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Dramaturgie als Literatur. Epische Genres der Literatur

Theater(δρᾶμα - Tat, Handlung) - Eine der drei Arten von Literatur gehört neben Epos und Lyrik gleichzeitig zu zwei Kunstarten: Literatur und Theater.

Das Drama, das für die Aufführung auf der Bühne bestimmt ist, unterscheidet sich formal von Epik und Lyrik dadurch, dass der darin enthaltene Text in Form von Nachbildungen von Personen und Autorenäußerungen präsentiert und in der Regel in Handlungen und Phänomene unterteilt wird. Jedes literarische Werk, das in dialogischer Form aufgebaut ist, einschließlich Komödie, Tragödie, Drama (als Genre), Farce, Varieté usw., bezieht sich auf die eine oder andere Weise auf das Drama.

Seit der Antike existiert es in Folklore oder literarischer Form bei verschiedenen Völkern; Unabhängig voneinander schufen die alten Griechen, die alten Inder, die Chinesen, die Japaner und die Indianer Amerikas ihre eigenen dramatischen Traditionen.

Wörtlich übersetzt aus dem Altgriechischen bedeutet Drama „Handlung“.

Arten von Dramen (dramatische Genres)

Tragödie
Krimi Drama
Drama in Versen
Melodrama
Hierodrama
Geheimnis
Komödie
Varieté

Dramatische Geschichte

Die Ansätze des Dramas - in der primitiven Poesie, in der die später entstandenen Elemente von Lyrik, Epos und Drama in Verbindung mit Musik und mimischen Bewegungen verschmolzen. Früher als bei anderen Völkern bildete sich bei den Hindus und Griechen das Drama als besondere Art der Poesie heraus.

Das griechische Drama, das ernsthafte religiöse und mythologische Handlungen (Tragödie) und amüsante, dem modernen Leben entnommene (Komödie) entwickelt, erreicht hohe Perfektion und ist im 16 (Mysterien, Schuldramen und Zwischenspiele, Fastnachtspiel, Sottisen).

Französische Dramatiker, die die griechischen nachahmten, hielten sich strikt an bestimmte Bestimmungen, die für die ästhetische Würde des Dramas als unveränderlich angesehen wurden, wie z. B.: die Einheit von Zeit und Ort; die Dauer der auf der Bühne dargestellten Episode sollte einen Tag nicht überschreiten; die Aktion muss am selben Ort stattfinden; das Drama sollte sich in 3-5 Akten korrekt entwickeln, von der Handlung (Ermitteln der Ausgangsposition und Charaktere der Figuren) über die mittleren Wechselfälle (Wechsel der Positionen und Beziehungen) bis zur Auflösung (normalerweise eine Katastrophe); die Anzahl der Schauspieler ist sehr begrenzt (normalerweise 3 bis 5); Dies sind ausschließlich die höchsten Repräsentanten der Gesellschaft (Könige, Königinnen, Prinzen und Prinzessinnen) und ihre engsten Diener, Vertraute, die auf die Bühne geführt werden, um den Dialog zu führen und Bemerkungen zu machen. Dies sind die Hauptmerkmale des klassischen französischen Dramas (Corneille, Racine).

Die Strenge der Anforderungen des klassischen Stils wurde bereits in Komödien (Molière, Lope de Vega, Beaumarchais) weniger beachtet, die sich allmählich von der Konventionalität zur Darstellung des gewöhnlichen Lebens (Genre) bewegten. Shakespeares Werk, frei von klassischen Konventionen, eröffnete dem Drama neue Wege. Das Ende des 18. und die erste Hälfte des 19. Jahrhunderts waren geprägt vom Erscheinen romantischer und nationaler Dramen: Lessing, Schiller, Goethe, Hugo, Kleist, Grabbe.

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts setzte sich im europäischen Drama der Realismus durch (Dumasson, Ogier, Sardou, Paleron, Ibsen, Zuderman, Schnitzler, Hauptmann, Beyerlein).

Im letzten Viertel des 19. Jahrhunderts begann unter dem Einfluss von Ibsen und Maeterlinck der Symbolismus die europäische Szene zu erobern (Hauptmann, Przybyszewski, Bar, D'Annunzio, Hofmannsthal).

Siehe mehr Origin-Drama

Schauspiel in Russland

Das Drama wurde Ende des 17. Jahrhunderts aus dem Westen nach Russland gebracht. Unabhängige dramatische Literatur erscheint erst Ende des 18. Jahrhunderts. Bis ins erste Viertel des 19. Jahrhunderts überwog im Schauspiel sowohl in der Tragödie als auch in der Komödie und Komödienoper die klassische Richtung; beste Autoren: Lomonosov, Knyaznin, Ozerov; Der Versuch von I. Lukin, die Aufmerksamkeit der Dramatiker auf die Darstellung des russischen Lebens und der Bräuche zu lenken, blieb vergeblich: Alle ihre Stücke sind leblos, gestelzt und der russischen Realität fremd, mit Ausnahme des berühmten "Unterholz" und "Der Brigadier" Fonvizin. " The Yabeda" Kapnist und einige Komödien von I. A. Krylov.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts wurden Shakhovskoy, Chmelnitsky, Zagoskin zu Nachahmern des leichten französischen Dramas und der Komödie, und der Puppenmacher war ein Vertreter des gestelzten patriotischen Dramas. Griboedovs Komödie Woe from Wit, später Gogols Inspector General, Marriage, werden zur Grundlage des russischen Alltagsdramas. Nach Gogol sogar im Varieté (D. Lensky, F. Koni,

Dramatische Werke (eine andere gr. Aktion), wie epische, stellen die Reihe von Ereignissen, die Handlungen von Menschen und ihre Beziehungen nach. Wie der Autor eines epischen Werkes unterliegt der Dramatiker dem „Gesetz der Handlungsentwicklung“. Aber es gibt kein detailliertes erzählerisch-beschreibendes Bild in dem Drama.

Tatsächlich ist die Rede des Autors hier hilfsweise und episodisch. Das sind die Akteurslisten, manchmal begleitet von kurzen Merkmalen, Zeit- und Handlungsortbezeichnung; Beschreibungen der Bühnensituation zu Beginn von Akten und Episoden, sowie Kommentare zu einzelnen Nachbildungen der Figuren und Hinweise auf ihre Bewegungen, Gesten, Mimik, Intonationen (Bemerkungen).

All dies stellt einen Nebentext eines dramatischen Werks dar. Sein Haupttext ist eine Kette von Aussagen von Charakteren, ihren Repliken und Monologen.

Daher einige begrenzte künstlerische Möglichkeiten des Dramas. Der Schriftsteller-Dramatiker verwendet nur einen Teil der visuellen Mittel, die dem Schöpfer eines Romans oder Epos, einer Kurzgeschichte oder einer Kurzgeschichte zur Verfügung stehen. Und die Charaktere der Charaktere werden im Drama mit weniger Freiheit und Fülle offenbart als im Epos. „Ich nehme das Drama wahr“, bemerkte T. Mann, „als die Kunst der Silhouette, und ich empfinde nur die erzählte Person als ein voluminöses, integrales, reales und plastisches Bild.“

Gleichzeitig sind Dramatiker, anders als die Autoren epischer Werke, gezwungen, sich auf die Menge an verbalem Text zu beschränken, die den Anforderungen der Theaterkunst genügt. Die Zeit der im Drama dargestellten Handlung muss sich in den strengen Rahmen der Bühnenzeit einfügen.

Und die Aufführung in den Formen, die das neue europäische Theater kennt, dauert bekanntlich nicht länger als drei oder vier Stunden. Und dazu bedarf es einer angemessenen Größe des dramatischen Textes.

Die Zeit der vom Dramatiker wiedergegebenen Ereignisse während der Bühnenepisode wird nicht gestaucht oder gedehnt; Die Charaktere des Dramas tauschen Bemerkungen ohne merkliche Zeitintervalle aus, und ihre Aussagen, wie K.S. Stanislavsky, bilden Sie eine durchgehende Linie.

Wenn mit Hilfe der Erzählung die Handlung als etwas Vergangenes eingeprägt wird, dann erzeugt die Kette von Dialogen und Monologen im Drama die Illusion der Gegenwart. Das Leben spricht hier wie aus seinem eigenen Gesicht: Zwischen dem Dargestellten und dem Leser gibt es keinen Mittler-Erzähler.

Die Handlung wird im Drama mit maximaler Unmittelbarkeit nachgestellt. Es fließt wie vor den Augen des Lesers. „Alle Erzählformen“, schrieb F. Schiller, „übertragen die Gegenwart in die Vergangenheit; all das Dramatische macht die Vergangenheit gegenwärtig.“

Drama ist bühnenorientiert. Und das Theater ist eine öffentliche Massenkunst. Die Aufführung wirkt sich direkt auf viele Menschen aus, als würde sie als Reaktion auf das, was vor ihnen passiert, zu einer einzigen verschmelzen.

Der Zweck des Dramas, laut Puschkin, ist es, auf die Menge einzuwirken, ihre Neugier zu befriedigen“ und zu diesem Zweck die „Wahrheit der Leidenschaften“ einzufangen: „Das Drama wurde auf dem Platz geboren und bildete die Unterhaltung des Volkes. Die Menschen brauchen wie Kinder Unterhaltung, Action. Das Drama konfrontiert ihn mit außergewöhnlichen, seltsamen Ereignissen. Menschen wollen starke Gefühle. Lachen, Mitleid und Entsetzen sind die drei Saiten unserer Vorstellungskraft, die von dramatischer Kunst erschüttert wird.

Die dramatische Gattung der Literatur ist besonders eng mit der Sphäre des Lachens verbunden, denn das Theater wurde in enger Verbindung mit Massenfesten, in einer Atmosphäre von Spiel und Spaß gefestigt und entwickelt. „Das Comic-Genre ist universell für die Antike“, bemerkte O. M. Freidenberg.

Dasselbe gilt für das Theater und Drama anderer Länder und Epochen. T. Mann hatte Recht, als er den "komödiantischen Instinkt" als "Grundprinzip jeder dramatischen Kunst" bezeichnete.

Es ist nicht verwunderlich, dass das Drama zu einer äußerlich spektakulären Präsentation des Dargestellten tendiert. Ihre Bildsprache erweist sich als hyperbolisch, eingängig, theatralisch und hell. „Das Theater erfordert übertrieben breite Linien sowohl in der Stimme als auch in der Rezitation und in den Gesten“, schrieb N. Boileau. Und diese Eigenschaft der Bühnenkunst prägt unweigerlich das Verhalten der Helden dramatischer Werke.

„How he act out in the theater“, kommentiert Bubnov (At the Bottom von Gorki) die rasende Tirade des verzweifelten Klesh, der ihr durch ein unerwartetes Eingreifen in das allgemeine Gespräch theatralische Wirkung verlieh.

Bedeutsam (als Merkmal der dramatischen Literatur) sind Tolstois Vorwürfe gegen W. Shakespeare wegen der Fülle von Übertreibungen, durch die gleichsam "die Möglichkeit eines künstlerischen Eindrucks verletzt" werde. „Von den ersten Worten an“, schrieb er über die Tragödie „König Lear“, „kann man eine Übertreibung sehen: eine Übertreibung der Ereignisse, eine Übertreibung der Gefühle und eine Übertreibung der Ausdrücke.“

L. Tolstoi lag falsch, als er Shakespeares Werk bewertete, aber die Idee des Engagements des großen englischen Dramatikers für theatralische Übertreibungen ist völlig gerechtfertigt. Was über "König Lear" mit nicht weniger Grund gesagt wurde, kann auf antike Komödien und Tragödien, dramatische Werke des Klassizismus, auf die Stücke von F. Schiller und V. Hugo usw. zurückgeführt werden.

Im 19. und 20. Jahrhundert, als in der Literatur der Wunsch nach weltlicher Authentizität vorherrschte, wurden die dem Drama innewohnenden Konventionen weniger offensichtlich, oft wurden sie auf ein Minimum reduziert. Ausgangspunkt dieses Phänomens ist das sogenannte „kleinbürgerliche Drama“ des 18. Jahrhunderts, dessen Schöpfer und Theoretiker D. Diderot und G.E. Lessing.

Werke der größten russischen Dramatiker des 19. Jahrhunderts. und Anfang des 20. Jahrhunderts - A.N. Ostrovsky, A.P. Tschechow und M. Gorki - zeichnen sich durch die Zuverlässigkeit der nachgebildeten Lebensformen aus. Aber selbst als die Dramatiker auf Plausibilität setzten, blieben Handlung, psychologische und tatsächlich verbale Übertreibungen bestehen.

Theaterkonventionen machten sich auch in Tschechows Dramaturgie bemerkbar, die die maximale Grenze der "Lebensähnlichkeit" darstellte. Werfen wir einen Blick auf die Schlussszene von Die drei Schwestern. Eine junge Frau hat vor zehn oder fünfzehn Minuten mit einem geliebten Menschen Schluss gemacht, wahrscheinlich für immer. Vor weiteren fünf Minuten erfuhr sie vom Tod ihres Verlobten. Und jetzt fassen sie zusammen mit der ältesten, dritten Schwester die moralischen und philosophischen Ergebnisse der Vergangenheit zusammen und denken zu den Klängen eines Militärmarsches über das Schicksal ihrer Generation, über die Zukunft der Menschheit nach.

Es ist kaum vorstellbar, dass dies in der Realität passiert. Aber wir bemerken die Unplausibilität des Endes von Die drei Schwestern nicht, weil wir daran gewöhnt sind, dass das Drama die Lebensformen der Menschen erheblich verändert.

Das Vorstehende überzeugt von der Richtigkeit des Urteils von A. S. Puschkin (aus seinem bereits zitierten Artikel), dass „das Wesen der dramatischen Kunst Plausibilität ausschließt“; „Wenn wir ein Gedicht, einen Roman lesen, können wir uns oft selbst vergessen und glauben, dass der beschriebene Vorfall keine Fiktion, sondern die Wahrheit ist.

In einer Ode, in einer Elegie können wir denken, dass der Dichter seine wahren Gefühle unter realen Umständen dargestellt hat. Aber wo ist die Glaubwürdigkeit in einem Gebäude, das in zwei Teile geteilt ist, von denen einer mit Zuschauern gefüllt ist, die zugestimmt haben.

Die wichtigste Rolle in dramatischen Werken kommt den Konventionen der sprachlichen Selbstoffenbarung der Figuren zu, deren Dialoge und Monologe, oft gesättigt mit Aphorismen und Maximen, sich als viel umfangreicher und wirkungsvoller erweisen als jene Äußerungen, die man in einem Satz äußern könnte ähnliche Lebenssituation.

Herkömmlich sind Nachbildungen „nebenbei“, die für andere Figuren auf der Bühne sozusagen nicht existieren, aber für das Publikum deutlich hörbar sind, sowie Monologe, die von den Figuren allein, allein mit sich selbst gesprochen werden, die eine reine Bühne sind Technik zum Hervorbringen innerer Sprache (es gibt viele solcher Monologe wie in antiken Tragödien und in der Dramaturgie der Neuzeit).

Der Dramatiker, der eine Art Experiment aufbaut, zeigt, wie sich ein Mensch ausdrücken würde, wenn er seine Stimmungen mit maximaler Fülle und Helligkeit in den gesprochenen Worten ausdrücken würde. Und die Sprache in einem dramatischen Werk nimmt oft eine Ähnlichkeit mit künstlerischer lyrischer oder oratorischer Sprache an: Die Charaktere hier neigen dazu, sich als Improvisatoren, Dichter oder Meister des öffentlichen Redens auszudrücken.

Daher hatte Hegel teilweise recht, wenn er das Drama als eine Synthese aus dem epischen Anfang (Ereignisreichtum) und dem lyrischen (Sprachausdruck) betrachtete.

Das Drama hat sozusagen zwei Leben in der Kunst: theatralisch und literarisch. Das dramatische Werk, das die dramatische Grundlage der Aufführungen bildet und in ihrer Komposition vorhanden ist, wird auch vom lesenden Publikum wahrgenommen.

Aber das war nicht immer so. Die Emanzipation des Dramas von der Bühne vollzog sich schrittweise – über mehrere Jahrhunderte hinweg – und endete erst vor relativ kurzer Zeit: im 18.-19. Jahrhundert. Die weltberühmten dramatischen Beispiele (von der Antike bis zum 17. Jahrhundert) wurden zur Zeit ihrer Entstehung praktisch nicht als literarische Werke anerkannt: Sie existierten nur als Teil der darstellenden Künste.

Weder W. Shakespeare noch J. B. Molière wurden von ihren Zeitgenossen als Schriftsteller wahrgenommen. Eine entscheidende Rolle bei der Stärkung der Idee des Dramas als einem Werk, das nicht nur für die Bühneninszenierung, sondern auch für die Lektüre bestimmt war, spielte die „Entdeckung“ Shakespeares als großen dramatischen Dichter in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts.

Im 19. Jahrhundert (besonders in der ersten Hälfte) wurden die literarischen Vorzüge des Dramas oft über die szenischen gestellt. So glaubte Goethe, dass "Shakespeares Werke nichts für körperliche Augen sind", und Griboyedov nannte seinen Wunsch, die Verse von "Wehe dem Witz" von der Bühne zu hören, "kindisch".

Weit verbreitet ist das sogenannte Lesedrama (Lesedrama), das vor allem auf die Wahrnehmung beim Lesen ausgerichtet ist. Das sind Goethes Faust, Byrons dramatische Werke, Puschkins kleine Tragödien, Turgenjews Dramen, über die der Autor bemerkte: "Meine Stücke, die auf der Bühne unbefriedigend sind, können für die Lektüre von Interesse sein."

Es gibt keine grundsätzlichen Unterschiede zwischen dem Lesedrama und dem Schauspiel, das der Autor an der Bühneninszenierung orientiert. Dramen, die zum Lesen geschaffen wurden, sind oft potentiell Bühnendramen. Und das Theater (einschließlich des modernen) sucht und findet manchmal hartnäckig die Schlüssel zu ihnen, wovon die erfolgreichen Produktionen von Turgenevs "Ein Monat auf dem Land" zeugen (zuallererst ist dies die berühmte vorrevolutionäre Aufführung des Kunsttheater) und zahlreiche (wenn auch alles andere als immer erfolgreiche) Bühnenlesungen von Puschkins kleinen Tragödien im 20. Jahrhundert.

Die alte Wahrheit bleibt in Kraft: Das Wichtigste, der Hauptzweck des Dramas ist die Bühne. „Nur wenn sie auf der Bühne aufgeführt wird“, bemerkte A. N. Ostrovsky, „nimmt die dramatische Fiktion des Autors eine vollständig fertige Form an und bringt genau die moralische Handlung hervor, die der Autor sich zum Ziel gesetzt hat.“

Die Entstehung einer Aufführung auf der Grundlage eines dramatischen Werks ist mit dessen kreativer Vollendung verbunden: Die Schauspieler erstellen intonationsplastische Zeichnungen ihrer Rollen, der Künstler gestaltet den Bühnenraum, der Regisseur entwickelt die Mise-en-scenes. Dabei verändert sich der Begriff des Stückes etwas (manche Aspekte werden stärker beachtet, andere weniger), er wird oft konkretisiert und angereichert: Die Bühneninszenierung bringt neue semantische Schattierungen in das Drama ein.

Gleichzeitig ist für das Theater das Prinzip der literaturgetreuen Lektüre von überragender Bedeutung. Regisseur und Schauspieler sind gefordert, dem Publikum das inszenierte Werk mit größtmöglicher Vollständigkeit zu vermitteln. Die Treue der Bühnenlesung findet dort statt, wo der Regisseur und die Schauspieler das dramatische Werk in seinen wesentlichen Inhalten, Genres und Stilmerkmalen tief erfassen.

Bühnenproduktionen (wie auch Filmadaptionen) sind nur dann legitim, wenn eine (wenn auch relative) Übereinstimmung zwischen Regisseur und Schauspielern und dem Ideenkreis des Dramatikers besteht, wenn die Bühnenfiguren sorgfältig auf die Bedeutung achten dem inszenierten Werk, den Merkmalen seines Genres, den Merkmalen seines Stils und dem Text selbst.

In der klassischen Ästhetik des 18./19. Jahrhunderts, insbesondere bei Hegel und Belinsky, galt das Drama (vor allem die Gattung der Tragödie) als höchste Form literarischen Schaffens: als „Krone der Poesie“.

Tatsächlich hat sich eine ganze Reihe künstlerischer Epochen überwiegend in der dramatischen Kunst manifestiert. Äschylus und Sophokles in der Blütezeit der antiken Kultur, Moliere, Racine und Corneille in der Zeit des Klassizismus waren unter den Verfassern epischer Werke ihresgleichen.

Bedeutsam ist in dieser Hinsicht das Werk Goethes. Dem großen deutschen Schriftsteller standen alle literarischen Gattungen zur Verfügung, aber er krönte sein künstlerisches Leben mit der Schaffung eines dramatischen Werkes – dem unsterblichen Faust.

In den vergangenen Jahrhunderten (bis zum 18. Jahrhundert) konkurrierte das Drama nicht nur erfolgreich mit dem Epos, sondern wurde oft zur führenden Form der künstlerischen Wiedergabe des Lebens in Raum und Zeit.

Dies hat mehrere Gründe. Erstens spielte die Theaterkunst eine große Rolle, die (im Gegensatz zu handgeschriebenen und gedruckten Büchern) den breitesten Schichten der Gesellschaft zugänglich war. Zweitens entsprachen die Eigenschaften dramatischer Werke (die Darstellung von Charakteren mit ausgeprägten Gesichtszügen, die Wiedergabe menschlicher Leidenschaften, die Anziehung zum Pathos und zum Grotesken) in der "vorrealistischen" Ära vollständig den allgemeinen literarischen und allgemeinen künstlerischen Trends.

Und zwar im XIX-XX Jahrhundert. der sozialpsychologische Roman, eine Gattung der epischen Literatur, rückte in den Vordergrund der Literatur, dramatische Werke haben noch immer einen Ehrenplatz.

VE Khalizev Theorie der Literatur. 1999

Tragödie(von Gr. Tragos - Ziege und Ode - Lied) - eine der Arten von Drama, die auf dem unüberbrückbaren Konflikt einer ungewöhnlichen Persönlichkeit mit unüberwindbaren äußeren Umständen beruht. Normalerweise stirbt der Held (Romeo und Julia, Shakespeares Hamlet). Die Tragödie entstand im antiken Griechenland, der Name stammt von einer Volksaufführung zu Ehren des Gottes der Weinbereitung Dionysos. Tänze, Lieder und Geschichten über seine Leiden wurden aufgeführt, an deren Ende eine Ziege geopfert wurde.

Komödie(von Gr. comoidia. Comos - eine fröhliche Menge und Ode - ein Lied) - eine Art dramatischer Wille, der das Komische im sozialen Leben, Verhalten und Charakter von Menschen darstellt. Unterscheide zwischen Situationskomödie (Intrige) und Charakterkomödie.

Theater - eine Art Dramaturgie zwischen Tragödie und Komödie (Thunderstorm von A. Ostrovsky, Stolen Happiness von I. Franko). Dramen zeigen hauptsächlich das Privatleben eines Menschen und seinen akuten Konflikt mit der Gesellschaft. Gleichzeitig wird der Schwerpunkt oft auf universelle menschliche Widersprüche gelegt, die im Verhalten und Handeln bestimmter Charaktere verkörpert sind.

Geheimnis(von Gr. mysterion - Sakrament, Gottesdienst, Ritus) - ein Genre des religiösen Massentheaters des späten Mittelalters (XIV-XV Jahrhundert), das in den Ländern des westlichen Nvrotta verbreitet ist.

Nebenschauplatz(von lat. intermedius - was in der Mitte ist) - ein kleines komisches Stück oder eine Szene, die zwischen den Handlungen des Hauptdramas aufgeführt wurde. In der modernen Pop-Art existiert sie als eigenständiges Genre.

Varieté(aus dem französischen Varieté) ein leichtes komisches Stück, in dem dramatische Handlung mit Musik und Tanz kombiniert wird.

Melodram - ein Stück mit scharfer Intrige, übersteigerter Emotionalität und moralisch-didaktischer Tendenz. Typisch für das Melodrama ist das „Happy End“, der Triumph der Leckereien. Das Genre des Melodramas war im 18. und 19. Jahrhundert beliebt und erlangte später einen negativen Ruf.

Farce(von lat. farcio beginne ich, fülle ich) ist eine westeuropäische Volkskomödie des 14.-16. Jahrhunderts, die aus lustigen rituellen Spielen und Zwischenspielen entstand. Die Farce zeichnet sich durch die Hauptmerkmale populärer Darstellungen von Massencharakter, satirische Orientierung, unhöflichen Humor aus. In der Neuzeit hat dieses Genre Eingang in das Repertoire kleiner Theater gefunden.

Wie bereits erwähnt, sind die Methoden der literarischen Darstellung innerhalb einzelner Typen und Genres oft gemischt. Diese Verwirrung ist von zweierlei Art: In einigen Fällen gibt es eine Art Durchmischung, wenn die Hauptgattungsmerkmale erhalten bleiben; in anderen sind die generischen Prinzipien ausgeglichen, und das Werk kann weder dem Epos noch dem Klerus oder dem Drama zugeschrieben werden, weshalb sie benachbarte oder gemischte Formationen genannt werden. Meistens werden Epos und Lyrik gemischt.

Ballade(von Provence ballar - tanzen) - ein kleines poetisches Werk mit einer scharfen dramatischen Liebeshandlung, legendär-historischem, heroisch-patriotischem oder märchenhaftem Inhalt. Das Bild von Ereignissen wird darin mit einem ausgeprägten Autorengefühl kombiniert, das Epos wird mit Texten kombiniert. Das Genre verbreitete sich in der Ära der Romantik (V. Zhukovsky, A. Puschkin, M. Lermontov, T. Shevchenko und andere).

Lyrisches Epos- ein poetisches Werk, in dem der Dichter laut V. Mayakovsky über die Zeit und über sich selbst spricht (Gedichte von V. Mayakovsky, A. Tvardovsky, S. Yesenin usw.).

Dramatisches Gedicht- ein Werk, das in dialogischer Form geschrieben, aber nicht für die Bühneninszenierung bestimmt ist. Beispiele für dieses Genre: „Faust“ von Goethe, „Kain“ von Byron, „In den Katakomben“ von L. Ukrainka und andere.

All dies stellt einen Nebentext eines dramatischen Werks dar. Sein Haupttext ist eine Kette von Aussagen der Figuren, ihrer Repliken und Monologe.

Drama ist bühnenorientiert. Theater ist eine öffentliche Massenkunst. Die Aufführung wirkt sich direkt auf viele Menschen aus, als würde sie als Reaktion auf das, was vor ihnen passiert, zu einer einzigen verschmelzen.

Dasselbe gilt für das Theater und Drama anderer Länder und Epochen. T. Mann hatte Recht, als er den "komödiantischen Instinkt" als "Grundprinzip jeder dramatischen Kunst" bezeichnete.

„Wie er im Theater gespielt hat“, kommentiert Bubnov (Gorkis „Ganz unten“) die rasende Tirade des verzweifelten Klesch, der ihr durch ein unerwartetes Eingreifen in das allgemeine Gespräch theatralische Wirkung verleiht.

Daher hatte Hegel teilweise recht, wenn er das Drama als eine Synthese aus dem epischen Anfang (Ereignisreichtum) und dem lyrischen (Sprachausdruck) betrachtete.

Die Entstehung einer Aufführung auf der Grundlage eines dramatischen Werks ist mit dessen kreativer Vollendung verbunden: Die Schauspieler erstellen intonationsplastische Zeichnungen ihrer Rollen, der Künstler gestaltet den Bühnenraum, der Regisseur entwickelt die Mise-en-scenes. Dabei verändert sich der Begriff des Stückes etwas (manche Seiten werden stärker beachtet, andere weniger), es wird oft konkretisiert und angereichert: Die Bühneninszenierung bringt neue semantische Schattierungen in das Drama ein.

Bedeutsam ist in dieser Hinsicht das Werk Goethes. Alle literarischen Gattungen standen dem großen deutschen Schriftsteller zur Verfügung, aber er krönte sein Leben in der Kunst mit der Schaffung eines dramatischen Werkes - dem unsterblichen Faust.

Und zwar im XIX-XX Jahrhundert. der sozialpsychologische Roman, eine Gattung der epischen Literatur, rückte in den Vordergrund der Literatur, dramatische Werke haben noch immer einen Ehrenplatz.

VE Khalizev Theorie der Literatur. 1999

Drama (anderes griechisches Drama - Handlung) ist eine Art Literatur, die das Leben in Handlungen widerspiegelt, die in der Gegenwart stattfinden.

Dramatische Werke sollen inszeniert werden, dies bestimmt die Besonderheiten des Dramas:

1) das Fehlen eines erzählerisch-beschreibenden Bildes;

3) der Haupttext des dramatischen Werks wird in Form von Nachbildungen der Charaktere (Monolog und Dialog) präsentiert;

4) Drama als eine Art Literatur hat nicht so viele künstlerische und visuelle Mittel wie Epos: Rede und Tat sind die Hauptmittel, um das Bild eines Helden zu schaffen;

5) Textumfang und Aktionsdauer sind durch den Bühnenrahmen begrenzt;

6) Die Anforderungen der darstellenden Künste diktierten ein solches Merkmal des Dramas als eine Art Übertreibung (Hyperbolisierung): „Übertreibung von Ereignissen, Übertreibung von Gefühlen und Übertreibung von Ausdrücken“ (L. N. Tolstoi) - mit anderen Worten, theatralische Auffälligkeit, erhöht Ausdruckskraft; der Zuschauer des Stücks spürt die Bedingtheit des Geschehens, was sehr gut von A.S. Puschkin: „Das Wesen der dramatischen Kunst schließt Plausibilität aus ... Wenn wir ein Gedicht, einen Roman lesen, können wir uns oft vergessen und glauben, dass der beschriebene Vorfall keine Fiktion, sondern die Wahrheit ist. In einer Ode, in einer Elegie können wir denken, dass der Dichter seine wahren Gefühle unter realen Umständen dargestellt hat. Aber wo ist die Glaubwürdigkeit in einem Gebäude, das in zwei Teile geteilt ist, von denen einer mit Zuschauern gefüllt ist, die zugestimmt haben usw.

Drama (altgriechisch δρᾶμα - Akt, Handlung) - eine der drei Arten von Literatur gehört neben Epos und Lyrik gleichzeitig zu zwei Kunstarten: Literatur und Theater. Das Drama, das für die Aufführung auf der Bühne bestimmt ist, unterscheidet sich formal von Epik und Lyrik dadurch, dass der darin enthaltene Text in Form von Nachbildungen von Personen und Autorenäußerungen präsentiert und in der Regel in Handlungen und Phänomene unterteilt wird. Jedes literarische Werk, das in dialogischer Form aufgebaut ist, einschließlich Komödie, Tragödie, Drama (als Genre), Farce, Varieté usw., bezieht sich auf die eine oder andere Weise auf das Drama.

Wörtlich übersetzt aus dem Altgriechischen bedeutet Drama „Handlung“.

Drama-Typen Tragödie Drama (Genre) Drama zum Lesen (Lesestück)

Melodrama Hierodrama Mystery-Komödie Varieté-Farce Zaju

Dramatische Geschichte Die Ansätze des Dramas - in der primitiven Poesie, in der die später entstandenen Elemente von Lyrik, Epos und Drama in Verbindung mit Musik und mimischen Bewegungen verschmolzen. Früher als bei anderen Völkern bildete sich bei den Hindus und Griechen das Drama als besondere Art der Poesie heraus.

Dionysische Tänze

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts eroberte der Realismus das europäische Drama (Dumasson, Ogier, Sardou, Paleron, Ibsen, Suderman, Schnitzler, Hauptmann, Beyerlein).

Die Gestaltung eines dramatischen Werkes Im Gegensatz zu anderen Prosa- und Lyrikwerken haben dramatische Werke eine fest definierte Struktur. Ein dramatisches Werk besteht aus abwechselnden Textblöcken, von denen jeder seinen eigenen Zweck hat, und die mit Typografie hervorgehoben werden, damit sie leicht voneinander unterschieden werden können. Dramatischer Text kann die folgenden Blöcke enthalten:

Das Zeichenverzeichnis steht in der Regel vor dem Haupttext der Arbeit. Darin wird gegebenenfalls eine kurze Beschreibung des Helden gegeben (Alter, Erscheinungsmerkmale usw.)

Externe Bemerkungen - eine Beschreibung der Aktion, der Situation, des Aussehens und der Abreise der Charaktere. Oft entweder in reduzierter Größe oder in der gleichen Schriftart wie die Repliken, aber in einem größeren Format geschrieben. In der äußeren Bemerkung können die Namen der Helden angegeben werden, und wenn der Held zum ersten Mal erscheint, wird sein Name zusätzlich hervorgehoben. Beispiel:

Das Zimmer, das noch Kinderzimmer genannt wird. Eine der Türen führt zu Annas Zimmer. Dawn, bald geht die Sonne auf. Es ist schon Mai, die Kirschbäume blühen, aber im Garten ist es kalt, es ist Matinee. Die Fenster im Zimmer sind geschlossen.

Betreten Sie Dunyasha mit einer Kerze und Lopakhin mit einem Buch in der Hand.

Repliken sind die Worte, die von den Charakteren gesprochen werden. Bemerkungen muss der Name des Akteurs vorangestellt werden und kann interne Bemerkungen beinhalten. Beispiel:

Dunjascha. Ich dachte du wärst gegangen. (Hört.) Hier scheinen sie schon unterwegs zu sein.

LOPACHIN (hört zu). Nein ... Gepäck holen, dann ja ...

Interne Bemerkungen beschreiben im Gegensatz zu externen Bemerkungen kurz die Aktionen, die während der Aussprache einer Replik durch den Helden auftreten, oder die Merkmale der Aussprache. Wenn während der Äußerung eines Hinweises eine komplexe Handlung stattfindet, sollte sie durch einen äußeren Hinweis beschrieben werden, wobei entweder in der Bemerkung selbst oder in dem Hinweis mit Hilfe einer inneren Bemerkung darauf hingewiesen wird, dass der Akteur während der Handlung weiter spricht. Eine Insider-Notiz bezieht sich nur auf eine bestimmte Zeile eines bestimmten Schauspielers. Es ist durch Klammern von der Replik getrennt, es kann kursiv geschrieben werden.

Am gebräuchlichsten sind zwei Arten der Gestaltung dramatischer Werke: Buch und Kino. Wenn im Buchformat unterschiedliche Schriftarten, unterschiedliche Größen usw. verwendet werden können, um Teile eines dramatischen Werks zu trennen, dann ist es in Filmszenarien üblich, nur eine Schreibmaschinenschrift mit fester Zeichenbreite zu verwenden, und um Teile eines Werks zu trennen, verwenden Sie Padding, auf ein anderes Format setzen, von allen Großbuchstaben setzen, entladen usw. - also nur solche Mittel, die auf einer Schreibmaschine vorhanden sind. Dadurch konnten die Skripte während ihrer Erstellung viele Male geändert werden, wobei die Lesbarkeit erhalten blieb. .

Schauspiel in Russland

Das Drama wurde Ende des 17. Jahrhunderts aus dem Westen nach Russland gebracht. Unabhängige dramatische Literatur erscheint erst Ende des 18. Jahrhunderts. Bis ins erste Viertel des 19. Jahrhunderts überwog im Schauspiel sowohl in der Tragödie als auch in der Komödie und Komödienoper die klassische Richtung; beste Autoren: Lomonosov, Knyaznin, Ozerov; Der Versuch von I. Lukin, die Aufmerksamkeit der Dramatiker auf die Darstellung des russischen Lebens und der russischen Bräuche zu lenken, blieb vergeblich: Alle ihre Stücke sind leblos, gestelzt und der russischen Realität fremd, mit Ausnahme des berühmten "Unterholz" und "Vorarbeiter" Fonvizin, "Yabeda „Kapnist“ und einige Komödien von I. A. Krylov.

Ostrovsky gab eine Reihe bemerkenswerter historischer Chroniken und alltäglicher Komödien. Nach ihm stand das russische Drama auf festem Boden; die bekanntesten Dramatiker: A. Sukhovo-Kobylin, I. S. Turgenev, A. Potekhin, A. Palm, V. Dyachenko, I. Chernyshev, V. Krylov, N. Ya. Solovyov, N. Chaev, gr. A. Tolstoi, c. L. Tolstoi, D. Averkiev, P. Boborykin, Prinz Sumbatov, Novezhin, N. Gnedich, Shpazhinsky, Evt. Karpov, V. Tikhonov, I. Shcheglov, Vl. Nemirovich-Danchenko, A. Chekhov, M. Gorky, L. Andreev und andere.

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