siedmiu lat Saint-Saëns został uczniem Camille Stamati, byłego ucznia Friedricha Kalkbrennera.
Jako dziecko Camille dawał okazjonalne koncerty dla młodych słuchaczy w wieku od pięciu do dziesięciu lat, kiedy to miał swój oficjalny publiczny debiut w Salle Pleyel z programem obejmującym Koncert fortepianowy (K450) Mozarta i III Koncert dla fortepian i orkiestrę Beethovena. Koncert okazał się wielkim sukcesem, o czym świadczy fakt, że Saint-Saens zagrał program z pamięci (co było nietypowe dla tej epoki). Camille Stamati poleciła Saint-Saensa kompozytorowi Pierre'owi Maledanowi, którego Saint-Saens nazwał później „niezrównanym nauczycielem”, oraz organiście Alexandre'owi Pierre'owi François Boely'emu. To właśnie Boely zaszczepił w Saint-Saens miłość do mało znanej wówczas we Francji muzyki Bacha. Oprócz muzyki młody Saint-Saens żywo interesuje się francuską historią, literaturą, filozofią, religią, starożytnymi językami oraz naukami przyrodniczymi - matematyką, astronomią i archeologią. Zachowa zainteresowanie nimi przez całe życie.
W 1848 roku, mając zaledwie 13 lat, Saint-Saens wstąpił do Konserwatorium Paryskiego. Dyrektor Daniel Aubert, który objął w 1842 r. po Luigim Cherubinim, przyniósł pozytywne zmiany w systemie nauczania, choć program nauczania pozostał bardzo konserwatywny. Studentów, nawet tak wybitnych pianistów jak Saint-Saens, zachęcano do podjęcia drugiej specjalizacji organisty, ponieważ kariera organisty kościelnego dawała więcej możliwości niż kariera pianisty. Jego nauczycielem gry na organach był profesor François Benois, którego Saint-Saens uważał za przeciętnego organistę, ale nauczyciela pierwszej klasy. Do uczniów Benois należeli Adolphe Adam, César Franck, Charles Alkan i Georges Bizet. W 1851 roku Saint-Saëns zdobył główną nagrodę Konserwatorium dla organistów iw tym samym roku rozpoczął nauczanie kompozycji. Jego profesorem był protegowany Cherubiniego, Fromental Halévy, którego uczniami byli Charles Gounod i Georges Bizet.
Spośród prac studenckich Saint-Saensa na uwagę zasługuje Symfonia A-dur, napisana w 1850 roku. W 1852 Saint-Saëns rywalizował o Prix de Rome, ale nie powiodło się. Aubert uważał, że Saint-Saëns powinien był zdobyć nagrodę jako muzyk o większym potencjale niż zwycięzca, którym został Leons Cohen. W tym samym roku Saint-Saens odniósł wielki sukces w konkursie zorganizowanym przez Towarzystwo św. Cecylii w Paryżu, gdzie wykonano jego „Odę do św. Cecylii”, za którą sędziowie jednogłośnie przyznali Saint-Saensowi pierwszą nagrodę.
Wczesna praca
Po ukończeniu konserwatorium w 1853 roku Saint-Saens przyjął posadę organisty w starożytnej paryskiej świątyni Saint-Merry, znajdującej się w pobliżu ratusza. Parafia była znacząca i liczyła około 26 000 parafian; zwykle odbywało się ponad dwieście ślubów rocznie, przy których pobierano opłatę za organistę. Za usługi organisty na pogrzebie pobierano też opłatę, a to wszystko, wraz ze skromnym stypendium podstawowym, dawało Saint-Saensowi niezłe dochody. Organy, stworzone przez François-Henri Clicquot, zostały poważnie zniszczone w okresie po rewolucji francuskiej i nie zostały dobrze odrestaurowane. Instrument nadawał się do nabożeństw, ale nie do wystawnych koncertów, które odbywały się w wielu paryskich kościołach.
Duża ilość wolnego czasu pozwoliła Saint-Saensowi nie tylko kontynuować karierę pianisty i kompozytora, ale także napisać dzieło, które stało się jego op.2 - Symfonię nr 1 Es-dur (1853). Ten utwór, z fanfarami wojskowymi i rozszerzonymi instrumentami dętymi dętymi i grupa uderzeniowa, był bliski gustom i nastrojom ówczesnej publiczności: dojścia do władzy Napoleona III i odbudowy cesarstwa francuskiego. Symfonia przyniosła kompozytorowi kolejną pierwszą nagrodę Towarzystwa św. Cecylii. Do muzyków, którzy od razu dostrzegli talent Saint-Saensa, należeli kompozytorzy Gioacchino Rossini, Hector Berlioz i Franciszek Liszt, a także Słynny piosenkarz Paulina Viardot. Wszyscy wspierali kompozytora w jego twórczości. Na początku 1858 roku Camille Saint-Saens przeniósł się z Saint-Merry, aby zostać organistą kościoła św. Magdaleny, oficjalnego kościoła Cesarstwa. Kiedy po raz pierwszy usłyszał Saint-Saensa grającego na organach, Liszt ogłosił go największym organistą na świecie.
Chociaż w późniejszym życiu był znany jako muzyczny konserwatysta, w latach pięćdziesiątych XIX wieku Saint-Saëns wspierał i zachęcał do muzyki najnowocześniejszej, w tym Liszta, Roberta Schumanna i Wagnera. W przeciwieństwie do wielu francuskich kompozytorów jego i późniejszych pokoleń, Saint-Saens, przy całej swojej pasji i znajomości oper Wagnera, nie znalazł się pod jego wpływem we własnych kompozycjach. Powiedział: „Głęboko podziwiam dzieła Ryszarda Wagnera, pomimo ich kapryśnego charakteru. Mają większą moc i to mi wystarczy. Ale nigdy nie byłem i nigdy nie będę wyznawcą religii wagnerowskiej”.
1860
W 1861 roku Saint-Saens został przyjęty jako nauczyciel w École de Musique Classique et Religieuse w Paryżu, założonej przez Louisa Niedermeyera w 1853 roku w celu szkolenia pierwszorzędnych organistów i dyrygentów chórów dla kościołów Francji. Sam Niedermeyer był profesorem fortepianu; kiedy zmarł w marcu 1861 roku, Saint-Saens został mianowany profesorem fortepianu. Zszokował niektórych swoich bardziej rygorystycznych kolegów, włączając muzykę współczesną, w tym utwory Schumanna, Liszta i Wagnera, do procesu uczenia się. Jego najsłynniejszy uczeń, Gabriel Faure, wspominał na starość: „Odsłonił nam te dzieła mistrzów, które były dla nas niedostępne ze względu na ścisły klasyczny charakter naszego programu nauczania, zresztą dzieła te były mało znane w tamtych odległych latach .<…>Miałem wtedy 15 lub 16 lat i od tego czasu zaczyna się moja prawie synowska miłość.<…>wielki podziw, nieustająca wdzięczność dla niego przez całe życie.
W tym samym czasie Saint-Saens zaczął komponować suitę Carnival of the Animals, którą zamierzał wykonać ze swoimi uczniami, ale ukończył ją dopiero w 1886 roku, ponad dwadzieścia lat po opuszczeniu szkoły Niedermeier.
W 1864 roku Saint-Saëns wywołał publiczną konsternację, rywalizując po raz drugi o Prix de Rome. Wielu w kręgach muzycznych było zdziwionych jego decyzją o ponownym przystąpieniu do konkursu, kiedy miał już dobrą reputację jako solista i kompozytor. Ale i tym razem mu się nie udało. Berlioz, który był jednym z jurorów, napisał: „Daliśmy Prix de Rome młodemu człowiekowi, który nie spodziewał się wygranej i prawie oszalał z radości. Wszyscy spodziewaliśmy się, że nagroda trafi do Camille Saint-Saens. Wyznaję, że żałowałem, że głosowałem przeciwko człowiekowi, który jest naprawdę wielkim artystą, znanym, prawie sławnym. Ale inny zawodnik, będąc jeszcze studentem, ma w sobie wewnętrzny ogień, natchnienie, czuje, że potrafi to, czego inni nie potrafią… Głosowałem więc na niego, wzdychając na myśl o nieszczęściu, jakie ta strata przyniesie Saint-Saensowi . Ale cóż, trzeba być szczerym”. O tym odcinku słynne powiedzenie Berlioz o Saint-Saensie: „Wie wszystko, ale brakuje mu doświadczenia”. Zwycięzca Prix de Rome, Victor Sieg, nie zrobił w swojej karierze nic bardziej znanego niż to zwycięstwo w 1852 roku, ale biograf Saint-Saënsa, Brian Reese, sugeruje, że sędziowie mogli „szukać w nim oznak geniuszu (Victor Sieg), wierząc, że Saint „Sans osiągnął już szczyt doskonałości”.
Po odejściu Saint-Saënsa ze szkoły Niedermeiera w 1865 roku kontynuował z wielką wytrwałością karierę pianisty i kompozytora. W 1867 roku jego kantata Wesele Prometeusza zdobyła nagrodę im Międzynarodowy Konkurs w Paryżu. W jury konkursu zasiedli Aubert, Berlioz, Gounod, Rossini i Verdi. W 1868 roku odbyło się prawykonanie pierwszego z jego dzieł orkiestrowych, które zajęło stałe miejsce w repertuarze pianistycznym - II Koncertu fortepianowego. Wykonując tę i inne prace, stał się znaną postacią w życie muzyczne Paryż i inne miasta we Francji, a także za granicą w latach sześćdziesiątych XIX wieku.
1870
W latach siedemdziesiątych XIX wieku Saint-Saens zaczął występować jako krytyk. Jego publikacje (nie tylko nt motywy muzyczne), pisane żywym, barwnym językiem i odznaczające się umiejętnością polemiki z przeciwnikami (w tym przede wszystkim z Vincentem d'Andym), cieszyły się dużym zainteresowaniem czytelników. Po wzięciu udziału w festiwalu w Bayreuth w 1876 roku Saint-Saens napisał siedem obszernych artykułów na temat twórczości Wagnera.
W 1870 r. obawy o dominację muzyka niemiecka oraz brak możliwości dla młodych francuskich kompozytorów skłonił Saint-Saensa i profesora śpiewu Romaina Bussina do dyskusji na temat założenia stowarzyszenia promującego nową muzykę francuską. Ale Wojna francusko-pruska pokrzyżował im plany. Podczas wojny Saint-Saens służył w Gwardii Narodowej i szczęśliwie uniknął czasowej emigracji do Anglii. Z pomocą George'a Grove'a i innych kompozytor mógł wówczas zarabiać na koncertach. Po powrocie do Paryża w 1871 roku Saint-Saëns stwierdził, że nastroje antyniemieckie były powszechne i było wielu zwolenników utworzenia francuskiego towarzystwa muzycznego. Krajowy towarzystwo muzyczne została utworzona w lutym 1871 roku z Bussinem jako prezesem, Saint-Saensem jako wiceprezesem i Fauré, Franckiem, Massenetem wśród założycieli. Towarzystwo postawiło sobie za zadanie rozwój współczesnej muzyki francuskiej oraz wykonywanie dzieł kompozytorów żyjących.
W 1871 roku odbyły się pierwsze koncerty Saint-Saensa w Londynie: grał w obecności królowej Wiktorii, studiował rękopisy Haendla, przechowywane w bibliotece Pałacu Buckingham.
Jako fan nowatorskich poematów symfonicznych Liszta, Saint-Saëns z entuzjazmem przyjął tę formę muzyczną; jego pierwszym „poematem symfonicznym” był Spinning Wheel Omphali (1871), którego premiera odbyła się na koncercie National Musical Society w styczniu 1872 roku. W tym samym roku, po ponad dziesięciu latach pracy, w Opéra-Comique w Paryżu wystawiono jednoaktową operę Żółta księżniczka. Ale przetrwała tylko pięć występów.
W listopadzie 1875 roku Saint-Saens na zaproszenie Rosyjskiego Towarzystwa Muzycznego przyjeżdża z koncertami do Petersburga, gdzie dyryguje Tańcem Śmierci i występuje jako pianista. Do tego czasu należy znajomość Saint-Saensa z N. Rubinsteinem i Czajkowskim. W tym samym 1875 roku Saint-Saens ożenił się. Miał prawie 40 lat, a jego narzeczona dziewiętnaście. Nazywała się Marie-Laure Truffaut, była siostrą jednej z uczennic kompozytora. Małżeństwo się nie powiodło. Według biografki Sabine Teller Ratner „matka Saint-Saensa nie pochwalała tego małżeństwa”. Mieli dwóch synów, obaj zmarli w młodym wieku. W 1878 roku najstarszy - dwuletni Andre wypadł z okna mieszkania i zmarł. Najmłodszy, Jean-Francois, zmarł w szpitalu na zapalenie płuc w wieku sześciu miesięcy. Saint-Saens i Marie-Laure nadal mieszkali razem trzy lata, ale kompozytor oskarżył Marie o śmierć Andre, co zniszczyło ich małżeństwo. W 1881 roku Saint-Saens opuścił żonę (oficjalny rozwód wydano nieco później) i nigdy więcej się nie widzieli.
Dla dziewiętnastowiecznego francuskiego kompozytora opera była postrzegana jako najważniejszy gatunek muzyczny. Massenet, młody współczesny i rywal Saint-Saensa, zaczyna zdobywać reputację kompozytor operowy. Saint-Saens nie był usatysfakcjonowany nieudaną inscenizacją swojej jednoaktowej opery Żółta księżniczka i w 1877 r. Nowa Opera„Srebrny dzwonek” Libretto autorstwa Julesa Barbiera i Michela Carré inspirowane jest legendą o Fauście. Kompozytor zadedykował operę filantropowi Albertowi Libonowi, który przeznaczył Saint-Saensowi sto tysięcy franków, by mógł całkowicie poświęcić się komponowaniu. Opera miała osiemnaście przedstawień. Trzy miesiące po premierze opery Libon zmarł, a Saint-Saëns zadedykował mu swoje nowo napisane Requiem , wykonane po raz pierwszy w 1878 roku.
W grudniu 1877 roku Saint-Saens wzmocnił swój sukces operą Samson and Delilah. Ten kawałek wziął miejsce honorowe w międzynarodowym repertuarze operowym. Ze względu na biblijną tematykę opery kompozytor napotkał wiele przeszkód, by wystawić Samsona i Dalilę we Francji i dzięki wpływom Franciszka Liszta prawykonanie odbyło się w Weimarze. Dopiero w 1892 roku operę wystawiono w Paryżu.
Saint-Saens był zapalonym podróżnikiem. Od lat 70. XIX wieku do końca życia odbył 179 podróży do 27 krajów. Ze względu na obowiązki zawodowe często odwiedzał Niemcy i Anglię, a dla rekreacji i uniknięcia paryskich zim, które źle wpłynęły na jego słabą pierś, podróżował do Algierii i Egiptu.
1880
Na przełomie lat 70. i 80. XIX wieku Saint-Saens kontynuował prace nad nowymi kompozycjami, wśród których najbardziej znana była opera Henryk VIII. W 1881 został wybrany do Akademii Sztuk Pięknych, a trzy lata później został oficerem Orderu Legii Honorowej.
W 1880 Saint-Saens nadal szukał sukcesu w Opera, co było utrudnione ze względu na rozpowszechnione w środowisku muzycznym przekonanie, że pianista, organista i symfonista nie umie pisać dobra opera. W tych latach odbyły się dwie jego inscenizacje operowe, z których pierwsza, Henryk VIII (1883), powstała na zamówienie Opery Paryskiej. Chociaż Saint-Saëns nie wybrał libretta, pracował z niezwykłą starannością, starając się w przekonujący sposób oddać klimat XVI-wiecznej Anglii. Dzieło odniosło sukces, a opera była często wystawiana za życia kompozytora.
W 1886 roku Saint-Saens i Bussin odeszli Towarzystwo Narodowe w związku z dominacją w nim zwolenników muzyki Wagnera i jego metod. W późniejszych latach Saint-Saëns rozwinął silną wrogość do politycznego nacjonalizmu Wagnera, ale nie do jego muzyki.
W 1880 roku Saint-Saens stał się ulubionym muzykiem angielskiej publiczności, która uważała go za największego francuskiego kompozytora. Na zlecenie London Philharmonic Society w 1886 roku Saint-Saëns stworzył jedno ze swoich najsłynniejszych dzieł orkiestrowych, III Symfonię c-moll (znaną również jako „Organ Symphony”). Prawykonanie odbyło się w Londynie, gdzie Saint-Saëns brał udział zarówno jako dyrygent symfonii, jak i solista w IV Koncercie fortepianowym Beethovena pod dyrekcją Arthura Sullivana.
W grudniu 1888 roku zmarła matka Saint-Saensa. Był bardzo zdenerwowany stratą, pogrążał się w depresji i bezsenności, czasem nawet rozważał samobójstwo. Kompozytor opuścił Paryż i pozostał w Algierze, gdzie przebywał do maja 1889 roku, spacerując i czytając, ale nie był w stanie niczego skomponować.
1890
W latach 90. XIX wieku Saint-Saens spędzał większość czasu na wakacjach, podróżując za granicę, pisząc coraz rzadziej niż wcześniej. Napisał jedną operę, komedię Phryne (1893), która została dobrze przyjęta przez publiczność. Kompozytor stworzył także kilka niewielkich rozmiarów utworów chóralnych i orkiestrowych. Najważniejszymi utworami koncertowymi tej dekady są Fantazja afrykańska (1891) i V (egipski) Koncert fortepianowy, którego prawykonanie odbyło się w 1896 roku na koncercie z okazji pięćdziesiątej rocznicy jego debiutu w Salle Pleyel. Przed zagraniem koncertu odczytał krótki wiersz, który napisał na tę okazję i zadedykował pamięci swojej matki.
Wśród koncertów, które Saint-Saëns odbył w ciągu dziesięciu lat, jest ten w Cambridge w czerwcu 1893 r., Na którym wystąpili także Bruch i Czajkowski. Koncert odbył się z okazji otrzymania tytułu doktora honoris causa Uniwersytetu Cambridge, który został przyznany wszystkim trzem kompozytorom.
1900-1921
W 1900 roku Saint-Saens wprowadził się do mieszkania przy Rue de Courcelles. Tam spędzi ostatnie lata swojego życia. Kompozytor nadal regularnie wyjeżdża za granicę, ale coraz częściej z koncertami, i to już nie w celach turystycznych. Saint-Saens ponownie odwiedza Londyn, gdzie zawsze był mile widzianym gościem. Następnie jedzie do Berlina, gdzie przed I wojną światową spotykał się z honorami, a potem wyjeżdża do Włoch, Hiszpanii, Monako. W latach 1906 i 1909 odbył bardzo udane tournee po Stanach Zjednoczonych jako pianista i dyrygent.
W ostatnich latach Saint-Saens wyznawał konserwatywne poglądy. I tak na przykład przeżył wielki szok po premierze baletu Święto wiosny Igora Strawińskiego, która odbyła się w 1913 roku. W rzeczywistości, jak twierdził Strawiński, Saint-Saensa nie było na wydarzenie, ale na prawykonaniu koncertowym jednej z części baletu w Następny rok, Saint-Saëns wyraził zdecydowaną opinię, że Strawiński był szalony, pisząc ten utwór.
W 1913 roku kompozytor zamierzał nadać swój koncert pożegnalny jako pianista i zejść ze sceny, ale wojna pokrzyżowała mu plany. W czasie wojny dawał dużo więcej koncertów, zbierając w ten sposób pieniądze na wojskowe organizacje charytatywne.
W listopadzie 1921 roku Saint-Saens dał koncert solowy w Instytucie dla licznie zaproszonej publiczności. Obecni zauważyli, że jego gra była jasna i precyzyjna jak nigdy dotąd, zwłaszcza biorąc pod uwagę, że pianista miał wówczas już osiemdziesiąt sześć lat. Miesiąc później Saint-Saens opuścił Paryż i udał się do Algieru, aby tam spędzić zimę, do czego był przyzwyczajony od dawna. Kompozytor zmarł nagle na atak serca 16 grudnia 1921 roku. Miał 86 lat. Ciało przewieziono do Paryża, a po oficjalnym pożegnaniu Camille Saint-Saens został pochowany na cmentarzu Montparnasse. Wśród odprowadzających kompozytora w ostatni sposób byli wybitnymi postaciami politycznymi i artystycznymi Francji, a także wdową po nim Marią.
Muzyka
Na początku XX wieku, jeszcze za życia kompozytora, w słownictwo muzyczne Grove opublikował artykuł nieznanego autora o Saint-Saens z następującą oceną: „Saint-Saens jest niedoścignionym mistrzem kompozycji i nikt poza nim nie zna tak wielu tajemnic i technik artystycznych; jednak nawet siły talentów twórczych kompozytora nie można porównywać z jego mistrzostwem technicznym. Jego niezrównany talent w dziedzinie orkiestracji pozwala mu urzeczywistniać idee, które w innym przypadku wydawałyby się nieprzemyślane i mierne… z drugiej strony nie pociąga słuchacza szczerością i ciepłem”.
Pomimo tego, że w młodości był zapalonym innowatorem, Saint-Saëns bardzo dobrze znał muzykę dawnych mistrzów. W artykule biograficznym napisanym z okazji 80. rocznicy urodzin kompozytora krytyk D. S. Parker zauważył: „Nikt z tych, którzy znają twórczość kompozytora, nie zaprzeczy, że Saint-Saens zna muzykę Rameau, Bacha, Haendla, Haydna i Mozarta. Jego sztuka opiera się na zamiłowaniu do muzyki wielkich klasyków, wspólnocie ich twórczych poglądów.
W przeciwieństwie do niektórych jemu współczesnych, Saint-Saensa nie pociągała idea ciągłego, kompleksowego rozwoju spopularyzowana przez Wagnera. Preferował tradycyjne formy prezentacji melodii. Chociaż według Ratnera w muzyce Saint-Saënsa dominują „elastyczne i plastyczne melodie”, najczęściej ma 3 lub 4 takty, które mają tendencję do „tworzenia frazy w kształcie AABB”. Rzadkie przejawy tendencji neoklasycznych w twórczości Saint-Saensa – będące efektem jego studiów nad muzyką francuską epoki baroku – wyróżniają się na tle jasnej muzyki orkiestrowej, z którą zazwyczaj kojarzona jest twórczość kompozytora. Grove zauważa, że dzieła Saint-Saensa bardziej wyróżniają się swoistą harmonią i rytmem niż ekstrawagancką orkiestracją. W obu przypadkach kompozytor zadowalał się podobnymi technikami. Wolał proste 2-3 uderzenia lub złożone metrum (Grove cytuje jednak część Piano Trio, napisaną w metrum 5/4, oraz Poloneza na dwa fortepiany, skomponowanego w metrum 7/4). W Konserwatorium Saint-Saens osiągnął wysokie mistrzostwo w dziedzinie kontrapunktu, co znalazło odzwierciedlenie w wielu jego dziełach.
Muzyka symfoniczna
Autorzy The Record Guide (1955), Edward Sackville-West i Desmond Shaw-Taylor, zauważają, że niezrównana muzykalność Saint-Saënsa była decydującym czynnikiem przyciągającym uwagę francuskich muzyków do innych form sztuka muzyczna poza operą. W wydaniu Grove's Dictionary z 2001 roku Ratner i Daniel Fallon, analizując muzykę symfoniczną kompozytora, wymieniają nienumerowaną symfonię (ok. 1850) jako najbardziej uderzającą z jego wczesne prace I Symfonia (1853), napisana w nieco bardziej dojrzałym wieku, jest dziełem poważnym i na dużą skalę, w którym zauważalny jest wpływ Schumanna. Symfonia miasta Rzym (1856) pozbawiona jest dorobku kompozytora ostatnich lat w dziedzinie muzyki symfonicznej i nie różni się przemyślaną orkiestracją, która wydaje się „gęsta i ciężka”. Ratner i Fallon chwalą II Symfonię (1859) jako doskonały przykład oszczędnego wykorzystania środków orkiestrowych i jedności kompozycji; też to odzwierciedlało najwyższy kunszt Saint-Saens w pisaniu fug. Najbardziej znaną symfonią jest III (1886), w której bardzo duże znaczenie mają partie organów i fortepianu, co jest rzadkością w utworach tego gatunku. Rozpoczyna się w tonacji c-moll, a kończy w c-dur majestatycznym chorałem. Cztery części symfonii są łączone w pary - tę technikę Saint-Saens zastosował w innych kompozycjach, na przykład w IV Koncercie fortepianowym (1875) iw I Sonacie skrzypcowej (1885). W sercu III Symfonii, poświęconej Lisztowi, znajduje się powracający motyw, który podobnie jak w dziełach Liszta podlega nieustannym przekształceniom.
cztery poematy symfoniczne również napisane w stylu Liszta, jednak, jak zauważyli Saxville-West i Shaw-Taylor, pozbawione są tego „wulgarnego gadania”, charakterystycznego dla niektórych dzieł Liszta. Najbardziej znanym z czterech jest wiersz „Taniec śmierci” (1874): ucieleśnia obraz szkieletów tańczących o północy. Niezwykły dźwięk powstaje dzięki umiejętnej harmonizacji, a nie zastosowaniu środków orkiestrowych, choć dużą rolę w tym wierszu odgrywa ksylofon: jego dźwięk pozwala wyobrazić sobie, jak grzechotają kości zmarłych. muzyka i znakomita orkiestracja, nie ma w utworze ani śladu niedawnej tragedii.Reese uważa, że poemat symfoniczny „Faeton” jest najlepszym przykładem tego gatunku; niesprawiedliwie krytykuje Saint-Saensa za niedostateczną dbałość o melodię, zauważa jednak, że wizerunek mitycznego bohatera i jego losy robią ogromne wrażenie. Inny, obecny na prawykonaniu krytyk, współczesny kompozytorowi, był innego zdania: usłyszał w tym wierszu raczej „odgłos kopyt starego konia schodzącego z Montmartre”, a nie galop rozpalonych koni grecki mit, który posłużył jako podstawa do stworzenia wiersza. Ostatni z czterech poematów symfonicznych ( The Youth of Hercules , 1877) był najbardziej pretensjonalny, a zatem, jak sugeruje Harding, najmniej udany. Według krytyka Rogera Nicholsa wraz z pojawieniem się tych utwory symfoniczne z chwytliwymi melodiami, smukłością formy i ekstrawagancką orkiestracją „ustanowiły nowe standardy muzyki francuskiej, które zainspirowały takich młodych współczesnych Saint-Saens jak Ravel”.
Kompozycja Saint-Saensa balet w jednym akcie Javotta (1896), ścieżka dźwiękowa do filmu Zabójstwo księcia Guise (1908) oraz muzyka do dziesięciu sztuk między 1850 a 1916 rokiem. Trzy z tych partytur powstały z myślą o wznowieniach sztuk Moliera i Racine'a; w tych utworach można prześledzić głęboką znajomość francuskiej muzyki barokowej, w szczególności wykorzystaną przez kompozytora materiał muzyczny Lully'ego i Charpentiera.
Koncerty
Saint-Saens był pierwszym wielkim francuskim kompozytorem, który komponował koncerty fortepianowe. I Koncert D-dur (1858), stworzony w trzech częściach, jest mało znany, ale II Koncert g-moll (1868) jest jednym z najbardziej popularne prace kompozytor. W koncercie tym zmianie uległa forma: zamiast tradycyjnej formy sonatowej, część pierwsza ma inną, mniej harmonijną kompozycję i rozpoczyna się uroczystą kadencją. Część druga, scherzo i finał tak kontrastują z pierwszą, że jak powiedział pianista Zygmunt Stojowski, koncert zaczyna się „w stylu Bacha, a kończy w stylu Offenbacha”. Trzeci koncert fortepianowy w E-dur (1869) kończy się bardzo pogodnym finałem, choć dwie poprzednie części cechuje klasyczny styl z wyraźną fakturą i elegancką linią melodyczną.
Czwarty Koncert c-moll (1875) jest prawdopodobnie najbardziej znany po Drugim. Składa się z dwóch części, z których każda ma jeszcze dwie części, ale koncert przypieczętowuje taką jednością, jakiej nie było w poprzednich koncertach kompozytora. Według niektórych źródeł to właśnie ta praca zainspirowała Gounoda do tego stopnia, że nazwał Saint-Saens „francuskim Beethovenem” (według innych źródeł Gounod powiedział to po wysłuchaniu III Symfonii). Piąty i ostatni Koncert fortepianowy F-dur powstał dwadzieścia lat po pierwszym. Koncert ten, lepiej znany jako „egipski”, powstał podczas pobytu kompozytora w Luksorze zimą 1896 roku (Saint-Saens usłyszał melodię koncertu od żeglarza z Nilu).
I Koncert wiolonczelowy a-moll (1872) to poważny, choć bardzo żywy, jednoczęściowy utwór z niezwykle niespokojnym początkiem. W repertuarze wiolonczelistów koncert ten zajmuje jedno z pierwszych miejsc; był często wykonywany przez Pau (Pablo) Casalsa i innych muzyków. II Koncert d-moll (1902), podobnie jak I Koncert fortepianowy, składa się z dwóch części. Ten koncert jest bardziej wirtuozowski niż poprzedni. Saint-Saëns napisał do Fauré, że „Drugi Koncert nigdy nie będzie tak popularny jak Pierwszy, ponieważ jest zbyt trudny”.
Kompozytor stworzył trzy koncerty skrzypcowe; Pierwsza została napisana w 1858 r., ale opublikowana w 1879 r. razem z drugą (C-dur). Pierwszy koncert, ukończony w 1858 roku, ma niewielką skalę: jego jedyna część składa się z 314 taktów i trwa niecały kwadrans. Koncert drugi, skomponowany w formie trzyczęściowej, jest dwukrotnie dłuższy w wykonaniu i mniej popularny od wszystkich trzech: tylko trzy wykonania tego koncertu za życia kompozytora są wymienione w katalogu tematycznym dzieł Saint-Saensa. Trzeci koncert b-moll, stworzony specjalnie dla Pabla de Sarasate, wyróżnia się techniczną złożonością solisty, mimo że wirtuozowskie pasaże zostały zastąpione krótkimi interwałami z charakterystycznym sielskim spokojem. Ten koncert jest najpopularniejszym z całej trójki; jednak być może bardziej znanym dziełem Saint-Saënsa na skrzypce i orkiestrę z gatunku koncertowego jest Rondo Capriccioso Introdukcja a-moll op. 28, to kompozycja jednoczęściowa, stworzona, podobnie jak III Koncert skrzypcowy, dla Sarasate w 1863 roku. Przeciągający się wstęp ustępuje miejsca budzącemu grozę tematowi głównemu, który krytyk Gerard Larner nazwał nieco złowieszczym. Napisał: „Po kadencji wypełnionej pauzami… solo skrzypiec wydaje się szarpać i bez tchu bezpiecznie dochodzi do kody kończącej się na A-dur”.
opery
Sceptycznie nastawiony do doświadczeń związanych ze współpracą z Paulem Dukasem nad ukończeniem niedokończonej opery Fredegonde E. Guirauda, Saint-Saens napisał dwanaście własnych oper, z których dwie należą do gatunku „opera comique”. Za życia kompozytora opera "Henryk VIII" znalazła się na liście repertuarowej teatrów; jednak po jego śmierci tylko „Samson i Dalila” często wystawiano na scenach teatrów, mimo że zdaniem Schönberga „wielu ekspertów uważa operę„ Ascanio ”za bardziej udaną”. Krytyk Ronald Cricton zauważa, że „pomimo swojego bogatego doświadczenia i umiejętności Saint-Saensowi brakowało„ teatralnego zapachu ”- zrozumienia specyficznych preferencji publiczności, które niewątpliwie posiadał Massenet, chociaż Saint-Saens przewyższał go pod innymi względami. gatunki muzyczne". W badaniu z 2005 roku muzykolog Steven Hoebner, porównując obu kompozytorów, pisze: „Jest jasne, że Saint-Saens, w przeciwieństwie do Masseneta, nie miał czasu na stworzenie spektakle teatralne". Biograf Saint-Saens, James Harding, komentując operę Żółta księżniczka, wyraża ubolewanie, że „kompozytor nie podjął próby napisania większej liczby utworów o prostej i wesołej fabule”; według Hardinga opera The Yellow Princess jest podobna do Sullivana „w stylu francuskim”.
Pomimo faktu, że wiele oper Saint-Saensa pozostało mało znanych, badacz jego dzieła Cricton uważa, że były one niezwykle ważne dla historii formacji francuska opera, tworząc „pomost między Meyerbeerem a najpoważniejszymi operami kompozytorów francuskich początku lat 90. XIX wieku”. Zdaniem badacza partytury operowe Saint-Saensa mają taką samą moc i Słabości, które są nieodłącznym elementem całej jego muzyki: „Mozartowska przejrzystość, wielka dbałość o formę, a nie treść… do pewnego stopnia oschłość emocjonalna; czasami widać brak pomysłowości, ale jego umiejętności są włączone najwyższy poziom". Styl Saint-Saensa wyewoluował z doświadczeń innych. Wpływ Meyerbeera wyczuwalny jest w spektakularnym wprowadzeniu chóru w akcję opery; tworząc „Henryka VIII” kompozytor wykorzystał muzykę epoki Tudorów, którą poznał w Londynie. W Żółtej księżniczce Saint-Saens użył skali pentatonicznej, a od Wagnera zapożyczył motywy przewodnie. Hoebner zauważa, że „Saint-Saens, w przeciwieństwie do Masseneta, był bardziej tradycyjny w sztuce kompozycji: wolał klasyczne formy arii i zespoły, bez specjalnych zmian tempa w ramach poszczególnych numerów. Prowadząc badanie twórczości operowej, Alan Blyth zauważył, że Saint-Saens „na pewno wiele się nauczył od Haendla, Glucka, Berlioza, wiele nauczył się od Aidy Verdiego, był pod wpływem Wagnera, jednak studiując doświadczenia swoich poprzedników i współczesnych, stworzył swój własny styl”.
Inne utwory wokalne
Od szóstego roku życia do końca swoich dni Saint-Saens komponował piosenki z gatunku mélodies. Przez całe życie skomponował ponad 140 piosenek. Uważał te utwory za typowe, wyłącznie francuskie pieśni, zaprzeczające jakimkolwiek wpływom Schuberta lub innych niemieckich autorów Lieder. ” („Persian Songs”, 1870) i „Le Cendre rouge” („Red Ash”, 1914, poświęcony Fauré) . Najczęściej Saint-Saens pisał pieśni do wierszy Victora Hugo, ale zdarzają się pieśni do wierszy innych poetów: Alphonse'a de Lamartine'a i Pierre'a Corneille'a. Tekst do 8 pieśni skomponował sam kompozytor (Saens miał m.in. dar poetycki).
Był bardzo skrupulatny w każdym słowie. Lili Boulanger Saint-Saens powiedziała, że aby tworzyć dobre piosenki, sam talent muzyczny nie wystarczy: „Musisz doskonale znać Francuski- to jest po prostu konieczne." Większość piosenek została napisana na głos i fortepian, niektóre - „Le lever du soleil sur le Nil” („Świt nad Nilem”, 1898) i „Hymne à la paix” („Hymn to the World”, 1919) - zostały napisane na głos i orkiestrę. Sposób prezentacji i wybrane tekst poetycki w przeważającej części mają tradycyjną formę, co odróżnia je od wolnej poezji i mniej ustrukturyzowanych form późniejszego pokolenia kompozytorów francuskich, takich jak Debussy.
Saint-Saens skomponował ponad 60 utworów sakralnej muzyki chóralnej: motety, msze, oratoria itp. Najbardziej ambitne to: „Requiem” (1878) oraz oratoria – „Le déluge” („Potop”) i Ziemia obiecana („Powódź”). Ziemia obiecana”, 1913, do tekstu Hermanna Kleina). Z godnością mówił o swojej współpracy z chórami brytyjskimi: „Cieszę się, że moja muzyka jest par excellence doceniana w ojczyźnie oratorium”. Saint-Saëns napisał także kilka chórów świeckich, chórów a cappella oraz z towarzyszeniem fortepianu i orkiestry. W ten gatunek Saint-Saens oparł się na tradycji, uważając za wzorowy utwory chóralne Haendla, Mendelssohna i innych mistrzów przeszłości. To, zdaniem Kleina, nie odpowiadało wymogom czasu, a dobra znajomość gatunku oratoryjnego przez Saint-Saensa tylko przeszkodziła mu w pisaniu własnych kompozycji.
Utwory na fortepian i organy
Mówiąc o muzyce fortepianowej, Nichols zwraca uwagę na fakt, że choć Saint-Saëns pisał na fortepian przez całe życie, „ten obszar jego twórczości miał niepomiernie niewielki wpływ”. Chociaż Saint-Saens nazywany jest „francuskim Beethovenem”, a jego Wariacje na temat Beethovena w E-dur (1874) są najobszerniejszym dziełem na fortepian, nie prześcignął on swojego poprzednika w komponowaniu sonat na ten instrument. Nie ma dowodów na to, że Saint-Saëns kiedykolwiek zamierzał komponować sonaty fortepianowe. Opublikował zbiór bagateli (1855), etiud (1 - w 1899, 2 - w 1912) i fug (1920), ale generalnie jego utwory na fortepian są odrębne, małe prace. Oprócz utworów skomponowanych w tak znanych formach, jak pieśń bez słów (1871), mazurek (1862, 1871 i 1882), które zasłynęły odpowiednio za sprawą Mendelssohna i Chopina, Saint-Saens skomponował dramaty obrazkowe: „Wieczór Dzwony” (1889).
W przeciwieństwie do swojego ucznia Gabriela Fauré, który będąc organistą i nie pasjonując się swoją pracą, nie stworzył ani jednego utworu na ten instrument, Saint-Saëns opublikował niewielką liczbę utworów na organy. Po odejściu ze stanowiska organisty kościoła św. Magdaleny w 1877 roku kompozytor skomponował 10 utworów organowych, głównie koncertowych, w tym dwa zbiory preludiów i fug (1894 i 1898). Niektóre z wczesnych utworów zostały napisane zarówno na harmonium, jak i na organy, a kilka zostało napisanych tylko na organy.
Muzyka kameralna
Od lat czterdziestych XIX wieku do końca swoich dni Saint-Saens stworzył ponad 40 utworów kameralnych. Jednym z pierwszych dużych dzieł tego gatunku był Kwintet fortepianowy (1855). Jest to utwór dość śmiały w tradycyjnej formie, z poruszającą częścią pierwszą i ostatnią oraz dwoma wolnymi tematami w części środkowej: jeden napisany w formie chorału, drugi bardzo rozwlekły. Septet (1880) na niezwykłą kompozycję - trąbkę, dwoje skrzypiec, altówkę, wiolonczelę, kontrabas i fortepian - skomponowany został w stylu neoklasycystycznym, bliskim francuskim formom tanecznym XVII wieku. Podczas tworzenia septetu Saint-Saens zajmował się przygotowaniem publikacji utworów kompozytorów epoki baroku, a mianowicie: Rameau i Lully'ego.
Według Ratnera wśród kameralnych dzieł Saint-Saënsa najbardziej znaczące są sonaty: dwie na skrzypce, dwie na wiolonczelę i po jednej na obój, klarnet i fagot - wszystkie z towarzyszeniem fortepianu. Pierwsza sonata skrzypcowa pochodzi z 1885 roku, a wpis w Grove's Dictionary nazywa ją „najbardziej”. najlepszy esej, który jest najbardziej wyraźny styl komponowania» Druga sonata (1896) oznacza zmianę stylistyczną w twórczości Saint-Saensa: dźwięk fortepianu wyróżnia się lekkością i klarownością – cechami, które później stały się integralną częścią jego twórczości. Pierwsza sonata wiolonczelowa (1872) powstała już po śmierci ciotki kompozytora; to ona nauczyła go gry na fortepianie ponad trzydzieści lat temu. Ten esej jest poważny; główny materiał melodyczny wykonywany jest przez wiolonczelę na tle wirtuozowskiego akompaniamentu fortepianu. Fauré uważał tę sonatę za najważniejszą z istniejących. Druga Sonata (1905) składa się z czterech części; ciekawe, że temat z wariacjami jest przedstawiony w drugiej części – scherzo.
Późne utwory obejmują sonaty na instrumenty dęte drewniane. Ratner opisuje ich w ten sposób: „Umiarkowane, sugestywne linie klasyczne, chwytliwe melodie i niesamowicie smukłe formy, wyraźnie zapowiadające rychłe pojawienie się stylu neoklasycznego”. Badacz Galva przekonuje, że Sonata obojowa zaczyna się jak zwykła sonata klasyczna - tematem w tempie andantino; kolejne części są bogato zdobione jasnymi środkami harmonicznymi, a finał w molto allegro pełen jest charakterystycznej dla taranteli delikatności, humoru i wdzięku. Galva uważa, że najbardziej znaczącą z tych trzech jest Sonata klarnetowa, która jest „arcydziełem ucieleśniającym figlarność, elegancję i, w umiarkowanym stopniu, liryzm”; to jego zdaniem kwintesencja całej reszty muzyki kompozytora. Utwór ten tworzy kontrast między „tragiczną pieśnią żałobną” w części wolnej a „piruetami 4/4” w finale, co przywodzi na myśl muzykę XVIII wieku. Galva uważa Sonatę fagotową również za „wzór przejrzystości, energii i lekkości”, choć nie jest w niej pozbawiona humoru i momentów refleksji.
Najbardziej znane dzieło Saint-Saënsa, The Carnival of the Animals (1887), choć wykraczające poza gatunek muzyki kameralnej, zostało skomponowane na 11-osobowy zespół i jest określane w Grove Dictionary jako dzieło kameralne kompozytora . W artykule czytamy, że „Karnawał” to „najwspanialsze dzieło o charakterze komicznym, w którym można usłyszeć parodię Offenbacha, Berlioza, Mendelssohna, Rossiniego, własny Taniec śmierci Saint-Saensa, a także parodię innych słynna muzyka”. Sam Saint-Saens zabronił wykonywania tego utworu za życia, obawiając się, że frywolność dzieła zaszkodzi jego reputacji jako poważnego kompozytora.
Wpisy
Saint-Saens był jednym z pierwszych, którzy wzięli udział w nagrywaniu muzyki. W czerwcu 1904 roku londyńska firma Gramophone Company zleciła dyrektorowi Fredowi Gasbergowi wyjazd do Paryża w celu nagrania arii z oper Ascanio oraz Samson i Delilah z mezzosopranistką Meirianem Heglonem i samym kompozytorem jako akompaniatorem. Ponadto Saint-Saens wykonał swój własny muzyka fortepianowa, a mianowicie niektóre części II Koncertu fortepianowego (bez orkiestry). Nowe nagrania zostały wykonane w 1919 roku.
Na samym początku działalności wytwórni LP muzyka Saint-Saensa była częściowo nagrana na płycie. Przewodnik po płytach, The Record Guide, wymienia poszczególne nagrania III Symfonii, II Koncertu fortepianowego, Karnawału zwierząt, Introdukcji i Rondo Capriccioso, a także inne mniejsze dzieła symfoniczne. Pod koniec XX i na początku XXI wieku wydano wiele innych płyt - a później płyt CD i DVD - różne eseje Saint-Saens. Publikacja, która co roku wymienia i klasyfikuje istniejące nagrania muzyka klasyczna, Penguin Guide to Recorded Classical Music, w 2008 roku opublikował 10-stronicową listę kompozycji Saint-Saënsa, zawierającą koncerty, symfonie, poematy symfoniczne, sonaty i kwartety. Ponadto zawiera również Mszę, zbiór muzyki organowej i chóralnej. W 1997 roku nagrano dwadzieścia siedem francuskich piosenek Saint-Saensa.
Poza operą Samson i Dalila rzadko wspomina się o innych utworach tego gatunku. Nagranie Henryka VIII zostało wydane na płytach CD i DVD w 1992 roku. W 2008 roku opera „Elena” została nagrana na płycie CD. Nagrań opery „Samson i Dalila” dokonano pod kierunkiem takich dyrygentów jak Colin Davis, Georges Prétre, Daniel Barenboim czy Myung-Hung Chong.
Nagrody i reputacja
Saint-Saens otrzymał tytuł Kawalera Legii Honorowej w 1867 r., w 1884 r. – tytuł oficerski, aw 1913 r. – Order Legii Honorowej I stopnia. Z zagranicznych nagród: Order Królowej Wiktorii (1902), a także tytuł doktora honoris causa uniwersytetów w Cambridge (1892) i Oksfordzie (1907).
Nekrolog w The Times głosił: „Śmierć Saint-Saensa pozbawiła Francję nie tylko jednego z najbardziej wybitni kompozytorzy: zmarł jeden z ostatnich przedstawicieli największych przemian w świecie muzyki, charakterystycznych dla XIX wieku. Posiadał wielką witalność i nie był ani kroku w tyle za czasami. I choć zwyczajowo mówi się o nim jako o przedstawicielu najstarszego i najbardziej szanowanego pokolenia kompozytorów francuskich, to jest rzeczą oczywistą, że nie ma sensu zwracać uwagi na miejsce, jakie zajmował w chronologii sztuki muzycznej. Był tylko dwa lata młodszy od Brahmsa, pięć lat starszy od Czajkowskiego, sześć lat starszy od Dvoraka i siedem lat starszy od Sullivana. W jego ojczyzna wniósł taki wkład w niektóre gatunki sztuki muzycznej, że można śmiało porównywać z dokonaniami wyżej wymienionych kompozytorów w ich ojczyźnie.
W krótkim wierszu „Mea culpa”, opublikowanym w 1890 roku, Saint-Saens potępił swoją dekadencję, ciesząc się z ogromnego entuzjazmu młodych muzyków i żałując, że został pozbawiony tej cechy. W 1910 roku angielski uczony wyraził swoją opinię na temat tego wiersza: „Sympatyzuje z młodzieżą w jej pragnieniu pójścia naprzód, ponieważ nie zapomniał, jak sam w młodości był orędownikiem postępowych ideałów swoich czasów”. Saint-Saens próbował znaleźć równowagę między nowym a tradycyjnym, ale pragnienie to było ambiwalentnie oceniane przez współczesnych. Kilka dni po jego śmierci krytyk muzyczny Henry Colls napisał: „W dążeniu Saint-Saënsa do zachowania 'doskonałej równowagi' oczywiste są ograniczenia kompozytora, który tworzył dla zaspokojenia potrzeb przeciętnego słuchacza. Bardzo rzadko – lub nigdy – kompozytor nie podejmuje żadnego ryzyka; nigdy, powiedzmy, nie daje upustu emocjom, choć wszyscy mu współcześni - wielcy kompozytorzy - często podejmowali w ten sposób ryzyko. Brahms, Czajkowski - a nawet Frank - byli gotowi do wszelkich poświęceń dla ostatecznego celu, który chcieli osiągnąć, gotowi utonąć, jeśli to konieczne, aby osiągnąć ten cel. Jednak Saint-Saens, zachowując tę równowagę, zachowuje też równowagę swoich słuchaczy.
Na końcu artykułu o Saint-Saëns w Grove Dictionary konkluduje się, że mimo podobieństwa wszystkich jego kompozycji „nie można powiedzieć, że kompozytor wypracował własny, niepowtarzalny styl muzyczny. A raczej był kustoszem tradycji francuskich, którym groziło wchłonięcie przez idee Wagnera, i stworzył niezbędne środowisko, w którym pojawili się jego następcy.
Po śmierci Saint-Saensa badacze sympatyzujący z twórczością kompozytora wyrażają ubolewanie, że Saint-Saens znany jest szerokiej publiczności z bardzo niewielkiej liczby utworów, takich jak: Karnawał zwierząt, II Koncert fortepianowy, Symfonia z organami, Samsonem i Dalilą”, „Taniec śmierci”, a także „Introdukcja i Rondo Capriccioso”. Nicholas zwraca uwagę, że takie arcydzieła jak Requiem, Oratorium na Boże Narodzenie, balet Javotte, kwartet fortepianowy, septet na trąbkę, fortepian i smyczki oraz I Sonata skrzypcowa są wykonywane rzadko. W 2004 roku wiolonczelista Stephen Isserlis powiedział: „Saint-Saëns jest jednym z tych kompozytorów, których festiwale powinny być honorowane… Ma kilka mszy, z których każda jest na swój sposób interesująca. Grałem wszystkie jego utwory na wiolonczelę i mogę powiedzieć, że wszystkie są wspaniałe. Jego pisma są tylko pomocne. A osobowość kompozytora jest zawsze godna podziwu.”
Jedyna monografia Y. Kremleva, wydana w 1970 roku, poświęcona jest twórczości Saint-Saensa w muzykologii ZSRR. W 4. tomie Encyklopedii Muzycznej, wydanej w 1978 r., E.F. Bronfin napisał o Saint-Saens mały artykuł. Nie ma prac doktorskich poświęconych kompozytorowi.
Główne pisma
opery
- Żółta księżniczka (1872), op. trzydzieści;
- „Srebrny dzwonek” (1877; drugie wydanie - 1913);
- Samson i Dalila (1877), op. 47;
- „Etienne Marcel” (1879);
- „Henryk VIII” (1883);
- „Prozerpina” (1887);
- „Ascanio” (1890);
- Frynea (1893);
- Fredegonde (1895; ukończył i zaaranżował operę Ernesta Guirauda);
- „Barbarzyńcy” (1901);
- „Elena” (1904; jednoaktowy);
- Przodek (1906);
- „Dejanira” (1911).
Utwory wokalno-symfoniczne i chóralne
- Msza na czterech solistów, chór, organy i orkiestrę op. 4;
- „Sceny z Horacego”, op. 10;
- Oratorium na Boże Narodzenie op. 12;
- „Noc perska” na solistów, chór i orkiestrę op. 26 bis;
- Psalm 18, op. 42;
- Oratorium „Powódź” op. 45;
- Requiem, op. 54;
- Lira i harfa (według wiersza Victora Hugo) na solistów, chór i orkiestrę op. 57 (1879);
- „Spokój nocy” na chór op. 68 nr 1;
- „Noc” na sopran, chór żeński i orkiestrę op. 114;
- Kantata „Heavenly Fire” (tekst Armanda Sylvestra) na sopran, chór, orkiestrę, organy i recytatora op. 115;
- "Lola". Sceny dramatyczne na solistów i orkiestrę według wiersza Stéphane'a Bordeza op. 116: Preludium, sen, słowik, tango, zakończenie;
- „Kroki w zaułku” na chór op. 141 nr 1;
- Ave Maria na chór i organy op. 145;
- Oratorium „Ziemia obiecana” (1913).
Kompozycje na orkiestrę
- Symfonia nr 1 Es-dur op. 2;
- Symfonia nr 2 a-moll op. 55;
- Symfonia nr 3 c-moll (z organami), op. 78 (1886);
Poematy symfoniczne
- „Kołowrotek Omphali”, op. 31 (1869);
- „Faeton”, op. 39;
- „Taniec śmierci” („Danse macabre”) na obowiązkowo skrzypce i orkiestrę według wiersza Henri Casalisa op. 40;
- Młodość Heraklesa, op. 50;
- Vera, trzy obrazy symfoniczne, op. 130;
- Pierwsze i trzecie Rapsodie na tematy bretońskie pieśni ludowe, op. 7 bis;
- Muzyka do sztuki „Andromacha” (1903);
- Muzyka do filmu „Zabójstwo księcia Guise”, op. 128 (1908).
Koncerty
- Koncerty na fortepian i orkiestrę
- Nr 1 D-dur op. 17;
- Nr 2 g-moll op. 22;
- Nr 3 Es-dur op. 29;
- Nr 4 c-moll op. 44;
- Nr 5 F-dur op. 103 „egipski”;
- Trzy koncerty na skrzypce i orkiestrę
- Nr 1 A-dur op. 20;
- Nr 2 C-dur op. 58;
- Nr 3 h-moll op. 61;
- Dwa koncerty na wiolonczelę i orkiestrę
- Nr 1 a-moll op. 33;
- Nr 2 d-moll op. 119;
- utwór koncertowy na róg i orkiestrę
Inne kompozycje na instrumenty solowe i orkiestrę
- Auvergne Rhapsody na fortepian i orkiestrę op. 73 (1884);
- Walc-Kaprys na fortepian i orkiestrę „Tort weselny”, op. 76;
- Fantazja „Afryka” na fortepian i orkiestrę op. 89;
- Introdukcja i Rondo Capriccioso na skrzypce i orkiestrę op. 28;
- Utwór koncertowy na skrzypce i orkiestrę op. 67;
- Havanaise na skrzypce i orkiestrę op. 83;
- Kaprys andaluzyjski na skrzypce i orkiestrę op. 122;
- Suita na wiolonczelę i orkiestrę op. 16 bis;
- Allegro appassionato na wiolonczelę i orkiestrę op. 43;
- „Muza i poeta” na skrzypce i wiolonczelę i orkiestrę op. 132;
- Romans na flet i orkiestrę op. 37;
- „Odetta” na flet i orkiestrę op. 162;
- Tarantella na flet i klarnet i orkiestrę op. 6;
- Utwór koncertowy na róg i orkiestrę f-moll op. 94;
- Utwór koncertowy na harfę i orkiestrę op. 154.
Kompozycje kameralne
- „Karnawał zwierząt” na zespół kameralny
- Dwa tria fortepianowe
- Dwa kwartety smyczkowe
- kwartet fortepianowy
- kwintet fortepianowy
- Kaprys na tematy pieśni duńskich i rosyjskich na flet, obój, klarnet i fortepian op. 79;
- Septet na trąbkę, kwintet smyczkowy i fortepian op. 65;
- Dwie sonaty na skrzypce i fortepian;
- Kołysanka na skrzypce i fortepian op. 38;
- Tryptyk na skrzypce i fortepian op. 136;
- Dwie elegie na skrzypce i fortepian op. 143 i op. 160;
- „Aria zegara z wahadłem” na skrzypce i fortepian;
- Fantazja na skrzypce i harfę op. 124;
- Dwie sonaty na wiolonczelę i fortepian;
- Suita na wiolonczelę i fortepian op. 16 (istnieje również w wersji orkiestrowej);
- Allegro appassionato na wiolonczelę i fortepian op. 43 (istnieje również w wersji orkiestrowej);
