Галерея Бельведер в Вене: фото, адрес. Какие музеи Австрии посетить: галереи Альбертина и Бельведер (Вена), музей Swarovski Выставки дворца Верхний Бельведер

Бельведер – это не только роскошный барочный дворец, но и место хранения ценнейших художественных коллекций Австрии – с главными работами Густава Климта, Эгона Шиле и Оскара Кокошки.

Принц Евгений Савойский (1663-1736), прославленный полководец и ценитель искусства, поручил Иоганну Лукасу фон Хильдебрандту сооружение своей летней резиденции, дворца и парка Бельведер, располагавшейся тогда за городской чертой.

Этот шедевр эпохи барокко состоит из двух дворцов (Верхний и Нижний Бельведер), где сегодня размещается собрание австрийского искусства от Средних веков до наших дней.

Верхний Бельведер - крупнейшая в мире коллекция работ Климта и «Поцелуй»

Основу коллекции Бельведера составляют 24 картины Густава Климта, в том числе его золотые работы «Поцелуй» и «Юдифь». Всемирной известностью пользуется, прежде всего, «Поцелуй» Климта. Картина размером 180 x 180 см была создана в 1908/09 гг. и изображает Климта и его подругу Эмилию Флёге в качестве влюбленной пары. «Поцелуй» является пожалуй самым известным произведением искусства Австрии. Кроме того, большое впечатление производят созданные Климтом портреты женщин, которыми тоже можно полюбоваться в Верхнем Бельведере.

Постоянная выставка в Верхнем Бельведере в начале 2018 года получила абсолютно новую концепцию: в семи тематических залах на трех этажах можно увидеть в общей сложности 420 произведений. Тематически экскурсия начинается с истории Бельведера. В других залах демонстрируются произведения искусства эпохи средневековья, барокко, классицизма и бидермейера. Венскому модерну и искусству периода около 1900 года, разумеется, посвящена отдельная большая зона на втором этаже, где также нашел свою новую родину «Поцелуй» Климта. И, наконец, на третьем этаже демонстрируются произведения искусства межвоенного и послевоенного периодов.

«Поцелуй» Густава Климта

- Belvedere, Wien
- WienTourismus/Paul Bauer

Потолочные фрески Карло Инносенцо Карлоне, Маркантонио Киарини и Гаэтано Фанти

- WienTourismus/Paul Bauer
- WienTourismus/Paul Bauer
- WienTourismus/Paul Bauer

Нижний Бельведер и барочный сад

В то время как Верхний Бельведер служил в целях репрезентации, Нижний Бельведер был дворцом, в котором жил принц Евгений. Феодальное великолепие благородного хозяина дворца отражается в Гротескном зале, Мраморной галерее и Золотой комнате. В Нижнем Бельведере и в Оранжерее проводятся тематические выставки. В парадных конюшнях, где когда-то стояли лучшие скакуны принца, сегодня можно полюбоваться жемчужинами средневекового искусства.

Парковый комплекс Бельведера является вершиной барочной ландшафтной архитектуры. Перед дворцом находится так называемый отражающий пруд, в котором отражается фасад дворца. Три большие террасы с фонтанами соединяют Верхний Бельведер с Нижним. Камерный сад изначально был предназначен только для хозяина дворца и его ближайших друзей. Альпийский сад в дворцовом парке является старейшим в Европе.

- WienTourismus/Gregor Hofbauer

Золотой кабинет в Нижнем Бельведере

Густав Климт. Фермерский сад с цветами (Сад пивоваренного завода города Литцлъберг на Аттерзее). Около 1906

Искусство первой половины XX века

Фердинанд Ходлер (1853–1918). Волнение. 1900

Швейцарский художник Фердинанд Ходлер - виднейший представитель символизма. Еще при жизни он приобрел славу одного из самых успешных выразителей эстетики эпохи модерн. Стиль Ходлера узнаваем: он создавал работы монументальной простоты, декоративной многозначности, в которых одну из главных ролей играет символическая природа цвета и композиции.

Обращают на себя внимание пространственные характеристики и колорит картины. Ходлер любил изображать изолированные фигуры людей как будто вне времени и пространства. Его герои не портреты, а типы, они ценны не сами по себе, а как характеристики определенных состояний или занятий. Условность пространства и особый колорит объясняются глубоким интересом художника к средневековой религиозной живописи. Запечатленный момент очень прост и не поддается интерпретации, обладая при этом удивительной притягательностью и трудноуловимой многозначностью. Важную роль в этом ощущении значительности играет монументальность изображенной фигуры.

Франц фон Матч (1861–1942) Хильда и Франци Матч 1901

Австрийский художник и скульптор Франц фон Матч - яркий представитель венского югендстиля. Югендстиль - одно из названий искусства модерна вообще, художественного направления рубежа XIX–XX веков, которое характеризуется широчайшим диапазоном признаков. Общими чертами являются пересмотр сухих академических правил живописи, интерес к самовыражению или определенной художественной концепции (историзм, ориентализм), эксперименты с композицией, самоценность символических или орнаментальных трактовок темы. Франц фон Матч попробовал себя во многих жанрах и техниках. Он был автором надгробий и фонтанов, придумывал костюмы для актрис, вместе с Густавом Климтом разрабатывал и выполнял монументальные фрески для Венского университета. Одна из достопримечательностей Вены - созданные им знаменитые часы «Анкер-Ур».

Данная картина является групповым портретом, художник изобразил своих маленьких дочерей. Особенно сильно заметно влияние символизма, приверженцы которого уделяли большое внимание цвету. Белый цвет платья и волос одной из дочерей автор делает серебряным, он светится каким-то потусторонним блеском. Свет в картине условный, фигуры и предметы освещены не естественно, с тенями, а равномерно. Кажется, что любящий отец стремится не просто запечатлеть детей, а создать для них целый мир, далекий от треволнений современности. Обращает на себя внимание использование излюбленного приема художников-новаторов рубежа XIX–XX веков: фигура слева обрезана по краю, так же как и фигурка игрушечной лошадки, что означает отказ от условных правил изображения, намерение выхватить момент из потока жизни. Однако при этом девочки смотрят прямо на зрителя, очевидно, что они позируют намеренно. Подобное соединение намеренного и случайного характерно для живописи того периода.

Клод Моне (1840–1926). Дорога в саду Моне в Живерни. 1902

Основной целью импрессионистов было рисовать природу «как она есть», а не «как она должна быть» согласно академическим канонам. Именно поэтому в их творчестве большую роль играют моментальные впечатления, взаимодействие света и цветовых волн, зыбкие состояния воздуха.

На представленной картине изображен знаменитый сад Клода Моне. С ним связан период 43-летней творческой жизни мастера - почти все пейзажи были написаны именно здесь. Густая зеленая аллея, пышные заросли кустарников и цветов заполняют холст мириадами красочных пятен, все сливается в теплое движение воздуха, он как будто оживает в сказочном сне.

Тина Блау (1845–1916). Крио в Пратере. 1902

Тина Блау - одна из самых талантливых и знаменитых австрийских художниц XIX - начала XX века. Наряду с такими мастерами, как Карл Молль, Якоб Шиндлер и Мари Эгнер, она считается представительницей импрессионизма. Блау прославили пейзажные работы, а также натюрморты и портреты венских коллег-живописцев, которые она создавала в конце своего творческого пути.

Пейзажи художницы отличаются сдержанным колоритом, они очень цельные, почти неоклассические по композиции. Блау соединяет интерес к импрессионистической трактовке окружающей воздушной среды и светотеневым моделировкам с четкой, почти геометрически строгой структурой построения ландшафтного вида. Необходимо отметить главную черту авторской манеры - характер письма художницы очень плоскостей по фактуре, он отличается от классического французского импрессионизма, мастера которого предпочитали накладывать краску очень густо, пастозно. Всю свою жизнь Блау посвятила пейзажной живописи, она разработала специальный курс обучения для студентов и долгие годы успешно занималась преподавательской деятельностью. Десять лет художница провела в творческих путешествиях по Италии, посетила многие европейские города, после создав большое количество полотен.

Целая серия картин, которая принесла Блау успех у публики, посвящена самому знаменитому городскому парку Вены - Пратеру. Художница долгое время жила около него. На этом холсте изображен вид на первый австрийский ипподром Крио. Работа, как и все произведения Блау, отличается сдержанным колоритом, великолепной техникой живописи, тонким лирическим настроением, которое создается импрессионистически точными мазками.

Рихард Герстль (1883–1908). Сестры Фей. 1905

У посетителей галереи Бельведер есть уникальная возможность познакомиться с работами австрийского художника Рихарда Герстля, творчество которого развивалось под знаком экспрессионизма. Заслуживает внимания его трагическая судьба. Однажды он познакомился с семьей великого композитора Арнольда Шенберга, и это событие изменило жизнь живописца. Он был покорен Матильдой Шенберг, женой маэстро, даже провел с ней лето 1908. Но роман продлился недолго, женщина вскоре вернулась к мужу. Ошеломленный разрывом, Герстль заперся в своей студии, сжег часть любовной переписки, возможно, также некоторые полотна и покончил собой. Ему было всего 25 лет. Родственники собрали оставшиеся 66 картин и сложили их на складе магазина старшего брата художника. Только спустя двадцать лет, в начале 1930-х, он показал полотна арт-дилеру. Тот был потрясен их экспрессивной силой и талантом неизвестного автора.

Однако судьба была неблагосклонна к Герстлю и после смерти. Через некоторое время после открытия первой выставки его произведений Австрия была насильно присоединена к гитлеровской Германии. Работы живописца оказались под запретом с ярлыком «дегенеративное искусство». Только после свержения фашистского режима картины этого незаслуженно забытого мастера стали возвращаться к публике.

Герстль был прекрасным портретистом, о чем свидетельствует данное полотно. Он создал образы сестер, которые покоряют зрителя своей незащищенностью, ранимостью, особым наивным взглядом на мир. Женщины смотрят доверчиво, с улыбкой. Художник рисует очень свободно, выбирает условный коричневый плоскостный фон. Условность усиливается намеренно детской манерой рисунка и как будто случайными мазками-бликами.

Пьер Огюст Ренуар (1841–1919) Девушка со светлыми волосами 1904–1906

«Обнаженные» представляют собой целый цикл картин Ренуара. Эта работа позднего периода творчества, в ней во всем блеске проявились основные качества живописи художника: скульптурность и крепость построения фигур, любовь к сложным сочетаниям цветов, отливающих тусклым, загадочным блеском. Портрет полон чувственности, все внимание мастера направлено на молодость, статность девушки, живописец буквально упивается телесностью модели. В свои последние десятилетия Ренуар страдал от артрита, недуг сильно затруднял работу, к концу жизни художник был обездвижен.

Карл Молль (1861–1945). Березовый лес

Карл Молль писал картины, полные символистского, мистического звучания. Отличительная черта творчества мастера в том, что он создавал таинственный мир своих полотен не с помощью знаков, аллегорий или литературных сюжетов, а особым образом отображая фрагменты природы.

Этот пейзаж написан условно (что характерно для художника). Зеленая трава с золотым отсветом, серебристо-золотое небо привлекают внимание своей необычностью. Искусство Молля было напрямую связано с творческой практикой великого Густава Климта, который еще больше углубил условную многозначность цветового решения картин. Кроме того, манера наносить краску и особое видение природы говорят о сильном влиянии на автора творчества Винсента Ван Гога (Молль любил и активно продвигал его искусство в Австрии). Обращает на себя внимание то, как живописец работает с фактурой: черной и белой краской он лепит стволы берез, делает их шероховатыми, что создает очень эффектный контраст с условностью всего пейзажа. Полотно, характерное для искусства символизма в целом, является портретом состояния природы и самого автора. Такие портретные пейзажи являлись продолжением тенденции, которая появилась еще у романтиков в первые десятилетия XIX века. К новому XX веку традиция обогатилась новыми колористическими и композиционными решениями. Художники перестали слепо следовать за природой, а компоновали природные явления в метафорически-символистском ключе.

Эдвард Мунк (1863–1944). Парк в Кёзене. 1906

Норвежец Эдвард Мунк - художник XX века, прославившийся в живописи, графике, он работал для театра, создавал теоретические работы по искусству. Стиль Мунка сформировался непосредственно под влиянием парижской школы живописи, в частности таких ее мастеров, как Поль Гоген, Анри Тулуз-Лотрек, Винсент Ван Гог. Мунк развивал широкую, свободную манеру нанесения локальных красок, которые часто, как в этой работе, смешиваются непосредственно на холсте, а не на палитре. Мастер предпочитал темы, связанные с философией символизма. Он разрабатывал художественные метафоры одиночества, угасания, смерти.

В начале 1900-х художник постоянно страдал от нервного перенапряжения, поэтому друзья пригласили его отдохнуть в тихом немецком городке Бад-Кёзен. Там он гостил у доктора Макса Линде, ценителя и знатока искусств. На картине изображен его парк, где была установлена копия знаменитой статуи «Мыслитель», выполненная самим Роденом. Мунк изобразил ее здесь справа вверху, а позже отдельно. Пейзаж отличается очень живой, свежей палитрой, автор, словно играя, свободно накладывает краски.

Бронция Коллер-Пинель (1863–1934). Уборка хлеба. 1908

Бронция Коллер-Пинель - талантливая австрийская художница первых десятилетий XX века, испытавшая воздействие всех основных веяний модерна. Ее манера эволюционировала от импрессионизма в начале творческого пути, югендстиля до экспрессионизма и «Новой вещественности» в последние годы жизни. Наиболее значимо на Коллер-Пинель повлияли мастера французского постимпрессионизма, такие как Винсент Ван Гог и Поль Гоген. Очевиден след неопримитивизма: ее работы отличаются непосредственностью взгляда на окружающий мир.

В 1902 художница попала в круг Густава Климта и мастеров Венского сецессиона. Ее дом оформляли такие звезды Сецессиона, как Йозеф Хофманн и Коломан Мозер. В нем Коллер-Пинель устраивала светские вечера, на которых присутствовали философы, музыканты, живописцы, среди них был знаменитый Эгон Шиле.

На этой картине художница воплотила одну из любимых тем постимпрессионистов, сюжет уборки урожая прославил еще Ван Гог. Он традиционно означает желание творца с помощью живописи символически прикоснуться к простой человеческой жизни. Мастера того времени искали в недрах крестьянского быта источник очищения от городской суетности. Зрителю не видны лица персонажей, только их сгорбленные фигуры. Безымянные герои сосредоточены на своей работе, они слишком незначительны на фоне уходящей за горизонт земли. Снопы выполнены почти наивно и своей монотонностью образуют своеобразный орнамент.

Коллер-Пинель - одна из немногих женщин того времени, которая смогла добиться успеха и признания на живописном поприще. Может быть, именно поэтому, несмотря на великолепное качество работ и высокий профессионализм, ее творчество часто вызывало нападки критиков. В наше время имя Коллер-Пинель прочно вошло в историю европейского искусства.

Ловис Коринт (1858–1925). Дама у аквариума с золотыми рыбками. 1911

Ловис Коринт - один из ярких представителей немецкого импрессионизма. Художник попробовал себя в разных темах: был мастером портрета, плодотворно работал над сюжетами античной мифологии. С 1891 Коринт присоединился к Берлинскому сецессиону. Наряду с другим знаменитым немецким импрессионистом Максом Либерманом живописец считался самым популярным и востребованным художником этого блистательного берлинского объединения.

1909 он провел на мекленбургском курорте. Картины этого периода отличаются особым спокойствием, теплотой домашней атмосферы. На представленном полотне изображена супруга автора. Работа выполнена в лучших традициях импрессионизма. Мастерски создано пространство: на холсте практически нет пустого, незаполненного места. Зритель оказывается в уютной, любовно обставленной квартире, где все утопает в зелени. Привлекает внимание поза женщины: кажется, что она только присела на диван. Складывается впечатление, что в этом движении, в ее сосредоточенном и спокойном взгляде в книгу отражена суть семейного уюта, которым действительно был окружен художник благодаря заботе своей жены. Известно еще несколько превосходных семейных портретов мастера.

Коломан Мозер (1868–1918). Женский портрет в профиль. Около 1912

Коломан Мозер - один из самых заметных художников Венского сецессиона, основатель объединения «Венские мастерские». Его творческие принципы, особенно в графике и дизайне, имели принципиальное значение для развития этих областей в XX веке. За свою напряженную творческую жизнь он создал книги, графические работы - от открыток до журнальных виньеток, работал с модной одеждой, создавал витражи, столовую утварь, ювелирные украшения и мебель. Художник любил рисовать простые мужские и женские фигуры, которые своей монументальностью и безыскусностью напоминают произведения другого знаменитого деятеля модерна - Фердинанда Ходлера. Мозер предпочитал голубые и розовые оттенки - типичные для символистов цвета, обозначавшие мистический мир рождения, одиночества и смерти.

Женщина, изображенная в профиль, словно выбелена светом, но его происхождение неясно. Кажется, что это не солнечный, а лунный свет или даже отсветы каких-то невидимых зрителю костров. Так чисто живописными средствами мастер создал загадочную, неоднозначную атмосферу своего лаконичного произведения. Изображение персонажа в профиль, когда взгляд модели уводит зрителя куда-то за край картины, также типично для художников последнего десятилетия XIX - начала XX века, символистов, прерафаэлитов.

Оскар Кокошка (1886–1980.) Портрет художника Карла Молля. 1913

Оскар Кокошка - один из самых знаменитых и самобытных художников Австрии, известный благодаря своей запоминающейся экспрессионистической манере живописи.

Наибольшую славу мастеру принесли портреты. Здесь представлен портрет художника Карла Молля. Впечатляет фигура изображенного и его большие руки. Крупные руки - один из традиционных приемов, который означает, что перед зрителем человек труда. Художник, по мнению Кокошки, прежде всего - труженик, а не праздный представитель богемы. Портрет написан в традиционной для автора манере: он густо кладет краску, активно преломляет пространство, кажется, что оно изгибается вместе с фигурой Молля.

Оскар Ласке (1874–1951). Корабль дураков. 1923

Австриец Оскар Ласке известен своими живописными и архитектурными работами. Большая часть наследия художника состоит из зарисовок его путешествий по Европе и Северной Африке. Ласке творил в жанре пейзажа и городской живописи, его полотна отличаются ярким, пронзительным колоритом. Мастер участвовал в боях Первой мировой войны, и этот опыт сильно повлиял на его мировоззрение, найдя отражение в большом числе картин на военные темы и сюжеты нравственного характера.

«Корабль дураков» - работа, обличающая пороки, горькая критика человеческих грехов. Это аллегорическая картина со сложным, многомерным и разветвленным сюжетом. Тема ее не нова в искусстве: известно одноименное произведение (1495–1500, Лувр, Париж) великого нидерландца Иеронима Босха. Полотно можно рассматривать очень долго и находить все новые и новые метафоры и поучительные сюжеты. Например, сцена Распятия призвана показать, что Христос зря отдал свою жизнь за грехи человечества. Справа, почти в середине, изображена большая очередь на биржу труда, свидетельствующая об экономическом кризисе, в котором находились немецкоговорящие страны в конце 1910 - начале 1920-х. Оскар Ласке, вслед за своими средневековыми предшественниками, обличает грехи сладострастия, прелюбодеяния, лжесвидетельства, алчности. Художник вводит изображения представителей богемы, праздной публики, а рядом - сцены прелюбодеяния, средневековые образы смерти в виде скелета с косой, дьявола во фраке, чревоугодников в виде пузатых чудовищ и многое другое.

Подобные полотна, наследующие и актуализирующие морализаторские тенденции средневековой культуры, были очень востребованы после Первой мировой войны. Художники пытались осмыслить цель и жертвы самой крупной и беспощадной бойни того времени.

Густав Климт

Густав Климт. Водяные змеи I. 1904–1907

Густав Климт (1862–1918). Портрет Сони Книпс. 1898

Густав Климт - один из самых популярных художников современности. Его работы отличаются высочайшим мастерством и виртуозностью исполнения.

«Портрет Сони Книпс» - образец раннего творчества живописца. Несколько слов необходимо сказать о модели. Соня Книпс, урожденная баронесса Пуатье, была женщиной с тонкой душевной организацией, состояла в браке с обеспеченным мужчиной. Делом ее жизни стала поддержка прославленных «Венских мастерских». Согласившись позировать Климту, она совершила смелый поступок - поддержала скандального художника: дело в том, что ранее Климт создал фрески для оформления Венского университета, которые заказчик признал порнографическими. В этой картине автор рифмует нежный отлив белых цветов и платья героини. Перед зрителем классический портрет, отвечающий идеалам модерна. Художник любуется чертами лица Сони, ее сосредоточенным, «месмерическим» взглядом. Обращает на себя внимание поза девушки: она как будто только присела и на секунду замерла. Особую утонченность портрету придает «налет старины»: платье похоже на средневековые наряды английских королев, цветы как будто вышли с голландских натюрмортов, а черный фон пользовался большой популярностью в европейских портретах знатных особ XV–XVIII веков. На нем еще ярче проступают бледные с отсветом черты лица и одежда Сони. Вокруг женщины возникает особая таинственная аура, как будто художник запечатлел ее душевное состояние, полное спокойного достоинства. Портрет, безусловно, должен был польстить заказчице.

Густав Климт(1862–1918). Юдифь I. 1901

Густав Климт(1862–1918). Юдифь I. 1901 (фрагмент)

«Юдифь I» - одна из самых известных картин Густава Климта. Работа выполнена в так называемый золотой период, ставший вершиной его творчества. Тип роковой женщины больше всего привлекал мастера. Моделью полотна стала Адель Блох-Бауэр - жена мецената, богатого индустриального промышленника, который спонсировал мастера. Адель позировала для нескольких известных работ Климта («Портрет Адель Блох-Бауэр I», «Юдифь II»), все они отличаются чувственностью. Эротизированный образ Юдифи был востребован еще со времен Возрождения. Здесь художник изображает Юдифь с головой Олоферна. Героиня является символом орудия победы в руках Господа. Полотно очень богато по фактуре: автор интенсивно использует позолоту, играет на сопоставлении густого черного цвета волос и полупрозрачной ткани накидки.

Густав Климт. Поцелуй. 1907–1908

Картина «Поцелуй» - одна из изюминок коллекции галереи Бельведер, шедевр, до сих пор не потерявший своей пленительной силы. Работа отмечена утонченной декоративностью, изысканной эротичностью и многомерной метафоричностью. Это произведение представляет самый известный этап в творчестве мастера, совершенно закономерно названный «золотым периодом». Позолота появилась в работах Климта после путешествия по Италии, в частности Венеции и Равенне, где он был покорен золотом византийских мозаик и убедился, что лаконизм, плоскостность и условность пространства обладают уникальной силой воздействия. Плоскостные и орнаментальные свойства монументальной живописи модерна позволили художнику гармонично интегрировать спиритуализм древнего религиозного искусства. Мастер создал незабываемый авторский стиль, сплавив воедино органицизм и пронзительную декоративность модерна, символизм цвета и настроение эпохи декаданса.

Производит впечатление совмещение условного золотого фона и покровов героев с реалистической и очень чувственной трактовкой лиц. Золотой фон с мерцающими точками, откровенно орнаментальный рисунок цветов, поляна, похожая на дорожку из самоцветов, и буквально притягивающая взгляд томная чувственность, открытость взгляда женщины сделали картину «Поцелуй» одним из самых узнаваемых в мировой истории искусств произведений. Это аллегорическое по сюжету полотно также является символистским благодаря смысловой нагруженности цвета. Работы «золотого периода» мастера повлияли на принципы искусства и общественный вкус культурной публики первых десятилетий XX века.

Густав Климт (1862–1918). Портрет Иоганны Штауде

Густав Климт знаменит серией женских портретов. Ему заказывали свои изображения самые известные, богатые и влиятельные европейцы начала XX века. На представленном полотне запечатлена Иоганна Штауде (1883-1967), данная работа - одна из последних работ мастера. Обращает на себя внимание благородная простота композиции, героиня смотрит прямо перед собой. Иоганна не раз позировала Климту (кстати, она также была моделью Эгона Шиле). Светлое лицо-маску обрамляют иссиня-черные волосы и меховое боа. Климт использует эстетскую и пронзительную по своему сочетанию гамму ярко-голубого, насыщенного красного и черного цветов. В ряде поздних работ этот портрет выделяется своей простотой, которая подчеркивает красоту женщины. Модель одета в наряд от знаменитых «Венских мастерских».

Густав Климт (1862–1918) Портрет женщины в белом. Около 1917–1918

Галерея Бельведер обладает самой крупной коллекцией работ Густава Климта. Австрийский живописец был соучредителем знаменитого Венского сецессиона и организатором выставок 1908–1909, которые познакомили художественные круги Австрии с достижениями мирового авангарда. Еще при жизни Климт добился оглушительного успеха у публики и заказчиков, иметь картину его кисти желали самые богатые и влиятельные семьи Европы. В возрасте 56 лет мастер неожиданно умер от пневмонии, оставив большое количество незаконченных произведений, «Портрет женщины в белом» - одно из них.

Стоит обратить внимание на квадратный формат полотна - Климт часто использовал его. Квадрат означает математическую гармонию, равенство горизонтали (мирского) и вертикали (божественного). Эстетская чистота равных линий фигуры, ее уравновешенность как нельзя лучше соответствовали лаконичным, изысканным интерьерам заказчиков Климта, ценителей стиля модерн. Гармония видна и в почти что орнаментальной композиции холста. Автор делит картину пополам по диагонали на черное и белое. Лицо неизвестной дамы он вписывает ровно посередине. Таким образом у зрителя появляется возможность проследить процесс создания художественного произведения. Мастер шел от симметрии и чистых геометрических линий к изящному декоративизму в финальной отделке. У женщины, как и у многих других героинь, очень светлое лицо-маска. Это и художественное преувеличение, и следование моде того времени. Хотя полотно не закончено, оно обладает притягательностью, свойственной работам Климта.

Эгон Шиле

Эгон Шиле. Мать с двумя детьми. 1915–1917

Эгон Шиле (1890–1918). Маленький Рейнер (Герберт Рейнер в возрасте около шести лет). 1910

Наряду с Оскаром Кокошкой и Густавом Климтом Эгон Шиле является одним из лидеров венского модерна. Прижизненные выставки молодого живописца проходили в крупнейших художественных центрах Европы, в таких городах, как Вена, Прага, Цюрих, Берлин и Париж. Шиле выработал узнаваемую авторскую манеру, в которой сочетались орнаментальная плоскостность модерна, нервные, экспрессивные линии контура, почти натуралистическая детализация мускулатуры тела. Все персонажи его работ похожи на скелеты и более или менее вторят физиологическим характеристикам самого мастера. В этом специалисты также видят его настойчивый интерес к внутренним, духовным силам человека, символику, восходящую еще к спиритуальному искусству Северного Возрождения. Шиле волнуют человеческие чувства, эмоциональность, они отображены в буквально отталкивающих телесных характеристиках.

Маленького Рейнера художник писал не единожды, один рисунок хранится в музее Метрополитен. Портрет из Бельведера очень остроумный и богатый по отделке. Мальчик представлен в стилизованной восточной одежде и позе. На нем дорогой, хорошей выделки шелковый халат. Доминантой полотна служит насыщенный багряный цвет. Зрителя впечатляет контраст спокойного, расслабленного, буквально медитативного, но монолитного, собранного положения героя и озорного веселья на его лице. Шиле подчеркивает крупные кисти рук ребенка. Удлиненные нервные пальцы - знак душевной тонкости человека и его принадлежности к богеме.

Эгон Шиле (1890–1918). Подсолнухи. 1911

Австрийский художник Эгон Шиле стал одним из самых значимых выразителей эпохи модерн. Выбор темы для работы «Подсолнухи» неслучаен: она написана по следам знаменитых «Подсолнухов» Винсента Ван Гога. Картина мастера была чрезвычайно популярна среди австрийских художников, потому что ее несколько раз выставляли в крупных галереях Вены. Шиле так же, как и Ван Гог, переосмысляет метафору бренности всего сущего, внося в свое произведение мотив становления и угасания. Цветы традиционно служили символом жизни и красоты, обреченных на смерть. Под влиянием Ван Гога подсолнухи писал и другой мастер, Густав Климт, близкий Шиле. Полотно обладает характером почти абстрактной композиции. Яркие пятна цветков вплетены в темные листья. Этот полунатюрморт-полупейзаж олицетворяет круг человеческой жизни.

Эгон Шиле (1890–1918) Объятия 1917

Работы Эгона Шиле в жанре пейзажа, портрета, ню проникнуты драматическим контрастом сопоставления жизни и смерти, любви и чувства одиночества, статики и динамики. Магистральной линией, основной темой, которая давала импульс творческому вдохновению художника, была тема эротики, секса, телесной любви. Искусствоведы видят в работах мастера творческое преломление идей Зигмунда Фрейда о решающем значении либидо в жизни человека. Наследие Шиле насчитывает сотни графических и живописных работ, изображающих откровенные сцены любви, эротические образы женщин, эскизы сексуальных актов.

Второе название представленной картины - «Любовная пара II, мужчина и женщина». Данная тема роднит Шиле с другим знаменитым представителем австрийского модерна Густавом Климтом, но творчество первого более физиологично, оно экспрессивно в своем натурализме. Художник изображает буквально обтянутые кожей тела, где виден каждый напряженный мускул. Обращает на себя внимание их цветовая характеристика: светлый тон кожного покрова героини и темный - мужчины. Мужчины традиционно изображались с более темным цветом тела еще со времен древнейшего искусства Египта. Значима и общая гамма картины. Шиле работает в палитре постимпрессионистов и авангардистов, такое сочетание оливкового, охристого, бежевого, темно-коричневого и белого, подведенного черным, встречается, например, у Пикассо в период 1907–1914.

Эгон Шиле (1890–1918) Четыре дерева 1917

Эгон Шиле знаменит своим узнаваемым авторским стилем, который сформировался на стыке модерна и экспрессионизма. От модерна художник взял изящество линии, тонкость орнаментальной детализации, эстетские сочетания изящных цветовых оттенков. Стиль экспрессионизма выразился в манере изображать человеческие тела, которые буквально наэлектризованы эротизмом. В творческом наследии Шиле почетное место занимают пейзажи, хотя они и не так известны широкой публике, как его эротические рисунки.

Работу «Четыре дерева» автор строит на прорисовывании слоев: каждая горизонталь отделяется от предыдущей толстым цветным контуром. Такой прием производит двойной эффект: делает пейзаж орнаментальным, а благодаря окрашенности слоев пронзительными розовыми и голубыми цветами приобретает экзистенциальный характер. Колорит картины рождает тревожное, даже грозное впечатление, ведь розовый и голубой цвета являлись для художников модерна символами жизни и смерти. Как говорил сам Шиле, движения облаков, рисунок деревьев, воды, гор напоминают ему движения человеческих тел. Мастер считал исходящие от природы импульсы родственными эмоциям, ощущениям и состояниям человека. Четыре дерева действительно выглядят как четыре человека с разными характерами, манерой поведения и внешностью.

Эгон Шиле (1890–1918). Семья. 1918

Великий австрийский художник Эгон Шиле прожил короткую, но очень яркую, наполненную творческими открытиями жизнь, познал славу в молодом возрасте. Бельведер хранит одну из самых интересных и представительных коллекций его произведений. Наряду с Густавом Климтом живописец считается самым блестящим выразителем эстетики и культуры европейского модерна.

Чтобы понять данное произведение мастера, нужно знать его биографию. В 1918, когда Шиле было всего 28 лет, в Европе началась сильнейшая эпидемия гриппа, знаменитая «испанка», унесшая жизни более 20 миллионов человек. Картину «Семья» художник начал, когда еще ничего не подозревал о скором конце: он погиб через три дня после смерти беременной жены. Заболев, живописец начал переделывать полотно. Интересно, что изображенная женщина - не его жена, а неизвестная модель, автопортретными характеристиками обладает фигура мужчины. Работа осталась незаконченной. Взгляды героев поражают пронзительностью. Они, смирившись с судьбой, смотрят куда-то вдаль. Впечатляет жест мужчины - он прикасается к сердцу, словно приносит обет верности своей семье. На холсте властвуют коричневые земельные цвета, как будто герои уже находятся в лоне земли. В этом произведении меняется стиль Шиле, он становится более реалистичным, настроение картины очень мягкое, покорное, даже просветленное. От экспрессионизма осталась лишь драматическая символика цвета.

Галерея Бельведер в Вене является одним из самых значительных музеев мира и находится в одноименном замке, который был построен как летняя резиденция принца Евгения Савойского.

Архитектор Иоганн Лукас фон Хильдебрандт по заказу принца возвел настоящий шедевр - венский Бельведер. Этот необыкновенный замок состоит из двух садовых дворцов, Нижнего и Верхнего Бельведеров построенных в 1714—1716 гг. и 1721—1722 гг. Тогда жилые дворцы за пределами городских стен ценились очень высоко, но ни один из них не мог сравниться с Бельведером принца Евгения, который, будучи верховным главнокомандующим императорскими войсками, губернатором испанских Нидерландов и принцем правящего дома герцогов Савойских, имел в Вене ранг второго императора.
Относительно скромный Нижний Бельведер служил для принца летней резиденцией, а значительно более пышный Верхний Бельведер предназначался для размещения его художественной коллекции и в качестве площадки для придворных праздников. Замковый комплекс является великолепным примером организации интерьеров барокко, в которых архитектура вписана в композицию из садов, террас, пандусов, великолепных аллей, фонтанов и водоемов.
В 1903 году в Оранжерее Нижнего Бельведера была открыта «Современная галерея». Название музея, вскоре, было заменено на «Императорскую Австрийскую Государственную Галерею», а после распада монархии в 1918 году на «Австрийскую Галерею».
В 1923 году в Нижнем Бельведере был открыт Музей эпохи барокко, а год спустя в Верхнем Бельведере появилась «Галерея XIX века».
После Второй мировой войны Музей средневекового искусства разместился в оранжерее Нижнего Бельведера. Музей эпохи барокко по-прежнему оставался в Нижнем Бельведере, а коллекции XIX и XX веков сохранили за собой место в Верхнем Бельведере.
Коллекции Бельведера охватывают эпохи от средневековья вплоть до настоящего времени, причем лишь относительно малая часть коллекций может находиться в постоянной экспозиции, так как выставочные площади, несмотря на величину дворца, ограничены.

Общий вид Бельведера. Гравюра И.А.Корвиния по рисунку Соломона Кляйнера. 1740

Принц Евгений Савойский. 1716

Входной вестибюль в Верхнем Бельведере

Парадная лестница в Верхнем Бельведере

Мраморный зал в Верхнем Бельведере

Мраморный зал в Нижнем Бельведере

Неизвестный скульптор. Мадонна с младенцем. 1360

Неизвестный скульптор. Коленопреклоненный ангел. 1380

Неизвестный мастер. Грехопадение. 1521

Бальтазар Пермозер. Триумф Принца Евгения. 1718-1721

Георг Доннер. Венера в кузнице Вулкана. 1735

Георг Доннер. Аллегория реки Еннс. 1737-1739

Георг Доннер. Аллегория реки Марч.1737-1739

Георг Доннер. Агарь в пустыне. 1738-1739

Иоганн Георг Дорфмайстер. Аполлон и Минерва. 1761

Франц Ксавье Мессершмидт. Мария Терезия. 1765

Франц Ксавье Мессершмидт. Злой как черт. 1770

Франц Ксавье Мессершмидт. Клювоголовый. 1770

Кристиан Фридрих Вильгельм Байер. Смеющийся фавн. 1770

Леопольд Кислинг. Марс, Венера и Амур. 1810

Йохан Непомук Шаллер. Борьба Беллерофонта с химерой. 1821. Мрамор

Виктор Тилгнер. Портрет геолога доктора Ами Буэ.1878

Огюст Роден. Памятник Виктору Гюго. 1909. Терракота

Константен Менье. Докер. 1888-1893. Бронза

Фернанд Кнопфф. Нимфа. 1896. Гипс

Макс Клингер. Сидящяя на корточках. 1900-1901. Мрамор

Аристид Майоль. Скованная Свобода. Деталь. 1905. Бронза

Огюст Роден. Густав Малер. 1909. Бронза

Антон Ханак. Юный сфинкс. Деталь. 1916. Мрамор

Густин Амбрози. Портрет Отто Вагнера. 1917. Бронза

Александр Архипенко. Обнаженная натура. 1920. Бронза

Фритц Вотруба. Большой сидящий. 1949. Известняк

Андреас Уртайль. Стоящая фигура с поднятыми руками (Страх). 1958. Бронза

Вано Аврамиди. Стоящая фигура. 1960

Gerbert Frodi, Verena Traeger. Meisterwerke der Österreichischen Galerie Belvedere. Wien. 2003

Прошу прощения за возможные ошибки в транслитерации имен.

Дворец Бельведер – одно из самых шикарных старинных дворцовых зданий в Вене. Построить такую красоту в XVIII веке решил принц Евгений Савойский. «Маленький Версаль» в столице Австрии был построен в 1725 году. Дворцовый комплекс состоит из Верхнего Бельведера и Нижнего Бельведера, между ними расположены сады, которые разбиты во французском стиле.

Великий полководец и эстет Евгений Савойский

Евгений Савойский попал в австрийскую столицу в девятнадцатилетнем возрасте. Родился он в аристократической семье, но популярностью среди венской знати никогда не пользовался.

Признание его заслуг будет значительно позже, после того, как он выиграет не одну битву и станет одним из богатейших людей своего времени. За победу над османским войском он будет посвящен в благородные рыцари.

В конце XVII века он служит у трех императоров из рода Габсбургов и через небольшой промежуток времени получает звание фельдмаршала, а также становится состоятельным человеком.

Тогда же он строит шикарный дворец в столице Австрии по проекту выдающегося архитектора того времени Лукаса фон Хильдебранда. В наше время в этом здании находится министерство финансов страны. Это здание чудесных архитектурных форм носит название Зимнего дворца. Летний дворец Бельведер был построен чуть позже.

Великолепие Нижнего Бельведера

В начале XVIII века Евгений Савойский приобретает земельный участок, расположенный за чертой города (в наше время там расположен четвертый район австрийской столицы) и начинает возводить там Нижний Бельведер, который, по сложившейся традиции, строится по архитектурным разработкам Лукаса фон Хильдебранда.

Все залы и помещения в замке, такие как Мраморная галерея, Парадная спальня, Мраморный зал и Зеркальный кабинет, создавались с учетом всех пожеланий Евгения Савойского. На картинах красовались моменты сражений и побед с участием принца, были изображены поверженные турки, а также стояли скульптуры античных героев из дорогого мраморного камня.

На сегодняшний день Нижний Бельведер представляет собой музей в стиле барокко. Там расположен красивейший фонтан Доннера (народное название - фонтан Провиденции) и много других прекрасных экспонатов. В этом дворце зачастую проводятся различные выставочные мероприятия.

Между Нижним и Верхним Бельведером расположен замечательный французский парк, который украшают различные фонтаны, античные статуи и сфинксы.

Художественные сокровища Верхнего Бельведера

Строительство Верхнего Бельведера было начато в 1721 году. А само слово «Бельведер» стали употреблять после кончины Евгения Савойского.

В отличие от Нижнего Бельведера, который принимал гостей и служил жильем для принца и его семьи летом, Верхний дворец был предназначен для проведения балов, богатых приемов и деловых встреч.

На сегодняшний день, в Верхнем Бельведере расположена художественная галерея и музей. Самыми ценными экспонатами дворца-музея являются: богатейшая коллекция полотен Густава Климта, картины Оскара Кокошки и Эгона Шиле, произведения импрессионистов, а также работы в стиле бидермейер.

Дворец Бельведер строился в качестве летней резиденции для принца и выдающегося полководца своего времени Евгения Савойского. Комплекс находится в одном из центральных районов Вены — Ландштрассе. Он включает три основных объекта — Верхний Бельведер, Нижний Бельведер с оранжереей и огромный дворцовый парк.

Проект был выполнен Лукасом фон Хильдебрандтом в характерном барочном стиле. После смерти владельца дворец приобрела старшая дочь императора Священной Римской империи Карла VI — Мария Терезия, но оставила его на длительный период времени в запустении. В 1770-х годах сыном королевы и императрицы Иосифом II в. Верхний дворец была перевезена огромная коллекция произведений искусства, и по его указанию составлен каталог.

Современники Лукаса фон Хильдебрандта считали, что трудами архитектора был создан «маленький Версаль». Ему удалось воплотить идею воинской триумфа принца Евгения Савойского и подчеркнуть его духовное величие.

Со времени строительства архитектурный ансамбль практически не изменился. Была переделана лишь оранжерея, примыкающая к Нижнему Бельведеру, и исчез зверинец, находившийся у Верхнего дворца. В период с 1945 по 1955-й были восстановлены залы, подвергшиеся разрушениям во время бомбежек Второй мировой войны.

Австрийская галерея

Известный на весь мир художественный музей размещен в дворцовом комплексе Бельведер. В экспозицию входят произведения разных направлений и эпох, начиная со Средневековья и заканчивая современностью.

Основная часть коллекции посвящена австрийским художникам, работавшим на рубеже XIX-XX столетий, в эпоху так называемого «конца века». В их работах прослеживается ожидание перемен и страх перед будущим, беззаботность и эфемерность бытия. Тогда Вена славилась проявлениями и поддержкой современных для тех лет направлений изобразительного искусства. Это был модерн, абстракционизм, импрессионизм, ранний функционализм и прочие новшества, пришедшие на смену склонного к излишествам барокко.

Первоначально, в 1903 году, Австрийскую галерею разместили в оранжерее Нижнего Бельведера. По настоянию передовых художников она была названа «Современной галереей». Ими был передан в дар государству ряд картин и скульптур, что в дальнейшем должно было послужить основой коллекции. Однако через шесть лет объект переименовали в «Королевскую австрийскую государственную галерею», а заодно собрание пополнили другими произведениями искусства австрийских мастеров художественного творчества. С 1918 года в ее подчинении находились оба дворца.

В постоянной экспозиции присутствуют работы Климта, Кокошка, Роллера, Шиле, Мозера и других мастеров.

Верхний Бельведер

Богато украшенный дворец был построен в 1722 году в качестве представительской резиденции. В его залах была размещена бесценная художественная коллекция, собранная принцем-меценатом, Марией Терезией и ее наследником — Иосифом II. Публичный музей распахнул свои двери в 1781 году, одним из первых в мире. Через 110 лет коллекцию переместили в Художественно-исторический музей, а в 1896 году дворец был отдан наследнику австрийского престола в качестве резиденции.

Сегодня в залах присутствуют работы австрийских художников XIX—XX вв. эпохи «конца века», а также более современных живописцев. Ядром коллекции и главной гордостью считаются работы Густава Климта — основоположника модерна в австрийской живописи. До 2000 года его произведений насчитывалось более 30, но, как оказалось, не все они были приобретены законно. Часть полотен после проверки музейного фонда пришлось передать наследникам согласно закону о реституции.

В Верхнем дворце было подписано несколько важных государственных документов, в том числе:

• Венский протокол 1941 года, свидетельствующий о присоединении к Берлинскому пакту 1940 года Королевства Югославия;
• Декларация о независимости Австрии 1955 года, установившая суверенность государства.

Во дворце расположено несколько залов, украшенных лепниной, фресками и барельефами. Внимание привлекают залы Терена, Карлоне, Мраморный. Над их оформлением работали Карло Карлоне, Маркантонио Чиарини, Гаэтано Фанти.

Нижний Бельведер

Дворец был заложен в 1714 году, а уже через два года он был готов к заселению. Здесь располагались жилые комнаты принца и залы. Во время Французской революции, случившейся в 1789-99 гг., в Нижнем Бельведере проживали представители королевской фамилии.

В 1815 году было решено переместить во дворец огромную художественную коллекцию, находившуюся в австрийском Инсбруке, в замке Амбрас. В 1903 году здесь же открыли «Современную галерею».

К центральному корпусу пристроено два удлиненных крыла. Интерьер выполнен в изысканном стиле. В оформлении принимали участие известные мастера. В удивительном по красоте Мраморном зале находятся оригинальные аллегорические статуи работы Георга Р. Доннера, снятые с фонтана «Провидение», расположенного на венской площади Нойе Маркт. Стены зала украшены лепниной и фресками Гаэтано Фанти, на потолке — роспись Альтомонте Мартино. В здании можно посетить Мраморную галерею, Золотой кабинет, Зеркальный и Гротескный зал, а также парадную спальню принца, декорированную уникальной обивкой.

Во дворце с 1923 года размещен Музей австрийского барокко, где выставлены работы австрийских живописцев XVII—XVIII вв. Рядом с дворцом расположены конюшни и оранжерея.

Парк и сады

Земля под застройку и разбивку парка была приобретена принцем Евгением Савойским в 1697 году, тогда еще за пределами города. Планировка территории началась через три года. Проект был заказан Доминику Жерару, но основные работы выполнялись Антоном Циннером, известным в то время специалистом по ландшафтному дизайну.

К 1725 году парк, раскинувшийся между двумя дворцами, предстал во всем своем очаровании. Он великолепно заполнил пространство, симметрично развернувшись вдоль главной оси дворцового ансамбля. Сегодня здесь присутствуют живые изгороди, деревья и кустарники, фонтаны и каскады, скульптуры, террасы и клумбы. Местная флора насчитывает более четырех тысяч растений. Лучшее время посещения — весна и лето.

В XVIII веке в дворцовом парке могли свободно прогуливаться представители любых сословий.

Парк разбит на три сада:

• Замковый — главный;
• Камерный — частный сад принца (рядом с оранжереей);
• Альпийский — самый старый в Европе (восточнее Верхнего дворца).

Цены на билеты

Стоимость посещения Верхнего Бельведера:

• для взрослых — 16 €;
• для студентов до 26 лет и пенсионеров — 13,50 €;

Цена билетов в Нижний Бельведер и Оранжерею:

• для взрослых — 14 €;
• для студентов до 26 лет и пенсионеров — 11 €;
• для детей до 18 лет включительно — 0 €.

В Вене работают мобильные приложения такси — Mytaxi, TaxiPlus, Taxi 31300, Taxi 40100, Uber.

Дворец Бельведер: видео