Мадонны рафаэля. История одной картины

, автор лекций об искусстве Италии, продолжает рассказ о мастерах и шедеврах эпохи Возрождения.

«Мадонна Литта» кисти Леонардо да Винчи - жемчужина собрания Эрмитажа, знакомый каждому с детства символ итальянской красоты эпохи высокого Возрождения. С момента своего создания произведение окружено тайнами, многие из которых разгаданы учеными. Но главная тайна этой небольшой по размеру, но необъятной по содержанию картины, раскрывается по-своему для каждого зрителя.

В архиве Государственного Эрмитажа сохранилось письмо 1864 года от миланского герцога Антонио Литта, в котором он уведомляет императора Александра II о своем намерении продать четыре картины из личной коллекции за сто тысяч франков. Среди них «Мадонна с младенцем» кисти Леонардо Да Винчи. Директор императорского Эрмитажа, Степан Александрович Гедеонов, отправился в Италию и привез в Северную столицу шедевр, ставший известным под именем «Мадонна Литта».

Покупка картины Леонардо вызвала широкий резонанс в Европе. Люди искусства и поздравляли Гедеонова с удачным приобретением, и сетовали на то, что бесценная картина отбывает в далекую Россию. Менее же удачливые покупатели и вовсе заявляли, что сомневаются в подлинности картины.

В действительности споры о том, является ли Леонардо да Винчи автором «Мадонны Литта», не утихали до середины прошлого века. Сразу после появления картины в Санкт-Петербурге было принято решение о её немедленной реставрации и переносе с дерева на холст. Работа была доверена эрмитажному плотнику, который выполнил её с таким мастерством, что был награжден императорской серебряной медалью. Тем не менее, произведение утратило многое от первоначальной версии, что значительно осложнило работу искусствоведов и экспертов.

На сегодня сомнения развеяны. «Мадонна Литта» - шедевр Леонардо да Винчи и его школы. Замысел, композиция, изображение лица Девы Марии, моделирование фигур с помощью тончайшей светотени принадлежат кисти маэстро.

«Maria Lactans» или «Мадонна, кормящая младенца» - сюжет, широко распространенный в итальянской живописи XIV–XV вв., он необычайно волновал мастера. Женщина с младенцем - тема его многочисленных рисунков и набросков. Изображая нежных и печальных женщин с прелестными младенцами, Леонардо исследует чувства и грани человеческой души.

Выбирая библейский сюжет, он представляет его как сцену из повседневной жизни. В обычной комнате молодая женщина с нежностью прижимает к груди младенца, над их головами не изображены нимбы, а рядом нет ни святых, ни ангелов. О божественности персонажей зритель может догадываться не столько по символам, которые использует мастер (мадонна предстает в традиционных для Богоматери одеждах: красном платье и синей накидке, а младенец левой рукой сжимает щеглёнка, символ будущих испытаний Спасителя), сколько по атмосфере одухотворенности, исходящей от произведения.

Леонардо использует тонкие художественные приемы, создавая лаконичное и совершенное произведение.

Два симметричных окна уравновешивают композицию, а пейзаж придает картине глубину и таинственность (кстати, именно эти горные вершины помогли установить примерную дату создания картины: искусствоведы отмечали сходство пейзажей, открывающихся из окон на картине «Мадонна Литта» и на знаменитой фреске «Тайная вечеря», относя создание картины к 80-м годам XV века, к миланскому периоду творчества Леонардо).

Противопоставляя скульптурную неподвижность Мадонны и экспрессивность позы младенца, мастер создает цельную группу, где каждый элемент дополняет друг друга. Манера Леонардо угадывается и во взаимосвязи взглядов и жестов, и в том, как гармонично красный цвет платья Мадонны перекликается с цветотенью, моделирующей лицо и тело младенца, и в равновесии синих тонов плаща и пейзажа, и в той тонкости, с которой прозрачная вуаль повторяет линии прически и, конечно, в выражении лица молодой женщины.

В собрании Лувра хранится рисунок женской головы, вне всяких сомнений выполненный с натуры и созданный Леонардо во время работы над «Мадонной Литта». Но на картине мастер изобразил идеализированный портрет прекрасной женщины. У неё узнаваемый «леонардовский» тип красоты: медные волосы, вытянутое лицо, высокий лоб, удлиненный нос и знаменитая, таинственная и ускользающая улыбка, так точно передающая глубину человеческих чувств.

Интересен и взгляд младенца, обращенный к зрителю. Мастер не только устанавливает тонкую, почти мистическую связь между реальным миром и миром воображаемым, но и приглашает зрителя к со-творению. Ускользающую гармонию момента и неуловимое чувство нежности и материнской любви видит и чувствует каждый соприкоснувшийся с творением Леонардо. Чувствует по-своему в зависимости от своего воображения, темперамента и даже настроения.

Эпоху Высокого Возрождения, продлившуюяся менее полувека, называют периодом расцвета итальянской культуры. В списке её титанов и безусловных гениев имя Леонардо да Винчи - на первом месте. «Мадонна Литта», законченная художником в 1491 году, - одно из лучших творений миланского периода, воплощение величия, гармонии и красоты Золотого века. При дворе развращённого деспота и талантливого градоначальника Лодовико Сфорца да Винчи провёл около двух десятков лет. Его живописное и музыкальное дарования были востребованы в гораздо меньшей степени, чем талант инженера, изобретателя, военного консультанта, мастера фейерверков, организатора праздников. Больше всего времени, душевных и физических сил в тот период отняла у него выполненная из бронзы конная статуя Франческо Сфорца, отца Лодовико. Именно она, а не прославленная фреска «Тайная вечеря» и великолепные живописные полотна вызвали наибольший резонанс в миланском обществе.

Решение отца Леонардо, преуспевающего нотариуса, перевезти в свою семью трёхлетнего незаконнорожденного сына, забрав его у матери-простолюдинки, никоим образом не сказалось на трепетном отношении к ней будущего художника. Тёплые воспоминания о той, что дала ему жизнь и свою безграничную любовь, сделали тему материнства сквозной в творчестве Леонардо. В изображениях мадонн он гармонично сочетает основополагающие принципы христианской и светской живописи. Примером тому может служить и «Мадонна Литта».

Прекрасная молодая мать кормит грудью малыша, гипертрофированность фигуры которого традиционна для картин с религиозным сюжетом. Леонардо отождествляет вскармливание ребёнка с процессом постижения сыном божьим души человека. Щегол с красным оперением, сжимаемый левой ручкой младенца Христа, символизирует пролитую им кровь, ожидающие его страдания, христианскую душу. Существует ещё одна интересная версия относительно образа щегла. На итальянском название этой птицы звучит как Cardellino. Оно имеет общую основу со словом Cardinale, которое переводится как кардинал. Красная макушка щегла может символизировать дзуккетто или пилеолус - шапочку красного цвета, которая служит кардиналам повседневным головным убором. В данном случае красный цвет сообщает о решимости пожертвовать своей кровью и жизнью во имя веры. Использование определённых цветов также наполнено определённым смыслом. Оттенки золота на отворотах одеяния - олицетворение чистоты, голубой или лазурный - непорочность и размышление о Боге, пурпурный - атрибутивный цвет Святой девы. Флорентийские живописцы очень часто использовали эту цветовую гамму в своих полотнах.

Несмотря на обилие религиозных символов святость образов и сюжета не акцентируется. Картина воспринимается как гимн огромной материнской любви и нежности. Профильное изображение лика Мадонны - в духе светского портрета обычной земной женщины (хотя чуть более распространённым считался трёхчетвертной вариант). По канонам церковной живописи такой поворот головы был бы невозможен, так как он избирался для таких героев, как Иуда. Тем самым подчёркивалась их безличность и бесовское начало. Ассоциативный отсыл к манере первого наставника - Андреа Верроккьо - чуть опущенная голова Мадонны, что свидетельствовало об её скромности и уравновешенности. Еле угадываемая улыбка на её немного грустном лице, характерная для многих персонажей на полотнах Леонардо, - также поклон учителю, изваявшему бронзовую статую Давида, на лице которого видна такая же полуулыбка.

Аскетизм тёмного фона и симметричность композиции, создаваемой двумя арочными окнами, лишь подчёркивает это ощущение. Внешний мир представлен подёрнутым голубой дымкой горным пейзажем. Далёкий и холодный, он лишь подчёркивает нежность и теплоту образа матери. Младенец находится на пороге важного для него периода - отлучения от материнской груди. Решение уже принято, специальные разрезы на сорочке зашиты. Ребёнку эта ситуация даётся с трудом. Видя его переживания, мама распарывает один из разрезов (о чём свидетельствуют обрывки нитей), чтобы малыш смог утолить свой голод.

В этой картине использован разработанный Леонардо приём сфумато («рассеянный»), заключающийся в нанесении прозрачных красок на сверхтонкий слой светлого грунта. В результате форма смягчается и моделируется светотенью, возникает рельефность и даже объёмность изображения, как это происходит с лицом и фигурами прекрасной молодой женщины и младенца Христа. Намеренно сгущённый тон тёмного фона делает их ещё объёмнее, ещё больше выдвигая на передний план. Сохранить разрушающуюся от времени картину удалось в момент её передачи в коллекцию Эрмитажа при помощи перенесения на холст с деревянной поверхности. Расположение фигур аналогично древнейшему изображению Богоматери на фреске, найденной в римских катакомбах.

Судьба картины столь же необычна. Причиной её появления стал заказ одного из знаменитых аристократических родов - Литта. Там же она и оставалась долгое время. Волею судеб один из потомков знаменитой семьи - Джулио Ренато - оказался в России. Рыцарь мальтийского ордена получил генеральский чин в совсем молодом возрасте, в 26 лет. Джулио Ренато стал Юлием Помпеевичем. При Павле I принял русское подданство, получил графский титул, был назначен шефом Кавалергардского гвардейского полка. Его женой стала одна из первых красавиц Петербурга Екатерина Скавронская. После её смерти, по предположениям историков, имел место роман между ним и его падчерицей, Юлией Самойловой. Неудивительно, что большую часть огромного состояния Юлия Помпеевича, в том числе и «Мадонну Литту», после его кончины унаследовала именно она. Многие годы в неё был влюблён Карл Брюллов, воплотивший пленительный образ во многих своих полотнах. На склоне жизни, переехав в Италию прекрасная дама утратила большую часть состояния.

«Мадонна Литта» была продана Эрмитажу в 1865 году за 100 тыс. франков герцогом Литта, одним из потомков Юлия Помпеевича.

Леонардо да Винчи «Мадонна Литта»

Сюжет картины Леонардо да Винчи «Мадонна Литта»

Это распространенный богословский сюжет, посвященный Богоматери и Младенцу-Христу. Согласно раннехристианской традиции, художник показывал Марию целиком сосредоточенной на ребенке, тогда как взгляд маленького Иисуса был устремлен на зрителя. Так же композиционно решена и работа да Винчи «Мадонна Литта». Дева Мария изображена на фоне двух окон в виде арок, из которых льется голубой прозрачный свет, усиливая темный фон за ее спиной. Спереди фигура Богоматери с младенцем освещена мягким светом, источник которого расположен как бы перед изображением. Мать любовно и бережно держит, обхватив, младенца. Мальчик нежно приник к ней. Правой ручкой он обхватил материнскую грудь, а в левой - держит щегленка.

Символика полотна Леонардо да Винчи «Мадонна Литта»

Она заложена и в сюжете, и в композиции картины. Одухотворенный взгляд Богоматери подчеркнуто сконцентрирован на сыне, поскольку для нее Он является центром Вселенной. Взор младенца размыкает закрытую композицию картины. Христос глядит на зрителей и словно бы говорит: «Я всегда с вами». Такая символика присутствовала на раннехристианских фресках, найденных в римских катакомбах. Она очень впечатлила Леонардо да Винчи. «Мадонна Литта» стала результатом творческого осмысления этого символического обещания Христа человечеству, так же как и изображение процесса кормления. Бог воплотился в человека и вскормлен молоком матери. Через это кормление Он принимает и человеческую душу. И здесь знаменательной деталью видится изображение щегленка. Историкам известен тот факт, что Леонардо нередко приходил на птичий рынок, покупал и отпускал в небо птиц. Художник считал, что птичья душа через кормление копирует душу человека. Фигурка щегла на картине как бы подтверждает идею о том, что в сцене вскармливания младенца материнским молоком происходит другое таинство - духовное кормление.

Судьба великой картины

До того как художественное произведение оказалось в залах Эрмитажа, оно хранилось в коллекции миланского герцога Литта. Отсюда возникло название картины. До этого она именовалась «Мадонна с младенцем». В 1865 году герцог продал картину Эрмитажу за сто тысяч франков. Произведение было в таком плачевном состоянии, что потребовалась срочная реставрация. Картину перенесли с дерева на холст, применив уникальную технологию. Особенность восстановления полотна заключалась еще и в том, что автор при ее создании сам немало экспериментировал, создавая новые соединения красящих пигментов, смешивая масло и темперу и используя специальный клей, синтезированный из мельчайших частиц козьего пергамента и имевший кристальную прозрачность. Художник добивался точности в передаче своего замысла на полотне, поскольку был убежден в том, что результат работы мастера сродни творению Бога. Леонардо да Винчи считал, что в воздухе витают образы и подобия, а задача художника - уловить и воплотить их. Понятия образа (imago) и подобия (similitude) в средневековом богословии означало также Тело и Кровь Христа. Вот что закодировал в своих художественных творениях великий Леонардо. Дата и авторство картины Традиционно считается, что картина Леонардо да Винчи «Мадонна Литта» была начата в 1480 году и переписана в 1495-м. Однако некоторые исследователи считают, что полотно было создано в начале 1500-х годов. Такое предположение связано с данными о том, что Леонардо получил в 1506 году заказ на изображение Мадонны от французского короля Людовика XII и от Папы Льва X, который просил написать Мадонну с младенцем на руках. И как раз в картине «Мадонна Литта» (фото - в статье) ребенок не сидит на коленях у матери, как Леонардо рисовал на других полотнах, а покоится в ее руках.

Традиционно считается, что картина Леонардо да Винчи «Мадонна Литта» была начата в 1480 году и переписана в 1495-м. Однако некоторые исследователи считают, что полотно было создано в начале 1500-х годов. Такое предположение связано с данными о том, что Леонардо получил в 1506 году заказ на изображение Мадонны от французского короля Людовика XII и от Папы Льва X, который просил написать Мадонну с младенцем на руках. И как раз в картине «Мадонна Литта» (фото - в статье) ребенок не сидит на коленях у матери, как Леонардо рисовал на других полотнах, а покоится в ее руках.

http://fb.ru/article/138978/tayna-shedevra-leonard...nchi-madonna-litta#image386948

Оригинал записи и комментарии на

Рафаэль, пожалуй, самый популярный и широко ценимый художник Италии эпохи Возрождения , был человеком самых разнообразных талантов. Он сменил Браманте в должности архитектора собора Святого Петра, наблюдал за раскопками древнеримских древностей, исполнял монументальные фрески, блестящие религиозные композиции и портреты. Однако, лучше всего он известен как художник Мадонн, и его непревзойденная популярность в последующих поколениях создана в основном гармонией и красотой созданных им образов Богородицы. Он изображал Мадонну как небесное существо, которое в то же время состояло из плоти и крови. В картинах Рафаэля Мадонна представлена в самых разнообразных видах: на троне, парящей в небесах, на фоне природного ландшафта или во внутреннем интерьере, вдвоём с Младенцем Христом или в окружении святых.

Рафаэль. Мадонна с младенцем и святыми, ок. 1502

Дерево, масло. 34 х 29 см. Берлинская картинная галерея

Эта картина, близкая по духу к умиротворяющему искусству Перуджино , известна также под название Мадонны фон дер Роппа. Рафаэль представил здесь Богоматерь с благословляющим Младенцем Христом в окружении святых Иеронима и Франциска.

Рафаэль. Мадонна с младенцем и святыми. Ок. 1502

Рафаэль. Мадонна Солли, ок. 1502

Дерево, масло. 52 х 38 см. Берлинская картинная галерея

До приезда во Флоренцию, Рафаэль уже создавал небольшие молитвенные изображения Мадонны с младенцем, связанные с тогдашней популярностью различных версий картин Перуджино. Интересную серию этого типа можно увидеть в нескольких примерах 1502-1504, написанных на тему Мадонны с книгой. Это картины «Мадонна Солли» (сейчас в Берлине, ранее принадлежала англичанину Эдварду Солли), «Мадонна Нортона Саймона» (в Калифорнии) и «Мадонна Конестабиле» (в Санкт-Петербурге).

Рафаэль. Мадонна Солли, ок. 1502

На картине «Мадонна Солли» Дева Мария читает, а младенец Христос поворачивает голову в сторону её книги. В руках у него зяблик – прообраз его будущих Страстей, а Дева Мария читает пророчества о них.

Рафаэль. Мадонна Диоталлеви. Ок. 1504

Дерево, масло. 69 х 50 см. Музей Боде, Берлин

Эта Мадонна некогда находилась в коллекции Диоталлеви Римини. Одно время считалось, что её написал Перуджино, но затем авторство Рафаэля стало почти общепризнанном. Лишь искусствовед Адольфо Вентури полагает, что «Мадонна Диоталлеви» создана каким-то третьим, неизвестным мастером.

Дева Мария изображена здесь не во весь рост. Христос сидит у неё на коленях, а Иоанн Креститель стоит рядом.

Рафаэль. Мадонна Диоталлеви. Ок. 1503

В этой Мадонне Рафаэля еще сильны отголоски готической живописи. Они особенно заметны в чересчур маленькой голове Марии. Сидя у неё на коленях, Иисус благословляет младенца Иоанна Предтечу. Ландшафт чем-то напоминает искусство северных мастеров

Хотя композиция «Мадонны Диоталлеви» и типы её персонажей напоминают стиль Перуджино, её строгая простота и яркие цвета могут быть признаны характерными особенностями искусства Рафаэля.

Фон «Мадонны Диоталлеви» типичен для умбрийской школы: это отдалённые, едва различимые холмы, выписанные в нежном, ясном воздухе.

Рафаэль. Мадонна с младенцем. Ок. 1503

Мадонна держит Младенца Христа с большой нежностью. Они оба вместе читают Часослов, который открыт по молитве девятого часа после рассвета – часа Благовещения, когда Дева узнала о том, что ей предстоит родить Мессию. Но девятый час был также часом смерти Иисуса на кресте. Оторвавшись от чтения, Мадонна и её Сын задумчиво глядят друг на друга, с мыслью о грядущих событиях.

Рафаэль. Мадонна с младенцем. Ок. 1503

Эта картина Рафаэля известна также под названием «Мадонна Нортона Саймона» ­­– по своему местонахождению в музее Нортона Саймона (Пасадена, пригород Лос-Анджелеса, США).

Рафаэль. Мадонна на троне с младенцем и святыми. Алтарь семейства Колонна. 1504-1505

Темпера и золото на дереве. 172 х 172 см. Метрополитен-музей, Нью-Йорк

Эта панель и люнет являются относительно ранней работой Рафаэля и известны также как Алтарь семейства Колонна. Он написан для монастыря святого Антония Падуанского в Перудже. Рафаэль начал эту картину, когда ему едва исполнилось 20 лет, как раз перед отъездом во Флоренцию (1504) и завершил ее в следующем году после возвращения в Перуджу.

Рафаэль. Мадонна на троне с младенцем и святыми. Алтарь семейства Колонна. 1504-1505

Влияние учителя Рафаэля, Перуджино, можно увидеть в консервативной композиции. Тем не менее, Рафаэль сумел вложить в эту тесно расположенную группу широту и достоинство, которые он почерпнул из работ Фра Бартоломео во Флоренции. Особенно красив способ, которым фигуры заполняют изогнутую форму люнета. По бокам Богоматери и Христа располагаются младенец Иоанн Креститель, святые Петр, Екатерина, Сесилия (?) и Павел.

Рафаэль. Мадонна Грандука. 1504

Дерево, масло. 84 х 57 см. Галерея Палатина (Палаццо Питти), Флоренция

«Мадонна Грандука» написана Рафаэлем в начале флорентийского периода творчества . Фигуры Богоматери и Младенца как бы появляются из темного фона (элемент, очевидно, заимствованный у Леонардо да Винчи). Они соединяются друг с другом чувством нежной любви, которое видно прежде всего в жесте ребенка: глядя в сторону зрителя, он прижимается к своей матери.

Рафаэль. Мадонна Грандука. 1504

«Мадонна Грандука» – одно из самых прекрасных творений Рафаэля раннего периода. Трактовка образа Пресвятой Богородицы Рафаэлем была принята последующими поколениями в качестве такого же «эталона», как выработанная Микеланджело концепция Бога Отца. Такие картины, как «Мадонна Грандука», признаны поистине «классическими» в том смысле, что они служили бесчисленным поколениям стандартом совершенства, как прежде произведения Фидия и Праксителя.

Если мы сравним «Мадонну Грандука» Рафаэля с бесчисленными полотнами ту же тему его предшественников, то почувствуем, что все они были лишь поисками той совершенной простоты, которой Рафаэль наконец достиг. Создаётся впечатление, что образ Мадонны и Христа и не может быть иным, что он так и существовал от начала времен.

Рафаэль. Мадонна Конестабиле (Мадонна с книгой). 1504

Темпера, холст, перенесено с дерева. Диаметр 17,9 см. Эрмитаж Санкт-Петербург

«Мадонна Конестабиле» – картина из серии Богоматери с книгой. К ней относятся также «Мадонна Солли», «Мадонна Нортона Саймона» и другие произведения Рафаэля.

Семейство графов Конестабиле из Перуджи в 1871 продало миниатюрную «Мадонну Конестабиле» русскому царю Александру II, который подарил её своей жене, царице Марии Александровне. Так картина попала в петербургский Эрмитаж.

Рафаэль. Мадонна Конестабиле (Мадонна с книгой). 1504

Уже и до работы над «Мадонной Конестабиле» Рафаэлю приходилось сталкиваться с проблемой создания круглых композиций. На этой круглой картине он обеспечил подходящее размещение фигур путём совмещения вертикальной фигуры Мадонны и горизонтальных линий ландшафта.

При переносе «Мадонны Конестабиле» с дерева на холст в конце XIX века было обнаружено, что поначалу вместо книги в руках у Богоматери был плод граната, олицетворявший пролитую при крестном мученичестве кровь Христа.

Советские вожди, широко распродававшие художественные сокровища дореволюционных музеев за валюту, вывозили на торги в Европу и «Мадонну Конестабиле» Рафаэля. К счастью, покупателя на неё в тот момент не нашлось, и картина осталась в Эрмитаже.

Рафаэль. Мадонна Конестабиле (с обрамлением). 1504

Роскошная рама «Мадонны Конестабиле», видимо, тоже была исполнена по эскизу Рафаэля.

Рафаэль. Мадонна с младенцем (Малая Мадонна Каупера). 1504-1505

Масло, дерево. 58 х 43 см. Национальная галерея искусств. Вашингтон

Малая Мадонна Каупера называется так, потому что она являлась меньшей из двух Мадонн Рафаэля принадлежавших английскому коллекционеру Лорду Кауперу. Эта картина была написана Рафаэлем в возрасте 22 лет. Она отражает не только сильное влияние его умбрийского учителя, Перуджино, но и его флорентийских соперников, Леонардо да Винчи и Микеланджело .

Рафаэль. Мадонна с младенцем (Малая Мадонна Каупера). 1504-1505

Малая Мадонна Каупера является более аналитическим вариантом однородной и внутренне прочной группы Мадонны Грандука. Влияние на Рафаэля Леонардо чувствуется здесь в широком, мягком ландшафте. Пейзаж Малой Мадонны Каупера включает в себя небольшую церковь с цилиндрическим куполом – возможно, намек на архитектуру Браманте. Не исключено, что это – францисканский монастырь Сан-Бернардино вблизи родного города Рафаэля, Урбино.

Рафаэль. Мадонна Террануова. Ок. 1505

Дерево, масло. Диаметр 86 см. Государственные музеи, Берлин

Совершенная форма круга была популярна в пятнадцатом и начале шестнадцатого веков как символ космической гармонии. Рафаэль использовал её в своей картине «Мадонна Террануова». Иисус Христос показан здесь с младенцем Иоанном Крестителем и ещё одним святым ребёнком с правой стороны. Треугольник, образованный Девой Марией и двумя стоящими мальчиками, характерен для Высокого Возрождения.

Рафаэль. Мадонна Террануова. Ок. 1505

На свитке, который держат Иисус и Иоанн Креститель написан латинский текст: «Вот Агнец Божий». Это – слова, произнесённые Иоанном во время Крещения Христа.

Рафаэль. Мадонна в зелени (Мадонна Бельведерская). 1506

Дерево, масло. 113 х 88 см. Музей истории искусств Вена

Картина «Мадонна в зелени», именуемая также «Мадонной в лугах» и «Мадонной Бельведерской», изображает апокрифическую встречу между младенцами Иисусом и Иоанном Крестителем. Рафаэль представляет здесь мальчика-Христа принимающим крест от Иоанна.

Рафаэль. Мадонна в зелени, 1506

Расположенные «закрученно» фигуры двух детей явно отражают образные методы Микеланджело. Пирамидальная структура группы действующих лиц «Мадонны в зелени» вызывает в памяти Леонардо да Винчи. Но в заимствованной у Леонардо объемной концепции Рафаэль придаёт свою характерную идиллическую безмятежность.

Рафаэль. Мадонна со щегленком. 1507

Дерево, масло. 107 х 77 см. Галерея Уффици, Флоренция

«Мадонна со щегленком» была написана Рафаэлем для своего друга, богатого купца Лоренцо Нази. Эта картина была серьезно повреждена после частичного обрушения дома Нази при обвале горы Сан-Джордже (1548). Впоследствии «Мадонна со щегленком» была восстановлена Ридольфо дель Гирландайо.

Младенец Христос любовно поглаживает щегленка, которого протягивает ему мальчик Иоанн Креститель. На первый взгляд в этом можно увидеть простую игру детей, однако нельзя забывать, что щегол в символике эпохи Возрождения был олицетворением Страстей (ибо эта птица кормится в терниях). Щегленок здесь – символ будущих Страстей Христовых, и лицо младенца Иисуса, принимающего от Иоанна птенца, очень серьезно.

Рафаэль. Мадонна со щеглёнком. 1507

Композиция этой картины Рафаэля почти повторяет « », но с той существенной разницей, что дети в «Мадонне со щегленком» теснее объединены с центральной фигурой Богородицы. Цвет этой картины более живой, чем у «Мадонны в зелени». Пейзаж, с необычными для средиземноморской Италии островерхими крышами и высокими шпилями, отражают влияние фламандского искусства. Образ Младенца, опирающегося босыми пальчиками на ногу Девы Марии, явно навеян выполненной Микеланджело незадолго до этого статуей «Мадонны Брюгге».

По словам Вазари, Христос и Иоанн Креститель в картине «Мадонна со щегленком», «образуют группу, полную какой-то ребячливой простоты и в то же время глубокого чувства, не говоря о том, что они так хорошо выполнены в цвете и так тщательно выписаны, что кажутся состоящими из живой плоти, а не сделанными при помощи красок и рисунка».

Рафаэль. Мадонна с Младенцем и Иоанном Крестителем (Прекрасная Садовница). 1507

Дерево, масло. 122 х 80 см. Музей Лувр, Париж

Композиция «Прекрасной садовницы» является зеркальным отражением «Мадонны в зелени». Рафаэль не завершил эту картину, и она, по преданию, была закончена Ридольфо дель Гирландайо. Позже «Прекрасную садовницу» приобрел король Франции Франциск I. Эта картина известна в первую очередь гармонической и пропорциональной балансировкой поз фигур. Лицо Богородицы с «Прекрасной садовницы» служило моделью красоты для многих поколений художников.

Рафаэль. Мадонна с Младенцем и Иоанном Крестителем (Прекрасная Садовница). 1507

«Прекрасная садовница» – кульминация всех флорентийских мадонн Рафаэля.

Рафаэль. Мадонна Бриджуотера. Ок. 1507

Холст, масло, перенесено с панели. 81 х 57 см. Шотландская национальная галерея, Эдинбург

Технические исследования окрашенной поверхности «Мадонны Бриджуотера» во время реставрации показали, что на картине вначале был природный ландшафт. Его устранение и замена обстановкой темного интерьера позволило Рафаэлю сосредоточить внимание зрителя на двух центральных фигурах, с драматическим акцентом на контрасте света и тьмы.

Рафаэль. Мадонна Бриджуотера. Ок. 1507

Тело ребенка Иисуса в «Мадонне Бриджуотера» тщательно смоделировано для достижения прочного, объемного эффекта, который придаёт ему скульптурные качества. Скульптурная прочность и двойной «перекрут» младенца, вероятно, вдохновлены влиянием работы Микеланджело Тондо Таддеи.

Рафаэль. Мадонна Каниджани (Святое семейство Каниджани). 1507

Дерево, масло. 131 х 107 см. Старая пинакотека, Мюнхен

Название картины происходит от флорентийской семьи Каниджани, которая поначалу владела этой работой Рафаэля. Мадонна и Праведная Елизавета (мать Иоанна Предтечи) сидят на траве со своими детьми. Иосиф Обручник стоит над ними.

Рафаэль. Мадонна Каниджани (Святое семейство Каниджани). Версия после реставрации Юбера фон Зонненбурга

Пирамида, в которую идеально вписываются фигуры «Мадонны Каниджани», заимствована у Леонардо да Винчи, но взаимные чувства между участниками сцены, выраженные их взглядами и общим безмятежным настроением, придают композиции спокойный описательный характер. Поэтому общий тон картины довольно сильно отличается от напряженного и взволнованного искусства Леонардо.

В 1982 году немецкий реставратор Юбер фон Зонненбург предпринял восстановление «Мадонны Каниджани» и удалил искажающий синий слой краски, нанесённый в XVIII столетии в области неба. Теперь можно снова видеть оригинальную концепцию Рафаэля, с путти (ангелочками) слева и справа вверху.

Рафаэль. Мадонна под балдахином. 1507-1508

Холст, масло. 276 х 224 см. Палатинская галерея (Палаццо Питти), Флоренция

Универсальность и неисчерпаемое разнообразие искусства Рафаэля позволяют ему переходить в своих картинах от простых форм к более монументальным и сложным, от спокойного настроения к мощной эмоциональности.

Примером его сложной и эмоциональной работы является «Мадонна под Балдахином». Её монументальная композиция заимствована отчасти из венецианской традиции, отчасти от Фра Бартоломео. Апсида церкви сильно напоминает крупные композиции великого венецианца Джованни Беллини, а влияние Фра Бартоломео проявляется в основном в монументальности и в позах фигур.

Рафаэль. Мадонна под балдахином. 1507-1508

Полукруглое расположение святых вокруг Мадонны и возбуждение летающих ангелов, которые держат завесу балдахина, дают ощущение свободной циркуляции воздуха. Все фигуры «Мадонны под балдахином» поставлены по-разному и выражают широкое разнообразие чувств. В будущем оно будет ещё ярче продемонстрировано в крупных описательных композициях Рафаэля, который он создаст для Ватикана.

Богородица сидит на троне под балдахином. Святые Петр и Бернард находятся слева от неё, а святой Августин , и, вероятно, святой Иаков Старший (Зеведеев) стоят справа.

Рафаэль. Святое семейство с агнцем. 1507

Дерево, масло. 29 х 21 см. Музей Прадо, Мадрид

Небольшая картина «Святое семейство с агнцем» предназначена для личного поклонения и относится к флорентийскому периоду творчества Рафаэля, до того, как он отправился в Рим . Во Флоренции молодой художник стремился усвоить стиль таких мастеров, как Леонардо и ранний Микеланджело. Но миниатюрная тонкость и спокойствие «Святого семейства с агнцем» воскрешает в памяти период первоначального обучения Рафаэля в Умбрии у Перуджино. Здесь проявляется и его знакомство с нидерландской живописью, особенно явное в ландшафте.

Рафаэль. Святое семейство с агнцем. 1507

Есть несколько версий этой картины. Все они изображают Мадонну поддерживающей Христа, который сидит верхом на агнце – с фигурой старика Иосифа, господствующей над прочими. Данная версия, из музея Прадо (Мадрид), была позже помечена словами RAPHAEL URBINAS MDVII на декольте Богородицы. Искусствовед Педретти замечает, что версия «Святого семейства с агнцем», находящаяся в Вадуце, подписана 1504 годом, так что, видимо, именно её надо считать оригинальной.

Рафаэль. Большая Мадонна Каупера (Мадонна с Младенцем). 1508

Дерево, масло. 81 х 57 см. Национальная галерея искусств, Вашингтон

Доминирование лирического и изящного начал над религиозным содержанием позволяет отнести эту картину (известный также как Мадонну Никколини – Каупера) к флорентийскому периоду творчества Рафаэля, 1505-08. И в самом деле, она подписана и датирована 1508 годом – концом пребывания Рафаэля во Флоренции. Дата 1508 и монограмма художника "RV" размещены в вышивке платья Богородицы. Название «Мадонна Никколини – Каупера» происходит от имён двух бывших владельцев картины.

Объёмные, хорошо сформированные фигуры говорят о раннем влиянии на Рафаэля Микеланджело, а мягкое моделирование и использование светотени – о влиянии Леонардо да Винчи. Ещё яснее в этой Мадонне воздействие Фра Бартоломео.

Рафаэль. Мадонна с Младенцем (Большая Мадонна Каупера). 1508

Композиция «Большой Мадонны Каупера» чрезвычайно проста. Вся сцена сводится к движению Младенца, который тянется рукой к Деве Марии, а глазами смотрит на зрителя, и жесту, с которым Мадонна держит руку у груди. Здесь впервые появляется чувство тревожного материнства, которое Рафаэль с ещё большей силой выразит в «Мадонне Темпи» (Старая Пинакотека, Мюнхен).

Рафаэль. Мадонна Темпи. 1508

Дерево, масло. 75 х 51 см. Старая Пинакотека, Мюнхен

Чувство материнской тревоги, усиленное тревожным предчувствием будущего, мощно выражено Рафаэлем в «Мадонне Темпи». Она глядит только на него, но сам Христос смотрит на зрителя и этим привлекает нас к этой интимной сцене.

Рафаэль. Мадонна Темпи. 1508

Две фигуры «Мадонны Темпи» задуманы как единая группа, которая определяет весь визуальный эффект сцены. Раздутая ветром мантия Мадонны создаёт эффект движения. Две противоречивые цели: потребность художника в формальной красоте, с одной стороны, и эмоциональн/pая правдивость фигур, с другой, достигаются в «Мадонне Темпи» демонстрацией чувства нежности матери к ребенку.

Название картины происходит от флорентийской фамилии Темпи, которой эта Мадонна первоначально принадлежала.

Рафаэль. Мадонна Эстергази (Мадонна с Младенцем и ребёнком Иоанном Крестителем). Ок. 1508

Дерево, темпера, масло. 29 х 22 см. Будапешт

Рафаэль помещал своих возвышенных и прекрасных мадонн посреди идеализированных зеленых ландшафтов. Это хорошо демонстрирует удивительно утончённая небольшая панель «Мадонна Эстергази» (сейчас хранится в Будапеште). Она была написана в начале пребывания художника в Риме . Незавершённость этой работы раскрывает некоторые подробности процесса её создания. Идиллическая атмосфера пейзажа с римскими архитектурными мотивами дополняет гармонию фигур и цвета.

Рафаэль. Мадонна Эстергази (Мадонна с Младенцем и ребёнком Иоанном Крестителем). Ок. 1508

Эта картина Рафаэля была подарена супруге императора Карла папой Климентом XI. Позже, возможно, в качестве подарка императрицы Марии Терезии, она перешла во владение князя Кауница, а от него, в XVIII веке, – в коллекцию князя Эстергази – отсюда название «Мадонна Эстергази». Многочисленные репродукции свидетельствуют о популярности этой картины. Подготовительный эскиз Рафаэля к ней хранится в коллекции Уффици.

Рафаэль. Мадонна Ансидеи (Мадонна с Младенцем, алтарь Ансидеи), ок. 1505

Дерево, масло. 209,6 х 148,6 см. Национальная галерея, Лондон

Светлый пейзажный фон и высокий балдахин «Мадонны Ансидеи» отдалённо напоминают искусство Пьеро делла Франческа, но типы фигур психологически более сложны и структурно более объемны. Картина порождает чувства монументальности и гармонической пропорции, постоянные в позднейшем искусстве Рафаэля.

Алтарь Ансидеи имел и пределлу с тремя панелями. На них были изображены проповедь Иоанна Крестителя, сцена бракосочетания Богородицы и иллюстрация к легенде о спасении святым Николаем Чудотворцем жизней моряков.

Рафаэль. Святое семейство с безбородым Иосифом. 1506

Темпера на холсте, перенесено с дерева. 74 х 57 см. Эрмитаж, Санкт-Петербург

Одна из версий Святого семейства, написанная Рафаэлем. Её особенность в том, что святой Иосиф, изображаемый обычно с бородой, здесь представлен безбородым. Есть предположение, что это – одна из двух упомянутых Вазари картин, которые были выполнены Рафаэлем в Урбино для Гвидобальдо да Монтефельтро.

Рафаэль. Святое семейство с безбородым Иосифом. 1506

Способ, каким изображен на этой картине Иосиф, – весьма характерный для портретов частных лиц и необычный для иконографий святых, – породил гипотезы, что в данном случае прототипом для Рафаэля послужил один из его современников. Более вероятно, однако, что художник вдохновлялся изображениями стариков, сделанными Леонардо да Винчи .

Рафаэль. Мадонна Колонна. Ок. 1508

Холст, масло. 77 х 56 см. Государственные музеи, Берлин

Картина Рафаэля «Мадонна Колонна» названа в честь римской княжеской фамилии, из числа которой вышло несколько пап. Написанная в 1508, в первый год пребывания Рафаэля в Риме , эта Мадонна исполнена в удивительно светлых тонах. Это наводит на мысль, что картина, возможно, не полностью завершена.

Рафаэль. Мадонна Колонна. Ок. 1508

Младенец Иисус отвлекает Деву Марию чтения. Он смотрит на зрителя, протянув руку к декольте Мадонны и явно желая, чтобы она его покормила. Закручивание фигур («torsion»), заимствованное у великих флорентийских мастеров, сильно отдаляет эту картину Рафаэля от самодовлеющего, статического мира его первого учителя, Перуджино.

Рафаэль. Мадонна Лорето (Мадонна с вуалью). 1509-1510

Дерево, масло. 120 х 90 см. Музей Конде, Шантийи, Франция

Это изображение Мадонны было передано римской церкви Санта-Мария-дель-Пополо папой Юлием II. Картина с сильным позднейшим верхним слоем «исправлений» до 1979 связывалась с именем художника Пенни, но затем была признана несомненной работой Рафаэля.

Рафаэль. Мадонна Лорето. 1509-1510

«Мадонна Лорето» – одна из наиболее часто копировавшихся работ Рафаэля. Число известных копий с неё близко к 120. Название «Мадонна Лорето» происходит от одной – теперь утерянной – копии в римской базилике Санта Каза ди Лорето. Эта копия и считалась очень долго оригинальной картиной Рафаэля.

Рафаэль. Сикстинская Мадонна. 1513-1514.

Холст, масло. 270 х 201 см. Галерея старых мастеров, Дрезден

На полотне с Девой Марией, Младенцем, святым Сикстом и святой Варварой, обычно называемом «Сикстинской мадонной», персонажи расположены в воображаемом пространстве, которое они сами же и создают. Фигуры стоят на ложе из облаков, обрамленном тяжелыми занавесями, которые открыты в обе стороны. Мадонна как бы выходит из неба через плоскость картины в действительный мир, к зрителю. Жест святого Сикста и взгляд святой Варвары направлены на верующих, которых Рафаэль предполагает расположенными за балюстрадой в нижней части картины. Папская тиара, лежащая наверху этой балюстрады, играет роль моста между реальным и живописным пространствами.

Рафаэль. Сикстинская мадонна, 1513-1514

«Сикстинская мадонна», вероятно, предназначалась для украшения гробницы папы Юлия II . Святой Сикст был покровителем фамилии этого папы (делла Ровере), а святая Варвара и два крылатых «гения» в нижней части картины символизировали похоронную церемонию. Это полотно Рафаэля хранилось в монастыре Святого Сикста в Пьяченце, а затем было подарено его монахами королю саксонскому, Августу III. После капитуляции Германии во Второй мировой войне «Сикстинская мадонна» была перевезена в Москву, но позже возвращена в Дрезден.

Два крылатых путти с «Сикстинской Мадонны» Рафаэля, вероятно, являются самыми известными живописными ангелами. Им уже полтысячелетия. Их непрерывный успех, не ослабевший по сей день, объясняется, видимо, тем, что в этих фигурках Рафаэль соединил истинное христианское религиозное чувство с языческими и светскими мотивами, детское озорство с высоким искусством.

Ангелочки с «Сикстинской мадонны» многократно воспроизводились в разных вариациях на других живописных полотнах, в книгах, газетах и журналах.

Леонардо да Винчи (1452-1519). «Мадонна с Младенцем» («Мадонна Литта»). Фото: Государственный Эрмитаж

Один из ведущих исследователей творчества Леонардо да Винчи Мартин Кемп заявил, что лондонская Национальная галерея не прислушалась к мнению своих кураторов и выставила на выставке-блокбастере 2011-2012 годов «Леонардо да Винчи. Художник при миланском дворе» предоставленную Государственным Эрмитажем «Мадонну Литта» как оригинал мастера, а не работу его ученика.

Как объясняет Кемп в интервью для приложения The Art Newspaper Weekly, посвященном его новой книге Living with Leonardo («Жизнь с Леонардо»), которая должна увидеть свет 1 мая в издательстве Thames & Hudson, почти все специалисты считают, что «Мадонна Литта» «основана на эскизе Леонардо... но фактическое исполнение — мастерская… это Больтраффио». Эрмитаж, однако, «хочет, чтобы это все-таки был Леонардо».

Кемп, почетный профессор Оксфордского университета, говорит, что в 2011 году «Мадонна Литта» понадобилась Национальной галерее для выставки, «и условия ее получения заключались в том, что описывать ее в каталоге будет Татьяна Кустодиева». Таким образом, Татьяна Кустодиева, ведущий научный сотрудник отдела западноевропейского изобразительного искусства Эрмитажа, была единственным специалистом из всех музеев, предоставивших работы на выставку, кто поучаствовал в лондонском каталоге. Кустодиева описала «Мадонну Литта» как работу Леонардо, датированную 1491-1495 годом. По словам Мартина Кемпа, вместо того, чтобы серьезно отнестись к другим возможным атрибуциям, она заявила, что есть «неопровержимые доказательства» руки мастера.

В предисловии к соответствующему разделу каталога куратор Национальной галереи Люк Сайсон (сейчас работает в Метрополитен-музее в Нью-Йорке) признал, что относительно «Мадонны Литта» есть разные мнения и многие искусствоведы считают ее «продуктом мастерской», вероятно, произведением кисти Джованни Больтраффио. Однако Сайсон избегал откровенно говорить о своем личном мнении.

Кемп заявил, что у него «вызывает беспокойство» то, что Национальная галерея своим именем подтверждает атрибуцию, которую, по-видимому, не поддерживают ее собственные кураторы. Он также заметил, что картина явно «озадачивала» посетителей, поскольку эскиз с драпировкой для «Мадонны Литта» был представлен на выставке как работа Больтраффио. Въедливые посетители могли бы спросить: «Почему Леонардо делает что-то, основанное на наброске своего ученика Больтраффио?»

Выставка Национальной галереи, в которую вошел и недавно «Спаситель мира», рассматривалась как важная для установления корпуса произведений Леонардо миланского периода. Она стала одной из самых популярных в истории музея, ее посетило 324 тыс. человек.

Национальная галерея и Люк Сайсон отказались комментировать заявления Кемпа.

Вместе с тем Татьяна Кустодиева сообщила The Art Newspaper Russia, что знакома с мнением Кемпа, но не согласна с ним.

«Эрмитаж проводил достаточно экспертиз, достаточно исследований, и мы никому ничего дополнительно доказывать не собираемся. У нас опубликованы специальные издания, посвященные этим исследованиям, и меня, как и Эрмитаж в целом, не интересует мнение лондонского специалиста. Если он уверен в своей атрибуции, пусть докажет», — сказала она.

В официальной информации о картине на сайте Государственного Эрмитажа сообщается, что авторство «Мадонны с младенцем» («Мадонны Литта») принадлежит Леонардо да Винчи, она была написана в Италии в середине 1490-х годов.

«Картина исполнена, очевидно, в Милане, куда художник переехал в 1482 г. Она относится к числу произведений, появление которых ознаменовало новый этап в ренессансном искусстве — утверждение стиля Высокого Возрождения. Прекрасная женщина, кормящая младенца, предстает олицетворением материнской любви как величайшей человеческой ценности. Композиция картины лаконична и уравновешенна. Фигуры Марии и младенца Христа моделированы тончайшей светотенью. В проемах симметричных окон открывается бескрайний горный пейзаж, напоминая о гармонии и грандиозности мироздания. Картина поступила в 1865 г. из миланского собрания герцога Антонио Литта, с именем которого связано ее второе название. Подготовительный рисунок к эрмитажному полотну хранится в Париже в Лувре».