ศิลปินภูมิทัศน์ชาวอเมริกันแห่งศตวรรษที่ 21 ศิลปินรัสเซียร่วมสมัยที่ควรค่าแก่การดูอย่างใกล้ชิด

ภาพวาดรัสเซียอันงดงามและหลากหลายสร้างความพึงพอใจให้กับผู้ชมเสมอด้วยรูปแบบทางศิลปะที่ไม่คงที่และความสมบูรณ์แบบ นี่คือคุณลักษณะของผลงานของปรมาจารย์ด้านศิลปะที่มีชื่อเสียง พวกเขาทำให้เราประหลาดใจอยู่เสมอด้วยแนวทางการทำงานที่ไม่ธรรมดา ทัศนคติที่เคารพต่อความรู้สึกและความรู้สึกของแต่ละคน บางทีนี่อาจเป็นเหตุผลว่าทำไมศิลปินชาวรัสเซียจึงมักวาดภาพองค์ประกอบภาพบุคคลที่ผสมผสานภาพทางอารมณ์และลวดลายที่สงบอย่างยิ่งใหญ่ ไม่น่าแปลกใจเลยที่ Maxim Gorky เคยกล่าวไว้ว่าศิลปินคือหัวใจของประเทศของเขา เป็นเสียงแห่งยุคสมัยทั้งหมด แท้จริงแล้วภาพวาดอันงดงามและสง่างามของศิลปินชาวรัสเซียถ่ายทอดแรงบันดาลใจในยุคสมัยของพวกเขาได้อย่างชัดเจน เช่นเดียวกับแรงบันดาลใจของนักเขียนชื่อดัง Anton Chekhov หลายคนพยายามที่จะนำภาพวาดของรัสเซียมาใช้ในรสชาติอันเป็นเอกลักษณ์ของผู้คนของพวกเขารวมถึงความฝันแห่งความงามที่ไม่อาจปฏิเสธได้ เป็นการยากที่จะดูถูกดูแคลนภาพวาดที่ไม่ธรรมดาของปรมาจารย์ด้านศิลปะอันงดงามเหล่านี้ เพราะผลงานที่พิเศษอย่างแท้จริงในประเภทต่างๆ เกิดขึ้นภายใต้พู่กันของพวกเขา จิตรกรรมเชิงวิชาการ ภาพเหมือน จิตรกรรมประวัติศาสตร์ ทิวทัศน์ ผลงานแนวโรแมนติก สมัยใหม่ หรือเชิงสัญลักษณ์ ทั้งหมดนี้ยังคงนำความสุขและแรงบันดาลใจมาสู่ผู้ชม ทุกคนพบสิ่งที่มากกว่าสีสันที่มีสีสัน เส้นสายที่สง่างาม และแนวศิลปะโลกที่เลียนแบบไม่ได้ บางทีรูปแบบและภาพที่มากมายซึ่งความประหลาดใจในการวาดภาพของรัสเซียอาจเชื่อมโยงกับศักยภาพอันมหาศาลของโลกรอบตัวศิลปิน Levitan ยังกล่าวอีกว่าทุกบันทึกของธรรมชาติอันเขียวชอุ่มนั้นประกอบด้วยจานสีที่สง่างามและพิเศษ ด้วยจุดเริ่มต้นดังกล่าว พู่กันของศิลปินก็ปรากฏเป็นพื้นที่กว้างใหญ่อันงดงาม ดังนั้นภาพวาดของรัสเซียทั้งหมดจึงโดดเด่นด้วยความรุนแรงและความงามที่น่าดึงดูดซึ่งยากที่จะฉีกตัวเองออกไป

ภาพวาดของรัสเซียแตกต่างอย่างถูกต้องจากศิลปะโลก ความจริงก็คือจนถึงศตวรรษที่ 17 ภาพวาดของรัสเซียมีความเกี่ยวข้องกับธีมทางศาสนาโดยเฉพาะ สถานการณ์เปลี่ยนไปพร้อมกับการเข้ามามีอำนาจของซาร์ผู้ปฏิรูป ปีเตอร์มหาราช ต้องขอบคุณการปฏิรูปของเขา ปรมาจารย์ชาวรัสเซียเริ่มมีส่วนร่วมในการวาดภาพทางโลกและการวาดภาพไอคอนแยกออกจากกันในทิศทางที่แยกจากกัน ศตวรรษที่ 17 เป็นช่วงเวลาของศิลปินเช่น Simon Ushakov และ Joseph Vladimirov จากนั้นการวาดภาพบุคคลก็เกิดขึ้นในโลกศิลปะรัสเซียและได้รับความนิยมอย่างรวดเร็ว ในศตวรรษที่ 18 ศิลปินกลุ่มแรกปรากฏตัวซึ่งเปลี่ยนจากการวาดภาพบุคคลมาเป็นการวาดภาพทิวทัศน์ เห็นอกเห็นใจอย่างเด่นชัดของศิลปินต่อภาพพาโนรามาในฤดูหนาวอย่างเห็นได้ชัด ศตวรรษที่ 18 ยังเป็นที่จดจำถึงการเกิดขึ้นของการวาดภาพในชีวิตประจำวัน ในศตวรรษที่ 19 การเคลื่อนไหว 3 ประการได้รับความนิยมในรัสเซีย: แนวโรแมนติก สัจนิยม และคลาสสิก เมื่อก่อนศิลปินชาวรัสเซียยังคงหันมาใช้แนวภาพบุคคลต่อไป ตอนนั้นเองที่ภาพบุคคลที่มีชื่อเสียงระดับโลกและภาพเหมือนตนเองของ O. Kiprensky และ V. Tropinin ปรากฏขึ้น ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ศิลปินได้วาดภาพคนรัสเซียทั่วไปในสภาพที่ถูกกดขี่มากขึ้น ความสมจริงกลายเป็นแกนกลางของการวาดภาพในยุคนี้ ตอนนั้นเองที่ศิลปินนักเดินทางปรากฏตัวขึ้น โดยพรรณนาถึงชีวิตจริงเท่านั้น แน่นอนว่าศตวรรษที่ 20 นั้นเป็นยุคเปรี้ยวจี๊ด ศิลปินในยุคนั้นมีอิทธิพลอย่างมากต่อทั้งผู้ติดตามในรัสเซียและทั่วโลก ภาพวาดของพวกเขากลายเป็นบรรพบุรุษของศิลปะนามธรรม ภาพวาดของรัสเซียเป็นโลกมหัศจรรย์ที่ยิ่งใหญ่ของศิลปินที่มีความสามารถซึ่งยกย่องรัสเซียด้วยการสร้างสรรค์ของพวกเขา

การจัดอันดับผลงานที่แพงที่สุดของศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่คือการก่อสร้างที่พูดถึงบทบาทและสถานที่ของศิลปินในประวัติศาสตร์ศิลปะน้อยกว่าเรื่องอายุและสุขภาพ

กฎในการรวบรวมคะแนนของเรานั้นง่าย: ประการแรก เฉพาะการทำธุรกรรมกับผลงานของผู้เขียนที่ยังมีชีวิตอยู่เท่านั้นที่จะถูกนำมาพิจารณา ประการที่สอง พิจารณาเฉพาะการขายทอดตลาดสาธารณะเท่านั้น และประการที่สามกฎ "ศิลปินหนึ่งคน - งานเดียว" ถูกปฏิบัติตาม (หากในการจัดอันดับผลงานสองบันทึกเป็นของโจนส์ก็จะเหลือเพียงอันที่แพงที่สุดเท่านั้นและส่วนที่เหลือจะไม่ถูกนำมาพิจารณา) การจัดอันดับจะดำเนินการในรูปของดอลลาร์ (ตามอัตราแลกเปลี่ยน ณ วันที่ขาย)

1. เจฟฟ์ คูนส์ แรบบิท พ.ศ. 2529 91.075 ล้านดอลลาร์

ยิ่งคุณดูอาชีพการประมูลของ Jeff Koons (1955) นานเท่าไร คุณก็ยิ่งมั่นใจว่าไม่มีอะไรที่เป็นไปไม่ได้สำหรับศิลปะป๊อปอาร์ต คุณสามารถชื่นชมรูปปั้นของ Koons ในรูปแบบของของเล่นบอลลูนหรือจะถือว่ามันเป็นของไร้ค่าและรสชาติไม่ดีก็ได้ - ถูกต้อง สิ่งหนึ่งที่ปฏิเสธไม่ได้: การติดตั้งของ Jeff Koons ต้องใช้เงินมหาศาล

Jeff Koons เริ่มต้นเส้นทางสู่ชื่อเสียงในฐานะศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่ที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในโลกย้อนกลับไปในปี 2550 เมื่อผลงานศิลปะโลหะขนาดยักษ์ "Hanging Heart" ถูกซื้อในราคา 23.6 ล้านเหรียญสหรัฐที่ Sotheby's งานนี้ซื้อโดยแกลเลอรีของ Larry Gagosian ซึ่งเป็นตัวแทนของ Koons พวกเขาเขียน สื่อเห็นว่าเป็นที่สนใจของมหาเศรษฐีชาวยูเครน Viktor Pinchuk) แกลเลอรีแห่งนี้ไม่ได้เป็นเพียงการจัดวางเท่านั้น แต่ยังเป็นงานศิลปะเครื่องประดับอีกด้วย แม้ว่างานจะไม่ได้ทำจากทองคำก็ตาม (วัสดุเป็นสเตนเลส) เหล็ก) และมีขนาดใหญ่กว่าจี้ธรรมดาอย่างเห็นได้ชัด (รูปปั้นสูง 2.7 ม. หนัก 1,600 กก.) แต่มีจุดประสงค์คล้าย ๆ กัน ใช้เวลากว่าหกพันห้าพันชั่วโมงในการผลิตองค์ประกอบด้วยใจ เคลือบด้วยสีสิบชั้น เป็นผลให้มีการจ่ายเงินจำนวนมากสำหรับ "การตกแต่ง" ที่งดงาม

ถัดมาคือการขาย "Balloon Flower" สีม่วงในราคา 12.92 ล้านปอนด์ (25.8 ล้านเหรียญสหรัฐ) ในการประมูลของ Christie's London เมื่อวันที่ 30 มิถุนายน 2551 สิ่งที่น่าสนใจคือเมื่อเจ็ดปีก่อนเจ้าของ "ดอกไม้" คนก่อนซื้องานนี้ด้วยราคา 1.1 ล้านเหรียญสหรัฐ ง่ายที่จะคำนวณว่าในช่วงเวลานี้ราคาตลาดเพิ่มขึ้นเกือบ 25 เท่า

การลดลงของตลาดศิลปะในช่วงปี 2551-2552 ทำให้ผู้คลางแคลงใจบ่นว่าแฟชั่นของ Koons ผ่านไปแล้ว แต่พวกเขาคิดผิด: ความสนใจในผลงานของ Koons ก็ฟื้นขึ้นมาพร้อมกับตลาดศิลปะ ผู้สืบทอดตำแหน่งของ Andy Warhol ในฐานะราชาแห่งป๊อปอาร์ตได้ปรับปรุงบันทึกส่วนตัวของเขาในเดือนพฤศจิกายน 2555 ด้วยการขายประติมากรรมหลากสี “Tulips” จากซีรีส์ “Celebration” ในราคา 33.7 ล้านเหรียญสหรัฐที่ Christie's รวมค่าคอมมิชชันแล้ว

แต่ "ทิวลิป" นั้นเป็น "ดอกไม้" ในความหมายที่แท้จริงและเป็นรูปเป็นร่าง เพียงหนึ่งปีต่อมา ในเดือนพฤศจิกายน 2013 ก็มีการขายประติมากรรมสแตนเลส “Balloon Dog (สีส้ม)” ตามมา ราคาค้อนสูงถึง 58.4 ล้านเหรียญสหรัฐ! จำนวนเงินที่ยอดเยี่ยมสำหรับศิลปินที่มีชีวิต ผลงานของนักเขียนร่วมสมัยถูกขายในราคาเดียวกับภาพวาดของ Van Gogh หรือ Picasso พวกนี้เป็นผลเบอร์รี่อยู่แล้ว...

ด้วยเหตุนี้ Koons จึงครองตำแหน่งสูงสุดในการจัดอันดับศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่เป็นเวลาหลายปี ในเดือนพฤศจิกายน 2018 เขาแซงหน้า David Hockney ในช่วงสั้นๆ (ดูอันดับสองในอันดับของเรา) แต่เพียงหกเดือนต่อมาทุกอย่างก็กลับมาเป็นปกติ: เมื่อวันที่ 15 พฤษภาคม 2019 ในนิวยอร์กในการประมูลงานศิลปะหลังสงครามและศิลปะร่วมสมัยที่ Christie's ประติมากรรมตำราเรียนสำหรับ Koons จากปี 1986 ก็ถูกนำไปขาย - เงิน “ Rabbit” ทำจากสแตนเลส เลียนแบบลูกโป่งที่มีรูปร่างคล้ายกัน

โดยรวมแล้ว Koons ได้สร้างเรื่องตลกดังกล่าว 3 เรื่องพร้อมสำเนาต้นฉบับหนึ่งฉบับ การประมูลรวมสำเนา "Rabbit" หมายเลข 2 - จากคอลเลกชันของผู้จัดพิมพ์ลัทธิ Cy Newhouse เจ้าของร่วมของสำนักพิมพ์ Conde Nast (นิตยสาร Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ ฯลฯ ) Cy Newhouse ซึ่งเป็น "บิดาแห่งความเย้ายวนใจ" ซื้อ "Rabbit" เงินในปี 1992 ด้วยมูลค่ารวมที่น่าประทับใจตามมาตรฐานของหลายปีที่ผ่านมา - 1 ล้านเหรียญสหรัฐ หลังจาก 27 ปีในการต่อสู้ของผู้ประมูล 10 ราย ราคาค้อนของประติมากรรมนั้นสูงถึง 80 เท่าของราคาขายครั้งก่อน และเมื่อคำนึงถึงค่าคอมมิชชันพรีเมียมของผู้ซื้อ ผลลัพธ์สุดท้ายคือ 91.075 ล้านดอลลาร์ ซึ่งเป็นสถิติสำหรับศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่ทุกคน

2. ภาพเหมือนของ DAVID HOCKNEY ของศิลปิน สระน้ำที่มีสองร่าง 1972. 90,312,500 ดอลลาร์

David Hockney (1937) เป็นหนึ่งในศิลปินชาวอังกฤษที่สำคัญที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 ในปี 2011 จากการสำรวจศิลปินและประติมากรชาวอังกฤษมืออาชีพหลายพันคน David Hockney ได้รับการโหวตให้เป็นศิลปินชาวอังกฤษที่ทรงอิทธิพลที่สุดตลอดกาล ในเวลาเดียวกัน Hockney เอาชนะปรมาจารย์เช่น William Turner และ Francis Bacon โดยปกติงานของเขาจะจัดอยู่ในประเภทป๊อปอาร์ต แม้ว่าผลงานในช่วงแรกๆ ของเขาจะเน้นไปที่การแสดงออกในจิตวิญญาณของฟรานซิส เบคอนมากกว่า

David Hockney เกิดและเติบโตในอังกฤษ ในเขตยอร์กเชียร์ แม่ของศิลปินในอนาคตทำให้ครอบครัวเคร่งครัดและพ่อของเขาซึ่งเป็นนักบัญชีธรรมดาที่วาดรูปมือสมัครเล่นนิดหน่อยก็สนับสนุนให้ลูกชายของเขาวาดภาพ ในวัยยี่สิบ เดวิดย้ายไปแคลิฟอร์เนีย ซึ่งเขาอาศัยอยู่รวมประมาณสามทศวรรษ เขายังคงมีเวิร์คช็อปสองแห่งที่นั่น ฮ็อคนีย์ทำให้วีรบุรุษในผลงานของเขากลายเป็นเศรษฐีในท้องถิ่น มีวิลล่า สระว่ายน้ำ และสนามหญ้าที่เปียกโชกภายใต้แสงแดดของแคลิฟอร์เนีย ผลงานที่โด่งดังที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาในยุคอเมริกา - ภาพวาด "Splash" - เป็นภาพละอองน้ำที่พุ่งขึ้นมาจากสระน้ำหลังจากที่ชายคนหนึ่งกระโดดลงไปในน้ำ เพื่อพรรณนาถึงฟ่อนข้าวนี้ ซึ่ง "มีชีวิต" ไม่เกินสองวินาที Hockney ทำงานเป็นเวลาสองสัปดาห์ อย่างไรก็ตาม ภาพวาดนี้ขายที่ Sotheby's ในปี 2549 ในราคา 5.4 ล้านเหรียญสหรัฐ และในบางครั้งถือเป็นงานที่แพงที่สุดของเขา

Hockney (1937) มีอายุเกินแปดสิบแล้ว แต่เขายังคงทำงานและคิดค้นเทคนิคทางศิลปะใหม่ ๆ โดยใช้นวัตกรรมทางเทคนิค กาลครั้งหนึ่งเขามีความคิดที่จะสร้างภาพปะติดขนาดใหญ่จากโพลารอยด์ พิมพ์ผลงานของเขาบนเครื่องแฟกซ์ และทุกวันนี้ศิลปินได้ฝึกฝนการวาดภาพบน iPad อย่างกระตือรือร้น ภาพวาดที่วาดบนแท็บเล็ตครอบครองสถานที่ที่สมควรในนิทรรศการของเขา

ในปี 2548 ในที่สุด Hockney ก็กลับมาจากอเมริกาไปอังกฤษ ตอนนี้เขาวาดภาพในที่โล่งและในสตูดิโอขนาดใหญ่ (มักประกอบด้วยหลายส่วน) ทิวทัศน์ของป่าไม้และป่าในท้องถิ่น จากข้อมูลของ Hockney ในช่วง 30 ปีที่เขาอยู่ในแคลิฟอร์เนีย เขาไม่คุ้นเคยกับการเปลี่ยนแปลงของฤดูกาลที่เรียบง่ายจนทำให้เขาหลงใหลและหลงใหลอย่างแท้จริง ผลงานล่าสุดของเขาทั้งรอบนั้นเน้นไปที่ภูมิทัศน์เดียวกันในช่วงเวลาต่างๆ ของปี

ในปี 2018 ราคาภาพวาดของ Hockney ทะลุ 10 ล้านดอลลาร์หลายครั้ง และเมื่อวันที่ 15 พฤศจิกายน 2018 Christie’s ได้สร้างสถิติใหม่ให้กับผลงานของศิลปินที่มีชีวิต โดยมีมูลค่า 90,312,500 ดอลลาร์สหรัฐฯ สำหรับภาพวาด “Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)”

3. เกอร์ฮาร์ด ริชเตอร์ จิตรกรรมนามธรรม พ.ศ. 2529 46.3 ล้านดอลลาร์

การใช้ชีวิตแบบคลาสสิก แกร์ฮาร์ด ริกเตอร์ (1932)เกิดขึ้นที่สองในการจัดอันดับของเรา ศิลปินชาวเยอรมันคนนี้เป็นผู้นำในหมู่เพื่อนร่วมงานที่ยังมีชีวิตอยู่จนกระทั่งสถิติ 58 ล้านของ Jeff Koons พังทลายลง แต่เหตุการณ์นี้ไม่น่าจะสั่นคลอนอำนาจเหล็กที่มีอยู่แล้วของ Richter ในตลาดศิลปะได้ ในช่วงสิ้นปี 2555 มูลค่าการประมูลประจำปีของศิลปินชาวเยอรมันรายนี้เป็นอันดับสองรองจาก Andy Warhol และ Pablo Picasso

หลายปีที่ผ่านมา ไม่มีอะไรสามารถคาดเดาถึงความสำเร็จที่เกิดขึ้นกับริกเตอร์ได้ในขณะนี้ เป็นเวลาหลายทศวรรษแล้วที่ศิลปินครอบครองสถานที่ที่เรียบง่ายในตลาดศิลปะร่วมสมัยและไม่ได้ต่อสู้เพื่อชื่อเสียงเลย เราสามารถพูดได้ว่าชื่อเสียงมาทันเขาด้วยตัวมันเอง หลายคนคิดว่าจุดเริ่มต้นคือการซื้อผลงานชุดหนึ่งของ Richter "18 ตุลาคม 1977" โดย New York Museum of MoMA ในปี 1995 พิพิธภัณฑ์อเมริกันแห่งนี้จ่ายเงิน 3 ล้านเหรียญสหรัฐเพื่อซื้อภาพวาดโทนสีเทา 15 ชิ้น และในไม่ช้าก็เริ่มคิดถึงการจัดแสดงผลงานย้อนหลังของศิลปินชาวเยอรมันรายนี้ นิทรรศการอันยิ่งใหญ่นี้เปิดขึ้นในหกปีต่อมาในปี 2544 และตั้งแต่นั้นมาความสนใจในงานของ Richter ก็เพิ่มขึ้นอย่างก้าวกระโดด ตั้งแต่ปี 2547 ถึง 2551 ราคาภาพวาดของเขาเพิ่มขึ้นสามเท่า ในปี 2010 ผลงานของ Richter สร้างรายได้ 76.9 ล้านดอลลาร์แล้ว ในปี 2011 ตามเว็บไซต์ Artnet ผลงานของ Richter ในการประมูลมีรายได้รวม 200 ล้านดอลลาร์ และในปี 2012 (อ้างอิงจาก Artprice) - 262.7 ล้านดอลลาร์ - มากกว่าผลงานของคนอื่นๆ ศิลปินที่มีชีวิต

ตัวอย่างเช่น ความสำเร็จอย่างท่วมท้นของ Jasper Johns ในการประมูลมาพร้อมกับผลงานในยุคแรกๆ ของเขาเท่านั้น การแบ่งส่วนที่ชัดเจนเช่นนี้ไม่ใช่เรื่องปกติสำหรับงานของ Richter ความต้องการสิ่งของต่างๆ จากยุคสร้างสรรค์ที่แตกต่างกันมีความเสถียรพอๆ กัน ซึ่งมีจำนวนมากใน อาชีพของริกเตอร์ ในช่วงหกสิบปีที่ผ่านมา ศิลปินคนนี้ได้ลองใช้ตัวเองในการวาดภาพแบบดั้งเดิมเกือบทุกประเภท ไม่ว่าจะเป็นภาพบุคคล ภูมิทัศน์ ทางทะเล ภาพเปลือย ภาพหุ่นนิ่ง และแน่นอนว่าเป็นภาพนามธรรม

ประวัติความเป็นมาของบันทึกการประมูลของริกเตอร์เริ่มต้นจากชุดหุ่นนิ่ง "เทียน" ภาพเทียนเสมือนจริง 27 ภาพในช่วงต้นทศวรรษ 1980 ในช่วงเวลาของการวาดภาพ มีราคาเพียง 15,000 มาร์กเยอรมัน ($5,800) ต่องาน แต่ก็ยังไม่มีใครซื้อ "เทียน" ในนิทรรศการครั้งแรกที่ Max Hetzler Gallery ในเมืองสตุ๊ตการ์ท จากนั้นรูปแบบของภาพเขียนก็ถูกเรียกว่าล้าสมัย ปัจจุบัน “เทียน” ถือเป็นงานตลอดกาล และมีค่าใช้จ่ายหลายล้านดอลลาร์

ในเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2551 "เทียน"เขียนในปี 1983 ถูกซื้อมาโดยไม่คาดคิดในราคาปอนด์ 7.97 ล้าน (16 ล้านดอลลาร์). บันทึกส่วนตัวนี้กินเวลาสามปีครึ่ง แล้ว ในเดือนตุลาคม 2554อีกอันหนึ่ง "เทียน" (2525)ไปอยู่ใต้ค้อนที่ Christie's ด้วยเงินปอนด์ 10.46 ล้าน (16.48 ล้านดอลลาร์). ด้วยสถิตินี้ Gerhard Richter เข้าสู่สามศิลปินที่ประสบความสำเร็จสูงสุดที่ยังมีชีวิตอยู่เป็นครั้งแรก โดยตามหลัง Jasper Johns และ Jeff Koons

จากนั้นการเดินขบวนแห่งชัยชนะของ "ภาพวาดนามธรรม" ของริกเตอร์ก็เริ่มขึ้น ศิลปินวาดภาพผลงานดังกล่าวโดยใช้เทคนิคเฉพาะของเขา: เขาใช้ส่วนผสมของสีเรียบง่ายบนพื้นหลังสีอ่อน จากนั้นใช้มีดโกนยาวขนาดเท่ากันชนรถยนต์ทาให้ทั่วผืนผ้าใบ สิ่งนี้ทำให้เกิดการเปลี่ยนสี จุด และแถบที่ซับซ้อน การตรวจสอบพื้นผิวของ "ภาพวาดนามธรรม" ของเขานั้นเหมือนกับการขุดค้น: ร่องรอยของ "ร่าง" ต่างๆ ปรากฏให้เห็นผ่านช่องว่างของชั้นหลากสีมากมาย

9 พฤศจิกายน 2554ในการประมูลงานศิลปะร่วมสมัยและหลังสงครามของ Sotheby ขนาดใหญ่ "จิตรกรรมนามธรรม (849-3)"ปี 1997 ตกอยู่ใต้ค้อนเพื่อ 20.8 ล้านดอลลาร์ (13.2 ล้านปอนด์). และหกเดือนต่อมา 8 พฤษภาคม 2555ในการประมูลงานศิลปะหลังสงครามและศิลปะร่วมสมัยที่ Christie's ในนิวยอร์ก "จิตรกรรมนามธรรม (798-3)"พ.ศ. 2536 ได้รับการบันทึก 21.8 ล้านดอลลาร์(รวมค่าคอมมิชชั่น) ห้าเดือนต่อมา - อีกบันทึกหนึ่ง: "จิตรกรรมนามธรรม (809-4)"จากคอลเลกชั่นนักดนตรีร็อค Eric Clapton เมื่อวันที่ 12 ตุลาคม 2555 ที่ Sotheby's ในลอนดอนตกอยู่ใต้ค้อนด้วยเงินปอนด์ 21.3 ล้าน (34.2 ล้านดอลลาร์). ริกเตอร์ยึดกำแพง 30 ล้านอย่างง่ายดายราวกับว่าเราไม่ได้พูดถึงภาพวาดสมัยใหม่ แต่เกี่ยวกับผลงานชิ้นเอกที่มีอายุหนึ่งร้อยปีแล้ว - ไม่น้อยไปกว่านี้ แม้ว่าในกรณีของริกเตอร์ ดูเหมือนว่าการรวมไว้ในวิหารแห่ง "ผู้ยิ่งใหญ่" นั้นเกิดขึ้นในช่วงชีวิตของศิลปิน ราคางานของชาวเยอรมันยังคงเพิ่มขึ้นอย่างต่อเนื่อง

บันทึกต่อไปของ Richter เป็นของงานภาพเหมือนจริง - ภูมิทัศน์ "จัตุรัสอาสนวิหาร มิลาน (ดอมพลัทซ์ เมแลนด์)" 1968. งานขายเพื่อ 37.1 ล้านในการประมูลของ Sotheby 14 พฤษภาคม 2556. ทิวทัศน์ของจัตุรัสที่สวยงามที่สุดนี้วาดโดยศิลปินชาวเยอรมันในปี 1968 โดยได้รับมอบหมายจาก Siemens Electro โดยเฉพาะสำหรับสำนักงานในมิลานของบริษัท ในขณะที่เขียน งานชิ้นนี้ถือเป็นงานเปรียบเทียบที่ใหญ่ที่สุดของริกเตอร์ (ขนาดเกือบ 3 x 3 เมตร)

บันทึกของ Cathedral Square กินเวลาเกือบสองปีจนกระทั่ง 10 กุมภาพันธ์ 2558ไม่ได้ขัดจังหวะเขา "จิตรกรรมนามธรรม" ( 1986): ราคาค้อนถึง £ 30.389 ล้าน (46.3 ล้านดอลลาร์). “ภาพวาดนามธรรม” ขนาด 300.5 × 250.5 ซม. นำมาประมูลที่ Sotheby’s เป็นหนึ่งในผลงานขนาดใหญ่ชิ้นแรกๆ ของ Richter ในเทคนิคพิเศษของผู้เขียนในการขูดชั้นสีออก ครั้งสุดท้ายในปี 1999 “ภาพวาดนามธรรม” นี้ถูกซื้อในการประมูลในราคา 607,000 ดอลลาร์ (ตั้งแต่ปีนี้จนถึงการขายในปัจจุบัน ผลงานนี้จัดแสดงที่พิพิธภัณฑ์ลุดวิกในโคโลญ) ในการประมูลเมื่อวันที่ 10 กุมภาพันธ์ 2558 ลูกค้าชาวอเมริกันในขั้นตอนการประมูล 2 ล้านปอนด์มีราคาค้อนอยู่ที่ 46.3 ล้านดอลลาร์ นั่นคือตั้งแต่ปี 1999 งานได้เพิ่มราคามากกว่า 76 เท่า!

4. CUI ZHUZHO “ภูเขาหิมะอันยิ่งใหญ่” 2013. 39.577 ล้านดอลลาร์

เป็นเวลานานแล้วที่เราไม่ได้ติดตามพัฒนาการของสถานการณ์ในตลาดศิลปะจีนอย่างใกล้ชิด โดยไม่ต้องการให้ข้อมูลมากเกินไปเกี่ยวกับงานศิลปะที่ "ไม่ใช่ของเรา" แก่ผู้อ่าน ยกเว้น Ai Weiwei ผู้ไม่เห็นด้วยซึ่งมีราคาไม่แพงเท่าที่เขาเป็นศิลปินที่มีเสียงสะท้อน นักเขียนชาวจีนดูเหมือนจะมีจำนวนมากเกินไปและห่างไกลจากเราที่จะเจาะลึกถึงสิ่งที่เกิดขึ้นในตลาดของพวกเขา แต่สถิติอย่างที่พวกเขาพูดนั้นจริงจังและหากเรากำลังพูดถึงนักเขียนที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในโลกเราก็ยังคงทำไม่ได้หากไม่มีเรื่องราวเกี่ยวกับตัวแทนที่โดดเด่นของศิลปะร่วมสมัยในจักรวรรดิซีเลสเชียล

เริ่มจากศิลปินจีนกันก่อน ฉุย หรู่จั่ว. ศิลปินเกิดในปี 1944 ในกรุงปักกิ่ง และอาศัยอยู่ในสหรัฐอเมริกาตั้งแต่ปี 1981 ถึง 1996 หลังจากกลับมาที่ประเทศจีน เขาเริ่มสอนที่ National Academy of Arts Cui Ruzhuo ตีความภาพวาดหมึกสไตล์จีนดั้งเดิมอีกครั้ง และสร้างภาพวาดม้วนกระดาษขนาดใหญ่ที่นักธุรกิจและเจ้าหน้าที่ชาวจีนชอบมอบให้กันเป็นของขวัญ ในโลกตะวันตก ไม่ค่อยมีใครรู้จักเขามากนัก แม้ว่าหลายคนจะต้องจดจำเรื่องราวของม้วนหนังสือมูลค่า 3.7 ล้านดอลลาร์ ซึ่งพนักงานทำความสะอาดแห่งหนึ่งในฮ่องกงโยนทิ้งไปอย่างเข้าใจผิด โดยเข้าใจผิดว่าเป็นขยะ ดังนั้น มันเป็นคัมภีร์ของ Cui Ruzhuo อย่างแน่นอน

Cui Ruzhuo มีอายุมากกว่า 70 ปีแล้ว และตลาดผลงานของเขากำลังเฟื่องฟู ผลงานของศิลปินคนนี้มากกว่า 60 ชิ้นมีมูลค่าเกิน 1 ล้านเหรียญสหรัฐ อย่างไรก็ตาม จนถึงขณะนี้ผลงานของเขาประสบความสำเร็จเฉพาะในการประมูลในจีนเท่านั้น บันทึกของ Cui Ruzhuo นั้นน่าประทับใจอย่างแท้จริง ก่อนอื่นเขา "ทิวทัศน์ในหิมะ"ที่งาน Poly Auction ที่ฮ่องกง 7 เมษายน 2014บรรลุราคาค้อนถึง 184 ล้านเหรียญฮ่องกง ( 23.7 ล้านเหรียญสหรัฐ).

อีกหนึ่งปีต่อมา 6 เมษายน 2558ในการประมูลโพลีพิเศษในฮ่องกงที่อุทิศให้กับผลงานของ Cui Ruzhuo ซีรีส์โดยเฉพาะ “ทิวทัศน์หิมะอันยิ่งใหญ่แห่งภูเขาเจียงหนาน”(เจียงหนานเป็นภูมิภาคประวัติศาสตร์ในประเทศจีน ครอบครองฝั่งขวาของแม่น้ำแยงซีตอนล่าง) หมึกแปดชนิดบนกระดาษทิวทัศน์มีราคาสูงถึง 236 ล้านดอลลาร์ฮ่องกง ( 30.444 ล้านดอลลาร์สหรัฐ).

หนึ่งปีต่อมา ประวัติศาสตร์ซ้ำรอยอีกครั้งในการประมูลเดี่ยวของ Cui Ruzhuo ซึ่งจัดขึ้นโดย Poly Auctions ในฮ่องกง 4 เมษายน 2559 polyptych หกส่วน “ภูเขาหิมะอันยิ่งใหญ่”ปี 2013 มีราคาค้อนทุบ (รวมค่าคอมมิชชันของการประมูล) อยู่ที่ 306 ล้านฮ่องกงดอลลาร์ (39.577 ล้านเหรียญสหรัฐ)). จนถึงตอนนี้ นี่ถือเป็นสถิติที่สมบูรณ์แบบในหมู่ศิลปินที่ยังมีชีวิตชาวเอเชีย

ตามที่ผู้ค้างานศิลปะ Johnson Chan ซึ่งทำงานกับงานศิลปะร่วมสมัยของจีนมาเป็นเวลา 30 ปีมีความปรารถนาอย่างไม่มีเงื่อนไขที่จะขึ้นราคาสำหรับงานของผู้เขียนคนนี้ แต่ทั้งหมดนี้เกิดขึ้นในระดับราคาที่นักสะสมที่มีประสบการณ์ไม่น่าจะต้องการ จะซื้ออะไรก็ได้ “ชาวจีนต้องการเพิ่มเรตติ้งศิลปินด้วยการเพิ่มราคาผลงานของพวกเขาในการประมูลระดับนานาชาติขนาดใหญ่ เช่นเดียวกับการประมูลที่ Poly ในฮ่องกง แต่ไม่ต้องสงสัยเลยว่าเรตติ้งเหล่านี้ถูกสร้างขึ้นมาโดยสิ้นเชิง” Johnson Chan แสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับ Cui ผลงานล่าสุดของ Ruzhuo

แน่นอนว่านี่เป็นเพียงความเห็นของตัวแทนจำหน่ายรายเดียว แต่เรามีบันทึกจริงบันทึกไว้ในฐานข้อมูลทั้งหมด ดังนั้นเราจะคำนึงถึงเขาด้วย Cui Ruzhuo เองเมื่อพิจารณาจากคำพูดของเขาแล้ว ยังห่างไกลจากความสุภาพเรียบร้อยของ Gerhard Richter เมื่อพูดถึงความสำเร็จในการประมูลของเขา ดูเหมือนว่าการแข่งขันเพื่อบันทึกครั้งนี้ทำให้เขาหลงใหลอย่างมาก “ฉันหวังว่าในอีก 5-10 ปีข้างหน้า ราคาผลงานของฉันจะสูงกว่าราคาผลงานของปรมาจารย์ชาวตะวันตกอย่างปิกัสโซและแวนโก๊ะ” นี่คือความฝันของจีน” Cui Ruzhuo กล่าว

5. แจสเปอร์ โจนส์ ธง. พ.ศ. 2526 36 ล้านดอลลาร์

อันดับที่สามในการจัดอันดับศิลปินที่มีชีวิตเป็นของชาวอเมริกัน แจสเปอร์ จอห์นส์ (1930). ราคาบันทึกปัจจุบันสำหรับงานของ Jones คือ $ 36 ล้าน. พวกเขาจ่ายเงินมากมายเพื่อชื่อเสียงของเขา "ธง"ในการประมูลของคริสตี้ 12 พฤศจิกายน 2557.

ชุดภาพวาด "ธง" ซึ่งเริ่มโดยโจนส์ในช่วงกลางทศวรรษ 1950 ทันทีหลังจากที่ศิลปินกลับจากกองทัพ กลายเป็นหนึ่งในผลงานหลักของเขา แม้แต่ในวัยเยาว์ ศิลปินก็เริ่มสนใจแนวคิดเรื่องสำเร็จรูปซึ่งเป็นการเปลี่ยนวัตถุในชีวิตประจำวันให้กลายเป็นงานศิลปะ อย่างไรก็ตาม ธงของโจนส์ไม่มีอยู่จริง แต่ถูกเขียนด้วยสีน้ำมันบนผ้าใบ ดังนั้นงานศิลปะจึงได้รับคุณสมบัติของสิ่งของจากชีวิตธรรมดา ๆ ในเวลาเดียวกันก็เป็นทั้งรูปธงและตัวธงเอง ผลงานหลายชุดที่มีธงทำให้ Jasper Johns มีชื่อเสียงไปทั่วโลก แต่ผลงานนามธรรมของเขากลับได้รับความนิยมไม่น้อย เป็นเวลาหลายปีที่รายการผลงานที่แพงที่สุดซึ่งรวบรวมตามกฎข้างต้นนำโดยบทคัดย่อของเขา "การเริ่มต้นที่ผิดพลาด". จนถึงปี 2550 ผืนผ้าใบที่สดใสและตกแต่งอย่างดีซึ่งวาดโดยโจนส์ในปี 2502 ถือว่ามีราคาที่แทบจะเข้าถึงไม่ได้สำหรับศิลปินที่มีชีวิต (แม้จะคลาสสิกตลอดชีวิต) - $ 17 ล้าน. นั่นคือจำนวนเงินที่พวกเขาจ่ายเป็นทองคำเพื่อตลาดศิลปะ 1988.

สิ่งที่น่าสนใจคือ การดำรงตำแหน่งของ Jasper Johns ในฐานะเจ้าของสถิติไม่ได้ต่อเนื่องกัน ในปี 1989 งานของเพื่อนร่วมงานของเขา Willem de Kooning ถูกขัดจังหวะ: Blending ซึ่งเป็นนามธรรมสูง 2 เมตรถูกขายที่ Sotheby's ในราคา 20.7 ล้านเหรียญ Jasper Johns ต้องย้าย แต่ 8 ปีต่อมาในปี 1997 de Kooning เสียชีวิต และ “ False Start by Jones ขึ้นอันดับหนึ่งในการจัดอันดับการประมูลของศิลปินที่ยังมีชีวิตอีกครั้งในรอบเกือบ 10 ปี

แต่ในปี 2550 ทุกอย่างเปลี่ยนไป อัลบั้ม False Start ถูกบดบังครั้งแรกโดยผลงานของ Damien Hirst และ Jeff Koons ที่อายุน้อยและทะเยอทะยาน จากนั้นมีการขายภาพวาด "The Sleeping Benefits Inspector" ของ Lucien Freud มูลค่า 33.6 ล้านเหรียญสหรัฐ (ตอนนี้เสียชีวิตแล้วดังนั้นจึงไม่ได้มีส่วนร่วมในการจัดอันดับนี้) จากนั้นบันทึกของเกฮาร์ด ริชเตอร์ก็เริ่มต้นขึ้น โดยทั่วไปจนถึงขณะนี้ Jasper Johns หนึ่งในปรมาจารย์ด้านศิลปะหลังสงครามของอเมริกาซึ่งทำงานที่จุดตัดของนีโอดาดานิสม์ การแสดงออกเชิงนามธรรม และป๊อปอาร์ต ด้วยสถิติปัจจุบันอยู่ที่ 36 ล้านคน อยู่ในอันดับที่สามที่มีเกียรติ

6. เอ็ด รัชชีย์ ทุบ พ.ศ. 2506 30.4 ล้านดอลลาร์

ความสำเร็จอย่างกะทันหันของการวาดภาพ "Smash" โดยศิลปินชาวอเมริกัน เอ็ดเวิร์ด รัชเชย์ (เกิด พ.ศ. 2480)ในการประมูล คริสตี้ส์ 12 พฤศจิกายน 2557ทำให้ผู้เขียนคนนี้เป็นหนึ่งในศิลปินที่มีชีวิตค่าตัวแพงที่สุด ราคาบันทึกก่อนหน้านี้สำหรับงานของ Ed Rusha (นามสกุล Ruscha มักออกเสียงในภาษารัสเซียว่า "Rusha" แต่การออกเสียงที่ถูกต้องคือ Rusha) คือ "เพียง" 6.98 ล้านเหรียญสหรัฐ: เงินจำนวนนั้นจ่ายให้กับผ้าใบของเขา "The Burning Gas" สถานี” เมื่อปี 2550 เจ็ดปีต่อมา "ทุบ"โดยมีมูลค่าประมาณ 15–20 ล้านดอลลาร์ถึงราคาค้อน 30.4 ล้านเหรียญสหรัฐ. เห็นได้ชัดว่าตลาดผลงานของผู้เขียนคนนี้ก้าวไปสู่ระดับใหม่ - ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่ Barack Obama ตกแต่งทำเนียบขาวด้วยผลงานของเขาและ Larry Gagosian เองก็จัดแสดงเขาในแกลเลอรี่ของเขา

Ed Ruscha ไม่เคยสนใจนิวยอร์กหลังสงครามด้วยความคลั่งไคล้ในการแสดงออกทางนามธรรม แต่เขากลับมองหาแรงบันดาลใจที่แคลิฟอร์เนียเป็นเวลามากกว่า 40 ปี ซึ่งเขาย้ายจากเนบราสกาเมื่ออายุ 18 ปี ศิลปินยืนอยู่ที่จุดกำเนิดของการเคลื่อนไหวทางศิลปะแนวใหม่ที่เรียกว่าป๊อปอาร์ต Edward Ruscha ร่วมกับ Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud และนักร้องวัฒนธรรมสมัยนิยมคนอื่น ๆ เข้าร่วมในนิทรรศการ "New Images of Ordinary Things" ที่พิพิธภัณฑ์ Pasadena ในปี 1962 ซึ่งกลายเป็นนิทรรศการพิพิธภัณฑ์แห่งแรกของศิลปะป๊อปอาร์ตอเมริกัน อย่างไรก็ตาม Ed Rusha เองก็ไม่ชอบเมื่องานของเขาถูกจัดว่าเป็นป๊อปอาร์ต แนวความคิด หรือการเคลื่อนไหวอื่น ๆ ในงานศิลปะ

สไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของเขาเรียกว่า "การวาดภาพข้อความ" เริ่มต้นในช่วงปลายทศวรรษ 1950 Ed Ruscha เริ่มวาดภาพคำศัพท์ เช่นเดียวกับ Warhol ซุปกระป๋องกลายเป็นงานศิลปะ สำหรับ Ed Rushay นี่เป็นคำและวลีธรรมดาๆ ที่นำมาจากป้ายโฆษณาหรือบรรจุภัณฑ์ในซูเปอร์มาร์เก็ต หรือจากเครดิตของภาพยนตร์ (ฮอลลีวูดมักจะ "อยู่ใกล้" สำหรับ Rushay แตกต่างจากศิลปินคนอื่นๆ Rusche เคารพ "โรงงานในฝัน") ข้อความบนผืนผ้าใบของเขาได้รับคุณสมบัติของวัตถุสามมิติซึ่งเป็นสิ่งมีชีวิตที่แท้จริงของคำ เมื่อมองผืนผ้าใบของเขา สิ่งแรกที่นึกถึงคือการรับรู้ด้วยภาพและเสียงของคำที่ทาสี และตามด้วยความหมายเชิงความหมายเท่านั้น ตามกฎแล้วสิ่งหลังไม่สามารถถอดรหัสได้อย่างชัดเจน การเลือกใช้คำและวลีของ Rushay สามารถตีความได้หลายวิธี คำสีเหลืองสดใสเดียวกัน "ชน" บนพื้นหลังสีน้ำเงินเข้มสามารถถูกมองว่าเป็นการเรียกร้องให้ทุบบางสิ่งบางอย่างหรือใครบางคนเป็นชิ้น ๆ เป็นคำคุณศัพท์ที่โดดเดี่ยวซึ่งไม่อยู่ในบริบท (เช่น ส่วนหนึ่งของพาดหัวข่าวหนังสือพิมพ์บางฉบับ) หรือเพียงเป็นคำที่แยกจากกันซึ่งอยู่ในกระแสของภาพที่มองเห็นในเมือง Ed Ruscha พอใจกับความไม่แน่นอนนี้ “ผมมีความเคารพอย่างสุดซึ้งต่อสิ่งแปลก ๆ และอธิบายไม่ได้... คำอธิบายในแง่หนึ่งฆ่าสิ่งนั้น” เขากล่าวในการให้สัมภาษณ์

7. คริสโตเฟอร์วูล ไม่มีชื่อ (RIOT) 1990 29.93 ล้านดอลลาร์

ศิลปินชาวอเมริกัน คริสโตเฟอร์ วูล(1955) บุกเข้าสู่การจัดอันดับศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่เป็นครั้งแรกในปี 2013 - หลังจากขายผลงาน "Apocalypse Now" ในราคา 26.5 ล้านเหรียญสหรัฐ บันทึกนี้ทำให้เขาทัดเทียมกับ Jasper Johns และ Gerhard Richter ทันที มูลค่าของการทำธุรกรรมครั้งประวัติศาสตร์นี้มากกว่า 20 ล้านดอลลาร์ ทำให้หลายคนประหลาดใจเนื่องจากก่อนหน้านี้ราคาผลงานของศิลปินนั้นไม่เกิน 8 ล้านดอลลาร์ อย่างไรก็ตาม การเติบโตอย่างรวดเร็วของตลาดผลงานของ Christopher Wool ปรากฏชัดเจนในเวลานั้น: ประวัติประกอบด้วยธุรกรรมการประมูล 48 รายการมูลค่ามากกว่า 1 ล้านดอลลาร์ และ 22 รายการ (เกือบครึ่งหนึ่ง) เกิดขึ้นในปี 2556 สองปีต่อมาจำนวนผลงานของ Chris Wool ที่ขายได้มากกว่า 1 ล้านเหรียญสหรัฐถึง 70 ชิ้นและบันทึกส่วนตัวใหม่ก็มาไม่นาน ในงานประมูล งานของ Sotheby เมื่อวันที่ 12 พฤษภาคม 2558“ Untitled (RIOT)”ถูกขายในราคา $ 29.93 ล้านรวมถึงพรีเมี่ยมของผู้ซื้อ

คริสโตเฟอร์ วูลเป็นที่รู้จักจากผลงานขนาดใหญ่ที่ใช้ตัวอักษรสีดำบนแผ่นอลูมิเนียมสีขาว พวกเขาคือผู้ที่สร้างสถิติในการประมูลตามกฎ สิ่งเหล่านี้คือเรื่องราวทั้งหมดตั้งแต่ปลายทศวรรษ 1980 - ต้นทศวรรษ 1990 ตามตำนานเล่าว่า วันหนึ่ง Wool กำลังเดินไปรอบๆ นิวยอร์กในตอนเย็น และทันใดนั้นก็เห็นกราฟฟิตี้เป็นตัวอักษรสีดำบนรถบรรทุกสีขาวคันใหม่ ซึ่งก็คือคำว่า sex และ luv ภาพนี้ทำให้เขาประทับใจมากจนเขากลับมาที่เวิร์กช็อปทันทีและเขียนเวอร์ชันของเขาเองด้วยคำเดียวกัน มันคือปี 1987 และการค้นหาคำและวลีของศิลปินเพิ่มเติมสำหรับงาน "จดหมาย" ของเขาสะท้อนให้เห็นถึงจิตวิญญาณที่ขัดแย้งกันในเวลานี้ นี่คือสโลแกน “ขายบ้าน ขายรถ ขายลูก” โดย วูล มาจากภาพยนตร์เรื่อง “Apocalypse Now” และคำว่า “FOOL” (“คนโง่”) เป็นตัวพิมพ์ใหญ่ และคำว่า “RIOT” (“การกบฏ”) ซึ่งมักพบในพาดหัวหนังสือพิมพ์ในสมัยนั้น

วูลใช้คำและวลีกับแผ่นอลูมิเนียมโดยใช้ลายฉลุที่มีสีอัลคิดหรือเคลือบฟัน โดยจงใจทิ้งหยดน้ำ รอยลายฉลุ และหลักฐานอื่น ๆ ของกระบวนการสร้างสรรค์ ศิลปินแบ่งคำในลักษณะที่ผู้ชมไม่เข้าใจความหมายในทันที ในตอนแรกคุณเห็นเพียงกลุ่มตัวอักษรนั่นคือคุณรับรู้คำนั้นเป็นวัตถุที่มองเห็นได้และจากนั้นคุณจึงอ่านและถอดรหัสความหมายของวลีหรือคำนั้น Wool ใช้แบบอักษรที่กองทัพอเมริกันใช้หลังสงครามโลกครั้งที่สอง ซึ่งช่วยเพิ่มความประทับใจให้กับคำสั่ง คำสั่ง หรือสโลแกน งาน "ตัวอักษร" เหล่านี้ถูกมองว่าเป็นส่วนหนึ่งของภูมิทัศน์เมือง เช่นเดียวกับกราฟฟิตี้ที่ผิดกฎหมายซึ่งละเมิดความสะอาดของพื้นผิวของวัตถุบนถนนบางชิ้น ผลงานชุดนี้ของคริสโตเฟอร์ วูลได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในจุดสุดยอดของนามธรรมทางภาษา และด้วยเหตุนี้จึงได้รับการยกย่องอย่างสูงจากผู้ชื่นชอบศิลปะร่วมสมัย

8. ปีเตอร์ ด็อก โรสเดล. พ.ศ. 2534 28.81 ล้านดอลลาร์

อังกฤษ ปีเตอร์ ด็อก(1959) แม้ว่าเขาจะอยู่ในรุ่นของ Koons และ Hirst ในยุคหลังสมัยใหม่ แต่ก็เลือกแนวภูมิทัศน์แบบดั้งเดิมสำหรับตัวเขาเองซึ่งไม่ได้รับความนิยมจากศิลปินขั้นสูงมาเป็นเวลานาน ด้วยผลงานของเขา Peter Doig ฟื้นความสนใจที่ลดลงของสาธารณชนในการวาดภาพเป็นรูปเป็นร่าง ผลงานของเขาได้รับการชื่นชมอย่างสูงจากทั้งนักวิจารณ์และผู้ที่ไม่ใช่ผู้เชี่ยวชาญ และหลักฐานที่แสดงให้เห็นว่านี่คือราคาที่เพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วสำหรับงานของเขา หากในช่วงต้นทศวรรษ 1990 ภูมิทัศน์ของเขามีราคาหลายพันดอลลาร์ ตอนนี้ราคาก็สูงถึงหลายล้านดอลลาร์แล้ว

งานของ Doig มักถูกเรียกว่าความสมจริงที่มีมนต์ขลัง เขาสร้างภาพแฟนตาซี ลึกลับ และมืดมนโดยอิงจากทิวทัศน์จริง ศิลปินชอบวาดภาพวัตถุที่ผู้คนละทิ้ง เช่น อาคารทรุดโทรมที่สร้างโดยเลอ กอร์บูซีเยร์กลางป่า หรือเรือแคนูสีขาวว่างเปล่าบนพื้นผิวทะเลสาบในป่า นอกจากธรรมชาติและจินตนาการแล้ว Doig ยังได้รับแรงบันดาลใจจากภาพยนตร์สยองขวัญ โปสการ์ดเก่า ภาพถ่าย วิดีโอสมัครเล่น ฯลฯ ภาพวาดของโดอิกมีสีสัน ซับซ้อน ตกแต่ง และไม่ยั่วยุ รู้สึกยินดีเป็นอย่างยิ่งที่ได้เป็นเจ้าของภาพวาดดังกล่าว ความสนใจของนักสะสมยังได้รับแรงหนุนจากผลงานที่ต่ำของผู้เขียน: ศิลปินที่อาศัยอยู่ในตรินิแดดสร้างภาพเขียนได้ไม่เกินโหลต่อปี

ในช่วงต้นทศวรรษ 2000 ภูมิทัศน์แต่ละภาพโดยศิลปินขายได้ในราคาหลายแสนดอลลาร์ ในเวลาเดียวกัน ผลงานของ Doig ได้รวมอยู่ใน Saatchi Gallery, Whitney Museum Biennial และในคอลเลกชัน MoMA ในปี 2549 สามารถเอาชนะการประมูลระดับ 1 ล้านดอลลาร์ได้ และในปีต่อมา ก็มีการพัฒนาที่ไม่คาดคิดเกิดขึ้น: งาน "White Canoe" ที่นำเสนอที่ Sotheby's เมื่อวันที่ 7 กุมภาพันธ์ 2550 ด้วยราคาประมาณ 0.8–1.2 ล้านดอลลาร์ ซึ่งสูงกว่านั้นถึงห้าเท่า กว่าประมาณการเบื้องต้นและขายได้ในราคา 5.7 ล้านปอนด์ (11.3 ล้านดอลลาร์) ในเวลานั้นนี่เป็นราคาสูงสุดเป็นประวัติการณ์สำหรับผลงานของศิลปินชาวยุโรปที่ยังมีชีวิตอยู่

ในปี 2008 Doig ได้จัดนิทรรศการเดี่ยวที่ Tate Gallery และ Museum of Modern Art ในปารีส ป้ายราคาหลายล้านดอลลาร์สำหรับงานของ Doig กลายเป็นเรื่องปกติ บันทึกส่วนตัวของ Peter Doig เพิ่งเริ่มได้รับการอัปเดตปีละหลายครั้ง สิ่งที่เราทำได้คือเปลี่ยนภาพและสถานที่ของศิลปินรายนี้ในการจัดอันดับนักเขียนที่มีชีวิตของเรา

จนถึงปัจจุบัน งานที่แพงที่สุดของ Peter Doig คือภูมิทัศน์ที่เต็มไปด้วยหิมะ “Rosedale” จากปี 1991 สิ่งที่น่าสนใจคือบันทึกไม่ได้ถูกกำหนดไว้ที่ Sotheby's หรือ Christie's แต่เป็นการประมูลงานศิลปะร่วมสมัยที่บ้านประมูล Phillips เรื่องนี้เกิดขึ้นเมื่อวันที่ 18 พฤษภาคม 2017 ทิวทัศน์ของย่าน Rosedale ในโตรอนโตที่เต็มไปด้วยหิมะถูกขายให้กับผู้ซื้อโทรศัพท์ในราคา 28.81 ล้านดอลลาร์ ซึ่งสูงกว่าสถิติก่อนหน้าประมาณ 3 ล้านดอลลาร์ (25.9 ล้านดอลลาร์สำหรับ "Swallowed by the Mire") "Rosedale" เข้าร่วมในนิทรรศการสำคัญของ Doig ที่ Whitechapel Gallery ในลอนดอนในปี 1998 และโดยทั่วไปแล้วผลงานชิ้นนี้เป็นผลงานใหม่ออกสู่ตลาด ดังนั้นจึงสมควรได้รับราคาเป็นประวัติการณ์

9. แฟรงก์ สเตลลา แหลมแห่งต้นสน พ.ศ. 2502 28 ล้านดอลลาร์

Frank Stella เป็นตัวแทนที่โดดเด่นของนามธรรมหลังจิตรกรและความเรียบง่ายในงานศิลปะ ในขั้นตอนหนึ่งเขาจัดว่าเป็นตัวแทนของรูปแบบการวาดภาพขอบแข็ง ในตอนแรก สเตลลาเปรียบเทียบรูปทรงเรขาคณิตที่เข้มงวด ขาวดำนักพรต และโครงสร้างของภาพวาดของเขากับความเป็นธรรมชาติและความโกลาหลของภาพวาดของนักแสดงออกเชิงนามธรรมเช่นแจ็กสัน โพลลอค

ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 ศิลปินได้รับความสนใจจากเจ้าของแกลเลอรีชื่อดัง Leo Castelli และได้รับรางวัลนิทรรศการเป็นครั้งแรก บนนั้นเขานำเสนอสิ่งที่เรียกว่า "ภาพวาดสีดำ" - ผืนผ้าใบที่วาดทับด้วยเส้นสีดำขนานกับช่องว่างบาง ๆ ของผืนผ้าใบที่ไม่ได้ทาสีระหว่างพวกเขา เส้นดังกล่าวก่อให้เกิดรูปทรงเรขาคณิต ซึ่งค่อนข้างชวนให้นึกถึงภาพลวงตา ภาพเดียวกันเหล่านั้นที่สั่นไหว เคลื่อนไหว บิดเบี้ยว สร้างความรู้สึกของห้วงอวกาศหากคุณมองมันเป็นเวลานาน สเตลลายังคงใช้รูปแบบของเส้นขนานที่มีแถบแบ่งบางๆ ในงานของเขาเกี่ยวกับอลูมิเนียมและทองแดง สี พื้นฐานภาพ และแม้แต่รูปร่างของภาพวาดเปลี่ยนไป (งานอื่น ๆ ที่มีรูปร่างเป็นตัวอักษร U, T, L โดดเด่น) แต่หลักการสำคัญของการวาดภาพของเขายังคงความชัดเจนของโครงร่าง ความยิ่งใหญ่ รูปแบบเรียบง่าย และเอกรงค์ ในทศวรรษต่อมา สเตลลาเปลี่ยนจากการวาดภาพเรขาคณิตไปสู่รูปแบบและเส้นที่เรียบเนียนเป็นธรรมชาติ และจากการวาดภาพสีเดียวไปสู่การเปลี่ยนสีที่สดใสและหลากหลาย ในช่วงทศวรรษ 1970 สเตลล่ารู้สึกประทับใจกับลวดลายขนาดใหญ่ที่ใช้ในการทาสีเรือ ศิลปินใช้สิ่งเหล่านี้ในการวาดภาพขนาดใหญ่ที่มีองค์ประกอบการประกอบ - เขารวมชิ้นส่วนของท่อเหล็กหรือตาข่ายลวดไว้ในผลงาน

ในการสัมภาษณ์ช่วงแรกๆ ของเขา แฟรงก์ สเตลลาพูดคุยอย่างเปิดเผยถึงความหมายที่ใส่เข้าไปในงานของเขา หรือพูดถึงการขาดความหมาย: “สิ่งที่คุณเห็นคือสิ่งที่คุณเห็น” ภาพวาดเป็นวัตถุในตัวเอง และไม่ใช่การทำซ้ำบางสิ่งบางอย่าง “มันเป็นพื้นผิวเรียบที่มีสีอยู่บนนั้น ไม่มีอะไรอย่างอื่นเลย” สเตลลากล่าว

แฟรงก์ สเตลล่า ลงนาม "พื้นผิวที่มีสีอยู่" นี้ อาจมีมูลค่าหลายล้านดอลลาร์ในปัจจุบัน นับเป็นครั้งแรกที่ Frank Stella เข้าสู่การจัดอันดับศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่ในปี 2015 ด้วยการขายผลงาน "Crossing the Delaware" (1961) ในราคา 13.69 ล้านเหรียญสหรัฐ รวมค่าคอมมิชชันแล้ว

สี่ปีต่อมา ในวันที่ 15 พฤษภาคม 2019 สถิติใหม่ถูกกำหนดโดยผลงานช่วงแรก (1959) “Cape of Pines”: ราคาค้อนสูงกว่า 28 ล้านดอลลาร์ รวมค่าคอมมิชชันแล้ว นี่เป็นหนึ่งใน 29 "ภาพวาดสีดำ" ซึ่งเป็นภาพเดียวกับที่สเตลล่าเปิดตัวในนิทรรศการครั้งแรกในนิวยอร์ก แฟรงก์ สเตลลา ผู้สำเร็จการศึกษาจากมหาวิทยาลัยพรินซ์ตัน ขณะนั้นอายุ 23 ปี เขามักไม่มีเงินเพียงพอสำหรับค่าสีน้ำมันสำหรับศิลปิน ศิลปินหนุ่มได้รับเงินจากงานซ่อมแซมเขาชอบสีที่บริสุทธิ์มากและจากนั้นก็มีความคิดที่จะทำงานกับสีนี้บนผืนผ้าใบ การใช้สีเคลือบสีดำ สเตลล่าวาดแถบขนาน โดยทิ้งเส้นบางๆ ของผืนผ้าใบที่ไม่ได้ลงสีไว้ระหว่างเส้นเหล่านั้น ยิ่งกว่านั้นเขาเขียนโดยไม่มีไม้บรรทัดด้วยตาและไม่มีการร่างเบื้องต้น สเตลล่าไม่เคยรู้แน่ชัดว่าภาพวาดหนึ่งๆ จะมีเส้นสีดำกี่เส้น ตัวอย่างเช่นในภาพวาด "Cape of Pines" มี 35 ภาพ ชื่อของงานหมายถึงชื่อของแหลมในอ่าวแมสซาชูเซตส์ - จุดต้นสน ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 ที่นี่เป็นสวนสนุกขนาดใหญ่ และปัจจุบันเป็นหนึ่งในพื้นที่ของเมืองเรเวียร์

10. YOSHITOMO NARA มีดอยู่ด้านหลัง ค.ศ. 2000. 24.95 ล้านดอลลาร์

Yoshitomo Nara (1959) เป็นหนึ่งในบุคคลสำคัญของศิลปะนีโอป๊อปของญี่ปุ่น ภาษาญี่ปุ่น - เพราะแม้จะมีชื่อเสียงไปทั่วโลกและทำงานในต่างประเทศมาหลายปี แต่งานของเขายังคงโดดเด่นด้วยเอกลักษณ์ประจำชาติที่เด่นชัด ตัวละครโปรดของนาราคือเด็กผู้หญิงและสุนัขในรูปแบบของมังงะและการ์ตูนอนิเมะญี่ปุ่น ภาพที่เขาประดิษฐ์ขึ้น "ไปสู่ผู้คน" มาหลายปีแล้ว โดยพิมพ์ลงบนเสื้อยืด ของที่ระลึก และ "สินค้า" ต่างๆ ที่จัดทำขึ้นด้วยภาพเหล่านั้น เกิดมาในครอบครัวที่ยากจน ห่างไกลจากเมืองหลวง เขาไม่เพียงแต่รักในความสามารถของเขาเท่านั้น แต่ยังเห็นคุณค่าในฐานะคนที่สร้างตัวเองขึ้นมาด้วย ศิลปินทำงานได้อย่างรวดเร็วและชัดเจน เป็นที่ทราบกันดีว่าผลงานชิ้นเอกของเขาบางชิ้นเสร็จสมบูรณ์ในชั่วข้ามคืน โดยปกติแล้ว ภาพวาดและประติมากรรมของโยชิโทโมะ นารา นั้นจะพูดน้อยมากๆ หากไม่ตระหนี่ในการแสดงออก แต่ก็มักจะสื่อถึงอารมณ์ที่รุนแรงอยู่เสมอ เด็กสาววัยรุ่นของนารามักจะมองผู้ชมด้วยสายตาที่ไร้ความปรานี ในสายตาของพวกเขามีความกล้า ความท้าทาย และความก้าวร้าว ในมือของเขา - มีดหรือบุหรี่ มีความเห็นว่าพฤติกรรมที่วิปริตที่ปรากฎนั้นเป็นปฏิกิริยาต่อศีลธรรมทางสังคมที่กดขี่ ข้อห้ามต่างๆ และหลักการศึกษาที่ชาวญี่ปุ่นนำมาใช้ ความรุนแรงและความอับอายที่เกือบจะยุคกลางผลักดันปัญหาภายในและสร้างรากฐานสำหรับการระเบิดทางอารมณ์ที่ล่าช้า “The Knife Behind Your Back” สะท้อนแนวคิดหลักของศิลปินได้อย่างกระชับ ในงานนี้มีการจ้องมองที่แสดงความเกลียดชังของหญิงสาวคนหนึ่งและมีมือที่ข่มขู่ไว้ด้านหลังเธอ จนถึงปี 2019 ภาพวาดและประติมากรรมของ Yoshitomo Nara มียอดทะลุล้านหรือแม้กระทั่งหลายล้านมากกว่าหนึ่งครั้ง แต่ยี่สิบล้านเป็นครั้งแรก นาราเป็นหนึ่งในศิลปินที่เกิดในญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงมากที่สุดในโลก และตอนนี้อันที่แพงที่สุดยังมีชีวิตอยู่ เมื่อวันที่ 6 ตุลาคม พ.ศ. 2109 ที่ Sotheby's ในฮ่องกง เขาได้รับชื่อนี้จาก Takashi Murakami และเอาชนะศิลปินแนวหน้าวัย 90 ปีอย่าง Yayoi Kusama ได้อย่างเห็นได้ชัด (ราคาประมูลสูงสุดสำหรับภาพวาดของเธอใกล้จะถึง 9 ล้านเหรียญแล้ว)

11. เซง ฟานจือ พระกระยาหารมื้อสุดท้าย. พ.ศ. 2544 23.3 ล้านดอลลาร์

ในการประมูลของ Sotheby ในฮ่องกง 5 ตุลาคม 2556ปีผ้าใบขนาดใหญ่ "พระกระยาหารมื้อสุดท้าย"ศิลปินปักกิ่ง เจิ้ง ฟานจือ (1964)ถูกขายไปในราคาสูงสุดเป็นประวัติการณ์ที่ 160 ล้านเหรียญฮ่องกง - 23.3 ล้านเหรียญสหรัฐสหรัฐอเมริกา. แน่นอนว่าต้นทุนสุดท้ายของงานของ Fanzhi ซึ่งเขียนขึ้นภายใต้อิทธิพลของผลงานของ Leonardo da Vinci นั้นสูงเป็นสองเท่าของประมาณการเบื้องต้นที่ประมาณ 10 ล้านดอลลาร์ บันทึกราคาก่อนหน้าของ Zeng Fanzhi คือ $ 9.6 ล้านจ่ายในการประมูลของคริสตี้ที่ฮ่องกงในเดือนพฤษภาคม พ.ศ. 2551 สำหรับงานนี้ “ชุดหน้ากาก. พ.ศ. 2539. ลำดับที่. 6".

“กระยาหารมื้อสุดท้าย” เป็นภาพวาดที่ใหญ่ที่สุด (2.2 × 4 เมตร) โดย Fanzhi ในชุด “Masks” ครอบคลุมช่วงปี 1994 ถึง 2001 วัฏจักรนี้อุทิศให้กับวิวัฒนาการของสังคมจีนภายใต้อิทธิพลของการปฏิรูปเศรษฐกิจ การแนะนำองค์ประกอบของเศรษฐกิจแบบตลาดโดยรัฐบาลสาธารณรัฐประชาชนจีนนำไปสู่การขยายตัวของเมืองและความแตกแยกของชาวจีน Fanzhi พรรณนาถึงผู้อยู่อาศัยในเมืองจีนสมัยใหม่ที่ต้องต่อสู้เพื่อสถานที่ภายใต้แสงแดด องค์ประกอบที่รู้จักกันดีของจิตรกรรมฝาผนังของ Leonardo ในการอ่านของ Fanzhi มีความหมายที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง: ฉากแอ็คชั่นถูกย้ายจากกรุงเยรูซาเล็มไปยังห้องเรียนในโรงเรียนจีนที่มีกระดานอักษรอียิปต์โบราณทั่วไปอยู่บนผนัง “ พระคริสต์” และ “อัครสาวก” กลายเป็นผู้บุกเบิกที่มีความสัมพันธ์สีแดงเข้มและมีเพียง “ยูดาส” เท่านั้นที่สวมเน็คไทสีทอง - นี่เป็นคำอุปมาของระบบทุนนิยมตะวันตกที่เจาะและทำลายวิถีชีวิตตามปกติในประเทศสังคมนิยม

ผลงานของ Zeng Fanzhi มีโวหารใกล้เคียงกับการแสดงออกของชาวยุโรปและมีความดราม่าไม่แพ้กัน แต่ในขณะเดียวกันก็เต็มไปด้วยสัญลักษณ์และความเฉพาะเจาะจงของจีน ความเก่งกาจนี้ดึงดูดนักสะสมทั้งชาวจีนและชาวตะวันตกให้เข้ามาชมผลงานของศิลปิน การยืนยันโดยตรงถึงสิ่งนี้คือที่มาของ "The Last Supper": ผลงานนี้ถูกนำไปประมูลโดยนักสะสมชื่อดังของจีนแนวหน้าในช่วงทศวรรษ 1980 และต้นทศวรรษ 1990 Guy Ullens บารอนชาวเบลเยียม

12. โรเบิร์ต ไรแมน สะพาน. 1980 20.6 ล้านดอลลาร์

ในงานประมูล คริสตี้ส์ 13 พฤษภาคม 2558งานที่เป็นนามธรรม "สะพาน"ศิลปินชาวอเมริกันวัย 85 ปี โรเบิร์ต ไรแมน(โรเบิร์ต ไรแมน) ถูกขายเพื่อ 20.6 ล้านดอลลาร์โดยคำนึงถึงค่าคอมมิชชัน - แพงกว่าสองเท่าของประมาณการที่ต่ำกว่า

โรเบิร์ต ไรแมน(พ.ศ. 2473) ไม่ได้ตระหนักทันทีว่าเขาต้องการเป็นศิลปิน เมื่ออายุ 23 ปี เขาย้ายไปนิวยอร์กจากแนชวิลล์ รัฐเทนเนสซี โดยต้องการเป็นนักแซ็กโซโฟนแจ๊ส จนกระทั่งเขากลายเป็นนักดนตรีชื่อดัง เขาต้องทำงานเป็นเจ้าหน้าที่รักษาความปลอดภัยที่ MoMA ซึ่งเขาได้พบกับ Sol LeWitt และ Dan Flavin คนแรกทำงานที่พิพิธภัณฑ์ในตำแหน่งเลขานุการกะกลางคืน และคนที่สองเป็นเจ้าหน้าที่รักษาความปลอดภัยและพนักงานควบคุมลิฟต์ ประทับใจกับผลงานของนักวาดภาพนามธรรมที่เขาเห็นที่ MoMA - Rothko, De Kooning, Pollock และ Newman - Robert Ryman เริ่มวาดภาพด้วยตัวเองในปี 1955

Ryman มักถูกมองว่าเป็นคนเรียบง่าย แต่เขาชอบที่จะถูกเรียกว่า "นักสัจนิยม" เพราะเขาไม่สนใจที่จะสร้างภาพลวงตา เขาเพียงแต่แสดงให้เห็นคุณสมบัติของวัสดุที่เขาใช้เท่านั้น ผลงานส่วนใหญ่ของเขาทาสีด้วยเฉดสีขาวที่เป็นไปได้ทั้งหมด (จากสีเทาหรือสีเหลืองไปจนถึงสีขาวพราว) ตามรูปทรงสี่เหลี่ยมจัตุรัสที่พูดน้อย ในอาชีพของเขา Robert Ryman ได้ลองใช้วัสดุและเทคนิคหลายอย่าง: เขาวาดภาพด้วยน้ำมัน อะคริลิค เคซีน สารเคลือบ พาสเทล gouache ฯลฯ บนผืนผ้าใบ เหล็ก ลูกแก้ว อลูมิเนียม กระดาษ กระดาษลูกฟูก ไวนิล วอลเปเปอร์ ฯลฯ ของเขา เพื่อน ซึ่งเป็นนักซ่อมแซมมืออาชีพ ออร์ริน ไรลีย์ แนะนำเขาเกี่ยวกับการกัดกร่อนของวัสดุที่เขาคิดว่าจะใช้ ดังที่ศิลปินเคยกล่าวไว้ว่า “ฉันไม่เคยมีคำถาม อะไรเขียนสิ่งสำคัญคือ ยังไงเขียน". ทุกอย่างเกี่ยวกับพื้นผิว ลักษณะของลายเส้น ขอบเขตระหว่างพื้นผิวสีและขอบของฐาน รวมถึงความสัมพันธ์ระหว่างงานกับผนัง ตั้งแต่ปี 1975 องค์ประกอบพิเศษในงานของเขาคือส่วนยึด ซึ่ง Ryman ออกแบบเองและจงใจปล่อยให้มองเห็น โดยเน้นว่างานของเขา “สมจริงราวกับผนังที่พวกเขาแขวนไว้” Ryman ชอบที่จะตั้งชื่อผลงานของเขามากกว่า "ชื่อเรื่อง" "ชื่อ" คือสิ่งที่ช่วยแยกแยะงานหนึ่งจากอีกงานหนึ่ง และ Ryman มักตั้งชื่อผลงานของเขาตามแบรนด์สี บริษัท ฯลฯ และ "ชื่อ" อ้างว่ามีการพาดพิงถึงความหมายบางอย่างและความหมายที่ซ่อนอยู่อย่างลึกซึ้งซึ่งมีอยู่ในผลงานของเขา ศิลปินปฏิเสธเป็นประจำ ไม่มีอะไรสำคัญนอกจากวัสดุและเทคนิค

13. เดเมียน เฮิร์สต์ ฤดูใบไม้ผลิง่วงนอน พ.ศ. 2545 19.2 ล้านดอลลาร์

ถึงศิลปินชาวอังกฤษ เดเมียน เฮิร์สต์ (1965)ถูกกำหนดให้เป็นคนแรกที่ได้อันดับหนึ่งในการจัดอันดับนี้โดยโต้แย้งกับ Jasper Johns คลาสสิกที่ยังมีชีวิตอยู่ งานที่กล่าวไปแล้ว "การเริ่มต้นที่ผิดพลาด" อาจยังคงเป็นผู้นำที่ไม่มีวันจมได้เป็นเวลานานหาก 21 มิถุนายน 2550การติดตั้งโดย Hirst วัย 42 ปีในขณะนั้น "ฤดูใบไม้ผลิง่วงนอน"(2002) ไม่ได้ขายที่ Sotheby's ในราคา 3 ปอนด์ 9.76 ล้าน นั่นคือ 19.2 ล้านดอลลาร์. อย่างไรก็ตามงานมีรูปแบบที่ค่อนข้างแปลกตา ด้านหนึ่งมีตู้โชว์ที่มียาจำลอง (6,136 เม็ด) ซึ่งถือเป็นการจัดวางแบบคลาสสิก ในทางกลับกัน ตู้โชว์นี้ถูกทำให้เรียบ (ลึก 10 ซม.) วางในกรอบและแขวนไว้บนผนังเหมือนแผงพลาสมา จึงมั่นใจได้ถึงความสะดวกสบายในการเป็นเจ้าของตามแบบฉบับของภาพวาด ในปี 2002 Sleepy Winter น้องสาวของสถานที่จัดวางแห่งนี้ ขายได้ในราคา 7.4 ล้านเหรียญสหรัฐ ซึ่งมากกว่าราคาครึ่งหนึ่ง มีคน "อธิบาย" ความแตกต่างของราคาโดยบอกว่าแท็บเล็ตจะซีดจางมากขึ้นในฤดูหนาว แต่เป็นที่ชัดเจนว่าคำอธิบายนี้ไม่มีมูลเลยเนื่องจากกลไกการกำหนดราคาสำหรับสิ่งเหล่านี้ไม่เกี่ยวข้องกับลักษณะการตกแต่งอีกต่อไป

ในปี 2550 หลายคนยอมรับว่า Hirst เป็นนักเขียนผลงานที่แพงที่สุดในบรรดาศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่ อย่างไรก็ตาม คำถามนั้นมาจากหมวดหมู่ “ขึ้นอยู่กับว่าคุณนับอย่างไร” ความจริงก็คือ Hirst ขายได้ในราคาปอนด์แพง ส่วน Jones ก็ขายได้ในราคาดอลลาร์ที่ถูกกว่าและแม้กระทั่งเมื่อยี่สิบปีก่อนด้วยซ้ำ แต่แม้ว่าเราจะนับตามมูลค่าโดยไม่คำนึงถึงอัตราเงินเฟ้อในช่วง 20 ปี งานของ Hirst ก็มีราคาแพงกว่าในสกุลเงินดอลลาร์ และของ Jones เป็นปอนด์ สถานการณ์อยู่ในขอบเขต และทุกคนมีอิสระที่จะตัดสินใจว่าใครถือเป็นที่รักที่สุด แต่เฮิร์สต์อยู่ได้ไม่นานนักตั้งแต่แรก ในปี 2550 เดียวกัน Koons ถูกแทนที่จากที่หนึ่งด้วย "Hanging Heart"

ในวันที่ราคาศิลปะร่วมสมัยทั่วโลกลดลง Hirst ได้ดำเนินการอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อนสำหรับศิลปินรุ่นเยาว์ - การประมูลผลงานเดี่ยวของเขาซึ่งจัดขึ้นเมื่อวันที่ 15 กันยายน 2551 ในลอนดอน ข่าวการล้มละลายของธนาคารเลห์แมนบราเธอร์สที่ประกาศเมื่อวันก่อนไม่ได้ทำให้ความอยากอาหารของคนรักศิลปะร่วมสมัยลดลงเลย จากผลงาน 223 ชิ้นที่นำเสนอโดย Sotheby's มีเพียงห้ารายเท่านั้นที่ไม่พบเจ้าของใหม่ (หนึ่งในผู้ซื้อคือ วิคเตอร์ ปิ่นชุก). งาน "ราศีพฤษภสีทอง"- วัวยัดฟอร์มาลดีไฮด์ตัวใหญ่สวมมงกุฎด้วยแผ่นทองคำ - นำมามากเช่นกัน 10.3 ล้านปอนด์ (18.6 ล้านดอลลาร์). นี่คือผลลัพธ์ที่ดีที่สุดของ Hirst หากคำนวณเป็นปอนด์ (สกุลเงินที่ใช้ทำธุรกรรม) อย่างไรก็ตาม เราจัดอันดับในรูปของดอลลาร์ ดังนั้น (ขอให้ Golden Calf ยกโทษให้เรา) เราจะยังคงถือว่า "Sleepy Spring" เป็นสินค้าขายดีที่สุดของ Hirst

ตั้งแต่ปี 2008 Hirst ไม่มียอดขายในระดับ "Sleepy Spring" และ "The Golden Calf" บันทึกใหม่ของปี 2010 - สำหรับผลงานของ Richter, Jones, Fanzhi, Wool และ Koons - ทำให้ Damien อยู่อันดับที่หกในการจัดอันดับของเรา แต่อย่าตัดสินอย่างเด็ดขาดเกี่ยวกับการสิ้นสุดยุคเฮิร์สต์ ตามที่นักวิเคราะห์ระบุว่า Hirst ในฐานะ "ซูเปอร์สตาร์" ได้ลงไปในประวัติศาสตร์แล้วซึ่งหมายความว่าเขาจะถูกซื้อไปอีกนานมาก อย่างไรก็ตาม มีการทำนายคุณค่าที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในอนาคตสำหรับงานที่สร้างขึ้นในช่วงที่มีนวัตกรรมมากที่สุดในอาชีพของเขา นั่นคือในปี 1990

14. เมาริซิโอ แคทเทลัน เขา. พ.ศ. 2544 17.19 ล้านดอลลาร์

Maurizio Cattelan ชาวอิตาลี (1960) เข้าสู่งานศิลปะหลังจากทำงานเป็นเจ้าหน้าที่รักษาความปลอดภัย พ่อครัว คนทำสวน และนักออกแบบเฟอร์นิเจอร์ ศิลปินที่เรียนรู้ด้วยตนเองคนนี้มีชื่อเสียงไปทั่วโลกจากผลงานประติมากรรมและงานศิลปะจัดวางที่น่าขัน เขาทิ้งอุกกาบาตใส่พระสันตะปาปา เปลี่ยนภรรยาของลูกค้าให้เป็นถ้วยรางวัลล่าสัตว์ เจาะพื้นพิพิธภัณฑ์ Old Masters ชูนิ้วกลางยักษ์ไปที่ตลาดหลักทรัพย์มิลาน และนำลาที่มีชีวิตมาร่วมงาน Frieze ในอนาคตอันใกล้นี้ Cattelan สัญญาว่าจะติดตั้งห้องน้ำทองคำที่พิพิธภัณฑ์ Guggenheim Museum ท้ายที่สุด การแสดงตลกของ Maurizio Cattelan ได้รับการยอมรับอย่างกว้างขวางในโลกศิลปะ: เขาได้รับเชิญให้เข้าร่วมงาน Venice Biennale (สถานที่จัดวาง "Others" ในปี 2011 - ฝูงนกพิราบสองพันตัวที่มองดูน่ากลัวจากท่อและคานทั้งหมดต่อหน้าฝูงชนของ ผู้เยี่ยมชมที่เดินผ่านด้านล่าง) จัดให้เขาได้รับการตรวจย้อนหลังที่พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์ในนิวยอร์ก (พฤศจิกายน 2554) และในที่สุดก็ได้รับเงินจำนวนมากสำหรับประติมากรรมของเขา

ตั้งแต่ปี 2010 งานที่แพงที่สุดของ Maurizio Cattelan ก็คือประติมากรรมหุ่นขี้ผึ้งของชายคนหนึ่งที่มองออกมาจากรูบนพื้น ซึ่งมีลักษณะคล้ายกับตัวศิลปินเอง (Untitled, 2001) ประติมากรรมที่ติดตั้งนี้ ซึ่งมีอยู่ในสามชุดบวกกับสำเนาของผู้แต่ง ได้รับการจัดแสดงครั้งแรกที่พิพิธภัณฑ์ Boijmans van Beuningen ในเมืองร็อตเตอร์ดัม จากนั้นตัวละครจอมซนคนนี้ก็มองออกมาจากรูที่พื้นห้องโถงพร้อมภาพวาดของจิตรกรชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 18 - 19 ในงานนี้ Maurizio Cattellan เชื่อมโยงตัวเองกับอาชญากรผู้กล้าหาญที่บุกรุกพื้นที่ศักดิ์สิทธิ์ของห้องโถงพิพิธภัณฑ์ซึ่งมีภาพวาดโดยปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ ดังนั้นเขาจึงต้องการที่จะกีดกันงานศิลปะแห่งความศักดิ์สิทธิ์ที่กำแพงพิพิธภัณฑ์มอบให้ ผลงานชิ้นนี้ซึ่งต้องเจาะรูบนพื้นทุกครั้ง ถูกขายในราคา 7.922 ล้านดอลลาร์ที่ Sotheby's

บันทึกนี้ดำเนินไปจนถึงวันที่ 8 พฤษภาคม 2016 เมื่อผลงานที่เร้าใจยิ่งกว่าของ Cattelan เรื่อง "Him" ซึ่งแสดงภาพฮิตเลอร์คุกเข่าถูกประมูลในราคา 17.189 ล้านดอลลาร์ มันเป็นเรื่องแปลก ชื่อก็แปลกๆ การเลือกตัวละครมีความเสี่ยง ชอบทุกอย่างจาก Cattelan พระองค์หมายถึงอะไร? “ของพระองค์” หรือ “พระบารมีของพระองค์”? เห็นได้ชัดว่าเราไม่ได้พูดถึงการเชิดชูภาพลักษณ์ของ Fuhrer อย่างแน่นอน ในงานนี้ ฮิตเลอร์ปรากฏค่อนข้างในรูปแบบที่ทำอะไรไม่ถูกและน่าสงสาร และไร้สาระ - การจุติของซาตานนั้นสูงพอๆ กับเด็ก แต่งกายด้วยชุดนักเรียนชาย และคุกเข่าด้วยสีหน้าถ่อมตน สำหรับ Cattelan ภาพนี้เป็นการเชื้อเชิญให้คิดถึงธรรมชาติของความชั่วร้ายโดยสิ้นเชิงและวิธีกำจัดความกลัว อย่างไรก็ตาม ประติมากรรม “ฮิม” เป็นที่รู้จักกันดีในหมู่ผู้ชมชาวตะวันตก พี่น้องของเธอในซีรีส์นี้ได้รับการจัดแสดงมากกว่า 10 ครั้งในพิพิธภัณฑ์ชั้นนำทั่วโลก รวมถึง Pompidou Center และพิพิธภัณฑ์ Solomon Guggenheim Museum

15. MARK GROTJAN Untitled (S III เปิดตัวสู่ฝรั่งเศส Face 43.14) 2554 16.8 ล้านดอลลาร์

เมื่อวันที่ 17 พฤษภาคม 2017 หนึ่งในภาพวาดที่ทรงพลังที่สุดของ Mark Grotjahn เคยนำออกประมูลปรากฏในการประมูลตอนเย็นของ Christie ในนิวยอร์ก ภาพวาด “Untitled (S III Released to France Face 43.14)” จัดแสดงโดย Patrick Seguin นักสะสมชาวปารีส มูลค่าประมาณ 13–16 ล้านดอลลาร์ และเนื่องจากการขายล็อตนี้รับประกันโดยบุคคลที่สาม จึงไม่มีใครแปลกใจเป็นพิเศษ โดยการสร้างสถิติการประมูลส่วนตัวใหม่โดยศิลปินวัย 49 ปี ราคาค้อนที่ 14.75 ล้านดอลลาร์ (และรวมถึงเบี้ยประกันภัยของผู้ซื้อ 16.8 ล้านดอลลาร์) แซงหน้าสถิติการประมูลครั้งก่อนของ Grotjahn มากกว่า 10 ล้านดอลลาร์ ทำให้เขาอยู่ในกลุ่มศิลปินที่มีชีวิตซึ่งผลงานขายได้ในราคาแปดหลัก มีผลลัพธ์ประมาณสามสิบเจ็ดหลัก (ยอดขายมากกว่า 1 ล้านดอลลาร์ แต่ไม่เกิน 10 ล้านดอลลาร์) ในคลังการประมูลของ Mark Grotjahn

Mark Grotjahn (1968) ซึ่งผู้เชี่ยวชาญด้านงานมองเห็นอิทธิพลของสมัยใหม่ ความเรียบง่ายแบบนามธรรม ศิลปะป๊อปและออพอาร์ต หันมาใช้สไตล์อันเป็นเอกลักษณ์ของเขาในช่วงกลางทศวรรษ 1990 หลังจากย้ายไปกับเพื่อนของเขา Brent Peterson ที่ลอสแองเจลิสและเปิดแกลเลอรีที่นั่น "ห้อง 702" ตามที่ศิลปินเองก็จำได้ ในเวลานั้นเขาเริ่มคิดถึงสิ่งที่มาก่อนในงานศิลปะ เขากำลังมองหาแนวคิดที่จะทดลอง และฉันก็รู้ว่าเขาสนใจเรื่องเส้นและสีมาโดยตลอด การทดลองด้วยจิตวิญญาณของลัทธิเรยอนและความเรียบง่ายด้วยมุมมองเชิงเส้น จุดที่หายไปมากมาย และรูปทรงสามเหลี่ยมนามธรรมหลากสีในท้ายที่สุดทำให้ Grotjahn มีชื่อเสียงไปทั่วโลก

จากทิวทัศน์นามธรรมหลากสีสันที่มีเส้นขอบฟ้าหลายเส้นและมุมมองที่หายไป ในที่สุดเขาก็มาถึงรูปทรงสามเหลี่ยมที่ชวนให้นึกถึงปีกผีเสื้อ ภาพวาดของ Grotjahn (2544-2550) นั่นคือสิ่งที่เรียกว่า “ผีเสื้อ” ปัจจุบันการย้ายจุดหายไปหรือใช้หลายจุดพร้อมกันโดยเว้นระยะห่างในอวกาศ ถือเป็นเทคนิคหนึ่งที่ทรงพลังที่สุดของศิลปิน

ผลงานชุดใหญ่ถัดไปเรียกว่า "ใบหน้า"; ในเส้นนามธรรมของซีรีส์นี้ เราสามารถมองเห็นลักษณะของใบหน้ามนุษย์ได้ ซึ่งปรับให้เข้ากับสถานะของหน้ากากได้ง่ายขึ้นในจิตวิญญาณของ Matisse, Jawlensky หรือ Brancusi เมื่อพูดถึงความเรียบง่ายและการจัดรูปแบบอย่างสุดขีดเกี่ยวกับวิธีการจัดองค์ประกอบของภาพวาดเมื่อรูปทรงตาและปากที่กระจัดกระจายดูเหมือนจะมองมาที่เราจากป่าทึบนักวิจัยตั้งข้อสังเกตถึงความเชื่อมโยงระหว่าง "ใบหน้า" ของ Grotjahn กับศิลปะของ ชนเผ่าดึกดำบรรพ์ของแอฟริกาและโอเชียเนีย ในขณะที่ตัวศิลปินเองก็ “ชอบภาพที่ดวงตามองออกมาจากป่า บางครั้งฉันก็จินตนาการถึงใบหน้าของลิงบาบูนหรือลิง ฉันไม่สามารถพูดได้ว่าฉันได้รับอิทธิพลจากศิลปะแอฟริกันดึกดำบรรพ์ทั้งโดยรู้ตัวหรือโดยไม่รู้ตัว แต่ฉันได้รับอิทธิพลจากศิลปินที่ได้รับอิทธิพลจากงานศิลปะนั้น ปิกัสโซคือตัวอย่างที่ชัดเจนที่สุด"

ผลงานในซีรีส์ “Faces” เรียกได้ว่าโหดและสง่าน่าดูและสบายตา เมื่อเวลาผ่านไปพื้นผิวของผลงานเหล่านี้ก็เปลี่ยนไปเช่นกัน: เพื่อสร้างเอฟเฟกต์ของพื้นที่ภายในศิลปินใช้จังหวะการทาสีหนาในวงกว้างแม้กระทั่งการสาดสไตล์ Pollock แต่พื้นผิวของภาพวาดนั้นถูกปรับระดับเพื่อให้เมื่อตรวจสอบอย่างใกล้ชิด ดูแบนราบไปเลย ภาพวาด “Untitled (S III Released to France Face 43.14)” ซึ่งสร้างสถิติการประมูล เป็นของซีรีส์ชื่อดังนี้โดย Mark Grotjahn

16. ทาคาชิ มูรากามิ คาวบอยผู้โดดเดี่ยวของฉัน 15.16 ล้านดอลลาร์

ญี่ปุ่น ทาคาชิ มุราคามิ (1962)เข้าสู่การจัดอันดับของเราด้วยประติมากรรม "คาวบอยผู้โดดเดี่ยวของฉัน"ขายที่ Sotheby's ในเดือนพฤษภาคม พ.ศ. 2551 ในราคา $ 15.16 ล้าน. ด้วยการขายครั้งนี้ ทาคาชิ มูราคามิถือเป็นศิลปินชาวเอเชียที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดมายาวนาน จนกระทั่งเขาถูกบดบังด้วยการขาย The Last Supper ของ Zeng Fanzhi

Takashi Murakami ทำงานเป็นจิตรกร ประติมากร นักออกแบบแฟชั่น และนักสร้างแอนิเมชัน มุราคามิต้องการนำสิ่งที่เป็นภาษาญี่ปุ่นอย่างแท้จริงมาเป็นพื้นฐานในการทำงานของเขา โดยไม่ต้องอาศัยตะวันตกหรือการกู้ยืมอื่นใด ในช่วงที่เป็นนักศึกษา เขารู้สึกทึ่งกับภาพวาดนิฮงกะของญี่ปุ่นแบบดั้งเดิม ซึ่งต่อมาถูกแทนที่ด้วยศิลปะยอดนิยมของอะนิเมะและมังงะ นี่คือวิธีที่ Mr DOB ซึ่งทำให้เคลิบเคลิ้ม รูปแบบของดอกไม้ยิ้มและประติมากรรมไฟเบอร์กลาสที่สดใสและแวววาว ราวกับว่ามาจากหน้าการ์ตูนญี่ปุ่นโดยตรง บางคนคิดว่าศิลปะของมูราคามิเป็นอาหารจานด่วนและเป็นศูนย์รวมของความหยาบคาย คนอื่น ๆ เรียกศิลปินว่า Andy Warhol ชาวญี่ปุ่น - และอย่างที่เราเห็นในกลุ่มหลังมีคนรวยมากมาย

มูราคามิยืมชื่อประติมากรรมของเขาจากภาพยนตร์ของ Andy Warhol เรื่อง “Lonely Cowboys” (1968) ซึ่งชาวญี่ปุ่นเองก็ยอมรับว่าไม่เคยดู แต่เขาชอบคำที่ผสมผสานกันมาก มูราคามิต่างสร้างความพึงพอใจให้กับแฟนการ์ตูนอีโรติกของญี่ปุ่นและหัวเราะเยาะพวกเขาด้วยรูปปั้นชิ้นเดียว ขนาดที่เพิ่มขึ้นและสามมิติทำให้ฮีโร่อนิเมะกลายเป็นเครื่องรางของวัฒนธรรมมวลชน คำกล่าวทางศิลปะนี้ค่อนข้างอยู่ในจิตวิญญาณของศิลปะป๊อปอาร์ตตะวันตกคลาสสิก (จำชุดเฟอร์นิเจอร์ของ Allen Jones หรือ Koons ของ "The Pink Panther") แต่กลับมาพร้อมกับความเป็นเอกลักษณ์ของชาติ

17. คอว์ส. อัลบั้มของ KAWS 2548 14,784,505 ดอลลาร์

KAWS เป็นนามแฝงของศิลปินชาวอเมริกัน Brian Donnelly จากนิวเจอร์ซีย์ เขาเป็นผู้เข้าร่วมที่อายุน้อยที่สุดในการจัดอันดับของเรา เกิดในปี 1974 Donelly เริ่มต้นจากการเป็นแอนิเมเตอร์ที่ Disney (เขาวาดภาพพื้นหลังสำหรับการ์ตูนเรื่อง “101 Dalmatians” และอื่นๆ) เขาสนใจกราฟฟิตี้ตั้งแต่วัยเยาว์ การออกแบบอันเป็นเอกลักษณ์ของเขาในตอนแรกคือหัวกะโหลกที่มีตัว "X" แทนที่เบ้าตา ผลงานของนักเขียนหนุ่มรายนี้เป็นที่ชื่นชอบของนักธุรกิจการแสดงและผู้คนจากอุตสาหกรรมแฟชั่น เขาสร้างปกอัลบั้มของ Kanye West และออกผลงานร่วมกับ Nike, Comme des Garçons และ Uniqlo เมื่อเวลาผ่านไป KAWS ก็กลายเป็นบุคคลที่มีชื่อเสียงในโลกแห่งศิลปะร่วมสมัย รูปปั้นอันเป็นเอกลักษณ์ของเขา ซึ่งชวนให้นึกถึงมิกกี้ เมาส์ มีรากฐานมาจากพิพิธภัณฑ์ พื้นที่สาธารณะ และของสะสมส่วนตัว กาลครั้งหนึ่ง KAWS ได้เปิดตัวของเล่นไวนิลรุ่นลิมิเต็ดเอดิชั่นร่วมกับแบรนด์ My Plastic Heart และของเล่นเหล่านี้กลายเป็นประเด็นที่ได้รับความสนใจในการสะสมสูงอย่างไม่คาดคิด หนึ่งในนักสะสมที่หลงใหลใน "ของเล่น" เหล่านี้คือผู้ก่อตั้ง Black Star แร็ปเปอร์ Timati เขารวบรวมซีรีส์ "Cavs Companions" เกือบทั้งหมดแล้ว

ผลงานของ KAWS สร้างสถิติผลงานของศิลปินรายนี้ที่มูลค่า 14.7 ล้านเหรียญสหรัฐ ในการประมูลของ Sotheby ในฮ่องกงเมื่อวันที่ 1 เมษายน 2019 ก่อนหน้านี้เธอเคยอยู่ในคอลเลกชั่นของนักออกแบบแฟชั่นชาวญี่ปุ่น Nigo KAWS Album เป็นการแสดงความเคารพต่อปกอัลบั้มอันโด่งดังของ The Beatles ในปี 1967 Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band มีเพียงคิมป์สันแทนที่จะเป็นคนเท่านั้น - ตัวละครเก๋ ๆ จากซีรีย์อนิเมชั่นเรื่องเดอะซิมป์สันส์ที่มี "X's" แทนที่จะเป็นดวงตา

18. จิน ชานี เจ้าสาวทาจิก. พ.ศ. 2526 13.89 ล้านดอลลาร์

ในบรรดาศิลปินจีนอายุน้อยและร่วมสมัย ซึ่งล้วนอยู่ในกลุ่มที่เรียกว่า "คลื่นลูกใหม่" ในช่วงปลายทศวรรษ 1980 ในงานศิลปะจีน การให้คะแนนของเราค่อนข้างรวมไปถึงตัวแทนของคนรุ่นที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงและโรงเรียนที่แตกต่างกันโดยไม่คาดคิด Jin Shangyi ซึ่งปัจจุบันมีอายุเกิน 80 ปี เป็นหนึ่งในตัวแทนที่โดดเด่นของศิลปินรุ่นแรกในจีนคอมมิวนิสต์ มุมมองของศิลปินกลุ่มนี้ก่อตัวขึ้นในระดับสูงภายใต้อิทธิพลของพันธมิตรคอมมิวนิสต์ที่ใกล้เคียงที่สุดนั่นคือสหภาพโซเวียต

ศิลปะอย่างเป็นทางการของโซเวียต สัจนิยมสังคมนิยม และภาพวาดสีน้ำมัน ซึ่งในขณะนั้นถือเป็นเรื่องปกติสำหรับจีน (ตรงข้ามกับการวาดภาพด้วยหมึกจีนแบบดั้งเดิม) ได้รับความนิยมสูงสุดในทศวรรษปี 1950 และศิลปินโซเวียต คอนสแตนติน มาสอนที่มหาวิทยาลัยศิลปะปักกิ่ง เป็นเวลาสามปี (ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2497 ถึง พ.ศ. 2500) Methodievich Maksimov Jin Shani ซึ่งตอนนั้นอายุน้อยที่สุดในกลุ่มได้เข้าเรียนในชั้นเรียนของเขา ศิลปินจดจำครูของเขาด้วยความอบอุ่นเสมอโดยบอกว่าเป็นมักซิมอฟที่สอนให้เขาเข้าใจและพรรณนาแบบจำลองอย่างถูกต้อง K. M. Maksimov ฝึกฝนนักสัจนิยมชาวจีนทั้งกาแล็กซีซึ่งปัจจุบันเป็นคลาสสิก

ในผลงานของ Jin Shan เราสัมผัสได้ถึงอิทธิพลของทั้ง "สไตล์ที่รุนแรง" ของโซเวียตและโรงเรียนการวาดภาพของยุโรป ศิลปินทุ่มเทเวลาอย่างมากในการศึกษามรดกของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและลัทธิคลาสสิกในขณะที่เขาเห็นว่าจำเป็นต้องรักษาจิตวิญญาณของจีนไว้ในผลงานของเขา ภาพวาด “เจ้าสาวทาจิก” ซึ่งวาดในปี 1983 ถือเป็นผลงานชิ้นเอกที่ได้รับการยอมรับในระดับสากล ซึ่งเป็นก้าวใหม่ในผลงานของ Jin Shan ไชน่า การ์เดียน ถูกนำเข้าสู่การประมูลเมื่อเดือนพฤศจิกายน 2556 และขายได้มากกว่าที่คาดการณ์ไว้หลายเท่า ในราคา 13.89 ล้านดอลลาร์รวมค่าคอมมิชชั่น

19. BANKSY สลายรัฐสภา พ.ศ. 2551 12.14 ล้านดอลลาร์

ภาพจิตรกรรมฝาผนังที่ติดแท็ก Banksy เริ่มปรากฏบนกำแพงเมือง (ครั้งแรกในอังกฤษและทั่วโลก) ในช่วงปลายทศวรรษ 1990 กราฟิตีเชิงปรัชญาและในเวลาเดียวกันก็ฉุนเฉียวของเขาอุทิศให้กับปัญหาของรัฐที่โจมตีเสรีภาพของพลเมือง การก่ออาชญากรรมต่อสิ่งแวดล้อม การบริโภคที่ขาดความรับผิดชอบ และไร้มนุษยธรรมของระบบการย้ายถิ่นฐานที่ผิดกฎหมาย เมื่อเวลาผ่านไป กำแพงของ Banksy ถูก "ตำหนิ" ได้รับความนิยมจากสื่ออย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน ในความเป็นจริง เขากลายเป็นหนึ่งในตัวแทนหลักของความคิดเห็นของสาธารณชนที่ประณามความหน้าซื่อใจคดของรัฐและบริษัทต่างๆ ซึ่งก่อให้เกิดความอยุติธรรมที่เพิ่มมากขึ้นในระบบทุนนิยม

ความสำคัญของ Banksy ความรู้สึกของ "เส้นประสาทของเวลา" และความถูกต้องของคำอุปมาอุปไมยของเขาได้รับการชื่นชมไม่เพียง แต่จากผู้ชมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักสะสมด้วย ในช่วงปี 2010 มีการมอบเงินหลายแสนหรือมากกว่าหนึ่งล้านดอลลาร์สำหรับผลงานของเขา มันถึงจุดที่ภาพกราฟฟิตีของ Banksy ถูกขโมยและถูกขโมยไปพร้อมกับชิ้นส่วนของกำแพง

ในยุคของการเฝ้าระวังทางดิจิทัลขั้นสูง Banksy ยังคงรักษาความเป็นนิรนามได้ มีเวอร์ชันที่นี่ไม่ใช่บุคคลเดียวอีกต่อไป แต่เป็นกลุ่มศิลปินหลายคนที่นำโดยผู้หญิงที่มีความสามารถ นั่นจะอธิบายได้มาก และความแตกต่างภายนอกของนักเขียนที่ติดอยู่ในเลนส์ของกล้องพยานและวิธีการใช้งานลายฉลุที่ไม่มีตัวตน (ให้ความเร็วสูงและไม่ต้องการการมีส่วนร่วมโดยตรงของผู้เขียน) และความโรแมนติกที่สัมผัสได้ของวัตถุในภาพวาด ( ลูกบอล เกล็ดหิมะ ฯลฯ) อย่างไรก็ตาม ผู้คนจากโครงการ Banksy รวมถึงผู้ช่วยของเขา ต่างก็รู้วิธีที่จะหุบปาก

ในปี 2019 งานที่แพงที่สุดของ Banksy กลายมาเป็นผืนผ้าใบความยาว 4 เมตรอย่างไม่คาดคิดว่า Devolved Parliament (“เสื่อมโทรม” “เสื่อมโทรม” หรือ “เสื่อมโทรม” รัฐสภา) ชิมแปนซีโต้เถียงในสภาดูเหมือนจะล้อเลียนผู้ชมในปีที่ Brexit อื้อฉาว น่าแปลกใจที่ภาพวาดนี้ถูกวาดขึ้นเมื่อ 10 ปีก่อนถึงจุดเปลี่ยนทางประวัติศาสตร์นี้ และดังนั้นจึงมีคนมองว่าเป็นคำทำนาย ในการประมูลของ Sotheby เมื่อวันที่ 3 ตุลาคม 2019 ระหว่างการประมูลอันดุเดือด ผู้ซื้อไม่ทราบรายได้ซื้อน้ำมันนี้ในราคา 12,143,000 ดอลลาร์ ซึ่งแพงกว่าที่คาดการณ์ไว้เบื้องต้นถึงหกเท่า

20. JOHN CURREN “อ่อนหวานและเรียบง่าย” พ.ศ. 2542 12.007 ล้านดอลลาร์

ศิลปินชาวอเมริกัน จอห์น เคอร์แรน (1962)เป็นที่รู้จักจากภาพวาดเชิงเสียดสีเชิงเสียดสีในประเด็นทางเพศและสังคมที่เร้าใจ ผลงานของ Curren ผสมผสานเทคนิคการวาดภาพของปรมาจารย์รุ่นเก่า (โดยเฉพาะ Lucas Cranach the Elder และ Mannerists) และภาพถ่ายแฟชั่นจากนิตยสารเคลือบเงา เพื่อให้บรรลุถึงความแปลกประหลาดมากขึ้น Curren มักจะบิดเบือนสัดส่วนของร่างกายมนุษย์ ขยายหรือลดส่วนต่างๆ ของมัน และวาดภาพวีรบุรุษในท่าทางที่แตกหักและมีมารยาท

Curren เริ่มต้นในปี 1989 ด้วยภาพวาดของเด็กผู้หญิงที่วาดใหม่จากอัลบั้มของโรงเรียน ดำเนินการต่อในช่วงต้นทศวรรษ 1990 ด้วยภาพวาดความงามของนมโตซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากภาพถ่ายจาก Cosmopolitan และ Playboy; ในปี 1992 มีรูปของสตรีสูงอายุผู้มั่งคั่งปรากฏขึ้น และในปี 1994 Curren แต่งงานกับประติมากร Rachel Feinstein ซึ่งกลายเป็นรำพึงและนางแบบหลักของเขามาหลายปี ในช่วงปลายทศวรรษ 1990 ความเชี่ยวชาญด้านเทคนิคของ Curren ผสมผสานกับศิลปที่ไร้ค่าและความแปลกประหลาดของภาพวาดของเขา ทำให้เขาได้รับความนิยม ในปี 2003 Larry Gagosian เข้ารับหน้าที่โปรโมตศิลปิน และหากตัวแทนจำหน่ายอย่าง Gagosian รับหน้าที่ศิลปินแทน ก็รับประกันความสำเร็จ ในปี 2004 มีการจัดแสดงย้อนหลังของ John Curran ที่พิพิธภัณฑ์ Whitney

ในช่วงเวลานี้ผลงานของเขาเริ่มขายได้ในราคาหกหลัก บันทึกปัจจุบันของภาพวาดโดย John Curren เป็นของผลงาน "Sweet and Simple" ซึ่งขายเมื่อวันที่ 15 พฤศจิกายน 2559 ที่ Christie's ในราคา 12 ล้านเหรียญสหรัฐ ภาพวาดที่มีภาพเปลือยสองภาพแทบจะไม่ทะลุประมาณการที่ต่ำกว่าที่ 12–18 ล้านเหรียญสหรัฐ และยัง สำหรับจอห์น เคอร์แรน ซึ่งตอนนี้อายุเกิน 50 ปีแล้ว นี่คือความก้าวหน้าในอาชีพการงานของผมอย่างแน่นอน บันทึกก่อนหน้าของเขาในปี 2551 อยู่ที่ 5.5 ล้านดอลลาร์ (จ่ายให้กับงานเดียวกัน "Sweet and Simple")

21. ไบรซ์ มาร์เดน ผู้เข้าร่วมประชุม. พ.ศ. 2539–2542 10.917 ล้านดอลลาร์

ศิลปินแนวนามธรรมชาวอเมริกันที่ยังมีชีวิตอีกคนในการจัดอันดับของเราคือ Brice Marden (1938) ผลงานของ Marden ในรูปแบบของความเรียบง่าย และนับตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษ 1980 เป็นต้นมา - การวาดภาพด้วยท่าทาง โดดเด่นด้วยชุดสีที่มีเอกลักษณ์และปิดเสียงเล็กน้อย การผสมสีในผลงานของ Marden ได้รับแรงบันดาลใจจากการเดินทางรอบโลกของเขา - กรีซ อินเดีย ไทย และศรีลังกา ในบรรดานักเขียนที่มีอิทธิพลต่อการพัฒนาของ Marden ได้แก่ Jackson Pollock (ในช่วงต้นทศวรรษ 1960 Marden ทำงานเป็นเจ้าหน้าที่รักษาความปลอดภัยที่ Jewish Museum ซึ่งเขาได้เห็น "หยด" ของ Pollock ด้วยตาของเขาเอง), Alberto Giacometti (คุ้นเคยกับผลงานของเขาในปารีส) และ Robert Rauschenberg (Marden บางคนทำงานเป็นผู้ช่วยของเขาอยู่ระยะหนึ่ง) ขั้นตอนแรกของงานของ Marden มุ่งเน้นไปที่ผืนผ้าใบคลาสสิกที่เรียบง่ายซึ่งประกอบด้วยบล็อกสี่เหลี่ยมสี (แนวนอนหรือแนวตั้ง) ต่างจากนักมินิมอลลิสต์คนอื่นๆ ที่แสวงหาคุณภาพในอุดมคติของผลงานที่ดูราวกับว่าพิมพ์ด้วยเครื่องจักรแทนที่จะวาดโดยคน Marden ยังคงรักษาร่องรอยของผลงานของศิลปินและผสมผสานวัสดุต่างๆ (สีขี้ผึ้งและสีน้ำมัน) ตั้งแต่กลางทศวรรษ 1980 ภายใต้อิทธิพลของการประดิษฐ์ตัวอักษรแบบตะวันออก นามธรรมทางเรขาคณิตถูกแทนที่ด้วยเส้นคดเคี้ยวที่มีลักษณะคล้ายคดเคี้ยว พื้นหลังซึ่งมีฟิลด์สีเอกรงค์เดียวกัน ผลงาน "ความหมาย" ชิ้นหนึ่ง "The Attended" ถูกขายที่ Sotheby's ในเดือนพฤศจิกายน 2556 ในราคา 10.917 ล้านดอลลาร์ รวมค่าคอมมิชชันแล้ว

22. ปิแอร์ โซลาจส์ Peinture 186 x 143 ซม. 23 ธันวาคม พ.ศ. 2502 10.6 ล้านเหรียญสหรัฐ

23. จางเซียวกัน รักนิรนดร์. 10.2 ล้านเหรียญสหรัฐ

อีกหนึ่งตัวแทนของศิลปะสมัยใหม่ของจีน - นักสัญลักษณ์และสถิตยศาสตร์ จาง เสี่ยวกัง (1958). ในการประมูลของ Sotheby ในฮ่องกง 3 เมษายน 2554ซึ่งมีการขายงานศิลปะแนวหน้าของจีนจากคอลเลกชันของบารอน Guy Ullens ชาวเบลเยียม ซึ่งเป็นภาพอันมีค่าของ Zhang Xiaogang "รักนิรนดร์"ถูกขายในราคา $ 10.2 ล้าน. ในเวลานั้น นี่เป็นบันทึกไม่เพียงแต่สำหรับศิลปินเท่านั้น แต่สำหรับงานศิลปะร่วมสมัยของจีนทั้งหมดด้วย ว่ากันว่างานของเสี่ยวกังถูกซื้อโดยภรรยามหาเศรษฐี Wang Wei ซึ่งกำลังวางแผนที่จะเปิดพิพิธภัณฑ์ของเธอเอง

จาง เสี่ยวกัง ผู้สนใจเรื่องเวทย์มนต์และปรัชญาตะวันออก ได้เขียนเรื่องราวของ "ความรักนิรันดร์" ออกเป็นสามส่วน ได้แก่ ชีวิต ความตาย และการเกิดใหม่ ภาพอันมีค่านี้รวมอยู่ในนิทรรศการ China/Avant-Garde อันโดดเด่นในปี 1989 ที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะแห่งชาติ นอกจากนี้ในปี 1989 การประท้วงของนักศึกษายังถูกปราบปรามอย่างโหดร้ายโดยทหารในจัตุรัสเทียนอันเหมิน หลังจากเหตุการณ์โศกนาฏกรรมนี้ สกรูเริ่มขันแน่น - นิทรรศการที่พิพิธภัณฑสถานแห่งชาติกระจัดกระจาย ศิลปินหลายคนอพยพ เพื่อตอบสนองต่อสัจนิยมสังคมนิยมที่กำหนดจากเบื้องบน ทิศทางของสัจนิยมเหยียดหยามได้เกิดขึ้น ซึ่งหนึ่งในตัวแทนหลักคือจาง เสี่ยวกัง

24. บรูซ นาวมาน เฮนรี มัวร์ ผู้สิ้นหวัง 1967 9.9 ล้านดอลลาร์

อเมริกัน บรูซ นอมาน (1941)ซึ่งเป็นผู้ชนะรางวัลใหญ่ในงาน Venice Biennale ครั้งที่ 48 (1999) ใช้เวลานานกว่าจะบรรลุสถิติของเขา Nauman เริ่มอาชีพของเขาในอายุหกสิบเศษ ผู้ที่ชื่นชอบเรียกเขาว่า Andy Warhol และ Joseph Beuys หนึ่งในบุคคลที่มีอิทธิพลมากที่สุดในงานศิลปะในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ยี่สิบ อย่างไรก็ตาม สติปัญญาที่เข้มข้นและการขาดการตกแต่งอย่างสมบูรณ์ของผลงานบางชิ้นของเขา เห็นได้ชัดว่าขัดขวางการรับรู้และความสำเร็จอย่างรวดเร็วในหมู่ประชาชนทั่วไป Nauman มักจะทดลองใช้ภาษาเพื่อค้นหาความหมายที่ไม่คาดคิดในวลีที่คุ้นเคย คำพูดกลายเป็นตัวละครหลักในผลงานหลายชิ้นของเขา รวมถึงป้ายไฟนีออนและแผงต่างๆ Nauman เรียกตัวเองว่าประติมากรแม้ว่าในช่วงสี่สิบปีที่ผ่านมาเขาได้ลองตัวเองในประเภทที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง - ประติมากรรม, การถ่ายภาพ, วิดีโออาร์ต, การแสดง, กราฟิก ในช่วงต้นทศวรรษที่ 1990 Larry Gagosian กล่าวคำพยากรณ์ว่า “เรายังไม่เห็นคุณค่าที่แท้จริงของงานของ Nauman” นี่คือสิ่งที่เกิดขึ้น: 17 พฤษภาคม 2544ที่ Christie's งานของ Nauman ในปี 1967 "ทำอะไรไม่ถูกเฮนรี่มัวร์ (มุมมองด้านหลัง)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) สร้างสถิติใหม่ในกลุ่มศิลปะหลังสงคราม มือของ Nauman ที่ผูกไว้ด้านหลังทำจากปูนปลาสเตอร์และขี้ผึ้งถูกทุบเข้าใต้ค้อนด้วยราคา 1 ดอลลาร์ 9.9 ล้านถึงคอลเลกชันของผู้ประกอบการชาวฝรั่งเศส Francois Pinault (อ้างอิงจากแหล่งข้อมูลอื่น American Phyllis Wattis) ประมาณการงานนี้เพียง 2–3 ล้านดอลลาร์ ผลลัพธ์ที่ได้จึงสร้างความประหลาดใจให้กับทุกคนอย่างแท้จริง

ก่อนการขายในตำนานนี้ มีผลงานของ Nauman เพียงสองชิ้นเท่านั้นที่ทะลุหลักล้านดอลลาร์ และในอาชีพการประมูลทั้งหมดของเขา จนถึงขณะนี้มีเพียงหกงานเท่านั้น นอกเหนือจาก "เฮนรี มัวร์ ... " ที่มีมูลค่ารวมเจ็ดหลัก แต่ผลลัพธ์ของพวกเขายังคงไม่สามารถเทียบได้กับเก้าล้าน

"Helpless Henry Moore" เป็นหนึ่งในผลงานชุดการโต้เถียงของ Nauman เกี่ยวกับร่างของ Henry Moore (พ.ศ. 2441-2529) ศิลปินชาวอังกฤษที่ถือว่าเป็นหนึ่งในช่างแกะสลักที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 ในอายุหกสิบเศษ นักเขียนรุ่นเยาว์ซึ่งพบว่าตัวเองอยู่ภายใต้เงาของปรมาจารย์ผู้ได้รับการยอมรับจึงโจมตีเขาด้วยการวิพากษ์วิจารณ์อย่างกระตือรือร้น งานของ Nauman เป็นการตอบสนองต่อคำวิจารณ์นี้และในขณะเดียวกันก็สะท้อนถึงหัวข้อความคิดสร้างสรรค์ ชื่อของงานกลายเป็นปุนเนื่องจากเป็นการรวมสองความหมายของคำภาษาอังกฤษที่ถูกผูกไว้ (ในความหมายตามตัวอักษร) และถึงวาระถึงชะตากรรมที่แน่นอน

ความสนใจ! เนื้อหาทั้งหมดบนเว็บไซต์และฐานข้อมูลผลการประมูลบนเว็บไซต์ รวมถึงข้อมูลอ้างอิงที่มีภาพประกอบเกี่ยวกับงานที่ขายในการประมูล มีวัตถุประสงค์เพื่อใช้ตามมาตรา 43 เท่านั้น มาตรา 1274 แห่งประมวลกฎหมายแพ่งของสหพันธรัฐรัสเซีย ไม่อนุญาตให้ใช้เพื่อวัตถุประสงค์ทางการค้าหรือละเมิดกฎที่กำหนดโดยประมวลกฎหมายแพ่งของสหพันธรัฐรัสเซีย เว็บไซต์จะไม่รับผิดชอบต่อเนื้อหาของเนื้อหาที่จัดทำโดยบุคคลที่สาม ในกรณีที่มีการละเมิดสิทธิของบุคคลที่สาม ผู้ดูแลเว็บไซต์ขอสงวนสิทธิ์ในการลบพวกเขาออกจากเว็บไซต์และจากฐานข้อมูลตามคำขอจากหน่วยงานที่ได้รับอนุญาต

หนังสือพิมพ์ศิลปะรัสเซียนำเสนอการจัดอันดับ: ศิลปินชาวรัสเซียที่ยังมีชีวิตอยู่ที่แพงที่สุด หากคุณยังคงแน่ใจว่าไม่มีศิลปินรัสเซียในฉากตะวันตกเราก็พร้อมที่จะโต้แย้งเรื่องนี้ ภาษาของตัวเลข

เงื่อนไขนั้นเรียบง่าย: ศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่แต่ละคนสามารถนำเสนอผลงานที่แพงที่สุดของเขาได้เพียงชิ้นเดียว เมื่อรวบรวมการจัดอันดับ ไม่เพียงแต่คำนึงถึงผลลัพธ์ของการประมูลสาธารณะเท่านั้น แต่ยังรวมถึงยอดขายส่วนตัวที่มีชื่อเสียงที่สุดด้วย ผู้เขียนการให้คะแนนได้รับคำแนะนำจากหลักการ "หากมีสิ่งใดขายดังก็มีคนต้องการมัน" และดังนั้นจึงชื่นชมผลงานของนักการตลาดและผู้จัดการสื่อของศิลปินที่นำยอดขายส่วนตัวมาสู่สาธารณะ หมายเหตุสำคัญ: อันดับเครดิตจะขึ้นอยู่กับตัวชี้วัดทางการเงินเท่านั้น ถ้าอิงตามกิจกรรมนิทรรศการของศิลปินก็จะดูแตกต่างออกไปบ้าง แหล่งข้อมูลภายนอกสำหรับการวิเคราะห์คือทรัพยากร Artnet.com, Artprice.com, Skatepress.comและ Artinvestment.ru.

ดอลลาร์สหรัฐได้รับเลือกให้เป็นสกุลเงินสำหรับการจัดอันดับโลก ปอนด์สเตอร์ลิงของอังกฤษถูกใช้เป็นยอดขายเทียบเท่ากับยอดขายของศิลปินชาวรัสเซีย (เนื่องจาก 90% ของยอดขายในประเทศเกิดขึ้นในลอนดอนในสกุลเงินนี้) ส่วนที่เหลืออีก 10% ของงานที่ขายเป็นดอลลาร์สหรัฐและยูโรจะถูกคำนวณใหม่ตามอัตราแลกเปลี่ยน ณ เวลาที่ทำธุรกรรม ซึ่งส่งผลให้บางตำแหน่งมีการเปลี่ยนแปลง นอกเหนือจากต้นทุนจริงของงานแล้ว ยังมีการรวบรวมข้อมูลเกี่ยวกับมูลค่ารวมของศิลปิน (จำนวนผลงานชั้นนำที่ขายในการประมูลตลอดหลายปีที่ผ่านมา) แทนที่ศิลปินร่วมสมัยในการจัดอันดับศิลปินตลอดกาลบน สถานที่ทำงานที่แพงที่สุดของผู้เข้าร่วมในบรรดาผลงานทั้งหมดที่ขายโดยนักเขียนคนอื่น ๆ รวมถึงเกี่ยวกับสัญชาติและประเทศที่พำนักด้วย สถิติยอดขายซ้ำของศิลปินแต่ละคนยังมีข้อมูลสำคัญที่เป็นตัวบ่งชี้วัตถุประสงค์ของการลงทุน
ความน่าดึงดูดใจ

เมื่อปีที่แล้วปี 2013 ตำแหน่งของศิลปินร่วมสมัยในการจัดอันดับยอดขายระดับนานาชาติได้เปลี่ยนแปลงไปอย่างมาก จากผลงานศิลปะที่แพงที่สุด 50 อันดับแรก มีการขายงานศิลปะสมัยใหม่ 16 ชิ้นเมื่อฤดูกาลที่แล้ว ซึ่งสูงเป็นประวัติการณ์ (สำหรับการเปรียบเทียบ มีการขายผลงาน 17 ชิ้นระหว่างปี 2553 ถึง 2555 มีการขายเพียงชิ้นเดียวในศตวรรษที่ 20) ความต้องการศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่ส่วนหนึ่งเหมือนกับความต้องการงานศิลปะร่วมสมัยทั้งหมด ส่วนหนึ่งมาจากความเข้าใจที่เหยียดหยามว่าการใช้อักษรตัวพิมพ์ใหญ่ของสินทรัพย์หลังจากที่พวกเขาเสียชีวิตจะเพิ่มขึ้นอย่างสม่ำเสมอ

ในบรรดาผู้เข้าร่วมชาวรัสเซีย พี่น้องทั้งสองกลายเป็นคนที่น่านับถือมากที่สุด เซอร์เกย์และ อเล็กเซย์ ทาคาเชฟ(เกิด พ.ศ. 2465 และ พ.ศ. 2468) น้องคนสุดท้อง - อนาโตลี ออสโมลอฟสกี้(บี. 1969). คำถามคือใครจะเป็นคนใหม่ ฌอง-มิเชล บาสเกียตขณะเปิดอยู่ ในการขายของศิลปินของเรา ผู้ซื้อจะเห็นระดับที่ชัดเจน: ผู้นำถูกซื้อโดยนักสะสมชาวต่างชาติและผู้มีอำนาจชาวรัสเซีย อันดับที่ 10 ถึง 30 จัดทำโดยนักสะสมผู้อพยพ และจุดต่ำสุดตามเงื่อนไขของ 50 อันดับแรกคืออนาคตของเรา นักสะสมรุ่นเยาว์ ที่เข้าสู่ตลาดด้วยเงิน “ใหม่”

1. อิลยา คาบาคอฟ
ดูเหมือนว่าโดยทั่วไปแล้วเขาเป็นศิลปินชาวรัสเซียหลัก (ซึ่งไม่ได้ป้องกัน Kabakov ซึ่งเกิดใน Dnepropetrovsk จากการอธิบายว่าตัวเองเป็นภาษายูเครน) บิดาผู้ก่อตั้งแนวคิดนิยมมอสโก (หนึ่งในนั้น) ผู้เขียนคำศัพท์และการปฏิบัติของ “การติดตั้งทั้งหมด” ตั้งแต่ปี 1988 เขาอาศัยและทำงานในนิวยอร์ก เขาทำงานร่วมกับภรรยาของเขา Emilia Kabakova ซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมชื่อจึงควรมีลักษณะเหมือน "Ilya และ Emilia Kabakov" แต่เนื่องจาก Ilya Iosifovich เป็นที่รู้จักเร็วกว่า Ilya และ Emilia ดังนั้นจึงปล่อยให้เป็นเช่นนั้น ผลงานอยู่ใน Tretyakov Gallery, พิพิธภัณฑ์รัสเซีย, Hermitage, MoMA มูลนิธิศิลปะ Kolodzei(สหรัฐอเมริกา) เป็นต้น
ปีเกิด: 1933
งาน: "ด้วง" 1982
วันที่ขาย: 02/28/2008
ราคา (ปอนด์)1: 2,932,500
มูลค่ารวม (GBP): 10,686,000
สถานที่: 1
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 117,429
จำนวนการขายซ้ำ: 12

2. เอริค บูลาตอฟ
ด้วยการใช้เทคนิคที่ต่อมาเรียกว่าศิลปะสังคม เขาผสมผสานการวาดภาพเป็นรูปเป็นร่างเข้ากับข้อความในผลงานของเขา ในสมัยโซเวียตนักวาดภาพประกอบหนังสือเด็กที่ประสบความสำเร็จ ตั้งแต่ปี 1989 เขาอาศัยและทำงานในนิวยอร์ก และตั้งแต่ปี 1992 ในปารีส ศิลปินชาวรัสเซียคนแรกที่มีนิทรรศการส่วนตัวที่ Pompidou Center ผลงานดังกล่าวถูกเก็บไว้ในคอลเลกชันของ Tretyakov Gallery, พิพิธภัณฑ์รัสเซีย, Pompidou Center, พิพิธภัณฑ์ Ludwig ในเมืองโคโลญ ฯลฯ และรวมอยู่ในคอลเลกชันของมูลนิธิ Dina Verni, Viktor Bondarenko, Vyacheslav Kantor, Ekaterina และ Vladimir Semenikhin, Igor Tsukanov.
ปีเกิด: 1933
งาน: “ถวายเกียรติแด่ CPSU” 1975
วันที่ขาย: 02/28/2008
ราคา (ปอนด์)1: 1,084,500
มูลค่ารวม (GBP): 8,802,000
สถานที่: 2
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 163,000
จำนวนการขายซ้ำ: 11

3. วิทาลี โคมาร์ และอเล็กซานเดอร์ เมลามิด
ผู้สร้าง Sots Art - การเคลื่อนไหวที่น่าขันในงานศิลปะที่ไม่เป็นทางการที่ล้อเลียนสัญลักษณ์และเทคนิคของทางการ ตั้งแต่ปี 1978 พวกเขาอาศัยอยู่ในนิวยอร์ก จนถึงกลางทศวรรษ 2000 พวกเขาทำงานเป็นคู่ ในฐานะโครงการศิลปะ พวกเขาจัด "การขายวิญญาณ" ของศิลปินชื่อดังผ่านการประมูล (soul แอนดี้ วอร์ฮอลตั้งแต่นั้นมาก็มีศิลปินชาวมอสโกเป็นเจ้าของ อเลนา เคิร์ตโซวา). ผลงานอยู่ในคอลเลกชันของ MoMA, พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์, พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน, พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ และในคอลเลกชันต่างๆ ชาลวา เบรอุส, ดาเรีย ซูโควาและ โรมัน อับราโมวิชและอื่น ๆ.
ปีเกิด: 1943, 1945
งาน: “การประชุมของ Solzhenitsyn และBöllที่เดชาของ Rostropovich” 1972
วันที่ขาย: 04/23/2010
ราคา (ปอนด์)1: 657,250
มูลค่ารวม (GBP): 3,014,000
สถานที่: 7
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 75,350
จำนวนการขายซ้ำ: 3

อดีตไฟล์ comar&melamid artstudio

4. เซมยอน ไฟบิโซวิช
ศิลปิน photorealist ที่ยังคงเป็นนักสัจนิยมที่แม่นยำที่สุดแม้ในเวลานี้ เมื่อ Semyon Natanovich สนใจในการวาดภาพน้อยกว่าในวารสารศาสตร์ เขาจัดแสดงที่ Malaya Gruzinskaya ซึ่งในปี 1985 พ่อค้าและนักสะสมในนิวยอร์กสังเกตเห็นเขา ตั้งแต่ปี 1987 เป็นต้นมา มีการจัดแสดงเป็นประจำในสหรัฐอเมริกาและยุโรปตะวันตก ผู้สนับสนุนการยกเลิกกฎหมายว่าด้วยการส่งเสริมการรักร่วมเพศในรัสเซีย อาศัยและทำงานในมอสโก ผลงานอยู่ในคอลเลกชันของ Tretyakov Gallery, Moscow House of Photography, พิพิธภัณฑ์ในเยอรมนี, โปแลนด์, สหรัฐอเมริกา และรวมอยู่ในคอลเลกชัน ดาเรีย จูโควาและ โรมัน อับราโมวิช, อิกอร์ มาร์กิน, อิกอร์
สึคาโนว่า.
ปีเกิด: 1949
งาน: “ทหาร” (จากซีรีส์ “สถานีสถานี”) 2532
วันที่ขาย: 10/13/2550
ราคา (ปอนด์)1: 311,200
มูลค่ารวม (GBP): 3,093,000
สถานที่: 6
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 106,655
จำนวนการขายซ้ำ: 7

5. กริกอ (Grisha) บรูสกิน
ตัวละครหลักของการประมูลโซเวียตครั้งแรกและครั้งสุดท้าย ซอเธบีส์ในปี 1988 ซึ่งงานของเขา Fundamental Lexicon กลายเป็นล็อตแรก (220,000 ปอนด์) ตามคำเชิญของรัฐบาลเยอรมัน เขาได้สร้างสรรค์ภาพอันมีค่าสำหรับอาคาร Reichstag ที่ได้รับการบูรณะใหม่ในกรุงเบอร์ลิน ผู้ชนะรางวัล Kandinsky Prize ในการเสนอชื่อ "โครงการแห่งปี" สำหรับนิทรรศการ เวลา ฮที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะมัลติมีเดีย อาศัยและทำงานในนิวยอร์กและมอสโก ผลงานเหล่านี้อยู่ในคอลเลกชันของ Tretyakov Gallery, Russian Museum และ Pushkin Museum A. S. Pushkin, พิพิธภัณฑ์ Ludwig ในโคโลญ, MoMA, พิพิธภัณฑ์วัฒนธรรมยิว (นิวยอร์ก) ฯลฯ รวมอยู่ในคอลเลกชันของสมเด็จพระราชินีแห่งสเปน โซเฟีย, ปีเตอร์ อาเวน, ชาลวา บรอยส์, วลาดิมีร์ และเอคาเทรินา เซเมนิคิน, มิลอส ฟอร์มาน.
ปีเกิด: 1945
งาน:“ Logies ส่วนที่ 1". 1987
วันที่ขาย: 07.11.2000
ราคา (ปอนด์)1: 424,000
การใช้อักษรตัวพิมพ์ใหญ่ทั้งหมด (GBP): 720,000
สถานที่: 15
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 24,828
จำนวนการขายซ้ำ: 5

6. โอเล็ก เซลคอฟ
หนึ่งในศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดในยุค 60 ในช่วงทศวรรษ 1960 เขาเริ่มต้นและยังคงมีภาพวาดชุดหนึ่งที่วาดภาพหยาบราวกับแกะสลักจากดินเหนียว ใบหน้ามนุษย์ (หรือรูปปั้น) ที่วาดด้วยสีสวรรค์ที่สดใส ตั้งแต่ปี 1977 เขาอาศัยอยู่ที่ปารีส ผลงานอยู่ในคอลเลกชันของ Tretyakov Gallery, พิพิธภัณฑ์รัสเซีย, Hermitage, พิพิธภัณฑ์ Zimmerli แห่งมหาวิทยาลัย Rutgers ฯลฯ และรวมอยู่ในคอลเลกชันแล้ว มิคาอิล บารีชนิคอฟ, อาเธอร์ มิลเลอร์, อิกอร์ สึคานอฟคอลเลกชันส่วนตัวที่ใหญ่ที่สุดของผลงานของ Tselkov ในรัสเซียเป็นของ เยฟเจนี เยฟตูเชนโก.
ปีเกิด: 1934
งาน: "เด็กชายกับลูกโป่ง" 2500
วันที่ขาย: 26/11/2551
ราคา (ปอนด์)1: 238,406
มูลค่ารวม (GBP): 4,232,000
สถานที่: 5
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 53,570
จำนวนการขายซ้ำ: 14

7. ออสการ์ ราบิน
ผู้นำของ "กลุ่ม Lianozov" (ศิลปินที่ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดในมอสโกในช่วงปี 1950-1960) ผู้จัดงานเรื่องอื้อฉาว นิทรรศการรถปราบดิน 1974. เขาเป็นคนแรกในสหภาพโซเวียตที่ขายผลงานเป็นการส่วนตัว ในปี 1978 เขาถูกลิดรอนสัญชาติโซเวียต อาศัยและทำงานในปารีส ในปี 2549 เขาได้รับรางวัล Innovation Prize จากผลงานด้านศิลปะ ผลงานอยู่ในคอลเลกชันของ Tretyakov Gallery, พิพิธภัณฑ์รัสเซีย, พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่มอสโก, พิพิธภัณฑ์ Zimmerli แห่งมหาวิทยาลัย Rutgers และรวมอยู่ในคอลเลกชันของ Alexander Glezer, Vyacheslav Kantor, Alexander Kronik, Iveta และ Tamaz Manasherov เยฟเกนีย์ นูโตวิช, อัสลาน เชคอฟ
ปีเกิด: 1928
งาน: “เมืองและดวงจันทร์ (สังคมนิยม
เมือง)". 1959
วันที่ขาย: 04/15/2008
ราคา (ปอนด์)1: 171,939
มูลค่ารวม (GBP): 5,397,000
สถานที่: 3
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 27,964
จำนวนการขายซ้ำ: 45

8. ซูราบ เซเรเตลี
ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของงานศิลปะที่ยิ่งใหญ่อยู่แล้ว ผู้เขียนอนุสาวรีย์ Peter I ในมอสโกและอนุสาวรีย์ ความดีย่อมชนะความชั่วหน้าอาคาร UN ในนิวยอร์ก ผู้ก่อตั้งพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่มอสโก ประธาน Russian Academy of Arts ผู้สร้าง Zurab Tsereteli Art Gallery ซึ่งดำเนินการในสถาบันการศึกษาที่กล่าวมาข้างต้น ประติมากรรมของ Zurab Tsereteli นอกเหนือจากรัสเซียแล้ว ยังประดับประดาบราซิล บริเตนใหญ่ จอร์เจีย สเปน ลิทัวเนีย สหรัฐอเมริกา ฝรั่งเศส และญี่ปุ่น
ปีเกิด: 1934
งาน: “ความฝันของโทส”
วันที่ขาย: 12/01/2009
ราคา (ปอนด์)1: 151,250
มูลค่ารวม (GBP): 498,000
สถานที่: 19
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 27,667
จำนวนการขายซ้ำ: 4

9. วิคเตอร์ พิโววารอฟ
หนึ่งในผู้ก่อตั้งแนวความคิดของมอสโก เช่นเดียวกับ Kabakov ผู้ประดิษฐ์แนวอัลบั้มแนวความคิด เช่น Kabakov, Bulatov และ Oleg Vasiliev นักวาดภาพประกอบหนังสือเด็กที่ประสบความสำเร็จซึ่งร่วมมือกับนิตยสาร Murzilka และ Funny Pictures ตั้งแต่ปี 1982 เขาอาศัยและทำงานในปราก ผลงานเหล่านี้อยู่ในคอลเลกชันของ Tretyakov Gallery, Russian Museum และ Pushkin Museum A.S. Pushkina มูลนิธิศิลปะ Kolodzei(สหรัฐอเมริกา) ในคอลเลกชันของ Vladimir และ Ekaterina Semenikhin, Igor Tsukanov
ปีเกิด: 1937
งาน: “อันมีค่ากับงู” 2000
วันที่ขาย: 10/18/2008
ราคา (ปอนด์)1: 145,250
มูลค่ารวม (GBP): 482,000
สถานที่: 20
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 17,852
จำนวนการขายซ้ำ: 6

10. อเล็กซานเดอร์ เมลามิด
ครึ่งหนึ่งของการสร้างสรรค์ควบคู่กัน โคมาร์ - เมลามิดซึ่งเลิกกันในปี 2546 ร่วมกับ Vitaly Komar ผู้เข้าร่วม นิทรรศการรถปราบดิน(พวกเขาตายที่ไหน. ภาพเหมือนตนเองคู่ซึ่งเป็นผลงานอันทรงคุณค่าของ Sots Art) ตั้งแต่ปี 1978 เขาอาศัยและทำงานในนิวยอร์ก ไม่มีข้อมูลว่าคอลเลกชันที่มีชื่อเสียงใดบ้างที่มีผลงานของ Melamid ที่เขาสร้างขึ้นโดยอิสระ
ปีเกิด: 1945
ผลงาน: “พระคาร์ดินัลโฮเซ่ ซาไรวา มาร์ตินส์” 2550
วันที่ขาย: 10/18/2008
ราคา (ปอนด์)1: 145,250
มูลค่ารวม (GBP): 145,000
สถานที่: 36
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 145,000
จำนวนการขายซ้ำ: —

11. ฟรานซิสโก อองฟองเต-อารานา
เจ้าของรายการนิทรรศการที่กว้างขวางที่สุดในบรรดาศิลปินชาวรัสเซีย สมาชิกของกลุ่มจลนศาสตร์ "ความเคลื่อนไหว"ในทศวรรษ 1970 เขาค้นพบประสิทธิภาพการถ่ายภาพในเวอร์ชันของตัวเอง หรือ "สิ่งประดิษฐ์" ซึ่งเป็นรูปทรงเรขาคณิตที่ผสานเข้ากับทิวทัศน์ธรรมชาติ
ปีเกิด: 1943
งาน: “สร้างป้าย” 1984
วันที่ขาย: 05/31/2006
ราคา (ปอนด์)1: 142,400
มูลค่ารวม (GBP): 572,000
สถานที่: 17
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 22,000
จำนวนการขายซ้ำ: —

12. วลาดิมีร์ เนมูคิน
อภิปรัชญา. คลาสสิกของคลื่นลูกที่สองของเปรี้ยวจี๊ดรัสเซีย สมาชิกของ "กลุ่ม Lianozov" หนึ่งในผู้เข้าร่วมในนิทรรศการ Bulldozer ภัณฑารักษ์ (หรือผู้ริเริ่ม) ของนิทรรศการที่สำคัญของปี 1980 เมื่อโซเวียตอย่างไม่เป็นทางการ
ศิลปะเพิ่งเริ่มตระหนักถึงตัวเอง
ปีเกิด: 1925
งาน: “เล่นไพ่คนเดียวที่ยังไม่เสร็จ” 1966
วันที่ขาย: 04/26/2006
ราคา (ปอนด์)1: 240,000
มูลค่ารวม (GBP): 4,338,000
สถานที่: 4
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 36,454
จำนวนการขายซ้ำ: 26

13. วลาดิมีร์ ยานคิเลฟสกี้
เซอร์เรียลลิสต์ หนึ่งในชื่อหลักของงานศิลปะอย่างไม่เป็นทางการของมอสโกหลังสงคราม ผู้สร้างโพลีพติชเชิงปรัชญาที่ยิ่งใหญ่
ปีเกิด: 1938
งาน: “อันมีค่าหมายเลข 10 กายวิภาคของจิตวิญญาณ ครั้งที่สอง" 1970
วันที่ขาย: 04/23/2010
ราคา (ปอนด์)1: 133,250
มูลค่ารวม (GBP): 754,000
สถานที่: 14
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 12,780
จำนวนการขายซ้ำ: 7

14. อเล็กซานเดอร์ วิโนกราดอฟ และ วลาดิมีร์ ดูบอสซาร์สกี
โครงการที่สวยงาม ภาพวาดตามสั่งซึ่งพวกเขาเริ่มต้นในการวาดภาพในช่วงทศวรรษ 1990 ที่สิ้นหวัง แต่ก็ได้รับสิ่งที่สมควรได้รับในช่วงทศวรรษ 2000 การแสดงคู่นี้ได้รับความนิยมจากนักสะสม และภาพวาดหนึ่งภาพก็ไปอยู่ในคอลเลคชันของ Pompidou Center
ปีเกิด: 1963, 1964
งาน: "ไนท์ฟิตเนส" 2547
วันที่ขาย: 22/06/2550
ราคา (ปอนด์)1: 132,000
มูลค่ารวม (GBP): 1,378,000
สถานที่: 11
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 26,500
จำนวนการขายซ้ำ: 4

15. เซอร์เกย์ วอลคอฟ
หนึ่งในวีรบุรุษแห่งศิลปะเปเรสทรอยกา ซึ่งเป็นที่รู้จักจากภาพวาดที่แสดงออกถึงอารมณ์และถ้อยคำที่ไตร่ตรองอย่างรอบคอบ ผู้เข้าร่วมการประมูลของสหภาพโซเวียต ซอเธบีส์ในปี 1988
ปีเกิด: 1956
งาน: “วิสัยทัศน์สองเท่า
อันมีค่า"
วันที่ขาย: 05/31/2007
ราคา (ปอนด์)1: 132,000
มูลค่ารวม (GBP): 777,000
สถานที่: 12
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 38,850
จำนวนการขายซ้ำ: 4

16. AES + F (ทัตยานา อาร์ซามาโซวา, เลฟ เอฟโซวิช, เยฟเกนีย์ สเวียตสกี้, วลาดิเมียร์ ฟริดเคส)
โครงการ AES มีความโดดเด่นด้วยการนำเสนอที่ดีในช่วงปลายทศวรรษ 1990 ซึ่งเป็นสาเหตุที่ทำให้โครงการเหล่านี้เป็นที่จดจำ ตอนนี้พวกเขากำลังสร้างจิตรกรรมฝาผนังแบบเคลื่อนไหวขนาดใหญ่ที่ออกอากาศบนหน้าจอหลายสิบจอ
ปีเกิด: 1955, 1958, 1957, 1956
งาน: “นักรบหมายเลข 4”
วันที่ขาย: 03/12/2008
ราคา (GBP)1: 120,500
มูลค่ารวม (GBP): 305,000
สถานที่: 27
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 30,500
จำนวนการขายซ้ำ: —

17. เลฟ ทาเบนคิน
ประติมากรและจิตรกรที่มีวิสัยทัศน์ด้านประติมากรรม ราวกับแกะสลักวีรบุรุษของเขาจากดินเหนียว
ปีเกิด: 1952
งาน: "วงออเคสตราแจ๊ส" 2547
วันที่ขาย: 06/30/2008
ราคา (ปอนด์)1: 117,650
มูลค่ารวม (GBP): 263,000
สถานที่: 28
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 26,300
จำนวนการขายซ้ำ: 7

18. มิคาอิล (มิชา ชาวิช) บรูซิลอฟสกี้
Sverdlovsk surrealist ผู้แต่งสัญลักษณ์เปรียบเทียบที่มีความหมาย
ปีเกิด: 1931
การงาน: "ฟุตบอล" 1965
วันที่ขาย: 28/11/2549
ราคา (ปอนด์)1: 108,000
มูลค่ารวม (GBP): 133,000
สถานที่: 38
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 22,167
จำนวนการขายซ้ำ: —

19. โอลกา บุลกาโควา
หนึ่งในบุคคลสำคัญของการวาดภาพ "คาร์นิวัล" ปัญญาชนในยุคเบรจเนฟ สมาชิกที่สอดคล้องกัน
สถาบันศิลปะแห่งรัสเซีย
ปีเกิด: 1951
งาน: “ความฝันแห่งสีแดง
นก." 1988
วันที่ขาย: 11/22/2010
ราคา (GBP)1: 100,876
การใช้อักษรตัวพิมพ์ใหญ่ทั้งหมด (GBP): 219,000
สถานที่: 31
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 36,500
จำนวนการขายซ้ำ: —

20. อเล็กซานเดอร์ อิวานอฟ
ศิลปินแนวนามธรรมซึ่งเป็นที่รู้จักในฐานะนักธุรกิจ นักสะสม และผู้สร้างพิพิธภัณฑ์ Faberge ในเมืองบาเดิน-บาเดิน (ประเทศเยอรมนี)
ปีเกิด: 1962
การงาน: "ความรัก" 1996
วันที่ขาย: 06/05/2013
ราคา (ปอนด์)1: 97,250
การใช้อักษรตัวพิมพ์ใหญ่ทั้งหมด (GBP): 201,000
สถานที่: 33
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 50,250
จำนวนการขายซ้ำ: —

21. อีวาน ชุยคอฟ
ปีกอิสระของแนวความคิดเชิงภาพมอสโก ผู้เขียนชุดภาพวาด-วัตถุวินโดวส์ อย่างไรก็ตาม ในช่วงทศวรรษ 1960 เขาได้เผาภาพวาดทั้งหมด ซึ่งเป็นเหตุให้เจ้าของแกลเลอรียังคงโศกเศร้า
ปีเกิด: 1935
งาน: "ไม่มีชื่อ". 1986
วันที่ขาย: 03/12/2008
ราคา (ปอนด์)1: 96,500
มูลค่ารวม (GBP): 1,545,000
สถานที่: 10
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 36,786
จำนวนการขายซ้ำ: 8

22. คอนสแตนติน ซเวซโดเชตอฟ
ในวัยหนุ่มของเขาเป็นสมาชิกของกลุ่ม Mukhomor ซึ่งเรียกตัวเองว่า "บิดาแห่ง" คลื่นลูกใหม่ "ในสหภาพโซเวียต" -
มีเหตุผลที่ดี ด้วยการเริ่มต้นของวุฒิภาวะเชิงสร้างสรรค์ ผู้เข้าร่วมงาน Venice Biennale และ Kassel
เอกสาร นักวิจัยและผู้เชี่ยวชาญด้านทัศนศิลป์ในวัฒนธรรมระดับรากหญ้าของสหภาพโซเวียต
ปีเกิด: 1958
สินค้า: "เปอร์โด-K-62M"
วันที่ขาย: 06/13/2008
ราคา (ปอนด์)1: 92,446
การใช้อักษรตัวพิมพ์ใหญ่ทั้งหมด (GBP): 430,000
สถานที่: 22
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 22,632
จำนวนการขายซ้ำ: 2

23. นาตาลียา เนสเตโรวา
หนึ่งในดาราศิลปะหลักของความซบเซาของเบรจเนฟ เป็นที่ชื่นชอบของนักสะสมเนื่องจากมีพื้นผิวและสไตล์จิตรกร
ปีเกิด: 1944
งาน: “เดอะมิลเลอร์และของเขา
ลูกชาย". 1969
วันที่ขาย: 06/15/2007
ราคา (ปอนด์)1: 92,388
มูลค่ารวม (GBP): 1,950,000
สถานที่: 9
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 20,526
จำนวนการขายซ้ำ: 15

24. แม็กซิม คันตอร์
จิตรกรผู้แสดงออกซึ่งแสดงในศาลารัสเซียที่ Venice Biennale ในปี 1997 เช่นเดียวกับนักประชาสัมพันธ์และนักเขียนผู้แต่งนวนิยายเชิงปรัชญาและเสียดสี กวดวิชาการวาดภาพเกี่ยวกับข้อมูลเชิงลึกของโลกศิลปะรัสเซีย
ปีเกิด: 1957
งาน: “โครงสร้างของประชาธิปไตย” 2546
วันที่ขาย: 10/18/2008
ราคา (ปอนด์)1: 87,650
การใช้อักษรตัวพิมพ์ใหญ่ทั้งหมด (GBP): 441,000
สถานที่: 21
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 44,100
จำนวนการขายซ้ำ: 2

25. อันเดรย์ ซิเดอร์สกี้
สร้างสรรค์ผลงานจิตรกรรมสไตล์ศิลปะไซอาร์ตที่เขาคิดค้นขึ้น แปลผลงานของ Carlos Castaneda และ Richard Bach เป็นภาษารัสเซีย
ปีเกิด: 1960
งาน: “อันมีค่า”
วันที่ขาย: 12/04/2009
ราคา (ปอนด์)1: 90,000
การใช้อักษรตัวพิมพ์ใหญ่ทั้งหมด (GBP): 102,000
สถานที่: 42
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 51,000
จำนวนการขายซ้ำ: —

26. วาเลรี โคชเลียคอฟ
เป็นที่รู้จักจากภาพวาดที่มีลวดลายทางสถาปัตยกรรม ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของ "คลื่นลูกรัสเซียใต้" มักใช้กล่องกระดาษแข็ง กระเป๋า และเทป นิทรรศการครั้งแรกที่เขามีส่วนร่วมจัดขึ้นในห้องน้ำสาธารณะใน Rostov-on-Don ในปี 1988
ปีเกิด: 1962
งาน: "แวร์ซาย" 1993
วันที่ขาย: 03/12/2008
ราคา (ปอนด์)1: 72,500
การใช้อักษรตัวพิมพ์ใหญ่ทั้งหมด (GBP): 346,000
สถานที่: 26
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 21,625
จำนวนการขายซ้ำ: 8

27. อเล็กเซย์ ซุนดูคอฟ
ภาพวาดสีตะกั่วสั้น ๆ เกี่ยวกับ "สิ่งที่น่ารังเกียจ" ในชีวิตประจำวันของรัสเซีย
ปีเกิด: 1952
งาน: “แก่นแท้ของการเป็น” 1988
วันที่ขาย: 04/23/2010
ราคา (ปอนด์)1: 67,250
มูลค่ารวม (GBP): 255,000
สถานที่: 29
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 25,500
จำนวนการขายซ้ำ: 1

28. อิกอร์ โนวิคอฟ
เป็นของศิลปินรุ่นมอสโกที่ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดในช่วงปลายทศวรรษ 1980
ปีเกิด: 1961
งาน: “อาหารเช้าเครมลินหรือขายมอสโก” 2552
วันที่ขาย: 03.12.2010
ราคา (ปอนด์)1: 62,092
มูลค่ารวม (GBP): 397,000
สถานที่: 24
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 15,880
จำนวนการขายซ้ำ: 3

29. วาดิม ซาคารอฟ
นักเก็บเอกสารของแนวความคิดมอสโก ผู้เขียนผลงานศิลปะจัดวางที่งดงามตระการตาในหัวข้อที่ลึกซึ้ง ซึ่งเป็นตัวแทนของรัสเซียที่เวนิส
สองปี
ปีเกิด: 1959
การงาน: "พิสดาร" พ.ศ. 2529-2537
วันที่ขาย: 10/18/2008
ราคา (ปอนด์)1: 61,250
มูลค่ารวม (GBP): 243,000
สถานที่: 30
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 20,250
จำนวนการขายซ้ำ: —

30. ยูริ คราสนี่
ผู้เขียนโปรแกรมศิลปะเพื่อเด็กที่มีความต้องการพิเศษ
ปีเกิด: 1925
งาน: “คนสูบบุหรี่”
วันที่ขาย: 04/04/2008ราคา (GBP)1: 59,055
การใช้อักษรตัวพิมพ์ใหญ่ทั้งหมด (GBP): 89,000
สถานที่: 44
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 11,125
จำนวนการขายซ้ำ: 8

31. Sergey และ Alexey Tkachev
ผลงานคลาสสิกของอิมเพรสชั่นนิสต์ของสหภาพโซเวียตตอนปลาย นักเรียนของ Arkady Plastov ซึ่งมีชื่อเสียงจากภาพวาดจากชีวิตของหมู่บ้านรัสเซีย
ปีเกิด: 1922, 1925
งาน: “ในสนาม” 1954
วันที่ขาย: 01.12.2010
ราคา (ปอนด์)1: 58,813
มูลค่ารวม (GBP): 428,000
สถานที่: 23
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 22,526
จำนวนการขายซ้ำ: 4

32. สเวตลานา โคปิสยานสกายา
มีชื่อเสียงในด้านการติดตั้งภาพวาด หลังการประมูลที่กรุงมอสโก ซอเธบีส์ในปี 1988 เขาทำงานในต่างประเทศ
ปีเกิด: 1950
งาน: “ซีสเคป”
วันที่ขาย: 10/13/2550
ราคา (ปอนด์)1: 57,600
การใช้อักษรตัวพิมพ์ใหญ่ทั้งหมด (GBP): 202,000
สถานที่: 32
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 22,444
จำนวนการขายซ้ำ: 2

33. บอริส ออร์ลอฟ
ประติมากรที่ใกล้ชิดกับศิลปะสังคม เขามีชื่อเสียงจากผลงานของเขาในสไตล์ "จักรวรรดิ" ที่น่าขันและงานฝีมือที่เชี่ยวชาญด้านรูปปั้นครึ่งตัวและช่อดอกไม้สีบรอนซ์
ปีเกิด: 1941
งาน: "กะลาสี" 1976
วันที่ขาย: 10/17/2013
ราคา (ปอนด์)1: 55,085
มูลค่ารวม (GBP): 174,000
สถานที่: 34
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 17,400
จำนวนการขายซ้ำ: 1

34. เวียเชสลาฟ คาลินิน
ผู้เขียนภาพวาดที่แสดงออกถึงชีวิตของชนชั้นล่างในเมืองและการดื่มโบฮีเมีย
ปีเกิด: 1939
งานศิลปะ: “ภาพเหมือนตนเองด้วยเครื่องร่อนแขวน”
วันที่ขาย: 25/11/2555
ราคา (ปอนด์)1: 54,500
มูลค่ารวม (GBP): 766,000
สถานที่: 13
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 12,767
จำนวนการขายซ้ำ: 24

35. เยฟเจนี เซเมนอฟ
เป็นที่รู้จักจากชุดภาพถ่ายของเขากับผู้ป่วยโรคดาวน์ที่รับบทเป็นตัวละครในข่าวประเสริฐ
ปีเกิด: 1960
การงาน: "หัวใจ" 2552
วันที่ขาย: 06/29/2009
ราคา (ปอนด์)1: 49,250
การใช้อักษรตัวพิมพ์ใหญ่ทั้งหมด (GBP): 49,000
สถานที่: 48
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 49,000
จำนวนการขายซ้ำ: —

36. ยูริ คูเปอร์
เขามีชื่อเสียงจากผืนผ้าใบที่ชวนให้นึกถึงของใช้ในบ้านเก่าๆ ผู้แต่งบทละคร สิบสองภาพวาดจากชีวิตของศิลปินจัดแสดงที่โรงละครศิลปะมอสโก เอ.พี. เชคอฟ
ปีเกิด: 1940
งาน: “หน้าต่าง ถนนดัสซา 56" 1978
วันที่ขาย: 06/09/2010
ราคา (ปอนด์)1: 49,250
การใช้อักษรตัวพิมพ์ใหญ่ทั้งหมด (GBP): 157,000
สถานที่: 35
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 2,754
จำนวนการขายซ้ำ: 14

37. อเล็กซานเดอร์ โคโซลาปอฟ
ศิลปินสังคมนิยมที่มีผลงานกลายเป็นเป้าหมายของการโจมตีทุกประเภท ในระหว่างงาน Art Moscow 2005 ผลงานชิ้นหนึ่งของเขาถูกทำลายโดยผู้คลั่งไคล้ศาสนาด้วยค้อน
ปีเกิด: 1943
งาน: "มาร์ลโบโร มาเลวิช" 1987
วันที่ขาย: 03/12/2008
ราคา (ปอนด์)1: 48,500
การใช้อักษรตัวพิมพ์ใหญ่ทั้งหมด (GBP): 510,000
สถานที่: 18
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 15,938
จำนวนการขายซ้ำ: 1

38. ลีโอนิด โซคอฟ
ประติมากรชั้นนำของ Sots Art ที่ผสมผสานคติชนเข้ากับการเมือง ในบรรดาผลงานอันโด่งดัง อุปกรณ์ระบุสัญชาติด้วยรูปทรงจมูก.
ปีเกิด: 1941
งาน: “หมีตีเคียวด้วยค้อน” 1996
วันที่ขาย: 03/12/2008
ราคา (ปอนด์)1: 48,500
มูลค่ารวม (GBP): 352,000
สถานที่: 25
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 13,538
จำนวนการขายซ้ำ: 7

39. วลาดิมีร์ ออฟชินนิคอฟ
หนึ่งในพระสังฆราชแห่งศิลปะอย่างไม่เป็นทางการในเลนินกราด Fernando Botero เวอร์ชันออร์โธดอกซ์
ปีเกิด: 1941
งาน: “เทวดาและรางรถไฟ” 1977
วันที่ขาย: 04/17/2007
ราคา (ปอนด์)1: 47,846
การใช้อักษรตัวพิมพ์ใหญ่ทั้งหมด (GBP): 675,000
สถานที่: 16
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 15,341
จำนวนการขายซ้ำ: —

40. คอนสแตนติน คุดยาคอฟ
ผู้เขียนภาพเขียนเกี่ยวกับเรื่องศาสนา ปัจจุบันทำงานด้านเทคโนโลยีดิจิทัลอาร์ต
ปีเกิด: 1945
งาน: “พระกระยาหารมื้อสุดท้าย” 2550
วันที่ขาย: 02/18/2011
ราคา (ปอนด์)1: 46,850
การใช้อักษรตัวพิมพ์ใหญ่ทั้งหมด (GBP): 97,000
สถานที่: 43
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 32,333
จำนวนการขายซ้ำ: —

41. เอิร์นส์ เนซเวสท์นี
สัญลักษณ์ของการไม่ปฏิบัติตามข้อกำหนดของสหภาพโซเวียต - นับตั้งแต่ที่เขาคัดค้านอย่างเปิดเผยต่อเลขาธิการนิกิตา ครุสชอฟ ในงานนิทรรศการระดับตำนานที่อุทิศให้กับวันครบรอบ 30 ปีของสหภาพศิลปินแห่งมอสโก หลังจากนั้นเขาได้สร้างอนุสาวรีย์ที่หลุมศพของครุสชอฟและอนุสาวรีย์หน้าสำนักงานใหญ่สหประชาชาติประจำยุโรป
ปีเกิด: 1925
งาน: “ไม่มีชื่อ”
วันที่ขาย: 06/08/2010
ราคา (ปอนด์)1: 46,850
มูลค่ารวม (GBP): 2,931,000
สถานที่: 8
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 24,839
จำนวนการขายซ้ำ: 13

42. อนาโตลี ออสโมลอฟสกี้
หนึ่งในบุคคลสำคัญของลัทธิเคลื่อนไหวของมอสโกในช่วงทศวรรษ 1990 นักทฤษฎีศิลปะ ภัณฑารักษ์ ผู้จัดพิมพ์ และหัวหน้าโครงการวิจัยและการศึกษาของสถาบัน Baza ผู้ได้รับรางวัล Kandinsky Prize คนแรก
ปีเกิด: 1969
งาน: “ขนมปัง” (จากซีรีส์ “คนต่างศาสนา”) 2552
วันที่ขาย: 04/23/2010
ราคา (ปอนด์)1: 46,850
การใช้อักษรตัวพิมพ์ใหญ่ทั้งหมด (GBP): 83,000
สถานที่: 46
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 11,857
จำนวนการขายซ้ำ: —

43. มิทรี วูเบล
จิตรกรภาพเหมือนจริง ซึ่งเป็นที่รู้จักจากภาพวาดการจูบของ Brezhnev และ Honecker เป็นหลัก (แม่นยำยิ่งขึ้นด้วยผลงานการทำซ้ำของผู้แต่งบนกำแพงเบอร์ลิน)
ปีเกิด: 1960
งาน: “จูบพี่น้อง (อันมีค่า)” 1990
วันที่ขาย: 25/11/2013
ราคา (GBP)1: 45,000

สถานที่: 40
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 16,429
จำนวนการขายซ้ำ: 2

44. ลีโอนิด แลมม์
ผู้เขียนผลงานศิลปะจัดวางที่ผสมผสานลวดลายเปรี้ยวจี๊ดของรัสเซียและฉากชีวิตในเรือนจำโซเวียต อาศัยอยู่ในอเมริกา ในช่วงทศวรรษ 1970 เขาใช้เวลาสามปีในเรือนจำและค่ายในข้อหาเท็จ
ปีเกิด: 1928
งาน: “Apple II” (จากซีรีส์ “Seventh Heaven”) พ.ศ. 2517-2529
วันที่ขาย: 12/16/2009
ราคา (ปอนด์)1: 43,910
การใช้อักษรตัวพิมพ์ใหญ่ทั้งหมด (GBP): 115,000
สถานที่: 41
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 14,375
จำนวนการขายซ้ำ: —

ผลงานศิลปะจัดวางอันงดงามของ Irina Nakhova ในช่วงทศวรรษ 1980 ในอพาร์ตเมนต์ของเธอสามารถอ้างสิทธิ์ในการประพันธ์ในรูปแบบ "รวม"

45. อิรินา นาโควา
รำพึงแห่งแนวความคิดแห่งมอสโก ผู้ชนะรางวัล Kandinsky Prize ประจำปี 2013 สำหรับ "โครงการแห่งปี" ในปี 2015 ที่งาน Venice Biennale ครั้งที่ 56
จะเป็นตัวแทนของรัสเซีย
ปีเกิด: 1955
งาน: "อันมีค่า" 1983
วันที่ขาย: 03/12/2008
ราคา (GBP)1: 38,900
การใช้อักษรตัวพิมพ์ใหญ่ทั้งหมด (GBP): 85,000
สถานที่: 45
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 17,000
จำนวนการขายซ้ำ: 1

46. ​​​​คัทย่า ฟิลิปโปวา
นักออกแบบเสื้อผ้าแนวหน้าผู้โด่งดังในช่วงเปเรสทรอยกา เธอตกแต่งหน้าต่างของห้างสรรพสินค้า Galeries Lafayette ในปารีส และเป็นเพื่อนกับ Pierre Cardin
ปีเกิด: 1958
“ งาน: Marina Ladynina” (จากซีรีส์ Russian Hollywood)
วันที่ขาย: 03/12/2008
ราคา (GBP)1: 38,900
มูลค่ารวม (GBP): 39,000
สถานที่: 49
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 39,000
จำนวนการขายซ้ำ: —

47. บอริส ซาโบรอฟ
ศิลปินละคร นักวาดภาพประกอบหนังสือ ในปี 1980 เขาย้ายไปปารีสและทำงานเกี่ยวกับเครื่องแต่งกายสำหรับ Comedy Française
ปีเกิด: 1935
งาน: “ผู้เข้าร่วม” 1981
วันที่ขาย: 30/10/2549
ราคา (ปอนด์)1: 36,356
การใช้อักษรตัวพิมพ์ใหญ่ทั้งหมด (GBP): 67,000
สถานที่: 47
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 13,400
จำนวนการขายซ้ำ: 2

48. รอสติสลาฟ เลเบเดฟ
ศิลปินสังคมนิยมคลาสสิก เพื่อนร่วมงาน (และเพื่อนบ้านเวิร์กช็อป) ของ Boris Orlov และ Dmitry Prigov การเปลี่ยนแปลงการโฆษณาชวนเชื่อด้วยภาพอย่างสร้างสรรค์จากสมัยโซเวียต
ปีเกิด: 1946
งาน: “เทพนิยายรัสเซีย” 2492
วันที่ขาย: 06/03/2008
ราคา (ปอนด์)1: 34,000
มูลค่ารวม (GBP): 122,000
สถานที่: 39
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 24,400
จำนวนการขายซ้ำ: 2

49. อันเดรย์ ฟิลิปปอฟ
เป็นของโรงเรียนแนวความคิดมอสโก ผู้เขียนภาพวาดและผลงานจัดวางที่รวมกันเป็นหัวข้อ "มอสโก - โรมที่สาม" ตั้งแต่ปี 2009 ร่วมกับ Yuri Albert และ Victor Skersis เขาเป็นสมาชิกของกลุ่มกามเทพ
ปีเกิด: 1959
งาน: "เจ็ดฟุตใต้กระดูกงู" 1988
วันที่ขาย: 05/31/2006
ราคา (ปอนด์)1: 33,600
มูลค่ารวม (GBP): 137,000
สถานที่: 37
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 12,455
จำนวนการขายซ้ำ: 3

50. วลาดิเมียร์ ชินคาเรฟ
ผู้ก่อตั้งและนักอุดมการณ์ของกลุ่มศิลปะเลนินกราด "มิทกิ" ซึ่งนวนิยายมิทกิใช้คำนี้เป็นครั้งแรก นวนิยายเรื่องนี้เขียนขึ้นด้วยความเบื่อหน่ายขณะทำงานอยู่ในห้องหม้อไอน้ำ
ปีเกิด: 1954
งาน: “จัตุรัสเลนิน I” 1999
วันที่ขาย: 06/30/2008
ราคา (ปอนด์)1: 32,450
การใช้อักษรตัวพิมพ์ใหญ่ทั้งหมด (GBP): 33,000
สถานที่: 50
ต้นทุนงานเฉลี่ย (GBP): 16,500
จำนวนการขายซ้ำ: —

การขายและการจัดนิทรรศการ

การรับรู้และการยอมรับของตลาดโดยชุมชนมืออาชีพดูเหมือนเป็นสิ่งที่แตกต่างกันสำหรับหลาย ๆ คน แต่การแบ่งศิลปินออกเป็นศิลปิน "เชิงพาณิชย์" และ "ไม่ใช่เชิงพาณิชย์" นั้นเป็นไปตามอำเภอใจ ดังนั้นในบรรดาศิลปินชาวรัสเซียที่เคยจัดแสดงศิลปะร่วมสมัย Venice Biennale ในช่วงสิบปีที่ผ่านมา (และนี่คือจุดสุดยอดของอาชีพการงานของพวกเขา) มีเจ็ดคน (หากนับตามคนแล้ว 11 คน) จึงรวมอยู่ในการจัดอันดับของเรา และศิลปิน 10 อันดับแรกจากการจัดอันดับเคยจัดแสดงที่ Venice Biennale มาก่อนหรือมีนิทรรศการส่วนตัวในพิพิธภัณฑ์สำคัญ ๆ สำหรับศิลปินที่ยอดเยี่ยมเหล่านั้นที่ไม่รวมอยู่ในการจัดอันดับ สามารถอธิบายการขาดหายไปหรือยอดขายที่โดดเด่นมากของพวกเขาได้อย่างง่ายดายและซ้ำซาก นักสะสมเป็นคนอนุรักษ์นิยมและแม้กระทั่งจากผู้สร้างแนวหน้าส่วนใหญ่ พวกเขาชอบซื้อภาพวาด (ภาพวาด วัตถุที่คล้ายกับภาพวาดหรือภาพถ่าย) หรือประติมากรรม (หรือวัตถุที่คล้ายกับประติมากรรม) ไม่มีการแสดงที่ทำลายสถิติหรือการจัดวางขนาดยักษ์ในการจัดอันดับของเรา (โดยปกติแล้วการจัดวางมักจะซื้อโดยพิพิธภัณฑ์ แต่ราคาจะเท่ากับคุณภาพพิพิธภัณฑ์พร้อมส่วนลด) นั่นคือเหตุผลที่ดาวเช่น Andrey Monastyrsky, Oleg Kulik, พาเวล เปปเปอร์สไตน์(จนกระทั่งเมื่อเร็ว ๆ นี้ฉันทำกราฟิกเป็นหลักและกราฟิกมีราคาถูกกว่าการวาดภาพ) หรือตัวอย่างเช่น นิโคไล โปลิสกี้ซึ่งการออกแบบอันอลังการยังไม่พบนักสะสมที่เข้าใจ

นอกจากนี้ ตลาดยังเป็นแบบอนุรักษ์นิยมเนื่องจากการได้รับการยอมรับเกิดขึ้นอย่างช้าๆ โปรดทราบว่าใน 10 อันดับแรก ศิลปินทุกคนเกิดในปี 1950 หรือเก่ากว่านั้น นั่นคือผู้เข้าร่วม Biennale ที่มีแนวโน้มดียังคงมีทุกสิ่งรออยู่ข้างหน้า

การประมูลระดับนานาชาติที่สำคัญๆ กำลังเพิ่มมากขึ้น รวมถึงศิลปินรัสเซียร่วมสมัยในการประมูลงานศิลปะหลังสงครามและศิลปะร่วมสมัย ในเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2550 Sotheby's ได้จัดการประมูลงานศิลปะร่วมสมัยของรัสเซียโดยเฉพาะครั้งแรกและเกือบจะน่าตื่นเต้น ซึ่งนำบันทึกการประมูลถึง 22 รายการ “ Artguide” ตัดสินใจที่จะค้นหาว่าศิลปินร่วมสมัยคนใดของเราที่รวบรวมผลรวมที่ใหญ่ที่สุดในการประมูลระหว่างประเทศ และเมื่อรวบรวมศิลปินชาวรัสเซียที่ยังมีชีวิตอยู่ที่แพงที่สุด 10 อันดับแรกโดยพิจารณาจากผลการขายทอดตลาด ได้ค้นพบรูปแบบที่น่าสนใจบางอย่าง ราคาขายทั้งหมดขึ้นอยู่กับข้อมูลของสถาบันประมูลและรวมเบี้ยประกันภัยของผู้ซื้อด้วย

อเล็กซานเดอร์ วิโนกราดอฟ และ วลาดิมีร์ ดูบอสซาร์สกี ออกกำลังกายตอนกลางคืน. แฟรกเมนต์ ผู้เขียนได้รับความอนุเคราะห์ (www.dubossarskyvinogradov.com)

แน่นอนว่าไม่ต้องสงสัยเลยว่าใครคือผู้นำในการแข่งขันประมูล: "Beetle" อันยิ่งใหญ่ของ Ilya Kabakov ซึ่งขายในเดือนกุมภาพันธ์ 2551 ที่ Phillips de Pury ในราคาเกือบ 3 ล้านปอนด์อาจเป็นที่จดจำของทุกคนที่สนใจงานศิลปะร่วมสมัย ศิลปะ. สัมผัสของเด็กตลก ๆ ข้อความที่เขียนบนแผงไม้ที่มีด้วงยังได้รับน้ำเสียงที่รอบคอบในการตีความทางประวัติศาสตร์และตลาดศิลปะ:“ แมลงเต่าทองของฉันแตกออกกระโดดส่งเสียงร้องเจี๊ยก ๆ มันไม่ต้องการเข้าไป คอลเลกชันของฉัน” - ในเชิงเปรียบเทียบหมายถึงความหลงใหลของนักสะสมงานศิลปะสมัยใหม่สำหรับการต่อรองด้วงเดียวกันนี้ (ข้อที่อ้างโดย Kabakov เขียนโดยสถาปนิก A. Maslennikova กวีสมัครเล่นจาก Voronezh ได้รับการตีพิมพ์ในคอลเลกชันบทกวีบทกวีและปริศนาสำหรับเด็ก "ระหว่างฤดูร้อนและฤดูหนาว" ซึ่งตีพิมพ์ในปี 2519 โดยสำนักพิมพ์ "วรรณกรรมเด็ก " - และ Kabakov อธิบายหนังสือเล่มนี้ จริงอยู่ด้วงตัวนั้นไม่ได้อยู่ในภาพประกอบขาวดำของเขา)

ควรเสริมด้วยว่าหากเราไม่ได้สร้างศิลปินมีชีวิตที่มีราคาแพงที่สุด 10 อันดับแรก แต่เป็นผลงานที่แพงที่สุด 10 อันดับแรก ภาพวาดของ Kabakov จะอยู่สามอันดับแรกในรายการนี้ นั่นคือผลงานที่แพงที่สุดสามชิ้นของศิลปินชาวรัสเซียที่มีชีวิตเป็นของเขา - นอกเหนือจาก "Beetle" แล้วยังมี "ห้องหรูหรา" ปี 1981 (Phillips de Pury, London, 21 มิถุนายน 2550, 2.036 ล้านปอนด์) และ "Vacation หมายเลข 10” 1987 (ฟิลลิปส์ เดอ พูรี ลอนดอน, 14 เมษายน 2011, 1.497 ล้านปอนด์) ยิ่งไปกว่านั้น Kabakov ผู้ใจดี "ให้" บันทึกอีกครั้งแก่การประมูลที่เวียนนา Dorotheum - ปีที่แล้วเมื่อวันที่ 24 พฤศจิกายน 2554 ภาพวาด "At the University" ไปที่นั่นในราคา 754.8 พันยูโรกลายเป็นผลงานร่วมสมัยที่แพงที่สุด งานศิลปะที่เคยขายในการประมูลครั้งนี้

ผู้ชนะเลิศเหรียญเงินอาจจะได้รับการตั้งชื่ออย่างง่ายดายจากหลาย ๆ คนนั่นคือ Eric Bulatov ซึ่งผ้าใบ "Glory to the CPSU" ถูกขายไปในราคาสูงเป็นประวัติการณ์สำหรับศิลปินในการประมูล Phillips de Pury เช่นเดียวกับ "Beetle" ของ Kabakov

แต่อันดับที่สามของ Evgeny Chubarov ผู้ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดซึ่งผลงานปลาย "Untitled" ตกเป็นของ Phillips de Pury ในราคา 720,000 ปอนด์ในเดือนมิถุนายน 2550 อาจเรียกได้ว่าเป็นเรื่องที่น่าประหลาดใจหากไม่ใช่เพราะเมื่อไม่กี่เดือนก่อนในเดือนกุมภาพันธ์เดียวกัน ในปีนี้ ชูบารอฟได้สร้างกระแสให้กับ Sotheby's ในลอนดอนในการประมูลงานศิลปะร่วมสมัยของรัสเซียโดยเฉพาะ โดยผลงานของเขาที่มีชื่อเดียวกัน (หรือมากกว่านั้น) ถูกขายไปในราคา 288,000 ปอนด์ (โดยมีราคาประเมินสูงกว่า 60 ปอนด์) พัน) ไม่เพียง แต่เอาชนะการประมูลสูงสุดเท่านั้นภาพวาด "Revolution - Perestroika" ของ Bulatov (ราคาขาย 198,000 ปอนด์) แต่ยังกลายเป็นผลงานที่แพงที่สุดของศิลปินชาวรัสเซียที่ยังมีชีวิตอยู่ในเวลานั้นด้วย อย่างไรก็ตามนี่คือการประชดของความผันผวนของอัตราแลกเปลี่ยน: ในเดือนพฤศจิกายน พ.ศ. 2543 Polyptych ของ Grisha Bruskin ถูกขายในนิวยอร์กในราคา 424,000 ดอลลาร์และในสกุลเงินปอนด์สเตอร์ลิงอยู่ที่ 296.7 พันปอนด์และในเดือนกุมภาพันธ์ 2550 เมื่อ ได้รับการติดตั้งบันทึกแรกของ Chubarov มีมูลค่าเพียง 216.6 พันปอนด์เท่านั้น

ผลงานของผู้ชนะอันดับที่สี่ Vitaly Komar และ Alexander Melamid เกิดขึ้นบ่อยครั้งและค่อนข้างประสบความสำเร็จในการประมูลแบบตะวันตกแม้ว่าค่าประมาณของพวกเขาจะไม่เกิน 100,000 ปอนด์ก็ตาม งานที่แพงที่สุดเป็นอันดับสองของทั้งคู่คือ "การประชุมยัลตา คำพิพากษาแห่งปารีส" ถูกขายในการประมูลของ Macdougall ในปี 2550 ในราคา 184.4 พันปอนด์ แต่แน่นอนว่าควรคำนึงถึงด้วยว่าภาพวาดที่ทำให้พวกเขาได้อันดับที่สี่นั้นเป็นของผลงานในยุคแรก ๆ ที่ไม่ค่อยปรากฏในการประมูลและเป็น จัดแสดงในปี 1976 ในนิทรรศการต่างประเทศครั้งแรก (และมีชื่อเสียงมาก) ของ Komar และ Melamid ที่ Ronald Feldman Gallery ในนิวยอร์ก

หลังจาก Komar และ Melamid Oleg Vasiliev และ Semyon Faibisovich ก็มีมาตรฐานสูงในการประมูลอย่างต่อเนื่อง Vasiliev เป็นอันดับสามในการประมูล Phillips de Pury ที่ประสบความสำเร็จเป็นพิเศษในปี 2008 ซึ่งนำสถิติมาสู่ Ilya Kabakov และ Erik Bulatov และ Faibisovich เป็นอันดับสี่ จากนั้นภาพวาดของ Vasiliev“ รูปแบบต่างๆในธีมของปกนิตยสาร“ Ogonyok”” จากปี 1980 ถูกขายในราคา 356,000 ₤โดยมีมูลค่าประมาณ 120,000 ₤และ“ อีกมุมมองหนึ่งของทะเลดำ” โดย Faibisovich จากปี 1986 ถูกขายในราคา 300.5 พันปอนด์โดยมีมูลค่าประมาณ 120,000 ₤ ประมาณ 60,000-80,000 ปอนด์ ผลงานของศิลปินทั้งสองมักจะได้รับผลรวมหกหลักในการประมูล

จริงอยู่ที่มันไม่ใช่ "ทหาร" ที่ทำลายสถิติที่สร้างชื่อเสียงให้กับ Faibisovich ในการประมูล แต่เป็นภาพวาด "Beauty" ที่ขายที่ Sotheby's เมื่อวันที่ 12 มีนาคม 2551 - นี่คือการประมูลงานศิลปะรัสเซียร่วมสมัยครั้งที่สองของบ้านประมูล ไม่นับ การประมูลที่มอสโกในปี 1988 ภาพวาด (ชื่ออื่นคือ "The First of May") จากนั้นมีราคา 264,000 ปอนด์โดยมีราคาประมาณ 60-80,000 ปอนด์ การต่อสู้ที่แท้จริงเกิดขึ้นระหว่างผู้ซื้อเพื่อซื้อมัน ภาพวาดอีกชิ้นของ Faibisovich“ บนถนน Moskovskaya” ในการประมูลครั้งนั้นเกินประมาณการสองครั้งและขายได้ในราคา 126,000 ปอนด์ เราเสริมว่าตามพอร์ทัล Artprice Semyon Faibisovich เป็นศิลปินชาวรัสเซียเพียงคนเดียวที่รวมอยู่ใน 500 อันดับแรกที่ขายดีที่สุดในปี 2554 -2012.

ในเรื่องเดียวกันอาจกล่าวได้เกี่ยวกับ Oleg Tselkov ซึ่งครองอันดับที่แปดใน 10 อันดับแรก เมื่อครึ่งศตวรรษที่แล้ว เขาค้นพบสไตล์และธีมของเขา ซึ่งเป็นศิลปินที่เป็นที่รู้จักและน่าเชื่อถือ เขามักจะจัดการประมูลโดยใช้ใบหน้ากลมเรืองแสงของเขา ซึ่งประสบความสำเร็จอย่างต่อเนื่อง ภาพวาดที่แพงที่สุดเป็นอันดับสองของ Tselkov "Five Faces" ถูกขายในเดือนมิถุนายน 2550 ที่ MacDougall's ในราคา 223.1 พันปอนด์ ภาพวาดที่สาม "Two with Beetles" ถูกขายในเดือนพฤศจิกายนของปีเดียวกันในการประมูลเดียวกัน (MacDougall's มักจะใส่เสมอ สำหรับการประมูล Tselkov หลายรายการในช่วงราคาที่แตกต่างกัน) ในราคา 202.4 พันปอนด์

Grisha Bruskin มีบทบาทพิเศษในประวัติศาสตร์การประมูลงานศิลปะร่วมสมัยของรัสเซียมาตั้งแต่ปี 1988 โดยการประมูลของ Moscow Sotheby มีชื่อว่า Russian Avant-Garde และศิลปะร่วมสมัยของโซเวียต ซึ่ง "Fundamental Lexicon" ของเขาถูกขายในราคา 220,000 ปอนด์ 12 ครั้ง ประมาณการที่สูงขึ้น เกี่ยวกับสิ่งเดียวกันและอาจน่าตื่นเต้นยิ่งกว่านั้นเกิดขึ้นกับ polyptych "Logia ตอนที่ 1” ในปี 2000 ที่ Christie’s ในนิวยอร์ก: โพลีพติชมีราคาสูงถึง 424,000 ดอลลาร์ ซึ่งเกินประมาณการด้านบนถึง 21 (!) เท่า - เพียงอย่างเดียวนี้ถือได้ว่าเป็นบันทึกประเภทหนึ่ง เป็นไปได้มากว่าการซื้อที่ไม่ธรรมดานี้เกิดจากความสำคัญของชื่อของ Bruskin ในฐานะฮีโร่ของการประมูลของ Moscow Sotheby ในตำนาน เนื่องจากไม่มีการขายทอดตลาดอื่นของ Bruskin ที่จะเข้าใกล้จำนวนเหล่านี้ได้

ราคาของ Oscar Rabin ไม่ผันผวน แต่เพิ่มขึ้นอย่างต่อเนื่องและเห็นได้ชัดเจนโดยเฉพาะสำหรับงานในยุคโซเวียต - ผลงานที่แพงที่สุดของปรมาจารย์ผู้นี้ที่ขายในการประมูลทั้งหมดถูกวาดในช่วงปลายทศวรรษ 1950 - ต้นปี 1970 (นอกเหนือจาก "เมืองสังคมนิยม" ที่ทำลายสถิติของเขา) "Baths (Smell the Cologne "Moscow", 1966, Sotheby's, New York, 17 เมษายน 2550, 336,000 ดอลลาร์) และ "Violin in the Graveyard" (1969, Macdougall's, ลอนดอน, 27 พฤศจิกายน 2549, 168.46 ปอนด์)

สิบอันดับแรกปิดโดยตัวแทนของคนรุ่นใหม่ - Alexander Vinogradov และ Vladimir Dubossarsky ซึ่งภาพวาดที่แพงที่สุดขายที่ Phillips de Pury (ราคาแพงเป็นอันดับสองคือ "The Last Butterfly", 1997, Phillips de Pury, New York, 181 ดอลลาร์ พัน). โดยทั่วไปศิลปินเหล่านี้ยังคงมีแนวโน้มที่ค่อนข้างชัดเจนในการจัดอันดับภาพวาดที่แพงที่สุดโดยศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่ เราจะพูดถึงมันต่ำกว่านี้เล็กน้อย แต่สำหรับตอนนี้นี่คือรายชื่อผลงานที่แพงที่สุดของศิลปินชาวรัสเซียที่ยังมีชีวิตอยู่

ผลงาน 10 อันดับแรกของศิลปินชาวรัสเซียที่มีชีวิต

1. อิลยา คาบาคอฟ (เกิด พ.ศ. 2476) แมลง 2525. ไม้เคลือบฟัน. 226.5 x 148.5 การประมูล Phillips de Pury & Company, ลอนดอน, 28 กุมภาพันธ์ 2551 ประมาณการ 1.2-1.8 ล้านปอนด์ ราคาขาย 2.93 ล้านปอนด์

2. เอริค บูลาตอฟ (เกิด 1933) เป็นเกียรติแก่ กปปส. 2518. สีน้ำมันบนผ้าใบ. 229.5 x 229 การประมูล Phillips de Pury & Company, ลอนดอน, 28 กุมภาพันธ์ 2551 ประเมินราคาไว้ที่ 500-700,000 ปอนด์ ราคาขาย 1.084 ล้านปอนด์

3. Evgeny Chubarov (เกิด พ.ศ. 2477) ไม่มีชื่อ 2537. สีน้ำมันบนผ้าใบ. 300 x 200 การประมูล Phillips de Pury & Company, ลอนดอน, 22 มิถุนายน 2550 ประเมินราคา 100-150,000 ปอนด์ ราคาขาย 720,000 ปอนด์

4. วิตาลี โคมาร์ (เกิดปี 1943) และอเล็กซานเดอร์ เมลามิด (เกิดปี 1945) การพบกันระหว่าง Solzhenitsyn และ Bell ที่เดชาของ Rostropovich 2515 สีน้ำมันบนผ้าใบ ภาพปะติด ฟอยล์สีทอง 175 x 120 การประมูล Phillips de Pury & Company, ลอนดอน, 23 เมษายน 2010 ประเมินราคาไว้ที่ 100-150,000 ปอนด์ ราคาขาย 657.25 พันปอนด์

5. Oleg Vasiliev (เกิด พ.ศ. 2474) ก่อนพระอาทิตย์ตกดิน. 2533. สีน้ำมันบนผ้าใบ. 210 x 165 การประมูลของ Sotheby, ลอนดอน, 12 มีนาคม 2551 ประมาณการ 200-300,000 ปอนด์ ราคาขาย 468.5 พันปอนด์

6. เซมยอน ไฟบิโซวิช (เกิด พ.ศ. 2492) ทหาร. จากซีรีส์ “สถานี” 2532. สีน้ำมันบนผ้าใบ. 285.4 x 190.5 การประมูล Phillips de Pury & Company, ลอนดอน, 13 ตุลาคม 2550 ประมาณ 40-60,000 ปอนด์ ราคาขาย 311.2 พันปอนด์

8. โอเล็ก เซลคอฟ (เกิด พ.ศ. 2477) เด็กผู้ชายกับบอลลูน ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 103.5 x 68.5 การประมูลของ MacDougall ลอนดอน 28 พฤศจิกายน 2551 ประมาณ 200-300,000 ปอนด์ ราคาขาย 238.4 พันปอนด์

9. ออสการ์ ราบิน (เกิด พ.ศ. 2471) เมืองและดวงจันทร์ (เมืองสังคมนิยม) 2502. สีน้ำมันบนผ้าใบ. 90 x 109 การประมูลของ Sotheby ที่นิวยอร์ก 15 เมษายน 2551 ประเมินราคา 120-160,000 ดอลลาร์ ราคาขาย 337,000 ดอลลาร์ (171.4 ปอนด์ที่อัตราแลกเปลี่ยนเงินดอลลาร์ต่อปอนด์สเตอร์ลิง ณ เดือนเมษายน 2551)

10. Alexander Vinogradov (เกิด พ.ศ. 2506) และ Vladimir Dubossarsky (เกิด พ.ศ. 2507) การฝึกกลางคืน. 2547. สีน้ำมันบนผ้าใบ. 194.9 x 294.3 การประมูล Phillips de Pury & Company, ลอนดอน, 22 มิถุนายน 2550 ประมาณ 15-20,000 ปอนด์ ราคาขาย 132,000 ปอนด์

เป็นที่ทราบกันดีว่าราคาประมูลเป็นสิ่งที่ไม่มีเหตุผลและไม่มีใครสามารถตัดสินจากพวกเขาถึงบทบาทและความสำคัญที่แท้จริงของศิลปินในกระบวนการทางศิลปะได้ แต่จากพวกเขาและจากล็อตแรกเราสามารถตัดสินความชอบของนักสะสมได้อย่างคร่าว ๆ พวกเขาคืออะไร? คุณไม่จำเป็นต้องเป็นผู้เชี่ยวชาญในการตอบคำถามนี้ พวกเขาชัดเจน ประการแรก ศิลปินทุกคน (ยกเว้น Alexander Vinogradov และ Vladimir Dubossarsky) เป็น "ศิลปินคลาสสิกที่มีชีวิต" ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา และเป็นที่น่านับถือมากในตอนนั้น ประการที่สอง สำหรับเกือบแต่ละคน บันทึกไม่ได้ถูกกำหนดโดยผลงานในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา แต่โดยงานก่อนหน้านี้มาก นั่นคือรูปแบบ "ยิ่งเก่ายิ่งดี" ก็มีความเกี่ยวข้องที่นี่เช่นกัน ประการที่สาม ไม่มีข้อยกเว้น ผลงานทั้งหมดจาก 10 อันดับแรกเป็นภาพวาดขาตั้ง ประการที่สี่ ทั้งหมดนี้เป็นภาพวาดขนาดใหญ่และใหญ่มาก สิ่งเดียวที่ถือได้ว่าเป็น "มาตรฐาน" ไม่มากก็น้อยในเรื่องนี้คือ "The City and the Moon" โดย Oscar Rabin และ "The Boy with Balloons" โดย Oleg Tselkov ส่วนที่เหลือทั้งหมดมีความสูงเกินมนุษย์อย่างมาก (ไม่แม้แต่น้อย ในความกว้าง) ท้ายที่สุด สำหรับศิลปินเหล่านี้ แก่นเรื่องของอดีตของสหภาพโซเวียต (โดยเฉพาะผู้ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใด) มีความเกี่ยวข้องไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง ในหลายกรณีเน้นย้ำในงานของพวกเขา ดูเหมือนว่านักสะสมของเรากำลังประสบกับความคิดถึงในอดีตของสหภาพโซเวียตนี้อย่างเฉียบพลัน (เป็นที่ทราบกันดีว่าเป็นนักสะสมชาวรัสเซียที่ซื้องานศิลปะรัสเซียทางตะวันตก)

อายุน้อยกว่าผู้นำการขายทอดตลาดคนอื่น Alexander Vinogradov และ Vladimir Dubossarsky ค่อนข้างพยายามอย่างดื้อรั้นที่จะแยกตัวออกจากผู้ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดที่รุนแรงหลายสิบคน แต่นี่เป็นเพียงการมองแวบแรกเท่านั้น ในความเป็นจริงหากคุณจินตนาการว่าคนรุ่นใดที่ตาม Kabakov, Bulatov, Rabin, Vasiliev, Tselkov สามารถมีคุณสมบัติตรงตามเกณฑ์ข้างต้นในการซื้อได้ดีที่สุด (ภาพวาดขาตั้งขนาดใหญ่, การปรับปรุงแนวเพลงของโซเวียต, ลวดลายและโวหาร) สิ่งนี้อาจจะเปลี่ยนไป ออกไปเป็น Vinogradov และ Dubossarsky ทายาทที่คู่ควรของปรมาจารย์ในทศวรรษก่อน อย่างน้อยก็ตัดสินจากการขายทอดตลาด

หากคุณคิดว่าศิลปินที่ยิ่งใหญ่ล้วนแต่อยู่ในอดีต คุณก็ไม่รู้ว่าคุณคิดผิดแค่ไหน ในบทความนี้คุณจะได้เรียนรู้เกี่ยวกับศิลปินที่มีชื่อเสียงและมีความสามารถที่สุดในยุคของเรา และเชื่อฉันเถอะว่าผลงานของพวกเขาจะยังคงอยู่ในความทรงจำของคุณไม่ลึกไปกว่าผลงานของเกจิจากยุคก่อน ๆ

วอจเซียค บับสกี้

Wojciech Babski เป็นศิลปินร่วมสมัยชาวโปแลนด์ เขาสำเร็จการศึกษาที่ Silesian Polytechnic Institute แต่ก็เกี่ยวข้องกับตัวเองด้วย เมื่อเร็ว ๆ นี้เขาวาดภาพผู้หญิงเป็นหลัก มุ่งเน้นไปที่การแสดงออกของอารมณ์ มุ่งมั่นที่จะได้รับผลสูงสุดที่เป็นไปได้โดยใช้วิธีการง่ายๆ

ชอบสีแต่มักใช้เฉดสีดำและสีเทาเพื่อสร้างความประทับใจที่ดีที่สุด ไม่กลัวที่จะทดลองเทคนิคใหม่ๆ ที่แตกต่าง ล่าสุดเขาได้รับความนิยมเพิ่มขึ้นในต่างประเทศ โดยเฉพาะในสหราชอาณาจักร ซึ่งเขาประสบความสำเร็จในการขายผลงานของเขา ซึ่งสามารถพบได้ในคอลเลกชันส่วนตัวมากมาย นอกจากศิลปะแล้ว เขายังสนใจจักรวาลวิทยาและปรัชญาอีกด้วย ฟังเพลงแจ๊ส ปัจจุบันอาศัยและทำงานในคาโตวีตเซ

วอร์เรน ช้าง

Warren Chang เป็นศิลปินชาวอเมริกันร่วมสมัย เกิดในปี 1957 และเติบโตในเมืองมอนเทอเรย์ รัฐแคลิฟอร์เนีย เขาสำเร็จการศึกษาเกียรตินิยมจาก Art Center College of Design ในพาซาดีนาในปี 1981 ซึ่งเขาได้รับ BFA ตลอดสองทศวรรษต่อมา เขาทำงานเป็นนักวาดภาพประกอบให้กับบริษัทต่างๆ ในแคลิฟอร์เนียและนิวยอร์ก ก่อนที่จะเริ่มต้นอาชีพศิลปินมืออาชีพในปี 2009

ภาพวาดที่เหมือนจริงของเขาแบ่งได้เป็น 2 ประเภทหลัก ได้แก่ ภาพวาดชีวประวัติภายใน และภาพวาดบุคคลในที่ทำงาน ความสนใจของเขาในการวาดภาพรูปแบบนี้ย้อนกลับไปถึงผลงานของศิลปินโยฮันเนส เวอร์เมียร์ ในศตวรรษที่ 16 และครอบคลุมถึงวิชาต่างๆ การถ่ายภาพบุคคล ภาพเหมือนของสมาชิกในครอบครัว เพื่อน นักเรียน การตกแต่งภายในในสตูดิโอ ห้องเรียน และบ้าน เป้าหมายของเขาคือการสร้างอารมณ์และอารมณ์ในภาพวาดที่เหมือนจริงของเขาผ่านการปรุงแต่งของแสงและการใช้สีที่ไม่ออกเสียง

ช้างเริ่มมีชื่อเสียงหลังจากเปลี่ยนมาใช้วิจิตรศิลป์แบบดั้งเดิม ตลอด 12 ปีที่ผ่านมา เขาได้รับรางวัลและเกียรติยศมากมาย โดยรางวัลอันทรงเกียรติที่สุดคือ Master Signature จาก Oil Painters of America ซึ่งเป็นชุมชนภาพวาดสีน้ำมันที่ใหญ่ที่สุดในสหรัฐอเมริกา มีเพียง 1 คนจาก 50 คนเท่านั้นที่มีโอกาสได้รับรางวัลนี้ ปัจจุบัน Warren อาศัยอยู่ที่มอนเทอเรย์และทำงานในสตูดิโอของเขา และเขายังสอน (รู้จักกันในชื่อครูที่มีพรสวรรค์) ที่ San Francisco Academy of Art

ออเรลิโอ บรูนี่

ออเรลิโอ บรูนีเป็นศิลปินชาวอิตาลี เกิดที่เมืองแบลร์ วันที่ 15 ตุลาคม พ.ศ. 2498 เขาได้รับประกาศนียบัตรด้านฉากจากสถาบันศิลปะในสโปเลโต ในฐานะศิลปิน เขาเรียนรู้ด้วยตนเอง ในขณะที่เขา "สร้างบ้านแห่งความรู้" อย่างอิสระบนรากฐานที่วางไว้ในโรงเรียน เขาเริ่มวาดภาพด้วยสีน้ำมันเมื่ออายุ 19 ปี ปัจจุบันอาศัยและทำงานในแคว้นอุมเบรีย

ภาพวาดยุคแรกๆ ของบรูนีมีรากฐานมาจากลัทธิเหนือจริง แต่เมื่อเวลาผ่านไป เขาเริ่มมุ่งเน้นไปที่ความใกล้ชิดของแนวโรแมนติกและสัญลักษณ์ที่เป็นโคลงสั้น ๆ เสริมการผสมผสานนี้เข้ากับความซับซ้อนและความบริสุทธิ์ของตัวละครของเขา วัตถุที่เคลื่อนไหวและไม่มีชีวิตได้รับศักดิ์ศรีที่เท่าเทียมกันและดูเกือบจะสมจริงเกินไป แต่ในขณะเดียวกันก็ไม่ได้ซ่อนอยู่หลังม่าน แต่ช่วยให้คุณมองเห็นแก่นแท้ของจิตวิญญาณของคุณ ความเก่งกาจและความซับซ้อน ความเย้ายวนและความเหงา ความรอบคอบและประสิทธิผลเป็นจิตวิญญาณของ Aurelio Bruni ซึ่งหล่อเลี้ยงด้วยความงดงามของศิลปะและความกลมกลืนของดนตรี

อเล็กซานเดอร์ บาลอส

Alkasander Balos เป็นศิลปินร่วมสมัยชาวโปแลนด์ที่เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพสีน้ำมัน เกิดในปี 1970 ในเมืองกลิวิซ ประเทศโปแลนด์ แต่ตั้งแต่ปี 1989 เขาอาศัยและทำงานในสหรัฐอเมริกา ในเมืองชาสตา รัฐแคลิฟอร์เนีย

เมื่อตอนเป็นเด็ก เขาศึกษาศิลปะภายใต้การแนะนำของแจน พ่อของเขา ซึ่งเป็นศิลปินและประติมากรที่เรียนรู้ด้วยตนเอง ดังนั้นตั้งแต่อายุยังน้อย กิจกรรมทางศิลปะจึงได้รับการสนับสนุนอย่างเต็มที่จากพ่อแม่ทั้งสอง ในปี 1989 เมื่ออายุได้ 18 ปี Balos ออกจากโปแลนด์ไปยังสหรัฐอเมริกา โดยที่ครูในโรงเรียนและศิลปินพาร์ทไทม์ Cathy Gaggliardi สนับสนุนให้ Alkasander ลงทะเบียนเรียนในโรงเรียนศิลปะ จากนั้น Balos ก็ได้รับทุนการศึกษาเต็มจำนวนจากมหาวิทยาลัยมิลวอกี รัฐวิสคอนซิน ซึ่งเขาศึกษาการวาดภาพกับศาสตราจารย์ปรัชญา Harry Rosin

หลังจากสำเร็จการศึกษาระดับปริญญาตรีในปี 1995 บาลอสก็ย้ายไปชิคาโกเพื่อศึกษาที่ School of Fine Arts ซึ่งมีพื้นฐานมาจากผลงานของ Jacques-Louis David ความสมจริงเชิงเปรียบเทียบและการวาดภาพบุคคลถือเป็นผลงานส่วนใหญ่ของ Balos ในช่วงทศวรรษที่ 90 และต้นทศวรรษ 2000 ปัจจุบัน บาลอสใช้ร่างมนุษย์เพื่อเน้นย้ำถึงคุณลักษณะและข้อบกพร่องของการดำรงอยู่ของมนุษย์ โดยไม่ต้องเสนอวิธีแก้ปัญหาใดๆ

การจัดองค์ประกอบภาพเขียนของเขามุ่งหมายให้ผู้ชมตีความอย่างอิสระ จากนั้นภาพเขียนจะได้รับความหมายทางโลกและอัตนัยที่แท้จริง ในปี 2005 ศิลปินย้ายไปอยู่ที่แคลิฟอร์เนียตอนเหนือ นับตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา หัวข้องานของเขาก็ขยายออกไปอย่างมาก และตอนนี้มีวิธีการวาดภาพที่อิสระมากขึ้น รวมถึงนามธรรมและสไตล์มัลติมีเดียต่างๆ ที่ช่วยแสดงความคิดและอุดมคติของการดำรงอยู่ผ่านการวาดภาพ

อลิสสา มังค์

Alyssa Monks เป็นศิลปินชาวอเมริกันร่วมสมัย เกิดเมื่อปี 1977 ในเมืองริดจ์วูด รัฐนิวเจอร์ซีย์ ฉันเริ่มสนใจการวาดภาพตั้งแต่ยังเป็นเด็ก เธอศึกษาที่ The New School ในนิวยอร์กและมหาวิทยาลัย Montclair State และสำเร็จการศึกษาระดับปริญญาตรีจากวิทยาลัยบอสตันในปี 1999 ในเวลาเดียวกัน เธอศึกษาการวาดภาพที่ Lorenzo de' Medici Academy ในฟลอเรนซ์

จากนั้นเธอก็ศึกษาต่อในหลักสูตรปริญญาโทที่ New York Academy of Art ในภาควิชา Figurative Art ซึ่งสำเร็จการศึกษาในปี 2544 เธอสำเร็จการศึกษาจาก Fullerton College ในปี 2549 บางครั้งเธอบรรยายในมหาวิทยาลัยและสถาบันการศึกษาทั่วประเทศ โดยสอนการวาดภาพที่ New York Academy of Art เช่นเดียวกับ Montclair State University และ Lyme Academy of Art College

“การใช้ฟิลเตอร์ เช่น แก้ว ไวนิล น้ำ และไอน้ำ ฉันสามารถบิดเบือนร่างกายมนุษย์ได้ ฟิลเตอร์เหล่านี้ช่วยให้คุณสร้างพื้นที่ขนาดใหญ่ของการออกแบบเชิงนามธรรม โดยมีเกาะหลากสีที่มองผ่าน - ส่วนต่างๆ ของร่างกายมนุษย์

ภาพวาดของฉันเปลี่ยนมุมมองสมัยใหม่ของท่าทางและท่าทางดั้งเดิมของผู้หญิงอาบน้ำที่จัดตั้งขึ้นแล้ว พวกเขาสามารถบอกผู้ชมที่เอาใจใส่ได้มากมายเกี่ยวกับสิ่งที่ดูเหมือนเห็นได้ชัดเจนในตัวเอง เช่น ประโยชน์ของการว่ายน้ำ การเต้นรำ และอื่นๆ ตัวละครของฉันกดตัวเองแนบกับกระจกหน้าต่างห้องอาบน้ำ บิดเบือนร่างกายของตัวเอง โดยตระหนักว่าสิ่งเหล่านี้มีอิทธิพลต่อการจ้องมองของผู้ชายที่ฉาวโฉ่ต่อผู้หญิงที่เปลือยเปล่า ชั้นสีหนาผสมกันเพื่อเลียนแบบแก้ว ไอน้ำ น้ำ และเนื้อจากระยะไกล อย่างไรก็ตาม เมื่อมองอย่างใกล้ชิด คุณสมบัติทางกายภาพอันน่าทึ่งของสีน้ำมันก็ปรากฏชัดเจน จากการทดลองโดยใช้สีและสีหลายชั้น ฉันพบจุดที่ฝีแปรงแบบนามธรรมกลายเป็นอย่างอื่น

เมื่อฉันเริ่มวาดภาพร่างกายมนุษย์ครั้งแรก ฉันรู้สึกทึ่งและหมกมุ่นอยู่กับมันทันที และเชื่อว่าฉันต้องทำให้ภาพวาดของฉันสมจริงที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ฉัน “ยอมรับ” ความสมจริงจนกระทั่งมันเริ่มคลี่คลายและเผยให้เห็นความขัดแย้งในตัวเอง ตอนนี้ฉันกำลังสำรวจความเป็นไปได้และศักยภาพของรูปแบบการวาดภาพที่ซึ่งการวาดภาพเป็นตัวแทนและนามธรรมมาบรรจบกัน หากทั้งสองรูปแบบสามารถอยู่ร่วมกันได้ในเวลาเดียวกัน ฉันจะทำเช่นนั้น”

อันโตนิโอ ฟิเนลลี

ศิลปินชาวอิตาลี – “ ผู้สังเกตการณ์เวลา” – อันโตนิโอ ฟิเนลลี เกิดเมื่อวันที่ 23 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2528 ปัจจุบันอาศัยและทำงานในอิตาลีระหว่างโรมและกัมโปบาสโซ ผลงานของเขาได้รับการจัดแสดงในแกลเลอรี่หลายแห่งในอิตาลีและต่างประเทศ: โรม, ฟลอเรนซ์, โนวารา, เจนัว, ปาแลร์โม, อิสตันบูล, อังการา, นิวยอร์ก และยังสามารถพบได้ในคอลเลกชันส่วนตัวและสาธารณะ

ภาพวาดดินสอ " ผู้สังเกตการณ์เวลา“อันโตนิโอ ฟิเนลลีพาเราเดินทางสู่โลกชั่วนิรันดร์ผ่านโลกภายในแห่งกาลเวลาของมนุษย์และการวิเคราะห์โลกนี้อย่างถี่ถ้วนที่เกี่ยวข้อง องค์ประกอบหลักคือการเดินผ่านกาลเวลาและร่องรอยที่ทิ้งไว้บนผิวหนัง

ฟิเนลลีวาดภาพคนทุกวัย เพศ และสัญชาติ ซึ่งการแสดงออกทางสีหน้าบ่งบอกถึงการผ่านกาลเวลา และศิลปินยังหวังที่จะพบหลักฐานของความไร้ความปรานีแห่งกาลเวลาบนร่างของตัวละครของเขา อันโตนิโอให้คำจำกัดความผลงานของเขาด้วยชื่อทั่วไปว่า "ภาพเหมือนตนเอง" เพราะในภาพวาดดินสอของเขาเขาไม่เพียงแต่พรรณนาถึงบุคคลเท่านั้น แต่ยังช่วยให้ผู้ชมได้ไตร่ตรองถึงผลลัพธ์ที่แท้จริงของกาลเวลาที่ผ่านไปในตัวบุคคลอีกด้วย

ฟลามิเนีย คาร์โลนี

Flaminia Carloni เป็นศิลปินชาวอิตาลีวัย 37 ปี เป็นลูกสาวของนักการทูต เธอมีลูกสามคน เธออาศัยอยู่ในโรมเป็นเวลาสิบสองปี และสามปีในอังกฤษและฝรั่งเศส เธอได้รับปริญญาด้านประวัติศาสตร์ศิลปะจาก BD School of Art จากนั้นเธอก็ได้รับประกาศนียบัตรในฐานะนักบูรณะงานศิลปะ ก่อนที่จะค้นพบอาชีพและอุทิศตนให้กับการวาดภาพ เธอทำงานเป็นนักข่าว นักวาดภาพ นักออกแบบ และนักแสดง

ความหลงใหลในการวาดภาพของ Flaminia เกิดขึ้นในวัยเด็ก สื่อหลักของเธอคือน้ำมัน เพราะเธอชอบ "coiffer la pate" และชอบเล่นกับวัสดุด้วย เธอจำเทคนิคที่คล้ายกันในผลงานของศิลปิน Pascal Torua Flaminia ได้รับแรงบันดาลใจจากปรมาจารย์ด้านการวาดภาพผู้ยิ่งใหญ่ เช่น Balthus, Hopper และ François Legrand รวมถึงการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่หลากหลาย เช่น สตรีทอาร์ต ความสมจริงแบบจีน สถิตยศาสตร์ และความสมจริงแบบเรอเนซองส์ ศิลปินคนโปรดของเธอคือคาราวัจโจ ความฝันของเธอคือการค้นพบพลังแห่งศิลปะในการบำบัด

เดนิส เชอร์นอฟ

Denis Chernov เป็นศิลปินชาวยูเครนผู้มีความสามารถ เกิดในปี 1978 ในเมือง Sambir ภูมิภาค Lviv ประเทศยูเครน หลังจากสำเร็จการศึกษาจาก Kharkov Art School ในปี 1998 เขายังคงอยู่ที่ Kharkov ซึ่งปัจจุบันเขาอาศัยและทำงานอยู่ นอกจากนี้เขายังศึกษาที่ Kharkov State Academy of Design and Arts, Department of Graphic Arts โดยสำเร็จการศึกษาในปี 2547

เขามีส่วนร่วมในนิทรรศการศิลปะเป็นประจำจนถึงปัจจุบันมีมากกว่าหกสิบรายการทั้งในยูเครนและต่างประเทศ ผลงานของเดนิส เชอร์นอฟส่วนใหญ่ถูกเก็บไว้ในคอลเลกชันส่วนตัวในยูเครน รัสเซีย อิตาลี อังกฤษ สเปน กรีซ ฝรั่งเศส สหรัฐอเมริกา แคนาดา และญี่ปุ่น ผลงานบางส่วนถูกขายที่ Christie's

เดนิสทำงานในเทคนิคกราฟิกและการระบายสีที่หลากหลาย ภาพวาดดินสอเป็นหนึ่งในวิธีการวาดภาพที่เขาชื่นชอบมากที่สุด รายการธีมต่างๆ ในรูปวาดดินสอของเขานั้นมีความหลากหลายมาก เขาวาดภาพทิวทัศน์ ภาพบุคคล ภาพเปลือย การเรียบเรียงประเภท ภาพประกอบหนังสือ การสร้างใหม่ทางวรรณกรรมและประวัติศาสตร์ และจินตนาการ