De största Ukiyo-e-konstnärerna. Hokusai - Japans värld Samtida japanska konstnärer man och hustru

Japansk konst i allmänhet och japanskt måleri i synnerhet verkar komplex och obskyr för många västerlänningar, precis som kulturen i öst i allmänhet. Dessutom är det sällsynt att någon skiljer mellan stilarna för japansk målning. Men det skulle vara trevligt för en kultiverad person, särskilt om han är en finsmakare av skönhet, att förstå detta ämne.

Japansk kultur och måleri i antiken

Representanter för den tidiga Jomon-kulturen (cirka 7000 f.Kr.) var engagerade i tillverkningen av lerfigurer, främst kvinnofigurer. Under en senare period började nykomlingar tillverka kopparvapen, bronsklockor med figurer schematiskt ritade på dem och primitiv keramik. Väggmålningar av antika gravar och konturbilder på klockor anses vara de tidigaste exemplen på japansk målning.

Inflytande av buddhism och kinesisk kultur

Utvecklingen av konst i Japan fick en allvarlig impuls med buddhismens ankomst från Korea och Kina till japanskt territorium. Människor vid makten visade särskilt intresse för buddhismen. Målning från 700- och 900-talen kopierade nästan helt den kinesiska visuella traditionen; huvudämnena för den tiden var Buddha, allt som var kopplat till honom och scener från buddhistiska gudars liv. Under 900-talet var japansk måleri starkt influerad av buddhismens skola Pure Land.

På 600-talet började byggandet av tempel och kloster i hela Japan, vilket krävde speciell tematisk utsmyckning. Tempelväggsmålning är ett av de första stegen i utvecklingen av japansk konst. Livliga exempel på tempelmålning är väggmålningarna i templen i Asuka-dera, Shitenoji och Horyuji. Några av den tidens mest framstående verk finns i den gyllene salen i Horyuji-templet. Förutom väggmålningar installerades statyer av Buddha och andra gudar i tempel.

I mitten av Hainan-perioden ersattes den kinesiska målarskolan i Japan av en egen stil kallad Yamato-e. Målningar i Yamato-e-stil dekorerade vikskärmar och skjutdörrar; som regel var Yamato-e huvudämnet Kyoto och scener från stadens liv. Landskapsblad och illustrationer på rullar (emaki) som huvudformat för målning dök upp nästan samtidigt med Yamato-e. De mest kända verken i emaki-stil kan ses i det japanska eposet The Tale of Genji, som går tillbaka till 1130, även om det kunde ha skrivits tidigare.

Under maktövergången från aristokratin till samurajerna investerade aristokrater, som fruktade att förlora sin rikedom, ofta sina medel i konstverk och nedlåtande av den tidens kända konstnärer på alla möjliga sätt. Klassiska exempel på arbete som aristokrater valde, som regel, utformades i stil med konservatism. Samurajerna föredrog realism, under Kamakura-perioden (1185-1333) rådde dessa två trender inom de sköna konsterna i Japan.

På 1200-talet kändes den japanska kulturen ganska starkt påverkad av zenbuddhismen. Bläckmålning praktiserades i stor utsträckning i klostren Kamakura och Kyoto; bläckmålningar användes oftast för att dekorera rullar, väggbonader eller rörformade rullar. Bläckteckningarna var i en enkel monokrom stil, i huvudsak en målarstil som kom till Japan från sångens Kina (960-1279) och Yuan (1279-1368) imperier. I slutet av 1400 blev monokroma bläckmålningar kallade shibokuga särskilt populära.

Edo-periodmålning

År 1600 kom Tokugawa-shogunatet till makten, och relativ ordning och stabilitet rådde i landet, och detta manifesterades i alla livets sfärer - från ekonomi till politik. Köpmannaklassen började snabbt växa sig rik och visa intresse för konst.

Målningar från perioden 1624-1644 visar representanter för olika klasser och gods av det japanska samhället som samlas i ett av Kyoto-distrikten nära Kamogawafloden. Liknande områden fanns i både Osaka och Edo. En separat ukiyo-e-stil dök upp i måleriet, dess ämnen fokuserade på hot spots och kabuki-teater. Verk i ukiyo-e-stilen blev populära i hela landet, i början av 1700-talet var ukiyo-e-stilen oftast representerad i form av träsnitt. De första tryckta bilderna i denna stil ägnades åt sensuella och erotiska ämnen eller texter. I slutet av 1700-talet förflyttades centrum för ukiyo-e-målningsverksamheten från Kyoto-Osaka-regionen till Edo, där porträtt av kabuki-skådespelare och bilder av japanska skönheter stod i centrum i motivgalleriet.

Det sena 1700-talet anses vara den gyllene eran av ukiyo-e-stilen. Vid den här tiden arbetade den underbara japanska konstnären Torii Kienaga och föreställde främst graciösa japanska skönheter och nakenbilder. Efter 1790 började nya trender och konstnärer dyka upp på konstscenen, bland vilka de mest kända var Kitagawa Utamaro, Katsuhika Hokusai, Ando Hiroshige och Utagawa Kunieshi.

För företrädare för den västerländska konstskolan har den japanska ukiyo-e-stilen inte bara blivit en av de exotiska målarstilarna, utan en verklig inspirationskälla och att låna vissa detaljer. Konstnärer som Edgar Degas och Vincent van Gogh använde Ukiyo-e stilistiska kompositioner, perspektiv och färg i sina verk. I västerländsk konst var temat natur inte särskilt populärt, men i Japan målades natur och djur ganska ofta, vilket i sin tur utvidgade västerländska mästares teman något. Den franske konstnären och glasmästaren Emile Galle använde skisser av fiskar av Hokusai i utsmyckningen av sina vaser.

Under kejsar Meijis era (1868-1912) och hans pro-västerländska politik, bromsade ukiyo-e-stilen, alltid nära förknippad med folknationell kultur, avsevärt dess utveckling och föll praktiskt taget i förfall. Fler och fler västerländska motiv dök upp i verk av japanska konstnärer; stilen av europeisk konst påverkade till stor del arbetet av sådana japanska konstnärer som Maruyama Okio, Matsumara Goshun och Ito Yakushu, som, trots all sin europeisering, skickligt kombinerade japanska traditioner, Kinesiskt och västerländskt måleri i sina verk.

Samtida japansk målning

Under Meiji-perioden genomgick den japanska kulturen ganska radikala omvandlingar: västerländsk teknik introducerades överallt, och denna process gick inte förbi de sköna konsterna. Regeringen skickade många konstnärer för att studera i Europa och USA, medan det inom kulturen var en ganska märkbar kamp mellan västerländska innovationer och traditionella japanska stilar. Detta fortsatte i flera decennier, och så småningom blev västerländskt inflytande i japansk konst dominerande under Taisho-perioden (1912-1926).

Hokusai, en japansk 1700-talskonstnär, skapade en svindlande mängd konstverk. Hokusai arbetade på hög ålder och hävdade alltid att "allt han gjorde före 70 års ålder var inte värt besväret och inte värt uppmärksamhet."

Den kanske mest berömda japanska konstnären i världen, han stack alltid ut från sin samtida för sitt intresse för vardagslivet. Istället för att avbilda glamorösa geishor och heroiska samurajer, målade Hokusai arbetare, fiskare och urbana genrescener, som ännu inte var föremål för intresse för japansk konst. Han tog också ett europeiskt synsätt på komposition.

Här är en kort lista med nyckeltermer som hjälper dig att navigera lite i Hokusais arbete.

1 Ukiyo-e är tryck och målningar som är populära i Japan från 1600-talet till 1800-talet. En rörelse inom japansk konst som har utvecklats sedan Edo-perioden. Denna term kommer från ordet "ukyo", som betyder "föränderlig värld". Uikiye är en antydan till de hedonistiska glädjeämnena i den spirande handelsklassen. I denna riktning är Hokusai den mest kända konstnären.

Hokusai använde minst trettio pseudonymer under hela sitt liv. Trots det faktum att användningen av pseudonymer var en vanlig praxis bland japanska konstnärer på den tiden, överträffade han betydligt andra stora författare i antalet pseudonymer. Hokusais pseudonymer används ofta för att periodisera stadierna i hans arbete.

2 Edo-perioden är tiden mellan 1603 och 1868 i japansk historia, då ekonomisk tillväxt och ett nytt intresse för konst och kultur noterades.

3 Shunrō är den första av Hokusais alias.

4 Shunga betyder bokstavligen "vårbild" och "vår" är japansk slang för sex. Detta är alltså gravyrer av erotisk karaktär. De skapades av de mest respekterade konstnärerna, inklusive Hokusai.

5 Surimono. Den senaste "surimono", som dessa anpassade tryck kallades, var en stor framgång. Till skillnad från ukiyo-e-tryck, som var avsedda för masspublik, såldes surimono sällan till allmänheten.

6 Mount Fuji är ett symmetriskt berg som råkar vara det högsta i Japan. Under åren har det inspirerat många konstnärer och poeter, inklusive Hokusai, som publicerade ukiyo-e-serien Thirty-Six Views of Mount Fuji. Denna serie innehåller Hokusais mest kända tryck.

7 Japonism är det bestående inflytande som Hokusai hade på efterföljande generationer av västerländska konstnärer. Japonisme är en stil inspirerad av de livliga färgerna på ukiyo-e-tryck, brist på perspektiv och experimenterande kompositioner.

Japanskt måleri är en helt unik rörelse inom världskonsten. Den har funnits sedan urminnes tider, men som tradition har den inte förlorat sin popularitet och förmåga att överraska.

Uppmärksamhet på traditioner

Öst handlar inte bara om landskap, berg och den uppgående solen. Det är också dessa personer som skapade hans berättelse. Det är dessa människor som har stött traditionen av japansk målning i många århundraden, utvecklat och förbättrat sin konst. De som gjort ett betydande bidrag till historien är japanska konstnärer. Tack vare dem har moderna behållit alla kanoner för traditionell japansk målning.

Utförande av målningar

Till skillnad från Europa föredrog japanska konstnärer att måla närmare grafik än att måla. I sådana målningar hittar man inte de grova, slarviga oljedrag som är så karakteristiska för impressionisterna. Vad är den grafiska karaktären hos sådan konst som japanska träd, stenar, djur och fåglar - allt i dessa målningar är ritat så tydligt som möjligt, med solida och självsäkra bläcklinjer. Alla objekt i kompositionen måste ha en kontur. Fyllning inuti konturen görs vanligtvis med vattenfärger. Färgen tvättas ut, andra nyanser läggs till och någonstans finns papprets färg kvar. Dekorativitet är just det som skiljer japanska målningar från hela världens konst.

Kontraster i måleriet

Kontrast är en annan karakteristisk teknik som används av japanska konstnärer. Detta kan vara en skillnad i ton, färg eller kontrasten mellan varma och kalla nyanser.

Konstnären tillgriper denna teknik när han vill lyfta fram någon del av ämnet. Detta kan vara en ven på en växt, ett separat kronblad eller en trädstam mot himlen. Sedan avbildas den ljusa, upplysta delen av föremålet och skuggan under det (eller vice versa).

Övergångar och färglösningar

När man målar japanska målningar används ofta övergångar. De kan vara olika: till exempel från en färg till en annan. På kronbladen av näckrosor och pioner kan du märka en övergång från en ljus nyans till en rik, ljus färg.

Övergångar används också i bilden av vattenytan och himlen. Den mjuka övergången från solnedgång till mörk, fördjupande skymning ser väldigt vacker ut. När man ritar moln används också övergångar från olika nyanser och reflexer.

Grundläggande motiv för japansk målning

Inom konst är allt sammankopplat med det verkliga livet, med känslorna och känslorna hos dem som är inblandade i det. Liksom i litteratur, musik och andra former av kreativitet finns det flera eviga teman i måleriet. Det är historiska ämnen, bilder av människor och natur.

Japanska landskap finns i många varianter. Ofta i målningar finns bilder av dammar - en favoritmöbel för japanerna. En dekorativ damm, flera näckrosor och bambu i närheten - så här ser en typisk bild av 1600-1700-talet ut.

Djur i japansk målning

Djur är också ett ofta återkommande inslag i asiatisk måleri. Traditionellt är det en lufsande tiger eller en huskatt. I allmänhet är asiater väldigt förtjusta i och därför finns deras representanter i alla former av orientalisk konst.

Faunans värld är ett annat tema som japansk måleri följer. Fåglar - tranor, dekorativa papegojor, lyxiga påfåglar, svalor, oansenliga sparvar och till och med tuppar - alla finns i ritningarna av orientaliska mästare.

Fiskarna är ett lika relevant tema för japanska artister. Koikarp är den japanska versionen av guldfisk. Dessa varelser lever i Asien i alla dammar, även i små parker och trädgårdar. Koikarp är en sorts tradition som hör specifikt till Japan. Dessa fiskar symboliserar kamp, ​​beslutsamhet och att uppnå ditt mål. Det är inte för inte som de avbildas flytande med strömmen, alltid med dekorativa vågtoppar.

Japanska målningar: skildring av människor

Människor i japansk måleri är ett speciellt tema. Konstnärer avbildade geishor, kejsare, krigare och äldste.

Geishor är avbildade omgivna av blommor, alltid iklädda utarbetade kläder med många veck och element.

Vissmän avbildas när de sitter eller förklarar något för sina elever. Bilden av den gamla vetenskapsmannen är en symbol för Asiens historia, kultur och filosofi.

Krigaren framställdes som formidabel, ibland skrämmande. De långa ritades i detalj och såg ut som tråd.

Vanligtvis klargörs alla detaljer i rustningen med bläck. Ofta är nakna krigare dekorerade med tatueringar som visar en östlig drake. Det är en symbol för Japans styrka och militära makt.

Härskare avbildades för kejserliga familjer. Vackra kläder och dekorationer i mäns hår är vad sådana konstverk florerar av.

Landskap

Traditionellt japanskt landskap - berg. Asiatiska målare har lyckats skildra en mängd olika landskap: de kan skildra samma topp i olika färger, med olika atmosfärer. Det enda som förblir oförändrat är den obligatoriska närvaron av blommor. Vanligtvis, tillsammans med bergen, avbildar konstnären någon sorts växt i förgrunden och ritar den i detalj. Bergen och körsbärsblommor ser vackra ut. Och om de målar fallande kronblad, framkallar bilden beundran för dess sorgliga skönhet. Kontrasten i bildens atmosfär är en annan underbar egenskap hos japansk kultur.

Hieroglyfer

Ofta kombineras kompositionen av en bild i japansk målning med skrift. Hieroglyferna är ordnade så att de ser vackra kompositionsmässigt ut. De är vanligtvis ritade till vänster eller höger om målningen. Hieroglyfer kan representera det som avbildas i målningen, dess titel eller namnet på konstnären.

Japan är ett av de rikaste länderna i historia och kultur. Över hela världen anses japanerna i allmänhet vara pedantiska människor som finner estetik i absolut alla livets manifestationer. Därför är japanska målningar alltid mycket harmoniska i färg och ton: om det finns stänk av någon ljus färg är det bara i de semantiska centran. Med hjälp av målningar av asiatiska konstnärer som exempel kan du studera färglära, korrekt representation av form med hjälp av grafik och komposition. Tekniken för utförande av japanska målningar är så hög att den kan fungera som ett exempel för att arbeta med akvareller och utföra "tvätt" av grafiska verk.

Hej kära läsare – sökare av kunskap och sanning!

Japanska konstnärer har en unik stil, finslipad av hela generationer av mästare. Idag kommer vi att prata om de mest framstående representanterna för japansk målning och deras målningar, från antiken till modern tid.

Nåväl, låt oss kasta oss in i konsten i Land of the Rising Sun.

Konstens födelse

Den antika målarkonsten i Japan förknippas i första hand med skrivandets egenheter och bygger därför på kalligrafins grunder. De första proverna inkluderar fragment av bronsklockor, fat och husgeråd som hittades under utgrävningar. Många av dem målades med naturfärger och forskning ger anledning att tro att produkterna tillverkades tidigare än 300 f.Kr.

En ny omgång av konstutveckling började med ankomsten till Japan. Bilder av gudar från det buddhistiska pantheonet, scener från lärarens och hans anhängares liv applicerades på emakimono - speciella pappersrullar.

Övervägandet av religiösa teman i måleriet kan spåras i det medeltida Japan, nämligen från 10- till 1400-talen. Namnen på artisterna från den eran, tyvärr, har inte överlevt till denna dag.

Under perioden av 1400-1700-talen började en ny tid, kännetecknad av framväxten av konstnärer med en utvecklad individuell stil. De skisserade vektorn för vidareutvecklingen av konst.

Ljusa representanter för det förflutna

Spänd Xubun (tidigt 1400-tal)

För att bli en enastående mästare studerade Xiubun skrivteknikerna för Kinas sångartister och deras verk. Därefter blev han en av grundarna av målning i Japan och skaparen av sumi-e.

Sumi-e är en konststil som bygger på att rita i bläck, vilket betyder en färg.

Syubun gjorde mycket för att den nya stilen skulle slå rot i konstnärliga kretsar.Han lärde ut konst till andra talanger, inklusive framtida kända målare, till exempel Sesshu.

Xiubuns mest populära målning heter "Att läsa i en bambulund."

"Reading in the Bamboo Grove" av Tense Xubun

Hasegawa Tohaku (1539–1610)

Han blev skaparen av en skola uppkallad efter sig själv - Hasegawa. Först försökte han följa Kano-skolans kanoner, men gradvis började hans individuella "handstil" spåras i hans verk. Tohaku vägleddes av Sesshu-grafik.

Grunden för verken var enkla, lakoniska, men realistiska landskap med enkla titlar:

• "Tallar";
• "Lönn";
• "Tallar och blommande växter."

"Pines" av Hasegawa Tohaku

Bröderna Ogata Korin (1658-1716) och Ogata Kenzan (1663-1743)

Bröderna var utmärkta hantverkare på 1700-talet. Den äldsta, Ogata Korin, ägnade sig helt åt måleriet och grundade rimpa-genren. Han undvek stereotypa bilder och föredrog den impressionistiska genren.

Ogata Korin målade naturen i allmänhet och blommor i form av ljusa abstraktioner i synnerhet. Hans penslar tillhör målningarna:

• "Plum blossom röd och vit";
• "Matsushimas vågor";
• "Krysantemum".

"Waves of Matsushima" av Ogata Korin

Den yngre brodern, Ogata Kenzan, hade många pseudonymer. Trots att han sysslade med målning var han mer känd som en underbar keramiker.

Ogata Kenzan behärskade många tekniker för att skapa keramik. Han kännetecknades av ett icke-standardiserat tillvägagångssätt, till exempel skapade han plattor i form av en kvadrat.

Hans egen målning kännetecknades inte av prakt - detta var också hans egenhet. Han älskade att applicera rullliknande kalligrafi eller utdrag ur poesi på sina föremål. Ibland arbetade de tillsammans med sin bror.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Han skapade i stil med ukiyo-e – ett slags träsnitt, med andra ord gravyrmålning. Under hela sin karriär bytte han ett 30-tal namn. Hans mest kända verk är "Den stora vågen utanför Kanagawa", tack vare vilken han blev känd utanför sitt hemland.

"Den stora vågen utanför Kanagawa" av Hokusai Katsushika

Hokusai började arbeta särskilt hårt efter 60 års ålder, vilket gav goda resultat. Van Gogh, Monet och Renoir var bekanta med hans arbete, och i viss mån påverkade det europeiska mästares arbete.

Ando Hiroshige (1791-1858)

En av 1800-talets största konstnärer. Han föddes, bodde och arbetade i Edo, fortsatte Hokusai-arbetet och inspirerades av sina verk. Sättet han skildrade naturen är nästan lika imponerande som antalet verk i sig.

Edo är det tidigare namnet på Tokyo.

Här är några figurer om hans verk, som representeras av en serie målningar:

• 5,5 tusen – antalet av alla gravyrer;
• “100 vyer av Edo;
• "36 vyer av Fuji";
• "69 stationer i Kisokaido";
• "53 Tokaido-stationer."

Målning av Ando Hiroshige

Intressant nog målade den framstående Van Gogh ett par kopior av sina gravyrer.

Modernitet

Takashi Murakami

En konstnär, skulptör, kläddesigner, han fick ett namn redan i slutet av 1900-talet. I sitt arbete följer han modetrender med klassiska inslag, och hämtar inspiration från anime- och mangatecknade serier.

Målning av Takashi Murakami

Verken av Takashi Murakami anses vara en subkultur, men samtidigt är de otroligt populära. Till exempel, 2008, köptes ett av hans verk på auktion för mer än 15 miljoner dollar. En gång i tiden arbetade den moderna skaparen tillsammans med modehusen Marc Jacobs och Louis Vuitton.

Tyst Ashima

En kollega till den tidigare konstnären skapar hon moderna surrealistiska målningar. De skildrar utsikter över städer, gator i megalopoliser och varelser som från ett annat universum - spöken, onda andar, främmande flickor. I bakgrunden av målningar kan du ofta lägga märke till orörd, ibland till och med skrämmande natur.

Hennes målningar når stora storlekar och är sällan begränsade till pappersmedia. De överförs till läder och plastmaterial.

År 2006, som en del av en utställning i den brittiska huvudstaden, skapade en kvinna ett 20-tal välvda strukturer som speglade skönheten i byns och stadens natur, dag och natt. En av dem inredde en tunnelbanestation.

Hej Arakawa

Den unge mannen kan inte bara kallas konstnär i ordets klassiska mening – han skapar installationer som är så populära inom 2000-talets konst. Teman för hans utställningar är verkligen japanska och berör vänliga relationer, såväl som arbete av hela teamet.

Hei Arakawa deltar ofta i olika biennaler, till exempel i Venedig, ställer ut på Museum of Modern Art i sitt hemland och får välförtjänt olika sorters utmärkelser.

Ikenaga Yasunari

Den samtida målaren Ikenaga Yasunari lyckades kombinera två till synes oförenliga saker: moderna flickors liv i porträttform och traditionella japanska tekniker från antiken. I sitt arbete använder målaren speciella penslar, naturliga pigmenterade färger, bläck och kol. Istället för det vanliga linne - linnetyg.

Målning av Ikenaga Yasunari

Denna teknik att kontrastera den avbildade eran och hjältinnornas utseende skapar intrycket av att de har återvänt till oss från det förflutna.

En serie målningar om komplexiteten i en krokodils liv, nyligen populär i internetgemenskapen, skapades också av den japanska serietecknaren Keigo.

Slutsats

Så, japansk målning började runt 300-talet f.Kr., och har förändrats mycket sedan dess. De första bilderna applicerades på keramik, sedan började buddhistiska motiv dominera inom konsten, men författarnas namn har inte överlevt till denna dag.

I den moderna eran fick borstens mästare mer och mer individualitet och skapade olika riktningar och skolor. Dagens konst är inte begränsad till traditionellt måleri - installationer, karikatyrer, konstnärliga skulpturer och speciella strukturer används.

Tack så mycket för din uppmärksamhet, kära läsare! Vi hoppas att du tyckte att vår artikel var användbar, och berättelserna om livet och arbetet för de ljusaste konstrepresentanterna gjorde att du kunde lära känna dem bättre.

Det är förstås svårt att prata om alla konstnärer från antiken till nutid i en artikel. Låt därför detta vara det första steget mot att förstå japansk måleri.

Och följ med - prenumerera på bloggen - vi ska studera buddhism och österländsk kultur tillsammans!

Konst och design

3356

01.02.18 09:02

Dagens konstscen i Japan är mycket mångsidig och provocerande: när du tittar på verk av mästare från Land of the Rising Sun kommer du att tro att du har kommit till en annan planet! Hem till innovatörer som har förändrat branschens landskap på global skala. Här är en lista över 10 samtida japanska konstnärer och deras skapelser, från Takashi Murakamis otroliga varelser (som firar sin födelsedag idag) till Kusamas färgstarka universum.

Från futuristiska världar till prickade konstellationer: samtida japanska konstnärer

Takashi Murakami: traditionalistisk och klassisk

Låt oss börja med tillfällets hjälte! Takashi Murakami är en av Japans mest ikoniska samtida konstnärer som arbetar med målningar, storskaliga skulpturer och modekläder. Murakamis stil är influerad av manga och anime. Han är grundaren av Superflat-rörelsen, som stödjer japanska konstnärliga traditioner och landets efterkrigskultur. Murakami befordrade många av sina samtida, och vi kommer också att träffa några av dem idag. "Subkulturella" verk av Takashi Murakami presenteras på konstmarknaderna för mode och konst. Hans provocerande My Lonesome Cowboy (1998) såldes i New York på Sotheby's 2008 för rekordstora 15,2 miljoner dollar. Murakami har samarbetat med världsberömda varumärken Marc Jacobs, Louis Vuitton och Issey Miyake.

Tyst Ashima och hennes surrealistiska universum

En medlem av konstproduktionsbolaget Kaikai Kiki och Superflat-rörelsen (båda grundade av Takashi Murakami), Chicho Ashima är känd för sina fantastiska stadsbilder och konstiga popvarelser. Konstnären skapar surrealistiska drömmar bebodda av demoner, spöken, unga skönheter, avbildade mot bakgrund av besynnerlig natur. Hennes verk är vanligtvis storskaliga och tryckta på papper, läder och plast. 2006 deltog denna samtida japanska konstnär i Art on the Underground i London. Hon skapade 17 på varandra följande valv för plattformen - det magiska landskapet vände gradvis från dagtid till natt, från urban till landsbygd. Detta mirakel blommade vid tunnelbanestationen Gloucester Road.

Chiharu Shima och de ändlösa trådarna

En annan konstnär, Chiharu Shiota, arbetar med storskaliga visuella installationer för specifika landmärken. Hon är född i Osaka, men bor nu i Tyskland - i Berlin. De centrala teman i hennes verk är glömska och minne, drömmar och verklighet, dåtid och nutid, och även konfrontationen av ångest. Chiharu Shiotas mest kända verk är ogenomträngliga nätverk av svart tråd som omsluter en mängd olika vardagliga och personliga föremål, som gamla stolar, en bröllopsklänning, ett bränt piano. Sommaren 2014 knöt Shiota ihop donerade skor och stövlar (varav det fanns mer än 300) med trådar av rött garn och hängde dem på krokar. Chiharus första utställning i den tyska huvudstaden ägde rum under Berlin Art Week 2016 och väckte sensation.

Hej Arakawa: överallt, ingenstans

Hei Arakawa är inspirerad av tillstånd av förändring, perioder av instabilitet, inslag av risk, och hans installationer symboliserar ofta teman om vänskap och lagarbete. Credo för den samtida japanska konstnären definieras av det performativa, obestämda "överallt, men ingenstans." Hans skapelser dyker upp på oväntade platser. 2013 ställdes Arakawas verk ut på Venedigbiennalen och i utställningen av japansk samtidskonst på Mori Museum of Art (Tokyo). Installationen Hawaiian Presence (2014) var ett samarbete med New York-konstnären Carissa Rodriguez och ingick i Whitneybiennalen. Också 2014 erbjöd Arakawa och hans bror Tomu, som uppträdde som en duo som heter United Brothers, besökare till Frieze London deras "verk" "The This Soup Taste Ambivalent" med "radioaktiva" Fukushima daikon rotfrukter.

Koki Tanaka: Relationer och upprepningar

2015 utsågs Koki Tanaka till "Årets artist". Tanaka utforskar den delade upplevelsen av kreativitet och fantasi, uppmuntrar utbyte mellan projektdeltagare och förespråkar nya regler för samarbete. Dess installation i den japanska paviljongen vid Venedigbiennalen 2013 bestod av videor av föremål som förvandlade utrymmet till en plattform för konstnärligt utbyte. Installationerna av Koki Tanaka (inte att förväxla med hans fullständiga namne skådespelare) illustrerar förhållandet mellan föremål och handlingar, till exempel innehåller videon inspelningar av enkla gester utförda med vanliga föremål (en kniv som skär grönsaker, öl som hälls upp i ett glas , öppnar ett paraply). Inget nämnvärt händer, men de tvångsmässiga upprepningarna och uppmärksamheten på de minsta detaljerna gör att betraktaren uppskattar det vardagliga.

Mariko Mori och strömlinjeformade former

En annan samtida japansk konstnär, Mariko Mori, "trollar fram" multimediaobjekt och kombinerar videor, fotografier och föremål. Hon kännetecknas av en minimalistisk futuristisk vision och eleganta surrealistiska former. Ett återkommande tema i Moris verk är kombinationen av västerländsk legend med västerländsk kultur. 2010 grundade Mariko Fau Foundation, en pedagogisk kulturell ideell organisation, för vilken hon skapade en serie konstinstallationer som hedrar de sex bebodda kontinenterna. Senast uppfördes stiftelsens permanenta installation "Ring: One with Nature" över ett pittoreskt vattenfall i Resende nära Rio de Janeiro.

Ryoji Ikeda: ljud- och videosyntes

Ryoji Ikeda är en ny mediekonstnär och kompositör vars verk främst handlar om ljud i olika "råa" tillstånd, från sinusvågor till brus med frekvenser i kanten av mänsklig hörsel. Hans uppslukande installationer inkluderar datorgenererade ljud som visuellt omvandlas till videoprojektioner eller digitala mönster. Ikedas audiovisuella konst använder skala, ljus, skugga, volym, elektroniska ljud och rytm. Konstnärens berömda testanläggning består av fem projektorer som lyser upp ett område som är 28 meter långt och 8 meter brett. Inställningen konverterar data (text, ljud, foton och filmer) till streckkoder och binära mönster av ettor och nollor.

Tatsuo Miyajima och LED-räknare

Den samtida japanska skulptören och installationskonstnären Tatsuo Miyajima använder elektriska kretsar, videor, datorer och andra prylar i sin konst. Miyajimas kärnkoncept är inspirerade av humanistiska idéer och buddhistiska läror. LED-räknarna i hans installationer blinkar kontinuerligt i repetition från 1 till 9, vilket symboliserar resan från liv till död, men undviker finaliteten som representeras av 0 (noll förekommer aldrig i Tatsuos verk). De allestädes närvarande siffrorna i rutnät, torn och diagram uttrycker Miyajimas intresse för idéer om kontinuitet, evighet, anslutning och flödet av tid och rum. Nyligen visades Miyajimas "Arrow of Time" på den inledande utställningen "Unfinished Thoughts Visible in New York".

Nara Yoshimoto och de onda barnen

Nara Yoshimoto skapar målningar, skulpturer och teckningar av barn och hundar – ämnen som återspeglar barndomens känslor av tristess och frustration och det våldsamma oberoende som kommer naturligt för småbarn. Det estetiska i Yoshimotos verk påminner om traditionella bokillustrationer, en blandning av rastlös spänning och artistens kärlek till punkrock. 2011 hölls Yoshimotos första separatutställning med titeln "Yoshitomo Nara: Nobody's Fool" på Asia Society Museum i New York, som täckte den samtida japanska konstnärens 20-åriga karriär. Utställningarna var nära besläktade med globala ungdomssubkulturer och deras alienation och protest.

Yayoi Kusama och rymden växer till konstiga former

Den fantastiska kreativa biografin om Yayoi Kusama varar i sju decennier. Under denna tid lyckades den fantastiska japanska kvinnan studera områdena målning, grafik, collage, skulptur, film, gravyr, miljökonst, installation, såväl som litteratur, mode och kläddesign. Kusama utvecklade en mycket distinkt stil av prickkonst som har blivit hennes varumärke. De illusoriska visionerna som skildras i 88-åriga Kusamas verk – där världen tycks vara täckt av vidsträckta, besynnerliga former – är resultatet av hallucinationer som hon har upplevt sedan barndomen. Rum med färgglada prickar och "oändlighets" speglar som reflekterar deras kluster är igenkännbara och kan inte förväxlas med något annat.