ศิลปินภาพอุกิโยะที่ยิ่งใหญ่ที่สุด Hokusai - โลกของญี่ปุ่น ศิลปินญี่ปุ่นร่วมสมัยสามีและภรรยา

ศิลปะญี่ปุ่นโดยทั่วไปและโดยเฉพาะภาพวาดของญี่ปุ่นดูซับซ้อนและไม่ชัดเจนสำหรับชาวตะวันตกจำนวนมาก เช่นเดียวกับวัฒนธรรมของตะวันออกโดยทั่วไป นอกจากนี้ เป็นเรื่องยากที่ใครจะแยกแยะระหว่างสไตล์การวาดภาพของญี่ปุ่นได้ แต่คงจะดีสำหรับคนมีวัฒนธรรมโดยเฉพาะอย่างยิ่งถ้าเขาเป็นนักเลงความงามที่จะเข้าใจหัวข้อนี้

วัฒนธรรมและการวาดภาพของญี่ปุ่นในสมัยโบราณ

ตัวแทนของวัฒนธรรม Jomon ในยุคแรก (ประมาณ 7,000 ปีก่อนคริสตกาล) มีส่วนร่วมในการผลิตตุ๊กตาดินเผา ซึ่งส่วนใหญ่เป็นตุ๊กตาผู้หญิง ในยุคต่อมา ผู้มาใหม่เริ่มสร้างอาวุธทองแดง ระฆังทองสัมฤทธิ์ที่มีรูปวาดอยู่บนนั้น และเครื่องเซรามิกดึกดำบรรพ์ ภาพวาดฝาผนังสุสานโบราณและภาพร่างบนระฆังถือเป็นตัวอย่างแรกสุดของการวาดภาพญี่ปุ่น

อิทธิพลของพุทธศาสนาและวัฒนธรรมจีน

การพัฒนาวิจิตรศิลป์ในญี่ปุ่นได้รับแรงผลักดันอย่างมากจากการที่พุทธศาสนาจากเกาหลีและจีนเข้ามาสู่ดินแดนญี่ปุ่น ผู้มีอำนาจแสดงความสนใจเป็นพิเศษในพระพุทธศาสนา การวาดภาพในศตวรรษที่ 7-9 เลียนแบบประเพณีการวาดภาพของจีนเกือบทั้งหมด หัวข้อหลักในสมัยนั้นคือพระพุทธเจ้า ทุกสิ่งที่เกี่ยวข้องกับพระองค์ และฉากจากชีวิตของเทพเจ้าในพุทธศาสนา ในศตวรรษที่ 10 ภาพวาดของญี่ปุ่นได้รับอิทธิพลอย่างมากจากโรงเรียนพุทธศาสนาดินแดนบริสุทธิ์

ในศตวรรษที่ 6-7 การก่อสร้างวัดและอารามเริ่มขึ้นทั่วประเทศญี่ปุ่น ซึ่งจำเป็นต้องมีการตกแต่งตามธีมพิเศษ จิตรกรรมฝาผนังวัดเป็นหนึ่งในระยะเริ่มต้นในการพัฒนาวิจิตรศิลป์ของญี่ปุ่น ตัวอย่างภาพวาดที่ชัดเจนของวัดคือจิตรกรรมฝาผนังในวัดอาสุกะเดระ ชิเทโนจิ และโฮริวจิ ผลงานที่โดดเด่นที่สุดบางชิ้นในสมัยนั้นอยู่ในโถงทองคำของวัดโฮริวจิ นอกจากจิตรกรรมฝาผนังแล้ว ยังมีการประดิษฐานพระพุทธรูปและเทพองค์อื่นๆ ในวัดอีกด้วย

ในช่วงกลางยุคไห่หนาน สำนักวาดภาพของจีนได้เข้ามาแทนที่ในญี่ปุ่นด้วยรูปแบบของตนเองที่เรียกว่ายามาโตะ-เอะ ภาพวาดในสไตล์ยามาโตะเอะตกแต่งฉากพับและประตูบานเลื่อน ตามกฎแล้ว หัวข้อหลักของยามาโตะเอะคือเกียวโตและฉากจากชีวิตในเมือง แผ่นภาพทิวทัศน์และภาพประกอบบนม้วนกระดาษ (เอมากิ) ซึ่งเป็นรูปแบบการวาดภาพหลักปรากฏเกือบจะพร้อมกันกับยามาโตะ-เอะ ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดในสไตล์เอมากิสามารถพบเห็นได้ในมหากาพย์ญี่ปุ่นเรื่อง The Tale of Genji ซึ่งมีอายุย้อนไปถึงปี 1130 แม้ว่าอาจจะเขียนไว้ก่อนหน้านี้ก็ตาม

ในช่วงการเปลี่ยนผ่านอำนาจจากขุนนางไปสู่ซามูไร ขุนนางกลัวที่จะสูญเสียความมั่งคั่ง มักจะลงทุนเงินในงานศิลปะ โดยอุปถัมภ์ศิลปินที่มีชื่อเสียงในยุคนั้นในทุกวิถีทาง ตัวอย่างงานคลาสสิกที่ขุนนางเลือกตามกฎได้รับการออกแบบในสไตล์อนุรักษ์นิยม ซามูไรชอบความสมจริง ในช่วงยุคคามาคุระ (ค.ศ. 1185-1333) แนวโน้มทั้งสองนี้มีชัยในวิจิตรศิลป์ของญี่ปุ่น

ในศตวรรษที่ 13 วัฒนธรรมญี่ปุ่นได้รับอิทธิพลอย่างมากจากพุทธศาสนานิกายเซน การวาดภาพด้วยหมึกมีการปฏิบัติกันอย่างแพร่หลายในอารามคามาคุระและเกียวโต ภาพวาดหมึกส่วนใหญ่มักใช้ในการตกแต่งม้วนกระดาษ ภาพแขวนผนัง หรือม้วนม้วนท่อ ภาพวาดหมึกเป็นรูปแบบเอกรงค์ที่เรียบง่าย โดยพื้นฐานแล้วเป็นสไตล์การวาดภาพที่เข้ามาในญี่ปุ่นจากจักรวรรดิจีนแห่งซ่ง (960-1279) และหยวน (1279-1368) ในช่วงปลายค.ศ. 1400 ภาพวาดหมึกเอกรงค์ที่เรียกว่าชิโบกุกะได้รับความนิยมเป็นพิเศษ

ภาพวาดสมัยเอโดะ

ในปี 1600 ผู้สำเร็จราชการแผ่นดินโทคุงาวะขึ้นสู่อำนาจ และความเป็นระเบียบและความมั่นคงที่สัมพันธ์กันก็เข้ามาครอบงำในประเทศ และสิ่งนี้ปรากฏให้เห็นในทุกด้านของชีวิต - ตั้งแต่เศรษฐศาสตร์ไปจนถึงการเมือง ชนชั้นพ่อค้าเริ่มร่ำรวยอย่างรวดเร็วและแสดงความสนใจในงานศิลปะ

ภาพวาดในช่วงปี 1624-1644 แสดงให้เห็นตัวแทนของชนชั้นและชนชั้นต่างๆ ของสังคมญี่ปุ่นที่มารวมตัวกันในเขตหนึ่งของเกียวโตใกล้กับแม่น้ำคาโมกาวะ พื้นที่ที่คล้ายกันนี้มีอยู่ในทั้งโอซาก้าและเอโดะ สไตล์อุกิโยะที่แยกออกมาปรากฏในภาพวาด โดยเน้นไปที่จุดยอดนิยมและโรงละครคาบุกิ ผลงานในรูปแบบภาพอุกิโยะได้รับความนิยมไปทั่วประเทศ ในช่วงต้นศตวรรษที่ 18 รูปแบบภาพอุกิโยะมักถูกนำเสนอในรูปแบบของภาพแกะสลักไม้ ภาพที่พิมพ์ครั้งแรกในรูปแบบนี้มีไว้สำหรับหัวข้อหรือข้อความที่เร้าอารมณ์และเร้าอารมณ์ ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 ศูนย์กลางของกิจกรรมการวาดภาพอุคิโยเอะได้เปลี่ยนจากภูมิภาคเกียวโต-โอซาก้าไปยังเอโดะ ซึ่งภาพวาดของนักแสดงคาบุกิและภาพความงามของญี่ปุ่นได้เป็นศูนย์กลางในแกลเลอรีของวัตถุต่างๆ

ช่วงปลายศตวรรษที่ 18 ถือเป็นยุคทองของรูปแบบภาพอุกิโยะ ในเวลานี้ โทริอิ คิเอนากะ ศิลปินชาวญี่ปุ่นผู้แสนวิเศษกำลังทำงาน โดยวาดภาพความงามและภาพเปลือยของญี่ปุ่นเป็นหลัก หลังจากปี 1790 เทรนด์และศิลปินใหม่ๆ เริ่มปรากฏในวงการศิลปะ ซึ่งศิลปินที่มีชื่อเสียงมากที่สุด ได้แก่ คิตะกาวะ อุตะมาโระ, คัตสึฮิกะ โฮคุไซ, อันโดะ ฮิโรชิเงะ และอุตะกาวะ คุนิเอชิ

สำหรับตัวแทนของโรงเรียนศิลปะตะวันตก สไตล์ภาพอุกิโยะของญี่ปุ่นไม่ได้เป็นเพียงรูปแบบการวาดภาพที่แปลกใหม่รูปแบบหนึ่งเท่านั้น แต่ยังเป็นแหล่งที่มาของแรงบันดาลใจที่แท้จริงและการยืมรายละเอียดบางอย่าง ศิลปินเช่น Edgar Degas และ Vincent van Gogh ใช้องค์ประกอบโวหาร มุมมอง และสีสันของภาพ Ukiyo-e ในงานของพวกเขา ในศิลปะตะวันตก ธีมของธรรมชาติไม่ได้รับความนิยมมากนัก แต่ในญี่ปุ่นธรรมชาติและสัตว์ถูกวาดค่อนข้างบ่อย ซึ่งจะทำให้ธีมของปรมาจารย์ชาวตะวันตกขยายออกไปบ้าง ศิลปินชาวฝรั่งเศสและปรมาจารย์ด้านเครื่องแก้ว Emile Galle ใช้ภาพร่างปลาโดย Hokusai ในการตกแต่งแจกันของเขา

ในยุคของจักรพรรดิเมจิ (พ.ศ. 2411-2455) และนโยบายที่สนับสนุนตะวันตก รูปแบบอุกิโยเอะมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับวัฒนธรรมพื้นบ้านของชาติมาโดยตลอด ทำให้การพัฒนาชะลอตัวลงอย่างมากและทรุดโทรมลงในทางปฏิบัติ ลวดลายตะวันตกปรากฏขึ้นในผลงานของศิลปินชาวญี่ปุ่นมากขึ้นเรื่อย ๆ รูปแบบของศิลปะยุโรปมีอิทธิพลอย่างมากต่อผลงานของศิลปินชาวญี่ปุ่นเช่น Maruyama Okio, Matsumara Goshun และ Ito Yakushu ซึ่งแม้จะมีความเป็นยุโรปทั้งหมด แต่ก็ผสมผสานประเพณีของญี่ปุ่นอย่างเชี่ยวชาญ ภาพวาดจีนและตะวันตกในงานของพวกเขา

ภาพวาดญี่ปุ่นร่วมสมัย

ในช่วงสมัยเมจิ วัฒนธรรมญี่ปุ่นมีการเปลี่ยนแปลงไปอย่างสิ้นเชิง โดยมีการนำเทคโนโลยีตะวันตกมาใช้ในทุกที่ และกระบวนการนี้ก็ไม่ได้ข้ามวิจิตรศิลป์ไป รัฐบาลส่งศิลปินจำนวนมากไปศึกษาในยุโรปและสหรัฐอเมริกา ในขณะที่ในด้านวัฒนธรรมมีการต่อสู้ที่เห็นได้ชัดระหว่างนวัตกรรมตะวันตกและสไตล์ดั้งเดิมของญี่ปุ่น สิ่งนี้ดำเนินต่อไปเป็นเวลาหลายทศวรรษ และในที่สุดอิทธิพลตะวันตกในศิลปะญี่ปุ่นก็มีอิทธิพลเหนือกว่าในช่วงสมัยไทโช (พ.ศ. 2455-2469)

โฮะคุไซ ศิลปินชาวญี่ปุ่นในศตวรรษที่ 18 สร้างสรรค์งานศิลปะจำนวนมหาศาล โฮะกุไซทำงานจนเข้าสู่วัยชรา โดยยืนกรานอยู่เสมอว่า “ทุกสิ่งที่เขาทำก่อนอายุ 70 ​​ปีนั้นไม่คุ้มค่าและไม่คุ้มค่าแก่ความสนใจ”

บางทีอาจเป็นศิลปินญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก เขามักจะโดดเด่นจากเพื่อนร่วมรุ่นในเรื่องความสนใจในชีวิตประจำวัน แทนที่จะวาดภาพเกอิชาที่มีเสน่ห์และซามูไรผู้กล้าหาญ โฮะคุไซวาดภาพคนงาน ชาวประมง และฉากประเภทในเมือง ซึ่งยังไม่เป็นที่สนใจของศิลปะญี่ปุ่น นอกจากนี้เขายังใช้แนวทางแบบยุโรปในการจัดองค์ประกอบภาพ

ต่อไปนี้เป็นรายการคำศัพท์สำคัญสั้นๆ ที่จะช่วยคุณนำทางงานของ Hokusai ได้เล็กน้อย

1 ภาพอุกิโยะเป็นภาพพิมพ์และภาพวาดที่ได้รับความนิยมในญี่ปุ่นตั้งแต่ช่วงปี 1600 ถึง 1800 ความเคลื่อนไหวทางวิจิตรศิลป์ของญี่ปุ่นที่พัฒนามาตั้งแต่สมัยเอโดะ คำนี้มาจากคำว่า "อุเคียว" ซึ่งแปลว่า "โลกที่เปลี่ยนแปลงได้" Uikiye บ่งบอกถึงความสุขแบบสุขสันต์ของชนชั้นพ่อค้าที่กำลังเติบโต ในทิศทางนี้โฮคุไซจึงเป็นศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุด

โฮะกุไซใช้นามแฝงอย่างน้อยสามสิบตลอดชีวิต แม้ว่าการใช้นามแฝงจะเป็นเรื่องปกติในหมู่ศิลปินชาวญี่ปุ่นในยุคนั้น แต่เขามีจำนวนนามแฝงมากกว่านักเขียนหลักคนอื่นๆ อย่างมีนัยสำคัญ นามแฝงของโฮคุไซมักใช้เพื่อแบ่งช่วงขั้นตอนการทำงานของเขา

2 ยุคเอโดะเป็นช่วงเวลาระหว่างปี 1603 ถึง 1868 ในประวัติศาสตร์ญี่ปุ่น ซึ่งเป็นช่วงเวลาที่การเติบโตทางเศรษฐกิจและความสนใจใหม่ในศิลปะและวัฒนธรรมถูกบันทึกไว้

3 ชุนโรเป็นนามแฝงคนแรกของโฮคุไซ

4 Shunga แปลว่า "ภาพแห่งฤดูใบไม้ผลิ" อย่างแท้จริง และ "ฤดูใบไม้ผลิ" เป็นคำแสลงภาษาญี่ปุ่นที่หมายถึงเรื่องเพศ ดังนั้นสิ่งเหล่านี้จึงเป็นภาพแกะสลักที่มีลักษณะเกี่ยวกับกาม สร้างขึ้นโดยศิลปินที่ได้รับความเคารพนับถือมากที่สุด รวมถึงโฮคุไซด้วย

5 ซูริโมโน่. “ซูริโมโนะ” ล่าสุดที่เรียกว่าภาพพิมพ์แบบกำหนดเองเหล่านี้ประสบความสำเร็จอย่างมาก ต่างจากภาพพิมพ์อุกิโยะซึ่งมีไว้สำหรับผู้ชมจำนวนมาก ซูริโมโนะไม่ค่อยถูกขายให้กับบุคคลทั่วไป

6 ภูเขาไฟฟูจิเป็นภูเขาที่มีรูปทรงสมมาตรซึ่งสูงที่สุดในญี่ปุ่น ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา สถานที่แห่งนี้ได้สร้างแรงบันดาลใจให้กับศิลปินและกวีมากมาย รวมถึงโฮคุไซ ผู้ตีพิมพ์ผลงานชุดอุกิโยะเอะ เรื่อง Thirty-Six Views of Mount Fuji ซีรีส์นี้รวมภาพพิมพ์ที่มีชื่อเสียงที่สุดของโฮคุไซ

7 ลัทธิญี่ปุ่นเป็นอิทธิพลที่ยั่งยืนที่โฮคุไซมีต่อศิลปินตะวันตกรุ่นต่อๆ ไป ญี่ปุ่นเป็นสไตล์ที่ได้รับแรงบันดาลใจจากสีสันอันสดใสของภาพพิมพ์อุกิโยะ การขาดมุมมอง และการทดลององค์ประกอบภาพ

ภาพวาดญี่ปุ่นถือเป็นการเคลื่อนไหวที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวในศิลปะโลก มันมีมาตั้งแต่สมัยโบราณ แต่ตามประเพณีแล้วมันไม่ได้สูญเสียความนิยมและความสามารถในการสร้างความประหลาดใจ

ให้ความสำคัญกับประเพณี

ตะวันออกไม่ได้มีแค่ทิวทัศน์ ภูเขา และพระอาทิตย์ขึ้นเท่านั้น คนเหล่านี้คือคนที่สร้างเรื่องราวของเขาด้วย คนเหล่านี้คือผู้ที่สนับสนุนประเพณีการวาดภาพของญี่ปุ่นมานานหลายศตวรรษ โดยพัฒนาและยกระดับงานศิลปะของพวกเขา ผู้ที่มีส่วนสำคัญต่อประวัติศาสตร์คือศิลปินชาวญี่ปุ่น ต้องขอบคุณพวกเขาที่ทำให้คนสมัยใหม่ยังคงรักษาหลักการของการวาดภาพญี่ปุ่นแบบดั้งเดิมเอาไว้

ลักษณะการประหารชีวิตภาพเขียน

ต่างจากยุโรป ศิลปินญี่ปุ่นนิยมวาดภาพให้ใกล้เคียงกับกราฟิกมากกว่าวาดภาพ ในภาพวาดดังกล่าว คุณจะไม่พบลายเส้นน้ำมันที่หยาบและไม่ระมัดระวังซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของอิมเพรสชั่นนิสต์ อะไรคือลักษณะกราฟิกของงานศิลปะ เช่น ต้นไม้ หิน สัตว์ และนกของญี่ปุ่น - ทุกสิ่งในภาพวาดเหล่านี้ถูกวาดออกมาอย่างชัดเจนที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ด้วยเส้นหมึกที่มั่นคงและมั่นใจ วัตถุทั้งหมดในองค์ประกอบจะต้องมีโครงร่าง การเติมภายในโครงร่างมักใช้สีน้ำ สีถูกชะล้างออกไป เพิ่มเฉดสีอื่น และเหลือสีของกระดาษไว้ที่ไหนสักแห่ง ความสามารถในการตกแต่งเป็นสิ่งที่ทำให้ภาพวาดญี่ปุ่นแตกต่างจากงานศิลปะทั่วโลกอย่างชัดเจน

ความแตกต่างในการวาดภาพ

คอนทราสต์เป็นเทคนิคลักษณะเฉพาะอีกประการหนึ่งที่ศิลปินชาวญี่ปุ่นใช้ นี่อาจเป็นความแตกต่างในโทนสี สี หรือคอนทราสต์ของเฉดสีอบอุ่นและเฉดสีเย็น

ศิลปินใช้เทคนิคนี้เมื่อเขาต้องการเน้นองค์ประกอบบางส่วนของตัวแบบ นี่อาจเป็นเส้นเลือดบนต้นไม้ กลีบดอกที่แยกจากกัน หรือลำต้นของต้นไม้ที่ตัดกับท้องฟ้า จากนั้นจึงแสดงแสงที่ส่องสว่างของวัตถุและเงาข้างใต้ (หรือกลับกัน)

การเปลี่ยนผ่านและโซลูชันสี

เมื่อวาดภาพเขียนของญี่ปุ่น มักใช้การเปลี่ยนภาพ อาจแตกต่างกันได้: เช่นจากสีหนึ่งไปอีกสีหนึ่ง บนกลีบดอกบัวและดอกโบตั๋นคุณสามารถสังเกตเห็นการเปลี่ยนจากสีอ่อนไปเป็นสีสดใส

การเปลี่ยนภาพยังใช้ในภาพผิวน้ำและท้องฟ้าอีกด้วย การเปลี่ยนผ่านจากพระอาทิตย์ตกไปสู่ความมืดอย่างราบรื่น แสงพลบค่ำที่ลึกลงดูสวยงามมาก เมื่อวาดเมฆ จะใช้การเปลี่ยนจากเฉดสีและปฏิกิริยาตอบสนองที่แตกต่างกันด้วย

แรงจูงใจพื้นฐานของการวาดภาพญี่ปุ่น

ในงานศิลปะ ทุกสิ่งทุกอย่างเชื่อมโยงกับชีวิตจริง กับความรู้สึกและอารมณ์ของผู้ที่เกี่ยวข้อง เช่นเดียวกับในวรรณคดี ดนตรี และความคิดสร้างสรรค์รูปแบบอื่นๆ การวาดภาพมีธีมนิรันดร์หลายประการ สิ่งเหล่านี้คือเนื้อหาทางประวัติศาสตร์ รูปภาพของผู้คน และธรรมชาติ

ทิวทัศน์ของญี่ปุ่นมีหลากหลายรูปแบบ บ่อยครั้งในภาพวาดจะมีรูปบ่อน้ำซึ่งเป็นเฟอร์นิเจอร์ชิ้นโปรดของชาวญี่ปุ่น บ่อน้ำประดับ ดอกบัวหลายต้น และต้นไผ่อยู่ใกล้ๆ นี่คือภาพทั่วไปของศตวรรษที่ 17-18

สัตว์ในภาพวาดญี่ปุ่น

สัตว์ยังเป็นองค์ประกอบที่เกิดขึ้นบ่อยครั้งในการวาดภาพเอเชีย ตามเนื้อผ้ามันเป็นเสือเดินด้อม ๆ มองๆหรือแมวบ้าน โดยทั่วไปแล้วชาวเอเชียชื่นชอบมากและตัวแทนของพวกเขาจึงพบได้ในศิลปะตะวันออกทุกรูปแบบ

โลกแห่งสัตว์เป็นอีกธีมหนึ่งที่ภาพวาดของญี่ปุ่นติดตาม นก - นกกระเรียน, นกแก้วประดับ, นกยูงที่หรูหรา, นกนางแอ่น, นกกระจอกที่ไม่เด่นและแม้กระทั่งไก่โต้ง - ทั้งหมดนี้มีอยู่ในภาพวาดของปรมาจารย์ชาวตะวันออก

ราศีมีนเป็นธีมที่เกี่ยวข้องไม่แพ้กันสำหรับศิลปินชาวญี่ปุ่น ปลาคาร์พ Koi เป็นปลาทองเวอร์ชั่นญี่ปุ่น สิ่งมีชีวิตเหล่านี้อาศัยอยู่ในเอเชียในสระน้ำทุกแห่ง แม้แต่ในสวนสาธารณะและสวนขนาดเล็ก ปลาคาร์พเป็นประเพณีชนิดหนึ่งที่เป็นของประเทศญี่ปุ่นโดยเฉพาะ ปลาเหล่านี้เป็นสัญลักษณ์ของการต่อสู้ ความมุ่งมั่น และการบรรลุเป้าหมาย ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่ภาพเหล่านี้ลอยไปตามกระแสน้ำและมียอดคลื่นประดับอยู่เสมอ

ภาพวาดญี่ปุ่น: การพรรณนาถึงผู้คน

ผู้คนในภาพวาดญี่ปุ่นถือเป็นธีมพิเศษ ศิลปินวาดภาพเกอิชา จักรพรรดิ นักรบ และผู้อาวุโส

เกอิชาถูกล้อมรอบด้วยดอกไม้ โดยมักจะสวมเสื้อคลุมที่ประณีตซึ่งมีรอยพับและองค์ประกอบต่างๆ มากมาย

มีภาพปราชญ์กำลังนั่งหรืออธิบายบางสิ่งให้นักเรียนฟัง ภาพลักษณ์ของนักวิทยาศาสตร์รุ่นเก่าเป็นสัญลักษณ์ของประวัติศาสตร์ วัฒนธรรม และปรัชญาของเอเชีย

นักรบถูกมองว่าน่าเกรงขาม และบางครั้งก็น่ากลัว อันยาวถูกวาดอย่างละเอียดและดูเหมือนลวด

โดยปกติแล้วรายละเอียดทั้งหมดของชุดเกราะจะถูกทำให้กระจ่างโดยใช้หมึก นักรบเปลือยเปล่ามักตกแต่งด้วยรอยสักรูปมังกรตะวันออก เป็นสัญลักษณ์ของความเข้มแข็งและอำนาจทางการทหารของญี่ปุ่น

มีภาพผู้ปกครองสำหรับราชวงศ์อิมพีเรียล เสื้อผ้าและเครื่องประดับที่สวยงามบนเส้นผมของผู้ชายคือผลงานศิลปะประเภทนี้ที่มีอยู่มากมาย

ทิวทัศน์

ภูมิประเทศแบบญี่ปุ่นดั้งเดิม - ภูเขา จิตรกรชาวเอเชียประสบความสำเร็จในการวาดภาพทิวทัศน์ที่หลากหลาย โดยสามารถพรรณนายอดเขาเดียวกันด้วยสีที่ต่างกัน และบรรยากาศที่แตกต่างกัน สิ่งเดียวที่ยังคงไม่เปลี่ยนแปลงคือการมีดอกไม้บังคับ โดยปกติแล้วศิลปินจะพรรณนาพืชบางชนิดที่อยู่เบื้องหน้าร่วมกับภูเขาและวาดรายละเอียด ภูเขาและดอกซากุระดูสวยงาม และหากพวกเขาวาดภาพกลีบดอกไม้ที่ร่วงหล่น ภาพนั้นก็จะกระตุ้นให้เกิดความชื่นชมในความงามอันน่าเศร้าของมัน ความเปรียบต่างของบรรยากาศของภาพถือเป็นอีกหนึ่งคุณสมบัติที่ยอดเยี่ยมของวัฒนธรรมญี่ปุ่น

อักษรอียิปต์โบราณ

บ่อยครั้งที่องค์ประกอบของภาพในภาพวาดญี่ปุ่นจะรวมกับการเขียน อักษรอียิปต์โบราณถูกจัดเรียงเพื่อให้ดูมีองค์ประกอบที่สวยงาม โดยปกติแล้วจะวาดทางด้านซ้ายหรือขวาของภาพวาด อักษรอียิปต์โบราณสามารถแสดงถึงสิ่งที่ปรากฎในภาพวาด ชื่อภาพ หรือชื่อของศิลปิน

ญี่ปุ่นเป็นหนึ่งในประเทศที่ร่ำรวยที่สุดในประวัติศาสตร์และวัฒนธรรม โดยทั่วไปแล้วคนญี่ปุ่นทั่วโลกถือเป็นคนอวดรู้ที่ค้นพบสุนทรียศาสตร์ในทุกรูปแบบของชีวิต ดังนั้นภาพวาดของญี่ปุ่นจึงมีสีและโทนสีที่กลมกลืนกันมาก: หากมีการสาดสีที่สดใสก็จะอยู่ตรงกลางความหมายเท่านั้น การใช้ภาพวาดของศิลปินเอเชียเป็นตัวอย่าง คุณสามารถศึกษาทฤษฎีสี การแสดงรูปแบบที่ถูกต้องโดยใช้กราฟิก และการจัดองค์ประกอบได้ เทคนิคการวาดภาพของญี่ปุ่นนั้นสูงมากจนสามารถใช้เป็นตัวอย่างในการทำงานกับสีน้ำและทำการ "ล้าง" งานกราฟิกได้

สวัสดีผู้อ่านที่รัก – ผู้แสวงหาความรู้และความจริง!

ศิลปินญี่ปุ่นมีสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ ซึ่งได้รับการยกย่องจากปรมาจารย์รุ่นต่อรุ่น วันนี้เราจะมาพูดถึงตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของภาพวาดญี่ปุ่นและภาพวาดของพวกเขาตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงสมัยใหม่

เรามาดำดิ่งสู่ศิลปะแห่งดินแดนอาทิตย์อุทัยกันดีกว่า

การกำเนิดของศิลปะ

ศิลปะการวาดภาพโบราณในญี่ปุ่นมีความเกี่ยวข้องกับลักษณะเฉพาะของการเขียนเป็นหลัก ดังนั้นจึงสร้างขึ้นจากรากฐานของการประดิษฐ์ตัวอักษร ตัวอย่างแรกประกอบด้วยเศษระฆังทองสัมฤทธิ์ จานชาม และของใช้ในครัวเรือนที่พบในระหว่างการขุดค้น หลายชิ้นถูกทาสีด้วยสีธรรมชาติ และการวิจัยก็ให้เหตุผลที่เชื่อได้ว่าผลิตภัณฑ์เหล่านี้ผลิตขึ้นก่อน 300 ปีก่อนคริสตกาล

การพัฒนางานศิลปะรอบใหม่เริ่มต้นด้วยการมาถึงญี่ปุ่น รูปภาพเทพเจ้าของวิหารแพนธีออนในพุทธศาสนา ฉากจากชีวิตของอาจารย์และผู้ติดตามของเขาถูกนำไปใช้กับเอมากิโมโนะ - ม้วนกระดาษพิเศษ

ความโดดเด่นของธีมทางศาสนาในการวาดภาพสามารถสืบย้อนไปได้ในญี่ปุ่นยุคกลาง ตั้งแต่ศตวรรษที่ 10 ถึงศตวรรษที่ 15 อนิจจาชื่อของศิลปินในยุคนั้นยังไม่รอดมาจนถึงทุกวันนี้

ในช่วงศตวรรษที่ 15-18 เวลาใหม่เริ่มต้นขึ้นโดยมีลักษณะเฉพาะจากการเกิดขึ้นของศิลปินที่มีสไตล์เฉพาะตัวที่พัฒนาขึ้น พวกเขาร่างเวกเตอร์เพื่อการพัฒนาวิจิตรศิลป์ต่อไป

ตัวแทนที่สดใสในอดีต

เครียด Xubun (ต้นศตวรรษที่ 15)

เพื่อที่จะเป็นปรมาจารย์ที่โดดเด่น ซิ่วบุนได้ศึกษาเทคนิคการเขียนของศิลปินเพลงของจีนและผลงานของพวกเขา ต่อมาเขาได้กลายเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งการวาดภาพในญี่ปุ่นและเป็นผู้สร้าง sumi-e

ซูมิเอะเป็นรูปแบบศิลปะที่มีพื้นฐานมาจากการวาดภาพด้วยหมึกซึ่งหมายถึงสีเดียว

Syubun ทำหลายอย่างเพื่อให้แน่ใจว่ารูปแบบใหม่หยั่งรากในแวดวงศิลปะ เขาสอนศิลปะให้กับผู้มีความสามารถอื่นๆ รวมถึงจิตรกรชื่อดังในอนาคต เช่น Sesshu

ภาพวาดยอดนิยมของซิ่วบุนมีชื่อว่า "การอ่านหนังสือในป่าไผ่"

"การอ่านในป่าไผ่" โดย Tense Xubun

ฮาเซกาวะ โทฮาคุ (1539–1610)

เขากลายเป็นผู้สร้างโรงเรียนที่ตั้งชื่อตามตัวเขาเอง - ฮาเซกาวะ ในตอนแรกเขาพยายามปฏิบัติตามหลักการของโรงเรียนคาโน แต่ค่อยๆ "ลายมือ" ของแต่ละคนเริ่มถูกติดตามในผลงานของเขา Tohaku ได้รับคำแนะนำจากกราฟิก Sesshu

พื้นฐานของงานคือภูมิทัศน์ที่เรียบง่าย กระชับ แต่สมจริงพร้อมชื่อที่เรียบง่าย:

• "ต้นสน";
• "เมเปิ้ล";
• "ต้นสนและไม้ดอก"

"ต้นสน" โดย Hasegawa Tohaku

พี่น้องโอกาตะ โคริน (1658-1716) และโอกาตะ เค็นซัง (1663-1743)

พี่น้องทั้งสองเป็นช่างฝีมือชั้นเยี่ยมแห่งศตวรรษที่ 18 โอกาตะ โคริน คนโต อุทิศตนให้กับการวาดภาพและก่อตั้งแนวริมปะขึ้นมา เขาหลีกเลี่ยงภาพเหมารวม โดยเลือกประเภทอิมเพรสชั่นนิสต์

Ogata Korin วาดภาพธรรมชาติโดยทั่วไปและดอกไม้ในรูปแบบนามธรรมที่สดใสโดยเฉพาะ พู่กันของเขาเป็นของภาพวาด:

• "ดอกพลัมสีแดงและสีขาว";
• "คลื่นแห่งมัตสึชิมะ";
• "ดอกเบญจมาศ".

"คลื่นแห่งมัตสึชิมะ" โดย โองาตะ โคริน

น้องชาย โอกาตะ เคนซัน มีนามแฝงมากมาย แม้ว่าเขาจะมีส่วนร่วมในการวาดภาพ แต่เขาก็ยังมีชื่อเสียงมากกว่าในฐานะช่างทำเซรามิกที่ยอดเยี่ยม

โอกาตะ เคนซังเชี่ยวชาญเทคนิคมากมายในการสร้างเครื่องเซรามิก เขาโดดเด่นด้วยแนวทางที่ไม่ได้มาตรฐาน เช่น เขาสร้างจานเป็นรูปสี่เหลี่ยมจัตุรัส

ภาพวาดของเขาเองไม่ได้โดดเด่นด้วยความงดงาม - นี่เป็นลักษณะเฉพาะของเขาเช่นกัน เขาชอบที่จะใช้การประดิษฐ์ตัวอักษรหรือข้อความที่ตัดตอนมาจากบทกวีลงบนสิ่งของของเขา บางครั้งพวกเขาก็ทำงานร่วมกับพี่ชายของพวกเขา

คัตสึชิกะ โฮะกุไซ (ค.ศ. 1760-1849)

เขาสร้างขึ้นในสไตล์อุกิโยะ - งานแกะสลักไม้ชนิดหนึ่งหรืออีกนัยหนึ่งคือภาพวาดแกะสลัก ตลอดอาชีพของเขา เขาเปลี่ยนชื่อประมาณ 30 ชื่อ ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือ “คลื่นยักษ์นอกคานากาว่า” ซึ่งทำให้เขามีชื่อเสียงนอกบ้านเกิด

“คลื่นยักษ์นอกคานากาว่า” โดย โฮคุไซ คัตสึชิกะ

โฮะคุไซเริ่มทำงานอย่างหนักเป็นพิเศษหลังอายุ 60 ปี ซึ่งนำมาซึ่งผลลัพธ์ที่ดี Van Gogh, Monet และ Renoir คุ้นเคยกับผลงานของเขา และมีอิทธิพลต่อผลงานของปรมาจารย์ชาวยุโรปในระดับหนึ่ง

อันโดะ ฮิโรชิเกะ (1791-1858)

หนึ่งในศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 19 เขาเกิด อาศัย และทำงานในเอโดะ สานต่องานของโฮคุไซ และได้รับแรงบันดาลใจจากผลงานของเขา วิธีที่เขาพรรณนาถึงธรรมชาตินั้นเกือบจะน่าประทับใจพอๆ กับจำนวนผลงานเลยทีเดียว

เอโดะเป็นชื่อเดิมของโตเกียว

ต่อไปนี้เป็นตัวเลขบางส่วนเกี่ยวกับผลงานของเขาซึ่งมีภาพเขียนหลายชุดแสดง:

• 5.5 พัน - จำนวนการแกะสลักทั้งหมด
• “100 วิวเอโดะ;
• "36 วิวฟูจิ";
• "69 สถานีของคิโซไคโด";
• "53 สถานีโทไคโด"

จิตรกรรมโดยอันโดะ ฮิโรชิเกะ

สิ่งที่น่าสนใจคือ Van Gogh ผู้มีชื่อเสียงได้วาดภาพแกะสลักของเขาสองสามชุด

ความทันสมัย

ทาคาชิ มุราคามิ

ในฐานะศิลปิน ประติมากร นักออกแบบเสื้อผ้า เขาได้รับชื่อเมื่อปลายศตวรรษที่ 20 ในงานของเขา เขาติดตามเทรนด์แฟชั่นด้วยองค์ประกอบคลาสสิก และได้รับแรงบันดาลใจจากการ์ตูนอนิเมะและมังงะ

จิตรกรรมโดยทาคาชิ มุราคามิ

ผลงานของ Takashi Murakami ถือเป็นวัฒนธรรมย่อย แต่ในขณะเดียวกันก็ได้รับความนิยมอย่างไม่น่าเชื่อ ตัวอย่างเช่นในปี 2008 ผลงานชิ้นหนึ่งของเขาถูกซื้อในการประมูลในราคามากกว่า 15 ล้านดอลลาร์ ครั้งหนึ่งผู้สร้างสมัยใหม่ได้ทำงานร่วมกับบ้านแฟชั่น Marc Jacobs และ Louis Vuitton

อาชิมะเงียบๆ

เธอซึ่งเป็นเพื่อนร่วมงานของศิลปินคนก่อน เธอสร้างสรรค์ภาพวาดเหนือจริงสมัยใหม่ พวกเขาพรรณนาถึงทิวทัศน์ของเมือง ถนนในเมืองใหญ่ และสิ่งมีชีวิตราวกับมาจากจักรวาลอื่น - ผี วิญญาณชั่วร้าย สาวเอเลี่ยน ในพื้นหลังของภาพวาด คุณมักจะสังเกตเห็นธรรมชาติอันบริสุทธิ์ บางครั้งก็ถึงกับธรรมชาติที่น่ากลัวด้วยซ้ำ

ภาพวาดของเธอมีขนาดใหญ่และไม่ค่อยจำกัดอยู่แค่สื่อกระดาษเท่านั้น พวกมันถูกถ่ายโอนไปยังวัสดุหนังและพลาสติก

ในปี 2549 ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของนิทรรศการในเมืองหลวงของอังกฤษ ผู้หญิงคนหนึ่งได้สร้างโครงสร้างโค้งประมาณ 20 หลังที่สะท้อนถึงความงามของธรรมชาติของหมู่บ้านและเมืองทั้งกลางวันและกลางคืน หนึ่งในนั้นตกแต่งสถานีรถไฟใต้ดิน

เฮ้ อารากาวะ

ชายหนุ่มไม่สามารถเรียกได้ว่าเป็นเพียงศิลปินในความหมายคลาสสิก - เขาสร้างผลงานศิลปะจัดวางที่ได้รับความนิยมอย่างมากในงานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 21 ธีมของนิทรรศการของเขาเป็นภาษาญี่ปุ่นอย่างแท้จริงและสัมผัสถึงความสัมพันธ์ฉันมิตรตลอดจนผลงานของทีมงานทั้งหมด

Hei Arakawa มักจะเข้าร่วมใน Biennales ต่างๆ เช่น ในเวนิส นิทรรศการที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในบ้านเกิดของเขา และสมควรได้รับรางวัลประเภทต่างๆ

อิเคนากะ ยาสุนาริ

จิตรกรร่วมสมัย Ikenaga Yasunari สามารถผสมผสานสองสิ่งที่ดูเหมือนจะเข้ากันไม่ได้: ชีวิตของเด็กผู้หญิงยุคใหม่ในรูปแบบภาพบุคคลและเทคนิคแบบดั้งเดิมของญี่ปุ่นตั้งแต่สมัยโบราณ ในงานของเขา จิตรกรใช้แปรงพิเศษ เม็ดสีธรรมชาติ หมึก และถ่าน แทนผ้าลินินธรรมดา - ผ้าลินิน

ภาพวาดของอิเคนากะ ยาสุนาริ

เทคนิคการเปรียบเทียบระหว่างยุคสมัยที่บรรยายกับรูปลักษณ์ของวีรสตรีนี้สร้างความประทับใจว่าพวกเขาได้กลับมาหาเราจากอดีต

ชุดภาพวาดเกี่ยวกับความซับซ้อนของชีวิตจระเข้ซึ่งเพิ่งได้รับความนิยมในชุมชนอินเทอร์เน็ตก็ถูกสร้างขึ้นโดย Keigo นักเขียนการ์ตูนชาวญี่ปุ่น

บทสรุป

ดังนั้น ภาพวาดของญี่ปุ่นจึงเริ่มต้นขึ้นราวศตวรรษที่ 3 ก่อนคริสต์ศักราช และมีการเปลี่ยนแปลงไปมากตั้งแต่นั้นมา ภาพแรกถูกนำไปใช้กับเครื่องเซรามิกจากนั้นลวดลายทางพุทธศาสนาก็เริ่มมีอิทธิพลเหนืองานศิลปะ แต่ชื่อของผู้เขียนยังไม่รอดมาจนถึงทุกวันนี้

ในยุคปัจจุบัน ปรมาจารย์ด้านพู่กันได้รับความเป็นเอกเทศมากขึ้นเรื่อยๆ และสร้างทิศทางและโรงเรียนที่แตกต่างกัน วิจิตรศิลป์ในปัจจุบันไม่ได้จำกัดอยู่เพียงการวาดภาพแบบดั้งเดิม - มีการใช้ศิลปะจัดวาง ภาพล้อเลียน ประติมากรรมทางศิลปะ และโครงสร้างพิเศษ

ขอบคุณมากสำหรับความสนใจของคุณผู้อ่านที่รัก! เราหวังว่าคุณจะพบว่าบทความของเรามีประโยชน์ และเรื่องราวเกี่ยวกับชีวิตและผลงานของตัวแทนงานศิลปะที่ฉลาดที่สุดทำให้คุณรู้จักพวกเขามากขึ้น

แน่นอนว่าเป็นเรื่องยากที่จะพูดถึงศิลปินทุกคนตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงปัจจุบันในบทความเดียว ดังนั้นให้นี่เป็นก้าวแรกในการทำความเข้าใจภาพวาดของญี่ปุ่น

และเข้าร่วมกับเรา - สมัครสมาชิกบล็อก - เราจะศึกษาพุทธศาสนาและวัฒนธรรมตะวันออกด้วยกัน!

ศิลปะและการออกแบบ

3356

01.02.18 09:02

ฉากศิลปะในญี่ปุ่นในปัจจุบันมีความหลากหลายและเร้าใจมาก เมื่อดูผลงานของปรมาจารย์จากดินแดนอาทิตย์อุทัย คุณจะคิดว่าคุณได้มาถึงดาวดวงอื่นแล้ว! แหล่งกำเนิดนวัตกรรมที่เปลี่ยนแปลงภูมิทัศน์ของอุตสาหกรรมในระดับโลก ต่อไปนี้เป็นรายชื่อศิลปินญี่ปุ่นร่วมสมัย 10 คนและผลงานสร้างสรรค์ของพวกเขา ตั้งแต่สิ่งมีชีวิตที่น่าทึ่งของ Takashi Murakami (ผู้ฉลองวันเกิดของเขาในวันนี้) ไปจนถึงจักรวาลที่เต็มไปด้วยสีสันของ Kusama

จากโลกอนาคตสู่กลุ่มดาวประ: ศิลปินญี่ปุ่นร่วมสมัย

Takashi Murakami: นักอนุรักษนิยมและคลาสสิก

มาเริ่มกันที่ฮีโร่แห่งโอกาสนี้เลย! ทาคาชิ มูราคามิคือหนึ่งในศิลปินร่วมสมัยที่โดดเด่นที่สุดของญี่ปุ่น โดยทำงานเกี่ยวกับภาพวาด ประติมากรรมขนาดใหญ่ และเสื้อผ้าแฟชั่น สไตล์ของมุราคามิได้รับอิทธิพลจากมังงะและอะนิเมะ เขาเป็นผู้ก่อตั้งขบวนการ Superflat ซึ่งสนับสนุนประเพณีทางศิลปะของญี่ปุ่นและวัฒนธรรมหลังสงครามของประเทศ มุราคามิส่งเสริมเพื่อนร่วมรุ่นของเขาหลายคน และเราจะพบกับพวกเขาบางส่วนในวันนี้ด้วย ผลงาน "วัฒนธรรมย่อย" ของ Takashi Murakami ถูกนำเสนอในตลาดศิลปะด้านแฟชั่นและศิลปะ เพลงแนวเร้าใจของเขา My Lonesome Cowboy (1998) ถูกขายในนิวยอร์กที่ Sotheby's ในปี 2008 ในราคา 15.2 ล้านเหรียญสหรัฐ Murakami ได้ร่วมมือกับแบรนด์ดังระดับโลก Marc Jacobs, Louis Vuitton และ Issey Miyake

อาชิมะและจักรวาลเหนือจริงของเธออย่างเงียบ ๆ

ชิโช อาชิมะเป็นสมาชิกของบริษัทผลิตผลงานศิลปะ Kaikai Kiki และขบวนการ Superflat (ก่อตั้งโดยทาคาชิ มูราคามิทั้งคู่) เป็นที่รู้จักจากทิวทัศน์เมืองที่น่าอัศจรรย์และสิ่งมีชีวิตป๊อปที่แปลกประหลาด ศิลปินสร้างความฝันเหนือจริงที่มีปีศาจ ผี และสาวงามอาศัยอยู่ โดยมีฉากหลังเป็นธรรมชาติที่แปลกประหลาด ผลงานของเธอมักจะมีขนาดใหญ่และพิมพ์ลงบนกระดาษ หนัง และพลาสติก ในปี 2549 ศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นคนนี้ได้เข้าร่วมงานศิลปะบนรถไฟใต้ดินในลอนดอน เธอสร้างส่วนโค้ง 17 ส่วนติดต่อกันสำหรับชานชาลา - ภูมิทัศน์อันมหัศจรรย์ค่อยๆ เปลี่ยนจากกลางวันเป็นกลางคืน จากในเมืองสู่ชนบท ปาฏิหาริย์นี้เกิดขึ้นที่สถานีรถไฟใต้ดิน Gloucester Road

จิฮารุ ชิมะ และเส้นด้ายอันไม่มีที่สิ้นสุด

ศิลปินอีกคนหนึ่งคือ ชิฮารุ ชิโอตะ ที่ทำงานด้านภาพจัดวางขนาดใหญ่สำหรับสถานที่สำคัญบางแห่ง เธอเกิดที่โอซาก้า แต่ตอนนี้อาศัยอยู่ที่เยอรมนี - ในกรุงเบอร์ลิน แก่นกลางในงานของเธอคือการลืมเลือนและความทรงจำ ความฝันและความเป็นจริง อดีตและปัจจุบัน และการเผชิญหน้ากับความวิตกกังวล ผลงานที่โด่งดังที่สุดของชิฮารุ ชิโอตะคือเครือข่ายด้ายสีดำที่ไม่อาจเข้าถึงได้ ซึ่งห่อหุ้มสิ่งของในชีวิตประจำวันและส่วนตัวต่างๆ เช่น เก้าอี้เก่า ชุดแต่งงาน เปียโนที่ถูกไฟไหม้ ในฤดูร้อนปี 2014 Shiota ผูกรองเท้าและรองเท้าบูทบริจาค (ซึ่งมีมากกว่า 300 คู่) เข้าด้วยกันด้วยเส้นด้ายสีแดงแล้วแขวนไว้บนตะขอ นิทรรศการครั้งแรกของ Chiharu ในเมืองหลวงของเยอรมนีเกิดขึ้นในช่วง Berlin Art Week ในปี 2016 และทำให้เกิดความฮือฮา

เฮ้ อาราคาวะ: ทุกที่ ไม่มีที่ไหนเลย

Hei Arakawa ได้รับแรงบันดาลใจจากสภาวะของการเปลี่ยนแปลง ช่วงเวลาแห่งความไม่มั่นคง องค์ประกอบแห่งความเสี่ยง และผลงานจัดวางของเขามักเป็นสัญลักษณ์ของมิตรภาพและการทำงานเป็นทีม หลักความเชื่อของศิลปินญี่ปุ่นร่วมสมัยถูกกำหนดโดยการแสดงที่ไม่มีกำหนด “ทุกที่ แต่ไม่มีที่ไหนเลย” ผลงานของเขาปรากฏขึ้นในสถานที่ที่ไม่คาดคิด ในปี 2013 ผลงานของ Arakawa ได้รับการจัดแสดงที่ Venice Biennale และในนิทรรศการศิลปะร่วมสมัยของญี่ปุ่นที่ Mori Museum of Art (โตเกียว) การติดตั้ง Hawaiian Presence (2014) เป็นความร่วมมือกับศิลปินชาวนิวยอร์ก Carissa Rodriguez และรวมอยู่ใน Whitney Biennial นอกจากนี้ ในปี 2014 อาราคาวะและโทมุน้องชายของเขาซึ่งแสดงเป็นดูโอ้ชื่อ United Brothers ได้เสนอ "ผลงาน" ของพวกเขา "The This Soup Taste Ambivalent" ให้กับผู้มาเยือน Frieze London ด้วยผักรากหัวไชเท้าฟุกุชิมะที่มี "กัมมันตภาพรังสี"

โคกิ ทานากะ: ความสัมพันธ์และการทำซ้ำ

ในปี 2015 Koki Tanaka ได้รับการยกย่องให้เป็น "ศิลปินแห่งปี" Tanaka สำรวจประสบการณ์ที่แบ่งปันระหว่างความคิดสร้างสรรค์และจินตนาการ ส่งเสริมการแลกเปลี่ยนระหว่างผู้เข้าร่วมโครงการ และสนับสนุนกฎเกณฑ์ใหม่ในการทำงานร่วมกัน การติดตั้งในศาลาญี่ปุ่นที่งาน Venice Biennale 2013 ประกอบด้วยวิดีโอของวัตถุที่เปลี่ยนพื้นที่ให้กลายเป็นเวทีสำหรับการแลกเปลี่ยนทางศิลปะ ผลงานศิลปะจัดวางของโคกิ ทานากะ (เพื่อไม่ให้สับสนกับนักแสดงชื่อเต็มของเขา) แสดงให้เห็นความสัมพันธ์ระหว่างสิ่งของกับการกระทำ เช่น วิดีโอมีบันทึกการแสดงท่าทางง่ายๆ กับวัตถุธรรมดาๆ (มีดหั่นผัก เบียร์เทลงในแก้ว , กางร่ม) ไม่มีอะไรสำคัญเกิดขึ้น แต่การทำซ้ำๆ ซากๆ และความใส่ใจในรายละเอียดที่เล็กที่สุดทำให้ผู้ชมชื่นชมกับสิ่งธรรมดา

มาริโกะ โมริ และรูปร่างเพรียวบาง

มาริโกะ โมริ ศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นอีกคน “เสกสรร” วัตถุมัลติมีเดีย โดยผสมผสานวิดีโอ ภาพถ่าย และวัตถุเข้าด้วยกัน เธอโดดเด่นด้วยวิสัยทัศน์แห่งอนาคตที่เรียบง่ายและรูปแบบเหนือจริงที่ทันสมัย แก่นเรื่องที่เกิดขึ้นซ้ำๆ ในงานของโมริคือการเทียบเคียงระหว่างตำนานตะวันตกกับวัฒนธรรมตะวันตก ในปี 2010 มาริโกะได้ก่อตั้งมูลนิธิ Fau ซึ่งเป็นองค์กรไม่แสวงผลกำไรด้านการศึกษาด้านวัฒนธรรม ซึ่งเธอได้สร้างสรรค์ผลงานศิลปะจัดวางหลายชุดเพื่อเป็นเกียรติแก่หกทวีปที่มีผู้คนอาศัยอยู่ ล่าสุด การติดตั้งถาวรของมูลนิธิ "Ring: One with Nature" ได้ถูกสร้างขึ้นเหนือน้ำตกที่งดงามใน Resende ใกล้เมืองรีโอเดจาเนโร

เรียวจิ อิเคดะ: การสังเคราะห์เสียงและวิดีโอ

Ryoji Ikeda เป็นศิลปินสื่อและนักแต่งเพลงหน้าใหม่ที่ทำงานเกี่ยวกับเสียงในสถานะ "ดิบ" ต่างๆ เป็นหลัก ตั้งแต่คลื่นไซน์ไปจนถึงเสียงรบกวน โดยใช้ความถี่ที่ขอบการได้ยินของมนุษย์ ผลงานศิลปะจัดวางอันน่าดื่มด่ำของเขารวมถึงเสียงที่สร้างจากคอมพิวเตอร์ซึ่งแปลงโฉมเป็นภาพวิดีโอหรือรูปแบบดิจิทัล ศิลปะโสตทัศนศิลป์ของอิเคดะใช้มาตราส่วน แสง เงา ระดับเสียง เสียงอิเล็กทรอนิกส์ และจังหวะ ห้องทดสอบที่มีชื่อเสียงของศิลปินประกอบด้วยโปรเจ็กเตอร์ 5 เครื่องที่ให้แสงสว่างในพื้นที่ยาว 28 เมตรและกว้าง 8 เมตร การตั้งค่าจะแปลงข้อมูล (ข้อความ เสียง ภาพถ่าย และภาพยนตร์) เป็นบาร์โค้ดและรูปแบบไบนารี่ของเลขหนึ่งและเลขศูนย์

Tatsuo Miyajima และเคาน์เตอร์ LED

ประติมากรร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นและศิลปินจัดวาง Tatsuo Miyajima ใช้วงจรไฟฟ้า วิดีโอ คอมพิวเตอร์ และอุปกรณ์อื่นๆ ในงานศิลปะของเขา แนวคิดหลักของมิยาจิมะได้รับแรงบันดาลใจจากแนวคิดมนุษยนิยมและคำสอนทางพุทธศาสนา ตัวนับ LED ในสถานที่ปฏิบัติงานนอกชายฝั่งของเขากะพริบอย่างต่อเนื่องซ้ำกันตั้งแต่ 1 ถึง 9 ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของการเดินทางจากชีวิตสู่ความตาย แต่หลีกเลี่ยงจุดสิ้นสุดที่แสดงด้วย 0 (ศูนย์ไม่เคยปรากฏในงานของ Tatsuo) ตัวเลขที่แพร่หลายในตาราง หอคอย และแผนภาพแสดงถึงความสนใจของมิยาจิมะในแนวคิดเรื่องความต่อเนื่อง ความเป็นนิรันดร์ การเชื่อมต่อ และการไหลเวียนของเวลาและอวกาศ เมื่อเร็วๆ นี้ "ลูกศรแห่งกาลเวลา" ของมิยาจิมะได้ถูกจัดแสดงในนิทรรศการเปิดครั้งแรก "Unfinished Thoughts Visible in New York"

นารา โยชิโมโตะ และเด็กชั่วร้าย

นารา โยชิโมโตะสร้างสรรค์ภาพวาด ประติมากรรม และภาพวาดของเด็กและสุนัข ซึ่งเป็นวิชาที่สะท้อนถึงความรู้สึกเบื่อหน่ายและความหงุดหงิดในวัยเด็ก และความเป็นอิสระอันดุเดือดที่เกิดขึ้นตามธรรมชาติสำหรับเด็กวัยหัดเดิน สุนทรียภาพของผลงานของ Yoshimoto ชวนให้นึกถึงภาพประกอบในหนังสือแบบดั้งเดิม ส่วนผสมของความตึงเครียดที่ไม่สงบ และความรักในพังก์ร็อกของศิลปิน ในปี พ.ศ. 2554 พิพิธภัณฑ์ Asia Society ในนิวยอร์กได้จัดนิทรรศการเดี่ยวครั้งแรกของ Yoshimoto ในหัวข้อ “Yoshitomo Nara: Nothing’s Fool” ซึ่งครอบคลุมเส้นทางอาชีพศิลปินชาวญี่ปุ่นร่วมสมัยตลอด 20 ปี การจัดแสดงดังกล่าวมีความสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับวัฒนธรรมย่อยของเยาวชนทั่วโลกและความแปลกแยกและ ประท้วง.

ยาโยอิ คุซามะ และพื้นที่ที่เติบโตจนกลายเป็นรูปแบบที่แปลกประหลาด

ชีวประวัติที่สร้างสรรค์อันน่าทึ่งของ Yayoi Kusama ยาวนานถึงเจ็ดทศวรรษ ในช่วงเวลานี้ ผู้หญิงชาวญี่ปุ่นที่น่าทึ่งคนนี้ได้ศึกษาสาขาจิตรกรรม กราฟิก ภาพต่อกัน ประติมากรรม ภาพยนตร์ งานแกะสลัก ศิลปะสิ่งแวดล้อม การจัดวาง ตลอดจนวรรณกรรม แฟชั่น และการออกแบบเสื้อผ้า Kusama พัฒนารูปแบบดอทอาร์ตที่โดดเด่นมากจนกลายมาเป็นเครื่องหมายการค้าของเธอ นิมิตลวงตาที่ปรากฏในผลงานของคุซามะ วัย 88 ปี ซึ่งโลกดูเหมือนจะถูกปกคลุมไปด้วยรูปแบบที่กว้างใหญ่และแปลกประหลาด เป็นผลมาจากอาการประสาทหลอนที่เธอประสบมาตั้งแต่เด็ก ห้องที่มีจุดหลากสีสันและกระจก “อินฟินิตี้” ที่สะท้อนถึงกระจุกห้องนั้นสามารถจดจำได้และไม่สามารถสับสนกับสิ่งอื่นใดได้