Vom langen Rock zur „Gaswolke“: die Geschichte eines Ballett-Tutu. Ballettkostüm: Worin Ballerinas tanzen. Wie das Tutu in Russland Fuß fasste
MBOU-Sekundarschule Nr. 26
Aufsatz
in der Disziplin „Klassischer Tanz“
„Die Geschichte des Ballettkostüms“
Vollendet:
Kujanitschenko Daria
Geprüft:
Zaitseva L.A.
Kurgan, 2012
1. Konzept: Ballett und Ballettkostüm.
BALLETT(französisches Ballett, vom italienischen Ballett, vom späten lateinischen Ballo – Tanzen), eine Art Musik- und Theaterkunst, deren Inhalt in choreografischen Bildern zum Ausdruck kommt. In der Regel dient der Begriff der Bezeichnung einer Kunstgattung, die sich im 16.-19. Jahrhundert entwickelt hat. in Europa und Russland verbreitet und verbreitete sich im 20. Jahrhundert auf der ganzen Welt. Ballett gehört neben anderen Künsten zu den spektakulären synthetischen, räumlich-zeitlichen Formen künstlerischen Schaffens. Es umfasst Theater, Musik, Choreografie und bildende Kunst. Aber sie alle existieren im Ballett nicht für sich und werden nicht mechanisch kombiniert, sondern sind der Choreographie untergeordnet, die das Zentrum ihrer Synthese ist.
Ballettkostüm es ist Teil der gesamten künstlerischen Gestaltung. Ein Kostüm im Ballett sollte nicht nur die historischen, sozialen, nationalen und individuellen Merkmale einer bestimmten Figur offenbaren, sondern auch leicht und bequem zum Tanzen sein und die Struktur des Körpers und des Tanzes betonen. Bewegungen. Grundlage des Ballettkostüms ist die Tanz-„Uniform“ (Trikot, Tunika, Turnanzug, Tunika, Tutu), die je nach konkreten Bildern optisch gestaltet wird.
Die Kostüme der Hauptfiguren sind meist individueller. Das Corps de Ballet ist oft gleich gekleidet (während die Kostüme der Gruppen manchmal unterschiedlich sind), außer in den Fällen, in denen es eine wirklich facettenreiche Menge darstellt (Beispiele sind der erste Akt von Don Quijote, entworfen von K. Korovin, Volkstänze von Romeo). und Julia, entworfen von P. Williams und anderen). Die Vereinheitlichung von Kostümen im Massentanz (zum Beispiel in den Tänzen der Willis, Schwäne, Nereiden aus klassischen Balletten oder Katerinas Freunden in „Die steinerne Blume“, Mehmene Bakus „Gedanken“ in „Die Legende der Liebe“ usw.) betont seine emotionale und symbolische Bedeutung und entspricht der Einheit und Allgemeingültigkeit der Tanzkomposition. Durch die Erstellung von Kostümen für einzelne Charaktere erreicht der Ballettkünstler eine Einheit von visuellem Charakter und Tanzbarkeit.
All dies sind wichtige, aber mehr oder weniger äußere Anforderungen an die Choreografie. Darüber hinaus steht der Künstler vor einer komplexeren und tiefgreifenderen Aufgabe – der Abstimmung der visuellen Lösung mit den spezifischen Merkmalen choreografischer Bilder: der Musikalität und Symphonie der Tanzaktion, ihrer Allgemeingültigkeit, emotionalen und lyrischen Fülle und oft metaphorischen Bedeutung. So kann die Natürlichkeit der Bühnenbilder und Kostüme im Widerspruch zur Konventionalität der choreografischen Handlung stehen, und umgekehrt können die Abstraktion und Schematisierung der visuellen Lösung der Vitalität sowie der emotionalen und psychologischen Spezifität der Choreografie widersprechen.
Die Aufgabe des Künstlers im Ballett besteht darin, den ideologischen Kern der Aufführung zum Ausdruck zu bringen, die Umgebung und das Erscheinungsbild der Handlung in Formen zu schaffen, die dem figurativen Wesen der Choreografie entsprechen. In diesem Fall wird die künstlerische Integrität der Aufführung erreicht, bei der die visuelle Lösung Drama, Musik und Choreografie in ihrer Einheit verkörpert.
Kostüm im Ballett, einer der wichtigen Bestandteile des Performance-Designs, der sowohl den Anforderungen spezifischer ideologischer und figurativer Inhalte als auch den Besonderheiten der Choreografie gerecht wird. Kunst. K.s Rolle in b. bedeutsamer als im Drama oder in der Oper, da das Ballett keinen verbalen Text enthält und seine Unterhaltungsseite eine größere Belastung trägt. Wie in anderen Theatergattungen ist K. in b. charakterisiert die Charaktere, offenbart ihre historischen, sozialen, nationalen und individuellen Merkmale. Zur gleichen Zeit, K. in b. müssen den Anforderungen der Tanzbarkeit genügen, das heißt leicht und bequem zum Tanzen sein, die Struktur des Körpers nicht verbergen, sondern offenbaren, Bewegungen nicht behindern, sondern sie unterstützen und betonen. Anforderungen im übertragenen Sinne. Konkretheit und Tanzbarkeit stehen oft im Widerspruch zueinander. Sowohl übermäßiger „Alltag“ als auch Schematismus. Erschöpfung von K. in b. sind Extreme, die teilweise nur durch den besonderen Inhalt und die Gattung eines bestimmten Werkes gerechtfertigt werden können. Die Fähigkeit des Künstlers im Ballett besteht darin, diese Widersprüche und Extreme zu überwinden und eine organische Einheit von Bildhaftigkeit und Tanzbarkeit zu erreichen.
K. in B., da es sich um die Kleidung der Charaktere handelt, gibt es gleichzeitig ein Element ganzheitlicher Kunst. Entscheidung der Aufführung, die ihre koloristische Abstimmung mit der Szenerie vor die Aufgabe stellt, sie in ein einziges Bildbild „einzupassen“. Das Kostüm ist das „beweglichste“ Element, das dargestellt werden kann. Ballett-Design. Deshalb kann er Dynamik hineinbringen. Beginnen Sie mit Rhythmen, die den Rhythmen der Musik entsprechen. In diesem Sinne ist K. in b. ist sozusagen ein Bindeglied in der Synthese des Bildes. Kunst und Musik in einer Ballettaufführung.
Die Kostüme der Hauptfiguren sind meist individueller als die des Corps de Ballet. Die Vereinheitlichung der Kostüme des Corps de Ballet unterstreicht dessen Emotionalität, anstatt sie darzustellen. Bedeutung entspricht der Einheit und Allgemeinheit des Tanzes. Kompositionen. Der Unterschied in der Farbe und manchmal auch in der Form der Kostüme verrät oft den Kontrast des Unterschieds. Corps de Ballet-Gruppen im Massentanz oder in polyphonisch komplexen Choreographien. Kompositionen (zum Beispiel in der Prozessionsszene in „Die Legende der Liebe“, Beitrag von Yu. N. Grigorovich, Kunst von S. B. Virsaladze). In den Fällen, in denen das Corps de Ballet ein wirklich facettenreiches Publikum darstellt, können seine Kostüme auch individualisiert werden (z. B. das Publikum im 1. Akt von Don Quijote, Entwurf von A. A. Gorsky, Kunst von K. A. Korovin, 1900). Die Kostüme der Hauptfiguren stimmen in Schnitt und Farbe meist mit den Kostümen des Corps de Ballet überein und werden mit diesen nach dem Prinzip der Einheit oder des Kontrasts kombiniert, je nach konkretem figurativen Inhalt des Tanzes.
K. in b. historisch verändert im Zusammenhang mit der Entwicklung der Choreographie selbst. Kunst. In den ersten Entwicklungsstadien unterschied es sich kaum von der Alltagskleidung des höfischen Aristokraten. Umfeld. Bei barocken Aufführungen war das Kostüm besonders üppig und oft schwer. Während der Zeit des Klassizismus erschien eine stilisierte antike Tunika (Chiton) und Volkskostüme begannen, in Komödienballette einzudringen. Reformator des Balletttheaters J. J. Nover am Ende. 18. Jahrhundert nahm große Änderungen an der Kleidung vor, machte sie leichter, vereinfachte die Schuhe und verkürzte die Kleider der Frauen. Allerdings kam es in Weißrussland zu einer radikalen Reform von K., die zur Bildung seiner Moderne führte. Grundlagen, entstanden in der Kunst der Romantik ("La Sylphide", 1832, "Giselle" post. F. Taglioni usw.). Anstelle des Alltagsrocks begannen sie, eine lange Tunika zu tragen (nicht zu verwechseln mit der antiken Tunika!), die zum Vorgänger des Tutus wurde; Schuhe mit hohen Absätzen wurden durch spezielle Ballettschuhe ersetzt, die das Tanzen auf Spitzenschuhen ermöglichten. Der Kontrast zwischen dem Realen und dem Fantastischen. Welten wurde durch Kostüme betont. Der verallgemeinerte idealisierte Charakter der Symphonie. Tanzkompositionen fanden ihren Ausdruck in der Einheit der Kostüme des Corps de Ballet. In den Aufführungen von A. Saint-Leon und M. I. Petipa, dem Romantiker. Die Tunika wurde in ein Tutu umgewandelt, das in der Folge immer kürzer wurde.
Bedeutender Beitrag zur Entwicklung von K. in b. beigesteuert von Russisch frühe Künstler 20. Jahrhundert L. S. Bakst hat die Idee von K. in b. wurde im Zusammenhang mit Choreografie geboren. Bewegung; In seinen Skizzen werden die Kostüme in den scharfen, oft übertriebenen Bewegungen der Tänzer dargestellt. Die Kostüme von K. A. Korovin zeichnen sich durch ihre Farbe aus. Reichtum und malerische Einheit mit der Landschaft. Das für A. N. Benois charakteristische subtile Gespür für die Epoche und die Individualität der Figur spiegelte sich in seinen Kostümen wider. Die Kostüme von N.K. Roerich vermitteln die Urgewalt und die primitive Exotik seiner Figuren. Künstler der „Welt der Kunst“ verabsolutierten oft die farbenfrohe Bedeutung von K. in b. und behandelte es als rein malerischen Punkt im Gesamtbild, wobei er den Tänzer manchmal ignorierte oder sogar unterdrückte (z. B. B.I. Anisfeld). Aber gleichzeitig haben sie die Künste außerordentlich bereichert. Ausdruckskraft und Bildsprache von K. in b.
Im Sov. Ballettkostüme aus den 1920er Jahren. F. F. Fedorovsky und A. Ya. Golovin standen teilweise den Bildtraditionen der „Welt der Kunst“ nahe. Gleichzeitig belebten Vertreter des freien Tanzes (Anhänger von A. Duncan) die alte Tunika (Tunika) wieder. In den Experimenten von K. Ya. Goleizovsky führten die Tänzer ihre Nummern in Strumpfhosen, „Trikots“, auf, die den Körper freilegten, aber das Kostüm wurde auf eine Ballettuniform reduziert. Das Drama Ballet Studio von N. S. Gremina pflegte die Haushaltskostüme. Merkmale des Konstruktivismus spiegelten sich in den Skizzen von A. A. Exter, in „Dances of the Machines“ von N. M. Forreger und in der Einführung von Industrieuniformen in Balletten über die Moderne wider („Bolt“, entworfen von T. G. Bruni usw.). Im Ballettdrama der 30-50er Jahre. Die Künstler strebten nach einer maximalen historischen, sozialen und alltäglichen Präzisierung des Kostüms und brachten es näher an dramatische Kostüme heran. Theater („Lost Illusions“ von Asafiev, entworfen von V.V. Dmitriev, 1936 usw.). Die Schaffung von Bühnenaufführungen war in diesen Jahren von großer Bedeutung. Optionen für Menschen Kostüme, aufgrund der weit verbreiteten Verwendung von Volksensembles. Tänze, national Balletttruppen und beliebte Szenen in Ballettaufführungen („Flames of Paris“, 1932, und „Partisan Days“ von Asafiev, 1937, entworfen von Dmitriev; „Heart of the Mountains“, 1938, und „Laurencia“, 1939, entworfen von S . B Virsaladze usw.). Im Gegensatz zu den Tendenzen im Alltag der Ballettkostüme, die für diese Zeit bis zum Ende charakteristisch sind. 50er Jahre Merkmale von Abstraktion und Schematismus, Monotonie und Monotonie traten in Balletten auf, insbesondere in Produktionen von handlungslosen Balletten in symphonischen Balletten. Musik.
Hervorragender Meister K. in b. ist S. B. Virsaladze. Seine Werke (insbesondere in den von Yu. N. Grigorovich inszenierten Aufführungen) sind charakteristisch organisch. Einheit von figurativer Charakterisierung und Tanzbarkeit. Der Künstler erschöpft das Kostüm nie, verwandelt es nicht in eine reine Uniform und ein abstraktes Schema. Sein Kostüm spiegelt immer die figurativen Züge des Helden wider und ist gleichzeitig in Bewegung konzipiert, geschaffen in Einheit mit dem Konzept und der Arbeit des Choreografen. Virsaladze kleidet weniger die Charaktere als vielmehr den Tanz. Seine Kostüme zeichnen sich durch hohen, oft raffinierten Geschmack aus. Ihr Schnitt und ihre Farbe offenbaren und betonen den Tanz. Bewegungen. Die Kostüme in Virsaladzes Auftritten werden in einem spezifischen System präsentiert, das den Besonderheiten der Choreographie entspricht. Sie korrelieren farblich mit der Szenerie, entwickeln ihr Bildthema, ergänzen es mit neuen Farbstrichen und dynamisieren es im Einklang mit Tanz und Musik. Virsaladzes Werke zeichnen sich durch eine Art „malerischen Symphonismus“ aus, das heißt. in dem Umfang, der durch das K.-System in b.
Modern Das Balletttheater zeichnet sich durch eine Vielfalt an Künsten aus. Anzuglösungen. Er verwandelt das gesamte Historische Erfahrung in der Entwicklung der Malerei in der Malerei, deren Unterordnung unter besondere Künste. Ziele einer bestimmten Leistung.
(Quelle: Ballet. Encyclopedia, SE, 1981)
BTutu Es gibt zwei Arten. „Chopins“
Beide sind nach dem gängigsten „Sun-Flare“-Muster genäht – also Kreis, in der Mitte ist ein Loch. Lediglich der Kreis wird mit deutlich größerem Durchmesser genommen und das Loch größer gemacht als der Taillenumfang. Anschließend wird der entstandene „Ring“ gefaltet und an den Gürtel genäht.
Für ein klassisches Tutu nehmen sie sehr harten Tüll, der einen Einsatz kostet. Für ein Chopin-Tutu wird oft Organza verwendet, es ist weicher.
Im Allgemeinen benötigt ein klassisches (kurzes) Ballett-Tutu in der Regel mindestens 2,5 Meter Material; ein Chopin-Tutu kann bis zu 5-6 Meter lang sein.
Spitzenschuhe Dabei handelt es sich um einen speziellen Schuhtyp, der mit Bändern am Fuß befestigt wird und dessen Spitze mit einem starren Block verstärkt ist. Das Wort Spitzenschuh kommt vom französischen Wort „tip“.
Ballett – Anfang des 17. Jahrhunderts.
Gesellschaftstänze, die am Hofe der Monarchen abgehalten wurden, wurden zu Aufführungen, bei denen der Tanz eine klare geometrische Figur darstellte. Die Fähigkeiten der Ballettprofis bestanden darin, sicherzustellen, dass jeder Tänzer komplexe Pirouetten und Schritte ausführen konnte. Zum ersten Mal wurden die Grundregeln des Balletts vom Lehrer der Royal Dance Academy, Pierre Beauchamp, klar dargelegt. Dieser Choreograf betonte die Hauptbewegungen des Schauspielers, ohne die er sich das Ballett einfach nicht vorstellen konnte. Pierre Beauchamp glaubte, dass man, wenn man alle Kriterien einhält, nicht nur Perfektion im Tanz erreichen, sondern auch seinen Ballettpart auf der Bühne meisterhaft ausführen kann. In seinen Regeln berücksichtigte der Choreograf der Royal Academy die Positionen der Beine und Arme, die zum Schlüsselelement wurden und auf denen der gesamte Tanz basiert. Von da an verwandelte sich der Hoftanz in Ballett und begann, auf der großen Bühne gezeigt zu werden.
Das klassische französische Ballett wurde maßgeblich von den italienischen Tanzkünsten beeinflusst. Was für französische Tänzer eine unzerbrechliche Tradition war, deren Abkehr inakzeptabel war, war für italienische Choreographen das Wichtigste im Tanz die Virtuosität, die das Können des Tänzers bestimmt. Im 17. und 18. Jahrhundert begann sich nicht nur der Tanz selbst zu verändern, sondern auch die Kostüme der Schauspieler veränderten sich. Während früher nur männliche Tänzer auf der Bühne glänzten, wurden Frauen in der Renaissance und Romantik zu Symbolen des Balletts. Allerdings war das Frauenkostüm oft ziemlich schwer und erlaubte der Darstellerin nicht, komplexere Bewegungen auszuführen, sodass man glaubte, dass Männer viel geschicktere Tänzer seien. Doch die etablierten Klischees werden in einer Stunde von der Ballerina Marie Camargo durchbrochen. Sie lehnt lange Röcke ab und kürzt ihre so weit wie möglich. Und das gab Bewegungsfreiheit und trug zur Virtuosität der Darbietung bei. Nach und nach verbessern Choreografen ihre Tanztechnik.
Einen Großteil davon trug der Franzose Jean Nover bei, der Balletttänzer kritisierte, die mit Masken und Kostümen den Charakter des Helden zum Ausdruck brachten, während Körperbewegungen nur den klassischen Vorstellungen vom Ballett entsprachen. Nover plädiert dafür, dass Ballett alle Charaktereigenschaften einer Figur durch Tanz und Musik zum Ausdruck bringen sollte. Nur der Körper, so die Choreografin, sei so perfekt, dass jeder seine Sprache verstehen könne. Zu dieser Zeit erlangte das Ballett den Status einer Gattung dramatischer Kunst und wurde auf Bühnen auf der ganzen Welt aktiv aufgeführt.
Das Aussehen eines Ballett-Tutu.
Ballett als Kunst entstand viel früher, als moderne Kleidung und Accessoires für das Ballett auf den Markt kamen. Das erste Ballett-Tutu, wie wir es heute kennen, erschien als Teil des Gesamtkostüms der Tänzerin Maria Taglioni während der Aufführung von La Sylphide im Jahr 1839. Wie viele Modestücke dieser Zeit wurde es vom französischen Designer Eugene Lamy entworfen.
Wenn man über ein Ballett-Tutu spricht, ist es ziemlich schwierig, nicht in die Geschichte einzutauchen.
Die Geschichte des Ballettkostüms ist ziemlich logisch. Als langsame Menuette die Bühne dominierten, waren die Kostüme lang, schwer, mit Edelsteinen bestickt und hatten viele Röcke und Unterröcke. Als der Tanz komplexer wurde, entwickelte sich das Kostüm entsprechend weiter. Zunächst wurden die Korsetts entfernt, die Röcke wurden kürzer und leichter und die Ausschnitte wurden freizügiger.
Zum ersten Mal in einem sogenannten „Tutu“ betrat die Ballerina Maria Taglioni, die erste Sylphide und Stammvaterin des „romantischen Balletts“, die Bühne (*Taglioni ist auch dafür bekannt, dass sie die erste Ballerina war Menschen auf der Welt, Spitzenschuhe zu tragen, aber dazu gleich mehr).
Ein nie zuvor gesehener Gazerock, scheinbar aus dem Nichts gewebt, legitimierte das Ballettkostüm. Zuerst protestierten Tänzer (vor allem solche mit hässlichen krummen Beinen) sogar heftig gegen die Neuerungen, doch dann beruhigte man sich – diese luftige Wolke sah sehr schön aus.
Wie Sie wissen, wurde das Kostüm im Allgemeinen einfacher und kürzer, je technischer der Tanz wurde. Der Tutus, den wir heute kennen, entstand etwa in der Mitte des 20. Jahrhunderts.
Schauen wir uns nun die Namen an. Tutus sind unterschiedlich und verändern je nach Ballett ihr Aussehen.
Tutu- ein lustiges französisches Wort, das genau als Rudel übersetzt wird. Mit diesem Wort wird im Englischen ein Ballettrock bezeichnet.
Klassisches Tutu– Pfannkuchenartiger runder Rock. Ballerinas tanzen darin, wie Sie wahrscheinlich vermutet haben, in den klassischsten Balletten: Schwanensee, Paquita, Korsar, Akt 2 und 3 von La Bayadère, Der Nussknacker usw.
Der Standardradius eines Tutus beträgt 48 cm. Meistens variiert die Größe des Kreises jedoch – abhängig von der Größe der Ballerina, der Party und dem allgemeinen Stil der Aufführung. Solisten können je nach körperlichen Eigenschaften die Form des Tutus, das ihre Beine schmückt, selbstständig wählen: Sie können glatt, parallel zum Boden, leicht abgesenkt, mit flauschiger Unterseite oder umgekehrt völlig flach sein.
Aber hier ist die Sache: Ein klassisches Tutu ist ein echtes Prokrustesbett. Es zeigt kleinste Figurfehler, schwache Knie und fehlende Proben.
Es gibt sogar so etwas wie „ Ballerina ohne Tutu" Normalerweise handelt es sich dabei um eine Ballerina mit nicht sehr langen Gliedmaßen, unregelmäßig geformten Beinen oder einer Form, die über das Erlaubte hinausgeht – kurz gesagt, kurvig. Eine „Nicht-Tutu-Ballerina“ kann auch als Ballerina bezeichnet werden, deren Rolle eine bravouröse Halbfigur oder umgekehrt romantische Rollen ist. Das heißt, Kitri, Giselle, La Sylphide, aber nicht Odette-Odile oder Nikia. Die auffälligsten Beispiele für „Ballerinas ohne Tutu“ sind Natalya Osipova und Diana Vishneva.
Diana Vishneva
Natalia Osipova
Sie haben es geschafft, über die ihnen vorgeschriebene Rolle hinauszugehen, und selbst in Tutus, die sie nicht sehr schön schmückten, sehen sie großartig aus – das ist es, was Charisma mit Künstlern macht! Übrigens ist die umstrittene Osipova, die beste Kitri der Welt, kürzlich in „Schwanensee“ aufgetreten – die Rolle der Odette-Odile scheint für sie kontraindiziert zu sein. Und nichts, viele weinten)
Romantisches Tutu oder „Chopinka“- langer Tüllrock. Sie ist für die Schaffung „jenseitiger“ fantastischer Bilder verantwortlich – der Geist der verstorbenen Giselle, der schöne Geist von Sylphide. Und die Apotheose des romantischen Balletts „Chopiniana“ ist ohne diese wunderbaren luftigen Röcke überhaupt nicht vorstellbar – sie erzeugen die Illusion von Flug, Luft, Freiheit und der absoluten Unwirklichkeit des Geschehens.
Der lange, flauschige Rock verdeckt natürlich die Beine der Ballerina. Dies lenkt einerseits von möglichen Mängeln ab und lenkt andererseits die gesamte Aufmerksamkeit auf die Füße. Aber romantische Ballette sind voller feiner Technik und hässliche, nicht arbeitende Füße ohne hohen Spann stören die romantische Stimmung etwas.
Es gibt auch so ein Konzept wie Tunika oder Tunika- Das ist das gleiche Tutu, Ballettrock.
Chiton- Dies ist ein einlagiger Rock, meist aus Chiffon. Beispielsweise wird die Rolle der Julia in einem Chiton gespielt.
Tutus, Chopinki, Tuniken usw. es gibt sowohl auf der Bühne als auch bei den Proben.
Wenn das Kostüm beispielsweise von Odette, in dem die Ballerina auf die Bühne geht, ein Ganzes ist, also Ober- (Mieder) und Unterteil (eigentlich das Tutu) zusammengenäht sind, dann ist das Probekostüm genau das Richtige ein Rock mit „Höschen“, der über einem Probetrikot getragen wird (Chopinka – kein Höschen, nur ein Rock mit Passe).
Probe-Tutus bestehen aus weniger Schichten.
Sie fragen sich vielleicht: Warum bei der Probe ein Tutu tragen? Schließlich ist es durchaus möglich, mit dem Standard auszukommen Probenkleidung- Trikot und Badeanzug. Aber Sie müssen auf jeden Fall einstudieren, was die Ballerina später auf der Bühne tragen wird – so können Sie sicherstellen, dass der Rock nicht hochrutscht, dass der Partner ihn nicht erwischt, um den Gesamtablauf des Tanzes zu kontrollieren.
Maria Taglioni – ihr Beitrag zur Geschichte der Ballettkostüme.
Vor Spitzenschuhen tanzten sie in hochhackigen Schuhen im Stil der Louis-XVI-Ära oder in griechischen Sandalen. Im Streben nach Luftigkeit stellten sich die Ballerinas auf die Zehenspitzen (daher der Begriff „sur les pointes“, „auf den Zehenspitzen tanzen“): Dazu steckten sie Korkstücke in ihre Schuhe. Dieser Trick wurde zusammen mit Longes, die dabei halfen, über die Bühne zu „fliegen“, 1796 vom Franzosen Charles Didelot angewendet. Ihm wird zusammen mit dem Italiener Carlo Blasis, der diese Tanztechnik im Buch „The Dance of Terpsichore“ beschrieb, die Erfindung der Spitzenschuhe zugeschrieben. Als erste Ballerina, die 1830 das Ballett „Zephyr und Flora“ nur auf Spitzenschuhen tanzte, gilt die Italienerin Maria Taglioni. Nach der Tour in St. Petersburg kauften die Fans ihre Schuhe und aßen sie mit Soße. „Kommt daher nicht auch der Ausdruck ‚Beef like Seezunge‘, den wir so oft in Restaurants hören?“ - dachte der Balletthistoriker Alexander Pleshcheev.
Es gibt eine Legende: Als Maria Taglioni die russische Grenze überquerte, wurde sie beim Zoll gefragt: „Madam, wo ist Ihr Schmuck?“ Taglioni hob ihre Röcke, zeigte auf ihre Beine und antwortete: „Hier sind sie.“ Ja, ihre Beine waren wirklich Diamanten und ihr Tanz brachte das Publikum buchstäblich vor Glück zum Weinen. Taglioni trat erstmals 1837 vor St. Petersburger Publikum auf. Es war kein Erfolg, sondern ein Triumph. Ihr Name erlangte eine solche Popularität, dass das Karamell „Taglioni“, der Walzer „Die Rückkehr von Maria Taglioni“ und sogar die Hüte „Taglioni“ auftauchten. Doch neben Ballett-Spitzenschuhen präsentierte Maria Taglioni der Kunst und dem Publikum noch eine weitere Neuheit Erstmals präsentiert im Ballett „La Sylphide“ – ein schneeweißes Tutu, das bald zum Symbol des romantischen Balletts wurde. Diese „Gaswolke“ wurde vom Künstler und Modedesigner Eugene Lamy erfunden. Die leichte, schwerelose Tunika in Form einer halb erblühten Blume half der Tänzerin nicht nur bei schwerelosen, aber technisch anspruchsvollen Sprüngen, sondern schien auch ein besonderes, überirdisches Licht auszustrahlen, das für romantisches Ballett so notwendig ist. Zwar wurde das Bild, das Taglioni auf der Bühne verkörperte, den Pariser Frauen schon lange vor der Premiere von allen Modemagazinen angeboten. Offene Schultern, fließende Bahnen aus leichtem Stoff, eine gewisse Distanziertheit.
Aber die Pariser Fashionistas wiederum liehen sich ihren luftigen Schal von der Ballettheldin: Über die Schultern geworfen und auf die Arme fallend, verlieh er der Silhouette der Dame ein melancholisches Aussehen, wie eine im Flug angehaltene Sylphe. Aber natürlich die Hauptsache Das Wichtigste in der Kunst von Taglioni, die am 23. April 1804 in Stockholm geboren wurde, war ihr Tanz. Mit acht Jahren begann sie, sich die Grundlagen des Tanzes anzueignen, und ihr Debüt gab sie am 1. Juni 1822 am Wiener Theater als Nymphe in dem von ihr inszenierten Ballett „Der Empfang der jungen Nymphe am Hofe von Terpsichore“. Vater. Taglionis Zeitgenossen sagen, dass sie nach dem täglichen Unterricht, den ihr Vater ihr gab, oft bewusstlos auf den Boden fiel. Mit solch blutiger Arbeit bekam sie die halbstündige Abendfeier.
Die Geschichte der Sylphe, dem Geist der Luft, geheimnisvoll und schön, der mit ihrer Liebe zu einem irdischen Jugendlichen sowohl sich selbst als auch ihn zerstört, erwies sich als Angriffspunkt aller schöpferischen Kräfte von Vater und Tochter. Kostüm! In La Sylphide wurde es zur Perfektion gebracht und ist bis heute unverändert geblieben. An seiner Entstehung war der berühmte Künstler und Modedesigner E. Lamy beteiligt, der aus mehrschichtigem, leichtem Stoff eine flauschige und zugleich schwerelose Tunika oder Tutu, wie es in Russland genannt wurde, kreierte.
Zusätzlich zum luftigen, glockenförmigen Rock waren an den Trägern des Mieders hinter Taglionis Schultern leicht transparente Flügel befestigt. Dieses theatralische Detail wirkt nun wie eine völlig natürliche Ergänzung der Figur der Sylphe, die nach Lust und Laune gleichermaßen in die Luft steigen und zu Boden fallen kann. Marias Kopf war glatt gekämmt und mit einer eleganten weißen Krone geschmückt.
Zum ersten Mal in „La Sylphide“ tanzte Taglioni nicht auf halben Zehen, sondern auf Spitzenschuhen, was die Illusion einer leichten, fast zufälligen Berührung der Bühnenoberfläche erzeugte. Dies war ein neues Ausdrucksmittel – das Publikum sah die Sylphide und ihre Freunde buchstäblich über dem Boden schweben.
Taglioni schien aus Mondlicht gewoben zu sein und erhellte die Bühne geheimnisvoll. Das Publikum drückte sich unwillkürlich in seine Sitze, überwältigt von einem alarmierend bewundernden Gefühl der Unwirklichkeit des Geschehens: Die Ballerina hatte ihre menschliche Hülle verloren – sie schwebte in der Luft. Das war kontraintuitiv.
Alles in allem war La La Sylphide mit Taglioni ein Ereignis mit einer Resonanz, die nur gesellschaftliche Stürme und große Schlachten für sich beanspruchen können. Die Menschen erlebten einen echten Schock und sahen aus erster Hand, was Talent ist. Aber der Teil der Sylphide war jeglichen technischen Effekten fremd. Aber genau das war Taglionis stille Revolution – eine Änderung der Richtlinien, Vorlieben, der Triumph der Romantik als neue Ära der Choreographie. Wie viele Jahre sind seitdem vergangen, wie viele Ovationen gab es auf der Bühne, als es schien, als würde die Sylphide mit einem einzigen leichten Sprung für immer davongetragen!
Im Jahr 1832 heiratete Maria den Comte de Voisin, führte jedoch weiterhin ihren Mädchennamen und gab die Bühne nicht auf. 1847 verließ sie das Theater und lebte hauptsächlich in Italien in ihren eigenen Villen. Maria brachte in den ersten beiden Ehejahren zwei Kinder zur Welt: einen Sohn und eine Tochter. Sie gab Ballettunterricht. Sie trat erneut in Paris auf, aber nur, um ihre Schülerin Emma Levy zu ermutigen, einen aufstrebenden Star, der die klassischen Balletttraditionen wiederbelebt hatte, die nach dem Weggang von Taglioni für einige Zeit in Vergessenheit geraten waren. Für dieselbe Debütantin schrieb sie das Ballett „Butterfly“.
Maria Taglioni starb 1884 in Marseille und ist auf dem Friedhof Père Lachaise begraben. Auf dem Grabstein befindet sich folgendes Epitaph: „Ô terre ne pèse pas trop sur elle, elle a si peu pesé sur toi“ (Erde, übe nicht zu viel Druck auf sie aus, denn sie ging so leicht über dich hinweg).
Spitzenschuhe
Als ich weiter im Internet nach einem Treffer für das Suchwort „Ballett“ suchte, stieß ich auf meine Lieblingsressource Gey.ru, deren Bewohner, wie sich herausstellte, Ballett wirklich lieben. Und sie schenken ihm viel Aufmerksamkeit.
Hier ist, was ich zum interessantesten (und mehr als einmal diskutierten) Thema Ballettkostüme herausgefunden habe.
Herren-Ballettkostüm: vom Leibchen über die Hose bis hin zur völligen Nacktheit
Für Männer in Ballettkostümen begann alles mit einer solchen Wendung, dass man sich heute nicht mehr vorstellen kann, wie man in solchen Outfits nicht nur tanzen, sondern sich einfach auf der Bühne bewegen kann. Doch die Tänzer zeigten sich als echte Kämpfer für die völlige Befreiung des Körpers von den Lumpenfesseln. Zwar erwies sich der Weg, den sie gehen mussten, um fast nackt vor dem Publikum zu erscheinen und ihre „Schande“ nur mit einem Feigenblatt namens Verband oder sogar nackt zu bedecken, als lang, dornig und skandalös.
Rock auf einem Rahmen
Wie war ein Tänzer in den Anfängen des Balletts? Das Gesicht des Künstlers war durch eine Maske verborgen; sein Kopf war mit einer hohen Perücke mit flauschigen Haaren geschmückt, deren Enden ihm über den Rücken fielen. Über der Perücke wurde ein weiterer unglaublicher Kopfschmuck angebracht. Die Stoffe für die Anzüge waren schwer, dicht und großzügig gebauscht. Die Tänzerin erschien auf der Bühne in einem Rock, dessen Rahmen fast bis zum Knie reichte, und in hochhackigen Schuhen. Auch in der Männerkleidung wurden Gewänder aus Gold- und Silberbrokat verwendet, die vom Rücken bis zu den Fersen reichten. Nun ja, nur ein Weihnachtsbaum, der nur nicht mit bunten Glühbirnen leuchtet.
Gegen Ende des 18. Jahrhunderts begann sich das Ballettkostüm allmählich zu verändern und wurde leichter und eleganter. Der Grund liegt in der immer komplexer werdenden Tanztechnik, die die Befreiung des männlichen Körpers von schweren Kleidungsstücken erfordert. Kostüminnovationen werden wie immer vom Trendsetter diktiert – Paris. Der Hauptdarsteller trägt nun einen griechischen Chiton und Sandalen, deren Riemen sich um den Knöchel und die Wadenbasis seiner nackten Beine schlingen. Ein Tänzer des Halbcharakter-Genres tritt in einem kurzen Leibchen, Pantalons und langen Strümpfen auf, ein Tänzer einer charakteristischen Rolle trägt ein Theaterhemd mit offenem Kragen, eine Jacke und eine Hose. In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts tauchte ein so wichtiges Merkmal der Herrenkleidung auf, das übrigens bis heute erhalten geblieben ist: fleischfarbene Strumpfhosen. Diese erstaunliche Erfindung wird dem Kostümbildner der Pariser Oper, Maglio, zugeschrieben. Aber es ist unwahrscheinlich, dass dieser talentierte Monsieur sich vorstellen konnte, dass sein eng gestricktes Produkt im 20. Jahrhundert zu etwas Elastischem werden würde.
Albert ohne Hose
Alles verlief im Rahmen von Traditionen und Anstand, bis der große Reformator des Balletttheaters und leidenschaftlicher Bewunderer des heißen Männerkörpers Sergei Diaghilev der Welt sein Unternehmen zeigte – Diaghilevs „Russische Jahreszeiten“. Hier begann alles – Skandale, Lärm, Hysterie und alle möglichen Geschichten, die sowohl mit Diaghilew selbst als auch mit seinen Liebhabern zu tun hatten. Denn wenn zuvor eine Ballerina auf der Bühne herrschte und der Tänzer mit ihr die Rolle eines gehorsamen Herrn spielte – er half ihr beim Drehen, damit sie nicht fiel, er hob sie höher, um den Ballerinas zu zeigen, was sich unter ihren Röcken befand Diaghilew macht den Tänzer zur Hauptfigur seiner Auftritte.
Ein lauter Skandal, der nicht mit Diaghilews besonderer sexueller Orientierung, sondern einfach mit seinem Bühnenkostüm zusammenhängt, brach 1911 bei dem Stück „Giselle“ aus, in dem Vaslav Nijinsky, Diaghilews offizieller Liebhaber, den Grafen Albert tanzte. Der Tänzer trug alles, was für die Rolle erforderlich war – Strumpfhosen, ein Hemd, eine kurze Jacke, aber es gab kein Höschen, das zu dieser Zeit für einen Tänzer obligatorisch war. Und so erschienen dem Publikum Nijinskys ausdrucksstarke Hüften in ihrer offenen Appetitlichkeit, was Kaiserin Maria Fjodorowna, die bei der Aufführung anwesend war, empörte. Die skandalöse Geschichte endete mit Nijinskys Entlassung „wegen Ungehorsams und Respektlosigkeit“ gegenüber der kaiserlichen Bühne. Aber die Tanzsuche des Künstlers hörte nicht auf; er setzte seinen Kampf für die Freiheit des Körpers im Tanz fort. Im selben Jahr tritt Nijinsky im Ballett „Das Gespenst der Rose“ in einem von Lev Bakst entworfenen Kostüm auf, das seiner Figur wie angegossen passt. Wenig später erscheint in „The Afternoon of a Faun“ die Tänzerin Nijinsky in einem so auffälligen Trikot, das auch heute noch modern und sexy wirkt, auf der Bühne. Zwar geschehen all diese Enthüllungen bereits außerhalb der Grenzen unseres heimischen, aber hartnäckigen Russlands.
Dieses süße Wort ist Verband
In den fünfziger Jahren entwickelte Maurice Bejart, ein Tanzzauberer, der den Körper, insbesondere den männlichen Körper, vergötterte, ein universelles Outfit für eine Tänzerin und einen Tänzer: ein Mädchen in schwarzen Strumpfhosen, einen jungen Mann in Strumpfhosen und einem nackten Oberkörper. Dann wird das Outfit des jungen Mannes verbessert und der junge Mann bleibt nur noch in einem Verband. Aber in der Sowjetunion gab es bekanntlich keinen Sex. Er war auch nicht auf der Ballettbühne. Ja, natürlich gab es Liebe, aber reine Liebe – „Der Brunnen von Bachtschissarai“, „Romeo und Julia“, aber keine Offenheit. Dies galt auch für Herrenanzüge. Die Tänzerin trug enge Shorts, darüber eine Strumpfhose und über der Strumpfhose noch eine Baumwollhose. Selbst wenn Sie durch das leistungsstärkste Teleskop schauen, werden Sie keine Schönheit sehen können. Dennoch gab es im sowjetischen Vaterland schamlose Draufgänger, die sich eine solche Uniform nicht gefallen lassen wollten. Es heißt, dass bei einer der Aufführungen im Kirov (Mariinsky) Theater im Jahr 1957 der herausragende Tänzer Vakhtang Chabukiani in einer sehr freizügigen Form auf der Bühne erschien: in weißen Strumpfhosen, direkt am nackten Körper getragen. Der Erfolg hat alle erdenklichen Grenzen überschritten. Scharfzüngig wandte sich die hervorragende Ballettlehrerin Agrippina Waganowa beim Anblick der Tänzerin an diejenigen, die mit ihr in der Loge saßen, und witzelte: „Auch ohne Okulare sehe ich so einen Blumenstrauß!“
Ein weiterer Kirovsky-Tänzer trat in die Fußstapfen von Chabukiani, damals noch kein Ballettdissident und weltberühmter Schwuler, sondern nur Solist des Theaters: Rudolf Nurejew. Die ersten beiden Akte von Don Quijote tanzte er in einer von den sowjetischen Behörden erlaubten traditionellen Tracht – in Strumpfhosen, über denen kurze Hosen mit Puffärmeln getragen wurden. Vor dem dritten Akt kam es hinter den Kulissen zu einem regelrechten Skandal: Der Künstler wollte nur einen weißen, enganliegenden Trikotanzug über einer speziellen Ballettbinde und keine Hose tragen: „Diese Lampenschirme brauche ich nicht“, sagte er. Die Theaterleitung verlängerte die Pause um eine Stunde und versuchte, Nurejew zu überzeugen. Als sich der Vorhang endlich öffnete, war das Publikum schockiert: Alle dachten, er hätte vergessen, seine Hose anzuziehen.
Generell strebte Rudolph nach größtmöglicher Nacktheit. In „The Corsair“ erschien er mit nacktem Oberkörper und in „Don Quixote“ erzeugte ein unglaublich dünner Trikotanzug die Illusion nackter Haut. Doch sein volles Potenzial entfaltete der Künstler außerhalb der sowjetischen Heimat. So erscheint Nurejew in „Dornröschen“, das er für das National Ballet of Canada inszenierte, in einen bodenlangen Umhang gehüllt. Dann dreht er dem Publikum den Rücken zu und senkt langsam, langsam seinen Umhang, bis er knapp unter seinem Gesäß erstarrt.
Zwischen den Beinen befindet sich eine Mantelschulter
Die Theaterkünstlerin Alla Kozhenkova sagt:
- Wir haben eine Ballettaufführung gemacht. Beim Anprobieren eines Anzugs erzählt mir der Leadsänger, dass ihm der Anzug nicht gefällt. Ich kann nicht verstehen, was los ist: Alles passt gut, er sieht in diesem Anzug großartig aus ... Und plötzlich dämmert es mir: Ihm gefällt der Hosenträger nicht, er scheint zu klein zu sein. Am nächsten Tag sage ich zur Schneiderin: „Nehmen Sie bitte die Mantelschulter und stecken Sie sie in die Bandage.“ Sie sagte mir: „Warum? Warum?“ Ich sagte ihr: „Hör zu, ich weiß, was ich sage, es wird ihm gefallen.“ Bei der nächsten Anprobe zieht die Tänzerin das gleiche Kostüm an und erzählt mir freudig: „Siehst du, es ist viel besser geworden.“ Und nach einer Sekunde fügt er hinzu: „Aber es scheint mir, dass Sie die Schulter einer Frau eingeführt haben, aber sie ist klein … Sie müssen die eines Mannes einfügen.“ Ich konnte mich kaum zurückhalten und lachte, aber ich tat, was er verlangte. Die Schneiderin nähte aus einem Raglanärmel eines Herrenmantels eine Schulter zu einer Bandage. Der Künstler war im siebten Himmel.
Früher wurde eine Hasenpfote eingefügt, aber jetzt ist sie nicht mehr in Mode – sie hat nicht das richtige Format, aber eine Mantelschulter ist genau das, was Sie brauchen.
Nurejew war ein Pionier der Nacktheit in Leningrad, und Maris Liepa konkurrierte mit ihm in Moskau. Wie Nurejew verehrte er seinen Körper und entblößte ihn ebenso entschieden. Es war Liepa, die als erste in der Hauptstadt mit einer Bandage unter Strumpfhosen auf die Bühne ging.
Mann oder Frau?
Aber das Interessanteste ist, dass die Männer im 20. Jahrhundert nicht nur versuchten, ihren Körper so weit wie möglich freizulegen, sondern ihn auch zu verhüllen. Einige mochten besonders die Ballettkostüme für Frauen. Für einen echten Schock sorgte in Russland die Gründung des Männerballetts von Valery Mikhailovsky, dessen Tänzer das Damenrepertoire allen Ernstes in echten Damenkostümen aufführten.
- Valery, wer hatte die Idee, eine so ungewöhnliche Truppe zu gründen? - Ich frage Michailowski.
- Die Idee gehört mir.
- Heutzutage ist es schwierig, das Publikum mit etwas zu beeindrucken, aber wie wurden Ihre sozusagen weiblich-männlichen Tänze vor zehn Jahren wahrgenommen, als die Gruppe auftrat? Wurden Ihnen homosexuelle Gewalttaten vorgeworfen?
- Ja, es war nicht einfach. Es gab Gerüchte aller Art. Dennoch empfängt uns das Publikum mit Freude. Und es gab keine Vorwürfe der Homosexualität. Obwohl es jedem freisteht, zu denken und zu sehen, was er will. Wir werden niemanden überzeugen.
- Gab es vor Ihrem Männerballett etwas Ähnliches in der Welt des Tanzes?
- In New York gibt es eine Truppe namens Ballet Trocadero de Monte Carlo, aber was sie machen, ist völlig anders. Sie haben eine grobe Parodie auf den klassischen Tanz. Wir parodieren auch Ballett, aber wir machen es als Profi.
- Möchten Sie sagen, dass Sie die Technik des klassischen Damentanzes perfekt beherrschen?
- Generell haben wir zunächst nicht versucht, Frauen im Ballett zu ersetzen. Die Frau ist so schön, dass es sich nicht lohnt, übergriffig zu werden. Und egal wie elegant, kultiviert und plastisch ein Mann auch sein mag, er wird trotzdem niemals so tanzen, wie eine Frau tanzt. Daher sollten Frauenpartien mit Humor getanzt werden. Das zeigen wir.
Aber zuerst war es natürlich notwendig, die Technik der Frauen zu beherrschen.
- Welche Schuhgröße haben eure Jungs? Männlich oder weiblich?
- Von einundvierzig bis dreiundvierzig. Und das war auch ein Problem: Damenballettschuhe dieser Größe kommen in der Natur nicht vor und werden daher für uns auf Bestellung gefertigt. Übrigens hat jeder der Tänzer seinen eigenen Namensblock.
- Wie verbergen Sie Ihre männlichen Vorzüge – Muskeln, Brustbehaarung und allerlei andere pikante Details?
- Wir verbergen nichts und versuchen nicht, die Öffentlichkeit in die Irre zu führen; im Gegenteil betonen wir, dass nicht Frauen, sondern Männer vor ihnen sprechen.
- Und doch kann jemand getäuscht werden. Es muss viele lustige Episoden gegeben haben?
- Ja, das hat gereicht. Es war anscheinend in Perm. Die Jungs, bereits geschminkt und mit Perücken, wärmen sich vor Beginn des Auftritts auf der Bühne auf, und ich stehe hinter den Kulissen und höre ein Gespräch zwischen zwei Putzfrauen. Einer sagt zum anderen: „Hör zu, hast du schon einmal so riesige Ballerinas gesehen?“ Darauf antwortet sie: „Nein, nie, aber hörst du, mit welcher Bassstimme sie sprechen?“ - „Warum überrascht sein, alle sind verraucht?“
- Und keiner der männlichen Zuschauer hat Ihren Künstlern einen Heiratsantrag gemacht?
- Nein. Zwar kam eines Tages ein Zuschauer, der viel Geld für eine Eintrittskarte bezahlt hatte, hinter die Bühne und verlangte, dass man ihm beweisen sollte, dass vor ihm nicht Frauen, sondern Männer auftraten, sagte er mit Blick aus dem Zuschauerraum, er könne es nicht ausmachen.
- Und wie haben Sie das bewiesen?
- Die Jungs waren bereits ohne Make-up und ohne Tutus und er verstand alles.
Alles wird gefilmt
Tatsächlich werden Sie die Zuschauer heute mit nichts überraschen: nicht mit einem Mann im Tutu, nicht mit dem engsten Trikot, nicht einmal mit einem Verband. Wenn auch nur mit nacktem Körper... Heutzutage tritt in Gruppen, die sich zum modernen Tanz bekennen, immer häufiger ein nackter Körper auf. Dies ist eine Art Köder und verführerisches Spielzeug. Der nackte Körper kann traurig, erbärmlich oder verspielt sein. Einen solchen Witz spielte vor einigen Jahren in Moskau die amerikanische Truppe Ted Shawn's Dancing Men. Junge Leute erschienen auf der Bühne, bescheiden gekleidet in kurzen Frauenkleidern, die an Slips erinnerten. Kaum hatte der Tanz begonnen, geriet das Publikum in Ekstase. Tatsache ist, dass die Männer nichts unter ihren Röcken anhatten. Das Publikum, in dem wahnsinnigen Wunsch, einen besseren Blick auf den wohlhabenden Männerhaushalt zu werfen, der sich plötzlich vor ihm öffnete, wäre fast von seinen Sitzen geflogen. Die Köpfe der begeisterten Zuschauer drehten sich nach den Tanzpirouetten, und ihre Augen schienen gleich aus den Okularen des Fernglases hervorzuspringen, die sich augenblicklich in der Szene vergruben, in der die Tänzer ausgelassen ihren frechen Tanz aufführten. Es war sowohl lustig als auch aufregend, stärker als jeder der coolsten Striptease.
Unser ehemaliger Landsmann und heutiger Weltstar Vladimir Malakhov tritt in einem der Ballette völlig nackt auf. Übrigens, als Wladimir noch in Moskau lebte, wurde er gerade wegen seiner nicht-traditionellen sexuellen Orientierung im Eingang seines eigenen Hauses heftig geschlagen (so dass sein Kopf genäht werden musste). Jetzt tanzt Malakhov auf der ganzen Welt, auch völlig nackt. Er selbst glaubt, dass Nacktheit nicht schockierend ist, sondern eine künstlerische Verkörperung des Balletts, in dem er tanzt.
Am Ende des 20. Jahrhunderts besiegte der Körper die Klage im Kampf um seine Freiheit. Und das ist natürlich. Was ist schließlich eine Ballettaufführung? Es ist ein Tanz der Körper, der die Körper der Zuschauer erweckt. Und es ist am besten, eine solche Aufführung mit dem Körper zu sehen, nicht mit den Augen. Für dieses körperliche Erwachen des Publikums braucht der tanzende Körper völlige Freiheit. Also, es lebe die Freiheit!
Der Artikel wurde der Informationsquelle www.gay.ru entnommen.
Geschichte des Ballett-Tutu. Foto – thevintagenews.com
Eine Ballerina wird in den Augen eines jeden Menschen sicherlich durch ein Tutu repräsentiert.
Dieses Bühnenkostüm ist aus dem klassischen Ballett nicht mehr wegzudenken.
Dies war jedoch nicht immer der Fall. Das moderne Bild einer Ballerina hat, bevor es endgültig geformt wurde, viele Veränderungen durchgemacht und einen langen Weg zurückgelegt.
Viele mögen überrascht sein, aber bis zur zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts traten Ballerinas auf der Bühne lediglich in eleganten Kleidern auf, die sich kaum von denen unterschieden, in denen die Zuschauer kamen.
Es war ein Kleid mit Korsett, etwas kürzer als üblich, ziemlich voluminös. Ballerinas traten immer mit hohen Absätzen auf. Der Anteil der Ballerinas wurde durch die neue Mode der Antike etwas erleichtert. Im Ballett wurden übrigens auch mythologische Themen verwendet, zum Beispiel „Amor und Psyche“.
Maria Tiglioni im Ballett „Zephyr und Flora“. So sah die erste Packung aus, jetzt heißt sie „Chopinka“ Damen begannen, luftige, durchscheinende Kleider mit hoher Taille zu tragen. Sie wurden sogar leicht angefeuchtet, damit der Stoff besser am Körper anliegt. Sie trugen Strumpfhosen unter ihren Kleidern und Sandalen an den Füßen.
Doch mit der Zeit wurde die Technik der Ballerinas komplizierter und es wurde leichtere Kleidung für die Bühne benötigt. Zuerst verzichteten die Primas auf Korsetts, dann kürzten sie ihre Röcke und das Kleid selbst begann sich wie eine zweite Haut anzuschmiegen.
Wer hat das Paket erfunden?
Am 12. März 1839 trat Maria Taglione erstmals in einem Ballett-Tutu vor Publikum auf. An diesem Tag fand die Premiere von „La Sylphide“ statt, in der die Ballerina die Hauptrolle einer Märchenfee spielte.
Für eine solche Rolle war ein entsprechendes Outfit erforderlich. Es wurde von Filippo Taglioni für seine Tochter erfunden.
Einer Version zufolge war Marias unbeholfene Figur der Auslöser für die Kreation der späteren klassischen Ballettkleidung. Um die Mängel zu verbergen, entwickelte Taglioni ein Kleid, das dem gesamten Erscheinungsbild der Heldin Leichtigkeit und Anmut verlieh.
Das Kleid wurde nach den Skizzen von Eugene Lamy angefertigt. Dann wurde der Rock aus Tüll gefertigt. Allerdings war das Ballett-Tutu damals noch lange nicht so kurz wie heute.
Die nächste „Verwandlung“ des Rudels erfolgte wenig später. Aber selbst solch eine bescheidene Kleidung stieß in der Ballettwelt zunächst auf Ablehnung.
Das Tutu war vor allem nicht der Geschmack von Ballerinas mit nicht sehr schönen Beinen. Doch die Freude der Zuschauer und Kunstkritiker, die die Leichtigkeit der Tänzer bewunderten, kannte keine Grenzen. Dabei spielte das Rudel eine wesentliche Rolle. So fand dieses Kostüm großen Anklang und wurde dann zum Klassiker.
Über Maria Taglioni gibt es übrigens eine Legende. Als sie die Grenze zu Russland überquerte, fragten Zollbeamte, ob sie Schmuck bei sich trage. Dann hob die Ballerina ihren Rock und zeigte ihre Beine. Maria war die erste, die Spitzenschuhe trug.
Wie das Rudel in Russland Fuß fasste
Das zaristische Russland zeichnete sich durch seinen Konservatismus aus und akzeptierte das neue Produkt nicht sofort. Dies geschah erst ein halbes Jahrhundert später. Aber in unserem Land änderte sich das Rudel erneut.
Der Innovator war Anfang des 20. Jahrhunderts das Bolschoi-Theater Prima Adeline Giuri. Der kapriziösen Person gefiel der lange Rock, in dem sie für Fotografen posieren musste, nicht. Die Ballerina nahm einfach die Schere und schnitt ein ordentliches Stück vom Saum ab. Seitdem gibt es eine Mode für kurze Rucksäcke.
Wie wurde das Paket sonst noch verändert?
Obwohl das Ballett-Tutu seit Beginn des 20. Jahrhunderts die Form und das Aussehen annahm, die wir bis heute kennen, haben wir immer damit experimentiert. In Inszenierungen beispielsweise von Marius Petipa konnte sich die Ballerina in Kostümen unterschiedlicher Stilrichtungen kleiden.
In einigen Szenen trat sie in einem gewöhnlichen „zivilen“ Kleid auf und für Solopartien zog sie ein Tutu an, um ihr ganzes Können und Talent zu demonstrieren. Anna Pavlova trat in einem langen und weiten Rock auf.
In den 30er und 40er Jahren kehrte das Ballett-Tutu aus dem 19. Jahrhundert auf die Bühne zurück. Erst jetzt wurde es anders genannt – „shopenka“. Und das alles, weil Mikhail Fokine die Tänzer in seiner Chopiniana so gekleidet hat. Andere Regisseure verwendeten gleichzeitig ein kurzes und flauschiges Tutu.
Und seit den 60er Jahren ist daraus einfach ein flacher Kreis geworden. Die Packung ist mit allem verziert, was es nur gibt: Strasssteine, Glasperlen, Federn, Edelsteine.
Woraus bestehen Tutus?
Ballett-Tutus sind aus leicht durchscheinendem Stoff – Tüll – genäht. Zunächst erstellen Designer eine Skizze. Selbstverständlich werden die Besonderheiten der Figur jeder Ballerina berücksichtigt und daher hat jede Tänzerin ihre eigene Kleiderskizze.
Die Breite des Tutus hängt von der Körpergröße der Ballerina ab. Im Durchschnitt beträgt sein Radius 48 cm.
Eine Packung benötigt mehr als 11 Meter Tüll. Die Herstellung einer Packung dauert etwa zwei Wochen. Bei aller Modellvielfalt gibt es strenge Nähregeln.
Beispielsweise werden Tutus niemals mit Reißverschlüssen oder Knöpfen genäht, die sich während eines Auftritts lösen könnten. Als Befestigungsmittel werden ausschließlich Haken verwendet, allerdings in strenger Reihenfolge bzw. im Schachbrettmuster. Und manchmal, wenn die Produktion besonders komplex ist, werden die Tutus dem Tänzer von Hand angenäht, bevor er auf die Bühne geht.
Welche Packarten gibt es?
Das Rudel hat viele Namen. Wenn Sie also irgendwo die Wörter „Tunika“ oder „Tutu“ hören, wissen Sie: Sie bedeuten dasselbe Rudel. Lassen Sie uns nun herausfinden, welche Arten von Paketen es gibt.
Alexander Radunsky und Maya Plisetskaya in R. Shchedrins Ballett „Das kleine bucklige Pferd“ Das klassische Tutu ist ein pfannkuchenförmiger Rock. Die Solisten sind übrigens direkt an der Entstehung ihres Kostüms beteiligt. Sie können die Form eines Tutus wählen, das parallel zum Boden sein kann oder mit einem leicht abgesenkten Rock.
Ich nähe auch einen „Chopinka“, einen langen Rock, aus Tüll. Diese Rockform eignet sich sehr gut für die Gestaltung mythischer Charaktere oder unbelebter Kreaturen.
Der Vorteil dieses Outfits besteht darin, dass es unzureichend straffe Knie und andere Unvollkommenheiten kaschiert, aber die Aufmerksamkeit auf die Füße lenkt.
Eine andere Art von Kleidung, die im Ballett nicht wegzudenken ist, ist die Tunika. Sein Rock ist einlagig, er ist oft aus Chiffon genäht. In diesem Kleid wird die Rolle der Julia gespielt.
Warum werden Tutus während der Proben benötigt?
Für Proben von Ballettaufführungen werden Tutus separat genäht. Sie lassen sich leichter an- und ausziehen als die, die Ballerinas auf der Bühne tragen.
So können alle Teile eines Bühnenkostüms zusammengenäht werden, wohingegen für Proben kein Mieder benötigt wird, sondern nur ein Rock mit Höschen zum Einsatz kommt. Außerdem haben Probe-Tutus nicht so viele Schichten.
Für die Probe ist ein Tutu unbedingt erforderlich. Schließlich müssen Tänzer sofort erkennen, wo das Tutu im Weg ist, wo es hochrutschen oder von einem Partner berührt werden kann. Und der Regisseur wird in der Lage sein, das Tanzmuster zu gestalten.
Das Tutu hat sich so fest etabliert, dass es nicht nur auf der Ballettbühne zum Einsatz kommt. Allerdings wird das Tutu darüber hinaus für komische Auftritte von Popkünstlern und sogar im Zirkus verwendet.
Die Geschichte der Ballettkostüme begann vor mehreren Jahrhunderten. Die ersten Primaballerinas waren gezwungen, luxuriöse, aber extrem schwere Kleider zu tragen: flauschige lange Röcke und Korsetts waren mit verstreuten Steinen, Perlen und Volants verziert, was ihre Bewegungen einschränkte. Die Ballettkleidung für Frauen veränderte sich völlig durch den Choreografen Filippo Taglioni, der im 19. Jahrhundert erstmals ein völlig neues Kostüm entwickelte und Spitzenschuhe für seine Tochter erfand. Andere Geschichtsinteressierte behaupten, die Entdeckerin sei Maria Taglioni gewesen, das Kleidungsdesign selbst stammt jedoch vom Künstler Eugene Lamy. Und zum ersten Mal im März 1839 sah die Welt Maria Taglioni auf Spitzenschuhen, wie sie anmutig komplexe Ballettschritte ausführte.
Von da an begann sich die Ballettkleidung rasant zu verändern und wurde kürzer und leichter. Schließlich war es wirklich sehr schwierig, auf Spitzenschuhen in weiten Röcken und mit schweren Korsetts zu tanzen. Röcke wurden aus luftigen Stoffen genäht, ihre Länge reichte bis zu den Knien und variierte leicht nach oben und unten. Auch die Lautstärke nahm allmählich ab.
Eine ganze Ära in der Entwicklung des Balletts in der UdSSR war die Zeit des „Eisernen Vorhangs“. Dann wurde das klassische Tutu am weitesten verbreitet. Und dank der Tatsache, dass die Trends westlicher Fashionistas den sowjetischen Ballerinas verschlossen waren, erkannte die Weltgemeinschaft im Laufe der Zeit, dass die russische Schule in Technik und Schönheit der Aufführung ihresgleichen sucht. Anmutige Körperlinien, perfekt auf das Ideal der Bewegung abgestimmt – russische Ballerinas wurden vom Fall des „Vorhangs“ bis heute von allen bewundert.
Im modernen Tanz gibt es keine so strengen Anforderungen an die Kleidung. Ein Ballettkostüm für ein Mädchen kann beispielsweise aus einem Trainingsrock und einer Strumpfhose, einem Trikot und weißen Socken bestehen. Bei Auftritten wird das Kostüm natürlich völlig anders ausfallen. Dennoch treten Ballerinas heute in enganliegenden Kleidern, Strumpfhosen, weiten Röcken auf und natürlich kommen sie nicht ohne einen klassischen Tellerrock aus.
Die Packung verdient immer besondere Aufmerksamkeit. Schließlich vervollständigt das Kostüm der Ballerina mit ihr das Bild. Die gängigsten Packungsarten sind:
1. Klassisches Tutu – ein runder, stehender Rock aus 10–12 Lagen, der bei Ballerinas in Produktionen wie „Schwanensee“, „Don Quijote“, „Paquita“ usw. zu sehen ist. Am häufigsten wird zur starren Fixierung ein Stahlbügel eingesetzt. Eine Ausnahme können Rucksäcke für die Kleinen sein. Damit der Rock immer in Form bleibt, bewahren Sie ihn am besten stehend in einem speziellen Koffer auf.
2. Ein Glocken-Tutu oder Shopinka ist ein länglicher, luftiger Rock. Es gibt keine starren Ringe und die Anzahl der Stofflagen ist viel geringer als beim Klassiker. Dadurch wirken Ballerinas besonders zart und zart. Chopinka ist ideal für romantische Rollen. Zum Beispiel für die Produktion von „Sylphilia“, „The Vision of a Rose“.
3. Chiton – ein einlagiger Guipure-Rock, der dem ohnehin schon schlanken weiblichen Körper auf der Bühne Zerbrechlichkeit verleiht. Am häufigsten bei Aufführungen von Romeo und Julia getragen.
Jede Ballettkleidung, die Sie bei uns kaufen können, spiegelt Individualität wider, betont Eleganz und Weiblichkeit. Obwohl es den Anschein hat, dass beispielsweise ein klassischer Rock nicht anders genäht werden kann, indem man die Kanten leicht absenkt oder anhebt, erhält man einen völlig neuen Look! Verzieren Sie mit Perlen, Strasssteinen, Perlen, Streifen, Federn – und schon haben Sie ein völlig neues Kostüm, das sonst niemand hat. Kontaktieren Sie uns – wir machen Ihr Bild perfekt!
Die Anmut der Ballettkunst berührt immer die Seele von Erwachsenen und Kindern. Mädchen sind bereit, stundenlang die schönsten Outfits mit niedlichen Tutu-Röcken und mit Perlen oder Strasssteinen bestickten Oberteilen anzuschauen. Und wenn ein Kind kein Ballett macht, aber davon träumt, ein ähnliches Outfit anzuprobieren, warum machen Sie Ihrer kleinen Tochter nicht eine Freude und verwandeln sie auf der Neujahrsparty in eine Ballerina? Darüber hinaus ist die Erstellung eines solchen Bildes überhaupt nicht schwierig oder teuer.
Ein Ballerina-Kostüm eignet sich nicht nur für Silvesterfeiern. Es kann problemlos zu einer Geburtstagsfeier oder einfach zum Spielen getragen werden. Daher sollten Sie die Erstellung nicht aufschieben und denken, dass jetzt nicht der richtige Zeitpunkt ist. Die folgende Beschreibung erleichtert das Verständnis des Arbeitsablaufs, der auf jeden Fall zu einem entzückenden Ballerina-Kostüm führt.
Bilddetails
Um kein Detail zu vergessen, sollten Sie sofort festlegen, welche Bildelemente im Anzug vorhanden sein müssen. Machen Sie am besten ein Foto als Beispiel oder skizzieren Sie selbst das gewünschte Outfit. Zu einem Ballerina-Kostüm gehört auch ein schönes Oberteil oder ein enganliegendes Langarm-T-Shirt. Sie können fertiges Golf mit Kehle nehmen. Sie benötigen außerdem Socken. Spitzenschuhe können problemlos Schuhe oder Hausschuhe ersetzen, an denen Sie Satinbandstücke befestigen können, die Sie um Ihre Schienbeine wickeln müssen. Wenn als Oberteil ein T-Shirt mit dünnen Trägern verwendet wird, ergänzen weiße Handschuhe den Anzug perfekt. Sie können künstliche Blumen in langes Haar einweben, und für einen kurzen Haarschnitt eignen sich Haarnadeln oder ein Stirnband mit schöner Verzierung.
Anzugfarbe
Ein Ballerina-Kostüm für Kinder kann in absolut jeder Farbe hergestellt werden. Ein wichtiges Detail wie ein Tutu macht den Look sofort erkennbar, egal ob in Weiß, Schwarz oder einem anderen Regenbogenton. Hier ist es besser, sich mit einer kleinen Fashionista zu beraten und ihr die Möglichkeit zu geben, an der Gestaltung ihres Images mitzuwirken.
Einen Rock nähen
Die Hauptfrage beim Erstellen ist, wie man ein Tutu näht. Es ist dieses Kleidungsstück, das in den meisten Fällen Schwierigkeiten bereitet. Allerdings ist die Herstellung eines Tutu-Rocks nur auf den ersten Blick komplex. Es gibt mehrere Möglichkeiten, diesen Artikel herzustellen, von denen eine überhaupt keine Nähkenntnisse erfordert. Zum Arbeiten benötigen Sie ein dickes Gummiband, das an die Taille des Kindes passt, und drei Meter Tüll, geschnitten in 10–15 cm breite und 60 oder 80 cm lange Streifen, je nachdem, welche Art von Rock Sie benötigen. Der gesamte Prozess besteht darin, Stoffstreifen mit einem Gummiband in einer Schlaufe dicht aneinander zu binden. Es ist sehr wichtig, dass der Tüll gut gebügelt wird, denn wenn der Stoff zerknittert ist, lässt sich das fertige Produkt nur schwer in Ordnung bringen.
Es lohnt sich auch, über die Möglichkeit nachzudenken, ein Tutu mit einer Nähmaschine zu nähen. Auch hier ist alles ganz einfach. Drei Tüllstreifen mit einer Breite gleich der Länge des Rocks + 3 cm und einer Länge von 4,5 bis 6 Metern werden entlang der Abschnitte gefaltet, eine Masche wird im Abstand von 1 cm vom Rand und dann vom Rücken gelegt Die Naht des Rocks wird vernäht und oben wird ein Kordelzug für den Gummizug angebracht, der die genähte Stoffkante nach innen verstaut. Anschließend muss nur noch ein starkes Gummiband in den Kordelzug eingefädelt werden. Das war's, das Paket ist fertig!
Ein Oberteil erstellen
Sollte in der Garderobe des Kindes kein passendes T-Shirt vorhanden sein, kann es aus Strickstoff genäht werden. Dazu benötigen Sie einen Stoffstreifen mit einer Breite, die dem Maß von der Schulter bis knapp unter der Taille entspricht, und einer Länge, die der Taille des Kindes entspricht. Der Stoff wird in der Mitte gefaltet, der Hals- und Armausschnitt wird eingezeichnet, der Überstand wird abgeschnitten und anschließend werden die Schulter- und Seitennähte bearbeitet. Wenn Sie mit Supplex arbeiten, können die Abschnitte einfach offen gelassen werden. Sie werden nicht zerbröckeln oder Pfeile hinterlassen. Bei Baumwollstoffen können Sie diese mit einem Gummiband behandeln. Wie Sie der Beschreibung entnehmen können, ist das Nähen eines Oberteils für ein Ballerina-Kostüm mit eigenen Händen nicht sehr schwierig; der gesamte Vorgang dauert nicht länger als 20 Minuten.
Handschuhe herstellen
Am besten nähen Sie Handschuhe entweder aus Supplex oder aus Öl. Baumwolle ist für diesen Zweck nicht geeignet. Harmonischer sieht natürlich ein Ballerina-Kostüm aus, bei dem Oberteil und Handschuhe aus dem gleichen Material bestehen. Es ist jedoch nicht notwendig, eine identische Leinwand zu verwenden. Darüber hinaus können aus gestrickter Guipure Handschuhe genäht werden, die sehr sanft und romantisch aussehen.
Um Handschuhe zu nähen, müssen Sie also einen Stoffstreifen zuschneiden, der der gewünschten Länge und der Breite des Handgelenks des Kindes + 1 cm entspricht. An einer Kante des Streifens (Oberseite des Handschuhs) sollte ein Gummiband angenäht werden. Anschließend wird das Werkstück an langen Abschnitten gefaltet und an der Unterseite des Handschuhs eine kleine Ecke abgeschnitten, um eine Überlappung an der Hand zu schaffen. Am Schoß ist eine Schlaufe aus Satinband für den Finger angenäht. Und zu guter Letzt schließen Sie die Naht des Handschuhs.
Dekorative Elemente
Ein Ballerina-Kostüm für ein Mädchen muss mit verschiedenen Blumen, Steinen, Strasssteinen oder Pailletten verziert sein. Es sind diese Elemente, die dem erstellten Bild Eleganz und Glanz verleihen. Das Ballerina-Kostüm kann nicht mit Regen bestickt werden. Gestalten Sie gleichzeitig das Outfit selbst in Grün, als würde die Ballerina die Rolle eines Weihnachtsbaums spielen, oder belassen Sie das Bild schneeweiß und assoziieren Sie es mit weichen, flauschigen Schneeflocken.
Die ideale Option zum Erstellen eines Tutus ist Tüll. Aber es gibt viele Varianten. Es gibt Leinwände mit glänzender Beschichtung, mit kleinen geschlungenen Tupfen und sogar mit Muster. Es unterscheidet sich auch durch seine Härte. Zu dichter Tüll behält seine Form gut und kann als eine der Schichten eines bestickten Tutus für eine voluminösere Form verwendet werden.
Auch Materialien wie Organza-Spitze sind nicht zu übersehen. Sehr oft ist es mit Pailletten bestickt und sieht sehr ungewöhnlich aus. Es kann mit hartem und weichem Tüll kombiniert werden und ergibt einen originellen Rock. Bei einem so reichhaltigen Tutu-Dekor sollte die Oberseite jedoch matt und einfarbig bleiben. Aus feinem Schneeflockentüll in Kombination mit einem ruhigen Oberteil lässt sich ein Ballerina-Kostüm für das neue Jahr nähen. Oder stellen Sie eine Packung Stoffstreifen her und kleben Sie Lamettastücke darauf.
Ein Ballerina-Kostüm für ein Mädchen kann thematisch gestaltet werden. Was hindert zum Beispiel daran, eine Figur aus „Schwanensee“ zu machen? Ein wunderschönes Tutu mit aufgeklebten Schwanendaunen und einem entsprechend gestalteten Haarreif – fertig ist das Outfit eines bezaubernden Schwans.
Optionen zum Erstellen eines Pakets
Natürlich lässt sich Tüll sehr einfach verarbeiten, aber es gibt auch andere wertvolle Materialien, auf die es sich zu achten lohnt. Das Karnevalskostüm „Ballerina“ sieht toll aus mit einem Tutu aus Chiffon oder dem oben bereits erwähnten Organza. Der Schnitt und die Nähtechnik eines solchen Rocks sind etwas unterschiedlich und erfordern einiges Geschick.
Um ein solches Produkt herzustellen, benötigen Sie eine Vorlage für einen Sonnenrock, dünnes Regelin zum Abschluss des Saums und ein Gummiband in der Taille. Die Stoffmenge wird anhand der Anzahl der Lagen des Rocks berechnet. Damit das Produkt schön aussieht, müssen mindestens drei Schichten vorhanden sein.
Der Herstellungsprozess besteht darin, nach einer Vorlage drei oder mehr Kreise aus dem Hauptstoff auszuschneiden, die Taille mit einem Gummiband zu verzieren, alle Schichten miteinander zu verbinden und sie dann entlang der Außenkante mit Regelin und Schrägband zu bearbeiten und zu dehnen Stoff, um Wellen zu bilden. Dieser originelle Rock lässt sich gut mit einem Satin-Top, Organza-Blumen, Steinen und Strasssteinen kombinieren.
Weiteres Zubehör
Nicht selten werden für Ballerina-Kostüme kleine Röckchen für die Arme genäht, die am Unterarm getragen werden. Und ich muss sagen, solche Elemente sehen ziemlich interessant aus. Um ein solches Accessoire zu nähen, benötigen Sie einen etwa 50 cm langen und maximal 7 cm breiten Streifen des Hauptstoffs, aus dem das Tutu besteht. Er wird entlang eines kleineren Schnitts genäht, eine Kante wird zu einem Wende- oben oder mit Schrägband, und am zweiten ist ein Kordelzug für ein Gummiband angebracht.
Um das Bild realistischer zu gestalten, können Sie auf Spitzenschuhe oder deren Nachahmung nicht verzichten. Wir haben bereits Schuhe oder Hausschuhe und Satinbänder erwähnt, aber das Problem ist, dass bei viel Bewegung des Kindes einfach der gesamte Gurt um das Bein herunterfällt. Deshalb können Sie einen kleinen Trick anwenden: Nehmen Sie Kniestrümpfe, ziehen Sie sie über das Bein des Kindes, wickeln Sie das Band darum, binden Sie es mit einer schönen Schleife zusammen und heften Sie das Band anschließend vorsichtig mit kleinen Stichen an die Socken. Dank des sicheren Sitzes können Sie stundenlang tanzen.
Ein weiteres interessantes Accessoire, das Ballerinas normalerweise tragen, ist eine Blume am Handgelenk. Sie können in einem Hochzeitssalon eine Rose oder Lilie in der passenden Größe auswählen, sogar mit Schwanenfedern und Perlenanhängern, und sie an ein normales weißes Haargummi nähen. Sie können Ihr Haar mit einer ähnlichen Blume schmücken.
