100 berühmte Gemälde. Die berühmtesten und bedeutendsten Gemälde der Welt für die Kunstgeschichte

Prächtige Kunstwerke aus den Händen großer Meister können sogar Menschen überraschen, denen Kunst wenig bedeutet. Deshalb gehören weltberühmte Museen zu den beliebtesten Attraktionen und ziehen jährlich Millionen von Besuchern an.

Um sich von der großen Anzahl von Gemälden abzuheben, die in der gesamten Kunstgeschichte geschrieben wurden, braucht der Künstler nicht nur Talent, sondern auch die Fähigkeit, eine einzigartige Handlung auf ungewöhnliche und für seine Zeit sehr relevante Weise auszudrücken.

Die unten präsentierten Gemälde sprechen lautstark nicht nur über das Talent ihrer Autoren, sondern auch über die zahlreichen kulturellen Strömungen, die aufgetaucht und verschwunden sind, und über die wichtigsten historischen Ereignisse, die sich seit jeher in der Kunst widerspiegeln.

"Geburt der Venus"

Dieses vom großen Renaissance-Meister Sandro Botticelli gemalte Gemälde zeigt den Moment, in dem die schöne Venus aus dem Meeresschaum auftaucht. Einer der überzeugendsten Aspekte des Gemäldes ist die bescheidene Pose der Göttin und ihr einfaches, aber schönes Gesicht.

"Hunde spielen Poker"

Diese 1903 von Cassius Coolidge gemalte Serie von 16 Gemälden zeigt Hunde, die sich um einen Kaffee- oder Spieltisch versammelt haben und Poker spielen. Viele Kritiker erkennen diese Gemälde als die kanonische Darstellung der Amerikaner dieser Zeit an.

Porträt von Madame Recamier

Dieses von Jacques-Louis David gemalte Porträt zeigt einen glitzernden Prominenten in einer kontrastreich minimalistischen und einfachen Umgebung, gekleidet in ein einfaches ärmelloses weißes Kleid. Dies ist ein anschauliches Beispiel für Neoklassizismus in der Porträtkunst.

№5

Dieses berühmte Gemälde von Jackson Pollock ist sein ikonischstes Werk, das all das Chaos, das in der Seele und im Geist von Pollock wütete, anschaulich darstellt. Dies ist eines der teuersten Werke, die jemals von einem amerikanischen Künstler verkauft wurden.

"Sohn eines Mannes"

"The Son of Man" von Rene Magritte ist eine Art Selbstporträt, das den Künstler selbst in einem schwarzen Anzug zeigt, aber mit einem Apfel statt einem Gesicht.

"Nummer 1" ("Königsrot und Blau")

Dieses ziemlich neue Werk von Mark Rothko ist nichts anderes als Pinselstriche in drei verschiedenen Farbtönen auf einer handgefertigten Leinwand. Das Gemälde ist derzeit im Art Institute of Chicago ausgestellt.

"Massaker an den Unschuldigen"

Basierend auf der biblischen Geschichte des Massakers an unschuldigen Babys in Bethlehem schuf Peter Paul Rubens dieses makabere und brutale Gemälde, das die Emotionen aller berührt, die es betrachten.

"Ein Sonntagnachmittag auf der Insel Grande Jatte"

Dieses einzigartige und sehr beliebte Gemälde von Georges Seurat zeigt die entspannte Atmosphäre eines Wochenendes in einer Großstadt. Eine solche Malerei ist ein hervorragendes Beispiel für Pointillismus, der viele Punkte zu einem Ganzen kombiniert.

"Tanzen"

„Dance“ von Henri Matisse ist ein Beispiel für einen Stil namens Fauvismus, der sich durch leuchtende, fast unnatürliche Farben und Formen sowie eine hohe Dynamik auszeichnet.

"Amerikanische Gotik"

"American Gothic" ist ein Kunstwerk, das das Bild der Amerikaner während der Weltwirtschaftskrise perfekt symbolisiert. In diesem Gemälde stellte Grant Wood ein strenges, scheinbar religiöses Paar dar, das vor einem einfachen Haus mit gotischen Fenstern stand.

"Blumenlader"

Dieses Gemälde des berühmtesten mexikanischen Malers des 20. Jahrhunderts, Diego Rivera, zeigt einen Mann, der kaum einen mit bunten tropischen Blumen überladenen Korb auf seinem Rücken tragen kann.

"Whistlers Mutter"

Auch bekannt als Arrangement in Grey and Black.Die Mutter des Künstlers, dies ist eines der berühmtesten Gemälde des amerikanischen Künstlers James Whistler. In diesem Gemälde stellte Whistler seine Mutter dar, die auf einem Stuhl vor einer grauen Wand saß. Das Gemälde verwendet nur schwarze und graue Farbtöne.

"Die Beständigkeit der Erinnerung"

Dies ist ein Kultwerk des nicht weniger kultigen Salvador Dali, des weltberühmten spanischen Surrealisten, der diese Bewegung an die Spitze der Kunst gebracht hat.

Porträt von Dora Maar

Pablo Picasso ist einer der bekanntesten und einflussreichsten spanischen Maler. Er ist der Begründer des damals aufsehenerregenden Stils Kubismus, der versucht, jedes Objekt aufzubrechen und es mit klaren geometrischen Formen zu vermitteln. Dieses Gemälde ist das erste Porträt im kubistischen Stil.

"Porträt eines Künstlers ohne Bart"

Dieses Gemälde von Van Gogh ist ein Selbstporträt und einzigartig, weil es den Maler ohne den üblichen Bart darstellt. Darüber hinaus ist dies eines der wenigen Van-Gogh-Gemälde, die an Privatsammlungen verkauft wurden.

"Nachtcafé Terrasse"

Dieses von Vincent van Gogh gemalte Gemälde zeigt einen vertrauten Anblick auf eine ganz neue Art und Weise, indem es erstaunlich lebendige Farben und ungewöhnliche Formen verwendet.

"Komposition VIII"

Wassily Kandinsky gilt als Begründer der abstrakten Kunst – eines Stils, der Formen und Symbole anstelle vertrauter Objekte und Personen verwendet. "Komposition VIII" ist eines der ersten Gemälde des Künstlers, das ausschließlich in diesem Stil hergestellt wurde.

"Kuss"

Dieses Gemälde ist eines der ersten Kunstwerke im Jugendstil und fast vollständig in Goldtönen gehalten. Das Gemälde von Gustav Klimt ist eines der markantesten Stilwerke.

"Ball in der Moulin de la Galette"

Das Gemälde von Pierre Auguste Renoir ist eine lebendige und dynamische Darstellung des Stadtlebens. Außerdem ist es eines der teuersten Gemälde der Welt.

"Olympia"

In Olympia schuf Édouard Manet eine echte Kontroverse, fast einen Skandal, da eine nackte Frau mit einem Blick eindeutig eine Geliebte ist, die nicht von den Mythen der klassischen Periode verschleiert wird. Dies ist eines der frühen Werke im Stil des Realismus.

"Dritter Mai 1808 in Madrid"

In diesem Werk stellte Francisco Goya den Angriff Napoleons auf die Spanier dar. Dies ist eines der ersten spanischen Gemälde, das den Krieg in einem negativen Licht darstellt.

"Las Meninas"

Das berühmteste Gemälde von Diego Velasquez zeigt die fünfjährige Infantin Margherita vor einem von Velasquez gemalten Porträt ihrer Eltern.

"Bildnis der Arnolfinis"

Dieses Gemälde ist eines der ältesten Werke der Malerei. Es wurde von Jan van Eyck gemalt und zeigt den italienischen Geschäftsmann Giovanni Arnolfini und seine schwangere Frau in ihrem Haus in Brügge.

"Schrei"

Ein Gemälde des norwegischen Künstlers Edvard Munch zeigt das von Angst verzerrte Gesicht eines Mannes vor einem blutroten Himmel. Die Landschaft im Hintergrund verleiht diesem Gemälde einen dunklen Charme. Darüber hinaus ist Der Schrei eines der ersten expressionistischen Gemälde, bei dem der Realismus auf ein Minimum beschränkt ist, um mehr Freiheit für Emotionen zu ermöglichen.

"Wasser"

Seerosen von Claude Monet ist Teil einer Serie von 250 Gemälden, die Elemente des eigenen Gartens des Künstlers darstellen. Diese Gemälde werden in verschiedenen Kunstmuseen auf der ganzen Welt ausgestellt.

"Sternennacht"

Van Goghs „Sternennacht“ ist eines der berühmtesten Bilder der zeitgenössischen Kultur. Es ist derzeit im Museum of Modern Art in New York ausgestellt.

"Sturz des Ikarus"

Dieses Gemälde des holländischen Künstlers Pieter Brueghel zeigt die Gleichgültigkeit eines Menschen gegenüber dem Leiden seiner Mitmenschen. Ein starkes soziales Thema wird hier auf ziemlich einfache Weise gezeigt, indem das Bild von Ikarus verwendet wird, der unter Wasser ertrinkt und Menschen sein Leiden ignorieren.

"Die Erschaffung Adams"

Die Erschaffung Adams ist eine von mehreren prächtigen Fresken von Michelangelo, die die Decke der Sixtinischen Kapelle im Vatikanpalast schmücken. Es zeigt die Erschaffung Adams. Neben der Darstellung idealer menschlicher Formen ist das Fresko einer der ersten Versuche, Gott in der Kunstgeschichte darzustellen.

"Das letzte Abendmahl"

Dieses Fresko des großen Leonardo zeigt das letzte Abendmahl Jesu vor seinem Verrat, seiner Verhaftung und seinem Tod. Neben Komposition, Form und Farbe ist die Diskussion dieses Freskos voll von Theorien über verborgene Symbole und die Anwesenheit von Maria Magdalena neben Jesus.

"Guernika"

Picassos „Guernica“ zeigt die Explosion der gleichnamigen spanischen Stadt während des Spanischen Bürgerkriegs. Dies ist ein Schwarz-Weiß-Bild, das den Faschismus, den Nationalsozialismus und ihre Ideen negativ darstellt.

"Das Mädchen mit dem Perlenohrring"

Dieses Gemälde von Johannes Vermeer wird oft als die niederländische Mona Lisa bezeichnet, nicht nur wegen seiner außerordentlichen Beliebtheit, sondern auch, weil der Gesichtsausdruck des Mädchens schwer einzufangen und zu erklären ist.

"Enthauptung Johannes des Täufers"

Das Gemälde von Caravaggio zeigt sehr realistisch den Moment der Ermordung Johannes des Täufers im Gefängnis. Das Halbdunkel des Gemäldes und die Gesichtsausdrücke seiner Charaktere machen es zu einem wahren klassischen Meisterwerk.

"Die Nachtwache"

Die Nachtwache ist eines der berühmtesten Gemälde von Rembrandt. Es zeigt ein Gruppenporträt einer von ihren Offizieren geführten Schützenkompanie. Ein einzigartiger Aspekt des Gemäldes ist das Halbdunkel, das den Eindruck einer Nachtszene erweckt.

"Schule von Athen"

Dieses von Raphael in seiner frühen Römerzeit gemalte Fresko zeigt berühmte griechische Philosophen wie Platon, Aristoteles, Euklid, Sokrates, Pythagoras und andere. Viele Philosophen werden als Zeitgenossen Raffaels dargestellt, zum Beispiel Platon - Leonardo da Vinci, Heraklit - Michelangelo, Euklid - Bramante.

"Mona Lisa"

Das wohl berühmteste Gemälde der Welt ist Leonardo da Vincis Gioconda, besser bekannt als die Mona Lisa. Diese Leinwand ist ein Porträt von Frau Gherardini, die mit einem geheimnisvollen Gesichtsausdruck auffällt.

Leonardo di ser Piero da Vinci (15. April 1452 – 2. Mai 1519) war ein berühmter italienischer Maler, Architekt, Philosoph, Musiker, Schriftsteller, Entdecker, Mathematiker, Ingenieur, Anatom, Erfinder und Geologe. Bekannt für seine Gemälde, von denen die berühmtesten Das letzte Abendmahl und Mona Lisa sind, sowie zahlreiche Erfindungen, die ihrer Zeit weit voraus waren, aber nur auf dem Papier blieben. Darüber hinaus leistete Leonardo da Vinci einen wichtigen Beitrag zur Entwicklung von Anatomie, Astronomie und Technik.

Raphael Santi (28. März 1483 – 6. April 1520) war ein großer italienischer Maler und Architekt, der während der Renaissance tätig war und den Zeitraum vom Ende des 15. Jahrhunderts bis zu den frühen Jahren des 16. Jahrhunderts abdeckte. Traditionell gilt Raffael neben Michelangelo und Leonardo da Vinci als einer der drei großen Meister dieser Zeit. Viele seiner Werke befinden sich im Apostolischen Palast im Vatikan, in einem Raum namens Raffaels Stanza. Unter anderem ist hier sein berühmtestes Werk – „Die Schule von Athen“.

Diego Rodriguez de Silva y Velázquez (6. Juni 1599 - 6. August 1660) war ein spanischer Maler, Porträtmaler, Hofmaler von König Philipp IV., der größte Vertreter des goldenen Zeitalters der spanischen Malerei. Neben zahlreichen Gemälden, die historische und kulturelle Szenen aus der Vergangenheit darstellen, malte er viele Porträts der spanischen Königsfamilie sowie anderer berühmter europäischer Persönlichkeiten. Das berühmteste Werk von Velasquez ist das Gemälde „La Meninas“ (oder „Familie Philipps IV“) von 1656, das sich im Prado-Museum in Madrid befindet.

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuseno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz und Picasso (25. Oktober 1881 - 8. April 1973) ist ein weltberühmter spanischer Künstler und Bildhauer, der Gründer der Richtung in Fine Kunst - Kubismus. Gilt als einer der größten Künstler, die die Entwicklung der bildenden Kunst im 20. Jahrhundert beeinflusst haben. Experten wurde als der beste Künstler unter denen, die in den letzten 100 Jahren gelebt haben, sowie als der "teuerste" der Welt anerkannt. Während seines Lebens schuf Picasso etwa 20.000 Werke (nach anderen Quellen 80.000).

Vincent Willem van Gogh (30. März 1853 – 29. Juli 1890) war ein berühmter niederländischer Maler, der erst nach seinem Tod berühmt wurde. Van Gogh ist nach Ansicht vieler Experten einer der größten Künstler der europäischen Kunstgeschichte und einer der prominentesten Vertreter des Postimpressionismus. Autor von mehr als 2.100 Kunstwerken, darunter 870 Gemälde, 1.000 Zeichnungen und 133 Skizzen. Seine zahlreichen Selbstporträts, Landschaften und Porträts gehören zu den bekanntesten und teuersten Kunstwerken der Welt. Das vielleicht berühmteste Werk von Vincent van Gogh gilt als Gemäldeserie mit dem Titel "Sonnenblumen".

Michelangelo Buonarroti (6. März 1475 - 18. Februar 1564) ist ein weltberühmter italienischer Bildhauer, Künstler, Architekt, Dichter und Denker, der einen unauslöschlichen Eindruck in der gesamten Weltkultur hinterlassen hat. Das berühmteste Werk des Künstlers sind vielleicht die Fresken an der Decke der Sixtinischen Kapelle. Unter seinen Skulpturen sind die berühmtesten „Pieta“ („Beweinung Christi“) und „David“. Von den Werken der Architektur - die Gestaltung der Kuppel des Petersdoms. Interessanterweise wurde Michelangelo der erste Vertreter der westeuropäischen Kunst, dessen Biographie zu seinen Lebzeiten geschrieben wurde.

Auf dem vierten Platz in der Rangliste der berühmtesten Künstler der Welt steht Masaccio (21. Dezember 1401-1428) - ein großer italienischer Künstler, der einen großen Einfluss auf andere Meister hatte. Masaccio lebte ein sehr kurzes Leben, daher gibt es wenig biografische Beweise über ihn. Von seinen Fresken sind nur vier erhalten geblieben, die zweifelsohne von Masaccio stammen. Andere sollen zerstört worden sein. Masaccios berühmtestes Werk ist das Dreifaltigkeitsfresko in der Kirche Santa Maria Novella in Florenz, Italien.

Peter Paul Rubens (28. Juni 1577 – 30. Mai 1640) war ein flämischer (südholländischer) Maler, einer der größten Künstler des Barock, bekannt für seinen extravaganten Stil. Gilt als der vielseitigste Künstler seiner Zeit. Rubens betonte und verkörperte in seinen Werken die Lebendigkeit und Sinnlichkeit der Farbe. Er malte zahlreiche Porträts, Landschaften und Historienbilder mit mythologischen, religiösen und allegorischen Sujets. Das berühmteste Werk von Rubens ist das Triptychon „Kreuzabnahme“, das in der Zeit von 1610 bis 1614 entstand und dem Künstler Weltruhm verschaffte.

Michelangelo Merisi da Caravaggio (29. September 1571 – 18. Juli 1610) war ein großer italienischer Künstler des Frühbarock, der Begründer der europäischen realistischen Malerei des 17. Jahrhunderts. Caravaggio nutzte in seinen Werken gekonnt die Kontraste von Licht und Schatten und konzentrierte sich auf Details. Oft dargestellt gewöhnliche Römer, Menschen von den Straßen und Märkten in den Bildern von Heiligen und Madonnen. Beispiele sind "Der Evangelist Matthäus", "Bacchus", "Bekehrung des Saulus" usw. Eines der berühmtesten Gemälde des Künstlers ist "Der Lautenspieler" (1595), das Caravaggio als das erfolgreichste Gemälde für ihn bezeichnete .

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) ist ein berühmter niederländischer Maler und Kupferstecher, der als der größte und berühmteste Künstler der Welt gilt. Autor von etwa 600 Gemälden, 300 Radierungen und 2.000 Zeichnungen. Ihr charakteristisches Merkmal ist ein gekonntes Spiel mit Lichteffekten und tiefen Schatten. Das berühmteste Werk von Rembrandt ist das 1642 entstandene Vier-Meter-Gemälde „Nachtwache“, das heute im Staatsmuseum von Amsterdam aufbewahrt wird.

100 großartige Gemälde (Teil 1)

Große Leinwände sind immer ein Spiegel der Zeit, in welche komplexe allegorische Form der Künstler sie auch kleiden mag. Nicht jedes Bild erschließt sich dem Betrachter auf den ersten Blick, einige erfordern genaue Aufmerksamkeit, Reflexion, eine gewisse Vorbereitung und Kenntnis.

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Jan van Eyck(1390-1441) gilt als der größte niederländische Maler des 15. Jahrhunderts, der den Grundstein für die realistische Tradition der Altarmalerei legte. Ursprünglich aus einer holländischen Kleinstadt an der Maas stammend, trat er 1422, bereits ein angesehener Meister, in den Dienst des Grafen Johann von Bayern und beteiligte sich bis 1424 an der Ausschmückung des gräflichen Schlosses in Den Haag. 1425 zog Van Eyck nach Lille, wo er Hofmaler des Herzogs von Burgund, Philipp III. des Guten, wurde. Am Hof ​​des Herzogs, der den Künstler sehr schätzte, malte er nicht nur, sondern übte auch viele diplomatische Missionen aus und reiste immer wieder nach Spanien und Portugal.

1431 zog Van Eyck nach Brügge, wo er bis zum Ende seiner Tage lebte und sowohl als Hofmaler als auch als Künstler der Stadt tätig war. Die meisten Werke, die uns überliefert sind, hat der Meister zu einer Zeit geschrieben, als er in Diensten des Herzogs von Burgund stand.

Eines der berühmtesten Werke von Van Eyck, Portrait of the Arnolfinis, befindet sich in der Sammlung der London National Gallery. In dem Bild, das die Trauung zweier wohlhabender junger Menschen darstellt, fand der Künstler einen Platz für mehrere Symbole - zum Beispiel für einen Hund zu Füßen des Brautpaares, ein Symbol der Treue. In einem runden Spiegel, der in den Tiefen der Komposition an der Wand hängt, spiegeln sich zwei Personen – offensichtlich die Trauzeugen. In einem von ihnen hat sich der Künstler selbst dargestellt, wie die Inschrift über dem Spiegel sagt. Der Künstler führte das Brautpaar in vollem Wachstum auf. Liebevoll stellt der Maler die Umgebung des Brautpaares dar. Diese Gegenstände erzählen viel über den Lebensstil ihrer Besitzer und unterstreichen ihre bürgerlichen Tugenden - Sparsamkeit, Bescheidenheit, Ordnungsliebe.

Der Inhalt des oben beschriebenen Gemäldes ist nur die häufigste Version, aber für einige Forscher ist eine andere attraktiv: Dies ist ein Selbstporträt des Künstlers. Bereits 1934 schlug der bekannte österreichische Kunstkritiker Erwin Panofsky vor, das Gemälde zeige keine Hochzeit, sondern eine Verlobung. Darüber hinaus wurde festgestellt, dass Giovanni Arnolfini und seine Frau nicht existierten und die auf dem Bild dargestellte Frau eindeutig auf den Familienzuwachs wartet.Und Margarita van Eyck (die Schwester des Künstlers) gebar am 30. Juni 1434 einen Sohn.

Wer ist also der Held des Bildes? Oder handelt es sich wirklich um eine Familienszene und überhaupt nicht um ein individuelles Porträt? Die Frage ist noch offen...

Van Eyck führt den Betrachter in die Privatsphäre der Menschen ein und zeigt die Schönheit des Alltags. Damit eröffnete er neue, realistische Möglichkeiten der bildenden Kunst, die erst im 17. Jahrhundert, als viele ähnliche Gemälde in Holland entstanden, voll ausgeschöpft wurden.

Diese größte Schöpfung des Künstlers lag wie sein „Frühling“ mehr als dreihundert Jahre lang in der ruhigen Villa Castello in der Nähe von Florenz in völliger Vergessenheit. Das Bild wurde erst Mitte des letzten Jahrhunderts wahrgenommen, als die präraffaelitischen Maler Milles und Rossetti Botticelli als eines der seltensten Talente Italiens im 15. Jahrhundert wiederentdeckten.

Die Geburt der Venus wurde für Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici geschrieben, Cousin von Lorenzo dem Prächtigen und Botticellis wichtigstem Gönner. Florenz, wo der Künstler den größten Teil seines Lebens verbrachte, wurde von der mächtigen Medici-Familie regiert. Die Handlung des Bildes ist mit der Kultur des Hofes von Lorenzo Medici verbunden, die von der Philosophie des Neuplatonismus durchdrungen ist. Diese Zeit der Strophen von Poliziano und der Sonette von Lorenzo dem Prächtigen, die Zeit der Turniere und Faschingsumzüge war die Blütezeit von Botticelli.

In Die Geburt stellte Sandro Botticelli das Bild von Aphrodite Urania dar – der himmlischen Venus, der Tochter des Uranus, die ohne Mutter aus dem Meer geboren wurde. Das Bild fängt nicht so sehr die Geburt selbst ein, sondern den Moment, der folgte, als Venus, getrieben vom Atem der Genies der Lüfte, das verheißene Ufer erreichte. Die Schönheit der nackten Figur wird von der Nymphe Ora gekrönt, die die Verkörperung der Natur ist, sie ist bereit, sie mit einem Umhang zu bedecken. Ora ist einer der drei Berge, die Nymphen der Jahreszeiten. Dieser Berg, nach den Blumen zu urteilen, die ihre Kleidung bedecken, bevormundet die Zeit des Jahres, wenn die Macht der Venus ihren Höhepunkt erreicht. Vielleicht wurde dieses Bild des Künstlers von einer der homerischen Hymnen inspiriert, die beschreibt, wie Zephyr, der Gott des Westwinds, die Venus auf die Insel Zypern brachte, wo sie von den Bergen aufgenommen wurde.

Venus, die Göttin der Liebe, ist laut dem Kreis um Lorenzo Medici auch die Göttin der Menschheit. Sie ist es, die die Menschen Vernunft und Tapferkeit lehrt, sie ist die Mutter der Harmonie, geboren aus der Vereinigung von Materie und Geist, Natur und Ideen, Liebe und Seele.

Das berühmteste Gemälde der Welt, die Mona Lisa, von Leonardo da Vinci, befindet sich im Louvre.

Die Mona Lisa wurde zwischen 1503 und 1506 geschaffen und 1510 fertiggestellt. Wer genau für den großen Meister posierte, ist noch unklar. Der Künstler erhielt einen Auftrag für das Gemälde von Francesco del Giocondo, einem Florentiner Seidenhändler, und die meisten Historiker und Kunsthistoriker glauben, dass das Porträt Lisa Gherardini, Giocondos Frau, darstellt, die das Porträt zu Ehren der Geburt ihres zweiten Sohnes in Auftrag gegeben hatte wurde im Dezember 1502 geboren. Dennoch ist der Streit darüber, wer wirklich auf diesem berühmten Gemälde abgebildet ist, seit 500 Jahren nicht abgeebbt.

Das Wort „Mona“ ​​ist höchstwahrscheinlich eine abgekürzte Form von „monna“ oder „mia donna“, also „milady“ oder „madame“. Auf Französisch heißt es "La Joconde" und auf Italienisch - "La Gioconda" (fröhlich), aber das ist nur ein Wortspiel, ein Zufall mit dem Namen desjenigen, der als Prototyp des Bildes diente.

Das Porträt ist ein hervorragendes Beispiel für Leonards Lieblingstechnik, das sogenannte Sfumato – „rauchiges Hell-Dunkel“, ein sanftes Halblicht mit einer weichen Palette von Tönen, die leicht verschmiert zu sein scheinen und sanft von einem zum anderen übergehen. Gleichzeitig markiert Leonardo die Mundwinkel und Augen mit einer solchen Präzision und Anmut, dass das Bild eine wahrhaft fantastische Qualität erhält.

Einige Forscher argumentieren, dass das Bild ein Selbstporträt von Leonardo selbst ist, der seinem Aussehen weibliche Züge oder sogar Züge eines Hermaphroditen verlieh. Und tatsächlich, wenn das Bild der Mona Lisa die Haare entfernt, bekommt man ein seltsames geschlechtsloses Gesicht. Diese Hypothese wurde durch die Arbeit unabhängiger Forscher bestätigt - Lillian Schwartz vom Bell Labs-Labor und Digby Quest von der Maudsley-Klinik in London, die die Hypothese bestätigten, dass Leonardo sich im Bild von Mona Lisa darstellen könnte. Mit speziellen Computerprogrammen verglichen die Forscher die Mona Lisa mit Leonardos Selbstporträt, das er bereits in einem respektablen Alter gemacht hatte. Das Ergebnis ist erstaunlich. "Mona Lisa" entpuppte sich fast als Spiegelbild des Gesichts des großen Meisters. Nahezu alle Gesichtszüge passten perfekt zusammen, einschließlich Nasenspitze, Lippen und Augen.

1911 wurde die Mona Lisa von dem Italiener Vincenzo Perugia, der als Zimmermann im Museum arbeitete, aus dem Louvre gestohlen. Er trug das Gemälde einfach aus der Galerie und versteckte es unter seiner Kleidung. Das berühmte Gemälde wurde erst 1913 gefunden, als der Entführer versuchte, es an einen bestimmten Sammler zu verkaufen. Zuvor wurde Leonardos Meisterwerk in einem Koffer mit doppeltem Boden aufbewahrt. Der Angreifer begründete seine Tat damit, dass er ein von Napoleon Bonaparte illegal exportiertes Gemälde nach Italien zurückgeben wolle.

Von Robert Cummings großen Künstlern:
„Allgemein als ‚Venus von Dresden‘ bekannt, war dieses Gemälde äußerst originell, beispiellos in der Kunst der klassischen Antike. Das Werk zeigt das Interesse des Künstlers an einem neuen Schönheitsideal, bei dem die poetische Stimmung über den rationalen Inhalt siegt.
Dieser liegende Akt ist zu einem der beliebtesten Bilder der europäischen Malerei geworden. Giorgione zeigt eine Figur, die mit geschlossenen Augen unter einem Baum schläft, in Träume versunken ist und sich nicht bewusst ist, dass sie beobachtet wird. Fast alle späteren Variationen dieses Themas zeigen sie wach. Insbesondere Manet in seiner „Olympia“ stellte „Venus“ dar, die sexuelle Dienste anbietet.
Die weichen Farbtöne und abgerundeten Formen der Venus sprechen vom Einfluss von Leonardo da Vinci, der sich auch in der Lösung der Falten der Vorhänge zeigt. „Dresden Venus“ entstand in einem Jahrzehnt in „Mona Lisa“ – und beide sorgten sofort für viele Abschriften und Nachahmungen.
Geschickt gerendertes Hell-Dunkel und Highlights auf luxuriösen Vorhängen demonstrieren Giorgiones Beherrschung der Ölmaltechniken.
Die glatten Konturen des Körpers verstärken das Tiefschlafgefühl und laden gleichsam dazu ein, die Figur mit den Augen zu streicheln.
Die erotische Natur des Bildes weist darauf hin, dass das Gemälde für ein privates Schlafzimmer in Auftrag gegeben wurde.
Röntgenaufnahmen und Aufzeichnungen von Restauratoren des 19. Jahrhunderts weisen darauf hin, dass Giorgione ursprünglich die Figur des Amors auf der rechten Seite der Leinwand dargestellt hat (oder darstellen wollte).
Gerüchten zufolge hatte Giorgione zu seinen Lebzeiten keine Zeit, das Gemälde fertigzustellen, und es wird allgemein angenommen, dass Tizian den Auftrag zur Vollendung der Landschaft erhielt. Die "geschichtete" Landschaft und die blauen Hügel am Horizont sind charakteristisch für Tizians frühen Stil. Der frühe Tod eines Rivalen trug zum Aufstieg von Tizians Stern bei."

I. Bosch erwies sich als sehr schwieriger Künstler, auch heute noch gibt es keinen etablierten Standpunkt zur Interpretation von Handlungen und Einzelbildern seiner Gemälde.
Für mittelalterliche Künstler (wie auch für deren Betrachter) hatten alle Gegenstände und Phänomene eine symbolische Bedeutung, jeder Gegenstand erhielt seine symbolische Deutung anhand der Texte der Bibel. So galt beispielsweise in Anlehnung an den Satz: „Das Wort Gottes ist stark wie ein Löwe“ der Löwe als Symbol der Allmacht des christlichen Glaubens, denn die Löwenfiguren schmücken die Portale vieler romanischer Kathedralen in Frankreich , und in Italien platzierten Bildhauer des 13. bis 14. Jahrhunderts Löwen am Fuße von Kirchenkanzeln . Boschs Werk ist in unserer Zeit vielleicht auch für die direkte Wahrnehmung schwierig, da der Künstler neben traditionellen mittelalterlichen Symbolen (allen bekannt) andere Symbole verwendete - weniger studiert und schwer zu entziffern.
Boschs künstlerische Sprache passte nie ganz in mittelalterliche Symbolinterpretationen. Der Künstler verwendete oft bestimmte Symbole in einer Bedeutung, die der allgemein akzeptierten entgegengesetzt war, und erfand auch neue Symbole. Vielleicht wurde er deshalb der „düstere Science-Fiction-Autor“, „Ehrenprofessor der Albträume“ genannt, aber die modernen Surrealisten sahen in Bosch ihren geistigen Vater und Vorläufer. Hier ist eine solche Szene. Ein Liebespaar hat sich in einer durchsichtigen Blase zurückgezogen. Etwas höher umarmt ein junger Mann eine riesige Eule, rechts neben der Blase in der Mitte des Beckens, im Wasser steht ein anderer Mann auf dem Kopf, breitbeinig, zwischen denen die Vögel ein Nest gebaut haben. Nicht weit von ihm beugt sich ein junger Mann mit seiner Geliebten aus einem rosafarbenen, hohlen Apfel und füttert Menschen, die bis zum Hals im Wasser stehen, mit einer monströsen Weintraube. Das ist der „Garten der Lüste“ – eines der berühmtesten Gemälde von Hieronymus Bosch.
Hieronymus Bosch schuf 1503 sein Triptychon „Garten der Lüste“ oder „Garten der Lüste“ (es wird oft als das „Bosch“-Werk bezeichnet), in dem sich seine eigentümliche Weltanschauung voll und ganz manifestierte. Der Name des Gemäldes fand sich bereits in der modernen Literatur, und in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts, als es in den Besitz von König Philipp II. gelangte, hieß es „Die Vielfalt der Welt“, im 17. Jahrhundert schon den Namen "Eitelkeit und Ruhm".
Auf diesem Triptychon ist auf der linken Seite das Paradies dargestellt, auf der rechten Seite die Hölle und dazwischen ein Bild des irdischen Daseins, auf der linken Seite des Gartens der Lüste die Szene der Erschaffung Evas und das Paradies selbst erstrahlt und schimmert in hellen, funkelnden Farben. Vor dem Hintergrund einer fantastischen Landschaft des Paradieses. gefüllt mit einer Vielzahl von Tieren und Pflanzen zeigt der Meister den erwachenden Adam Adam, der gerade erwacht ist, erhebt sich vom Boden und blickt verwundert auf Eva, die Gott ihm zeigt. Der bekannte Kunsthistoriker C. de Tolnay stellt fest, dass der überraschte Blick, den Adam der ersten Frau zuwirft, bereits ein Schritt auf dem Weg zur Sünde ist. Und Eva, aus Adams Rippe extrahiert, ist nicht nur eine Frau, sondern auch ein Instrument der Verführung. Der Widerspruch zwischen einem ruhigen und sündlosen Mann und einer Frau, die den Samen der Sünde in sich trägt, wird in der Natur um sie herum reproduziert. Eine verkümmerte Palme, die auf einem geheimnisvollen orangefarbenen Felsen wächst, steht schräg gegenüber einer blühenden Palme. Mehrere Vorfälle werfen einen dunklen Schatten auf das friedliche Leben der Tiere: Ein Löwe verschlingt ein Reh, ein Wildschwein verfolgt ein mysteriöses Tier. Und über allem erhebt sich die Quelle des Lebens, eine Mischung aus einer Pflanze und einem Marmorfelsen, eine hoch aufragende gotische Struktur, die auf den dunkelblauen Steinen einer kleinen Insel steht. Ganz oben ist noch eine kaum wahrnehmbare Mondsichel zu sehen, aber schon von innen lugt sie hervor, wie ein Wurm, eine Eule - ein Unglücksbote.
Der zentrale Teil des Triptychons – der „Garten der Lüste“ selbst – stellt eine grandiose Landschaft mit nackten Männer- und Frauengestalten dar. Tiere von unnatürlichen Ausmaßen, Vögel, Fische, Schmetterlinge, Algen, riesige Blumen und Früchte stechen hervor Komposition des "Gartens der Lüste". Drei Einstellungen: Im Vordergrund sind "verschiedene Freuden" zu sehen, die zweite wird von einer Kavalkade zahlreicher Reiter besetzt, die auf verschiedenen Tieren reiten, die dritte (am weitesten entfernte) ist von einem blauen Himmel gekrönt , wo Menschen auf geflügelten Fischen und mit Hilfe ihrer eigenen Flügel fliegen Es scheint, dass eine solche Landschaft vor dem Hintergrund nichts Keuscheres sein kann als die Liebesspiele menschlicher Paare. Aber wie die Psychoanalyse (der Psychiater R. Khaikin schlug sogar vor eine psychopathologische Analyse der Arbeit von I. Bosch) enthüllen Traumbücher dieser Zeit die wahre Bedeutung dieser irdischen Freuden: Kirschen, Erdbeeren, Erdbeeren und Trauben , die von Menschen mit solcher Freude gegessen werden, symbolisieren sündige Sexualität, ohne das Licht der göttlichen Liebe ; das Apfelboot, in das sich Liebende zurückziehen, hat die Form einer Frauenbrust; Vögel werden zur Personifikation von Lust und Verdorbenheit, der Fisch zum Symbol rastloser Lust, die Muschel zum weiblichen Prinzip.
Unten im Bild umarmte ein junger Mann eine riesige Erdbeere. Die Bedeutung dieses Bildes wird uns klar, wenn wir uns daran erinnern, dass Erdbeeren in der westeuropäischen Kunst als Symbol für Reinheit und Jungfräulichkeit dienten. Die Szene mit einer Weintraube im Teich ist ein Sakrament, und ein Riesenpelikan, der eine Kirsche (ein Symbol der Sinnlichkeit) auf seinem langen Schnabel aufhebt, neckt damit die Menschen, die in der Knospe einer fantastischen Blume sitzen symbolisiert die Liebe zum Nächsten. Der Künstler gibt den Symbolen der christlichen Kunst oft einen konkreten sinnlichen Klang und reduziert sie auf die materielle und körperliche Ebene.
Hieronymus Bosch erschafft eine verblüffende Welt vergänglicher Begierden und sinnlicher Genüsse: Aloe gräbt sich in nacktes Fleisch, Korallen greifen Körper fest, die Muschel schlägt zu und macht das Liebespaar zu seinen Gefangenen. Im Turm des Ehebruchs, der sich aus dem See der Lust erhebt und dessen gelb-orangefarbene Wände wie Kristalle funkeln, schlafen betrogene Ehemänner zwischen den Hörnern. Die stahlfarbene Glaskugel, in der Verliebte sich Liebkosungen hingeben, wird von einer Mondsichelkrone und rosafarbenen Marmorhörnern gekrönt. Die Kugel und die Glasglocke, die die drei Sünder beherbergen, veranschaulichen das niederländische Sprichwort. „Glück und Glas – wie kurzlebig sind sie!“ Und sie sind auch Symbole für die ketzerische Natur der Sünde und die Gefahren, die sie der Welt bringt.
Der rechte Flügel des Triptychons - die Hölle - ist dunkel, düster, verstörend, mit einzelnen Lichtblitzen, die die Dunkelheit der Nacht durchdringen, und mit Sündern, die von einer Art riesiger Musikinstrumente gequält werden. Im Zentrum der Hölle befindet sich eine riesige Figur des Satans, dies ist eine Art "Führer" durch die Hölle - der Haupt-"Erzähler" mit einem totenbleichen Gesicht und einem ironischen Lächeln auf dünnen Lippen. Seine Beine sind hohle Baumstämme und ruhen auf zwei Schiffen. Satans Körper ist eine offene Eierschale, auf der Krempe seines Hutes gehen oder tanzen Dämonen und Hexen mit sündigen Seelen ... Oder sie führen Menschen, die einer unnatürlichen Sünde schuldig sind, um einen riesigen Dudelsack (ein Symbol des männlichen Prinzips) herum der Herrscher der Hölle, Bestrafung geschieht Sünden: Sie kreuzigten einen Sünder und durchbohrten ihn mit Harfensaiten; neben ihm dirigiert ein Dämon mit rotem Körper eine Probe eines höllischen Orchesters anhand von Notizen, die auf das Gesäß eines anderen Sünders geschrieben wurden. Ein Dämon sitzt in einem Hochstuhl und straft Schlemmer und Schlemmer. Er stellt seine Füße in Bierkrüge und eine Melone wird auf den Kopf seines Vogels gesetzt. Und er bestraft die Sünder, indem er sie verschlingt.
Das Höllentor stellt die dritte Phase des Falls dar, als die Erde selbst zur Hölle wurde. Gegenstände, die früher der Sünde dienten, sind nun zu Instrumenten der Bestrafung geworden. Diese Chimären des schlechten Gewissens haben alle spezifischen Bedeutungen der sexuellen Traumsymbole. Der Hase (auf dem Bild größer als ein Mensch) war im Christentum ein Symbol für die Unsterblichkeit der Seele. Bei Bosch spielt er das Horn und senkt den Sünderkopf in das höllische Feuer. Riesige Ohren dienen als Omen des Unglücks. Ein riesiger Schlüssel, von einem Mönch am Schaft befestigt, verrät dessen Wunsch nach Heirat, die Angehörigen des Klerus verboten ist. Im Inneren des Monsters befindet sich eine Taverne, über der ein Banner flattert - derselbe Dudelsack. In einiger Entfernung sitzt ein Mann in einem Zustand der Melancholie und beugt sich über das Chaos. Wenn Sie darin die Züge von Hieronymus Bosch selbst sehen, erscheint das ganze Bild möglicherweise in einem anderen Licht vor dem Betrachter: Der Künstler selbst hat diesen Albtraum erfunden, all diese Qualen und Qualen werden in seiner Seele begangen. Einige Kunsthistoriker bestehen darauf, zum Beispiel der bereits erwähnte Charles de Tolnay. Bosch war jedoch ein zutiefst religiöser Mensch, und er konnte nicht einmal daran denken, sich in die Hölle zu begeben. Höchstwahrscheinlich sollte der Künstler unter jenen Bildern gesucht werden, die Licht und Güte in seinen Gemälden tragen, nicht ohne Grund gehörte er der Bruderschaft der Jungfrau an.
Für unsere Zeitgenossen sind die Handlungen der Figuren in The Garden of Delights weitgehend unverständlich, aber für Boschs Zeitgenossen (wie oben bereits erwähnt) waren sie von tiefer symbolischer Bedeutung. Seine Bilder (darunter Der Garten der Lüste) erschrecken den Betrachter oft mit der unnatürlichen Vereinbarkeit von Mensch und Tier, Lebend und Tot in einer Figur und können gleichzeitig amüsieren. Seine Charaktere ähneln den alptraumhaften Bildern der Apokalypse und gleichzeitig - den fröhlichen Teufeln des Karnevals. Bei all den vielen Interpretationen der Bedeutung des Gartens der Lüste kann jedoch keine von ihnen dies tun
decken Sie alle Bilder des Bildes vollständig ab.

Dieses Altarbild ist das letzte große Werk Raffaels zu seinem Lieblingsthema. Schon in der frühen Schaffensphase wandte er sich dem Bild der Madonna mit Kind zu und suchte dabei jedes Mal einen neuen Ansatz. Die Vorherrschaft des Genies Raffaels drückte sich im Wunsch nach einer Gottheit aus, nach der Verwandlung des Irdischen, Menschlichen in das Ewige, Göttliche.
Es scheint, als hätte sich der Vorhang gerade geöffnet und eine himmlische Vision hat sich den Augen der Gläubigen geöffnet – die Jungfrau Maria, die mit dem Jesuskind in ihren Armen auf einer Wolke geht. Mütterlich hält sich die Madonna vertrauensvoll an ihren Jesus, behutsam und behutsam. Das Genie Raffaels schien das göttliche Baby in einen magischen Kreis eingeschlossen zu haben, der aus der linken Hand der Madonna, ihrem fallenden Schleier und der rechten Hand Jesu gebildet wurde. Ihr durch den Betrachter gerichteter Blick ist voller verstörender Voraussicht auf das tragische Schicksal ihres Sohnes. Das Gesicht der Madonna ist die Verkörperung des antiken Schönheitsideals verbunden mit der Spiritualität des christlichen Ideals.
Papst Sixtus II., Märtyrer im Jahr 258 n. Chr und zu den Heiligen gezählt, bittet Maria um Fürbitte für alle, die vor dem Altar zu ihr beten. Die Haltung der Heiligen Barbara, ihr Gesicht und ihre niedergeschlagenen Augen drücken Demut und Ehrfurcht aus. In der Tiefe des Bildes, im Hintergrund, in einem goldenen Dunst kaum noch zu erkennen, sind die Gesichter von Engeln vage zu erahnen, was die erhabene Gesamtatmosphäre verstärkt. Die Augen und Gesten der beiden Engel im Vordergrund sind auf die Madonna gerichtet. Die Anwesenheit dieser geflügelten Jungen, die eher an mythologische Amoretten erinnern, verleiht der Leinwand eine besondere Wärme und Menschlichkeit.
Die „Sixtinische Madonna“ wurde 1512 von Raffael als Altarbild für die Kapelle des Klosters St. Sixtus in Piacenza in Auftrag gegeben. Papst Julius II., damals noch Kardinal, sammelte Gelder für den Bau einer Kapelle, in der die Reliquien des hl. Sixtus und der hl. Barbara aufbewahrt wurden.
In Russland wurde besonders in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts Raffaels „Sixtinische Madonna“ sehr verehrt, ihr sind begeisterte Zeilen so unterschiedlicher Schriftsteller und Kritiker wie V. A. Zhukovsky, V. G. Belinsky, N. P. Ogarev gewidmet. Belinsky schrieb aus Dresden an V.P. Botkin und teilte ihm seine Eindrücke von der „Sixtinischen Madonna“ mit: „Welcher Adel, welche Anmut des Pinsels! Du kannst nicht hinsehen! Unwillkürlich erinnerte ich mich an Puschkin: der gleiche Adel, die gleiche Anmut des Ausdrucks, mit der gleichen Strenge der Konturen! Kein Wunder, dass Puschkin Raphael so sehr liebte: Er ist ihm von Natur aus verwandt. Zwei große russische Schriftsteller, L. N. Tolstoi und F. M. Dostojewski, hatten Reproduktionen der Sixtinischen Madonna in ihren Büros. Die Frau von F. M. Dostojewski schrieb in ihr Tagebuch: „Fjodor Michailowitsch stellte die Werke Raffaels über alles andere in der Malerei und erkannte die Sixtinische Madonna als sein höchstes Werk an.“
Carlo Maratti drückte seine Überraschung über Raffael so aus: „Wenn sie mir ein Bild von Raffael zeigen würden und ich nichts über ihn wüsste, wenn sie mir sagen würden, dass dies die Schöpfung eines Engels ist, würde ich es glauben.“
Der große Geist Goethes schätzte Raffael nicht nur, sondern fand für seine Einschätzung auch einen treffenden Ausdruck: „Er hat immer das geschaffen, wovon andere nur träumen.“
Das ist wahr, denn Raffael verkörperte in seinen Werken nicht nur den Wunsch nach einem Ideal, sondern genau das Ideal, das einem Sterblichen zur Verfügung steht.

Aus dem Buch „100 Great Pictures“ von Ionina N.A.:

Augsburg, wo sich damals der gesamte spanische Hof und viele deutsche Fürsten versammelten. In Augsburg malte Tizian am Morgen vor der Schlacht, in der der Monarch einen seiner glänzendsten Siege errang, ein riesiges Reiterporträt Karls V. Dieses Porträt beeindruckte Tizians Zeitgenossen durch seine Unerwartetheit: Es war seltsam, den Kaiser – einen subtilen Sesseldiplomaten und Melancholiker – in Form eines Ritters und eines Helden mit einem Speer in der Hand, mit erhobenem Visier, einsam zwischen den Feldern galoppieren zu sehen . Aber so war der Wille des Monarchen.
In der Schlacht bei Mühlberg schien dieser Fanatiker des Katholizismus von einer Art Ekstase getrieben zu sein: Er führte die Schlacht nicht aus der Ferne, sitzend auf einer Trage im Schutz der Befestigungsanlagen. Er eilte seinen Truppen zum Angriff voraus und überquerte sogar die gefährliche Furt der Elbe, wobei er seine Obersten mit sich zog. Dieser denkwürdige Tag und die einzige Heldentat des Kaisers sollte von Tizian verewigt werden. Das Porträt zeigt nicht den düsteren, stillen und kranken Karl V., wie es in den Erzählungen seiner Zeitgenossen über ihn heißt. Das ist nicht Karl, der von demselben Tizian jetzt in der Münchner Pinakothek porträtiert wurde. Dies ist keine elende Ruine, kein listiger Schlaukopf, kein trauriger „Herrscher des Universums“, nicht der Sohn der wahnsinnigen Joanna und des großartigen Philip ... Dies ist der Enkel des „letzten Ritters“ - Maximilian und damit Tizian Im Porträt ist ein separater Blitz und kein ganzer psychologischer Charakter dargestellt.
Es war auffallend und das gewagteste aller Werke Tizians. Im rötlichen Nebel eines Frühlingsmorgens, allein auf einer weiten Ebene, die sich bis zu den Hügeln der Elbe erstreckt, galoppiert der Kaiser, gekleidet in ziselierten und vergoldeten Stahl, mit einem erhabenen Block über einem blassen und entschlossenen Gesicht, mit einem Speer nach vorne gerichtet. Wie beeindruckend und majestätisch der Reiter aussieht! Aber wie schrecklich einsam ist er auf diesem Gebiet. Und wo er auf einem wunderschön tänzelnden Pferd stürmte. Die Völker befehlend, die Widerspenstigen mit Feuer und Schwert bestrafen, Armadas von Truppen auf Feinde stürzen, ein Mann, dessen selbst faule Geste erheben oder zerstören konnte - er wird auf dem Porträt müde und einsam dargestellt.
Der Zuschauer blickt auf sein charakteristisches, willensstarkes Gesicht mit scharf vorspringendem Kinn und erkennt im Blick des Kaisers plötzlich deutlich eine diffuse Traurigkeit, eine Art innerer Müdigkeit, die sich auf seine ganze Figur überträgt und im gemessenen Ablauf sogar scheint ein Pferd. Sein Erscheinen erweckt den Eindruck eines bösen Geistes, und diese Vision überrascht und erschreckt. Auch die Farben des Porträts haben etwas Unheimliches, Militantes. Im Gesicht Karls V. sieht man etwas Schreckliches, „Geisterhaftes“: einen im Feld, einen in der Welt, einen mit gebrochener Seele. So hat Tizian den Kaiser verstanden und dargestellt. Vielleicht hat er selbst seine große Müdigkeit noch nicht bemerkt, und der Künstler hat ihm seine eigene Seele gezeigt - ohne Ausschmückung.
Tizian ließ in diesem Porträt nicht seine Leidenschaft, seinen Umfang an Feierlichkeit zu, sondern fesselte sich an die Anforderungen des Auftraggebers und behandelte die Aufgabe mit einer für ihn seltenen Kälte. Vielleicht bemerken einige Forscher deshalb sowohl im Porträt als auch in der Pose des Kaisers eine gewisse Unnatürlichkeit, wie bei Schaufensterpuppen im Arsenal alter Waffen. Aber die psychologische Durchdringung von Tizian erreichte in diesem Porträt ihre höchste Grenze. In der Sicherheit der künstlerischen Technik ist dieses Porträt frappierend, im Ausdruck des Charakters und Zeitgeistes – nichts ist damit zu vergleichen. Es scheint, dass Clio selbst, die Muse der Geschichte, damals die Hand des Künstlers führte.

Perseus - in der griechischen Mythologie der Sohn von Danae, der unter Jupiter litt, als er sich in einen Strom goldenen Regens verwandelte. Zu seinen Heldentaten gehörte es, Medusa, eine der schlangenhaarigen Gorgonen, zu enthaupten und die schöne Andromeda vor einem Seeungeheuer zu retten. Das letzte Thema ist eine häufig anzutreffende nicht-einheimische Tradition. Perseus wird entweder als typischer Held der klassischen Antike oder als Krieger in Rüstung dargestellt. Er hält ein abgerundetes Schwert – ein Geschenk von Merkur – und einen glänzenden Schild, der ihm von Minerva, seiner Beschützerin, geschenkt wurde.
Ovid erzählt in seinen Metamorphosen, wie Andromeda, die Tochter eines äthiopischen Königs, als Opfer für ein Seeungeheuer an einen Felsen am Ufer gekettet wurde. Perseus, der am Himmel flog, verliebte sich auf den ersten Blick in sie. Er stürzte gerade noch rechtzeitig herunter, tötete das Monster und befreite Andromeda. Das Bild „Perseus und Andromeda“ schuf Rubens in einer Zeit, in der sein Werk besonders emotional und heiter war. Durch die Perfektion der Malerei und die hohe Kunstfertigkeit der Ausführung gehört dieses Werk zu den Meisterwerken des Künstlers. Und hier bleibt für Rubens das Wichtigste, wofür ein Mensch geboren wurde: Kampf, Sieg und Liebe.

Rubens interessierte nicht die Leistung des Perseus selbst, nicht der Kampf und Widerstand, sondern der Jubel über den bereits errungenen Sieg, als vom Ufer Freudenschreie zu hören waren und alle den mächtigen Helden priesen. Auf diesem Bild erscheint Perseus als Sieger, die geflügelte Göttin Viktoria (Ehre) mit Palmzweig und Lorbeerkranz in den Händen krönt den Sieger. Die Apotheose des Perseus wird zum Triumph des Lebens, von nichts mehr überschattet, schön und fröhlich. Und Rubens löst diese künstlerische Aufgabe mit einer solchen Vollständigkeit, mit einer so fesselnden Kraft, die ihm bisher kaum begegnet ist. Die intensive Eigendynamik jeder Linie, jeder Form, ihr wachsender Rhythmus erreichen hier eine außergewöhnliche Ausdruckskraft. Eine unwiderstehliche Kraft, die wie ein Wirbelwind von irgendwo draußen hereinbricht, gibt der ganzen Komposition und den wirbelnden Bewegungen, wie in einem Strudel, eine einzige Richtung.

S. M. Sandomirsky

Robert Wallace im Buch Welt von Leonardo, M., 1997 schreibt: „Von den beiden Problemen, mit denen die Autoren des Abendmahls jahrhundertelang konfrontiert waren, löste Leonardo das Problem der Identifizierung von Judas mit der größten Leichtigkeit. Er stellte Judas auf die gleiche Seite des Tisches wie alle anderen, aber trennte ihn psychologisch von anderen mit einer Einsamkeit, die viel weißer erdrückend ist als die bloße physische Trennung. Düster und konzentriert schreckte Judas vor Christus zurück. Darauf gleichsam ein uraltes Siegel aus Schuld und Einsamkeit.
Judas sitzt bei allen wie ein Apostel in der Reihe der Apostel. Christus ist einsam, deshalb ist er traurig, aber wer am wenigsten einsam ist, ist Judas. Daher seine selbstbewusste Stärke. Und er ist nicht schuldig, denn in dem Gespräch auf dem Bild geht es nicht um Verrat, sondern darum, die Seelen von Menschen zu retten, die sich am wenigsten darum kümmern.
Denken Sie an die Apostel, obwohl sie nach dem Gesagten nichts mehr entscheiden.

12 11 10 9 8 7 Christus 1 2 3 4 5 6
Bartholomäus John Thomas Philip Matthew
Peter Jakob Simeon
Judas

1.Foma in der Tür auf hellem Hintergrund. Die rechte Hand ist zusammengedrückt, der Zeigefinger ist oben: "Gott wird ein solches Verbrechen nicht zulassen."
2. Jakob sieht mit Schrecken das Blut des neuen Bundes, das aus seinem Handgelenk strömt. Weit ausgebreitete Arme und Hände halten die Worte Christi zurück und versuchen, die hinter ihm zu schützen.
3. Philip drückt seine Finger auf seine Brust und im Gesicht eine Bitte: "Vertrau mir, es ist unmöglich von meiner Seite."
4. Beide Hände nehmen die Worte Christi an und fragen mit einem Blick die 6.: "Ist es möglich, was er sagt?"
5. Simeon nimmt die Worte Christi mit seiner rechten Handfläche entgegen und fragt am 6.
6. Matthäus, beide Handflächen sind auf Christus gerichtet, - er erwidert seine Worte: "Es ist unmöglich!"
7. Johannes. Die Finger sind verschränkt und liegen auf dem Tisch, zeigen Angst, Schwäche. Er schwenkte scharf nach links, die Augen geschlossen. Der Kopf ruht hilflos auf der Schulter.
8. Peter. Die linke Hand empfängt die Worte Christi und beruhigt die 7. In seiner rechten Hand ist ein Messer – er ist bereit, den Verräter zu töten.
9. Judas: stabile geringe Stärke, Selbstgerechtigkeit, Entschlossenheit, Energie.
10. Erhobene Handflächen auf Brusthöhe: "Wer ist der Verräter?" Sein Blick schielte auf das Messer.
11. Rechte Hand auf der Schulter des 10.: Er stimmt ihm zu. Sie akzeptiert die Worte Christi.
12. Bartholomäus stand entschlossen auf und ist bereit zu handeln.
Im Allgemeinen erlaubt die rechte Gruppe von Aposteln keinen Verrat; der Linke gibt eine solche Möglichkeit zu und ist entschlossen, den Verräter zu bestrafen.
Wie sehr Johannes nach links schwankte und das Fenster vollständig befreite - das Licht der Wahrheit Christi und Thomas, der im Fenster auf der Ebene Christi war, sich aber nicht auf sich selbst, sondern auf Gott verließ; wie der 2. Apostel nach rechts geschleudert wurde, wie die übrigen Jünger durcheinander gerieten, verwirrt, kleinlich rumgewirbelt wurden, geben die Gedanken von Leonardo da Vinci, dass die Ideen von Opfer und Erlösung, die Gebote des Neuen Testaments Christi durch die Apostel - diese schwachen Menschen - werden nicht ausgeführt und sein Opfer wird vergebens sein. Das ist der Grund für die Niedergeschlagenheit Christi. Darüber hinaus würdigt der Künstler selbst das hohe Streben und Opfer des irdischen Gottes.

Hunderte von Gemälden gelangen jedes Jahr in Privatsammlungen unter den Hammer. Sammler geben Millionen von Dollar aus, um ihre privaten Sammlungen zu erweitern. Die berühmtesten Gemälde sind nicht immer die teuersten Gemälde. Die berühmtesten Gemälde der Welt gehören zu weltberühmten Museen und sind im wahrsten Sinne des Wortes unbezahlbar. Werfen wir einen Blick auf verschiedene Museen auf der ganzen Welt und schauen wir uns diese berühmten Werke an.

"Geburt der Venus"

Dieses Gemälde wurde von dem großen florentinischen Künstler Sandro Botticelli in den Jahren 1485-1487 gemalt. Es zeigt die Göttin Venus (in der griechischen Mythologie - Aphrodite), die aus dem Meeresschaum auftaucht. Heute wird dieses Gemälde in den Uffizien in Florenz ausgestellt.

"Wasserlilien"

43 Jahre seines Lebens lebte Monet in Giverny (einer kleinen Stadt 80 km von Paris entfernt), er mietete ein Haus von einem normannischen Landbesitzer und kaufte ein benachbartes Grundstück, auf dem sich ein Teich befand. Anschließend legte der Künstler an dieser Stelle zwei Gärten an, von denen einer am Wasser lag. Motive des Wassergartens nehmen einen bedeutenden Platz im Werk des Künstlers ein. Werke aus dieser Serie sind in Museen auf der ganzen Welt verstreut, eine anständige Werkgruppe wird jedoch im Metropolitan Museum of Art in New York präsentiert. Eines der berühmtesten Gemälde der Welt.

"Die Nachtwache"

Die Nachtwache wurde 1642 auf dem Höhepunkt des niederländischen Goldenen Zeitalters fertiggestellt und ist eines der berühmtesten Gemälde des niederländischen Malers Rembrandt van Rijn. Das Gemälde zeigt die Leistung der Schützenkompanie von Hauptmann Frans Banning Cock und Leutnant Willem van Ruytenbürg. Das Gemälde ist im Rijksmuseum in Amsterdam ausgestellt.

"Schrei"

Dieses Gemälde stammt aus einer Reihe von Werken des norwegischen Expressionisten Edvard Munch. Das Gemälde zeigt eine leidende Gestalt vor einem blutroten Himmel. Edvard Munch schuf mehrere Variationen von Der Schrei. Das vorliegende Bild wurde 1893 gemalt und befand sich in der Nationalgalerie von Norwegen. 1994 wurde das Werk jedoch gestohlen, aber einige Monate später wurde es gefunden und dem Museum zurückgegeben.

"Das Mädchen mit dem Perlenohrring"

Manchmal wird dieses Bild "niederländische Mona Lisa" genannt. „Mädchen mit Perlenohrgehänge“ wurde um 1665 von dem holländischen Künstler Jan Vermeer gemalt.

Lesen Sie auch über die teuersten Gemälde der Welt in einer speziellen Auswahl.

"Guernika"

"Guernica" ist eines der berühmtesten Gemälde von Pablo Picasso, das die Tragödie des Krieges zeigt, das Leid, das er den Menschen zufügt, insbesondere unschuldigen Zivilisten. Das Hauptziel von Picasso bei der Erstellung dieses Werks war es, die Aufmerksamkeit der Weltgemeinschaft auf die Bombardierung der baskischen Stadt Guernica zu lenken. Das Gemälde wurde 1937 fertiggestellt. Guernica ist jetzt im Reina Sofia Museum in Madrid ausgestellt.

"Die Erschaffung Adams"

Die zwischen 1508 und 1512 von Michelangelo bemalte Decke der Sixtinischen Kapelle ist eines der berühmtesten Werke der Hochrenaissance. Die Erschaffung Adams ist eines der berühmtesten Gemälde aller Zeiten. Auch dieses Werk war Gegenstand unzähliger Referenzen und Parodien. Lesen Sie mehr über andere berühmte Werke von Michelangelo in einer separaten Auswahl.

"Das letzte Abendmahl"

Das letzte Abendmahl wurde von dem italienischen Künstler Leonardo da Vinci gemalt. Das Gemälde ist an der Rückwand des Speisesaals im Kloster Santa Maria del Grazie in Mailand gemalt. Das Gemälde zeigt eine Szene, in der Jesus ankündigt, dass einer seiner zwölf Apostel ihn verraten wird. Leonardo begann 1495 mit der Arbeit an Das letzte Abendmahl und beendete es 1498, obwohl er nicht die ganze Zeit an dem Gemälde arbeitete.

"Sternennacht"

Die Sternennacht wurde von dem niederländischen Künstler Vincent van Gogh gemalt. Trotz der Tatsache, dass der Künstler in seinem ganzen Leben nur eines seiner Werke verkauft hat, ist das Feld seiner kreativen Tätigkeit sehr reich. Sternennacht ist eines seiner bekanntesten Werke. Es zeigt das Dorf Saint-Remy. Seit 1941 befindet sich das Gemälde im Museum of Modern Art in New York.

"Mona Lisa"

Als berühmtestes Gemälde der Welt gilt nach wie vor die Mona Lisa, die von Leonardo da Vinci während der Renaissance in Florenz gemalt wurde. Er begann dieses Meisterwerk 1503 (1504) zu malen und vollendete es kurz vor seinem Tod 1519. 1911 wurde die Mona Lisa von Louvre-Mitarbeiter Vincenzo Perugio gestohlen, einem italienischen Patrioten, der glaubte, dass die Mona Lisa nach Italien zurückgebracht werden sollte. Nachdem er das Gemälde zwei Jahre lang zu Hause aufbewahrt hatte, wurde Perugio dabei erwischt, wie er versuchte, das Gemälde an den Direktor der Galerie der Uffizien in Florenz zu verkaufen. Heute hängt die Mona Lisa wieder im Louvre in Paris, wo jedes Jahr 6 Millionen Menschen das Gemälde sehen.

Donnerstag, 08. Dezember 2016 11:56 Uhr + zum Zitatblock

Britische Zeitung The Times rangiert Top 200 Künstler die vom Beginn des 20. Jahrhunderts bis heute lebten.

Infolgedessen, so britische Leser, der erste Platz von dem großen spanischen Künstler besetzt Pablo Picasso.

Zweiter Platz dem Postimpressionisten gegeben Paul Cézanne, der dritte - der Begründer des österreichischen Jugendstils Gustav Klimt. Die letzte Zeile wird von einem zeitgenössischen japanischen Künstler besetzt Hiroshi Sujimoto.

Französische Künstler erscheinen in den Top Ten Claude Monet, Henri Matisse, Marcel Duchamp und amerikanischer Künstler Jackson Pollock.
Die Top Ten wird von der Legende der Pop-Art abgeschlossen Andy Warhole, Vertreter des Abstraktionismus Willem de Kooning und berühmter Modernist Piet Mondrian.
Es ist unmöglich, die Überschätzung der Bewertung einiger Künstler nicht zu bemerken und andere, nicht weniger talentierte, zu ignorieren. Die Redakteure der „Times“ resümieren die Ergebnisse der Umfrage fassungslos: „Was macht Martin Kippenberger in den Top 20? Warum wird er höher bewertet als Rothko, Schiele und Klee? Ist Munch (46.) schlimmer als Frida Kahlo? Dies liegt höchstwahrscheinlich am Wunsch der Frauen, das schöne Geschlecht möglichst weit oben im Ranking zu platzieren.

Von russischen Künstlern in der Rangliste erscheinen Basilikum Kandinsky(15.), Schöpfer des Schwarzen Quadrats „ Kasimir Malewitsch(17.). 95. markierter ukrainisch-amerikanischer Künstler Alexander Archipenko. 135. - einer der Gründer des Konstruktivismus Alexander Rodtschenko. Auch in der Liste enthalten Marc Chagall-71. und Wladimir Tatlin- 145.

Hier 20 besten Künstler des 20. Jahrhunderts, laut britischen Kunstliebhabern

Die zwanzig besten Künstler des 20. und des beginnenden 21. Jahrhunderts

1. Pablo Picasso

2. Paul Cézanne

3. Gustav Klimt

4. Claude Monet

5. Marcel Duchamp

6. Henri Matisse

7. Jackson Pollock

8. Andy Warhol

9. Willem de Kooning

10. Piet Mondrian

11. Paul Gauguin

12. Francis Bacon

13. Robert Rauschenberg

14. George Braque

15. Wassily Kandinsky

16. Constantin Brancusi

17. Kasimir Malewitsch

18. Jaspis Johns

19. Frida Kahlo

20. Martin Kippenberger
………………
Ja, wenn eine solche Umfrage in unserem Land durchgeführt würde, wäre die Liste völlig anders. Ebenso wie die Listen der besten literarischen Werke - in jedem Land unterscheiden sie sich erheblich.
Aber bisher haben wir nur diese Liste, in der wir nicht viele Künstler kennen.
Deshalb – hier ist eine kurze Geschichte über die ersten zwanzig Künstler.
Eine vollständige Liste 200 besten Künstler des 20. und frühen 21. Jahrhunderts- am Ende des Beitrags.
...................
1.Picasso-Pablo- Spanischer Künstler, Grafiker

8. Andy Warhol(echter Name - Andreas Warhola, Russin. Andrij Vargola; 1928-1987) ist ein amerikanischer Künstler und Produzent, eine bemerkenswerte Person in der Geschichte der Pop-Art und der modernen Kunst im Allgemeinen. Begründer der „homo universale“-Ideologie.
Warhol schuf mehrere Gemälde, die in der Kunstwelt zu einer Sensation wurden. 1960 entwarf er Entwürfe für Coca-Cola-Dosen, die ihn als Künstler mit einer außergewöhnlichen Vision von Kunst berühmt machten. Und 1960-1962 erschien ein Werkzyklus, der Dosen mit Campbells Suppe darstellte.


Warhol einer der ersten, der Siebdruck und Siebdruck als Methode zur Erstellung von Gemälden verwendete.
Warhol schuf eine Reihe von Gemälden, in denen er die Idole der modernen Gesellschaft darstellte. Unter den Stars, die Andy malte: wiederkehrende Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, The Beatles, Michael Jackson, Lenin und andere. Diese Zeichnungen in leuchtenden Farben wurden Warhols Markenzeichen. Nachbildung der amerikanischen Atmosphäre der 60er Jahre.


Kritikern zufolge spiegelten diese Gemälde die Vulgarität der Kultur des Massenkonsums, die Mentalität der westlichen Zivilisation wider. Warhol zählt zu den Vertretern der Pop-Art und der Konzeptkunst wie Robert Rauschenberg, Jasper Johns und Roy Lichtenstein, die Preise für seine Bilder erreichen derzeit mehrere zweistellige Millionen Dollar. Um die Figur Warhol hat sich eine ganze Subkultur versammelt.

2015 wurde das Gemälde für 300 Millionen Dollar an die Qatari Museum Authority verkauft. 287\237\225

12. Francis Bacon-(1909-1992) - englischer Künstler- Expressionist. Bacons Malerei ist immer expressiv, sie ist eine Art Schrei, der die Tragik des Daseins vermittelt. Das Hauptthema seiner Arbeit ist der menschliche Körper – verzerrt, langgestreckt, eingeschlossen in geometrische Formen. Mehrere Werke sind in der Liste der teuersten Gemälde enthalten.

Am 14. Mai 2008 wurde Francis Bacons Triptychon Landmark of the Canonical 20th Century von 1976 bei Sotheby's für 86,3 Millionen US-Dollar verkauft. Verkauft von der Familie Muy, Besitzer der Weinproduktion Château Pétrus, an den russischen Milliardär Roman Abramovich. Und der Maler erhielt den Titel des teuersten Künstlers der Nachkriegszeit und belegte den dritten Platz unter den zehn teuersten Künstlern der Welt im Allgemeinen, hinter Picasso und Klimt. 180\122\96

13.Robert Rauschenberg(1925, Port Arthur -2008, Captiva Island, Florida) ist ein US-amerikanischer Künstler. Als Vertreter des abstrakten Expressionismus, dann der Konzeptkunst und der Pop-Art, wandte er sich in seinen Werken der Technik der Collage und dem Readymade zu, gebrauchtem Müll.
Wie andere Vertreter der Pop-Art versuchte er, seine Vision der Welt in ungewöhnlichen, schockierenden Formen auszudrücken. Dafür wurden Leinwände, Collagen, Installationen verwendet.
In den frühen 50er Jahren durchlief Rauschenberg drei Phasen der Malerei:
"Weiße Malerei" - Schwarze Zahlen und einige Symbole werden auf weißem Hintergrund dargestellt.
"Black Painting" - Zeitungsfetzen wurden auf die Leinwand geklebt und alles mit schwarzer Emaille bedeckt.
"Red Painting" - abstrakte Leinwände in Rottönen, teilweise mit Aufklebern aus Zeitungen, Nägeln, Fotografien etc.
1953 löschte Rauschenberg eine Zeichnung von Willem de Kooning und stellte sie unter dem Titel „Erased De Kooning Drawing“ aus, womit er die Frage nach dem Wesen der Kunst aufwarf.

Seit Mitte der 50er Jahre schafft Rauschenberg räumliche Objekte, die er „kombinierte Malerei“ nennt, zum Beispiel:
"Odalisque" (Satinkissen, gefülltes Huhn, Fotografien und Reproduktionen)
"Bett" - ein mit Farbe bespritztes und senkrecht gestelltes Bett ...


Ende der 50er Jahre beherrschte er die Frottage-Technik (das von Max Ernst in die Kunst eingeführte Reiben), um Zeitschriftenfotografien auf Papier zu übertragen. Rauschenberg schuf daraus einen grafischen Zyklus von 34 Illustrationen zu Dantes Inferno im Pop-Art-Stil. 1962 beherrschte er die Technik des Siebdrucks und schuf damit eine Reihe großer Werke. Eines der Gemälde dieser Serie Weg in den Himmel» ( Himmel weg, 1964). Darauf koexistieren popkulturelle Symbole (zum Beispiel amerikanische Astronauten) mit Bildern von Rubens.

Rauschenberg ist Inhaber vieler Auszeichnungen, darunter der Hauptpreis der Biennale in Venedig, der Grammy, die US National Medal, der Imperial Prize of Japan und andere.
In den 60er und 70er Jahren war Rauschenberg im Bereich Performance, Happenings und anderer Theateraktionen tätig.

1 Pablo Picasso21587
2 Paul Cézanne 21098
3 Gustav Klimt 20823
4 Claude Monet 20684
5 Marcel Duchamp20647
6 Heinrich Matisse 17096
7 JacksonPollock17051
8 AndyWarhol17047
9 Willem de Kooning 17042
10 Piet Mondrian 17028
11 Paul Gauguin 17027
12 Francis Speck 17018
13 Robert Rauschenberg 16956
14 George Braque 16788
15 Wassily Kandinsky 16055
16 Constantin Brancusi 14224
17 Kasimir Malewitsch 13609
18 Jaspis Johns 12988
19 Frida Kahlo 12940
20 Martin Kippenberger 12784
21 Paul Klee
22 Egon Schiele
23 Donald Judd
24 Bruce Nauman
25 Alberto Giacometti
26 Salvador Dalí
27 Auguste Rodin
28 Mark Rothko
29 Eduard Hopper
30 Lucian Freud
31 Richard Serra
32 René Magritte
33 David Hockney
34 Philipp Gaston
35 Gary Cartier-Bresson 8779
36 Pierre Bonnard
37 Jean-Michel Basquiat
38Max Ernst
39 Diana Arbus
40 Georgia O’Keefe
41 Cy Twombly
42Max Beckmann
43 Barnett Newman
44 Giorgio de Chirico
45 Roy Liechtenstein 7441
46 Edvard Münch
47 Pierre August Renoir
48 Männer Strahl
49 Henry Moore
50 Cindy Shermann
51 Jeff Koons
52 Tracey Emin
53 Damian Hirst
54 Yves Klein
55 Heinrich Russo
56 Chaim Soutine
57 Archil Gorki
58 Amadeo Modigliani
59 Umberto Boccioni
60 Jean-Dubuffet
61 Eva Hesse
62 Eduard Villard
63 Karl André
64 Juan Gris
65 Lucio Fontana
66 Franz Kline
67 David Smith
68 Josef Beuys
69 Alexander Kalder
70 Luise Bourgeois
71 Marc Chagall
72 Gerhard Richter
73 Balthus
74 Joan Miró
75 Ernst Ludwig Kirchner
76 Frank Stella
77 Georg Baselitz
78 Francis Picabia
79 Jenny Saville
80 Dan Flavin
81 Alfred Stiglitz
82 Anselm Kiefer
83 Matthew Burney
84 Georges Gros
85 Bernd und Hilla Becher
86 Sigmar Polke
87Bryce Marden
88 Maurizio Catellan
89 Saul Levitt
90 Chuck Close 2915
91 Eduard Weston
92 Josef Cornell
93 Karl Appel
94 Bridget Riley
95 Alexander Archipenko
96 Antonius Caro
97Richard Hamilton
98 Clifford Noch
99 Luc Tuymans
100 Oldenburger Klasse
101 Eduardo Luigi Paolozzi
102 Frank Auerbach
103 Dinos und Jake Chapman
104 Marlene Dumas
105 Antona Tapies
106 Giorgio Morandi
107 Wanderer Evans
108 Nan Goldin
109Robert Frank
110 George Rouault
111 ArpHans
112 August Absender
113 James Rosenquist
114 Andreas Gursky
115 Eugen Atget
116 Jeff Wand
117 Ellsworth-Kelly
118Bill Brandt
119 Christo und Jean-Claude
120 Howard Hodgkin
121 Josef Albers
122 Piero Manzoni
123 Agnes Martin
124 Anish Kapoor
125 L. S. Lowry
126Robert Motherwell
127Robert Delaunay
128 Stuart Davis
129 Ed Ruscha
130 Gilbert und George 2729
131 Stanley Spencer
132 James Ensor
133 Fernard Hauptbuch
134 Brassai (Gyula Halas)
135 Alexander Rodtschenko
136Robert Ryman
137 Ed Reindhard
138 Hans Belmer
139 Isa Genzken
140 Kees van Dongen
141 Weegee
142 Paula Rego
143 Thomas Hart-Benton
144 Hans Hoffmann
145 Wladimir Tatlin
146 Odilon Redon
147 Georg Segal
148 Jörg Imendorff
149Robert Smithson
150 Peter Doig 2324
151 Ed und Nancy Kienholz
152 Richard Prinz
153 Ansel Adams
154 Naum Gabo 2256
155 Diego Rivera 2239
156 Barbara Hepworth 2237
157 Nicola de Staël 2237
158 Walter de Maria 2229
159 Felix González-Torres 2228
160 Giacomo Balla2225
161 BenNicholson 2221
162 Anthony Gormley 2218
163 Lionel Feininger 2216
164 Emil Nolde 2213
165 Markus Wallinger 2211
166 Hermann Nietzsch 2209
167 Paul Signac 2209
168 Jean Tigli 2209
169 Kurt Schwitters 2209
170 Grayson Perry 2208
171 Julian Schnabel 2208
172 Raymond Duchamp-Villon 2208
173 Robert Gobert 2208
174 Duane Hanson 2208
175 Richard Diebenkorn 2207
176 Spitze Katz 2207
177 Alighiero Boetti 2206
178 Godier-Brzeska Henri 2206
179 Laszlo Moholy-Nagy 2205
180 Jacques-Henri Lartigue 2205
181 Robert Morris 2205
182 Sarah Lucas 2204
183 Yannis Kounellis 2204
184 Chris Barden 2204
185 Otto Dix 2203
186 David Bomberg 2203
187 Fischli & Weiss 2203
188 Augustus Johannes 2203
189 Marsden Hartley 2203
190 Takashi Murakami 2203Bewertungen

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