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Varianten des Namens der Ausstellung Batik und Porzellan. Batikausstellung von Tatyana Kapustina

Ende Januar wurde in Cherepovets eine Batikausstellung eines lokalen Künstlers eröffnet Kapustina Tatjana„Der Kreis“ genannt.

Sie können ihre Batikmalereien in der Panteleev-Gedenkwerkstatt sehen. Im Regionalzentrum ist eine solche Veranstaltung für den Autor die erste. Dabei malt Kapustina schon seit mehr als 20 Jahren auf Stoff.

Tatyana Igorevna wurde 1949 geboren, 1973 absolvierte sie das Moskauer Textilinstitut.

Die Ausstellung präsentiert Werke, die in der Technik der kalten und heißen Batik hergestellt wurden. Dies sind dekorative Paneele, Gemälde und andere Einrichtungsgegenstände. Eine Besonderheit der Werke ist das Vorherrschen abstrakter, assoziativer und pflanzlicher Motive. Tatyana liebt besonders verdrehte, wirbelnde Linien in Kompositionen, weshalb sie dies wahrscheinlich so genannt hat Sammlung "Kreis".

Irina Balashova, die die Ausstellung eröffnete, bemerkte, dass die kalte Batik der Künstlerin fast immer in hellen Kontrastfarben hergestellt wird, aber ihre heiße Technik liebt monochrome Kombinationen.

Viele schmeichelhafte Kritiken wurden nicht nur von Amateuren, sondern auch von Kollegen über die Gemälde hinterlassen. Hier sind die Worte des Vorsitzenden des örtlichen Künstlerverbandes:

„Es gibt Werke - rutschte einen Blick und ging weiter, und diese - sie singen! Die Zeichnung ist subtil, aufmerksam. Wenn wir diese Ausstellung spirituell betrachten, dann ist sie sehr hell, setzt den Betrachter nicht unter Druck, sondern inspiriert im Gegenteil.“

Ihre Arbeit ist ziemlich modern, weil sie die uralten Erfahrungen der Textilmeister und die neuesten Entwicklungen und Technologien sowie ihre eigene, spirituelle Sicht auf die Welt harmonisch miteinander verschränkt.

Die Arbeiten sind hell, positiv, ungewöhnlich. Tatyana Igorevna liebt es vor allem, Paneele herzustellen, weil Innenausstattung dazu beiträgt, ihre kreative Individualität lebendiger zum Ausdruck zu bringen. Es ist immer wieder interessant, was den Autor zu diesem oder jenem Bild inspiriert? Hier ist, was Kapustina selbst dazu sagt.

Aus irgendeinem Grund habe ich Batik nie als Kunst wahrgenommen, oder besser gesagt, ich habe einfach nicht darüber nachgedacht. Batik ist schöne Tücher, interessante Handarbeiten, alle Arten von Tropfen, Tropfen, Überläufen und Seide.
Und dann fanden wir uns beim Besuch des Wassermuseums ganz zufällig in einem kleinen Raum wieder, der mit Leinwänden ausgekleidet war. Unter dem Schnitt werde ich sagen und zeigen, was es war)

Es stellte sich heraus, dass es sich um eine Ausstellung von Studenten des nach Carl Faberge benannten College of Arts and Crafts handelte. Auch hier wieder eine Entdeckung: Mir kam es immer so vor, als seien Institutionen mit so großen Namen etwas Altes, das war einmal eine Lehrlingsschule, dann eine Art Schule für arbeitende Jugend, dann eine Berufsschule und jetzt eine Hochschule. Aber nein! Diese Schule wurde 2005 gegründet!

Zu meiner Überraschung waren alle Werke nicht signiert, was schade und meiner Meinung nach irgendwie falsch ist. Sie werden nun aber sehen, dass es möglich ist, die Handschrift eines Autors in mehreren Werken zu unterscheiden.

Laut der Anmerkung zur Ausstellung stammt das Wort "Batik" aus dem indonesischen Batik, wobei ba ein Stoff und tik ein Tropfen ist.

Und dann zitiere ich aus der Beschreibung der Ausstellung: "Die gesamte Ausstellung besteht aus 19 Werken der "Seidenkunst" zum Thema Wasser, aber sie sind alle sehr unterschiedlich. Junge Künstler zeichnen sich durch ihren eigenen Stil, ihre eigene Technik, Vision, jedes bild ist ein teil der seele und einstellung des autors.

Hier zweilagige Batik - die komplexeste Maltechnik mit geschmolzenem Wachs, Rollen usw. Und all dies drückt sich im Landschaftsgenre aus, das dem Autor eine unglaubliche Ausdrucksfreiheit verleiht. Die Schönheit der Wasserwelt in einer besonderen Sprache zu vermitteln – das ist die Aufgabe, der sich die „batikistischen“ Künstler gestellt haben und die sie zweifellos gemeistert haben.

Auf den Leinwänden - Flüsse, gusseiserne Zäune von Böschungen, ruhige Straßen von Städten mit Steinhäusern, Gassen, Tempeln - gefrorene Musik, durch die Künstler ihre Wahrnehmung von Wasser vermitteln.

Die Landschaften der Gemälde sind ruhig und spirituell, sanft und raffiniert, zur Reflexion veranlagt. Die Ausstellung scheint den Betrachter einzuladen, eine Reise entlang der Wasseroberfläche der Meere, großer Flüsse und kleiner Bäche zu unternehmen und sogar in die geheimnisvolle Unterwasserwelt zu blicken.

Natürlich tut es mir wahnsinnig leid, ich war noch nie Kunstkritiker, aber meiner Meinung nach waren sie mit der Beschreibung zu schlau ;) Man spürt deutlich den Versuch, die gesamte Ausstellung mit einem Thema zu vereinen, zieht sogar deutlich aus -the-way Plots dazu. Warum nennen Sie es nicht zum Beispiel einfach die Batik-Symphonie? Oder wäre es dann unmöglich, im Wassermuseum auszustellen?

Was auch immer es war, die Arbeit selbst machte Eindruck! Ich bin es wieder, es tut mir leid, ich habe auf das Telefon geklickt, und Monitore verzerren oft. Generell gilt mein Wort: Farben, Übergänge sind einfach magisch!

Mit großer Freude betrachtete ich die Bilder aus der Nähe - ich war neugierig auf "wie es gemacht wurde") Mit Bewunderung - aus der Ferne. Alle Striche verschmelzen zu einem (wenn es die Handlung erfordert) sehr realistischen Bild, das sogar voluminös wirkt.

Eine Vielzahl von Stilen überzeugt, dass der Technologie zu Unrecht die Aufmerksamkeit entzogen wird. Zumindest von mir) Begegnen Sie Batik oft - als Kunst und nicht als angewandte Kunst?

Hier verabschiede ich mich dafür) Vielen Dank, dass Sie ein wenig mehr Eindrücke mit mir geteilt haben))

p.s. Unglaublicherweise hat sogar das Wassermuseum selbst keine eigene Website, sondern nur einen miserablen Abschnitt auf der Mosvodokanal-Website. Es muss also nicht gesagt werden, dass ich keine Informationen über die Daten dieser Ausstellung gefunden habe und sie daher leider nicht für einen Besuch empfehlen kann. Aber wenn jemand wirklich will, denke ich, dass du das Museum anrufen kannst.

Veröffentlichungen im Bereich Traditionen

Rätsel der Muster russischer Gemälde

Waren Gzhel-Gerichte schon immer blau und weiß, welche traditionelle Malerei entstand nach der Oktoberrevolution und warum leuchten die bemalten Schatullen? Wir verstehen die Geheimnisse des Volkskunsthandwerks.

Goldene Schalen. Chochloma-Malerei

Der Meister begann seine Arbeit mit dem Schlagen der Eimer - er bereitete Holzblöcke (Schnallen) aus Linde, Espe oder Birke vor. Sie fertigten daraus Holzlöffel und Schöpfkellen, Tassen und Salzstreuer. Das noch nicht bemalte Geschirr wurde Leinen genannt. Das Leinen wurde mehrmals grundiert und getrocknet und dann in Gelb-, Rot- und Schwarztönen bemalt. Blumenornamente, Blumen, Beeren, Spitzenzweige waren beliebte Motive. Waldvögel auf Chochloma-Gerichten erinnerten die Bauern an den Feuervogel aus russischen Märchen, sagten sie: „Der Feuervogel flog am Haus vorbei und berührte die Schale mit seinem Flügel, und die Schale wurde golden“.

Nach dem Zeichnen des Musters wurden die Produkte zwei- oder dreimal mit Trockenöl bedeckt, Zinn- oder Aluminiumpulver wurde in die Oberfläche gerieben und in einem Ofen getrocknet. Nach dem Aushärten durch Hitze nahmen sie eine honigfarbene Farbe an und glänzten wirklich wie Gold.

Zu Beginn des 18. Jahrhunderts wurden Gerichte zur Makariev-Messe gebracht, auf der sich Verkäufer und Käufer aus ganz Russland versammelten. Chochloma-Produkte waren im ganzen Land bekannt. Seit dem 19. Jahrhundert, als Gäste aus ganz Europa und Asien zur Messe in Nischni Nowgorod kamen, tauchten in vielen Teilen der Welt bemalte Gerichte auf. Russische Kaufleute verkauften Produkte in Indien und der Türkei.

Schneebedeckter Hintergrund und blaue Muster. Gzhel

Schneebedeckter Hintergrund und blaue Muster. Gzhel. Foto: rusnardom.ru

Schneebedeckter Hintergrund und blaue Muster. Gzhel. Foto: gzhel-spb.ru

Schneebedeckter Hintergrund und blaue Muster. Gzhel. Foto: Sergej Lawrentjew / Photobank Lori

Gzhel-Ton ist seit der Zeit von Ivan Kalita bekannt - seit dem 14. Jahrhundert. Einheimische Handwerker fertigten daraus „Gefäße für den Apothekerbedarf“, Geschirr und Kinderspielzeug. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts entstanden im Gzhel volost Fabriken, in denen Porzellan hergestellt wurde. Das erste Unternehmen hier wurde 1810 vom Kaufmann Pavel Kulichkov gegründet. Zunächst war die Bemalung von Porzellangeschirr farbig, aber Mitte des 19. Jahrhunderts kam die Mode für weiß-blaue holländische Kacheln und chinesisches Porzellan in den gleichen Farbtönen nach Russland. Bald wurden blaue Muster auf schneebedecktem Hintergrund zu einem Markenzeichen der Gzhel-Malerei.

Um die Qualität des Porzellans zu überprüfen, wurde das Produkt vor dem Bemalen in fuchsinrote Anilinfarbe getaucht. Porzellan war in einer gleichmäßigen rosa Farbe bemalt, und jeder Riss war darauf zu erkennen. Mit Kobaltfarbe bemalte Meister - vor dem Brennen sieht es schwarz aus. Mit Hilfe spezieller Techniken, die nur mit Pinsel und Farbe arbeiten, schufen die Künstler mehr als 20 Blautöne.

Gzhel-Plots sind üppige Rosen (sie wurden hier "Agashki" genannt), Winterlandschaften, Szenen aus Volksmärchen. Kinder fahren Schlitten, Emelya fängt einen Hecht im Teich, die Dorfbewohner feiern Maslenitsa ... Nach dem Zeichnen des Bildes wurden die Schalen mit Glasur bedeckt und gebrannt. Rosafarbene Produkte mit schwarzen Mustern erhielten ihr traditionelles Aussehen.

Leuchtende Broschen und Schmuckkästchen. Fedoskino-Lackminiatur

„Als wir das Artel organisierten, hatten wir nur eine Sammlung von Puschkins Werken für sieben Personen … Dies erklärt weitgehend die Tatsache, dass wir die meisten unserer Miniaturen zu Puschkins Geschichten geschrieben haben.“
Alexander Kotukhin, Miniaturist

1932 trafen sich Palekh-Künstler mit Maxim Gorki, der die Palekh-Lackminiatur nannte „Eines der Wunder der Oktoberrevolution“. Auf seine Bitte hin malte Ivan Golikov Miniaturen für die Luxusausgabe von The Tale of Igor's Campaign.

Vom 23. Mai bis 29. Juni 2014 findet in der Zentralen Ausstellungshalle der Stadt Kolomna die Ausstellung „Einladung zum Reisen“ statt. Bewundern wir die auf der Ausstellung präsentierte Batik.

Lyubov Toshcheva ist Mitglied der Union der Künstler Russlands, Trägerin des Malyutin-Preises, regelmäßiger Teilnehmer an republikanischen, regionalen und zonalen Ausstellungen. Einige ihrer Werke befinden sich in Moskau, viele andere befinden sich in Galerien und Privatsammlungen in Russland, Deutschland, Tschechien, Ungarn, Frankreich und Italien. Ihre Stolen werden von berühmten Frauen getragen, darunter Hillary Clinton.

Toshcheva Lyubov "Nachtfee" Kalter Batik, Seide

Toshcheva Lyubov "Russische Schönheit" Kalter Batik, Seide

Toshcheva Lyubov "Lovers" Kalter Batik, Seide

Toshcheva Lyubov "Geheimtür" Kalter Batik, Seide

Toshcheva Lyubov "Prosperity" Kalter Batik, Seide

Toshcheva Lyubov "Peace" Kalter Batik, Seide

Toshcheva Lyubov "At the top" Kalter Batik, Seide

Toshcheva Lyubov "Infinity" Kalter Batik, Seide

Toshcheva Lyubov "Königin des Winters" Kalter Batik, Seide

Toshcheva Lyubov "Königin des Frühlings" Kalter Batik, Seide

Toshcheva Lyubov "Königin des Sommers" Kalter Batik, Seide

Toshcheva Lyubov "Königin des Herbstes" Kalter Batik, Seide

Toshcheva Lyubov "Musik der Traurigkeit" Kalter Batik, Seide

Toshcheva Lyubov "Song of Joy" Kalter Batik, Seide

Toshcheva Lyubov Kalter Batik, Seide

Marina Edmundovna Orlova

Verdiente Künstlerin der Russischen Föderation Marina Edmundovna Orlova absolvierte die Ivanovo School of Artistic and Industrial Design, Abteilung für künstlerisches Design von Stoffen. Als Textilkünstler tätig. Seit 1979 nimmt er an Kunstausstellungen teil. Mitglied der Union der Künstler Russlands (1991), Mitglied der Union der Designer Russlands (2002). Einer der bedeutendsten Meister der Batiktechnik ist sowohl in Russland als auch im Ausland bekannt und nahm an zahlreichen unionsweiten, republikanischen, regionalen und internationalen Ausstellungen teil. 2012 wurde sie für das Triptychon „Confrontation. Schatten der Vergangenheit“ in einer dem Krieg von 1812 gewidmeten Ausstellung im Museum für dekorative und angewandte Kunst in Moskau.

Verdiente Künstlerin Russlands Marina Orlova "Secrets of the Ocean" (Triptychon) Gor. Batik, Nat. Seide

Verdiente Künstlerin Russlands Marina Orlova "Alte Blätter" (Diptychon) Gor. Batik, Nat. Seide

Verdiente Künstlerin Russlands Orlova Marina Gor. Batik, Nat. Seide

Irina Nikolaevna Kazimirova ist eine der talentiertesten Batikistinnen. wurde in Iwanowo geboren. 1974 schloss sie das Chemisch-Technologische College Ivanovo mit einem Abschluss in Textildesign ab. Ihre Arbeit ist unter Künstlern und Fachleuten der dekorativen Kunst bekannt. Ihre Werke wurden nicht nur in Russland, sondern auch in Deutschland, Indien, Italien, Luxemburg ausgestellt. Sie ist Mitglied der Union der Künstler Russlands und der internationalen Vereinigung der bildenden Künste AIAP - UNESCO.

Kazamirova Irina „Gruß an die Gewinner“ Nat. Seide, Berg Batik

Kazimirova Irina „Forbs 1“ Nat. Seide, Berg Batik

Kazimirova Irina „Am Wasser 1“ Nat. Seide, Berg Batik

Kazimirova Irina „Am Wasser 2“ Nat. Seide, Berg Batik

Kazimirova Irina "Alpenschanze 1" Nat. Seide, Berg Batik

Kazimirova Irina "Alpine Hill 2" Nat. Seide, Berg Batik

Kazimirova Irina "Wasserfall" Nat. Seide, Berg Batik

Kazimirova Irina „Spiegel“ Nat. Seide, Berg Batik

Kazimirova Irina „Keepers. Vogel" Nat. Seide, Berg Batik

Kazimirova Irina „Keepers. Leo" Nat. Seide, Berg Batik

Kazimirova Irina "Rote Schwertlilien" Nat. Seide, Berg Batik

Kazimirova Irina "Vitamin" Nat. Seide, Berg Batik

Kazimirova Irina „Am Fenster“ Nat. Seide, Berg Batik

Kazimirova Irina "Abend" Nat. Seide, Berg Batik

Miloserdowa Anna
Anna trat zweimal in die Kunst ein: das erste Mal - in einer Künstlerfamilie geboren und aufgewachsen, das zweite Mal - bereits eine reife Person mit solider Erfahrung auf dem Gebiet der deutschen Philologie, in der Anna ihre Ausbildung an der Fakultät für Philologie in Moskau erhielt State University, wo sie der Traum vom Übersetzen von Gedichten trieb.
Künstlerische Ausbildung (zusätzlich zu der unschätzbaren Atmosphäre ihres Hauses) erhielt Anna an der Moskauer Staatlichen Textilakademie. Die Besonderheit von Annas kreativem Weg liegt in der Verflechtung von poetischen, forschenden und künstlerischen Bestrebungen. Liebe zur Weisheit heidnischer Kulturen, Forschung an der Schnittstelle von Sprache, Psychologie und Ethnologie, zahlreiche Übersetzungen von Lyrik, Belletristik, Populär- und Fachliteratur aus mehreren Sprachen, Gründung der Fakultät für Linguistik und Landeskunde an der International Slavic Universität in Moskau und die Leitung der Einheitlichen Fakultät für Geisteswissenschaften, das Lehren von Sprachen und altertümlicher Kultur – das ist das Spektrum der Interessen und Aktivitäten dieser Person. Annas Arbeit ist sowohl für Spezialisten, Kollegen im Geschäft als auch für ein breites Publikum gleichermaßen attraktiv. Sie wurde wiederholt mit Ehrenurkunden und Diplomen im Bereich des künstlerischen Schaffens ausgezeichnet. 2008 erhielt Anna Miloserdova das Diplom der Russischen Akademie der Künste für eine Reihe von Batik- und Maltafeln. Derzeit ist der Künstler Mitglied der AHDI des Moskauer Künstlerverbandes, des Künstlerverbandes der Russischen Föderation, der IHF und der Gesellschaft für Kultur und Kunst.

Miloserdova Anna "Juniregen" aus der Serie "Jahr auf den Flügeln der Schmetterlinge" Seide, gemischt. Baumwolle/Batik

Miloserdova Anna "Dragon" aus der Serie "Eastern Calendar" Seide, Batik, Mix. Technik

Fortsetzung.

"Seele mit Farbe verschüttet"

Tatsächlich ist es viel bequemer, auf die üblichen harten "Träger" zurückzugreifen. Sogar primitive Künstler wussten das, und ihre Kreationen sind für immer erhalten geblieben. Einige Künstler haben jedoch Schwierigkeiten - sie entscheiden sich für das Malen auf Stoff. Dabei wählt jeder je nach Temperament die Technik „nach Geschmack“. Jemand ist inspiriert vom Geruch von erhitztem Wachs und dem Geheimnis von Decken, jemand ist inspiriert von der Bequemlichkeit freier Malerei und moderner Farbstoffe.

Tatyana Shikhireva sagt: „Ich habe mich von heißem Batik mitreißen lassen und versuche, nicht abzuweichen ... Jeder, der mit dieser Technik gearbeitet hat, weiß, dass man zuerst das Hellste machen muss, dann dunkler und dunkler. Und die ganze Zeit muss man bedenken, was ich hell hatte, was dunkel war. Es ist so interessant und aufregend, dass es schwierig ist, eine solche Arbeit abzulehnen.
Andere bevorzugen es, Stoffe speziell für Kleidung zu bemalen: „Ich mag Baumwolle oder Seide zum Leben – Falten, im Wind flattern, manchmal durch das Licht sichtbar sein und vor allem, dass es manchmal jemandes Wange berührt und von jemandem gebraucht wird“ ( Veronika Pawlenko).
Einige Gobelinmeister arbeiten auch in Batik, andere bleiben bei einer Sache stehen. „Wenn es die ganze Zeit heiß ist, musst du darüber nachdenken, wie es dann ist, die ganze Zeit vor deinen Augen ist es keine Arbeit, sondern eine Kruste aus Wachs. Brandgefahr beim Tun (es ist einmal passiert!). In der Kälte - eine Art Frivolität. Und überall - Technik - 90 Prozent! Bei einem Wandteppich ist alles genau umgekehrt. Ja, es gibt viel Vorbereitung. Aber der Prozess ist ein Märchen. Es ist einfach, wie 2x2, das heißt, die ganze kreative Spannung auf der Handlung, Komposition, Plastiklösung ... Die Stifte sind sauber. Das Bild ist sofort sichtbar, naja, vielleicht ist nicht alles auf der Seite, aber das ist nichts im Vergleich zu heißer Batik“, sagt Olga Popova.
Elena Dorozhkina malt am liebsten auf Seide: „Je mehr ich Batik mache, desto weiter entferne ich mich von den klassischen Techniken (kalt, heiß). Sie schränken meine kreativen Wünsche ein und erlauben mir nicht, komplexe Ideen für die Handlungskomposition zu entwickeln. Kalte Batik ist eine Kontur - eine Grenze, mit der Sie keine subtilen, malerischen Farbtöne erzeugen können. Heiß - komplett mit Wachs, wo alles sehr dekorativ, aber einsilbig und flach ist, handelt es sich bei diesen Techniken in der Regel um das Verzieren von Stoffen für Kleidung, für die Batik erfunden wurde. Es ist nicht genug für mich. Im Prozess der langjährigen Batikarbeit habe ich meine eigene Technik entdeckt, die es mir ermöglicht, meine Plots auf Seide umzusetzen. Meine Technik ist die freie Malerei. In der Regel nach Vorskizze. Silk lässt die Farbe schön, sanft verteilen und suggeriert oft selbst neue Effekte, man muss sie nur einfangen, zeigen und betonen. Der Prozess ist komplex, subtil, aber interessant. Wir können sagen, dass wir mit dieser Technologie interagieren.“ .
Doroschkina Elena(Stadt Koroljow). Sommer. 2005. Seide. Freies Malen. 49 x 50 cm. MIT ait

Wenden wir uns diesmal wieder den Ursprüngen zu - dem Ursprung der Batik des Autors in der UdSSR. Der Gründer der lettischen Tapisserieschule, der Künstler Rudolf Heimrat (1926–1992), begann seine Karriere in den 1950er Jahren mit Batik und Keramik. In den frühen 1960er Jahren begann Juozas Balchikonis (1924–2010), der Gründer der litauischen Schule für künstlerische Textilien, mit seinen Experimenten in der heißen Batiktechnik. Dies waren Leinenvorhänge und Wandpaneele, die auf litauischen Volksliedern und Legenden basierten. Seine Erfahrung ist immer noch interessant, insbesondere weil er der einzige Künstler (in der UdSSR und im heutigen Russland) zu sein scheint, der Pflanzenfarben in Batik verwendet hat. Grün- und Brauntöne erhielt der Künstler beispielsweise aus Baumrinde, Moos und Rost. Auch sein Sohn Kestutis schuf originelle, poetische Werke.
Balchikonis Kestutis(Litauen). Urlaub am Neman. 1978. Baumwolle. Heiße Batik. 230 x 304 cm Nationalmuseum Litauens.
Raffinierte Figuren sitzen auf Rudern, rechts tanzen drei "Grace"s, in der Mitte der Komposition stehen ein Baum und Schwäne.

Monumentale Batiken, nahe der Freskenmalerei, machten auf Ausstellungen einen starken Eindruck. Es wurde deutlich, dass Batik durchaus würdig ist, einen Platz im öffentlichen Innenraum einzunehmen.
Die Ausstellung von Juozas Balchikonis in Moskau Anfang der 1970er Jahre beeindruckte Irina Trofimova so sehr, dass sie ihr gesamtes künstlerisches Leben dieser Kunstform widmete. Die Künstlerin studierte die Batiktechnik in Delhi. Sie besuchte viele asiatische Republiken und Länder Südostasiens. Für ein halbes Jahrhundert Arbeit (seit 1962) in der Batik der Autorin hat sie nie die heiße Batik, ihren eigenen Stil und die monumentale Größe der Leinwände (normalerweise sind sie 265x100 cm groß) verraten. Irina Trofimova glaubt, dass die traditionelle alte Technik die Möglichkeiten des Autors nicht einschränkt, sondern zur Kreativität beiträgt. Verdiente Künstlerin Russlands, sie arbeitete mehr als 30 Jahre in der Vereinigung "Frühling". Sie hat über 1.000 preisgekrönte Themen- und Souvenirdesigns für Kopftücher entworfen. Mehr als 100 monumentale Tafeln, von denen viele in den Museen des Landes und im Ausland aufbewahrt werden. Und jedes Jahr gibt es neue Reihen, die sich verschiedenen Themen widmen. Auf den Leinwänden befinden sich meist große Figuren in Kostümen, die genau der Epoche entsprechen, Objekte, die das gewählte Thema symbolisieren. Die Figuren beten, lesen, tanzen, reden, schauen uns von dort aus zu, aus ihrer erstarrten Ewigkeit.
Trofimova Irina(Moskau). Ägypten. China. Mittelalter. Triptychon. 2010. Baumwolle. Heiße Batik. 265 x 100 cm.

Im November 2011 wurde Irina Trofimova zur Inspiratorin und Organisatorin der einzigartigen Ausstellung „Textile Fresco“ in der Galerie Belyaevo in Moskau. Hier wurden nur großformatige Werke (ab 2 Meter) von Künstlern aus verschiedenen russischen Städten präsentiert. Cm.
Wenn wir ein großformatiges Werk vor uns haben, erwartet man davon tiefen Inhalt. Diese ungewöhnliche Ausstellung sollte an diese nicht utilitaristische, sondern hohe spirituelle Hypostase der Batik erinnern.
Die Ursprünge der heutigen monumentalen Batik reichen bis in die Antike zurück. Die komplexen Motivkompositionen der Fresken der Höhlentempel Indiens wechselten später zu Stoffen, die mit anderen Maltechniken hergestellt wurden. Dies waren heilige Zeichnungen auf den Vorhängen von Wänden, Nischen und Türen von Tempeln, rituellen Streitwagen. Stoffe, die seit dem Mittelalter erhalten sind, haben mythische und epische Handlungen, manchmal Szenen des höfischen Lebens. Es sind Tempelvorhänge bekannt, die eine Größe von 3x6 (8) Metern erreichen. Das Zeichnen darauf wurde mit einem dicken Farbstift aufgetragen. Wachsbatik wurde in Südindien entwickelt.
Aber zurück zu unserem Land. Nach Irina Trofimova begannen andere, sich mit Batik zu beschäftigen. So kam aus Europa auf Umwegen durch die baltischen Künstler die Reservetechnik zum Erstellen eines Musters auf Stoff wieder nach Russland.
Für einen in der Textilindustrie tätigen Künstler (Gestaltung von Stoffen, Kopftüchern, Gardinen) ist die Batik des Autors seit den 70er Jahren ein Ventil für die freie Kreativität.
In der Zeit der Perestroika war Batik eine gute Hilfe für die Künstler, die nicht beansprucht wurden. Viele Gobelinmeister wechselten zur Malerei. Seit Ende der 1990er Jahre entscheiden sich immer mehr Studenten für ihre Abschlussarbeit für Batik, immer weniger für arbeitsintensive Wandteppiche. In den letzten Jahren ist die dekorative Kunst nach der „Zeit der Wirren“ wieder auferstanden, großangelegte Biennalen, Triennalen (wenn auch mit Vorbehalten nach dem Geschmack der Veranstalter) bieten die Möglichkeit, Künstler aus allen Regionen gleichzeitig zu sehen. Solche Ausstellungen zum Thema Batik hat es noch nie gegeben, aber das Internet zerstört nach und nach Grenzen und Distanzen, macht vieles zu sehen, auch wenn die Eindrücke eines „live“-Werkes und eines virtuellen sehr unterschiedlich sein können.
Bulytschew Juri. Zeit. Mechanik. Album.

Es gibt Künstler, die ihr Leben lang erfolgreich in der gewählten Technik und in einem Stil gearbeitet haben. Es gibt vielfältige Autoren, es ist unmöglich, sich von einem Werk einen Eindruck über ihre Arbeit zu machen, daher gebe ich, wenn möglich, die Adressen ihrer Standorte an. Einige von ihnen kennen wir seit vielen Jahren, andere beginnen gerade erst, sich interessant mit verschiedenen Textilmaltechniken zu beschäftigen. Um jetzt nicht modische "Ratings" aufzubauen, stelle ich die Künstler dann in zufälliger Reihenfolge vor.

In den Arbeiten von Elena Kosulnikova stört das langgestreckte Format aus schmalem Stoff (250 (300) x 90 cm) nicht den Blick auf die Weite der russischen Freiräume „hinter den Kulissen“. Einheimische und immer ein wenig traurige Landschaft, die sich im Laufe der Jahrhunderte und der Perestroika kaum verändert hat. In der jüngsten Arbeit aus dieser Serie - "Russischer Norden" - erschien mehr Farbe, als ob die Sonne herauskam, den Schnee schmolz, die düstere Monochromie durchbrach und uns mit dem nahenden Frühling erfreute.
Kosulnikowa Elena(Moskau). Russischer Norden. 2011. Heiße Batik.

Die neusten Werke des Autors spiegeln die Eindrücke wieder

Die Werke der Verdienten Künstlerin Russlands Tatyana Shikhireva sind ein „Ein-Künstler-Theater“, das in allen Farben des Regenbogens funkelt. Ihre Arbeiten in der Technik der heißen Batik auf Seide sind sofort erkennbar. Dies sind Geschichten über die ernsthaften Leidenschaften der schönen Dame, Columbine, Pierrot, Harlekin. Jede Komposition wird zu einer exquisiten Geschichte aus der Geschichte verschiedener Länder und Epochen. „Ich möchte das Drama zeigen, die Tragödie, die sich in diesem Bild entwickelt. Ich gehe immer von irgendeiner Intrige aus. Ich zeichne sehr gerne Details, zum Beispiel einen Hals mit Rüschen, eine Hochzeit mit Blumen. Interessanter Hinweis auf eine andere Epoche. Ich wühle viel in Büchern über Geschichte, Mode aus verschiedenen Epochen, finde ein Bild für mich und mache mir mein eigenes Bild“, sagt die Künstlerin. Oft werden mehrere Szenen gleichzeitig auf mehreren Leinwänden unterschiedlicher Form gespielt, die keine Serie, sondern eine einzige Komposition bilden. Die Handlung setzt sich zeitweise auf dem Rahmen fort, wo Sie auch den Autor treffen können, der sich um seine Charaktere kümmert. Und wer versteckt sich hinter der Säule? Ist es nicht er selbst ...?
Shikhireva Tatjana(Moskau). Verkündigung. Die linke Seite der Komposition. 2000. Heiße Batik Album.

In einer Reihe von Batiken von Ivan Kharchenko scheint der atemberaubende Unterschied in der Größe eines Mannes, seinem kaum sichtbaren Kopf und dem kolossalen, aber anmutigen Kadaver eines Stiers, der nicht auf die Leinwand passte, unerträglich. Als ob wir es aufgrund eines sehr nahen Tiefpunkts in einer stark komprimierten Perspektive betrachten würden. Und trotzdem gewinnt ein kleiner Mann in russischer Tracht diesen Stierkampf. Überwindet das „Tier an sich“.
Kharchenko Ivan(Sergijew Possad). Zähmung der Spitzmaus. OK. 2010. Baumwolle. heiße Batik

Und eine so gewagte Handlung wie die von Tatyana Chagorova ("Viele Mädchen - ich bin allein") scheint noch nicht in Batik gewesen zu sein. Auch die Form ist ungewöhnlich - es handelt sich um eine einzige Komposition, die aus fünf großen Leinwänden besteht.
Chagorova Tatjana(Penza). "Viele Mädchen - ich bin allein." Polyptychon. 2010. Baumwolle. Heiße Batik. 180 x 80 cm. jeder Teil

Schnee ist ein fruchtbares Thema für Künstler, die mit Stoff arbeiten, da Batik normalerweise mit einer weißen Leinwand beginnt. Es bleibt nur, Farbflecken auf die verbleibenden Stellen aufzutragen ... Olga Gamayunovas Triptychen ähneln Perlmutteinlagen und verführen mit einem geheimnisvollen Glanz und sanften Tonspiel: „Die Welt meiner Werke ist ein idealisiertes Mittelalter: Burgen und kleine Dörfer inmitten der endlosen Weiten von Feldern und Wäldern, Bergen und Flüssen. Dort wechseln die Jahreszeiten und das Leben geht seinen gewohnten Gang. Natürlich gibt es den Einfluss von Walter Scott und Tolkien, aber all das ist bereits Teil meiner inneren Welt, die ich in meinen Arbeiten zu erzählen versuche. Die drei Teile sind formal nicht miteinander verbunden, sondern eine einzige Komposition.
Gamayunova Olga(Moskau). Winter. Der zentrale Teil des Triptychons. 2006. Seide. Kalte Batik

Marina Lukashevich (1968–2000) widerlegte schon vor vielen Jahren das Vorurteil, dass sich nicht alle Sujets für Batik eignen – sie erfand einst einen Titel für ihre Ausstellungen: „Is there life on silk?“. Und auf ihrer Seide war tatsächlich ein wirkliches Leben und ein fabelhaftes. In ihren Arbeiten in der Technik der Kaltbatik sind absolute Lockerheit, Leichtigkeit, freies Zeichnen, grenzenlose Fantasie, Humor, leuchtende Dekorativität und originelle Handschrift sichtbar.
Wie in einem Rennen haben die Bilder es eilig, wahr zu werden, dem Nichtsein zu entfliehen: „Meine Seele, die Farbe verschüttet, kann so frei und so genau auf Seidenmaterial gedruckt werden.“ Sie erfand die Technik der zweischichtigen Batik, bei der sich zwei fast transparente Kompositionen auf dünner Seide parallel befinden: „Lassen Sie einfach zwei flache transparente Bilder für eine Weile auf einem Keilrahmen - sie verschmelzen sofort zu ... bereits einem dritten „volumetrisches“ Bild.“ Das Ergebnis ist die Illusion lebendiger, bewegter Bilder, insbesondere wenn sich der Betrachter selbst bewegt.
Lukaschewitsch Marina(Moskau). Engel. Seide.

Lukaschewitsch Marina. Mensch und Katze. Seide. doppelte Batik

(Foto von privater Seite)

Talent ist oft vielfältig: Als Schauspielerin des Kabaretttheaters „Die Fledermaus“ schrieb sie Märchen und Essays zu philosophischen Themen und beschäftigte sich mit Animation. Die Werke der früh verstorbenen Marina Lukaschewitsch sind unter zu besichtigen ihre Webseite.

Ungewöhnlich dekorative Werke von Anna Miloserdova können lange betrachtet werden und finden nach und nach immer bedeutendere Details. Anscheinend schrieb William Blake über solche Künstler (übersetzt von S. Ya. Marshak):
„In einem Augenblick die Ewigkeit sehen,
Die weite Welt ist in einem Sandkorn,
In einer einzigen Handvoll - Unendlichkeit
Und der Himmel ist in einem Kelch einer Blume.
Aus einem Kaleidoskop kleinster Details und Symbole entstehen betörende, grafisch akkurate, prägnante Bilder, hinter denen sich große kulturelle Schichten abzeichnen. Echte Vögel, Tiger, Schlangen, Schafe verwandeln sich in märchenhaft schöne Kreaturen. Die Arbeiten ziehen unerwartete Blickwinkel, Übertreibungen, eine enge und freundliche Sicht auf die Welt an. Vögel sind besonders gut: ein arroganter Truthahn, der schläfrige, warme Trost von Daunen und Federn, die Freude eines Spatzen, der in einer Frühlingspfütze planscht. Muster auf fröhlichen bunten Elefanten entpuppen sich als dimensionslose Damenröcke ...
Eine witzige Technik, um einzelne Tafeln zu einem einzigen Werk zu verbinden, indem einige Details, z. B. Elefantenstoßzähne, zusammengefügt werden.
Miloserdowa Anna(Moskau). Der Lauf der Dinge. Triptychon. 2007. Seide. Kaltbatik, Malerei. 70x210 cm Moskau, Darwin Museum Album

Es ist interessant zu beobachten, wie traditionelle Symbole in den Werken zeitgenössischer Künstler nicht als formales Zitat, als eine Reihe bekannter Zeichen, sondern organisch zum Leben erweckt werden. Wenn ein Symbol eine neue Form annimmt, ist es wie neugeboren und bricht mit dem heutigen Lebensverständnis des Autors. In der Arbeit von O. Lozhkina. "Lied der Ahnen" - primitive Zeichnungen von Elchen und Jägern, die von den Felsen auf einen dünnen Stoff verschoben wurden, damit sie in fernen Ländern gesehen werden konnten. Zeichnungen und Symbole vermehren sich und vervielfachen sich und verwandeln die felsigen Ufer auf dem Stoff in eine Mischung aus antiken Zeichen aus verschiedenen Epochen. Buchstaben kommen an die Erdoberfläche, drängen sich, als würden sie sagen: „Hier sind wir! Wir leben, wir sind bei dir, vergiss uns nicht, denn wir sind die Stimmen deiner Vorfahren, das allererste Buch der Menschheit! Die untere Insel erhebt sich, erwacht zum Leben und wächst in den Himmel, einer der mythischen himmlischen Elche - die Herrin der Welt, und die zweite ist bereits davon getrennt ...
Loschkina O.(Ischewsk). Lied der Vorfahren. Kalte Batik. 145 x 60 cm.

Ernste (nicht maßgefertigte), manchmal philosophische Themen in Batik sind eine Seltenheit, und gelöste sind auch interessant dekorativ - doppelt so. Svetlana Shikhova fügte dem Gemälde eine traditionelle usbekische Stepptechnik hinzu. Der Stich verläuft entlang der Linien der Reserve und trennt dann die Farbflecken.
Shikhova Svetlana(Usbekistan, Fergana). Melonenverkäufer. 2010. Seide. 70 x 60 cm.

Sobald der Künstler auch nur eine einfache Technik zugrunde legt, zum Beispiel eine völlig freie Malerei, wie in den Werken von Alexander Talaev, wird die Leinwand zur monumentalen Kunst.
Talaev Alexander. Heilig Abend. 2009. Seide. frei malen

Die Handlungen von Maria Kaminskaya sind unendlich vielfältig. Dies sind Feld- und Gartenblumen, Meereslebewesen und Insekten, reale und fiktive Charaktere, umgeben von realistischen Alltagsdetails, Landschaften, elegante Dekorationskompositionen, manchmal geheimnisvoll, manchmal poetisch, manchmal hell, manchmal düster. In dieser Künstlerwelt haben sogar Fische ihr eigenes Gesicht und ihren eigenen Charakter. Der Innenraum ist immer mit einem Fenster versehen, hinter dem die Stadt entweder real oder erfunden ist. Mehrfarbige oder subtil einfarbige Paneele, lakonisch oder mit Details, die endlos betrachtet werden können. Was auch immer im Werk dargestellt wird, es ist immer dekorativ, malerisch und realistisch zugleich. Album.
Kaminskaja Maria(Moskau). Ulja. Aus der Silk Road-Reihe. 2011. Seide. Malen. 70 x 70 cm.

Kaminskaja Maria. Libellen. Aus der Silk Road-Reihe. 2009. Seide. Kalte Batik. 33 x 80 cm.

Das eigene Thema in der Kunst, den eigenen Stil zu finden, damit man erkannt wird, ohne auf die Signatur zu schauen, ist eine ernsthafte Aufgabe für den Künstler. Die helle Handschrift des Autors schafft das Hauptwunder der Kunst.
Wie viel Geduld, Zeit und Einfallsreichtum braucht ein Künstler manchmal, um seine Pläne zu verwirklichen! Manchmal führen Experimente zu ganz ungewöhnlichen Techniken, wie in den Arbeiten von Sergei Pushkarev (1954–2006). Er verwendete Siebdruck von Skizzen auf Wachspapier mit Wasserfarben. Der Künstler entwickelte eine eigene Maltechnik mit Farbstoffen auf in Falten gelegten Stoffen. In einer flachen Form wurde das Bild mit einer Spritzpistole hinzugefügt. Album.
Sergei Puschkarew(Sergijew Possad). Wintersonne. 1985. Seide. Technik des Autors. 90 x 160 cm

Sergej Puschkarew. Alte Musik. Teil eines Triptychons. 1980. Seide. Technik des Autors. 90 x 110 cm, Moskau, Museum für Moderne Kunst

Eine ungewöhnliche Technik trug dazu bei, in der Arbeit zu vermitteln, was so schwer auszudrücken ist: Eindrücke, Emotionen, philosophische Suche nach dem Sinn des Lebens:
„... wir fliegen unendlich in uns und über uns,
Es ist traurig am Firmament der Erde.
(Aus den Gedichten des Künstlers).

Beim Kombinieren verschiedener Kunstarten entsteht oft etwas Interessantes.
Viktoria Krawtschenko(1941–2009) ergänzte die Batik um die Radierung. Mehr Arbeit.

Die parallel mit Batik arbeitende Buchgrafikerin Elena Uzdenikova kombinierte organisch Malerei auf Seide mit Buchillustrationen zu persischen Märchen. Bei der Veröffentlichung werden die Illustrationen (im Gegensatz zu alten Schriftrollen) auf die übliche Druckweise hergestellt, aber die Miniaturen behalten den ungewöhnlichen Effekt des Zeichnens auf dem Stoff bei. Album.
Uzdenikowa Elena. Illustration zum persischen Märchen „Der goldene Karpfen“. 2002. Seide. Kaltbatik, Malerei. 15 x 25 cm.

Über die Seele, Acryl und Museumstextilien

Alle lebendigen Gefühle und Gedanken, die den Künstler anregen, so seltsam es jemandem erscheinen mag, wenn er über dekorative Kunst spricht, können in einem Gemälde auf Stoff transportiert werden. Und wenn der Autor sie wirklich hat, ist es einfach, eine entsprechende nicht standardmäßige, natürliche Kompositionslösung zu finden. Dann bedarf es keiner formalen Unterteilung der Fläche durch Quadrate, Streifen und andere geometrische Formen, diese "Gerüste", die keine semantische Last tragen.
Einmal war ich in Stroganovka bei einer Diskussion mit einem Lehrer über eine Skizze des Abschlussprojekts eines Schülers anwesend. Ihr Wandteppich war dem Bild von Georg dem Sieger in einer vollständig kanonischen Version gewidmet. Die Skizze wurde kompetent in drei Teile und sogar in verschiedene Teile im Inneren unterteilt ... Ich dachte: "Was ist Hekabe für sie?". Es schien nicht, dass das junge Mädchen von dieser Handlung so begeistert war, dass sie viele Monate ihres kreativen Lebens damit verbringen könnte ...
„Verschütten Sie Ihre Seele mit Farbe“, und Sie teilen willentlich oder unwissentlich Ihren Schmerz und Ihre Freude mit dem Betrachter. Dann wird es eine Antwort in seiner Seele geben.
Für den Betrachter spielt es, wenn er die Maltechniken nicht versteht, keine Rolle, in welcher Technik das Werk gemacht ist. Er nimmt das Bild als Ganzes wahr.
Blumen, die mit Blütenblättern zu flattern scheinen, oder eine Welle, die auf einen begeisterten Betrachter niederprasseln will, verblüffen mit trügerischer Authentizität und technischem Können. Fachliche Fähigkeiten sind unbestreitbar erforderlich. Aber ist die Technik das Wichtigste in einem Kunstwerk und die fotografische Genauigkeit das Ziel des Künstlers? Erinnern Sie sich an Anatoly Zverev, der mit allem genial und prägnant ein Porträt auf eine Serviette zeichnen konnte.
Das Arbeiten mit heißem Wachs ist faszinierend, es ist wie uralte Magie. Wenn ein Künstler in der "reinen" Technik der heißen Batik arbeitet, ist dies von besonderem Interesse, was jedoch nicht bedeutet, dass die kalte Batik und andere Autoren-Mischtechniken "schlechter" sind. Sie sind nur verschiedene Arten, Stoffe zu dekorieren. Die Techniken, ein Muster direkt mit einem Farbstoff auf einem Stoff zu erzeugen, sind höchstwahrscheinlich noch älter als die Methoden der Reservierung. Das Bemalen von Seide mit Mineralfarben ist für China traditionell. Japanische Künstler haben lange verwendet, um zum Beispiel einen Kimono zu schaffen, der gleichzeitig Reserve, Schablone, exquisite Malerei, Stickerei, Vergoldung ist.
Kimono. Fragment. Japan

In unserer Zeit, in der nicht nur einzelne Kunstarten vermischt werden, sondern sogar Kunst, Technik und Wissenschaft, ist es nicht verwunderlich, dass ein neugieriger Künstler verschiedene Techniken in einem Werk vereint, obwohl die Reinheit einer bestimmten Art von Malerei ihren eigenen Reiz hat . Ständig werden neue Methoden der Stoffbearbeitung erfunden und die Industrie reagiert schnell auf neue Anfragen (oder organisiert sie selbst).
Acrylfarben sind ein modernes Analogon zu alten Mineralfarben und früheren Methoden zum Umgang mit der Farbverteilung, wie z. B. das Hinzufügen von Salz zu Farben, das Verdicken aus Stärke, Traganth, Gelatine usw. Ölfarbe wurde aktiv in russischen alten Drucken bei der Herstellung von Theaterkostümen verwendet . Ein mit Ölfarben auf Leinwand gemaltes Bild ist auch Malerei auf Stoff. Aber auch das Malen auf Stoff in anderen Techniken, das beispielsweise mit Ölmalerei verwechselt werden kann, ist kaum als positives Phänomen zu werten, ebenso wenig wie die Nachahmung einer Technik durch eine andere. Dicht deckende Farben gaben Künstlern die Möglichkeit, auf dem Stoff wie auf Papier frei zu zeichnen. Der Künstler wählt die technischen Mittel, die helfen, seine Ideen so gut wie möglich auszudrücken. Verschiedene Arten von Farbstoffen werden für unterschiedliche Zwecke verwendet: dichte Farbstoffe eignen sich zum Erstellen von Gemälden auf Stoffen, sind jedoch nicht für Kleidung geeignet.
„Ein Profi, so scheint es mir, ist eine Person, die mit allen bekannten Technologien vertraut ist und alle verfügbaren Technologien besitzt. Ich bin für das Experiment, denn es entstehen neue Effekte, neue Techniken und Technologien, oft des Autors, und damit - neue Stimmungen und Empfindungen beim Betrachter, bis hin zu einem neuen Weltbild ...
Ich verwende Acryl aktiv, ich denke, dass gute Erfindungen nicht vernachlässigt werden sollten. Das ist Vielseitigkeit, eine breite, aktive Palette, Haltbarkeit, lange Lebensdauer, neue Effekte. Farben reagieren zwar unterschiedlich auf Licht, das muss berücksichtigt werden ... Warum Acryl auf Stoff und nicht auf Papier? Denn Stoff ist nicht Papier. Acryl gleicht Papier und Textil nicht aus und bestimmt nicht die Wahl der Technik. Unterschiedliche Eigenschaften, unterschiedliche Effekte, daher unterschiedliche Lösungen, unterschiedliche Ergebnisse, unterschiedliche Wahrnehmungen. Wenn die Arbeit mit Textilien suggeriert, warum nicht auf Papier, dann kennt und versteht die Autorin das Material nicht vollständig und weiß nicht, wie man seine Eigenschaften nutzt“, sagt Anna Miloserdova.
Von der Kategorie des Gebrauchsgegenstandes zum Staffeleiwerk übergegangen, verliert die Batik zeitweise ihre dekorative Wirkung und nimmt charakteristische Merkmale der Malerei an: Perspektive, Volumen, Hell-Dunkel. Die "reine" Technik der heißen oder kalten Batik zwingt (oder hilft ihm) den Künstler, im Rahmen der dekorativen Kunst zu bleiben und die Besonderheiten klassischer Methoden zu verwenden.
Bei der Auswahl von deckenden Acrylfarben geht der Künstler davon aus, dass unter ihnen eine klare Verflechtung von Baumwollfäden ein lebhafter Glanz von Seidenfäden verborgen wird. „Die Körperfarben bedecken die Oberfläche der Seide zu dick und verhindern, dass das Gemälde einen Glanz und eine angemessene Transparenz hat“, heißt es bereits 1624 im Handbuch für Seidenmalerei. Das Muster bleibt auf der Oberfläche, ohne in die Struktur des Stoffes einzudringen, ohne sich mit ihm zu einem Ganzen zu verbinden, wie es beim traditionellen Färben von Batiken im Bottich oder beim Bemalen mit Flüssigfarbe der Fall ist.
Es kommt vor, dass Techniken übereinander gestapelt werden, dies wird als Gewalt gegen Muster und Stoff empfunden. Die einfachste Lösung ist meist die beste.
Die Verwendung von Walzen, Stempeln oder mechanisierten Techniken, die in der Staffelei-Batik an sie erinnern, erscheint sinnlos. Deshalb ist es ein Unikat des Autors. Der Stempel eignet sich für die replizierte Herstellung von Stoffen oder Gebrauchsgegenständen.
Und was das Traurige angeht: Immer öfter verlässt der Schönheitsbegriff die Kunstwerke, den Schönheitsbegriff.
Helle Farben garantieren noch kein "helles" Werk. Es ist die Persönlichkeit des Künstlers, die es so macht. Offenbar hilft sie auch dabei, ihre eigene einzigartige Handschrift zu finden.
Batiken, die an unseren Eröffnungstagen, in Kunstsalons und über das Internet aktiv verkauft werden, werden jetzt teilweise recht professionell hergestellt. Aber sie werden nachgebaut, sie haben selten einen eigenen Autorenstil, weil sie auf den durchschnittlichen Käufergeschmack ausgelegt sind („so wie auf dem Foto, detailliert, verständlich und hübsch“) und daher keinen ernsthaften künstlerischen Wert haben.
Natürlich steht der Künstler immer vor dem Problem der Umsetzung. Museen achten selten auf Batik. Die Verwundbarkeit dünner Stoffe, Licht- und Wasserangst, die Zerbrechlichkeit der Batik, die darin den Wandteppichen und noch mehr den Bildleinwänden unterlegen ist, mindern ihren Wert in den Augen der Käufer (und senken die Preise).
In talentierten Händen ist Batik unendlich vielfältig. Dies sind klare Zeichenlinien, die mit einer Glasröhre, einer Nadel oder einem Gesang gezeichnet werden, und lebendige, einzigartige Striche mit einem Wachspinsel. Dies ist Fleckenbildung mit lokalen Flecken innerhalb der Reservelinie oder glatte Überläufe von freier Malerei, kombiniert mit einer klaren Grafik neuer Materialien.
Heute wären aktivere Experimente mit der Verwendung von Batik in Synthese mit anderen Kunstformen in der Innenarchitektur interessant.
Die Werke zeitgenössischer Künstler zeigen, dass alles der Batik unterliegt. Beliebige Themen und Maßstäbe: großformatig, hochformatig und sogar seriell, wodurch die anfängliche Beschränkung der Stoffbreite überwunden wird.
Alle Genres stehen der Batik zur Verfügung: Landschaft und Porträt, abstrakte Dekorationskompositionen und Genreszenen, Stillleben und Animalistik.
Godich Marina. Winterabend. 2010. Seide. Kalte Batik. 56x56cm. Album.

Batik kann das Publikum vor Beginn der Aufführung mit einem großflächigen Vorhang oder grandiosen Größen auf einer Ausstellung, in einem Museum oder in einem öffentlichen Innenraum beeindrucken. Es kann mit einem kleinen Bild gefallen, das zu Hause über dem Sofa oder in einem strengen Direktorenbüro hängt. Batik kann zu Tischdecken, Servietten, traditioneller nationaler und europäischer Kleidung werden.
Er hat nur einen Schwachpunkt - Wehrlosigkeit gegenüber der Zeit. Und doch überdauert ein kurzlebiger Stoff oft seine Schöpfer. Wenn es ein Archiv für Kunstwerke gäbe, in dem sie einen Zufluchtsort für die Arbeit beliebiger Autoren finden könnten, wären wir viel reicher. Bisher haben nur Museen dieses Problem einigermaßen überwunden. Es ist an der Zeit, in Russland ein Museum zu schaffen, wenn nicht für Batik, dann für Textilien im Allgemeinen. Und man könnte mit einer ernsthaften, groß angelegten Ausstellung beginnen, die sowohl der Geschichte als auch der modernen Batik gewidmet ist.

Ich danke E. Dorozhkina, M. Kaminskaya, T. Mazhitova, E. Uzdenikova, I. Kharchenko und der Familie von Sergei Pushkarev für die Fotos.
P.S. Ich erinnere Sie daran, dass Sie Kommentare schreiben können, auch wenn Sie kein Mitglied von LiveJournal sind.

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