Çok değerli ve lekeli resimler. Önemli olan boyayı yedeklememek
Halkla İlişkilerin Verimliliği: "Parlak" manalar
Bir fırça alıp tuval üzerine bir tür manzara veya portre çizersem, işime bakan herhangi biri güvenle şöyle diyebilir: ne leke! Ve doğru olacak, çünkü çizemiyorum. Ancak, büyük bir sanatçı olarak ün yapmış olsaydım, karalamam milyonlarca dolara satılabilirdi. Teorik olarak, boyanmamış, ancak daha az korkunç olmayan resimlerimin harika sanat eserleri olarak tanıtılabileceğini ve "çılgın paraya" satılabileceğini hayal etmek zor. Ancak gerçek hayatta, bu birden fazla kez oldu - 19. yüzyılın ikinci yarısı ve 20. yüzyılın tamamı, sanatta lekenin sürekli bir zaferidir.
Babası İtalyan Giotto di Bondone (1267-1337) olarak kabul edilen modern resmin doğduğu andan itibaren ve sonraki birkaç yüzyıl boyunca, sanatçının gerçeği çizime uygun herhangi bir yüzeyde (tuval, duvar veya tahta) sergileme becerisi ). O zamanlar fotoğrafçılık yoktu, ancak birçoğu kendi portresini veya akrabalarının resmini çekmek istedi. Çevredeki ormanların ve tarlaların manzaralarına da değer verildi. Hala dairelerimize çeşitli tabloların reprodüksiyonlarını asmayı seviyoruz ve maddi durum kime izin veriyorsa, o zaman orijinallerin kendileri. Orta Çağ'da zenginler de evlerin ve kalelerin duvarlarını resimlerle süslemeyi severdi ve zenginlerden bazıları büyük koleksiyonlar biriktirdi. Birisi bunu resim sevgisinden yaptı, diğerleri - durumlarını iyileştirmek için.
Kilisenin zenginlere ek olarak sanat eserlerine de ihtiyacı vardı. Kilisenin gerçek hayatı tasvir eden resimlere ihtiyacı yoktu - gerçek olaylara benzeyen İncil'deki sahnelere ihtiyaçları vardı - gerçek olayların fotoğrafları gibi (gerçi o zamanlar fotoğraflar hakkında hiçbir fikirleri yoktu). İnsanlar Mesih'e, Meryem'e, havarilere ve diğer dini figürlere inanmak zorundaydı ve bunun için İncil'deki karakterlerin yaşayan insanlar gibi görünmesi gerekiyordu.
Müşterilerin istekleri nelerdi - resimler böyleydi. Beceriksiz bir elin tuvale çizdiği çılgın fikirlerin kimseye faydası yoktu. Hiç kimse orijinaline benzemeyen ve hatta prensipte bir kişinin imajına benzemeyen bir portresini satın almazdı. O günlerde portre yapmak için bir ressamın zanaatında ustalaşmış bir sanatçıya ihtiyaç vardı. Profesyonel olmadığınız için resim satamaz ve geçiminizi sağlayamazdınız. Tabloları toplayanların zaten sadece gerçeklik kalıplarına ihtiyaçları yoktu - kimsenin tekrarlayamayacağı özel şeyler elde etmek istiyorlardı. Yani, sanatçının gerçekçi bir görüntüye kendine ait bir şey eklemesi gerekiyordu - belirli bir benzersiz stil, böylece resmi yüksek kaliteli el işi ürünleri arasında öne çıkıyordu. Leonardo da Vinci gibi benzersiz bir teknik, Van Eyck gibi yenilikçi bir ışık ve gölge kullanımı, Bosch gibi fantastik görüntüler olabilir...
Avrupa'da 15-17 yüzyıllar, dünya resminin en parlak dönemidir. Bu zamana kadar, Avrupa'nın ekonomik olarak gelişmiş eyaletlerinde (Venedik, Floransa, Hollanda, Flanders, Almanya), resimler için yeterli sayıda müşteri ortaya çıktı - bu sayede, çalışmaları hala süsleyen seçkin sanatçılardan oluşan bir galaksi aldık. dünyanın en ünlü müzeleri. Leonardo da Vinci, Raphael ve Michelangelo Buonarroti gibi Rönesans'ın evrensel olarak tanınan büyük ressamlarının yanı sıra, o dönemde birkaç düzine daha eşit derecede seçkin sanatçı çalıştı: Hollandalı Robert Campin, Jan Van Eyck, Hieronymus Bosch, Peter Brueghel Sr., Peter Paul. Rubens, Antonis Van Dyck, Jan Vermeer, İtalyanlar Giorgione, Titian, Correggio, Caravaggio, Almanlar Albrecht Dürer, Hans Holbein Jr., İspanyol Diego Velazquez... Hepsinin gerçekliği özgün bir tasvir tarzı vardı ama aynı zamanda, hepsinin mükemmel bir şekilde yalnızca gerçekçi resimler yazdığı gerçeğiyle birleşmişlerdi. Olay örgüsüne göre gerçekçi değil - aynı İncil resimleri hiç bu kadar olmamıştı. Gerçekçi - gerçek hayatla tasvir edilen benzerlikle. Hiç kimse herhangi bir küp veya kare çizmedi - sözde dünyayı böyle görüyor, çünkü benzer tarzdaki "şaheserler" alıcılarını bulamayacak. O günlerde resimlerin müşterileri, bizim Nikita Kruşçev'imiz gibi basit insanlardı. Soyutlamacı bir sergideki resimlerden biri hakkında sorduğu bir hikaye var: "Bu ne biçim eşek?" Raphael veya Correggio'nun resimleriyle ilgili olarak, Kruşçev dahil hiç kimsenin böyle bir şey söylemediğini not ediyorum - görme yeteneği olan herkes üzerlerinde ne tasvir edildiğini anlar: Madonnas güzel kadınlar şeklinde ve bazı korkunç ve anlaşılmaz değil Picasso tablolarındaki gibi yaratıklar. Her seçkin sanatçı bir şekilde bir yenilikçiydi, ancak resimdeki tüm yenilikçi teknikler, yalnızca sanatçı hayatı tüm tezahürleriyle yeterince tasvir edebiliyorsa anlam ifade ediyordu. Görüntüdeki yenilik, kendi içinde değil, gerçekçilik adına kullanıldı. Ressamların inşaatçılar gibi çalışmaya çalıştıklarını söyleyebiliriz - her evin bir temeli, duvarları ve çatısı olmalı ve tüm deneylere ancak bu çerçevede izin verildi.
Profesyoneller olarak, Rönesans sanatçıları resmin zirvesine ulaştı. Ve Raphael veya Van Eyck'i geçmenin imkansız olduğunu güvenle söyleyebiliriz - bunlar yalnızca tekrarlanabilir. Veya yıllar geçtikçe daha da zorlaşan kendinize ait bir şey yaratın. Zaten 17. yüzyılda, 16. yüzyıldan daha az seçkin sanatçı vardı ve 18. yüzyılda parmakla sayılabilirler. Rönesans ustalarının geçmişine karşı öne çıkmak son derece zordur - bu, prensipte yalnızca birkaçının başarabileceği en yüksek beceri düzeyidir.
Ve böyle bir arka plana karşı, çok sayıda zanaatkar varken ve çok az seçkin usta varken, sanat dünyasında gerçek bir devrim yaşanıyor - yapay olarak "büyük sanatçılar" yaratılmaya başlandı. Orta Çağ'da bunu yapmak zordu.- medya olmadan PR teknolojileri etkisizdir, çünkü bilgi onu çarpıtan söylentiler aracılığıyla iletilmelidir. Özellikle bilginin uzun mesafelere yayılması söz konusu olduğunda. Yalnızca medya, herhangi bir nesnenin (ürün, marka) imajını yaşamda ideal ve gerekli olarak hızlı ve etkili bir şekilde yaratabilir ve kitle bilincine sokabilir. 19. yüzyılın ikinci yarısında, sanayi devrimi çağına girmiş olan Batı Avrupa devletlerinin yaşamında basının giderek daha önemli bir rol oynamaya başlaması tesadüf değil, o zaman “büyük sanatçılar” yeni bir tür” ortaya çıkmaya başladı. Başka bir deyişle - kekler.
Resim alıcılarını doğrudan karalamaya kim yönlendirdi? Orada oldukça fazla var. Temelde bunlar, medyada sanat eleştirisi yapan ve sergiler düzenleyen kişilerdir. Örneğin, eleştirmen Roger Fry, post-empresyonistleri “yıkadı”, Fransız Guillaume Apollinaire, Matisse ve Picasso'nun ürünlerini tüketicilere tanıttı. Ancak resim piyasası için daha da önemli olan, özellikle 20. yüzyılın ikinci yarısında dünyada giderek daha fazla zengin koleksiyoncunun ortaya çıkmasıydı. Gerçekten olağanüstü sanat eserlerinin devlet müzelerinde olduğu veya şaheserlerini herhangi bir para karşılığında satmayan kiliselerin sahip olduğu koşullarda, neden koleksiyon toplayasınız? - Moda olarak kabul edilenlerden. Moda olan şey alıcılar tarafından satın alındı.
Ve şu ya da bu "ressam" için moda nasıl yaratıldı? Temel olarak, her şey bir skandalla başladı. 19. yüzyılın sonunda, korkunç bir karalamanın sanat eseri kisvesi altında halka gösterilmesi, kamusal bir skandal anlamına geliyordu. Toplum için gerçek bir meydan okumaydı. "Böyle" gören insanlar kızdı, tüm bunlar basında ve bohem yerlerde ertelendi, yazarın ve resimlerinin ünü büyüdü - ve şu veya bu karakter için moda böyle ortaya çıktı. Önce dar çevrelerde ve sonra, eğer şanslıysanız, o zaman genel halk yeni bir "büyük ressamın" ortaya çıktığını öğrendi. "Senin hakkında konuşuyorlarsa, varsın" - bu PR'ın temel kuralıdır. Ünlü olursan, o zaman en azından birileri resimlerini satın alır - sanatsal değeri ne olursa olsun. Bohem bir ortamda vasat insanlar bunu fark eder etmez o leke - bu aynı zamanda popüler bir metadır, bu nedenle bu tür resimler tam anlamıyla piyasayı kasıp kavurdu. Gelecekte birçok büyük manşon, gerçekçi resimlerle başladı, ancak zamanla lekelemeye geçti. Ve bazılarının hiçbir şeyi değiştirmesine gerek yoktu - başlangıçta bilmiyorlardı. nasıl çizilir.
Farklı dönemlerde, bir sanatsal yön için bir moda vardı, sonra diğeri için - izlenimcilik, izlenimcilik sonrası, soyutlamacılık, kübizm, dışavurumculuk .... Ve moda, ticaretin ana motorudur. "Sanatçı" bir marka olur olmaz - o zamandan beri bu marka altında üretilen her şey "sıcak kek gibi satıldı." Şu veya bu "sanatçının" tam olarak neyi resmettiği önemli değildi - moda endüstrisi, zanaat endüstrisinden farklı yasalara göre hareket ediyor. Şu ya da bu manşonun modası elbette hemen ortaya çıkmadı ve ilk başta büyük para şeklindeki "defne" sanatçılara değil, resim alıcılarına gitti. Müzayedelerde moda olan karalamalar için ödenmeye başlayan çılgın para, ancak 20. yüzyılın ikinci yarısının sonlarına doğru ortaya çıktı. Dünya finans piyasalarında ve Rusya'daki devlet mülkünün yağmalanması sırasında kolay para kazanan çok sayıda insan, onları nereye koyacaklarını bilmiyorlardı - sonuç olarak, tuval üzerine bulaşan herhangi bir dışkı son derece sıcak bir meta haline geldi. .
Sanatta karalamanın zaferi kiminle başladı?İzlenimcilerin ve Kübistlerin yolu, 19. yüzyılın ilk yarısında "yaratan" İngiliz Joseph Turner tarafından açıldı. Bir sanatçı olarak tek erdemi, manzara resimlerinde pek iyi olmamasıydı. Ayrıca neredeyse iyi tabloları vardı, ancak “Venedik'e Yelken Açmak” tuvali gibi açık sözlü çizimleriyle tanındı. Venedik, resmindeki ile aynı olsaydı, o zaman neredeyse hiç kimse ona yelken açmazdı ... Turner bir zamanlar, ünlü olduğu için halkı şok etti. Onun bir karikatürü var - Turner bir boya fırçasıyla (o zamanlar çitleri boyamak için kullanılıyordu) bir tablonun önünde duruyor ve bir şeyler boyuyor ...
Fransız Edgar Degas daha sonra sopayı aldı - nasıl çizileceğini biliyordu ve bazen harika resimler yaptı, ancak nedense Edgar, yıkanmaya, yıkanmaya veya su prosedürlerini yeni bitirmeye hazırlanan en çirkin çıplak kadınları boyamak için çekildi. .. - Bu tür çizimler için, beceriksizlik nedeniyle 1 sanat okulu kursundan atılırlar, ancak Degas büyük ölçüde onlar sayesinde popüler olmuştur.
19. yüzyılın sonu ve 20. yüzyılın başında muffin sayısı önemli ölçüde artmaya başladı.
Şu anda, "büyük izlenimciler" Claude Monet (ünlü sanatçı Edouard Manet ile karıştırılmaması gereken) ve Auguste Renoir yaratıyor. Renoir nasıl çizileceğini biliyordu, ancak Degas gibi o da sık sık düpedüz karalamaya başladı. Monet de ilk başta gerçek bir sanatçı olmaya çalıştı, ancak başaramayacağını anladı - sonuç olarak, Joseph Turner'ın çalışmalarının en çarpıcı haleflerinden biri olarak adlandırılabilir - Monet'nin manzaraları neredeyse selefininkiler kadar korkunç.
Başlıca "başyapıtı", tipik bir çocuk karalaması olan "Güneş ışığı alan batı cephesi Rouen Katedrali" dir. Monet bu "stilde" pek çok eseri perçinledi ve hepsi hala popüler: "Nilüferler" (isim olmadan bunların sudaki zambaklar olduğunu hemen anlamazsınız ...) 36.7'ye açık artırmaya çıktı milyon dolara (2007.), Waterloo Köprüsü (aşağıdaki resim) 35.9 milyon dolara satıldı (2007),
“Nilüferli gölet…” (“Waterloo Köprüsü” ile karşılaştırıldığında buna tablo bile denilebilir) - 33 milyon dolara (1998). 2009'da Times gazetesi okuyucular arasında bir anket düzenledi ve sonuçları 20. yüzyılın en popüler sanatçılarını belirledi - Claude Monet 4. oldu!
Yüzyılın başında Post-Empresyonistler de işe koyuldu: Vincent van Gogh, Henri Toulouse-Lautrec, Edvard Munch, Paul Cezanne, Paul Gauguin, Gustav Klimt. Hangisi "daha büyük" veya başka bir deyişle zamanımızın daha moda sanatçısıydı? Cezanne'ın "ilginç" olarak tanımlanabilecek en az bir tablosu var - onu 27 yaşında yaptı. Sonra her şey çok daha kötüye gitti - aydınlanma olmadan, leke üstüne leke. Ancak, kesinlikle "en büyük" değildir. Bazı resimlerinin fiyatları on milyonlarca doları buluyor (bunların en pahalısı - "Sürahi ve Perdeli Natürmort" 60,5 milyon dolara satın alındı (!), Ancak eserlerinin koleksiyoncular arasındaki popülaritesi açıkça Gauguin'in eserlerinin popülaritesinden daha düşük ve hatta Van Gogh Ancak The Times okuyucuları Cezanne'ı 20. yüzyılın sanatçıları arasında 2. sıraya koydu!
Akıl hastası Van Gogh, hiç büyümeyen, 5-7 yaşlarında yeteneksiz bir çocuk olarak resim yaptı. Bir zamanlar bir psikiyatri kliniğinde tedavi gördü ama bu yardımcı olmadı ve 40 yaşında intihar etti. Biyografisi daha çok "büyük bir sanatçının" biyografisi gibidir. Bu, resimlerinin fiyatlarıyla kanıtlanıyor - Madame Ginoux'un korkunç bir portresi için 40,3 milyon dolar, "Ayçiçekleri" için 40,5 milyon dolar, "Hasır Şapkalı Köylü Kadın" için 47,5 milyon dolar, 53, Süsenler için 9 milyon dolar, 57 dolar Selvi Buğday Tarlası için milyon, otoportre için 71 milyon dolar ve Dr. Gachet için 82,5 milyon dolar. Bu arada, bu Gachet, intiharından kısa bir süre önce Van Gogh'a baktı - muhtemelen "sanatçı", imza portresiyle çalışmaları için doktordan intikam almaya karar verdi.
Van Gogh'un sevgilisi Gauguin, Van Gogh'un oğlundan biraz daha büyük bir çocukken resim yapmıştır. Bu, "büyük bir sanatçı" olarak onun için açık bir eksi. Ayrıca Gauguin, Van Gogh'u ziyarete geldiğinde ve sonunda kulağını kestiğinde biyografisinde harika bir bölüm olmasına rağmen Van Gogh kadar deli değildi - bu gerçekten ağır bir "büyüklük" iddiası! Ancak Gauguin'in resimlerine olan talep Van Gogh kadar büyük değil - sadece birkaç resmi 30 milyon dolardan fazla satıldı.
Neredeyse cüce olan Toulouse-Lautrec, daha az çirkin olmayan resimlerinde somutlaştırdığı çirkin Fransız fahişeler için deli oluyordu. Aşağıdaki resme "teftişteki fahişeler" koşullu adı altında bakarsanız, Toulouse-Lautrec'in yaratıcı tarzı hakkında bir fikriniz olacaktır.
Daha ziyade eskiz ustasıydı, ama asla tam teşekküllü bir resim yazma zahmetine girmedi. Gauguin ve Van Gogh ile karşılaştırıldığında, Toulouse-Lautrec tamamen popüler değil ve biyografisi çok kişisel olmasına rağmen, Norveçli Munch açıkça onlara bağlı değil: sürekli olarak korkunç bir depresyondan muzdaripti ve birkaç kez zihinsel bozukluklar için tedavi gördü. Resimlerinin birçoğu "Tarihin en pahalı 100 tablosu" listesinde yer alıyor, ama hepsi bu.
Ancak Avusturyalı Gustav Klimt gerçekten en büyük post-empresyonisttir. Van Gogh kadar popüler ve en pahalı tablosu 135 milyon dolara satın alındı! Ve 20. yüzyılın büyük sanatçısı için en şaşırtıcı olan şey - resimde insan yüzlü bir kadın gösteriliyor! Kalan tüm alan tipik bir leke tarafından işgal edildi, ancak yüzün gerçekçi olduğu ortaya çıktı. Ve Klimt'in insanların tasvir edildiği diğer resimleri de bu resme benziyor - "post-izlenimci" karalamalar arasında aynı yüzler.
İnsanlar ayrıca 20. yüzyılın en iyi sanatçıları arasında 3. olan Klimt'e saygı duyuyor - sadece Picasso ve Cezanne önde.
20. yüzyıla geçelim. Wendy Beckett'in Resim Tarihi'nde yazdığı gibi, "20. yüzyıl sanatında iki hükümdar - Henri Matisse ve Pablo Picasso." Neden tam olarak bu ikisinin olduğunu söylemek zor, çünkü bu tür yüzlerce manşon vardı ama modanın yolları anlaşılmaz. Bu arada Pablo, The Times okuyucuları arasında yapılan bir ankete göre 1. oldu.
İspanyol Pablo Picasso nasıl çizileceğini biliyordu ama istemiyordu. Da Vinci'nin seviyesinden uzaktı (inanmayan - ilk resmi "Boy with a Pipe" a bakın - fena değil, ama olağanüstü değil), ama sadece iyi resimler 20. yüzyılda zaten önemsizdi. Daubing giderek daha moda hale geldi ve Pablo dalgaların emriyle yelken açmaya karar verdi. Ve harika yaptı!
1907'de "Avignon'un Kızları" resmini yaptı - bu, Kübist türündeki ilk eser oldu. İlk başta, sanatçı bu lekeyi yabancılara göstermekten utanıyordu ki bu genel olarak anlaşılabilir bir durum: Resimden size kesinlikle korkunç beş yaratık bakıyor ve başkalarına böyle saçmalıklar göstermek, alenen söylemek gibi: Ben deliyim! Ben tam bir psikopatım! Ancak, Pablo "şaheserini" ortaya çıkarmaya cesaret etti ve tahmin etmedim Kimse onu bir hastaneye saklamadı ve Picasso tabloları bozmaya devam etti. Diyalektik materyalizmin varsayımını uygulamaya koydu: nicelik niteliğe dönüşür. Bu durumda itibar. Picasso yaklaşık 70 yıl resim yaptı ve zamanımızın en popüler mankeni haline gelmesi şaşırtıcı değil.
Dora Maar'ın Portresi (2006'da müzayedede 95,2 milyon dolara satın alındı, yukarıdaki resim), Bahçede Oturan Kadın (1999'da 49,5 milyon dolar), Rüya (1997'de 48,4 milyon dolar), "Siyah sandalyede Çıplak" (45,1 milyon) 1999'da dolar) - 20. yüzyılın "altın fonuna" girdi.
20. yüzyılda pek çok şanlı ressam vardı - Rönesans'taki büyük sanatçılardan çok daha fazlası, ki bu şaşırtıcı değil: kırmak - inşa etmemek, tuvalleri bozmak - boyamamak. Vasya Kandinsky ve Kazimir Malevich'imiz de bu alanda not edildi - olağanüstü olmalarına rağmen, dünya standartlarına göre pek de iyi değiller. Tabii ki, Rusların kendi özel maneviyatları var, ancak lekede çok fazla tezahür etmedi. 20. yüzyılın ortalarında, Amerikalı Pollack ve Hollandalı de Kooning, "soyut dışavurumcular" bunun tonunu belirlemeye başladılar.
Dünyamızdaki her şey görecelidir ve Pollack ve kardeşlerinin geçmişine karşı Monet veya Gauguin bile iyi sanatçılar gibi görünür. Sanat eleştirmenleri bu en yüksek karalama derecesini "soyut dışavurumculuk" olarak adlandırdılar ve ben bunun tamamen delilik karalaması olduğunu söyleyebilirim! En önde gelen temsilcileri, yalnızca adı geçen Willem de Kooning ve Jackson Pollack değil, aynı zamanda Rus asıllı bir Amerikalı olan Mark Rothko idi. Bu üçü, 20. yüzyılın lekesinin sadece zirvesi!
Soyut dışavurumcu, prensipte çizim yapmayan kişidir. Van Gogh en az 5 yaşında bir çocuk seviyesinde resim yapmış ama Pollak bu seviyeye bile ulaşamamıştır. Wendy Beckett'in The History of Painting'den alıntı yapacak olursak: "Pollack, fırçayı, paleti ve olay örgüsünün tüm geleneklerini ilk terk eden kişiydi. Yere yayılmış tuvallerde kendinden geçmiş bir şekilde dans etti, tamamen yaratıcılığa daldı, tamamen kontrol altında boyaları sıçrattı ve döktü. "Resmin," dedi, "kendine has bir hayatı vardır. Ona izin vermeye çalışıyorum." Burada yorumlanacak bir şey bile yok - adam çok ama çok hastaydı. Resminin fotoğrafı bunu doğruluyor.
Mark Rothko, Pollack'tan bile daha kötü bir sanatçı. Bunun böyle olamayacağını söyleyeceksiniz - sonuçta Pollak'ın resim yapamayacağını söyledim. Belki! Pollack'in resimleri en azından kaotik duvar kağıdına benziyordu, Rothko'nunkiler sadece farklı renklerle boyanmış tuvallerdi - örneğin, üst kısım siyah ve alt kısım gri. Veya daha da "olağanüstü çalışma" - altta kıpkırmızı, üstte - bir tür koyu sarı ve ortada - beyaz.
Tablo "Beyaz Merkez" olarak adlandırılıyor ve 2007'de Sotheby's'den satın alındı. 72.8 milyon dolar. - hasarlı bir tuval için neredeyse 73 milyon! Ve bu arada, dünyanın en pahalı tabloları listesinde 12. sırada! Ancak bugün dünyanın en pahalı tablosu (2010) Jackson Pollack'e ait ve "5 numara" olarak anılıyor - 2006'da Sotheby's'de 140 milyon dolara satıldı! Batı dünyası sadece çılgın sanatçılarla dolu değil, çok sayıda çılgın milyoner var. Bu arada, Batı'da sıradan insanlar da pek sağlıklı değil - Times gazetesinin yaptığı bir ankette Pollack, 20. yüzyılın en popüler sanatçıları arasında 7. sırada yer aldı.
Dedikleri gibi, "ebedi rakibi" Willem de Kooning bu ankette 9. oldu. Ona tüm manşonların en komiki derdim. Kooning'in en pahalı tablosu, Kadın No. 3 (2006'da 137.5 milyon dolara satın alındı!), her sağlıklı insanı kahkahalara boğacak. Bisikletli Kadın daha da komik.
Bence Willem'in kadınlarla bazı sorunları vardı, bu yüzden kurnazca onlardan intikam aldı.
Pollack, Kooning ve Rothko örneğinde sanat piyasasının bugün geldiği noktayı açıkça görüyoruz. Kruşçev hayatta olsaydı, şöyle derdi: sonuna kadar!
Pu'nun büyülü gücü sayesinde blik ilişkileri Bazı akli dengesi yerinde olmayan kişilerin karalamaları olağanüstü sanat eserleri olarak kabul edildi ve büyük Rönesans sanatçılarının tuvalleriyle aynı seviyeye getirildi. İlk kez, PR'ın gücü, tam olarak manşonların tanıtımında bu kadar net bir şekilde ortaya çıktı. 19. yüzyıla kadar halkla ilişkiler yalnızca siyasette etkili bir şekilde hareket etti (tarih ve din de siyasi amaçlara hizmet etti ve siyasetten ayrı düşünülemez). Vasat beceriksizlerin parlak sanatçılar olarak ilan edilmesi durumunda, bir fenomenle karşılaşırız. halkla ilişkiler moda alanında öne çıktı. Ve o kadar etkili ve kalıcıydı ki, vasat psikopatların lekelenmesinin moda olmasından yüz yılı aşkın bir süre sonra bile, Van Gogh'un büyük bir sanatçı olduğuna içtenlikle inanan birçok insanla karşılaşıyoruz. Daha da fazla milyonlar Van Gogh'un kim olduğunu biliyor. Paralarıyla ne yapacaklarını bilemeyen yüzlerce zengin aylak, müzayedelerde modaya uygun karalamalar alıyor. Diğer herkes bir multi-milyon dolarlık leke alımını duyar, sonra bir tane daha. Frank dışkı için 30 milyon dolar ödeyemezler, değil mi? - meslekten olmayan kişi böyle tartışır. - Yapabildikleri kadar bile yapabilirler ... Asıl mesele, modaya uygun olmasıdır.
Bugün müzayedede satılan bazı tablolara bakınca ağlamak istiyorum. Ağla, çünkü bu tuvaller bir çocuk lekesi gibi görünüyor ama Miami'deki bir villa gibi duruyor. Milyonlarca dolara müzayededen çıkmış en pahalı absürd başyapıtları sergileme zamanı geldi.
Ellsworth Kelly'den "Yeşil ve Beyaz" - 1,6 milyon dolar
blogspotBu sadece beyaz bir arka plan üzerinde pürüzlü yeşil bir daire değil. Bu, ana nesnenin rengin kendisi olduğu bir resim örneğidir. Bu kreasyon, 2008'de New York'taki Christie's müzayedesinde satın alındı.
Aslında, sanatçının diğer resimlerinde karmaşık desenler ve gerçekçi manzaralar bulamayacaksınız - yalnızca beyaz, siyah veya parlak bir arka plan üzerinde en basit figürler.
Mavi Aptal, Christopher Wool - 5 milyon dolar
pinterest Tablo, 2010 yılında Christie's'deki (New York) müzayededen ayrıldı. Modern Amerikalı sanatçı Christopher Wool, meslektaşlarından daha ileri gitti ve "karalama" ve "karalama" işlemlerine ek olarak, tuvallere büyük harflerle yazılar yerleştirmeye başladı.
Bu serinin en pahalı eserlerinden birinin "APTAL" (Aptal) yazılı bir tuval olması gerçeğinde önemli miktarda ironi var.
“Mekan kavramı. Bekliyor, Lucio Fontana - 12,8 milyon dolar
kaynak: forbes Beyaz yarık kanvas, 2015 yılında Sotheby's London'da satıldı. Sanatçı Lucio Fontana, tuvallerine karşı "barbarca" tavrıyla tanınır - onları acımasızca kesip deldi. Ama bunu öyle bir şekilde yaptı ki daha sonra izleyiciye "parçalanmış" resmi gösterebilecekti.
Usta için yuvaları sonsuzluğu kişileştiriyordu. “Yarıklarımdan birinin önüne oturup onu düşünmeye başladığımda, birdenbire ruhumun özgürleştiğini hissediyorum. Fontana, "Kendimi maddenin zincirlerinden kurtulmuş, şimdinin ve geleceğin sonsuz genişliğine ait biri gibi hissediyorum" dedi.
Resim "Güvercin Joan Miró'nun yıldızı 36,9 milyon dolar
karenruimy 2012 yılında İngiltere'nin başkentinde düzenlenen Sotheby's müzayedesinin en pahalı lotlarından biri. Bu, listemizde üzerine boyanmış gibi görünen ilk resim. Sadece ne?
Tuval, İspanyol sürrealist ressam Joan Miro tarafından yaratıldı. Ressam bir zamanlar açlıktan ölüyordu, bu yüzden sık sık duvarlarda halüsinasyonlar görüyordu. Yaratıcı gördüğü görüntüleri resimlere aktarmış. Şimdi resimleri milyonlarca dolara satılıyor.
Uyuyan Kız, Roy Lichtenstein - 44,8 milyon dolar
her zaman Uyuyan Kız, 2012'de New York'taki Sotheby's'de çekicin altına girdi. Bir zamanlar "Amerika'nın en kötü sanatçısı" olarak anılan Lichtenstein'ın çalışmaları için bugün inanılmaz para veriyorlar.
Roy Lichtenstein, çizgi romanlara dayalı resimler yaratmasıyla tanınır: Sanatçı basitçe başkalarının çalışmalarını alıp yeniden çizerek kendine ait bir şeyler ekler. Bunun için eleştirmenlerin saldırılarına katlanmak zorunda kaldı ama bu da onu ünlü yaptı. Lihtenştayn'ın tabloları, en pahalı tabloların listelerinde sürekli olarak yer almaktadır.
İsimsiz, Cy Twombly - 69.6 milyon dolar
gazete Tablo, 2014 yılında Christie's müzayede evinin New York müzayedesinde satıldı. Bir çocuk bunu çizdiğinde, bu bir karalamadır. Ama abartılı bir sanatçı bunu yaptığında, çılgın paralar ödemeye değer bir şaheser oluyor. Twombly'nin diğer eserlerinin hepsi aynı karalamalar ve aynı derecede uygunsuz bir şekilde pahalı.
Barnett Newman'dan "Black Fire" - 84,2 milyon dolar
Bloomberg Bu şaheser 2014 yılında New York'ta Christie's'de satıldı. İmza Barnett Newman - "yıldırım" olarak adlandırılan dikey çizgiler.
Ustanın diğer resimleri, belki renk dışında, ancak bu şimşeklerin genişliğinde, yukarıda sunulandan farklıdır. Sanatçının resimlerinin fiyatları müzayededen müzayedeye yükseliyor.
Marco Rothko'nun "Turuncu, Kırmızı, Sarı" - 86.9 milyon dolar
ABD'nin sanat çevrelerinde skandal! Soyut resmin yeni bulunan şaheserleri olarak kabul edilen düzinelerce resmin sahte olduğu ortaya çıktı. Bu nedir - uzmanların ölümcül bir hatası mı yoksa inanılmaz bir dolandırıcılık yeteneği mi?
Ya da gerçekte bu "başyapıtların" orijinallerinin, kopyalanması çok kolay olan, halka açık bir leke olduğuna dair nesnel bir onay mı?
Mohyla Akademisi'ndeki Görsel Kültür Merkezi'nin kapatılması sadece toplumda keskin bir tartışmaya yol açmadı. Ama aynı zamanda sanat eseri kisvesi altında sunulan her şeyin gerçekte ne olduğunu düşünmemi sağladı.
ABD'nin sanat çevrelerinde skandal! Soyut resmin yeni bulunan şaheserleri olarak kabul edilen düzinelerce resmin sahte olduğu ortaya çıktı. Bu nedir - uzmanların ölümcül bir hatası mı yoksa inanılmaz bir dolandırıcılık yeteneği mi? Ya da gerçekte bu "başyapıtların" orijinallerinin, kopyalanması çok kolay olan, halka açık bir leke olduğuna dair nesnel bir onay mı?
Yaklaşık 17 yıl önce, Long Island'dan (New York) az tanınan bir sanat tüccarı olan Glafira Rosales, kendisine göre ressam Mark Rothko (önde gelen bir temsilci) tarafından yapılmış bir tabloyla Knoedler & Company'nin galerisinin lüks binasına girdi. sanat yönetmenliği). .n soyut dışavurumculuk - yakl.).
New York'un en eski sanat galerisi Knoedler'in yeni başkanı Ann Friedman'a soluk şeftali zemin üzerine iki kara bulutun olduğu küçük bir tahta gösterdi.
Bayan Friedman daha sonra "Hemen, ilk bakışta bu çalışma ilgimi çekti," diye hatırladı. O kadar tutkuluydu ki sonunda işi kendisi için aldı.
Sonraki on yıl boyunca, Bayan Rosales, Jackson Pollock, Willem de Kooning ve Robert Motherwell gibi tanınmış modernist sanatçıların eserlerini taşıyan, cömertçe dekore edilmiş tavanı olan Knoedler Gallery malikanesini sık sık ziyaret etti.
Hepsi ilk önce piyasaya çıktı. Hepsinin Bayan Rosales'in adını vermeyi reddettiği bir koleksiyoncuya ait olduğunu söyledi.
Resimler hem Knoedler Galerisi hem de Ann Friedman tarafından coşkuyla karşılandı: biri 17 milyon dolara satılan en az yirmi eser yeniden satıldı.
.
Günümüzde bazı uzmanlar bu eserlere tahrif adını vermektedir. Biri mahkeme emriyle resmi olarak "sahte" olarak damgalanmış, diğerleri ise FBI tarafından soruşturuluyor. Knoedler Galerisi, sektörde 165 yıl geçirdikten sonra kapılarını kapattı ve Rosales'in resimlerinden birini satın alan bir müşterisini dava ediyor (galeri, kapatmanın davayla ilgili bir iş kararı olduğunu söylüyor). Halen tabloların gerçek olduğunu iddia eden Friedman Hanım da bu davada karşımıza çıkıyor.
Son yıllarda, silik bir sanat tüccarının soyut dışavurumculuğun devleri tarafından yaratılan şaşırtıcı miktarda belirsiz resim hazinelerini nasıl keşfedebildiğine dair bu gizemli hikaye gibi sanat piyasasını sarsan çok az olay oldu. Olası açıklamaların her biri mantıksızlık yükünü taşır.
Tablolar gerçekse, neden bazılarının üzerindeki boyalar, yapıldıkları sırada henüz icat edilmemiş pigmentler içeriyor?
Sahteyse, uzmanları yanıltmayı başaran bu doğaüstü yetenekli kalpazanlar kimler?
Ve eğer resimler gerçek ama çalıntıysa, hikaye halka açıldıktan sonra sahipleri neden ortaya çıkmadı?
Ne yazık ki, bu gizemi çözebilecek tek kişi Bayan Rosales, en azından toplum içinde konuşmayı reddediyor. Ancak, mahkeme belgelerinden ve bu davadaki diğer katılımcılarla yapılan görüşmelerden birkaç ayrıntı "sızdırıldı". Ve olanları anlatmaya yeter.
Meksika kökenli karizmatik ve eğitimli bir kadın olan 55 yaşındaki Dame Rosales ve aslen İspanyol olan kocası Jose Carlos Bergantinos Diaz, bir zamanlar Manhattan'da West 19th Street'te bulunan King Fine Arts adlı küçük bir galeri işletiyordu. Sotheby's ve Christie's müzayedelerinde hesapları olan çift, mahkeme ifadesinde Bergantinos'un arkadaş olarak tanımladığı Andy Warhol da dahil olmak üzere ünlü sanatçıların tablolarına sahip olduklarını veya sattıklarını söyledi.
Bu verilere dayanarak, Bayan Rosales'in komisyonları kendi komisyonlarında "bir parça ısıran" Knoedler Galerisi gibi aracılarla temasa geçmesi garip görünüyor. Bunun cevabının bir kısmı, Rosales ile Friedman'ın sanat dünyasındaki statüsü arasındaki mesafede yatıyor olabilir.
Uzun boylu, çok zayıf ve kendine çok güvenen Bayan Friedman, Amerika Birleşik Devletleri'ndeki en saygın galerilerden birini işletiyordu. Kahvaltıda, gözlerini kırpmadan bir tablo için birkaç milyon ortaya koyan alıcılar olan üst düzey koleksiyoncularla bir araya geldi. O ve kocası, emlak iş adamı Robert Friedman, koleksiyonerdi.
İki kadın, bir kokteyl partisinde Bayan Rosales ile yolları kesişen galeri çalışanı Jaime Andrade tarafından tanıtıldı. Ann Friedman'a göre Rosales ilk başta ona yalnızca Mexico City ve Zürih'te emlak sahibi olan ve adını gizli tutmayı üstlendiği arkadaşının çıkarlarını temsil ettiğini söyledi. Friedman, bunun kimseyi şaşırtmadığını, özel koleksiyoncuların genellikle anonim kalmayı tercih ettiğini açıkladı. Ancak zamanla sahibi hakkında daha fazla ayrıntı ortaya çıktı. Rosales, tabloyu, 1995 yılında ölen New Yorklu bir satıcı olan David Herbert'in yardımıyla tabloları toplayan babasından miras aldığını söyledi.
Herbert'in, koleksiyonun sahibi tarafından finanse edilecek olan bu eserlere dayalı yeni bir galeri oluşturmayı planladığı iddia ediliyor. Ancak iki kurucu kaçtı ve sonunda resimler koleksiyoncunun bodrumunda kaldı ve ölümüne kadar burada tutuldu.
Bayan Rosales'in yakın zamanda Brooklyn Müzesi'ndeki bir serginin parçası olan Ellsworth Kelly'den Herbert'in bir portresi var. Elinde olmayan şey, piyasaya sürdüğü iki düzineden fazla modernist tablonun mülkiyet kaydı.
Tanınmış bir sanatçının eserlerinin kaynak gösterilmeden satılması nadir görülen bir durumdur. Ann Friedman, teorik olarak, bir avukatın dediği gibi, "Bayan Rosales'in garajında" yapılmış olabilecek belgesiz tablolarla uğraşırken, gerçekten önemli olan şeye - bu tür kaliteli eserlere - odaklandığını söyledi.
Ve olağanüstüydüler," dedi Friedman. Rothko, Pollock, Barnett Newman, Clifford Stills ve diğerlerinin - satıcı Rosales tarafından sağlanan tuvaller - tablolarına ilişkin kendi izlenimlerini kontrol etmeleri için birkaç uzmanı davet etti. Pollock kitabının yazarı Claude Cernuchi, "İsimsiz, 1950" imzalı "J. Pollock. Rothko'nun kağıt üzerindeki çalışmalarından oluşan güçlü bir koleksiyona sahip olan Ulusal Sanat Galerisi, Rothko'nun iki tablosunun gerçek olduğunu söyledi.
2000'den önce Bayan Friedman, Rosales'in tekliflerinden üçünü kendisi satın almıştı: İlk görüşmelerinden Rothko, 200.000 $'a Untitled 1959, 300.000 $'a Pollock ve 20.000 $'a Motherwell. Avukatı bu vesileyle, "Ann Friedman'ın bu eserler hakkında herhangi bir şüphesi olsaydı, kendisi ve kocası bunlara yüz binlerce dolar yatırım yapmazdı" dedi.
2003 yılında yatırım bankası Goldman Sachs'ın üst düzey yöneticisi Knoedler Galerisi'nden satın aldığı (sözde) Pollock'un İsimsiz 1949 tablosunun doğruluğunu doğrulamak istediğinde bulutlar toplanmaya başladı. Cortin'i kar amacı gütmeyen bağımsız bir kuruluş olan Uluslararası Sanat Araştırmaları Vakfı'na verdi. Ve analizden sonra, isimsiz komisyon resmin gerçekliğini doğrulamayı reddetti, tarzını ve kökenini sorguladı.
Alıcı geri ödeme talep etti. Bayan Friedman ona hemen iki milyon dolar verdi ve galeri ve diğer Kanadalı tiyatro yönetmeni David Mirvish ile ortaklaşa beyaz, siyah ve kırmızı lekeli tuvali kendisi satın aldı. Kendisi de eski bir sanat tüccarı olan Bay Mirvish, isimsiz derecelendirmeleri umursamadığını söyledi (o ve Knoedler, Pollock'un Rosales tarafından sağlanan diğer iki çalışmasına da yatırım yaptılar).
Ancak tahminler başka kaynaklardan da elde edildi. 2006 yılında Mirvis, Soyut Dışavurumcuların çağdaşı olan sanatçı Frank Stella'yı galeriye getirdi. Stella, Rosales'ten gelen birkaç tuvali inceledikten sonra şöyle dedi: "Her biri gerçek olamayacak kadar iyi, ancak onları genel bir bağlamda, bir grup olarak gördüğünüzde, onların gerçek olduğunu anlıyorsunuz" - en azından böyle. Konuşma mahkemede Ann Friedman tarafından ifade edildi.
En etkileyici olanı, Rosales resimlerinin piyasada onaylanmasıdır. Bayan Friedman, Knoedler Galerisi aracılığıyla toplamda 27 milyon ila 37 milyon dolar arasında değişen toplam 15 veya 16 eser sattığını onayladı.
En pahalı tablo, Pollock'a ait olduğu iddia edilen ve 2007 yılında Pierre Lagrange adlı Londralı bir serbest fon yöneticisi tarafından bir aracı aracılığıyla satın alınan "İsimsiz 1950" idi. Galeri, Bay Mirvish ile birlikte, birkaç yıl önce 2 milyon dolara parlak gümüş zemin üzerine siyah, kırmızı ve beyaz çizgilerin karmakarışık olduğu bir tablo satın almıştı. Lagrange 17 milyon ödedi.
Bu gerçek Pollock. Ve uzmanlar, tuval üzerine sürülen bu çizgilerin, sahte tuval üzerine sürülen çizgilerden ne kadar üstün olduğunu hemen fark etmez etmez?
Lagrange ile yapılan anlaşmadan birkaç gün sonra Bayan Friedman, Robert Motherwell'in modernitenin sanatsal mirasını korumak için kurduğu, kar amacı gütmeyen Daedalus Vakfı'nın birkaç çalışanını Knoedler Galerisi'ne davet etti. Son Motherwell'ini görmelerini istedi.
Rosales'in sekiz yıl içinde Friedman'a veya başka bir New York satıcısı Julian Weisman'a sattığı yedinci resimdi. Tuvale dağılmış büyük siyah vuruşlar ve lekeler içeren tablo, Motherwell'in İspanyol Ağıtları olarak bilinen seçkin serisine ait gibi görünüyor. Vakıf personeli, bu yeni "mersiyelerden" birkaçını zaten gördü ve bunların gerçek olduğunu kabul etti.
Ancak Knoedler Galerisi ziyaretinden birkaç hafta sonra, vakfın komitesinin bir toplantısı sırasında, bazı üyeleri imzaların gerçekliğini ve yeni keşfedilen "mersiyelerin" stilini sorgulamaya başladı. Vakıf başkanı Jack Flam, Pollock ve Richard Diebenkorn'a atfedilen "Rosales'ten" diğer eserlerin şüpheyle karşılandığını kısa süre sonra öğrendiğini söyledi.
Vakıftaki herkes alarmı yükseltmeleri gerektiğine karar vermedi. Motherwell'in kişisel asistanı ve kıdemli bir vakıf çalışanı olan Joan Banach, Flam'in resimlerin orijinalliği hakkında koşulsuz iddialarda bulunduğunu ve bu nedenle vakfın resim değerlendirme prosedürlerini ihlal ettiğini söyledi. Daha sonra, Bay Flem'in eleştirisi nedeniyle kovulduğunu iddia ederek vakfa dava açtı (vakıf bunu reddediyor).
Bayan Banach, Knoedler Galerisi'nin Rosales aracılığıyla edindiği Motherwell resimlerinin gerçekliğini mahkeme belgelerinde "Olma ihtimalinden daha yüksek" olarak değerlendirdi.
Ancak vakfın başkanı Jack Flam, bu resimlerin sahte olduğunu kanıtlamaya kararlıydı. Rosales ve kocasının faaliyetlerini araştırması için özel bir dedektif tuttu ve bir dizi adli tıp incelemesi için ısrar etti.
2009 yılının serin bir Ocak akşamında, Flem ve Friedman sonuçları tartışmak için bir araya geldiler. Biri Bayan Friedman'a ait olan iki "mersiyenin" asıldığı yanlış salona oturdular. Adli tıp uzmanı, her ikisinin de 1953 ve 1955'ten on yıl sonra icat edilen pigmentler içerdiği sonucuna vardı - tarihler tuvallerde belirtilmiştir.
Ann Friedman bu bulgulara katılmadı. Sanatçılara, daha patentleri alınmadan ve pazara sunulmadan önce, denemeleri için sıklıkla yeni pigmentler verildi. Ancak Daedalus Vakfı dayandı: sanat simsarı Rosales'in daha sonra mahkeme belgelerinde "pazara yedi düzmece 'İspanyol ağıtı' getiren kilit kişi" olduğu doğrulandı.
Motherwell'in resimleriyle ilgili anlaşmazlık kısa süre sonra FBI'a ulaştı ve orada bir soruşturma açıldı. Rosales'in avukatı, müvekkilinin soruşturma altında olduğunu kabul etti ve "sahte olduklarını bilerek tabloları asla bilerek satmadığını" ekledi.
Ann Friedman, Eylül 2009'da FBI'dan bir tutuklama emri aldı, ancak avukatı FBI'ın onu bir soruşturma konusu olarak görmediğini söyledi. Ertesi ay galeriden emekli oldu. Hem Friedman hem de galeri, soruşturmanın Friedman'ın Knoedler Galerisi'ni başka bir galeriyle birleştirme konusundaki isteksizliğinden kaynaklanan görevden alınmasıyla hiçbir ilgisi olmadığını iddia ediyor.
Ancak Rosales'in resimlerindeki sorunlardan uzaklaşmak çok daha zordu. Geçen yıl, "ağlamalardan" biri, bu tabloyu satın alan ve bir skandalın ardından 650.000 doların iadesini talep eden İrlandalı bir galerinin açtığı davanın temeli oldu.
Daedalus Vakfı bu davaya karıştı çünkü adli kontrollerden sonra Rosales aracılığıyla alınan tüm "mersiyelerin" sahte olduğunu ilan eden oydu. Daha önce gayri resmi olarak gerçek olarak kabul ettiği resimler de dahil - ve bunların arasında İrlandalılara satılan tablo da vardı.
Dava Ekim ayında kapandı. Rosales, tablonun maliyetinin ve yasal ücretlerinin çoğunu ödemeyi kabul etti ve Daedalus Vakfı'nın talebi üzerine tablonun kendisi, çıkarılamayan bir "Sahte" mürekkep damgasıyla arkasına damgalandı. Daedalus bir keresinde tablonun gerçek olduğunu, başka bir sefer de sahte olduğunu ilan etti. Buna rağmen karşı taraf avukatları aracılığıyla tablonun gerçek olduğunu iddia ediyor.
Birkaç hafta sonra, anlaşmazlığın nedeni başka bir resim oldu. Pierre Lagrange karısından boşanıyordu ve Untitled 1950'yi satmak istediler. Ancak Sotheby's ve Christie's müzayedeleri, kaynağının şüpheli olması ve Pollock'un eserlerinin tam kataloğunda olmaması nedeniyle bu tabloyla ilgilenmeyi reddetti. Lagrange, Knoedler Galerisi'nin tabloyu geri almasını talep etti ve tuvalin kendi adli tıp incelemesini yapmasını emretti.
29 Kasım'da analizin sonuçları geldi: Tabloda kullanılan iki sarı pigment Pollock'un 1956'daki ölümüne kadar icat edilmemişti. Sonuç, Knoedler Galerisi'ne gönderildi. Ertesi gün kapatıldığını duyurdu.
Aralık ayında Rosales ve Friedman tekrar bir araya geldi - ancak bu sefer toplantı, Bay Lagrange'ın davası üzerine çağrıldıkları Manhattan'daki federal bölge mahkemesinde gerçekleşti. 17 milyonunu geri istedi.
Motherwell'in bu resminin arkasına artık kalıcı olarak "sahtecilik" damgası basılmıştır. Aynı zamanda, ondan önce bu markanın görünümünde ısrar eden aynı sanat fonu, resmin gerçekliğini doğruladı. Fotoğraf: The New York Times için Robert Caplin
İki kadın kısaca merhaba dedi ve ardından Rosales, ABD anayasasında bir vatandaşa kendini suçlamama hakkı veren beşinci değişikliğe döndü. Avukatlarına göre o zamandan beri iletişim kurmadılar.
Bir mahkemenin ya da adli soruşturmanın bu eserlerin gizemi hakkında ikna edici bir cevap verip veremeyeceğini şu anda söylemek mümkün değil.
Gerçekliğini doğrulamak zordur. Pigment yaşlandırması genellikle güvenilir bir yöntem olarak kabul edilir, ancak bu mutlaka belirleyici argüman değildir. Örneğin, babası Sam'in Pollock gibi sanatçılar için deneysel boyalar yarattığı Golden Artist Colors CEO'su Mark Golden, babasının şüpheli tablodaki sarıları asla yapmadığına inandığını belirtti. Bununla birlikte, bu pigmentlerin bireysel bileşenlerinin 1940'ların sonlarında var olduğunu kaydetti.
Ceza davalarında çıta daha da yüksektir. İddia makamı, Rosales'in eserlerinin sahte olduğunu kanıtlamak zorundadır - ve bu, uzmanların bile bu konuda hemfikir olmadığı zamandır. Ve eğer bunlar sahteyse, yetkililer, Bayan Rosales'in dolandırıcılığa karıştığını ve aynı şekilde yanıltılmadığını kanıtlamalıdır.
Bu arada, hukuk davasının merkez üssündeki "İsimsiz 1950" tablosu artık Bay Lagrange'ın oturma odasındaki duvarda onurlu bir yer tutmuyor. 15'e 28'lik tahta sanat dünyasında öksüz kalmış ve bir nevi sanat cehennemi içindedir. Ve onun ya bir şaheser olarak göklere çıkmasını ya da sahte olarak karalanacaklarını bekliyor.
Patricia Cohen, New York Times
Orijinalden ila Ukraynaca'ya çevirileri:METİNLER , orijinal"Dava açmaya uygun" Yazan PATRICIA COHEN Yayın tarihi: 22 Şubat 2012
Bugünlerde, benim gibi sıradan bir insana düpedüz karalama gibi görünen bir şey için on milyonlarca dolar veren pek çok garip insan var). Her halükarda, şu anda dünyanın en pahalı on tablosuyla tanışmayı öneriyorum!
Birisi onlardan hoşlanacak, biri böyle bir sanatı anlamayacak ama onlar için çok para vermeye hazır insanların olduğu tartışılmaz bir gerçek.
Yani listede 10 numara en pahalı resimler Gustav Klimt'in Adele Bloch-Bauer'in İkinci Portresi elimizde 89.1 milyon dolara satıldı. Biraz tarih. 1912'de Avusturyalı sanatçı Gustav Klimt, o zamanın zengin bir sanayicisi olan ve Gustav Klimt'in kendisi de dahil olmak üzere çeşitli sanat türlerine sponsor olan Ferdinand Bloch-Bauer'in eşi Adele Bloch-Bauer II'nin portresini yaptı. Klimt'in iki kez boyadığı tek model - aynı zamanda Adele Bloch-Bauer'in İlk Portresi'nde de yer alıyor. Görünüşe göre Ferdinand sanatçıya iyi sponsor olmuş;)
9. sıra - müzayedede 90.1 milyon dolar ödenen Vincent van Gogh'un otoportresi Genel olarak, Dane Van Gogh otoportreleri yapmayı severdi - ve hepsi, ünlü "Ayçiçekleri" ile birlikte, popülerdir ve en ünlü resimleridir. 1886'dan 1889'a kadar toplamda 12'den fazla otoportre yaptı.
8. sırada - Pablo Picasso'nun fiyatı 97 milyon dolar olan "Yavru kedi ile Dora Maar" tablosu. 1941'de yapılan tablo, Picasso'nun Hırvat metresi Dora Maar'ı omzunda bir kedi yavrusuyla bir sandalyede otururken tasvir ediyor (ancak kedi yavrusu hala sandalyenin arkasında yürüyor gibi görünüyor). Bu resmi gördüğümde, birdenbire Picasso'nun kedi yavrularının en iyisi olduğunu fark ettim))
7. sırayı yine Van Gogh'un bir tablosu alıyor, ancak bu sefer otoportre değil) Alıcı, "İrisler" tablosu için 97,5 milyon dolar ödemek zorunda kaldı, ancak en azından aşağı yukarı bir tabloya benziyor - I Bunun için 10 doları bile pişman olmaz! Bu, Van Gogh'un St.Petersburg hastanesinde kaldığı sırada yazdığı ilk eserlerinden biridir. Paul de Mousol, 1890'daki ölümünden bir yıl önce Fransa'nın Sanremo eyaletinde
6. satırda - yine Picasso) Van Gogh ile "ölçmeye" karar vermişler gibi görünüyor =) Her halükarda, Sotheby's müzayedesinde John Hay Whitney'in kişisel koleksiyonundan Pablo Picasso'nun "Boy with a pipo" tablosu için 5 Mayıs 2004'te New York'ta 70 milyon $ başlangıç fiyatıyla 104.1 milyon $ verdi. Bununla birlikte, birçok sanat tarihçisi, böylesine yüksek bir fiyatın, resminin gerçek tarihsel değerinden çok, sanatçının büyük adıyla ilişkilendirilme olasılığının daha yüksek olduğuna inanıyor.
5. sıra, tabiri caizse, listenin ekvatoru en pahalı resimler, Pierre-August Renoir tarafından “Montmartre'de Balo” tablosu ile işgal edilmiştir. Satış sırasında bu tablo, Van Gogh'un "Dr. Gachet'nin Portresi" ile birlikte şimdiye kadar satılan en pahalı tabloydu ve her ikisi de Japon sanayici Saito'ya aitti. Onunla bağlantılı ilginç bir hikaye var - gerçek şu ki, Saito'nun ölümünden sonra (ve bu 1991'de oldu), dünya çapında bir öfke dalgasına neden olan bu iki tabloyu onunla birlikte yakmak için miras bırakması. Ancak arkadaşları aksini yapmaya karar verdi ve iflas tehdidiyle karşı karşıya kalan Renoir'i Sotheby's'de 122,8 milyon dolara sattı - alıcı isimsiz kalmak istedi, ancak tablonun şu anda İsviçre'de olduğu varsayılıyor.
4. sırada - daha önce bahsedilen "Doktor Gachet'nin Portresi" ile yine Van Gogh. Aslında, bu tablonun, her ikisi de 1890'da, sanatçının yaşamının son aylarında yapılmış iki versiyonu vardır - ve her ikisinde de doktor masada oturmuş, başını sağ eline dayamıştır, ancak aralarındaki fark, çıplak gözle bile görülebilir. Bu tablo 129.7 milyon dolara satıldı.
Listemizin üçüncü basamağında yer alan “bronz” tablodan en başta bahsetmiştik - bu Gustav Klimt'in “Adele Bloch-Bauer'in İlk Portresi”. Gördüğünüz gibi bu portre daha iyi ve daha pahalı çıktı) 1907'de yapıldı ve özel kaynaklardan alınan bilgilere göre 2006'da New York galerisi Neue Galerie Ronald Lauder'ın sahibine 135 milyon dolara satıldı. tabloyu şimdiye kadarki en pahalı yaptı veya o sırada satıldı
İkinci sırada, soyut dışavurumcu Willem de Kooning'in “Kadın 3” adlı benim için tamamen anlaşılmaz bir lekesi var, ancak sanatçının kendisine ve diğer resimlerine bakarsanız, temelde bunun onun tacı olduğunu söyleyebilirsiniz. iş))) "Kadın 3", sanatçının şaşırtıcı bir şekilde ana temasının bir kadın olduğu altı resminden biridir) 170'e 121 cm'lik tuval 1953'te boyanmış ve Kasım 2006'da David Geffen tarafından satıldı. milyarder Stephen Cohen 137,5 milyon dolara, onu dünyada şimdiye kadar satılan en pahalı ikinci tablo yapıyor.
Yani listede ilk “Dünyanın en pahalı tabloları”şu anda soyut dışavurumculuk hareketine önemli katkılarda bulunan Amerikalı sanatçı Jackson Pollock tarafından yazılan “No. 5, 1948”. Tablo, 2,5 x 1,2 metrelik bir sunta levha üzerine az miktarda kahverengi ve sarı sıçrama uygulanarak boyandı, bu da resmin kocaman bir yuva gibi görünmesini sağladı. Bu Pollock başyapıtı 142,7 milyon dolarlık rekor bir fiyata satıldı.
lifeglobe.net/entry/1228
