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Delacroix. Freiheit führt das Volk

1830
260 x 325 cm Louvre, Paris

„Ich habe ein modernes Motiv gewählt, eine Szene auf den Barrikaden. .. Wenn ich nicht für die Freiheit des Vaterlandes gekämpft habe, dann muss ich zumindest diese Freiheit verherrlichen“, informierte Delacroix seinen Bruder und bezog sich dabei auf das Gemälde „Die Freiheit führt das Volk“ (wir kennen es auch unter dem Namen „Freiheit“. Barrikaden"). Der darin enthaltene Aufruf zum Kampf gegen die Tyrannei wurde von den Zeitgenossen gehört und begeistert angenommen.

Svoboda geht mit nacktem Oberkörper über die Leichen der gefallenen Revolutionäre und fordert die Rebellen auf, ihnen zu folgen. In ihrer erhobenen Hand hält sie die dreifarbige republikanische Flagge, deren Farben – Rot, Weiß und Blau – auf der gesamten Leinwand widerhallen. In seinem Meisterwerk kombinierte Delacroix das scheinbar Unvereinbare – den protokollarischen Realismus der Reportage mit dem sublimen Stoff der poetischen Allegorie. Er gab einer kleinen Folge von Straßenkämpfen einen zeitlosen, epischen Sound. Die zentrale Figur der Leinwand ist Liberty, die die majestätische Haltung von Aphrodite de Milo mit den Eigenschaften kombiniert, mit denen Auguste Barbier Liberty ausgestattet hat: „Dies ist eine starke Frau mit mächtigen Brüsten, mit einer heiseren Stimme, mit Feuer in ihren Augen, schnell , mit weitem Schritt.“

Ermutigt durch den Erfolg der Revolution von 1830 begann Delacroix am 20. September mit der Arbeit an dem Gemälde, um die Revolution zu verherrlichen. Im März 1831 erhielt er dafür eine Auszeichnung, und im April stellte er das Gemälde im Salon aus. Das Bild mit seiner gewaltigen Wucht stieß bürgerliche Besucher ab, die dem Künstler auch vorwarfen, in dieser Heldentat nur „Pöbel“ zu zeigen. Im Salon erwirbt das französische Innenministerium 1831 „Liberty“ für das Luxemburger Museum. Nach 2 Jahren wurde "Freedom", dessen Handlung als zu politisiert galt, aus dem Museum entfernt und an den Autor zurückgegeben. Der König kaufte das Gemälde, aber erschrocken über seinen Charakter, der während der Herrschaft der Bourgeoisie gefährlich war, befahl er, es zu verstecken, aufzurollen und dann dem Autor zurückzugeben (1839). 1848 verlangt der Louvre das Gemälde. 1852 - das Zweite Kaiserreich. Das Gemälde wird erneut als subversiv angesehen und ins Lager geschickt. In den letzten Monaten des Zweiten Kaiserreichs galt "Freiheit" wieder als großes Symbol, und Stiche aus dieser Komposition dienten der republikanischen Propaganda. Nach 3 Jahren wird es von dort entfernt und auf der Weltausstellung gezeigt. Zu diesem Zeitpunkt schreibt Delacroix es erneut um. Vielleicht verdunkelt er den leuchtend roten Ton des Hutes, um seinen revolutionären Look abzumildern. Delacroix stirbt 1863 zu Hause. Und nach 11 Jahren wird „Freedom“ wieder im Louvre ausgestellt.

Delacroix selbst nahm nicht an den „drei glorreichen Tagen“ teil und beobachtete das Geschehen von den Fenstern seiner Werkstatt aus, aber nach dem Sturz der Bourbonenmonarchie beschloss er, das Bild der Revolution fortzusetzen.

Detailansicht des Bildes: *Realismus und Idealismus.*
Das Bild der Freiheit könnte vom Künstler einerseits unter dem Eindruck von Byrons romantischem Gedicht Childe Harold’s Pilgrimage und andererseits der gerade gefundenen antiken griechischen Statue der Venus von Milo entstanden sein von damaligen Archäologen. Delacroix' Zeitgenossen hielten ihr Vorbild jedoch für die legendäre Wäscherin Anna-Charlotte, die nach dem Tod ihres Bruders auf die Barrikaden ging und neun Schweizergardisten vernichtete.
Diese Figur in einem großen Bowler galt lange Zeit als Selbstporträt des Künstlers, aber jetzt wird sie mit Etienne Arago, einem fanatischen Republikaner und Direktor des Vaudeville-Theaters, in Verbindung gebracht. Während der Ereignisse im Juli versorgte Arago die Rebellen mit Waffen aus den Requisiten seines Theaters. Auf der Delacroix-Leinwand spiegelt diese Figur die Beteiligung der Bourgeoisie an der Revolution wider.
Auf dem Kopf der Freiheit sehen wir ihr traditionelles Attribut - eine konische Kopfbedeckung mit einer scharfen Spitze, die als "phrygische Kappe" bezeichnet wird. Ein solcher Kopfschmuck wurde einst von persischen Soldaten getragen.
Auch ein Straßenjunge nimmt an der Schlacht teil. Seine erhobene Hand mit einer Pistole wiederholt die Geste der Freiheit. Der aufgeregte Gesichtsausdruck des Wildfangs betont zum einen das seitlich einfallende Licht und zum anderen die dunkle Silhouette des Kopfschmucks.
Die Figur eines Handwerkers, der eine Klinge schwingt, symbolisiert die Arbeiterklasse von Paris, die eine führende Rolle im Aufstand spielte.
toter Bruder Diese halb bekleidete Leiche wird Experten zufolge als der verstorbene Bruder von Anna-Charlotte identifiziert, die zum Prototyp der Freiheit wurde. Die Muskete, die Liberty in der Hand hält, könnte seine Waffe sein.

325 x 260 cm.
Louvre.

Die Handlung des 1831 im Salon ausgestellten Gemäldes „Die Freiheit auf den Barrikaden“ wendet sich den Ereignissen der bürgerlichen Revolution von 1830 zu. Der Künstler schuf eine Art Allegorie der Vereinigung zwischen der Bourgeoisie, die im Bild durch einen jungen Mann mit Zylinder dargestellt wird, und den Menschen, die ihn umgeben. Zum Zeitpunkt der Entstehung des Bildes war die Verbindung des Volkes mit der Bourgeoisie zwar bereits zerbrochen und dem Betrachter viele Jahre lang verborgen. Das Gemälde wurde von Louis-Philippe gekauft (in Auftrag gegeben), der die Revolution finanzierte, aber die klassische Pyramidenkomposition dieser Leinwand betont ihre romantische revolutionäre Symbolik, und die energischen blauen und roten Striche machen die Handlung aufregend dynamisch. Eine junge Frau, die Freiheit in einer phrygischen Mütze verkörpert, erhebt sich in klarer Silhouette vor dem Hintergrund eines hellen Himmels; Ihre Brust ist freigelegt. Hoch über ihrem Kopf hält sie die französische Nationalflagge. Der Blick der Heldin der Leinwand ist auf einen Mann mit Zylinder und Gewehr gerichtet, der die Bourgeoisie verkörpert; rechts von ihr ist ein Junge, der Pistolen schwingt, Gavroche, ein Volksheld der Pariser Straßen.

Das Gemälde wurde dem Louvre 1942 von Carlos Beistegui geschenkt; 1953 in die Sammlung des Louvre aufgenommen.

Marfa Vsevolodovna Zamkova.
http://www.bibliotekar.ru/muzeumLuvr/46.htm

„Ich habe ein modernes Motiv gewählt, eine Szene auf den Barrikaden. .. Wenn ich nicht für die Freiheit des Vaterlandes gekämpft habe, dann sollte ich wenigstens diese Freiheit verherrlichen“, informierte Delacroix seinen Bruder und bezog sich dabei auf das Gemälde „Die Freiheit führt das Volk“ (wir kennen es auch unter dem Namen „Freiheit auf Barrikaden"). Der darin enthaltene Aufruf zum Kampf gegen die Tyrannei wurde von den Zeitgenossen gehört und begeistert angenommen.
Svoboda geht mit nacktem Oberkörper über die Leichen der gefallenen Revolutionäre und fordert die Rebellen auf, ihnen zu folgen. In ihrer erhobenen Hand hält sie die dreifarbige republikanische Flagge, deren Farben – Rot, Weiß und Blau – auf der gesamten Leinwand widerhallen. In seinem Meisterwerk kombinierte Delacroix das scheinbar Unvereinbare – den protokollarischen Realismus der Reportage mit dem sublimen Stoff der poetischen Allegorie. Er gab einer kleinen Folge von Straßenkämpfen einen zeitlosen, epischen Sound. Die zentrale Figur der Leinwand ist Liberty, die die majestätische Haltung von Aphrodite de Milo mit jenen Eigenschaften kombiniert, die Auguste Barbier Liberty verliehen hat: „Das ist eine starke Frau mit mächtigen Brüsten, mit einer heiseren Stimme, mit Feuer in ihren Augen, schnell , mit weitem Schritt.“

Arbeitsbeschreibung

Die Romantik folgt auf das Zeitalter der Aufklärung und fällt mit der industriellen Revolution zusammen, die durch das Aufkommen der Dampfmaschine, der Dampflokomotive, des Dampfschiffs und der Fotografie und des Fabrikrandes gekennzeichnet ist. Ist die Aufklärung von Vernunftkult und prinzipienbasierter Zivilisation geprägt, so bejaht die Romantik den Kult der Natur, der Gefühle und des Natürlichen im Menschen. In der Ära der Romantik entstanden die Phänomene Tourismus, Bergsteigen und Picknick, die die Einheit von Mensch und Natur wiederherstellen sollten.

1. Einleitung. Beschreibung des historischen und kulturellen Kontextes der Epoche.
2- Biografie des Autors.
3- Gattung, Gattungszugehörigkeit, Handlung, formalsprachliche Merkmale (Komposition, Material, Technik, Strichführung, Farbgebung), das gestalterische Konzept des Bildes.
4- Gemälde „Freiheit auf den Barrikaden“.
5- Analyse mit modernem Kontext (Begründung der Relevanz).

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Staatliche Akademie Tscheljabinsk

Kultur und Kunst.

Semesterprüfungsarbeit an einem Kunstbild

EUGENE DELACROIX FREIHEIT AUF DEN BARRIKADEN.

Abgeschlossen von einem Schüler im zweiten Jahr der Gruppe 204 TV

Rusanova Irina Igorevna

Geprüft von der Kunstlehrerin Gindina O.V.

Tscheljabinsk 2012

1. Einleitung. Beschreibung des historischen und kulturellen Kontextes der Epoche.

3- Gattung, Gattungszugehörigkeit, Handlung, formalsprachliche Merkmale (Komposition, Material, Technik, Strichführung, Farbgebung), das gestalterische Konzept des Bildes.

4- Gemälde „Freiheit auf den Barrikaden“.

5- Analyse mit modernem Kontext (Begründung der Relevanz).

KUNST DER WESTEUROPÄISCHEN LÄNDER IN DER MITTE DES 19. JAHRHUNDERTS.

Die Entwicklung der Romantik in der Malerei verlief in scharfer Kontroverse mit einem Anhänger des Klassizismus. Romantiker warfen ihren Vorgängern „kalte Rationalität“ und das Fehlen einer „Bewegung des Lebens“ vor. In den 1920er und 1930er Jahren zeichneten sich die Werke vieler Künstler durch Pathos und nervöse Erregung aus; in ihnen gibt es eine Tendenz zu exotischen Motiven und ein Spiel der Fantasie, das aus dem "trüben Alltag" herausführen kann. Der Kampf gegen die eingefrorenen klassizistischen Normen dauerte lange, fast ein halbes Jahrhundert. Der erste, dem es gelang, eine neue Richtung zu festigen und die Romantik zu "rechtfertigen", war Theodore Géricault

Die historischen Meilensteine, die Mitte des 19. Jahrhunderts die Entwicklung der westeuropäischen Kunst bestimmten, waren die europäischen Revolutionen von 1848-1849. und die Pariser Kommune von 1871. In den größten kapitalistischen Ländern gibt es ein schnelles Wachstum der Arbeiterbewegung. Es gibt eine wissenschaftliche Ideologie des revolutionären Proletariats, deren Begründer K. Marx und F. Engels waren. Der Aufschwung der Aktivität des Proletariats erweckt den wütenden Hass der Bourgeoisie, die alle Kräfte der Reaktion um sich vereint.

Mit den Revolutionen von 1830 und 1848-1849. verbunden sind die höchsten Errungenschaften der Kunst, deren Richtungen in dieser Zeit die revolutionäre Romantik und der demokratische Realismus waren. Die prominentesten Vertreter der Revolutionsromantik in der Kunst der Mitte des 19. Jahrhunderts. Da waren der französische Maler Delacroix und der französische Bildhauer Rude.

Ferdinand Victor Eugene Delacroix (Französisch Ferdinand Victor Eugène Delacroix; 1798-1863) - Französischer Maler und Grafiker, Anführer der romantischen Richtung in der europäischen Malerei. Delacroix' erstes Gemälde war Dantes Boot (1822), das er im Salon ausstellte.

Das Werk von Eugene Delacroix kann in zwei Perioden unterteilt werden. In der ersten war der Künstler der Realität nahe, in der zweiten entfernte er sich allmählich von ihr und beschränkte sich auf Handlungen aus Literatur, Geschichte und Mythologie. Bedeutendste Gemälde:

„Massaker von Chios“ (1823–1824, Louvre, Paris) und „Freiheit auf den Barrikaden“ (1830, Louvre, Paris)

Gemälde "Freiheit auf den Barrikaden".

Das revolutionär-romantische Gemälde „Freiheit auf den Barrikaden“ wird mit der Julirevolution von 1830 in Paris in Verbindung gebracht. Der Künstler konkretisiert den Ort des Geschehens – rechts ragen die Insel Cité und die Türme der Kathedrale Notre Dame auf. Ganz spezifisch sind auch die Bilder von Menschen, deren soziale Zugehörigkeit sowohl durch die Beschaffenheit ihrer Gesichter als auch durch ihre Kostüme bestimmt werden kann. Der Betrachter sieht die rebellischen Arbeiter, Studenten, Pariser Jungen und Intellektuellen.

Das Bild des letzteren ist das Selbstporträt von Delacroix. Seine Einfügung in die Komposition weist noch einmal darauf hin, dass sich der Künstler als Teilnehmer des Geschehens fühlt. Eine Frau geht neben dem Rebellen durch die Barrikade. Sie ist nackt bis zur Hüfte: auf dem Kopf eine phrygische Mütze, in der einen Hand ein Gewehr, in der anderen ein Banner. Dies ist eine Allegorie der Freiheit, die das Volk führt (daher lautet der zweite Name des Gemäldes Freiheit, die das Volk führt). Im Rhythmus von erhobenen Händen, Gewehren, Säbeln, die aus der Tiefe der Bewegung aufsteigen, in den Pulverrauchwolken, in den Dur-Akkorden des rot-weiß-blauen Banners - dem hellsten Fleck des Bildes - kann man Spüren Sie das schnelle Tempo der Revolution.

Das Gemälde wurde im Salon von 1831 ausgestellt, die Leinwand löste einen Sturm der öffentlichen Zustimmung aus. Die neue Regierung kaufte das Gemälde, ordnete aber gleichzeitig sofort dessen Entfernung an, sein Pathos schien zu gefährlich, doch wurde das Werk von Delacroix aufgrund des revolutionären Charakters der Handlung fast 25 Jahre lang nicht ausgestellt.

Derzeit im 77. Raum im 1. Stock der Denon Gallery im Louvre.

Die Bildkomposition ist sehr dynamisch. Der Künstler gab einer einfachen Episode von Straßenkämpfen einen zeitlosen, epischen Sound. Die Rebellen erheben sich zur Barrikade, die von den königlichen Truppen zurückerobert wurde, und die Freiheit selbst führt sie an. Kritiker sahen in ihr "eine Kreuzung zwischen einem Kaufmann und einer antiken griechischen Göttin". Tatsächlich verlieh der Künstler seiner Heldin sowohl die majestätische Haltung der Venus von Milo als auch jene Züge, die der Dichter Auguste Barbier, der Sänger der Revolution von 1830, der Freiheit verlieh: „Dies ist eine starke Frau mit einer mächtigen Brust, mit heiserer Stimme, mit Feuer in den Augen, schnell, mit weitem Schritt. Liberty erhebt das dreifarbige Banner der Französischen Republik; eine bewaffnete Menge folgt: Handwerker, Militärs, Bourgeois, Erwachsene, Kinder.

Allmählich wuchs und verstärkte sich eine Mauer, die Delacroix und seine Kunst von der Realität trennte. So verschlossen in seiner Einsamkeit fand ihn die Revolution von 1830. Alles, was noch vor wenigen Tagen den Sinn des Lebens der romantischen Generation ausmachte, wurde augenblicklich weit zurückgeworfen, begann angesichts der Größe der Ereignisse, die stattgefunden hatten, "klein und unnötig auszusehen".

Das Erstaunen und die Begeisterung, die in diesen Tagen erlebt werden, dringen in das zurückgezogene Leben von Delacroix ein. Die Realität verliert für ihn ihre abstoßende Hülle von Vulgarität und Alltäglichkeit und offenbart wahre Größe, die er nie in ihr gesehen hat und die er zuvor in Byrons Gedichten, historischen Chroniken, der antiken Mythologie und im Osten gesucht hatte.

Die Julitage hallten in der Seele von Eugene Delacroix mit der Idee eines neuen Gemäldes wider. Die Barrikadenkämpfe vom 27., 28. und 29. Juli in der französischen Geschichte entschieden den Ausgang eines politischen Umbruchs. In diesen Tagen wurde König Karl X., der letzte vom Volk verhasste Repräsentant der Bourbonen-Dynastie, gestürzt. Zum ersten Mal war dies für Delacroix kein historischer, literarischer oder orientalischer Plot, sondern das wahre Leben. Bevor diese Idee jedoch verkörpert wurde, musste er einen langen und schwierigen Weg der Veränderung gehen.

R. Escollier, der Biograf des Künstlers, schrieb: „Ganz am Anfang, unter dem ersten Eindruck von dem, was er sah, hatte Delacroix nicht die Absicht, die Freiheit unter ihren Anhängern darzustellen … Er wollte einfach eine der Juli-Episoden reproduzieren, wie z wie der Tod von d" Arcole ". Ja, dann wurden viele Heldentaten vollbracht und Opfer gebracht. Der Heldentod von d "Arcol ist mit der Eroberung des Pariser Rathauses durch die Rebellen verbunden. An dem Tag, als die königlichen Truppen die Hängebrücke Greve unter Beschuss hielten, erschien ein junger Mann, der zum Rathaus eilte. Er rief aus: „Wenn ich sterbe, denk daran, dass ich d'Arcole heiße.“ Er wurde wirklich getötet, aber er schaffte es, die Menschen mit sich zu reißen, und das Rathaus wurde eingenommen.

Eugene Delacroix fertigte eine Skizze mit einem Stift an, die vielleicht die erste Skizze für ein zukünftiges Gemälde wurde. Dass es sich nicht um eine gewöhnliche Zeichnung handelte, wird durch die genaue Wahl des Moments und die Vollständigkeit der Komposition sowie die durchdachten Akzente einzelner Figuren und den organisch mit der Handlung verschmolzenen architektonischen Hintergrund und andere Details belegt. Diese Zeichnung könnte tatsächlich als Skizze für ein zukünftiges Gemälde dienen, aber der Kunstkritiker E. Kozhina glaubte, dass es nur eine Skizze blieb, die nichts mit der Leinwand zu tun hatte, die Delacroix später malte, vorwärts stürmte und die Aufständischen mit seinem heroischen Impuls fesselte .Eugène Delacroix überträgt diese zentrale Rolle auf Liberty selbst.

Bei der Arbeit an einem Bild in Delacroix' Weltanschauung prallten zwei gegensätzliche Prinzipien aufeinander – eine von der Realität inspirierte Inspiration und andererseits ein Misstrauen gegenüber dieser Realität, das in seinem Kopf seit langem verwurzelt war. Misstrauen dagegen, dass das Leben an sich schön sein kann, dass Menschenbilder und rein bildliche Mittel die Bildidee in ihrer Gesamtheit vermitteln können. Dieses Misstrauen diktierte Delacroix' Symbolfigur der Freiheit und einige andere allegorische Verfeinerungen.

Der Künstler überträgt das ganze Geschehen in die Welt der Allegorie, wir spiegeln die Idee genauso wider wie der von ihm vergötterte Rubens (Delacroix sagte dem jungen Edouard Manet: „Du musst Rubens sehen, du musst Rubens fühlen, du brauchst Rubens zu kopieren, weil Rubens ein Gott ist“) in ihren Kompositionen, die abstrakte Konzepte verkörpern. Aber Delacroix folgt seinem Idol noch nicht in allem: Freiheit wird für ihn nicht durch eine alte Gottheit symbolisiert, sondern durch die einfachste Frau, die jedoch königlich majestätisch wird.

Die Allegorische Freiheit ist voller lebendiger Wahrheit, in einem schnellen Impuls geht sie der Kolonne der Revolutionäre voraus, reißt sie mit sich und drückt die höchste Bedeutung des Kampfes aus - die Macht der Idee und die Möglichkeit des Sieges. Wenn wir nicht wüssten, dass die Nika von Samothrake nach dem Tod von Delacroix aus dem Boden gegraben wurde, könnte man davon ausgehen, dass der Künstler von diesem Meisterwerk inspiriert wurde.

Viele Kunsthistoriker bemerkten und warfen Delacroix vor, dass die ganze Größe seiner Malerei den Eindruck nicht verdecken kann, der sich zunächst als kaum wahrnehmbar herausstellt. Wir sprechen von einem Aufeinanderprallen gegensätzlicher Bestrebungen im Geist des Künstlers, der sogar in der fertigen Leinwand seine Spuren hinterließ, Delacroix’ Zögern zwischen einem aufrichtigen Wunsch, die Realität (so wie er sie sah) zu zeigen, und einem unfreiwilligen Wunsch, sie zur Cothurna zu erheben , zwischen einer Anziehungskraft auf die Malerei emotional, direkt und bereits etablierte an die künstlerische Tradition gewöhnt. Viele waren nicht zufrieden damit, dass sich in diesem Bild der rücksichtsloseste Realismus, der das wohlmeinende Publikum der Kunstsalons entsetzte, mit makelloser, idealer Schönheit verband. Das Gefühl der Lebensechtheit, das sich im Werk von Delacroix nie zuvor (und dann nie wieder) manifestiert hatte, als Tugend anerkennend, wurde dem Künstler die Verallgemeinerung und Symbolik des Bildes der Freiheit vorgeworfen. Für die Verallgemeinerung anderer Bilder macht der Künstler jedoch verantwortlich, dass die naturalistische Nacktheit einer Leiche im Vordergrund neben der Nacktheit der Freiheit steht.

Aber unter Hinweis auf die allegorische Natur des Hauptbildes vergessen einige Forscher zu bemerken, dass die allegorische Natur der Freiheit überhaupt keine Dissonanz mit den übrigen Figuren auf dem Bild erzeugt, auf dem Bild nicht so fremdartig und außergewöhnlich aussieht wie es mag auf den ersten Blick scheinen. Denn auch die übrigen handelnden Figuren sind ihrem Wesen und ihrer Rolle nach allegorisch. In ihrer Person stellt Delacroix sozusagen jene Kräfte in den Vordergrund, die die Revolution gemacht haben: die Arbeiter, die Intelligenz und die Plebs von Paris. Ein Arbeiter in Bluse und ein Student (oder Künstler) mit Gewehr sind Vertreter ganz bestimmter Gesellschaftsschichten. Dies sind zweifellos helle und zuverlässige Bilder, aber Delacroix bringt diese Verallgemeinerung auf Symbole. Und diese schon in ihnen deutlich empfundene Allegorik erreicht ihre höchste Entfaltung in der Figur der Freiheit. Dies ist eine beeindruckende und schöne Göttin, und gleichzeitig ist sie eine wagemutige Pariserin. Und in der Nähe springt ein flinker, zerzauster Junge auf Steine, schreit vor Freude und schwingt Pistolen (als ob er Ereignisse orchestrieren würde), ein kleines Genie der Pariser Barrikaden, das Victor Hugo in 25 Jahren Gavroche nennen wird.

Das Gemälde "Freiheit auf den Barrikaden" beendet die romantische Periode im Werk von Delacroix. Der Künstler selbst mochte dieses Gemälde sehr und bemühte sich sehr, es in den Louvre zu bekommen. Nach der Machtergreifung der „bürgerlichen Monarchie“ wurde die Ausstellung dieser Leinwand jedoch verboten. Erst 1848 konnte Delacroix sein Gemälde wieder ausstellen, und zwar für längere Zeit, doch nach der Niederschlagung der Revolution landete es für lange Zeit im Depot. Die wahre Bedeutung dieses Werks von Delacroix wird durch seinen inoffiziellen zweiten Namen bestimmt: Viele sind es seit langem gewohnt, in diesem Bild die "Marseillaise der französischen Malerei" zu sehen.

Das Gemälde ist auf Leinwand. Sie wurde in Öl gemalt.

ANALYSE DES BILDES DURCH VERGLEICH MODERNER LITERATUR UND RELEVANZ.

eigene Wahrnehmung des Bildes.

Im Moment glaube ich, dass das Gemälde Freiheit auf den Barrikaden von Delacroix in unserer Zeit sehr aktuell ist.

Das Thema Revolution und Freiheit begeistert nach wie vor nicht nur die großen Köpfe, sondern auch die Menschen. Jetzt steht die Freiheit der Menschheit unter der Führung der Macht. Die Menschen sind in allem begrenzt, die Menschheit wird vom Geld getrieben, und die Bourgeoisie steht an der Spitze.

Im 21. Jahrhundert hat die Menschheit mehr Möglichkeiten, zu Kundgebungen, Streikposten, Manifesten zu gehen, zu zeichnen und Texte zu erstellen (aber es gibt Ausnahmen, wenn der Text als Extremismus eingestuft wird), in denen sie ihre Positionen und Ansichten mutig zum Ausdruck bringen.

In letzter Zeit ist das Thema Freiheit und Revolution auch in Russland aktueller denn je. All dies hängt mit den jüngsten Ereignissen der Opposition zusammen (die Bewegungen „Linke Front“, „Solidarność“, die Partei von Nawalnow und Boris Nemzow).

Immer öfter hören wir Parolen, die Freiheit und eine Revolution im Land fordern. Moderne Dichter drücken dies in ihren Versen deutlich aus. Ein Beispiel ist Alexei Nikonov. Seine revolutionäre Rebellion und seine Position in Bezug auf die gesamte Situation im Land werden nicht nur in Gedichten, sondern auch in seinen Liedern zum Ausdruck gebracht.

Ich glaube auch, dass unser Land einen revolutionären Staatsstreich braucht. Man kann der Menschheit nicht die Freiheit nehmen, sie fesseln und zwingen, für das System zu arbeiten. Eine Person hat das Recht auf freie Meinungsäußerung, aber sie versucht, dies zu nehmen. Und es gibt keine Grenzen - Sie sind ein Baby, ein Kind oder ein Erwachsener. Daher sind mir die Bilder von Delacroix sehr nahe, genau wie er selbst.

Gothic ist kein Stil; Die Gotik endete nie: Kathedralen wurden 800-900 Jahre lang gebaut, Kathedralen niedergebrannt und wieder aufgebaut. Kathedralen wurden bombardiert und gesprengt. Und sie haben es wieder aufgebaut. Gothic ist ein Bild von Europas Selbstreproduktion, seinem Lebenswillen. Die Gotik ist die Stärke der Städte, denn Kathedralen wurden auf Beschluss der Stadtgemeinde errichtet und waren ein gemeinsames Anliegen der Mitbürger.

Kathedralen sind nicht nur Denkmäler der Religion. Gotik ist das Bild der Republik, denn die Kathedralen verkörpern den geraden Rücken der Städte und den einheitlichen Willen der Gesellschaft. Gotik ist Europa selbst, und heute, als die Kathedrale Notre Dame abbrannte, scheint Europa am Ende zu sein.

Seit dem 11. September 2001 ist auf der Welt nichts Symbolträchtigeres passiert. Es wurde bereits gesagt: Die europäische Zivilisation ist am Ende.

Es ist schwierig, das Feuer von Notre Dame nicht in eine Reihe von Ereignissen einzuordnen, die Europa zerstören und widerlegen. Alles eins zu eins: Aufruhr der "Gelbwesten", Brexit, Gärung in der Europäischen Union. Und jetzt ist der Turm der großen gotischen Kathedrale eingestürzt.

Nein, Europa ist nicht vorbei.

Gothic kann im Prinzip nicht zerstört werden: Es ist ein sich selbst reproduzierender Organismus. Wie eine Republik, so wie Europa selbst, ist die Gotik niemals authentisch – bei einer neu gebauten Kathedrale, wie bei einer neu geschaffenen Republik, kann man nicht „remake“ sagen – das bedeutet, das Wesen der Kathedrale nicht zu verstehen. Die Kathedrale und die Republik werden durch tägliche Bemühungen aufgebaut, sie sterben immer, um wiederauferstehen zu können.

Die europäische Idee einer Republik wurde viele Male verbrannt und ertränkt, aber sie lebt weiter.

1.

Das Floß der Medusa, 1819, Theodore Géricault

1819 malt der französische Künstler Théodore Géricault das Gemälde Das Floß der Medusa. Die Handlung ist bekannt - der Absturz der Fregatte "Medusa".

Entgegen bisheriger Lesart interpretiere ich dieses Bild als Symbol für den Tod der Französischen Revolution.

Géricault war ein überzeugter Bonapartist: Denken Sie daran, dass seine Kavalleriegarde zum Angriff überging. 1815 wird Napoleon bei Waterloo besiegt und die Verbündeten schicken ihn ins sterbliche Exil auf die Insel St. Helena.

Das Floß auf dem Bild ist St. Helena; und die versunkene Fregatte ist das französische Reich. Napoleons Reich war eine Symbiose aus fortschrittlichen Gesetzen und kolonialen Eroberungen, Verfassung und Gewalt, Aggression, begleitet von der Abschaffung der Leibeigenschaft in den besetzten Gebieten.

Die Sieger des napoleonischen Frankreichs – Preußen, Großbritannien und Russland – verdrängten in Person des „Korsischen Ungeheuers“ sogar die Erinnerung an die Französische Revolution, die einst die Alte Ordnung (um den Ausdruck von de Tocqueville und Taine zu verwenden) beseitigt hatte. Das französische Imperium ist besiegt, aber damit auch der Traum von einem vereinten Europa mit einer einheitlichen Verfassung.

Ein im Ozean verlorenes Floß, ein hoffnungsloser Hafen von einst majestätischem Design – so schrieb Théodore Géricault. Gericault vollendete das Gemälde 1819 – seit 1815 suchte er nach Möglichkeiten, Verzweiflung auszudrücken. Die Restauration der Bourbonen fand statt, das Pathos der Revolution und die Heldentaten der alten Garde wurden belächelt – und nun schrieb der Künstler nach der Niederlage an Waterloo:

Schau genau hin, die Leichen auf dem Floß liegen nebeneinander wie auf einem Schlachtfeld.

Die Leinwand ist aus der Sicht der Verlierer geschrieben, wir stehen zwischen den Leichen auf einem ins Meer geworfenen Floß. Es gibt einen Oberbefehlshaber an der Barrikade der Leichen, wir sehen nur seinen Rücken, einen einsamen Helden, der ein Taschentuch schwenkt - das ist derselbe Korse, der zum Tod im Ozean verurteilt ist.

Géricault schrieb ein Requiem für die Revolution. Frankreich träumte davon, die Welt zu vereinen; Die Utopie ist zusammengebrochen. Delacroix, Géricaults jüngerer Kamerad, erinnerte sich, wie schockiert von dem Bild des Lehrers er aus dem Atelier des Künstlers rannte und sich beeilte zu rennen – er floh vor überwältigenden Gefühlen. Wohin er floh, ist unbekannt.

2.

Delacroix wird normalerweise als revolutionärer Künstler bezeichnet, obwohl dies nicht stimmt: Delacroix mochte keine Revolutionen.

Delacroix' Hass auf die Republik war genetisch vererbt. Sie sagen, dass der Künstler der leibliche Sohn des Diplomaten Talleyrand war, der Revolutionen hasste, und der offizielle Vater des Künstlers war der Außenminister der Französischen Republik, Charles Delacroix, der in einen ehrenvollen Rücktritt geschickt wurde, um Platz zu machen der eigentliche Vater seiner Nachkommen. Es ist eine Schande, Gerüchten zu glauben, es ist unmöglich, nicht zu glauben. Der Sänger der Freiheit (wer kennt nicht das Gemälde „Die Freiheit führt das Volk“?) ist das Fleisch des Fleisches eines skrupellosen Kollaborateurs, der jedem Regime die Treue geschworen hat, um an der Macht zu bleiben – das ist seltsam, aber wenn Sie studieren In den Gemälden von Delacroix finden sich Ähnlichkeiten mit der Politik von Talleyrand.

Dantes Boot von Delacroix

Unmittelbar nach dem Gemälde „Das Floß der Medusa“ erscheint Delacroix‘ Gemälde „Dantes Boot“. Ein weiteres Boot, das im Wasserelement verloren geht, und das Element ist, wie die untere Ebene des Gemäldes „Das Floß der Medusa“, mit leidenden Körpern gefüllt. Im achten Gesang der Hölle schwimmen Dante und Virgil durch den Fluss Styx, in dem sich die „Wütenden“ und „Beleidigten“ winden – wir haben dieselbe alte Garde vor uns, die getötet auf dem Floß von Géricault liegt. Vergleichen Sie die Winkel der Körper - das sind die gleichen Zeichen. Dante/Delacroix schwimmt ohne Mitleid über die Gefallenen, passiert die brennende Höllenstadt Dit (sprich: das verbrannte Reich) und entfernt sich. „Sie sind keine Worte wert, schau und pass“, sagte der Florentiner, aber Dante hatte Geldräuber und Spießer im Sinn, Delacroix sagt anders. Wenn Das Floß der Medusa ein Requiem für ein revolutionäres Imperium ist, dann lässt Dantes Boot den Bonapartismus in einem Fluss der Vergessenheit zurück.

1824 schrieb Delacroix eine weitere Kopie von Géricaults „Das Floß“ – „Der Tod des Sardanapalus“. Das Bett eines östlichen Tyrannen schwimmt auf den Wellen der Ausschweifung und Gewalt - Sklaven töten Konkubinen und Pferde in der Nähe des Sterbebettes des Herrschers, damit der König mitsamt seinem Spielzeug stirbt. Der Tod des Sardanapalus ist eine Beschreibung der von frivolen Vergnügungen geprägten Herrschaft Ludwigs XVIII., des Bourbonen. Byron inspirierte den Vergleich der europäischen Monarchie mit der assyrischen Satrapie: Alle lasen das Drama Sardanapalus (1821). Delacroix wiederholte den Gedanken des Dichters: Nach dem Zusammenbruch der großen Ideen, die Europa vereinen, ist das Königreich der Ausschweifungen gekommen.

Der Tod des Sardanapalus von Delacroix

Byron träumte davon, das verschlafene Europa aufzurütteln: Er war ein Luddite, denunzierte das gierige Großbritannien, kämpfte in Griechenland; Byrons Mut erweckte Delacroix' bürgerliche Rhetorik (zusätzlich zu The Death of Sardanapalus, siehe das Gemälde Massacre at Chios); Im Gegensatz zum englischen Romantiker neigt Delacroix jedoch nicht zu brutalen Projekten. Wie Talleyrand wägt der Künstler die Möglichkeiten ab und wählt die goldene Mitte. In den Hauptbildern - Meilensteine in der politischen Geschichte Frankreichs: von der Republik - zum Imperium; vom Imperium zur Monarchie; Von der Monarchie zur konstitutionellen Monarchie. Das folgende Bild ist diesem Projekt gewidmet.

3.

„Die Freiheit führt das Volk“ von Delacroix

Die große Revolution und das große Reich verschwanden im Ozean der Geschichte, die neue Monarchie erwies sich als elend – sie ging auch unter. So erscheint Delacroix' dritte Replik von Das Floß der Medusa - das Lehrbuchgemälde "Liberty Leading the People", das Pariser auf der Barrikade darstellt. Es ist allgemein anerkannt, dass diese Leinwand ein Symbol der Revolution ist. Vor uns steht die Barrikade von 1830; die Macht Karls X., der Ludwig XVIII. auf den Thron folgte, wird gestürzt.

Die Bourbonen sind raus! Wieder sehen wir ein Floß zwischen den Leichen schwimmen - diesmal ist es eine Barrikade.

Hinter der Barrikade leuchtet es: Paris brennt, die alte Ordnung brennt. Es ist so symbolisch. Eine halbnackte Frau, die Verkörperung Frankreichs, schwenkt das Banner wie der unglückliche Mann auf dem Floß der Medusa. Ihre Hoffnung hat eine Adresse: Es ist bekannt, wer die Bourbonen ersetzt. Der Betrachter täuscht sich über das Pathos der Arbeit, vor uns liegt nur ein Wechsel der Dynastien - die Bourbonen wurden gestürzt, der Thron ging an Louis Philippe über, der den Orléans-Zweig der Valois vertrat. Die Aufständischen auf der Barrikade kämpfen nicht für die Volksmacht, sie kämpfen für die sogenannte Charta von 1814 unter einem neuen König, also für eine konstitutionelle Monarchie.

Um an der Hingabe des Künstlers an die Valois-Dynastie keinen Zweifel zu haben, schrieb Delacroix im selben Jahr „Die Schlacht von Nancy“ und erinnerte an das Ereignis von 1477. In dieser Schlacht fiel Karl X. von Burgund, und das riesige Herzogtum Burgund ging unter die Krone von Valois über. (Was für ein Reim: Karl X. von Burgund und Karl X. von Bourbon fielen zum größeren Ruhm der Valois.) Wenn Sie das Gemälde "Die Freiheit führt das Volk" nicht zusammen mit der "Schlacht von Nancy" betrachten, dann die Bedeutung von das Bild entweicht. Vor uns liegt zweifellos eine Barrikade und eine Revolution – aber eigenartig.

Was sind die politischen Ansichten von Delacroix? Sie werden sagen, er sei für die Freiheit, schau: Die Freiheit führt die Menschen. Aber wo?

Der Inspirator der Julirevolution von 1830 war Adolphe Thiers, derselbe Thiers, der 40 Jahre später, 1871, die Pariser Kommune erschießen sollte. Es war Adolphe Thiers, der das Leben von Delacroix ins Rollen brachte, indem er eine Rezension zu Dante's Boat schrieb. Es war derselbe Adolphe Thiers, der als "Monsterzwerg" bezeichnet wurde, und derselbe "Birnenkönig" Louis Philippe, auf den der Sozialist Daumier Hunderte von Karikaturen zeichnete, für die er inhaftiert wurde - um ihres Triumphes willen wert halbnackte Marianne mit Banner. „Und sie waren unter unseren Kolonnen, manchmal die Fahnenträger unserer Banner“, wie der Dichter Naum Korzhavin mehr als hundert Jahre später bitter sagte, nachdem Talleyrands Sohn das berühmte Revolutionsbild gemalt hatte.

Karikaturen von Daumier von Louis Philippe dem Birnenkönig

Man wird sagen, dass dies eine vulgäre soziologische Herangehensweise an die Kunst ist, und das Bild selbst sagt etwas anderes aus. Nein, das Bild sagt genau das - wenn man liest, was auf dem Bild gezeichnet ist.

Ruft das Bild nach einer Republik? Auf dem Weg zu einer konstitutionellen Monarchie? Auf dem Weg zur parlamentarischen Demokratie?

Leider gibt es „allgemein“ keine Barrikaden, genauso wie es keine „nicht-systemische Opposition“ gibt.

Delacroix hat keine zufälligen Leinwände gemalt. Sein kalter, rein rationaler Verstand fand in politischen Schlachten die richtigen Linien. Er arbeitete mit der Zielstrebigkeit der Kukryniksy und mit der Überzeugung von Deineka. Die Gesellschaft bildete die Ordnung; Der Künstler beurteilte seine Lebensfähigkeit und griff zum Pinsel. Viele wollen in diesem Maler einen Rebellen sehen – aber in den heutigen „Gelbwesten“ sehen viele „Rebellen“, und die Bolschewiki nannten sich viele Jahre „Jakobiner“. Das ist die Kuriosität, die republikanische Ansichten fast spontan in imperiale umwandeln – und umgekehrt.

Republiken entstehen aus dem Widerstand gegen die Tyrannei – ein Schmetterling wird aus einer Raupe geboren; die Metamorphose der Sozialgeschichte gibt Hoffnung. Die ständige Umwandlung einer Republik in ein Imperium und umgekehrt - ein Imperium in eine Republik, dieser reziproke Mechanismus scheint eine Art Perpetuum Mobile der abendländischen Geschichte zu sein.

Die politische Geschichte Frankreichs (und übrigens auch Russlands) zeigt die ständige Umwandlung des Imperiums in eine Republik und der Republik in ein Imperium. Dass die Revolution von 1830 mit einer neuen Monarchie endete, ist die halbe Miete; Wichtig ist, dass die Intelligenz ihren Durst nach sozialer Veränderung gestillt hat: Immerhin wurde unter der Monarchie ein Parlament gebildet.

Ein überwucherter Verwaltungsapparat mit Rotation alle fünf Jahre; Bei einer Fülle von Parlamentsabgeordneten betrifft die Rotation ein Dutzend Personen pro Jahr. Dies ist das Parlament der Finanzoligarchie; Aufstände brachen aus - die Hässlichen wurden erschossen. Es gibt eine Radierung von Daumier „Rue Transnanin, 19“: Der Künstler malte 1934 eine Familie von Demonstranten, die erschossen wurden. Die getöteten Stadtbewohner mochten auf Delacroix' Barrikade gestanden haben und dachten, sie würden für die Freiheit kämpfen, aber jetzt liegen sie Seite an Seite, wie Leichen auf dem Floß der Medusa. Und sie wurden von demselben Wachmann mit einer Kokarde erschossen, der neben Marianne auf der Barrikade steht.

4.

1830 – Beginn der Kolonialisierung Algeriens, wurde Delacroix mit der Mission eines Staatskünstlers nach Algerien delegiert. Er malt nicht die Opfer der Kolonialisierung, er schafft keine Leinwand, die dem Pathos des „Massakers auf Chios“ entspricht, in dem er die türkische Aggression in Griechenland brandmarkte. Romantische Leinwände sind Algier gewidmet; Wut - auf die Türkei, fortan die Hauptleidenschaft des Künstlers - die Jagd.

Ich glaube, dass Delacroix in Löwen und Tigern Napoleon sah – der Vergleich des Kaisers mit dem Tiger wurde akzeptiert – und etwas mehr als einen bestimmten Kaiser: Stärke und Macht. Raubtiere, die Pferde quälen (man erinnere sich an Gericaults "Race of Free Horses") - scheint es mir wirklich nur, dass ein Imperium dargestellt wird, das die Republik quält? Es gibt keine politisiertere Malerei als die „Jagd“ von Delacroix – der Künstler entlehnte eine Metapher des Diplomaten Rubens, der durch „Jagd“ die Transformation der politischen Landkarte vermittelte. Die Schwachen sind dem Untergang geweiht; aber zum Scheitern verurteilt und stark, wenn die Verfolgung kompetent organisiert wird.

Free Horse Run Géricault

1840 zielte die französische Politik darauf ab, den ägyptischen Sultan Mahmut Ali zu unterstützen, der sich im Krieg mit dem türkischen Reich befand. Im Bündnis mit England und Preußen ruft der französische Ministerpräsident Thiers zum Krieg auf: Wir müssen Konstantinopel einnehmen! Und so malt Delacroix 1840 die gigantische Leinwand „Die Einnahme von Konstantinopel durch die Kreuzfahrer“ – er schreibt genau nach Bedarf.

Im Louvre kann der Betrachter an „Das Floß der Medusa“, „Dantes Boot“, „Der Tod des Sardanapalus“, „Die Freiheit führt das Volk“, „Die Schlacht von Nancy“, „Die Einnahme von Konstantinopel durch die Kreuzfahrer“, „Die Frauen von Algier“ vorbeigehen – und der Betrachter ist Sicher, diese Bilder sind ein Hauch von Freiheit. Tatsächlich wurde dem Geist des Betrachters jene Vorstellung von Freiheit, Recht und Gleichheit eingepflanzt, die für die Finanzbourgeoisie des 19. Jahrhunderts bequem war.

Diese Galerie ist ein Beispiel für ideologische Propaganda.

Das Juliparlament unter Louis Philippe wurde zu einem Instrument der Oligarchie. Honore Daumier malte die geschwollenen Gesichter von Parlamentsdieben; Auch malte er die beraubten Menschen, erinnerte sich an seine Wäscherinnen und Kutschen dritter Klasse – und doch schien Delacroix auf einmal auf der Barrikade zu sein. Delacroix selbst interessierte sich nicht mehr für gesellschaftliche Veränderungen. Die Revolution, wie Talleyrands Sohn sie verstand, fand 1830 statt; alles andere ist überflüssig. Der Künstler malt zwar sein Selbstporträt von 1837 vor dem Hintergrund eines Scheins, aber schmeicheln Sie sich nicht - dies ist keineswegs das Feuer der Revolution. Ein dosiertes Verständnis von Gerechtigkeit ist im Laufe der Jahre unter Sozialdenkern populär geworden. Es liegt in der Ordnung der Dinge, soziale Veränderungen an einem Punkt festzusetzen, der fortschrittlich erscheint, und dann, so heißt es, kommt die Barbarei (vergleiche den Wunsch, die russische Revolution im Februarstadium zu stoppen).

Es ist leicht zu erkennen, wie jede neue Revolution die vorherige zu widerlegen scheint. Die vorherige Revolution erscheint in Bezug auf den neuen Protest als „altes Regime“ und sogar als „Imperium“.

Das Juli-Parlament von Louis Philippe ähnelt dem Europäischen Parlament von heute; Jedenfalls ist der Ausdruck „Brüsseler Reich“ heute in der Rhetorik von Sozialisten und Nationalisten geläufig geworden. Die Armen, die Nationalisten, die Rechten und die Linken erheben sich gegen das "Brüsseler Empire" - sie sprechen fast von einer neuen Revolution. Aber in der jüngeren Vergangenheit war das Projekt eines gemeinsamen Europas selbst revolutionär im Vergleich zu den totalitären Imperien des 20. Jahrhunderts.

Neulich schien dies ein Allheilmittel für Europa zu sein: Einigung auf republikanisch-sozialdemokratischen Prinzipien und nicht unter dem Stiefel des Imperiums; aber Metamorphose in der Wahrnehmung ist eine gewöhnliche Sache.

Die Symbiose Republik-Imperium (Schmetterlinge-Raupen) ist charakteristisch für die europäische Geschichte: Das Napoleonische Reich, Sowjetrußland, das Dritte Reich sind gerade dadurch gekennzeichnet, dass das Reich aus republikanischer Phraseologie erwachsen ist. Und jetzt wurde Brüssel dieselbe Forderung vorgelegt.

5.

Europa der Sozialdemokratie! Seit Adenauer und de Gaulle ihre Gänsefedern auf totalitäre Diktaturen gerichtet haben, hat sich zum ersten Mal seit siebzig Jahren und vor meinen Augen Ihre mysteriöse Landkarte verändert. Das Konzept, das durch die Bemühungen der Sieger des Faschismus geschaffen wurde, breitet sich aus und bröckelt. Ein gemeinsames Europa wird Utopie bleiben, und das Floß im Ozean weckt keine Sympathie.

Sie brauchen kein vereintes Europa mehr. Nationalstaaten sind der neue Traum.

Nationale Fliehkräfte und staatliche Proteste fallen in ihren Motiven nicht zusammen, sondern agieren synchron. Die Leidenschaften der Katalanen, Schotten, Waliser, Iren; Staatsansprüche Polens oder Ungarns; die Politik des Landes und der Wille des Volkes (Großbritannien und Frankreich); Sozialer Protest („Gelbwesten“ und griechische Demonstranten) scheinen Phänomene einer anderen Ordnung zu sein, aber es ist schwer zu leugnen, dass alle gemeinsam an einer gemeinsamen Sache teilnehmen – sie zerstören die Europäische Union.

Das Amoklauf der „Gelbwesten“ nennt man Revolution, das Vorgehen der Polen heißt Nationalismus, „Brexit“ ist Staatspolitik, aber zur Zerstörung der Europäischen Union wirken Werkzeuge unterschiedlicher Größe zusammen.

Wenn Sie einem Radikalen in einer gelben Weste sagen, dass er mit einem österreichischen Nationalisten zusammenarbeitet, und einem griechischen Rechtsaktivisten sagen, dass er dem polnischen Projekt "von Meer zu Meer" hilft, werden die Demonstranten nicht glauben;

wie Mélenchon nicht glaubt, mit Marine Le Pen eins zu sein. Wie sollte man den Prozess der Zerstörung der Europäischen Union nennen: Revolution oder Konterrevolution?

Im Geiste der Ideen der amerikanischen und französischen Revolution setzen sie ein Gleichheitszeichen zwischen „Volk“ und „Staat“, aber der reale Lauf der Dinge trennt die Begriffe „Volk“, „Nation“ und „Staat“ ständig “. Wer protestiert heute gegen das vereinte Europa – die Menschen? Nation? Zustand? Die „Gelbwesten“ wollen offenbar als „das Volk“ auftreten, der Austritt Großbritanniens aus der EU sei ein Schritt des „Staates“, der Protest Kataloniens eine Geste der „Nation“. Wenn die Europäische Union ein Imperium ist, welcher dieser Schritte sollte als „Revolution“ und welcher als „Konterrevolution“ bezeichnet werden? Fragen Sie auf den Straßen von Paris oder London: Im Namen dessen, was ist es notwendig, Vereinbarungen zu zerstören? Die Antwort wird den Barrikaden von 1830 würdig sein – im Namen der Freiheit!

Unter Freiheit werden traditionell die Rechte des „dritten Standes“, die sogenannten „bürgerlichen Freiheiten“ verstanden. Wir haben uns darauf geeinigt, den heutigen „Bürgerstand“ als eine Art Äquivalent zum „Dritten Stand“ des 18. Jahrhunderts zu betrachten – und der Mittelstand fordert seine Rechte gegen die heutigen Staatsbeamten ein. Das ist das Pathos der Revolutionen: Der Produzent erhebt sich gegen den Verwalter. Aber es wird immer schwieriger, die Schlagworte des „Dritten Standes“ zu verwenden: Die Begriffe „Handwerk“, „Beruf“, „Beschäftigung“ sind ebenso vage wie die Begriffe „Eigentümer“ und „Arbeitswerkzeug“. "Gelbwesten" sind in ihrer Zusammensetzung bunt gemischt; aber das ist keineswegs der „dritte Stand“ von 1789.

Der heutige Chef eines französischen Kleinunternehmens ist kein Fabrikant, er kümmert sich selbst um die Verwaltung: Er nimmt Bestellungen entgegen und sortiert sie, umgeht Steuern, sitzt stundenlang am Computer. In sieben von zehn Fällen sind seine Mitarbeiter Ureinwohner Afrikas und Menschen aus den Republiken des ehemaligen Warschauer Blocks. Auf den Barrikaden der heutigen „Gelbwesten“ stehen viele „amerikanische Husaren“ – so wurden während der Großen Französischen Revolution 1789 Menschen aus Afrika genannt, die das Chaos ausnutzten und Repressalien gegen die weiße Bevölkerung verübten.

Es ist peinlich, darüber zu sprechen, aber es gibt heute eine Größenordnung mehr „amerikanische Husaren“ als im 19. Jahrhundert.

Die "Mittelschicht" erlebt jetzt eine Niederlage - aber immer noch hat die Mittelschicht den politischen Willen, die Flüchtlingskähne vor die Küste Europas zu drängen (hier ein weiteres Bild von Géricault) und ihre Rechte nicht nur gegenüber der herrschenden Klasse geltend zu machen, aber, was noch wichtiger ist, und gegenüber Ausländern. Und wie kann ein neuer Protest geeint werden, wenn er auf die Auflösung des Vereins abzielt? Nationaler Protest, nationalistische Bewegungen, soziale Forderungen, monarchistischer Revanchismus und der Ruf nach einem neuen Gesamtprojekt – alles miteinander verwoben. Aber die Vendée, die sich gegen die Republik auflehnte, war eine heterogene Bewegung. Tatsächlich war der „Vendeen-Aufstand“ ein Bauernaufstand, der sich gegen die republikanische Verwaltung richtete, und die „Chuans“ waren Royalisten; Eines verband die Rebellen - der Wunsch, das Floß der Medusa zu ertränken.

„Henri de La Rochejaquelin in der Schlacht von Cholet“ von Paul-Emile Boutigny – eine der Episoden des Vendée-Aufstands

Was wir heute sehen, ist nichts anderes als die Vendée des 21. Jahrhunderts, eine Multi-Vektor-Bewegung gegen eine paneuropäische Republik. Ich benutze den Begriff "Vendée" als spezifische Definition, als Name des Prozesses, der die republikanische Fantasie zerstören wird. Vendée, es gibt einen permanenten Prozess in der Geschichte, es ist ein antirepublikanisches Projekt, das darauf abzielt, einen Schmetterling in eine Raupe zu verwandeln.

So paradox es auch klingen mag, auf dem aktuellen Meduza-Floß findet kein eigentlicher Kampf für Bürgerrechte statt. Dem leidenden „Mittelstand“ wird weder das Wahlrecht noch die Versammlungs- noch die Redefreiheit entzogen. Der Kampf ist für etwas anderes – und wenn Sie darauf achten, dass der Kampf um die Ablehnung gegenseitiger Verpflichtungen in Europa mit der Ablehnung der Sympathie für Ausländer zusammenfiel, dann wird die Antwort seltsam klingen.

Es wird für ein einheitliches Recht auf Unterdrückung gekämpft.

Früher oder später aber findet die Vendée ihren Anführer, und der Anführer häuft alle antirepublikanischen Ansprüche in einem einzigen imperialen Komplott an.

„Politia“ (Aristoteles’ Utopie) ist gut für alle, aber damit eine Gesellschaft gleichberechtigter Bürger existieren konnte, brauchte es Sklaven (nach Aristoteles: „geborene Sklaven“), und dieser Sklavenplatz ist heute leer. Die Frage ist nicht, ob die heutige Mittelschicht dem ehemaligen dritten Stand entspricht; die Frage ist schrecklicher - wer genau wird an die Stelle des Proletariats treten und wer wird an die Stelle der Sklaven berufen.

Delacroix hat darüber keine Leinwand geschrieben, aber die Antwort existiert trotzdem; die Geschichte hat es mehr als einmal geliefert.

Und der Offizier, niemandem unbekannt,
Schaut mit Verachtung, kalt und stumm,
Auf gewalttätige Massen sinnlos verknallt
Und ihrem rasenden Heulen lauschend,
Ärgerlich, dass es keine Hand gibt
Zwei Batterien: vertreibe diesen Bastard.

Das wird es wahrscheinlich.

Heute ist die Kathedrale niedergebrannt, und morgen wird ein neuer Tyrann die Republik hinwegfegen und die Europäische Union zerstören. Dies kann passieren.

Aber seien Sie versichert, die Geschichte der Gotik und der Republik wird damit nicht enden. Es wird einen neuen Daumier, einen neuen Balzac, einen neuen Rabelais, einen neuen de Gaulle und einen neuen Viollet-le-Duc geben, der Notre-Dame wieder aufbauen wird.

Delacroix schuf ein Gemälde, das auf der Julirevolution von 1830 basiert, die dem Restaurationsregime der Bourbonenmonarchie ein Ende setzte. Nach zahlreichen vorbereitenden Skizzen benötigte er nur drei Monate, um das Gemälde fertigzustellen. In einem Brief an seinen Bruder vom 12. Oktober 1830 schreibt Delacroix: "Wenn ich nicht für das Mutterland gekämpft habe, dann werde ich wenigstens für sie schreiben." Das Bild hat auch einen zweiten Namen: "Die Freiheit führt das Volk". Zunächst wollte der Künstler einfach eine der Episoden der Julischlachten von 1830 reproduzieren. Er war Zeuge des heldenhaften Todes von d'Arcol, als die Rebellen das Pariser Rathaus eroberten. Ein junger Mann erschien unter Beschuss auf der hängenden Greve-Brücke und rief: "Wenn ich sterbe, denken Sie daran, dass mein Name d'Arcol ist." Und er wurde wirklich getötet, schaffte es aber, die Menschen zu fesseln.

1831 sahen die Franzosen im Pariser Salon zum ersten Mal dieses Gemälde, das den „drei glorreichen Tagen“ der Julirevolution von 1830 gewidmet war. Die Leinwand beeindruckte die Zeitgenossen mit der Kraft, der Demokratie und dem Mut der künstlerischen Entscheidung. Der Legende nach rief ein angesehener Bürger aus: „Sie sagen - der Schulleiter? Sag es mir besser - der Kopf der Rebellion! *** Nach der Schließung des Salons beeilte sich die Regierung, es dem Autor zurückzugeben, erschrocken über die beeindruckende und inspirierende Anziehungskraft, die von dem Bild ausging. Während der Revolution von 1848 wurde es im Luxemburger Palast erneut öffentlich ausgestellt. Und wieder zurück zum Künstler. Erst nachdem die Leinwand 1855 auf der Weltausstellung in Paris ausgestellt wurde, landete sie im Louvre. Bis heute wird hier eine der besten Schöpfungen der französischen Romantik aufbewahrt – ein inspirierter Zeitzeugenbericht und ein ewiges Denkmal für den Freiheitskampf der Völker.

Welche künstlerische Sprache hat der junge französische Romantiker gefunden, um diese beiden scheinbar gegensätzlichen Prinzipien zu verschmelzen - eine breite, allumfassende Verallgemeinerung und eine konkrete Realität, die in ihrer Nacktheit grausam ist?

Paris der berühmten Julitage 1830. In der Ferne erheben sich kaum wahrnehmbar, aber stolz die Türme der Kathedrale Notre Dame – ein Symbol für Geschichte, Kultur und den Geist des französischen Volkes. Von dort aus, aus der verrauchten Stadt, über die Ruinen von Barrikaden, über die Leichen toter Kameraden, schreiten die Aufständischen hartnäckig und entschlossen voran. Jeder von ihnen kann sterben, aber der Schritt der Rebellen ist unerschütterlich – sie sind beseelt vom Willen zum Sieg, zur Freiheit.

Diese inspirierende Kraft verkörpert das Bild einer schönen jungen Frau, die in einem leidenschaftlichen Ausbruch nach ihr ruft. Mit unerschöpflicher Energie, freier und jugendlicher Schnelligkeit gleicht sie der griechischen Siegesgöttin Nike. Ihre starke Figur ist in ein Chitonkleid gekleidet, ihr Gesicht mit perfekten Zügen, mit brennenden Augen, ist den Rebellen zugewandt. In der einen Hand hält sie die dreifarbige Flagge Frankreichs, in der anderen eine Waffe. Auf dem Kopf befindet sich eine phrygische Mütze - ein altes Symbol der Befreiung aus der Sklaverei. Ihr Schritt ist schnell und leicht – so gehen Göttinnen. Gleichzeitig ist das Bild einer Frau echt - sie ist die Tochter des französischen Volkes. Sie ist die führende Kraft hinter der Bewegung der Gruppe auf den Barrikaden. Von ihm, wie von einer Lichtquelle im Energiezentrum, gehen Strahlen aus, die sich mit Durst und Siegeswillen aufladen. Diejenigen, die ihm nahe stehen, bringen auf ihre Weise ihr Engagement für diesen inspirierenden Aufruf zum Ausdruck.

Rechts ist ein Junge, ein Pariser Gamen, der Pistolen schwingt. Er ist der Freiheit am nächsten und gleichsam entfacht von ihrer Begeisterung und Freude am freien Impuls. In einer flinken, knabenhaft ungeduldigen Bewegung ist er seinem Vorbild sogar ein wenig voraus. Dies ist der Vorläufer des legendären Gavroche, den Victor Hugo zwanzig Jahre später in Les Misérables porträtierte: „Gavroche, voller Inspiration, strahlend, hat es sich zur Aufgabe gemacht, das Ganze in Gang zu setzen. Er huschte hin und her, erhob sich, fiel hin, erhob sich wieder, machte Lärm, strahlte vor Freude. Es scheint, dass er hierher gekommen ist, um alle aufzuheitern. Hatte er ein Motiv dafür? Ja, natürlich, seine Armut. Hatte er Flügel? Ja, natürlich, seine Fröhlichkeit. Es war eine Art Wirbelwind. Es schien die Luft mit sich selbst zu füllen, überall gleichzeitig präsent zu sein ... Riesige Barrikaden spürten es auf seinem Rückgrat.**

Gavroche in Delacroix‘ Gemälde ist die Verkörperung der Jugend, ein „schöner Impuls“, eine freudige Annahme der leuchtenden Idee der Freiheit. Zwei Bilder – Gavroche und Liberty – scheinen sich zu ergänzen: Das eine ist ein Feuer, das andere eine davon entzündete Fackel. Heinrich Heine erzählte, welch lebhaftes Echo die Gestalt Gavroches bei den Parisern hervorrief. "Verdammt! rief ein Lebensmittelhändler aus, "diese Jungs haben wie Riesen gekämpft!" ***

Auf der linken Seite ist ein Student mit einer Waffe. Früher galt es als Selbstporträt des Künstlers. Dieser Rebell ist nicht so schnell wie Gavroche. Seine Bewegung ist zurückhaltender, konzentrierter, sinnvoller. Hände drücken selbstbewusst den Lauf der Waffe, das Gesicht drückt Mut aus, feste Entschlossenheit, bis zum Ende zu stehen. Das ist ein zutiefst tragisches Bild. Der Student ist sich der Unausweichlichkeit der Verluste bewusst, die die Rebellen erleiden werden, aber die Opfer erschrecken ihn nicht – der Wille zur Freiheit ist stärker. Hinter ihm steht ein ebenso mutiger wie entschlossener Arbeiter mit Säbel. Verwundet zu Füßen der Freiheit. Er erhebt sich nur mit Mühe, um noch einmal zur Freiheit aufzublicken, um mit ganzem Herzen jene Schönheit zu sehen und zu fühlen, für die er stirbt. Diese Figur bringt einen dramatischen Start in den Klang von Delacroix' Leinwand. Wenn die Bilder von Gavroche, Liberty, dem Studenten, dem Arbeiter fast Symbole sind, die Verkörperung des unerbittlichen Willens der Freiheitskämpfer – den Betrachter inspirieren und auffordern, dann ruft der Verwundete nach Mitgefühl. Der Mensch verabschiedet sich von der Freiheit, verabschiedet sich vom Leben. Er ist noch ein Impuls, eine Bewegung, aber schon ein verblassender Impuls.

Seine Figur ist übergangsweise. Der Blick des Betrachters, immer noch fasziniert und mitgerissen von der revolutionären Entschlossenheit der Rebellen, senkt sich zum Fuß der Barrikade, bedeckt mit den Körpern der glorreichen toten Soldaten. Der Tod wird vom Künstler in aller Nacktheit und Evidenz der Tatsache dargestellt. Wir sehen die blauen Gesichter der Toten, ihre nackten Körper: Der Kampf ist erbarmungslos, und der Tod ist ein ebenso unvermeidlicher Begleiter der Rebellen wie die schöne Inspiratorin Freiheit.

Von dem schrecklichen Anblick am unteren Bildrand heben wir wieder den Blick und sehen eine schöne junge Gestalt – nein! Leben gewinnt! Der so sicht- und fühlbar verkörperte Freiheitsgedanke ist so zukunftsorientiert, dass der Tod in seinem Namen nicht furchtbar ist.

Der Künstler zeigt nur eine kleine Gruppe von Rebellen, lebende und tote. Aber die Verteidiger der Barrikade scheinen ungewöhnlich zahlreich. Die Komposition ist so aufgebaut, dass die Gruppe der Kämpfer nicht begrenzt, nicht in sich geschlossen ist. Sie ist nur ein Teil einer endlosen Lawine von Menschen. Der Künstler gibt gleichsam ein Fragment der Gruppe wieder: Der Bildrahmen schneidet die Figuren links, rechts und unten ab.

Normalerweise erhält die Farbe in den Werken von Delacroix einen emotionalen Klang und spielt eine dominierende Rolle bei der Schaffung eines dramatischen Effekts. Die Farben, mal tobend, mal verblassend, gedämpft, erzeugen eine gespannte Atmosphäre. In Freiheit auf den Barrikaden weicht Delacroix von diesem Prinzip ab. Sehr genau, unmissverständlich die Farbe wählend, mit breiten Strichen auftragend, vermittelt der Künstler die Atmosphäre der Schlacht.

Doch die Farbpalette ist zurückhaltend. Delacroix konzentriert sich auf die Reliefmodellierung der Form. Dies erforderte die figurative Lösung des Bildes. Schließlich hat der Künstler mit der Darstellung eines bestimmten gestrigen Ereignisses auch diesem Ereignis ein Denkmal gesetzt. Daher sind die Figuren fast skulptural. Daher stellt jede Figur als Teil eines einzigen Ganzen des Bildes auch etwas in sich Geschlossenes dar, stellt ein in eine vollendete Form gegossenes Symbol dar. Daher wirkt Farbe nicht nur emotional auf die Gefühle des Betrachters, sondern trägt eine symbolische Last. Im braungrauen Raum blitzt hier und da ein feierlicher Dreiklang aus Rot, Blau, Weiß auf – die Farben des Banners der Französischen Revolution von 1789. Die wiederholte Wiederholung dieser Farben unterstützt den kraftvollen Akkord der Trikolore, die über den Barrikaden weht.

Delacroix' Gemälde "Freiheit auf den Barrikaden" ist in seinem Umfang ein komplexes, grandioses Werk. Hier verbinden sich die Authentizität des unmittelbar Gesehenen und die Symbolik der Bilder; Realismus, der brutalen Naturalismus und ideale Schönheit erreicht; rau, schrecklich und erhaben, rein.

Das Gemälde „Freiheit auf den Barrikaden“ festigte den Sieg der Romantik in der französischen „Schlacht bei Poitiers“ und „Die Ermordung des Bischofs von Lüttich“. Delacroix ist Autor von Gemälden nicht nur zu Themen der Französischen Revolution, sondern auch von Kampfkompositionen zu Themen der Nationalgeschichte ("Die Schlacht von Poitiers"). Auf seinen Reisen fertigte der Künstler zahlreiche Naturskizzen an, auf deren Grundlage er nach seiner Rückkehr Gemälde schuf. Diese Arbeiten zeichnen sich nicht nur durch ihr Interesse an Exotik und romantischer Farbigkeit aus, sondern auch durch die tief empfundene Originalität des nationalen Lebens, der Mentalität und der Charaktere.

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